1 ng 24
Presentasyon sa paksa:
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Antonio Vavaldi (1678-1741) Antonio Vivaldi - Italyano na kompositor, biyolinista, guro, konduktor. Nag-aral siya ng violin kasama ang kanyang ama na si Giovanni Battista Vivaldi. Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ay ang cycle ng 4 violin concerto na "The Seasons" - isang maagang halimbawa ng programa symphonic music. Malaki ang kontribusyon ni Vivaldi sa pagbuo ng instrumentasyon (siya ang unang gumamit ng mga obo, sungay, bassoon at iba pang instrumento bilang independyente, sa halip na mga duplicate). Antonio Vivaldi - kompositor ng Italyano, biyolinista, guro, konduktor. Nag-aral siya ng violin kasama ang kanyang ama na si Giovanni Battista Vivaldi. Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ay ang ikot ng 4 na konsiyerto ng biyolin na "The Seasons" - isang maagang halimbawa ng symphonic music ng programa. Malaki ang kontribusyon ni Vivaldi sa pagbuo ng instrumentasyon (siya ang unang gumamit ng mga obo, sungay, bassoon at iba pang instrumento bilang independyente, sa halip na mga duplicate).
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Johann Sebastian Bach (1685-1750) Si Johann Sebastian Bach ay isang Aleman na kompositor at organista, isang kinatawan ng panahon ng Baroque. Ang kanyang pangalan ay regular na binabanggit sa mga listahan ng mga pinakasikat na kompositor sa mundo. Sa kanyang buhay, sumulat si Bach ng higit sa 1000 mga gawa. Kinakatawan ng kanyang trabaho ang lahat ng mahahalagang genre ng panahong iyon, maliban sa opera; ibinuod niya ang mga nagawa ng sining ng musika noong panahon ng Baroque. Si Bach ay isang master ng polyphony. Pagkatapos ng kamatayan ni Bach, ang kanyang musika ay nawala sa uso, ngunit noong ika-19 na siglo, salamat sa Mendelssohn, ito ay muling natuklasan. Ang kanyang trabaho ay nagkaroon malakas na impluwensya sa musika ng mga sumunod na kompositor, kabilang ang mga nasa ika-20 siglo.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Franz Joseph Haydn (1732-1809) Franz Joseph Haydn - ang dakila Austrian kompositor, kinatawan ng Viennese classical na paaralan, isa sa mga tagapagtatag ng mga genre ng musika tulad ng symphony at string quartet. Ang kadakilaan ni Haydn bilang isang kompositor ay higit na ipinakita sa kanyang dalawang huling mga gawa: ang dakilang oratorio na “The Creation of the World” (1798) at “The Seasons” (1801). Ang oratorio "The Seasons" ay maaaring magsilbi bilang isang huwarang pamantayan ng musical classicism. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, nasiyahan si Haydn ng napakalaking katanyagan.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Antonio Salieri (1750-1825) Si Antonio Salieri ay isang Italyano na kompositor, konduktor at guro. Siya ay nagmula sa isang mayamang pamilya ng mga mangangalakal at nag-aral sa bahay upang tumugtog ng biyolin at alpa. Sumulat si Salieri ng higit sa 40 mga opera, kung saan ang "Danaides", "Tarare" at "Falstaff" ay sikat hanggang ngayon. Lalo na para sa pagbubukas ng teatro ng La Scala, isinulat niya ang opera na "Kinikilalang Europa," na ginagawa pa rin sa yugtong ito. Sumulat din si Salieri ng maraming orkestra, silid, at sagradong musika, kasama. "Requiem", na isinulat noong 1804, ngunit unang gumanap sa kanyang libing.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Si Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Si Wolfgang Amadeus Mozart ay isang kilalang kinatawan ng Viennese classical school of composition. Isa rin siyang virtuoso violinist, harpsichordist, organist, at conductor. Ayon sa mga kontemporaryo, siya ay may kahanga-hangang tainga para sa musika, memorya at ang kakayahang mag-improvise. Sumulat si Mozart ng 68 sagradong gawa, 23 gawa para sa teatro, 22 sonata para sa harpsichord, 45 sonata at mga variation para sa violin at harpsichord, 32 string quartets, 49 symphony, 55 concerto, atbp., para sa kabuuang 626 na gawa.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Si Ludwin van Beethoven (1770-1827) Si Ludwig van Beethoven ay isang mahusay na kompositor, konduktor at pianista ng Aleman. Si Beethoven ang may-akda ng maraming mga gawa na namangha sa kanyang mga kontemporaryo sa kanilang drama at novelty ng musikal na wika. Kabilang sa mga ito: piano sonatas No. 8 (“Pathetique”), 14 (“Moonlight”), sonata No. 21 (“Aurora”).
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Niccolò Paganini (1782-1840) Si Niccolò Paganini ay isang Italyano na biyolinista at birtuoso na gitarista at kompositor. Isa sa pinaka maliliwanag na personalidad musikal kasaysayan XVIII-XIX mga siglo. Kinikilalang henyo ng sining ng musikal sa mundo. Mula sa edad na anim, tumugtog ng biyolin si Paganini, at sa edad na siyam ay nagsagawa siya ng isang konsiyerto sa Genoa, na isang malaking tagumpay. Bilang isang batang lalaki, sumulat siya ng ilang mga gawa para sa biyolin, na napakahirap na walang sinuman maliban sa kanyang sarili ang maaaring gumanap ng mga ito.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Gioachino Rossini (1792-1868) Si Gioachino Antonio Rossini ay isang Italyano na kompositor, may-akda ng ilang dosenang mga opera. Mula pagkabata, nag-aral si Gioachino ng pagkanta, pagtugtog ng cymbal at violin, pati na rin ang teorya ng musika. Sa pagkakaroon ng magandang boses, kumanta siya sa mga koro ng simbahan, gumanap bilang isang accompanist at konduktor ng koro sa mga opera house. Ang unang opera, "Promissory Note for Marriage," ay isinulat noong 1810. Sa mga sumunod na taon, regular siyang nagsulat ng mga opera para sa mga teatro sa Venice at Milan.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Franz Peter Schubert (1797-1828) Franz Peter Schubert - Austrian kompositor, isa sa pinakamalaking kinatawan Classical ng Vienna paaralan ng musika at isa sa mga nagtatag ng romanticism sa musika. Pagkatapos ng kanyang kamatayan, isang masa ng mga manuskrito ang nanatili na kalaunan ay nakakita ng liwanag (6 na misa, 7 symphony, 15 opera, atbp.). Si Franz Schubert, isang kompositor ng Aleman, ay nabuhay lamang ng 31 taon, ngunit nagsulat ng higit sa 600 mga kanta, maraming magagandang symphony at sonata, malaking bilang ng mga koro at musika sa silid. Siya ay nagtrabaho nang husto.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Felix Mendelssohn (1809-1847) Felix Mendelssohn - Aleman na kompositor at konduktor, isa sa pinakamalaking kinatawan romantikong direksyon sa musika, may-akda ng sikat na martsa ng kasal. Ang istilo ng kompositor ay nakikilala sa pamamagitan ng filigree technique, kagandahan at kagandahan, at kalinawan ng presentasyon. Para sa maliwanag at masayang kalikasan ng musika, tinawag ni Schumann si Mendelssohn na "ang Mozart ng ika-19 na siglo." Mahusay din ang mga merito ni Mendelssohn bilang isang konduktor.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Frederic Chopin (1810-1849) Si Frederic Chopin ay isang Polish na kompositor at pianista na nanirahan sa France sa mahabang panahon. May-akda ng maraming mga gawa para sa piano. Binibigyang-kahulugan niya ang maraming mga genre sa isang bagong paraan: binuhay niya ang pasimula sa isang romantikong batayan, lumikha ng ballad ng piano, nagpatula at nagsasadula ng mga sayaw - mazurka, polonaise, waltz; naging scherzo pansariling gawain. Pinayaman ang pagkakatugma at pagkakayari ng piano; pinagsamang klasikal na anyo na may melodic na kayamanan at imahinasyon. Ang kanyang pagganap sa piano ay pinagsama ang lalim at katapatan ng mga damdamin na may biyaya at teknikal na pagiging perpekto.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Robert Schumann (1810-1856) Si Robert Schumann ay isang Aleman na kompositor at pianista. Isa sa mga pinakatanyag na kompositor ng unang kalahati ng ika-19 na siglo, na kumakatawan sa kilusan ng romantikismo. Malikhaing tagumpay Dumating ang musika ni Schumann madulang tula"Manfred" ni J. Byron. Si Schumann ay gumawa ng mahusay na kontribusyon sa musikal na kritisismo. Ang pagtataguyod ng gawain ng mga klasikal na musikero sa mga pahina ng kanyang magazine, paglaban sa mga anti-artistic na phenomena ng ating panahon, sinuportahan niya ang bagong European romantikong paaralan.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Franz Liszt (1811-1886) Franz Liszt - kompositor, pianista, guro, konduktor, publicist, isa sa mga nangungunang kinatawan musical romanticism. Si Liszt ang naging pinakadakilang pianista noong ika-19 na siglo. Ang kanyang panahon ay ang kasagsagan ng concert pianism, si Liszt ang nangunguna sa prosesong ito, na may walang limitasyong mga teknikal na kakayahan. Hanggang ngayon, ang kanyang virtuosity ay nananatiling isang reference point para sa mga modernong pianista, at ang kanyang mga gawa ay nananatiling tuktok ng piano virtuosity.
Paglalarawan ng slide:
Giuseppe Verdi (1813-1901) Giuseppe Fortunino Francesco Verdi - Italyano na kompositor, gitnang pigura Italyano paaralan ng opera. Ang kanyang pinakamahusay na mga opera (Rigoletto, La Traviata, Aida), na kilala sa kanilang mayamang melodic expressiveness, ay madalas na itanghal sa mga opera house sa buong mundo. Noong nakaraan, madalas na hinahamak ng mga kritiko (para sa "pagpapasaya sa panlasa ng ordinaryong mga tao", "pinasimpleng polyphony" at "walang kahihiyang melodramatization"), ang mga obra maestra ni Verdi ay bumubuo ng batayan ng ordinaryong operatic repertoire isang siglo at kalahati pagkatapos ng mga ito ay isulat.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Modest Mussorgsky 1839-1881 Modest Petrovich Mussorgsky ay isang Russian kompositor, may-akda ng mga sikat na opera sa mga tema ng kasaysayan ng Russia. Nakamit niya ang katanyagan mula sa opera na "Boris Godunov", na itinanghal sa Mariinsky Theater sa St. noong 1874 at kinilala sa ilan mga music club isang huwarang gawain. Sa Moscow, ang "Boris Godunov" ay itinanghal sa unang pagkakataon sa Bolshoi Theatre noong 1888.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Pyotr Ilyich Tchaikovsky 1840-1893Pyotr Ilyich Tchaikovsky - kompositor ng Russia, isa sa pinakamahusay na melodista, konduktor, guro, musikal pampublikong pigura. Aktibong lumahok si Tchaikovsky buhay musikal Moscow, ang kanyang mga gawa ay nai-publish at gumanap dito, at ang mga pangunahing genre ng pagkamalikhain ay natukoy. Ang resulta ng pagpupulong noong 1868 at malikhaing pakikipag-ugnayan sa mga miyembro ng " Makapangyarihang grupo"ay ang paglikha ng mga programmatic symphonic na gawa. Ang nilalaman ng musika ni Tchaikovsky ay unibersal: sinasaklaw nito ang mga larawan ng buhay at kamatayan, pag-ibig, kalikasan, pagkabata, pang-araw-araw na buhay, inihayag nito sa isang bagong paraan ang mga gawa ng panitikan ng Russia at mundo - A. S. Pushkin at N. V. Gogol, Shakespeare at Dante.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov - Ruso na kompositor, guro, konduktor, pampublikong pigura, kritiko ng musika; kinatawan ng "Mighty Handful", may-akda ng 15 opera, 3 symphony, symphonic na gawa, mga instrumental na konsiyerto, cantatas, chamber instrumental, vocal at sagradong musika. Ang mga nangungunang gawa ni Rimsky-Korsakov para sa orkestra ay ang Capriccio Espagnol (1887) at ang symphonic suite na Scheherazade (1888). Makabuluhang lugar sa malikhaing pamana Ang Rimsky-Korsakov ay inookupahan ng chamber vocal lyrics. Sumulat ng 79 na romansa, kabilang ang vocal loops"Sa Spring", "Sa Makata", "Sa tabi ng Dagat".
Paglalarawan ng slide:
Sergei Rachmaninov (1873-1943) Si Sergei Vasilyevich Rachmaninov ay isang mahusay na kompositor, pianista at konduktor ng Russia. Ang pinakamalaking kompositor ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo, si Rachmaninov ay na-synthesize sa kanyang trabaho ang mga prinsipyo ng St. Petersburg at Moscow mga paaralan ng kompositor(pati na rin ang mga tradisyon Kanlurang Europa musika), at lumikha ng isang bagong pambansang istilo, na kasunod ay nagkaroon ng makabuluhang impluwensya sa parehong musikang Ruso at mundo noong ika-20 siglo. Ang pinakamalaking pianist sa mundo, itinatag ni Rachmaninov ang pandaigdigang priyoridad ng Russian pianistic na paaralan at ang aesthetic at artistikong prinsipyo nito.
Slide no
Paglalarawan ng slide:
Dmitri Shostakovich (1906-1975) Dmitri Dmitrievich Shostakovich - Ruso kompositor ng Sobyet, pianista, guro at pampublikong pigura, isa sa mga pinakamahalagang kompositor ng ika-20 siglo. Patuloy na nag-aaral ng mga klasikal at avant-garde na tradisyon, binuo ni Shostakovich ang kanyang sariling wikang pangmusika, emosyonal na sisingilin at umaantig sa puso ng mga musikero at mahilig sa musika sa buong mundo. Ang pinaka-kilalang mga genre sa gawa ni Shostakovich ay mga symphony at string quartets - sumulat siya ng 15 gawa sa bawat isa sa kanila. Kabilang sa mga pinakasikat na symphony ay ang Fifth at Eighth, kabilang sa mga quartets ay ang Eighth and Fifteenth.
Interpretasyon ng musika bilang isang resulta ng pakikipag-ugnayan ng notasyon ng musika, mga tradisyon ng pagganap at ang malikhaing kalooban ng tagapalabas.
Ang impormasyon ng may-akda ay naghihikayat sa gumaganap na mag-isip, mag-isip, maghanap ng mga asosasyon, at magdulot ng mga emosyon. Ang gumaganap na impormasyon ay nakakaimpluwensya sa impormasyon ng may-akda, nagpapaliit o nagpapalawak nito, pinupunan ito, binabago ito, iyon ay, ang muling pag-iisip ng gawaing musikal ay nangyayari, bilang isang resulta kung saan ang isang masining na imahe ay nilikha. Ang muling interpretasyon ng impormasyon ng may-akda ay hindi dapat humantong sa pagbaluktot ng intensyon ng may-akda. Ang tunay na gumaganap na co-creation ay posible lamang kapag ang impormasyon ng may-akda ay nakahanap ng katumbas na damdamin sa gumaganap.
Ang paggawa sa isang piraso ng musika ay malikhaing proseso, ang pagkakaiba-iba nito ay nauugnay pareho sa artistikong katangian mga gawa, at may iba't ibang indibidwal na katangian ng tagapalabas. Anong mga gawain ang kinakaharap niya? At kung ano ang nagtataguyod ng pag-unlad pagkamalikhain performer, pinasisigla ang pagbuo ng kanyang panlasa sa musika at mga propesyonal na kasanayan?
Upang gumanap ay nangangahulugan na lumikha sa pamamagitan ng malalim na pagtagos sa nilalaman ng isang gawa at ang sagisag ng nilalamang musikal batay sa isang masining na imahe. Ang muling paglikha ng nilalaman ng isang gawa ay nagpapahiwatig ng katapatan sa teksto ng may-akda, pag-unawa sa ideolohikal na oryentasyon ng akda, at emosyonal na kayamanan (ang sining ng musikal ay nakakaapekto sa emosyonal na globo ng pang-unawa ng tao).
Ang paglikha ng isang masining na imahe ay imposible nang hindi isinasaalang-alang ang pagka-orihinal makasaysayang panahon kung saan nilikha ang gawain; mga tampok ng genre nito, pambansang katangian ang pananaw sa mundo ng kompositor, ang likas na katangian ng paggamit ng mga nagpapahayag na paraan ng musika, iyon ay, lahat ng tinatawag nating mga tampok o katangian ng estilista.
Interpretasyon -(mula sa Latin interpretatio - paglilinaw, interpretasyon) - ang proseso ng tunog na pagsasakatuparan ng isang musikal na teksto. Ang interpretasyon ay nakasalalay sa mga prinsipyo ng aesthetic paaralan o kilusan kung saan nabibilang ang artista, sa kanyang mga indibidwal na katangian at layunin ng ideolohikal at masining. Ipinagpapalagay ng interpretasyon ang isang indibidwal na diskarte sa musikang ginaganap, isang aktibong saloobin, at ang pagkakaroon ng sariling malikhaing konsepto ng tagapalabas para sa sagisag ng intensyon ng may-akda. Hanggang sa simula ng ika-19 na siglo, ang sining ng interpretasyon ay malapit na konektado sa gawain ng mga kompositor: bilang isang patakaran, ang mga kompositor mismo ay gumanap ng kanilang mga gawa. Ang pag-unlad ng interpretasyon ay dahil sa pagtindi ng mga aktibidad sa konsyerto.
Bilang isang malayang sining, ang interpretasyon ay nakakuha ng espesyal na kahalagahan noong 20-30s ng ika-19 na siglo. Sa pagsasagawa ng pagsasanay ito ay pinagtitibay bagong uri musikero-interpreter - tagaganap ng mga gawa ng iba pang kompositor. Sa parallel, may mga tradisyon ng orihinal na pagganap. Ang mga banayad na tagapagsalin ng mga gawa ng iba pang mga may-akda ay sina F. Liszt, A.G. Rubinstein, S.V. Mula noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, umuunlad ang teorya ng interpretasyong musikal (pinag-aaralan ang iba't ibang mga paaralang gumaganap, mga prinsipyo ng aesthetic ng interpretasyon, mga problema sa teknolohikal ng pagganap), na sa simula ng ika-20 siglo ay naging isa sa mga lugar. ng musicology. Ang mga makabuluhang kontribusyon sa pag-unlad ng teorya ng interpretasyon ng Russia ay ginawa ni G.M. Kogan, G.G.
Layunin at subjective, intuitive at rational sa musical performance. Ang pagiging malikhain ng pagganap.
Sikat na piyanista I. Hoffman ay sumulat: “Ang tamang interpretasyon ng isang gawaing musikal ay nagmumula sa isang tamang pag-unawa dito, at iyon naman, ay nakasalalay sa isang masusing tumpak na pagbasa.” Nangangahulugan ito na ang tamang katangian ng pagtatanghal ay pinatutunayan, una sa lahat, sa pamamagitan ng isang makabuluhang interpretasyon na mahigpit na tumutugma sa teksto ng may-akda "Ang musikal na teksto ay yaman na ipinamana ng kompositor, at ang kanyang mga tagubilin sa pagganap ay isang kasamang liham sa kalooban, ” sabi ng kompositor at pianista na si S. Feinberg. Gayunpaman, mayroong hindi lamang teksto, kundi pati na rin ang subtext ng trabaho. Ang kahanga-hangang pianista na si K. Igumnov ay naniniwala na ang tagapalabas ay dapat ding magdala ng "isang magandang kalahati" sa teksto mula sa kanyang sarili, iyon ay, dapat niyang lapitan ang panloob na katangian ng trabaho, ihayag ang subtext nito. Ang maalamat na si G. Neuhaus ay patuloy na nagpapaalala sa amin ng pangangailangan na patuloy na bungkalin ang mood ng gawaing ginagampanan, dahil ito ay tiyak sa mood na ito, na hindi ganap na pumapayag sa musikal na notasyon, na ang buong kakanyahan ng masining na imahe ay namamalagi. Mula sa lahat ng nasa itaas, sumusunod na ang eksaktong pagpapatupad ng teksto ng kompositor ay hindi dapat mangahulugan ng pormal na pagpaparami nito, ngunit isang makabuluhang malikhaing "pagsasalin" ng recording-scheme sa totoong tunog na mga imahe.
Ang pag-unawa at interpretasyon bilang dialectically interconnected na mga aspeto ng interpretasyon. Ang henerasyon ng mga bagong kahulugan bilang resulta ng interpretasyon. Mga detalye masining na interpretasyon, intuitive na pag-unawa sa bagay ng interpretasyon (karanasan, synergetics).
Ang papel ng semantiko at pagsusuri ng aesthetic gumagana para sa pagsasagawa ng interpretasyon
Intentionality at unintentionality sa musical interpretation
Tandaan natin na ang pagtatanghal ng musika ay, una sa lahat, isang pamamaraan at dinamikong sandali. Nangangahulugan ito na ang pagbabago ng isang musikal na imahe sa entablado ay natural, kung saan ang ilang partikular na pagbabago sa interpretasyon ng musikal na imahe ay nangyayari. Pinag-uusapan ng mga mananaliksik ang pagkakaiba-iba ng pagpaparami ng musika ng isang performer o kumbinasyon ng variable at invariant na mga elemento.
Ang proseso ng interpretive ay maaaring iharap bilang interaksyon ng dalawang magkasalungat na prinsipyo - sinadya (bilang pokus ng matatag sa proseso) at hindi sinasadya (bilang pokus ng nababago sa proseso). Ang dalawang malaki at kumplikadong mga layer na ito ay bumubuo sa istraktura ng proseso. Ang paglalahad ng istrukturang ito sa oras, ang kabuuan at koneksyon ng mga elemento nito ay bumubuo ng isang gumagalaw na integridad ng tunog, na, sa katunayan, ay isang proseso ng pagpapakahulugan.
Sinadyang Simula ay isang pangkalahatang pagpapahayag ng ibinigay na katangian ng proseso. Kasama sa mga sinadyang elemento ang mga elemento na ang mga parameter ng kalidad ay na-program ng musikero bago magsimula ang mga aksyon na gumaganap at kung saan nilalayon niyang ipatupad sa paparating na proseso. Magkasama, ang mga elementong ito ay bumubuo ng sinasadyang binalak na bahagi ng gumaganap na interpretasyon at bumubuo ng quantitative dominant ng proseso. Ang kanilang mga natatanging tampok ay: panloob na pagganyak, katiyakan at kahalagahan ng semantiko. Sa isang antas o iba pa, sinasaklaw ng intensyonalidad ang lahat ng antas ng istraktura ng disenyo. Ang sinadyang simula ay nagtataglay ng tatak ng indibidwal na artistikong kamalayan ng artist at ito ay tanda ng kanyang pagiging malikhain.
Ang proseso ng interpretative ay hindi mababawasan sa sunud-sunod na ipinatupad na intentionality. Dumating sa sarili nitong hindi sinasadyang pagsisimula, na kung saan ay hindi maaaring hindi naroroon sa mga gawa ng objectification at may isang pangunahing kakaibang kalikasan. Ang isang hindi sinasadyang simula ay isang dinamikong bahagi ng proseso, ang mga elemento na kung saan ay kusang bumangon, lumilitaw sa anyo ng mga paglihis mula sa kurso na itinakda ng orihinal na plano at bumubuo ng isang "existential field" ng kawalan ng katiyakan. Ang bahaging ito, na sumasalamin sa hindi makatwiran na aspeto ng pagsasagawa ng pagkamalikhain, ay nagiging tagapagdala ng mismong posibilidad ng isang hindi nahuhulaang, self-generating na pagbabago sa image-plan. Kasama sa hindi sinasadyang pagsisimula ang mga elemento ng iba't ibang kalikasan. Kung isasaalang-alang natin ang mga ito sa content-semantic plane, kung gayon ang pangangailangan ay lumitaw na hatiin ang mga hindi sinasadyang elemento sa dalawang subtype: semantic at asemantic.
Semantiko (improvisasyon) ang isang uri ay pinag-iisa ang isang pangkat ng mga elementong incidental na pinagkalooban ng masining at nagpapahayag na kahulugan. Ang pagiging isang malikhaing produkto ng "libre" (hindi tinukoy) na aktibidad ng walang malay, ang resulta ng panandaliang "aktibidad" ng intuwisyon, imahinasyon, pantasya at panloob na paggalaw ng mga damdamin, karaniwang tinatawag na artistikong karanasan, bumubuo sila ng isang artistikong produktibong layer ng isang hindi sinasadyang simula. Ang kanilang mga katangian ay: hindi sinasadya, bagong bagay at semantiko na kahalagahan, at ang huli ay bumubuo ng batayan ng pagkakaisa at pagkakamag-anak ng mga improvisasyon at sinasadyang mga elemento, na bumalik sa isang pinagmulan - ang tunog na imahe. Kasama sa hindi sinasadyang simula ang improvisasyon, ngunit hindi limitado dito.
Asemantic (magulo) pinagsasama ng pananaw ang isang pangkat ng mga hindi sinasadyang elemento, ang hitsura nito ay hindi sanhi ng artistikong mga kadahilanan, ngunit sa pamamagitan ng isang "pagkabigo" sa aktibidad. Ang pinagmulan ng mga elementong ito ay nauugnay sa mga paglabag sa mga teknolohikal at regulasyong lugar ng pagpapatupad. Lumilitaw ang mga ito sa anyo ng mga error sa pagganap, mga depekto at mga sandali ng disorganisasyon ng proseso. Ang mga elemento ng asemantiko ay nagdudulot ng pinsala sa kung ano ang nilalayon, hindi nagbibigay ng isang "layunin" na semantikong resulta, ngunit nagpapakilala lamang ng higit pa o hindi gaanong makabuluhang pagkasira sa proseso, at samakatuwid ay bumubuo ng isang artistikong hindi produktibong layer ng isang hindi sinasadyang simula. Isinasaalang-alang ang labis na hindi naaangkop, malinaw na mapanirang antas ng paggana ng sangkap na ito, maaari itong tawaging "magulo".
Ang tanong ng kasapatan ng gumaganap na interpretasyon ng isang gawaing musikal.
Ang isang musikero ay hindi lamang dapat makabisado ang teksto, ang kanyang pangunahing gawain ay upang maunawaan ang intensyon ng kompositor at muling likhain ito musikal na mga imahe, na nakapaloob sa isang piraso ng musika, at pumili ng mga paraan ng pagpapahayag para sa kanilang pinakatumpak na paghahatid.
Sumulat si A. France: “Ang pag-unawa sa isang perpektong gawa ng sining ay nangangahulugan, sa pangkalahatan, upang muling likhain ito sa iyong panloob na mundo.” Sinabi ni K.S. Stanislavsky na "ang malalim na pagtagos ng aktor sa ideya ng may-akda, na nasanay sa imaheng nakapaloob sa entablado, kapag ang aktor ay nabubuhay, nararamdaman at iniisip sa parehong paraan tulad ng papel, pagkatapos lamang ang kanyang mga aksyon ay maaaring humantong sa tagumpay sa entablado. ”
Ang Italyano na pianista na si F. Busoni ay nagsalita tungkol sa bagay na ito gaya ng sumusunod: “Isang halos nakahihigit sa tao na gawain ang itapon ang sariling damdamin upang mabago ang damdamin ng pinakamaraming magkakaibang mga indibiduwal at mula rito ay pag-aralan ang kanilang nilikha.” Ang kritiko ng Russia na si V.G. Belinsky: "Kinukumpleto ng aktor ang ideya ng may-akda sa kanyang pag-arte, at ang karagdagan na ito ay binubuo ng kanyang pagkamalikhain."
A.N. Si Serov, isang sikat na kompositor ng Russia at kritiko ng musika, ay sumulat:"Ang papel - hindi bababa sa isang dula ni Shakespeare, ang musika - hindi bababa sa mula mismo kay Beethoven, na may kaugnayan sa napakatalino na pagganap, sketch lang, sketch; kulay, ang buong buhay ng isang gawa ay ipinanganak lamang sa ilalim ng kaakit-akit na kapangyarihan ng tagapalabas."
Halimbawa, ang pinakasikat na unang konsiyerto para sa piano at orkestra ng P.I. Si Tchaikovsky, ay nakakuha ng malawak na katanyagan 4 na taon lamang pagkatapos ng unang pagganap, nang ito ay mahusay na ginanap ni N. Rubinstein. Ang parehong kuwento ay nangyari sa violin concerto ni P. Tchaikovsky, na pagkatapos lamang ng pagganap ni L. Auer ay kinuha ang nararapat na lugar sa repertoire ng konsiyerto ng mga biyolinista.
Ang mga halimbawang ito ay nagpapakita ng pagiging malikhain ng pagganap na aktibidad, na hindi isang simple, pormal na pagsasalin ng teksto ng may-akda sa tunog, ngunit ang malikhaing pagpapatupad nito. Sikolohikal na kakanyahan ang mga interpretasyon ay napakatumpak na ipinahayag ni A.N. Serov: "Ang dakilang sikreto ng mga magagaling na performer ay ang pag-iilaw nila sa kung ano ang kanilang ginagampanan gamit ang kapangyarihan ng kanilang talento mula sa loob, pinaliwanagan ito, at inilalagay dito ang isang buong mundo ng mga sensasyon mula sa kanilang sariling kaluluwa."
Ang interpretasyon ay hindi limitado sa mga propesyonal na merito at kasanayan ng tagapalabas. Ito ay isang pagpapahayag ng lahat ng aspeto ng personalidad, at nauugnay sa pananaw sa mundo, ideolohikal na oryentasyon, pangkalahatang kultura, magkakaibang kaalaman at paraan ng pag-iisip na bumubuo sa panloob na nilalaman ng indibidwal.
Ang panlipunan, moral at propesyonal na responsibilidad ng tagapalabas ay tumaas mula noong katapusan ng ika-18 - kalagitnaan ng ika-19 siglo, kapag ang pagtatanghal ng sining ay hiwalay sa pagbuo. Ang kapalaran ng trabaho ay higit na nakasalalay sa tagapalabas.
A. Rubinstein: “Lubos na hindi maintindihan sa akin kung ano ang karaniwang ibig sabihin ng layunin na pagganap. Anumang pagganap, kung ito ay hindi ginawa ng isang makina, ngunit ng isang tao, ay sa sarili nitong subjective. Ang wastong paghahatid ng kahulugan ng isang bagay (komposisyon) ay ang batas para sa tagapalabas, ngunit ginagawa ito ng lahat sa kanilang sariling paraan, iyon ay, subjectively; at ito ba ay naiisip kung hindi man? Kung ang pagtatanghal ng isang komposisyon ay dapat na layunin, kung gayon isang paraan lamang ang tama, at ang lahat ng mga gumaganap ay kailangang gayahin ito; Ano kaya ang magiging mga performers? Mga unggoy? Iisa lang ba ang pagganap ng papel ng Hamlet, o King Lear, atbp.? Kaya, sa musika, subjective performance lang ang naiintindihan ko.”
Pagbuo ng masining at gumaganap na mga ideya at pagpapatupad nito
Sa mga usapin ng interpretasyon, ang pambihirang kahalagahan ay kabilang sa imahinasyon - ang proseso ng pag-iisip ng pagbuo ng isang imahe ng aktibidad sa hinaharap, o paglikha ng bago sa anyo ng isang pangkalahatang ideya, o isang mas tiyak na representasyon ng panghuling produkto ng aktibidad. Ang imahinasyon ay palaging isang mental na pagbuo ng isang programa para sa kasunod na aktibidad, nangunguna sa materyal na katawan nito. May pagkakaiba sa pagitan ng recreative at creative na imahinasyon. Ang malikhain ay ang paglikha ng mga bagong ideya at larawan. Ang muling paglikha ay ang pagbuo ng mga imahe batay sa musikal na teksto, atbp. Muling nililikha ang imahinasyon - sikolohikal na batayan paglikha ng interpretasyon ng pagganap ng musika.
Dalawang uri ng mga performer - emosyonal na uri (tagasunod ng "sining ng karanasan") at intelektwal na uri ng mga artista ( sining ng pagganap, Stanislavsky).
May mga performer ng synthetic type. Ang isang kahanga-hangang kumbinasyon ng dalawang prinsipyong ito ay matatagpuan sa mga aktibidad ng S.V. Rachmaninov, at P. Casals, A. Toscanini at J. Heifitz, D. Oistrakh at S. Richter, L. Kogan at E. Gilels, E. Svetlanov at V. Fedoseev. Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na pagtagos sa nilalaman ng isang gawaing musikal, napakatalino na pagkakaisa ng nilalaman at anyo, kawili-wili, orihinal na interpretasyon at mahusay na teknikal na kasanayan. Ang ganitong uri ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang balanse sa pagitan ng emosyonal at intelektwal na mga prinsipyo, na sinasadya na kinokontrol.
Iba't-ibang aspeto interpretasyon: 1. interpretasyon ng gumaganap ng intensyon ng may-akda; 2. makasaysayang pamana; 3. relasyong interkultural at intrakultural. Tunay na pagganap, pagsasawsaw sa kontekstong pangkasaysayan at kultural.
Ang paggawa sa isang piraso ng musika ay dapat na nakabatay sa isang komprehensibong pag-aaral nito. Ito ay magbibigay-daan sa iyo upang bungkalin nang mas malalim sa matalinghagang globo, mapanatili ang interes ng tagapalabas sa trabaho at, sa wakas, maunawaan ang intensyon ng may-akda.
Ang pinakamahalagang panimulang punto sa malaki at mahirap na landas ay ang panahon kung saan nilikha ang isang partikular na akda. Mukhang nagsasalita ang mga kompositor magkaibang panahon sa iba't ibang wika, isama ang iba't ibang mga mithiin, sumasalamin sa mga aspeto ng buhay na katangian ng isang partikular na panahon, pilosopiko at aesthetic view, mga konsepto. Alinsunod dito, ginagamit ang mga paraan ng pagpapahayag. Kinakailangang maunawaan kung bakit lumitaw ang partikular na istilo sa isang partikular na panahon, upang ikonekta ito sa personalidad ng kompositor, na isang "produkto" ng panahon, ay kabilang sa isang tiyak na pangkat ng lipunan, nasyonalidad, inilagay komposisyon ng musika sa mga kundisyong ito at itatag kung ano ang kaugnayan nito sa lumikha at oras.
Kunin natin ang kaugnayan sa pagitan ng panahon at pagtatalaga ng paggalaw (tempo). Sa iba't ibang panahon, iba ang interpretasyon ng mga tempo designation. Sa pre-classical na panahon, ang tempo na "Allegro", "Andante", "Adagio", halimbawa, ay hindi nagpapahiwatig ng bilis ng paggalaw, ngunit ang likas na katangian ng musika. Ang Allegro ni Scarlatti ay mas mabagal (o mas pinigilan) kaysa sa Allegro ng mga klasiko, habang ang Allegro ni Mozart ay mas mabagal (mas pinigilan) kaysa sa Allegro sa modernong kahulugan nito. Mas mobile ang Andante ni Mozart. Kaysa sa naiintindihan natin ngayon. Ganoon din ang masasabi tungkol sa ugnayan ng panahon ng musika na may dinamika at artikulasyon. Siyempre, ang awtoridad na naroroon ay nagpapahintulot sa iyo na makipagtalo sa isang lugar na may mga dynamic na tagubilin, upang makita ang piano, pianissimo, forte, fortissimo sa isang bagong paraan.
Pag-record ng tunog
Ang mga unang aparato para sa pag-record at pagpaparami ng tunog ay mga mekanikal na instrumentong pangmusika. Maaari silang tumugtog ng mga melodies, ngunit hindi nakapag-record ng mga di-makatwirang tunog, tulad ng boses ng tao. Ang awtomatikong pag-playback ng musika ay kilala mula pa noong ika-9 na siglo, nang ang magkakapatid na Banu Musa, noong 875, ay nag-imbento ng pinakalumang kilalang mekanikal na instrumento - isang haydroliko o "organ ng tubig" na awtomatikong nagpatugtog ng mga mapapalitang silindro. Ang silindro na may nakausli na "mga cam" sa ibabaw ay nanatiling pangunahing paraan para sa mekanikal na pagpaparami ng musika hanggang sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Nalikha noong Renaissance buong linya iba't ibang mekanikal mga Instrumentong pangmusika, reproducing this or that melody at the right moment: barrel organs, music boxes, boxes, snuff boxes.
Noong 1857, naimbento ni de Martinville ponograpo. Ang aparato ay binubuo ng isang acoustic cone at isang vibrating membrane na konektado sa isang karayom. Ang karayom ay napunta sa ibabaw ng isang manu-manong pinaikot na silindro ng salamin na pinahiran ng uling. Ang mga tunog na panginginig ng boses na dumadaan sa kono ay naging sanhi ng pag-vibrate ng lamad, na nagpapadala ng mga panginginig ng boses sa karayom, na sumubaybay sa hugis ng mga tunog na vibrations sa soot layer. Gayunpaman, ang layunin ng device na ito ay puro pang-eksperimento - hindi nito mai-reproduce ang ginawang recording.
Noong 1877, naimbento ni Thomas Edison ang ponograpo, na maaari nang magpatugtog ng sarili nitong recording. Ang tunog ay naitala sa daluyan sa anyo ng isang track, ang lalim nito ay proporsyonal sa dami ng tunog. Ang soundtrack ng ponograpo ay inilalagay sa isang cylindrical spiral sa isang maaaring palitan na umiikot na drum. Sa panahon ng pag-playback, ang isang karayom na gumagalaw sa isang uka ay nagpapadala ng mga vibrations sa isang nababanat na lamad, na naglalabas ng tunog.
Edison Thomas Alva (1847-1931), Amerikanong imbentor at negosyante. May-akda ng higit sa 1000 mga imbensyon sa larangan ng electrical engineering at komunikasyon. Inimbento niya ang unang sound recording device sa mundo - ang ponograpo, pinahusay ang incandescent lamp, telegraph at telepono, at itinayo ang unang power station sa mundo noong 1882.
Sa unang ponograpo, ang isang metal na roller ay pinaikot gamit ang isang pihitan, na gumagalaw nang axially sa bawat rebolusyon dahil sa mga thread ng tornilyo sa drive shaft. Ang tin foil (staniol) ay inilagay sa roller. Hinawakan ito ng isang bakal na karayom na konektado sa isang lamad ng pergamino. Ang isang metal cone horn ay nakakabit sa lamad. Kapag nagre-record at nagpe-play pabalik ng tunog, ang roller ay kailangang paikutin nang manu-mano sa bilis na 1 rebolusyon kada minuto. Kapag ang roller ay umiikot sa kawalan ng tunog, ang karayom ay pinalabas ang isang spiral groove (o groove) na pare-pareho ang lalim sa foil. Kapag ang lamad ay nag-vibrate, ang karayom ay pinindot sa lata alinsunod sa pinaghihinalaang tunog, na lumilikha ng isang uka ng variable depth. Ito ay kung paano naimbento ang "deep recording" na paraan.
Sa unang pagsubok ng kanyang apparatus, mahigpit na hinila ni Edison ang foil papunta sa silindro, dinala ang karayom sa ibabaw ng silindro, maingat na sinimulang paikutin ang hawakan at kinanta ang unang saknong ng awiting pambata na "Mary Had a Little Lamb" sa isang megaphone. Pagkatapos ay binawi niya ang karayom, ibinalik ang silindro sa orihinal na posisyon nito gamit ang hawakan, ipinasok ang karayom sa iginuhit na uka at nagsimulang iikot muli ang silindro. At mula sa megaphone ay isang awiting pambata ang tumunog nang tahimik ngunit malinaw.
Noong 1885, binuo ng Amerikanong imbentor na si Charles Tainter (1854-1940) ang graphophone - isang foot-operated phonograph (tulad ng foot-operated sewing machine) - at pinalitan ng wax paste ang mga sheet ng lata ng mga roller. Binili ni Edison ang patent ng Tainter, at ang mga naaalis na wax roller ay nagsimulang gamitin para sa pagre-record sa halip na mga foil roller. Ang pitch ng sound groove ay mga 3 mm, kaya ang oras ng pag-record sa bawat roller ay napakaikli.
Ang ponograpo ay umiral sa halos hindi nagbabagong anyo sa loob ng ilang dekada. Itinigil nito ang produksyon bilang isang aparato para sa pagre-record ng mga musikal na gawa sa pagtatapos ng unang dekada ng ika-20 siglo, ngunit ginamit bilang isang voice recorder sa halos 15 taon. Ang mga roller para dito ay ginawa hanggang 1929.
Pagkalipas ng sampung taon, noong 1887, pinalitan ng imbentor ng gramophone, E. Berliner, ang mga roller na may mga disk, kung saan maaaring gumawa ng mga kopya - metal matrice. Sa kanilang tulong, ang pamilyar na mga tala ng gramopon ay pinindot (Larawan 4 a.). Ginawang posible ng isang matrix na mag-print ng isang buong edisyon - hindi bababa sa 500 record. Ito ang pangunahing bentahe ng mga rekord ng Berliner kumpara sa mga wax roller ni Edison, na hindi maaaring kopyahin. Hindi tulad ng ponograpo ni Edison, nakabuo ang Berliner ng isang aparato para sa pag-record ng tunog - isang recorder, at isa pa para sa muling paggawa ng tunog - isang gramopon.
Sa halip na malalim na pag-record, ginamit ang transverse recording, i.e. ang karayom ay nag-iwan ng paikot-ikot na bakas ng patuloy na lalim. Kasunod nito, ang lamad ay pinalitan ng mga napakasensitibong mikropono na nagko-convert ng mga sound vibrations sa electrical vibrations, at mga electronic amplifier. Ang 1888 ay ang taon na naimbento ng Berlinger ang gramophone record at recording.
Hanggang 1896, ang disk ay kailangang paikutin sa pamamagitan ng kamay, at ito ang pangunahing balakid laganap mga gramopon. Inihayag ni Emil Berliner ang isang kumpetisyon para sa isang spring motor - mura, advanced sa teknolohiya, maaasahan at makapangyarihan. At ang naturang makina ay dinisenyo ng mekaniko na si Eldridge Johnson, na dumating sa kumpanya ng Berliner. Mula 1896 hanggang 1900 Mga 25,000 sa mga makinang ito ang ginawa. Noon lang naging laganap ang gramophone ni Berliner.
Ang mga unang tala ay single-sided. Noong 1903, unang inilabas ang isang 12-pulgadang disc na may recording sa dalawang panig.
Noong 1898, ang Danish engineer na si Woldemar Paulsen (1869-1942) ay nag-imbento ng isang apparatus para sa magnetically recording ng tunog sa steel wire. Kasunod nito, nag-imbento si Paulsen ng isang paraan ng magnetic recording sa isang umiikot na steel disk, kung saan ang impormasyon ay naitala sa isang spiral ng isang gumagalaw na magnetic head. Noong 1927, binuo ni F. Pfleimer ang isang teknolohiya para sa paggawa ng magnetic tape sa isang non-magnetic na batayan. Batay sa pag-unlad na ito, noong 1935 ang German electrical engineering company na AEG at ang kemikal na kumpanya na IG Farbenindustri ay nagpakita sa German Radio Exhibition ng magnetic tape sa isang plastic base na pinahiran ng bakal na pulbos. Pinagkadalubhasaan sa pang-industriya na produksyon, nagkakahalaga ito ng 5 beses na mas mababa kaysa sa bakal, ay mas magaan, at pinaka-mahalaga, ginawang posible na ikonekta ang mga piraso sa pamamagitan ng simpleng gluing. Upang magamit ang bagong magnetic tape, isang bagong sound recording device ang binuo, na nakatanggap ng brand name na "Magnetofon". Ang magnetic tape ay angkop para sa paulit-ulit na pag-record ng tunog. Ang bilang ng mga naturang tala ay halos walang limitasyon. Ito ay tinutukoy lamang ng mekanikal na lakas ng bagong carrier ng impormasyon - magnetic tape. Ang unang two-track tape recorder ay inilabas ng German company na AEG noong 1957, at noong 1959 ang kumpanyang ito ay naglabas ng unang four-track tape recorder.
Narito ang isang listahan ng 10 kompositor na dapat mong malaman. Sa bawat isa sa kanila ay masasabing may katiyakan na siya ang pinakadakilang kompositor na nabuhay kailanman, bagaman sa katunayan imposible, at sa katunayan imposible, upang ihambing ang musikang isinulat sa loob ng ilang siglo. Gayunpaman, ang lahat ng mga kompositor na ito ay namumukod-tangi sa kanilang mga kontemporaryo bilang mga kompositor na gumawa ng musika ang pinakamataas na antas at hinahangad na itulak ang mga hangganan ng klasikal na musika sa mga bagong limitasyon. Ang listahan ay hindi naglalaman ng anumang pagkakasunud-sunod, tulad ng kahalagahan o personal na kagustuhan. 10 magagaling na kompositor lang ang dapat mong malaman.
Ang bawat kompositor ay sinamahan ng isang quotable na katotohanan ng kanyang buhay, na naaalala kung saan ka magmumukhang isang dalubhasa. At sa pamamagitan ng pag-click sa link sa apelyido, makikilala mo siya buong talambuhay. At siyempre, maaari kang makinig sa isa sa mga makabuluhang gawa ng bawat master.
Ang pinakamahalagang pigura sa klasikal na musika sa mundo. Isa sa mga pinaka gumanap at iginagalang na kompositor sa mundo. Gumawa siya sa lahat ng genre na umiral sa kanyang panahon, kabilang ang opera, ballet, musika para sa mga dramatikong pagtatanghal, at mga choral na gawa. Ang pinakamahalaga sa kanyang legacy ay isinasaalang-alang mga gawang instrumental: piano, violin at cello sonatas, concertos para sa piano, violin, quartets, overtures, symphony. Ang nagtatag ng romantikong panahon sa klasikal na musika.
Kawili-wiling katotohanan.
Unang nais ni Beethoven na ialay ang kanyang ikatlong symphony (1804) kay Napoleon ang kompositor ay nabihag ng personalidad ng taong ito, na tila sa simula ng kanyang paghahari ay isang tunay na bayani. Ngunit nang iproklama ni Napoleon ang kanyang sarili bilang emperador, tinawid ni Beethoven ang kanyang dedikasyon sa Pahina ng titulo at sumulat lamang ng isang salita - "Kabayanihan".
"Moonlight Sonata"L. Beethoven, makinig:
2. (1685-1750)
Aleman na kompositor at organista, kinatawan ng panahon ng Baroque. Isa sa mga pinakadakilang kompositor sa kasaysayan ng musika. Sa kanyang buhay, sumulat si Bach ng higit sa 1000 mga gawa. Kinakatawan ng kanyang trabaho ang lahat ng mahahalagang genre ng panahong iyon, maliban sa opera; ibinuod niya ang mga nagawa ng sining ng musika noong panahon ng Baroque. Ang nagtatag ng pinakasikat na musical dynasty.
Kawili-wiling katotohanan.
Sa panahon ng kanyang buhay, si Bach ay masyadong underrated na wala pang isang dosenang mga gawa niya ang nai-publish.
Toccata at Fugue sa D minor ni J. S. Bach, makinig:
3. (1756-1791)
Ang mahusay na Austrian kompositor, instrumentalist at konduktor, kinatawan ng Vienna Classical School, birtuoso violinist, harpsichordist, organist, konduktor, siya ay may isang kahanga-hangang tainga para sa musika, memorya at ang kakayahang mag-improvise. Bilang isang kompositor na mahusay sa anumang genre, siya ay nararapat na ituring na isa sa mga pinakadakilang kompositor sa kasaysayan ng klasikal na musika.
Kawili-wiling katotohanan.
Noong bata pa si Mozart, isinaulo at itinala ang Miserere (cat. chant sa teksto ng 50th Psalm of David) ng Italyano na si Gregorio Allegri, na minsan lang itong nakinig.
"Little Night Serenade" ni W.A. Mozart, makinig:
4. (1813-1883)
German kompositor, konduktor, playwright, pilosopo. Nagkaroon ng makabuluhang epekto sa kulturang Europeo pagliko ng XIX-XX siglo, lalo na ang modernismo. Ang mga opera ni Wagner ay napakaganda sa kanilang napakalaking sukat at walang hanggang mga halaga ng tao.
Kawili-wiling katotohanan.
Nakibahagi si Wagner sa nabigong rebolusyon noong 1848-1849 sa Alemanya at napilitang magtago mula sa pag-aresto ni Franz Liszt.
"Ride of the Valkyries" mula sa opera ni R. Wagner na "Walkyrie", makinig ka
5. (1840-1893)
Italyano na kompositor, sentral na pigura ng paaralan ng opera ng Italya. Si Verdi ay may pakiramdam ng entablado, ugali at hindi nagkakamali na kasanayan. Hindi niya itinanggi mga tradisyon ng opera(hindi tulad ni Wagner), ngunit sa kabaligtaran ay binuo ang mga ito (ang mga tradisyon ng Italian opera), binago niya ang Italian opera, pinunan ito ng realismo, at binigyan ito ng pagkakaisa ng kabuuan.
Kawili-wiling katotohanan.
Si Verdi ay isang nasyonalistang Italyano at nahalal sa unang parlyamento ng Italya noong 1860, kasunod ng deklarasyon ng kalayaan ng Italya mula sa Austria.
Overture sa opera ni D. Verdi na "La Traviata", makinig:
7. Igor Fedorovich Stravinsky (1882-1971)
Russian (American - pagkatapos ng emigration) kompositor, konduktor, pianista. Isa sa pinaka mahahalagang kompositor ikadalawampung siglo. Ang trabaho ni Stravinsky ay pare-pareho sa kanyang buong karera, bagaman sa iba't ibang panahon Ang estilo ng kanyang mga gawa ay naiiba, ngunit ang mga ugat at ang mga ugat ng Ruso ay nanatili, na maliwanag sa lahat ng kanyang mga gawa; Ang kanyang makabagong paggamit ng ritmo at pagkakaisa ay nagbigay inspirasyon at patuloy na nagbibigay inspirasyon sa maraming musikero, hindi lamang sa klasikal na musika.
Kawili-wiling katotohanan.
Noong Unang Digmaang Pandaigdig, kinumpiska ng mga opisyal ng customs ng Roma ang larawan ni Pablo Picasso ni Stravinsky habang papaalis ang kompositor sa Italya. Ang larawan ay ipininta sa isang futuristic na paraan at napagkamalan ng mga opisyal ng customs ang mga bilog at linyang ito para sa ilang uri ng naka-encrypt na lihim na materyales.
Suite mula sa ballet ni I.F. Firebird",
makinig:
8. Johann Strauss (1825-1899)
Austrian na kompositor ng magaan na musika, konduktor at biyolinista. "King of Waltzes", nilikha niya sa genre ng dance music at operetta. Kasama sa kanyang musikal na pamana ang higit sa 500 waltzes, polkas, quadrilles at iba pang uri ng dance music, pati na rin ang ilang operetta at ballet. Salamat sa kanya, ang waltz ay naging napakapopular sa Vienna noong ika-19 na siglo.
Kawili-wiling katotohanan.
Ang ama ni Johann Strauss ay si Johann at isa ring sikat na musikero, kaya ang "Waltz King" ay tinawag na bunso o anak, ang kanyang mga kapatid na sina Joseph at Eduard ay mga sikat na kompositor din.
Waltz ni J. Strauss "On the Beautiful Blue Danube", makinig:
9. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873-1943)
Austrian kompositor, isa sa mga natitirang kinatawan ng Viennese classical music school at isa sa mga tagapagtatag ng romanticism sa musika. Sa kanyang maikling buhay, gumawa si Schubert ng makabuluhang kontribusyon sa orkestra, kamara at musikang piano, na nakaimpluwensya sa isang buong henerasyon ng mga kompositor. Gayunpaman, ang kanyang pinaka-kapansin-pansing kontribusyon ay sa pagbuo ng mga romantikong Aleman, kung saan nilikha niya ang higit sa 600.
Kawili-wiling katotohanan.
Ang mga kaibigan at kapwa musikero ni Schubert ay magsasama-sama at magtanghal ng musika ni Schubert. Ang mga pulong na ito ay tinawag na "Schubertiads". Ilang unang fan club!
"Ave Maria" ni F.P.Schubert, makinig:
Ang pagpapatuloy ng tema ng mga mahuhusay na kompositor na dapat mong malaman, bagong materyal.
Mahirap magbigay ng tiyak na sagot sa tanong na ito. Maaaring may mga dahilan para mas gusto ang pagganap ng isang interpretive composer kaysa sa isang artist na may puro talento sa pagganap. Ngunit hindi ko tiyak na igigiit na ito ay palaging nangyayari at hindi kung hindi man, sa kabila ng katotohanan na ang dalawang pinakadakilang pianista sa kasaysayan - sina Liszt at Rubinstein - ay parehong kompositor. Sa sarili ko naman, pakiramdam ko kung ang pagganap ko sa sarili kong mga komposisyon ay iba sa pagganap ng mga gawa ng ibang tao, ito ay dahil mas alam ko ang aking musika.
Bilang isang kompositor, marami na akong naisip tungkol dito kaya naging, kumbaga, isang bahagi ko. Bilang isang pianist, nilapitan ko ito mula sa loob, nauunawaan ito nang mas malalim kaysa sa sinumang iba pang performer ay maaaring maunawaan ito. Pagkatapos ng lahat, palagi kang nag-aaral ng mga gawa ng ibang tao bilang isang bagong bagay, na matatagpuan sa labas mo. Hindi ka makatitiyak na sa iyong pagganap ay tama mong napagtanto ang intensyon ng isa pang kompositor. Ako ay naging kumbinsido, habang nagsasanay sa aking mga gawa kasama ng iba pang mga pianista, na maaaring napakahirap para sa isang kompositor na ihayag ang kanyang pagkaunawa sa akda, na ipaliwanag sa tagapalabas kung paano dapat tutugtog ang piyesa.
Mayroong dalawang mahahalagang katangian na likas sa kompositor, na hindi kinakailangan sa parehong lawak para sa gumaganap na artist. Ang una ay imahinasyon. I don't want to suggest na hindi imaginative ang performing artist. Ngunit mayroong lahat ng dahilan upang maniwala na ang kompositor ay may mas malaking regalo, dahil dapat niyang isipin bago lumikha. Upang isipin nang may ganoong puwersa na ang isang malinaw na larawan ng hinaharap na gawain ay lilitaw sa kanyang isipan, bago pa man maisulat ang isang tala. Ang kanyang natapos na trabaho ay isang pagtatangka na isama ang pinakadiwa ng larawang ito sa musika. Ito ay sumusunod mula dito na kapag ang isang kompositor ay nagbigay kahulugan sa kanyang sariling gawa, ang larawang ito ay malinaw na lumilitaw sa kanyang isip, habang ang sinumang musikero na gumaganap ng gawa ng ibang tao ay dapat na ganap na maisip. bagong Litrato. Ang tagumpay at sigla ng interpretasyon ay nakasalalay sa kalakasan at sigla ng kanyang imahinasyon. At sa ganitong diwa, tila sa akin na ang kompositor-interpreter, na ang imahinasyon ay lubos na binuo ng kalikasan, ay masasabing may kalamangan kaysa sa artista - tanging ang interpreter.
At ang isang mas mahalagang regalo na nagpapakilala sa kompositor mula sa lahat ng iba pang mga musikero ay isang pinong binuo na kahulugan ng kulay ng musika. Sinabi nila na alam ni Anton Rubinstein kung paano, tulad ng walang ibang pianista, upang kunin mula sa piano ang isang kamangha-manghang kayamanan at iba't ibang purong mga kulay ng musika. Ang mga nakikinig sa pagtugtog ni Rubinstein kung minsan ay naisip na nasa kanyang mga kamay ang lahat ng mga mapagkukunan ng isang malaking orkestra, dahil, bilang isang mahusay na kompositor, si Rubinstein ay may matinding pakiramdam ng kulay ng musika, na umaabot sa kanyang pagganap at sa kanyang malikhaing aktibidad. Sa personal, naniniwala ako na ang pagkakaroon ng matalas na pakiramdam ng kulay ng musika ay ang pinakamalaking bentahe ng isang kompositor. Hindi mahalaga kung gaano kahanga-hanga ang isang musikero na tagapalabas, sa palagay ko ay hindi niya makakamit ang buong lalim ng sensasyon at pagpaparami ng buong hanay ng mga kulay ng musika, na isang mahalagang pag-aari ng talento ng kompositor.
Para sa isang kompositor na isa ring konduktor, ang matalas na pakiramdam ng kulay na ito ay maaaring maging hadlang sa pagbibigay-kahulugan sa mga gawa ng ibang tao, dahil maaari niyang ipasok ang mga kulay sa pagtatanghal na iba sa inilaan ng kompositor.
Ang kompositor ay palaging ang perpektong konduktor - ang interpreter ng kanyang mga komposisyon. Nagkaroon ako ng pagkakataon na marinig ang tatlong magagaling na malikhaing artist - Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky at Rubinstein - na nagsagawa ng kanilang mga gawa, at ang resulta ay tunay na nakalulungkot. Sa lahat ng mga bokasyon sa musika, ang pagsasagawa ay natatangi - ito ay isang indibidwal na talento na hindi maaaring makuha. Maging isang magaling na konduktor, ang isang musikero ay dapat magkaroon ng napakalaking pagpipigil sa sarili. Dapat kaya niyang manatiling kalmado. Ngunit ang pagiging mahinahon ay hindi nangangahulugan ng katahimikan at kawalang-interes. Ang isang mataas na intensity ng musikal na pakiramdam ay kinakailangan, ngunit ito ay dapat na batay sa perpektong balanse ng pag-iisip at kumpletong pagpipigil sa sarili. Kapag nagsasagawa, nakakaranas ako ng isang bagay na malapit sa kung ano ang nararamdaman ko kapag nagmamaneho ng aking sasakyan - isang panloob na kalmado na nagbibigay sa akin ng kumpletong kontrol sa aking sarili at sa mga puwersang iyon - musikal o mekanikal - na nasa ilalim ko.
Sa kabilang banda, para sa isang gumaganap na artist, ang problema ng pag-master ng emosyon ng isang tao ay mas personal. Alam ko na ang aking laro ay nag-iiba araw-araw. Ang pianista ay alipin ng acoustics. Pagkatapos lamang i-play ang unang piraso, maranasan ang acoustics ng bulwagan at pakiramdam ang pangkalahatang kapaligiran, alam ko kung anong mood ang gugulin ko sa buong konsiyerto. Sa ilang mga paraan hindi ito mabuti para sa akin, ngunit marahil ay mas mabuti para sa isang artist na hindi kailanman tiyakin nang maaga ang kanyang pagganap, kaysa upang makamit ang ilang pare-parehong antas ng pagganap na madaling maging isang mekanikal na gawain.
May masamang epekto ba ang buhay ng gumaganap na artista sa kanyang trabaho?
Malaki ang nakasalalay sa sariling katangian ng artist. Halimbawa, si Strauss ay aktibo bilang isang kompositor at konduktor. Nagtrabaho si Rubinstein sa pag-compose ng musika tuwing umaga mula alas-siyete hanggang alas-dose, na ginugugol ang natitirang bahagi ng araw sa piano. Sa personal, nakita kong imposible ang dobleng buhay. Kung tumugtog ako, hindi ako makakapag-compose; Siguro dahil tamad ako; Marahil ang walang humpay na pagsasanay ng piano at ang walang hanggang abala na nauugnay sa buhay ng isang artista ng konsiyerto ay kumukuha ng labis na enerhiya mula sa akin. Siguro dahil pakiramdam ko ay hindi katanggap-tanggap ang uri ng musikang gusto kong gawin ngayon. O baka naman ibang-iba ang totoong dahilan kung bakit sa mga nakaraang taon ay mas pinili ko ang buhay ng isang gumaganap na artista kaysa sa buhay ng isang kompositor. Pagkaalis ko sa Russia, nawalan ako ng ganang mag-compose. Nawala ang aking sariling bayan, nawala ako sa aking sarili. Ang pagpapatapon, na nawala ang kanyang musikal na mga ugat, tradisyon at katutubong lupa, ay walang pagnanais na lumikha, walang ibang mga aliw na natitira maliban sa hindi masisira na katahimikan ng hindi nababagabag na mga alaala.
“Ang pinakatiyak at pinakamataas na lunas
serbisyo sa mga mahuhusay na kompositor
ay binubuo sa pagdadala sa kanila ng kumpleto
sinseridad ng artista"
(Alfred Cortot).
Mula nang lumitaw ang isang gawaing pangmusika na naitala sa isang tiyak na sistema ng notasyon, ang mga malikhaing relasyon sa pagitan ng mga pangunahing tagadala ng musika - mga kompositor at tagapalabas - ay nasa proseso ng patuloy na pagbabago. Sa komunidad na ito, dalawang tendensya ang naglalaban - ang pagnanais na sumanib sa pagnanais para sa pagpapahayag ng sarili. Mula noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang pianismo ng Russia ay naging isa sa mga pinaka-progresibong grupo sa mundo na gumaganap ng sining. Sa Russia, mas maaga kaysa sa kahit saan pa, naunawaan nila ang pangangailangan para sa isang maingat na pag-aaral ng teksto ng may-akda kasama ang isang malikhaing saloobin patungo dito. Ang unang apat na dekada ng ika-20 siglo ay ang panahon ng pinaka maayos na paglutas ng isyu ng saloobin sa teksto ng may-akda; Ang mga pianista ay nagsimulang maunawaan nang mas malalim ang kakanyahan ng akda at ang istilo ng lumikha nito. Ang mga musikero ng Sobyet ay gumawa ng isang karapat-dapat na kontribusyon sa mundo na gumaganap ng Bahian. Sinamba ni M.V Yudina si Bach sa buong buhay niya malikhaing buhay. Ito ay pinatunayan ng bilang (mga walumpu) ng kanyang mga gawa na ginampanan ng pianista - halos kakaiba para sa mga artista ng kanyang henerasyon. Sa repertoire ni Bach, tinalikuran niya ang maraming nagpapahayag na romantikong paraan, kabilang ang partikular na mga piano; ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mas makasaysayang, sa paghahambing sa mga interpretasyon ng mga romantiko, pagbabasa ng Bach. Si Yudina ay isa sa mga unang napagtanto na ang gawa ni Bach at ang modernong piano ay nabibilang sa iba't ibang panahon bilang isang buhay na artistikong katotohanan na nagdudulot ng mga paghihirap para sa interpreter. Ang mga makabagong tampok ng istilo ni Yudina ay maaaring hatulan sa pamamagitan ng kanyang pagganap ng Chromatic Fantasy at Fugue, na nakikilala sa pamamagitan ng mga linear figurations, ascetic coloring at energetic harpsichord-like dismemberment ng articulation. Kapansin-pansin ang "pagpaparehistro" sa lumang keyboard spirit, na may touch ng organ, pati na rin ang mabagal, "sovereign" na tempo at mahigpit na agogics. Ang pagnanais ng pianista para sa istilo ay hindi kailanman naging parang museo na "pagkatuyo" ng pagganap. Sa mga interpretasyon ni Yudina, ang kakayahang magpahayag ng pangmatagalang paglulubog sa isang emosyonal na estado, nawala sa mga romantikong pagbabasa, ay nagsimulang bumalik sa mga gawa ni Bach: ang muling pagkabuhay ng mga prinsipyo ng pagpaparehistro ng keyboard-organ; ang pagkawala ng diminuendo sa mga huling bar; pagtanggi sa tradisyon ng unti-unting pagtaas ng lakas ng tunog sa fugues mula sa kanilang simula hanggang sa wakas, ang kawalan ng impulsive rubato. Ito ay nagkakahalaga ng pagpuna ng isa pang tampok na "clavier" sa pagganap ng mga desisyon ni Yudina - ang pagtaas ng kahalagahan ng artikulasyon.
Sa mga musikero ng Sobyet, si Svyatoslav Teofilovich Richter ay naging isang klasiko ng post-romantic na yugto ng kasaysayan ng pianismo, isang artista na ang trabaho ay nakatuon sa mga nangungunang uso ng bagong panahon ng pagganap. Gumawa siya ng mga interpretasyon kung wala ang kasaysayan ng pagganap ng musika ni Bach ay hindi maiisip. Mapagpasyahang lumabag sa mga tendensya ng isang romantikong interpretasyon ng gawa ng kompositor na ito, tinanggal ni Richter ang mga transkripsyon mula sa kanyang mga programa. Sa Preludes and Fugues mula sa HTC, na sumasakop sa pangunahing lugar sa Richter's Bach discography, inihahambing niya ang romantikong kalayaan at subjectivity ng mga interpretasyon sa pagnanais para sa maximum na objectivity at, kumbaga, "pumupunta sa mga anino," nais na hayaan ang " ang musika mismo” tunog. Ang mga interpretasyong ito ay puno ng isang maingat, malinis na saloobin sa may-akda. Ang pagsipsip sa sarili dito ay ganap na nangingibabaw sa mga panlabas na pagpapakita ng mga damdamin; ang emosyonal na intensidad ay makikita lamang sa napakalaking intelektwal na pag-igting. Ang kanyang kakaibang kasanayan ay makikita sa kanyang pagiging invisibility, sa laconicism at asceticism ng kanyang pianistic na paraan. Naririnig natin sa Richter ang posibilidad ng organ, vocal, orchestral, orchestral-choral at harpsichord sound at bell sound. "Kumbinsido ako na ang Bach ay maaaring laruin nang mahusay sa iba't ibang paraan, na may iba't ibang mga articulation at may iba't ibang dynamics. Hangga't ang kabuuan ay napanatili, hangga't ang mahigpit na mga balangkas ng estilo ay hindi baluktot, hangga't ang pagpapatupad ay sapat na kapani-paniwala" (S.T. Richter).
Ang malalim at komprehensibo, tunay na masining na diskarte sa ikot ng HTC ay katangian ng Richter. Sa pakikinig sa pagganap ni Richter, hindi mahirap tuklasin ang dalawang pangunahing tendensya sa kanya, na kung minsan ay nag-aaway sa isa't isa. Sa isang banda, ang kanyang pagganap ay tila nasa loob ng mga hangganan na itinakda ng mga kakaiba ng clavier art ng panahon ni Bach. Sa kabilang banda, palagi itong tumatalakay sa mga phenomena na lumalampas sa mga hangganang ito. "Sa loob nito, kumbaga, ang harpsichord, clavichord, at organ sympathies ni Bach, at ang kanyang makikinang na mga pananaw sa hinaharap ay" soldered "sama-sama" (Ya. Milshtein). Pinagsasama nito ang nagpapahayag, nakabubuo at mga linear na elemento sa isang kabuuan. Iyon ang dahilan kung bakit sa iba pang mga preludes at fugues Richter ay dinadala sa unahan ang intelektwal, constructive-polyphonic na prinsipyo at nag-uugnay sa kanilang matalinghagang istraktura dito; sa iba, binibigyang-diin nito ang pilosopikong lalim ng musika ni Bach at ang nauugnay na balanseng organiko ng lahat ng paraan ng pagpapahayag. Minsan siya ay naaakit sa pamamagitan ng pagpapahayag ng maayos na pag-agos ng mga melodic na linya (coherent legato articulation), kung minsan, sa kabaligtaran, sa pamamagitan ng talas at kalinawan ng ritmo, ang paghihiwalay ng artikulasyon. Kung minsan ay nagsusumikap siya para sa romantikong lambot at kaplastikan ng paglalaro, kung minsan para sa matalas na binibigyang-diin na mga dynamic na kaibahan. Ngunit siya, siyempre, ay hindi nailalarawan sa pamamagitan ng "sensitibong" roundings ng mga parirala, maliit mga dynamic na shade, hindi makatarungang mga paglihis mula sa pangunahing bilis. Lubhang alien din ito sa mataas na nagpapahayag, mapusok na interpretasyon ng Bach, mga asymmetrical accent, matalim na diin sa mga indibidwal na tala at motif, biglaang "spasmodic" na acceleration ng tempo, atbp. Ang kanyang pagpapatupad ng HTC ay matatag, malaki sa plano, organic at walang putol. "Ang kanyang pinakamataas na kaligayahan ay ang matunaw sa kalooban ng kompositor na kanyang pinili" (Ya. Milshtein).
Ang pangunahing salpok sa likod ng mga kahanga-hangang interpretasyon ni Glen Gould, na sumakop sa mundo, ay ang kamangha-manghang intuwisyon, ang hindi mapaglabanan na puwersa ng mga musikal na emosyon na nabubuhay sa loob niya. Ang Gould's Bach ay ang pinakadakilang peak ng performing art noong ikalawang kalahati ng ika-20 siglo. Ang harpsichord palette ng pianism ni Gould, ang kanyang melismatics at marami pang iba ay nagpapatotoo sa talino at pinakamalalim na pagtagos sa kultura ng panahon ni Bach. Ang mga interpretasyon ni Gould sa mga imbensyon ni Bach, mga partita, mga pagkakaiba-iba ng Goldberg at iba pang mga gawa ay naging isang masining na kayamanan, na napagtanto ng ating mga kontemporaryo bilang mga obra maestra ng sining ng pagtatanghal, bilang isang pangkakanyahan na pamantayan na naalis sa lahat ng naipon na mga layer. Gayunpaman, ang malikhaing nangingibabaw ng master ay hindi kailanman imitasyon kay Bach. Sinusunod niya ang kanyang intuwisyon, ngunit hindi nag-atubiling baguhin ang direktang data ng "puting" teksto ni Bach. Si Gould ay gumaganap ng mga gawa ni Bach na may iba't ibang antas ng artistikong paniniwala. Hindi lahat ng fugues mula sa Volume I ng HTC ay ginagawa sa karaniwan ni Gould antas ng sining. Sa paglalaro ng master ay madalas na may mga direktang paglihis mula sa teksto, ang mga pagkakaiba-iba ng ritmo at pitch nito.
Ang paglalaro ni Gould ay kamangha-mangha sa orihinal at lubos na nagpapahayag na kalidad ng melismatic. Ang kanilang lokasyon ay orihinal din - marami ang naidagdag, ang iba ay hindi naisakatuparan. Kung wala sila, ang mga interpretasyon ng Bach ng artist ay mawawalan ng maraming. Ang artist ay madalas na gumagamit ng mga ritmikong pagkakaiba-iba ng teksto. Ngunit kung ang nabanggit na mga tampok ng paglalaro ng master ay hindi nagpapakilala ng malalayong pagbabago sa karakter at kahulugan ng mga akda, kung gayon ang iba pang pagbabago ni Gould ay sumasalakay sa pinakabuod ng mga gawa. Ang mga interpretasyon ng Canadian master ay sumasaklaw sa isang mayamang figurative spectrum. Gumaganap siya ng maraming bagay na may malalim na liriko, ritmikong kalayaan na hindi karaniwan para kay Bach, at maikling parirala. Ang kanyang pagtugtog ay namamangha sa pagiging perpekto at kasikatan ng kanyang boses. Ang buong tela ng musika ay malinaw "sa isang sulyap." Ang musika ay tila pinayaman ng nagpapahayag na intonasyon ng lahat ng boses.
Ang pagpipinta ng linya ng master ng laro ay napaka-develop, iba-iba, at pino. Ang kanyang mga pagpindot ay nagbibigay sa motivic structure ng mga melodies ni Bach ng pinaka-iba't ibang anyo. Ang hindi pangkaraniwang pamamaraan ng iba't ibang mga stroke sa magkatulad na melodies, kabilang ang mga tema ng fugues, imbensyon at iba pang mga gawa, ay partikular na interes at nagbubukas ng mga bagong problema sa pagganap. Ang pag-aaral ng mga orkestra na gawa ni Bach, kung saan mayroong isang tiyak na bilang ng mga liga ng may-akda - mga stroke, ay nagpapakita ng posibilidad ng gayong halimbawa. Ang mahusay na kompositor mismo ay nag-iba-iba ng kanyang mga stroke, at hindi gaanong bihira. Ang Canadian freethinker ang lumikha ng pinaka-nakakahimok na Bach sa ating panahon. Siya ay ibang Bach: hindi ang isa na noong panahon ng kanyang buhay, at hindi ang isa na, nagbabago, ay nagpakita sa iba't ibang henerasyon, ngunit tila siya sa mga kontemporaryo ni Gould ay ang pinaka-tunay na Bach.
Sa larangan ng instrumental na musika, ang gawain ni J. S. Bach ay nagbukas ng buo bagong panahon, ang mabungang impluwensya nito ay umaabot hanggang ngayon at hinding-hindi matutuyo. Hindi napigilan ng ossified dogma ng isang relihiyosong teksto, ang musika ay malawak na nakatuon sa hinaharap at direktang malapit sa totoong buhay. Ito ay malapit na konektado sa mga tradisyon at pamamaraan ng sekular na sining at paggawa ng musika.
Ang tunog ng mundo ng instrumental na musika ni Bach ay minarkahan ng kakaibang pagka-orihinal nito. Ang mga gawa ni Bach ay naging matatag na nakabaon sa ating kamalayan at naging isang mahalagang aesthetic na pangangailangan, bagama't ang mga ito ay tinutugtog sa mga instrumentong naiiba sa mga panahong iyon.
Instrumental na musika, lalo na si Köthen, ay nagsilbi bilang "pang-eksperimentong larangan" ni Bach para sa pagpapabuti at pagpapahusay ng kanyang komprehensibong compositional technique. Ang mga gawang ito ay may pangmatagalang artistikong halaga; Ang clavier ay naging para kay Bach ang pang-araw-araw na batayan para sa musikal na pag-eeksperimento sa larangan ng istruktura, pagkakatugma, at pagbuo ng anyo, at mas malawak na nag-uugnay sa iba't ibang genre ng sphere ng gawa ni Bach sa isa't isa. Pinalawak ni Bach ang matalinghaga at nagpapahayag na globo ng clavier at binuo para dito ang isang mas malawak, sintetikong istilo, na isinama ang mga nagpapahayag na paraan, pamamaraan, at tematik na natutunan mula sa organ, orchestral, at vocal literature - German, Italian, French. Sa lahat ng kakayahang magamit ng matalinghagang nilalaman, na nangangailangan ng ibang paraan ng pagganap, ang istilo ng keyboard ni Bach ay nakikilala ng ilang pangkalahatang katangian: energetic at marilag, nilalaman at balanseng emosyonal na istraktura, kayamanan at iba't ibang texture. Ang outline ng keyboard melody ay expressively melodious, na nangangailangan ng cantabile na istilo ng pagtugtog. Ang prinsipyong ito ay higit na nauugnay sa pag-fingering at paglalagay ng kamay ni Bach. Ang isa sa mga tampok na katangian ng estilo ay ang kayamanan ng pagtatanghal na may mga harmonic figurations. Sa pamamagitan ng pamamaraang ito, hinangad ng kompositor na "itaas sa ibabaw ng tunog" ang malalim na mga layer ng mga magarang harmonies na iyon, na sa pinagsamang texture sa clavier noong panahong iyon ay hindi ganap na maihayag ang mga kayamanan ng kulay at pagpapahayag na nakapaloob sa kanila.
Ang mga gawa ni Bach ay hindi lamang nakakamangha at hindi mapaglabanan na nakakaakit: ang kanilang epekto ay nagiging mas malakas kapag mas madalas nating marinig ang mga ito, mas nakikilala natin sila. Salamat sa napakalaking kayamanan ng mga ideya, palagi tayong nakatuklas ng bago sa mga ito na nagdudulot ng paghanga. Pinagsama ni Bach ang isang marangal at kahanga-hangang istilo na may pinakamahusay na pagtatapos, matinding pangangalaga sa pagpili ng mga detalye ng kabuuan ng komposisyon, dahil kumbinsido siya na "ang kabuuan ay hindi maaaring maging perpekto kung ang mga detalye ng kabuuan na ito ay hindi "nakakabit" sa isa't isa nang tumpak. ” (I. Forkel).