Em quase todas as obras de arte importantes há um mistério, um fundo duplo ou uma história secreta que você deseja descobrir.
Música nas nádegas
Hieronymus Bosch, O Jardim das Delícias Terrenas, 1500-1510.
Fragmento de um tríptico
As disputas sobre os significados e significados ocultos da obra mais famosa do artista holandês não diminuíram desde seu surgimento. Na ala direita do tríptico chamado "Inferno Musical" são retratados pecadores que são torturados no submundo com a ajuda de instrumentos musicais. Um deles tem anotações impressas em suas nádegas. A estudante da Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, que estudou a pintura, transpôs a notação do século 16 em um toque moderno e gravou "uma canção de 500 anos do inferno".
Mona Lisa Nua
A famosa "Gioconda" existe em duas versões: a versão nua se chama "Monna Vanna", foi pintada pelo pouco conhecido artista Salai, que foi aluno e babá do grande Leonardo da Vinci. Muitos críticos de arte têm certeza de que foi ele quem serviu de modelo para as pinturas de Leonardo "João Batista" e "Baco". Há também versões que vestiam um vestido de mulher, Salai servia como a imagem da própria Mona Lisa.
Velho Pescador
Em 1902, o artista húngaro Tivadar Kostka Chontvari pintou a pintura "Velho Pescador". Parece que não há nada de incomum na imagem, mas Tivadar colocou um subtexto nela, que nunca foi revelado durante a vida do artista.
Poucas pessoas pensaram em colocar um espelho no meio da foto. Em cada pessoa pode haver tanto Deus (o ombro direito do Velho é duplicado) quanto o Diabo (o ombro esquerdo do Velho é duplicado).
Havia uma baleia?
Hendrik van Antonissen "Cena na Costa".
Parecia uma paisagem comum. Barcos, pessoas na costa e o mar deserto. E apenas um estudo de raios-X mostrou que as pessoas se reuniram na praia por um motivo - no original, elas examinaram a carcaça de uma baleia que foi levada para a praia.
No entanto, o artista decidiu que ninguém iria querer olhar para uma baleia morta e repintou a pintura.
Dois "Café da manhã na grama"
Edouard Manet, Café da manhã na grama, 1863.
Claude Monet, Café da manhã na grama, 1865.
Os artistas Edouard Manet e Claude Monet às vezes se confundem - afinal, ambos eram franceses, viviam na mesma época e trabalhavam no estilo do impressionismo. Até mesmo o nome de uma das pinturas mais famosas de Manet, "Breakfast on the Grass", Monet emprestou e escreveu seu "Breakfast on the Grass".
Gêmeos na Última Ceia
Leonardo da Vinci, A Última Ceia, 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci escreveu A Última Ceia, deu particular importância a duas figuras: Cristo e Judas. Ele estava procurando babás para eles por muito tempo. Finalmente, ele conseguiu encontrar um modelo para a imagem de Cristo entre os jovens cantores. Leonardo não conseguiu encontrar uma babá para Judas por três anos. Mas um dia ele se deparou com um bêbado caído na sarjeta da rua. Ele era um jovem que havia envelhecido por causa da bebida. Leonardo o convidou para uma taverna, onde imediatamente começou a escrever Judas dele. Quando o bêbado caiu em si, disse ao artista que já havia posado para ele uma vez. Foi há alguns anos, quando cantava no coro da igreja, Leonardo escreveu Cristo dele.
"Vigilância Noturna" ou "Vigilância Diurna"?
Rembrandt, Night Watch, 1642.
Uma das pinturas mais famosas de Rembrandt, “A Performance da Companhia de Rifles do Capitão Frans Banning Cock e do Tenente Willem van Ruytenbürg”, pendurada em diferentes salas por cerca de duzentos anos e foi descoberta por historiadores de arte apenas no século XIX. Como as figuras pareciam se destacar contra um fundo escuro, foi chamada de Ronda Noturna e, sob esse nome, entrou no tesouro da arte mundial.
E somente durante a restauração, realizada em 1947, descobriu-se que no corredor a imagem conseguiu ficar coberta com uma camada de fuligem, que distorceu sua cor. Depois de limpar a pintura original, finalmente foi revelado que a cena apresentada por Rembrandt realmente ocorre durante o dia. A posição da sombra da mão esquerda do capitão Kok mostra que a duração da ação não é superior a 14 horas.
barco virado
Henri Matisse, "O Barco", 1937.
No Museu de Arte Moderna de Nova York em 1961, a pintura de Henri Matisse "O Barco" foi exibida. Somente após 47 dias alguém percebeu que a pintura estava pendurada de cabeça para baixo. A tela mostra 10 linhas roxas e duas velas azuis em um fundo branco. O artista pintou duas velas por um motivo, a segunda vela é um reflexo da primeira na superfície da água.
Para não se enganar em como a imagem deve ficar, você precisa prestar atenção aos detalhes. A vela maior deve ficar no topo da pintura, e o pico da vela da pintura deve ser direcionado para o canto superior direito.
Decepção em um autorretrato
Vincent van Gogh, autorretrato com cachimbo, 1889.
Há lendas de que Van Gogh teria cortado sua própria orelha. Agora, a versão mais confiável é que a orelha de Van Gogh foi danificada em uma pequena briga com a participação de outro artista, Paul Gauguin.
O autorretrato é interessante porque reflete a realidade de forma distorcida: o artista é retratado com a orelha direita enfaixada, pois usava um espelho para trabalhar. Na verdade, a orelha esquerda foi danificada.
ursos alienígenas
Ivan Shishkin, "Manhã na Floresta de Pinheiros", 1889.
A famosa pintura não pertence apenas ao pincel de Shishkin. Muitos artistas que eram amigos entre si muitas vezes recorriam à "ajuda de um amigo", e Ivan Ivanovich, que pintava paisagens toda a sua vida, temia que tocar os ursos não fosse o que ele precisava. Portanto, Shishkin voltou-se para um pintor de animais familiar Konstantin Savitsky.
Savitsky pintou talvez os melhores ursos da história da pintura russa, e Tretyakov ordenou que seu nome fosse lavado da tela, pois tudo no quadro “começando pela ideia e terminando com a execução, tudo fala da maneira de pintar, de o método criativo peculiar a Shishkin.”
História inocente "gótica"
Grant Wood, "American Gothic", 1930.
A obra de Grant Wood é considerada uma das mais estranhas e deprimentes da história da pintura americana. A imagem com pai e filha sombrios está repleta de detalhes que indicam a severidade, o puritanismo e o retrógrado das pessoas retratadas.
De fato, o artista não pretendia retratar nenhum horror: durante uma viagem a Iowa, ele notou uma pequena casa em estilo gótico e decidiu retratar aquelas pessoas que, em sua opinião, seriam ideais como habitantes. A irmã de Grant e seu dentista são imortalizados na forma de personagens que tanto ofenderam o povo de Iowa.
A vingança de Salvador Dali
A pintura "Figura na janela" foi pintada em 1925, quando Dali tinha 21 anos. Então Gala ainda não havia entrado na vida do artista, e sua irmã Ana Maria era sua musa. A relação entre irmão e irmã se deteriorou quando ele escreveu em uma das pinturas "às vezes eu cuspo no retrato da minha própria mãe, e isso me dá prazer". Ana Maria não podia perdoar tão chocante.
Em seu livro de 1949 Salvador Dali Através dos Olhos de uma Irmã, ela escreve sobre seu irmão sem nenhum elogio. O livro enfureceu El Salvador. Por mais dez anos depois disso, ele se lembrou dela com raiva em todas as oportunidades. E assim, em 1954, aparece a imagem "Uma jovem virgem se entregando ao pecado de sodomia com a ajuda dos chifres de sua própria castidade". A pose da mulher, seus cachos, a paisagem do lado de fora da janela e o esquema de cores da pintura ecoam claramente a Figura na Janela. Há uma versão de que foi assim que Dali se vingou de sua irmã por seu livro.
Danae de duas caras
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Muitos segredos de uma das pinturas mais famosas de Rembrandt foram revelados apenas na década de 60 do século XX, quando a tela foi iluminada com raios-x. Por exemplo, o tiroteio mostrou que, na versão inicial, o rosto da princesa, que entrou em um caso de amor com Zeus, parecia o rosto de Saskia, a esposa do pintor, que morreu em 1642. Na versão final da pintura, passou a se assemelhar ao rosto de Gertier Dirks, amante de Rembrandt, com quem o artista viveu após a morte de sua esposa.
O quarto amarelo de Van Gogh
Vincent van Gogh, "Quarto em Arles", 1888 - 1889.
Em maio de 1888, Van Gogh adquiriu uma pequena oficina em Arles, no sul da França, onde fugiu dos artistas e críticos parisienses que não o entendiam. Em um dos quatro quartos, Vincent monta um quarto. Em outubro, tudo está pronto e ele decide pintar o Quarto de Van Gogh em Arles. Para o artista, a cor, o conforto do quarto era muito importante: tudo tinha que sugerir pensamentos de relaxamento. Ao mesmo tempo, a imagem é sustentada em tons amarelos perturbadores.
Pesquisadores da criatividade de Van Gogh explicam isso pelo fato de o artista ter tomado dedaleira, remédio para epilepsia, que causa sérias alterações na percepção de cor do paciente: toda a realidade circundante é pintada em tons de verde-amarelo.
Perfeição sem dentes
Leonardo da Vinci, "Retrato da Sra. Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
A opinião geralmente aceita é que Mona Lisa é a perfeição e seu sorriso é lindo em seu mistério. No entanto, o crítico de arte americano (e dentista em meio período) Joseph Borkowski acredita que, a julgar pela expressão em seu rosto, a heroína perdeu muitos dentes. Ao examinar fotografias ampliadas da obra-prima, Borkowski também encontrou cicatrizes ao redor de sua boca. “Ela sorri muito justamente pelo que aconteceu com ela”, acredita o especialista. “Sua expressão facial é típica de pessoas que perderam os dentes da frente.”
Major no controle de rosto
Pavel Fedotov, Matchmaking do Major, 1848.
O público, que viu pela primeira vez a pintura "Major's Matchmaking", riu com vontade: o artista Fedotov a encheu de detalhes irônicos que eram compreensíveis para os espectadores da época. Por exemplo, o major claramente não está familiarizado com as regras de etiqueta nobre: ele apareceu sem os buquês adequados para a noiva e sua mãe. E a própria noiva foi dispensada por seus pais comerciantes em um vestido de noite, embora fosse dia (todas as lâmpadas da sala estavam apagadas). A garota obviamente experimentou um vestido decotado pela primeira vez, fica envergonhada e tenta fugir para o quarto.
Por que a liberdade está nua
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberdade nas Barricadas, 1830.
Segundo o historiador de arte Etienne Julie, Delacroix pintou o rosto de uma mulher do famoso revolucionário parisiense - a lavadeira Anna-Charlotte, que foi para as barricadas após a morte de seu irmão nas mãos de soldados reais e matou nove guardas. O artista a retratou de peito nu. De acordo com seu plano, este é um símbolo de destemor e altruísmo, assim como o triunfo da democracia: seios nus mostram que Svoboda, como um plebeu, não usa espartilho.
quadrado não quadrado
Kazimir Malevich, Praça Suprematista Negra, 1915.
Na verdade, o "Quadrado Preto" não é de todo preto e nem de todo quadrado: nenhum dos lados do quadrilátero é paralelo a qualquer um de seus outros lados, e nenhum dos lados da moldura quadrada que emoldura a imagem. E a cor escura é resultado da mistura de várias cores, entre as quais não havia o preto. Acredita-se que isso não foi negligência do autor, mas uma posição de princípio, o desejo de criar uma forma dinâmica e móvel.
Especialistas da Galeria Tretyakov descobriram a inscrição do autor em uma famosa pintura de Malevich. A inscrição diz: "Batalha dos Negros em uma caverna escura". Essa frase se refere ao nome da pintura lúdica do jornalista, escritor e artista francês Alphonse Allais “Batalha dos Negros em uma Caverna Escura na Calada da Noite”, que era um retângulo absolutamente preto.
Melodrama da Mona Lisa austríaca
Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uma das pinturas mais significativas de Klimt retrata a esposa do magnata do açúcar austríaco Ferdinand Bloch-Bauer. Toda Viena discutiu o romance tempestuoso entre Adele e o famoso artista. O marido ferido queria se vingar de seus amantes, mas escolheu uma maneira muito incomum: ele decidiu encomendar um retrato de Adele de Klimt e forçá-lo a fazer centenas de esboços até que o artista começasse a se afastar dela.
Bloch-Bauer queria que o trabalho durasse vários anos, e a modelo pôde ver como os sentimentos de Klimt desaparecem. Ele fez uma oferta generosa ao artista, que ele não pôde recusar, e tudo acabou de acordo com o cenário do marido enganado: o trabalho foi concluído em 4 anos, os amantes há muito esfriaram um com o outro. Adele Bloch-Bauer nunca soube que seu marido estava ciente de seu relacionamento com Klimt.
A pintura que trouxe Gauguin de volta à vida
Paul Gauguin, "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?", 1897-1898.
A tela mais famosa de Gauguin tem uma característica: é "lido" não da esquerda para a direita, mas da direita para a esquerda, como os textos cabalísticos que interessavam ao artista. É nesta ordem que se desenvolve a alegoria da vida espiritual e física de uma pessoa: desde o nascimento da alma (uma criança adormecida no canto inferior direito) até a inevitabilidade da hora da morte (um pássaro com um lagarto em suas garras no canto inferior esquerdo).
A pintura foi pintada por Gauguin no Taiti, onde o artista fugiu várias vezes da civilização. Mas desta vez a vida na ilha não deu certo: a pobreza total o levou à depressão. Terminada a tela, que se tornaria seu testamento espiritual, Gauguin pegou uma caixa de arsênico e foi para as montanhas para morrer. No entanto, ele não calculou a dose e o suicídio falhou. Na manhã seguinte, cambaleou até sua cabana e adormeceu, e quando acordou sentiu uma sede de vida esquecida. E em 1898, seus negócios subiram e um período mais brilhante começou em seu trabalho.
112 provérbios em uma imagem
Pieter Brueghel, o Velho, "Provérbios da Holanda", 1559
Pieter Brueghel, o Velho, retratou uma terra habitada por imagens literais dos provérbios holandeses da época. Existem aproximadamente 112 expressões idiomáticas reconhecíveis na imagem pintada. Alguns deles ainda são usados hoje, como "nadar contra a corrente", "bater a cabeça contra a parede", "armado até os dentes" e "peixe grande come o pequeno".
Outros provérbios refletem a estupidez humana.
Subjetividade da arte
Paul Gauguin, aldeia bretã sob a neve, 1894
A pintura de Gauguin "Breton Village in the Snow" foi vendida após a morte do autor por apenas sete francos e, além disso, sob o nome "Niagara Falls". O leiloeiro acidentalmente pendurou a pintura de cabeça para baixo depois de ver uma cachoeira nela.
imagem escondida
Pablo Picasso, A Sala Azul, 1901
Em 2008, o infravermelho mostrou que outra imagem estava escondida sob a "Sala Azul" - um retrato de um homem vestido com um terno com uma borboleta e descansando a cabeça na mão. “Assim que Picasso teve uma nova ideia, ele pegou o pincel e incorporou-o. Mas ele não teve a oportunidade de comprar uma tela nova toda vez que a musa o visitava”, explica a historiadora de arte Patricia Favero a possível razão para isso.
Mulheres marroquinas inacessíveis
Zinaida Serebryakova, Nua, 1928
Um dia, Zinaida Serebryakova recebeu uma oferta tentadora - para fazer uma jornada criativa para retratar as figuras nuas de donzelas orientais. Mas acabou que era simplesmente impossível encontrar modelos nesses lugares. Um intérprete de Zinaida veio em socorro - ele trouxe suas irmãs e sua noiva para ela. Ninguém antes e depois disso conseguiu capturar as mulheres orientais fechadas nuas.
Insight espontâneo
Valentin Serov, "Retrato de Nicolau II em uma jaqueta", 1900
Por muito tempo Serov não conseguiu pintar um retrato do rei. Quando o artista desistiu completamente, ele se desculpou com Nikolai. Nikolai estava um pouco chateado, sentou-se à mesa, estendendo as mãos à sua frente ... E então ocorreu ao artista - aqui está ele! Um simples militar com uma jaqueta de oficial com olhos claros e tristes. Este retrato é considerado a melhor representação do último imperador.
De novo caralho
© Fedor Reshetnikov
A famosa pintura "Again deuce" é apenas a segunda parte da trilogia artística.
A primeira parte é "Chegou para as férias". Obviamente, uma família abastada, férias de inverno, um excelente aluno alegre.
A segunda parte é "De novo o deuce". Uma família pobre da periferia da classe trabalhadora, no auge do ano letivo, um atordoador maçante que novamente pegou um empate. No canto superior esquerdo você pode ver a imagem "Chegou para as férias".
A terceira parte é "Reexame". Casa rural, verão, todo mundo está andando, um ignorante malicioso que falhou no exame anual é forçado a se sentar dentro de quatro paredes e se espremer. No canto superior esquerdo você pode ver a imagem "Again deuce".
Como nascem as obras-primas
Joseph Turner, Chuva, Vapor e Velocidade, 1844
Em 1842, a Sra. Simon viajou de trem na Inglaterra. De repente, uma forte chuva começou. O senhor idoso sentado à sua frente se levantou, abriu a janela, colocou a cabeça para fora e ficou assim por cerca de dez minutos. Incapaz de conter sua curiosidade, a mulher também abriu a janela e olhou para frente. Um ano depois, ela descobriu a pintura “Chuva, Vapor e Velocidade” em uma exposição na Royal Academy of Arts e conseguiu reconhecer nela o próprio episódio no trem.
Aula de anatomia de Michelangelo
Michelangelo, A Criação de Adão, 1511
Alguns especialistas americanos em neuroanatomia acreditam que Michelangelo deixou algumas ilustrações anatômicas em uma de suas obras mais famosas. Eles acreditam que um cérebro enorme está representado no lado direito da imagem. Surpreendentemente, até mesmo componentes complexos como o cerebelo, os nervos ópticos e a glândula pituitária podem ser encontrados. E a fita verde cativante combina perfeitamente com a localização da artéria vertebral.
A Última Ceia de Van Gogh
Vincent van Gogh, Café Terrace à noite, 1888
O pesquisador Jared Baxter acredita que o Café Terrace at Night de Van Gogh contém uma dedicatória à Última Ceia de Leonardo da Vinci. No centro da imagem está um garçom de cabelos compridos e uma túnica branca, que lembra as roupas de Cristo, e ao seu redor exatamente 12 visitantes do café. Baxter também chama a atenção para a cruz, localizada logo atrás das costas do garçom de branco.
A imagem da memória de Dali
Salvador Dali, A Persistência da Memória, 1931
Não é segredo que os pensamentos que visitaram Dali durante a criação de suas obras-primas sempre foram na forma de imagens muito realistas, que o artista transferiu para a tela. Assim, segundo o próprio autor, a pintura “A Persistência da Memória” foi pintada como resultado de associações que surgiram ao ver o queijo processado.
Sobre o que Munch está gritando
Edvard Munch, "O Grito", 1893.
Munch falou sobre a ideia de uma das pinturas mais misteriosas da pintura mundial: "Eu estava andando pelo caminho com dois amigos - o sol estava se pondo - de repente o céu ficou vermelho sangue, parei, me sentindo exausto, e me inclinei a cerca - olhei para o sangue e as chamas sobre o fiorde preto-azulado e a cidade - meus amigos continuaram, e eu fiquei, tremendo de emoção, sentindo o grito interminável penetrante da natureza. Mas que tipo de pôr do sol poderia assustar tanto o artista?
Existe uma versão de que a ideia de "Scream" nasceu por Munch em 1883, quando ocorreram várias erupções mais fortes do vulcão Krakatoa - tão poderosas que alteraram a temperatura da atmosfera da Terra em um grau. Uma grande quantidade de poeira e cinzas se espalhou pelo globo, chegando até a Noruega. Por várias noites seguidas, o pôr do sol parecia que o apocalipse estava prestes a chegar - um deles se tornou fonte de inspiração para o artista.
Escritor entre o povo
Alexander Ivanov, "A Aparição de Cristo ao Povo", 1837-1857.
Dezenas de modelos posaram para Alexander Ivanov para sua foto principal. Um deles é conhecido não menos que o próprio artista. Ao fundo, entre viajantes e cavaleiros romanos que ainda não ouviram o sermão de João Batista, nota-se um personagem de túnica marrom. Seu Ivanov escreveu com Nikolai Gogol. O escritor se comunicou de perto com o artista na Itália, em particular sobre questões religiosas, e deu-lhe conselhos no processo de pintura. Gogol acreditava que Ivanov "há muito morrera por todo o mundo, exceto por seu trabalho".
gota de Michelangelo
Raphael Santi, A Escola de Atenas, 1511.
Criando o famoso afresco "A Escola de Atenas", Rafael imortalizou seus amigos e conhecidos nas imagens dos antigos filósofos gregos. Um deles foi Michelangelo Buonarroti "no papel" de Heráclito. Por vários séculos, o afresco manteve os segredos da vida pessoal de Michelangelo, e pesquisadores modernos sugeriram que o joelho estranhamente angular do artista indica que ele tem uma doença nas articulações.
Isso é bastante provável, dadas as peculiaridades do estilo de vida e das condições de trabalho dos artistas renascentistas e o vício crônico do trabalho de Michelangelo.
Espelho dos Arnolfinis
Jan van Eyck, "Retrato dos Arnolfinis", 1434
No espelho atrás dos Arnolfinis, você pode ver o reflexo de mais duas pessoas na sala. Muito provavelmente, estas são testemunhas presentes na conclusão do contrato. Um deles é van Eyck, como comprova a inscrição latina colocada, contrariamente à tradição, acima do espelho no centro da composição: "Jan van Eyck esteve aqui". Era assim que os contratos eram geralmente selados.
Como uma falha se transformou em um talento
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autorretrato aos 63 anos de idade, 1669.
A pesquisadora Margaret Livingston estudou todos os autorretratos de Rembrandt e descobriu que o artista sofria de estrabismo: nas imagens seus olhos olham em direções diferentes, o que não é observado nos retratos de outras pessoas pelo mestre. A doença levou o artista a perceber melhor a realidade em duas dimensões do que as pessoas com visão normal. Esse fenômeno é chamado de "cegueira estéreo" - a incapacidade de ver o mundo em 3D. Mas como o pintor tem que trabalhar com uma imagem bidimensional, seria justamente essa deficiência de Rembrandt que poderia ser uma das explicações para seu talento fenomenal.
Vênus sem pecado
Sandro Botticelli, O Nascimento de Vênus, 1482-1486.
Antes do advento de O Nascimento de Vênus, a imagem de um corpo feminino nu na pintura simbolizava apenas a ideia do pecado original. Sandro Botticelli foi o primeiro pintor europeu a não encontrar nele nada de pecaminoso. Além disso, os historiadores da arte têm certeza de que a deusa pagã do amor simboliza a imagem cristã no afresco: sua aparência é uma alegoria do renascimento da alma que passou pelo rito do batismo.
Tocador de alaúde ou tocador de alaúde?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, O tocador de alaúde, 1596.
Por muito tempo, a pintura foi exibida no Hermitage sob o título "Lute Player". Somente no início do século 20, os historiadores da arte concordaram que a tela ainda retrata um jovem (provavelmente, Caravaggio foi posado por seu amigo artista Mario Minniti): nas notas à frente do músico, uma gravação da parte do baixo de o madrigal de Jacob Arcadelt “Você sabe que eu te amo” é visível. Uma mulher dificilmente poderia fazer tal escolha - é apenas difícil para a garganta. Além disso, o alaúde, como o violino na borda da imagem, era considerado um instrumento masculino na época de Caravaggio.
*A pintura russa é tão fundamentalmente diferente da arte européia quanto a literatura. O ponto de vista de nossos artistas - sejam escritores ou pintores - sobre o mundo é eminentemente tendencioso. Ivan Nikolaevich Kramskoy
*A pintura dura à sua maneira. Martin Heidegger
*A pintura é o conhecimento do mundo, acessível apenas a uma longa experiência humana. Sonho e memória ao mesmo tempo. E a penetração na ciência das carícias, que o ardor de um jovem amante negligencia. Luís Aragão
* Na pintura, como em outros gêneros de arte, não há uma única técnica que se ajuste a uma formulação verbal. Augusto Renoir
*A humanidade sempre valorizou aquelas obras de arte onde o drama do coração humano ou simplesmente o caráter interior de uma pessoa é expresso com toda a extensão possível. Muitas vezes basta a imagem de um personagem para que o nome do artista permaneça na história da arte. Ivan Nikolaevich Kramskoy
*Não se trata de aprender a desenhar, trata-se de aprender a pensar. Stendhal (Henri-Marie Bayle)
*O mundo está, em última análise, ao nosso redor, não à nossa frente. A profundidade da imagem pictórica vem do nada, instalando-se, crescendo na tela. Maurice Merleau-Ponty
*As ações sucessivas não podem, como tal, tornar-se objetos de pintura; deve contentar-se com ações simultâneas, ou corpos que, por sua posição, implicam em ação. Gotthold Ephraim Lessing
* Se uma imagem excita rumores, e até animados, significa que há algo nela; portanto, a arte pode desempenhar um papel de ordem um tanto mais elevada do que a decoração e o entretenimento da vida. Ivan Nikolaevich Kramskoy
*Cada imagem deve ser única e deve ser uma nova imagem em uma série de representações da mente humana sobre o mundo. Henri Matisse
* "E então eu vi um corvo na neve. Um corvo senta na neve e abre uma asa, fica como uma mancha preta na neve. Então eu não pude esquecer esse local por muitos anos. Então eu escrevi para boiar Morozova"
"A essência de um quadro histórico é adivinhar" Vasily Ivanovich Surikov.
* Sobre o andamento do trabalho de Repin na pintura: "Ele ficará de repente com raiva, inflamado com toda a sua alma, pegará uma paleta e pincéis e começará a escrever na tela como se estivesse em algum tipo de raiva"
"O que é arte? Ou mais de perto: o que são artistas? Uma parte de uma nação que livre e espontaneamente se propôs a satisfazer as necessidades estéticas de seu povo."
"..a mais alta autoridade judicial para o artista sempre foi e será a impressão que milhares de espectadores sofrem com a imagem." Ivan Nikolaevich Kramskoy.
* "Cada aluno no verão deve escrever esboços e estudar de todos os lados o que escolheu como sua especialidade; além disso, tanto no inverno quanto no verão, deve levar consigo um caderno e um álbum para aprender a desenhar eles tudo o que vai parar sua atenção em si mesmo, e não confiar em sua memória e imaginação ... "
"A paisagem não deve ser apenas nacional, mas também local. Tudo o que foi dito será garantido por meus muitos anos de experiência e todo meu desejo de servir minha paisagem nativa, e espero que chegue o momento em que toda a natureza russa, vivo e espiritual, olhará das telas de artistas russos." E. Shishkin
* "Eu quero ser assim - despreocupado, neste século eles escrevem tudo difícil, nada encorajador. Eu quero o que é encorajador e escreverei apenas o que é encorajador" Valentin Alexandrovich Serov.
"Dizem: arte não é ciência, não é matemática, que é arte, humores e que nada pode ser explicado na arte - olhe e admire. Na minha opinião, não é assim. A arte é explicável e muito lógica, você precisa e você pode saber sobre isso, é matemático "Neste caso, pode ser explicado. É possível provar exatamente por que a imagem é boa e por que é ruim" Nikolai Petrovich Krymov
* "Um pintor que estuda a diversidade das coisas na natureza, assim compreende sua relação, determina a localização de uma coisa no mundo, ou seja, o ser de uma coisa" Kuzma
"As cores são irritantes e calmantes, gritam, discutem umas com as outras e vivem afetuosamente uma ao lado da outra. Em sua luta ou acordo, há o efeito da cor em uma pessoa através do sentido da visão." Sergeevich Petrov-Vodkin
* "O tempo se dá ao trabalho de terminar minhas obras."
"A cor complementa a pintura com decorações, mas ela não passa de uma dama da corte de sua comitiva"
"Desenhar não significa apenas fazer contornos; desenhar não consiste apenas em linhas. Desenhar também é expressividade, forma interna, plano, modelagem."
"Em cada cabeça, a primeira coisa a fazer é fazer os olhos falarem."
"Só na natureza se pode encontrar a beleza, que é o grande objeto da pintura; ali é preciso procurá-la e em nenhum outro lugar."
"Sem remorso se você copiar os antigos. Suas obras são uma propriedade comum, de onde cada um pode tirar o que quiser. Eles se tornam nossa propriedade quando sabemos como usá-los, Raphael, imitando-os incansavelmente, permaneceu ele mesmo."
"Mais determinação no uso das cores, mais flexibilidade nos tons. Mais confusão nas poses das páginas; são muito calculadas. O douramento é mais claro nas sombras e mais delicado. Em geral, menos simetria."
"Os contornos externos nunca devem se aprofundar... eles são convexos... Para obter uma forma perfeita, não se deve recorrer a volumes quadrados e angulosos: deve-se criar uma forma arredondada e sem detalhes internos salientes. Quando há apenas uma figura no quadro, deve ser modelado em relevo e assim procurar um efeito pictórico."
"Fui censurado, e talvez com razão, por repetir minhas composições com muita frequência, em vez de criar novas obras. Aqui estão meus pensamentos sobre esse assunto: a maioria das obras que eu amei em termos de enredo me pareceu digna de trabalho e são ainda melhores, repetindo-os ou finalizando-os melhor, como muitas vezes aconteceu com meus primeiros quadros e, aliás, com a Capela Sistina. para esperar deixar seu nome para as gerações futuras, ele tentará incansavelmente tornar suas obras mais belas, ou pelo menos menos imperfeitas.Um exemplo para mim é o grande Poussin, que muitas vezes repetiu as mesmas tramas.
"O desenho contém mais de três quartos do que é pintura. Se eu tivesse que colocar uma placa na minha porta, eu escreveria:" Escola de Desenho ", e tenho certeza que criaria pintores." Ingres
* "É difícil pegar dois ou três tons exatamente juntos, cinco é ainda mais difícil, e pegar tudo exatamente como você sente com o olho é incrivelmente difícil. Eduque o olho um pouco no início; depois abra mais o olho e no final, tudo o que entra na tela deve ver junto, e então o que não for exatamente tirado ficará desafinado, como uma nota errada em uma orquestra. Um artista experiente vê tudo ao mesmo tempo, assim como um bom maestro ouve o violino, a flauta, o fagote e outros instrumentos ao mesmo tempo"
"Gosto de começar pelos lugares escuros mais espessos. Isso não me permite entrar no esbranquiçado. A cor será rica, espessa." Konstantin Alekseevich Korovin
* "O uso de toda a faixa de intensidade de luz, o máximo permitido por toda a paleta, e o uso de todo o registro de cores e tonalidades de cores só é possível com base no conhecimento de várias técnicas de tecnologia.
Essas tonalidades e saturação com intensidade de cor e luminosidade na pintura são altamente dependentes da preparação da textura em cada etapa da obra.
A pintura que não respira cada uma de suas cores com mil matizes que a enriquecem, é pintura morta.
A energia das cores, assim como a energia da forma e expressão, também carrega a energia do impacto.
Estudante, tímido, embora sincero, mas o trabalho protocolar é apenas o ABC da arte. Só quando o pintor, como resultado de longas buscas, atinge duas ou três pinceladas decisivas, resolvendo simples e claramente o problema da forma e da cor, aparece o grau necessário de persuasão. O laconismo na pintura, como na fala, é muitas vezes desejável como o caminho mais curto para a clareza exaustiva: ele bane tudo o que é duvidoso, confuso e sobrecarregado em seu caminho direto. "K. Yuon
* "A pintura é a própria vida. Nela, a natureza aparece diante da alma sem intermediários, sem capas, sem convenções. A poesia é intangível. A música é intangível. A escultura é condicional. Mas a pintura, especialmente na paisagem, é algo real. Poetas, músicos , escultores "Não quero menosprezar sua glória. Seu lote também é lindo. Mas que todos sejam recompensados com justiça!"
Se observarmos os arredores, seja uma paisagem ou um interior, notamos que entre as coisas que aparecem aos nossos olhos existe uma espécie de conexão criada pela atmosfera que as envolve e vários reflexos de luz, que , por assim dizer, envolvem cada objeto em uma certa harmonia geral"
"Que milagre - admirar pintando o que você não admira na realidade."
"A pintura é uma arte não falante, e isso, na minha opinião, é o seu mérito considerável."
“O realista mais teimoso é, no entanto, forçado, ao transmitir a natureza, a recorrer a certas convenções de composição ou de maneira. idéia para apresentar ao espectador algo mais do que uma conexão aleatória de partes não relacionadas, sem isso não haveria arte. Quando um fotógrafo fotografa uma paisagem, você sempre vê apenas uma parte cortada do todo; a borda a imagem aqui é tão interessante quanto a parte central; você só pode imaginar toda a paisagem - você vê apenas uma peça que parece ter sido escolhida ao acaso. A secundária aqui reivindica a mesma atenção que a principal; na maioria das vezes, este secundário é a primeira coisa que chama a atenção e os ofende. É preciso mais indulgência para a imperfeição da reprodução de uma imagem fotográfica do que para a criação de uma imaginação criativa. As fotografias que mais impressionam são aquelas em que Em alguns casos, devido à imperfeição do próprio método de transmissão acurada, certas lacunas são deixadas, lugares de descanso para o olho, que permitem focar a atenção apenas em um pequeno número de objetos. Se o olho tivesse o poder de uma lupa, a fotografia seria insuportável: perceberíamos todas as folhas da árvore, todas as telhas do telhado, todo o musgo das telhas, todos os insetos etc. dizer sobre as vistas desagradáveis que uma perspectiva real dá , - elas são talvez menos desagradáveis na paisagem, onde as partes salientes podem ser ampliadas, mesmo além da medida, sem ofender os olhos como acontece com as figuras humanas! O realista mais teimoso deve corrigir na imagem essa inflexibilidade de perspectiva, que distorce a aparência dos objetos justamente por causa de sua precisão.
“Artistas que não são coloristas estão engajados em colorir, não em pintar. , proporção e perspectiva." Eugene Delacroix
* "A técnica é a linguagem do artista; desenvolva-a incansavelmente, até o virtuosismo. Sem ela, você nunca poderá contar às pessoas seus sonhos, suas experiências, a beleza que viu." Pavel Petrovich Chistyakov
* "Deus é o Imensurável, e eu O sinto em mim. Só nele eu acredito. Não acredito no que toco, nem no que vejo. Meu cérebro, minha mente parece-me apenas uma breve realidade duvidosa. Apenas Considero meu sentimento interior eterno e definitivo.
"Contato com os grandes mestres. Eles nos ensinam a não criar arte pobre..."
"A cor deve ser pensada, inspirada, sonhada."
"Todo o valor das minhas obras reside no fato de que lhes abri a porta que conduz ao sacramento. Compus as imagens, e agora elas devem se desenvolver"
"O céu entre os galhos, são pérolas e pedras preciosas"
"A pintura é um silêncio apaixonado." Gustave Moreau
* "Todo o segredo está na luminosidade geral. A luz vem, por assim dizer, de dentro da própria tela. Olhe para os venezianos, estão todos inundados com uma única luz, e é como se o artista pintasse com uma tinta. Por que, afinal, dentro de uma única cor dourada, há uma sensação de cortinas vermelhas ou folhagens verdes? a imagem, a profundidade e o jogo de luz são preservados ao mesmo tempo! "Nikolai Mikhailovich Romadin
*"Quando você tenta seguir conscientemente os grandes mestres, você vê que em certos momentos todos eles mergulham profundamente na realidade. Quero dizer que as chamadas criações dos grandes mestres podem ser vistas na própria realidade, se você olhar para ela com os mesmos olhos e com os mesmos sentimentos que eles ... Realidade - esta é a base eterna da poesia genuína, que pode ser encontrada se você procurar muito e cavar o solo fundo o suficiente ... "Van Gogh
*"Todo mundo está tentando entender a pintura. Por que eles não tentam entender o canto dos pássaros?"
"A pintura é uma ocupação para cegos. Um artista pinta não o que vê, mas o que sente."
"Por que tentar entender a arte? Você não tenta entender sobre o que um pássaro canta..."
Um milionário veio ao estúdio de Picasso. 3a estava interessado em um quadro pintado de forma cúbica:
- O que é mostrado aqui?
- Duzentos mil dólares - respondeu o artista.
Quando perguntaram a Picasso por que ele não decorou sua casa
com suas próprias pinturas, ele respondeu: "Eu não posso comprá-las!"
Estou terminando seu retrato”, disse Picasso ao homem que estava pintando. Agora tente ser como ele.
Picasso conduz os convidados através de sua exposição.
- Este é o meu auto-retrato. Este é um retrato da minha esposa.
- Espero que não tenha filhos?
"Um artista é uma pessoa que escreve o que pode ser vendido. E um bom artista é uma pessoa que vende o que escreve"
"Há artistas que transformam o sol em uma mancha amarela. Mas também há aqueles que, usando sua arte e mente, transformam a mancha amarela em sol"
"E entre as pessoas há mais cópias do que originais." Pablo Picasso
"Se meu marido encontrasse uma mulher na rua que se parecesse com as mulheres em suas pinturas, ele imediatamente desmaiaria e perderia a consciência." Sra. Picasso
*"A diferença entre os surrealistas e eu é que eu sou surrealista"
"Pinturar um quadro ou é fácil ou impossível"
"Quando pinto quadros, sinto-me louco. A única diferença entre mim e o louco é que não sou louco." Dali
* O ilustrador Favorsky, ao fazer ilustrações para livros, desenhou um cachorro no canto. Quando o editor começou a se ressentir por que o cachorro estava aqui, ele provou todas as vezes que o cachorro era simplesmente necessário para esta ilustração. Mas no final, tendo acabado com as disputas, ele concordou em tirar o cachorro da foto. Quando perguntado por que você desenha esse cachorro todas as vezes, ele respondeu: "E se não houvesse cachorro, ele teria encontrado falhas em outra coisa" Favorsky
* "Em essência, não há estilo bonito, nem linha bonita, nem cor bonita, a única beleza é a verdade que se torna visível." Oh. Rodin
* "Um pintor de paisagens pode trabalhar com calma - a natureza nunca insiste na semelhança." R. G. de la Serna
* "O significado de um artista é medido pelo número de novos signos que ele introduz na linguagem plástica." A. Matisse
* "A luz da arte influenciará numerosos corações, iluminando-os com um novo amor. A princípio esse sentimento será inconsciente, mas depois purificará a consciência humana." Roerich
* "Desenho não é uma forma, mas uma maneira de vê-lo." Degas
* Uma obra de arte - neblina esculpida em uma imagem.
* A beleza não é uma necessidade, mas um êxtase. Não é uma imagem que você gostaria de ver, nem uma música que você gostaria de ouvir, mas uma imagem que você vê mesmo fechando os olhos, e uma música que você ouve mesmo fechando os ouvidos. D.H. Gibran
* Um artista é uma pessoa que se afasta da realidade porque não consegue se conformar com a recusa em satisfazer seus instintos que ela exige; ele abre espaço para seus projetos egoístas e ambiciosos no reino da fantasia. Freud Sigmund
*Bons artistas criam, grandes artistas roubam e bons artistas entregam no prazo... Steve Jobs
*Cada criança é um artista. A dificuldade é permanecer artista além da infância. Picasso Pablo
*Todos têm o direito de mudar, até os artistas. Picasso Pablo
* Quando você vai perceber
Que você não é filho da terra,
Mas o viajante através dos universos,
Quando você entende que uma pessoa nasce,
Para derreter do mundo
Necessidades e razão -
Universo de Liberdade e Amor, -
Só então Você se tornará um Mestre. Maximiliano Voloshin
* O artista é um mentiroso, mas a arte é verdadeira. Andre Maurois
*Não foi divertido nem triste - foi lindo...Vincent van Gogh
* Um artista é um foco de consciência das coisas e fenômenos refletidos nele. M.A. Voloshin
* Autobiografias de artistas nos lugares onde se conta como eles alcançaram a fama são geralmente desenhadas. Ulrich Erkenbrecht
* Arte anticlássica, se é que pode ser chamada de arte, apenas a arte de pessoas preguiçosas. É a doutrina daqueles que querem criar sem trabalho e aprender sem estudar. pintor francês do século XIX Jean Ingres
* Deus é apenas mais um artista. Ele inventou uma girafa, um elefante, um gato. Ele não tem caligrafia estabelecida. Ele continua tentando criar coisas. Pablo Picasso
* Aos vinte e cinco, qualquer um pode ser talentoso. A questão toda é ser talentoso aos cinquenta. Edgar Degas, pintor francês
* Em nossa época, os jornais tentam fazer com que o público julgue um escultor não por suas esculturas, mas pela forma como trata sua esposa; sobre um artista pelo tamanho de sua renda, e sobre um poeta pela cor de sua gravata. Oscar Wilde
* Tenho bastante artista em mim para desenhar livremente em minha imaginação. Imaginação é mais importante que conhecimento. O conhecimento é limitado. A imaginação abraça o mundo. A. Einstein
* Cada estrato social é curioso à sua maneira, e o artista pode retratar com igual interesse os costumes da rainha e os hábitos da costureira. M. Proust
* O maior elogio para um artista é quando você esquece os elogios antes de seu trabalho. Gotthold Lessing
* Sim, senhora, a Natureza [nas pinturas - D.D.] entra sorrateiramente. A resposta do artista J.A. McNeill Whistler "a, à frase de uma senhora que certa paisagem a lembra de suas pinturas
* Para um artista do século XV, a descrição do leito de morte era um meio tão certo de ganhar popularidade quanto para o artista do século XX - a descrição do leito de amor. Aldous Huxley
* O único elogio que deve ser dado a um artista é comprar sua obra. O pintor impressionista francês Pierre Renoir
* Se você olhar mais de perto o trabalho dele, é perceptível que eles se parecem com uma trajetória de voo cuidadosamente desenhada de uma mosca em estado de choque. Marina Rodna sobre as pinturas do artista abstrato americano Jackson Pollock
* Se não há absolutamente nada de bonito na aparência de uma mulher, dizem que ela tem olhos bonitos. Se um artista é desafiadoramente sem talento - que ele é sinceramente dedicado ao seu trabalho. Crítico Stanislav Zelvensky sobre a exposição fotográfica de Stas Namin
* Se você tem uma boa aparência e está bem vestido, não precisa de um objetivo na vida. Robert Pant, estilista americano
* A sede de lucro ainda não criou um único artista, mas matou muitos. Alston
* A pintura é a profissão dos cegos. O artista pinta não o que vê, mas o que sente, o que o que vê significa para ele. Pablo Picasso
* Nos preocupamos com a insatisfação criativa dos artistas! Stanislav Jerzy Lec
* INTELECTUAL - uma pessoa que fala de forma complexa sobre coisas simples; Um ARTISTA é uma pessoa que simplesmente fala sobre coisas complexas. Charles Bukowski
* Um verdadeiro artista cria o próximo trabalho porque não está satisfeito com o anterior. Dmitry Shostakovich
* Todo artista que retrata o céu como verde e a grama como azul deve ser esterilizado. Adolf Gitler
* Quando tenho que tirar sarro da natureza, a primeira coisa que tento fazer é esquecer que vi uma foto sequer. pintor de paisagens inglês John Constable
* Quando eu era criança, minha mãe me dizia: "Se você se tornar um soldado, você será um general; se você se tornar um monge, você será o Papa". Em vez disso, tornei-me artista e passei a Picasso. Pablo Picasso
* Quando o [artista] Diego Rivera protestou contra as mudanças em seu mural no Rockefeller Center, Nelson Rockefeller supostamente o convenceu simplesmente dizendo: "Esta é a minha parede". Eugene McCarthy
* COLAGEM - uma maneira inteligente de transferir para a tela uma variedade de utensílios domésticos, que o artista não deseja retratar da maneira usual. Marina Rodna
* ARTE CONCEITUAL - a arte de artistas que parecem expressar idéias filosóficas profundas em absolutamente tudo o que fazem, mesmo que todos os outros não vejam nenhuma idéia nela. Marina Rodna
* Somente no fracasso o artista reconhece sua verdadeira atitude em relação à criatividade, somente após a derrota o comandante vê seus erros. S. Zweig
* Qualquer retrato tirado do coração é um retrato do artista, não daquele que posou para ele. Oscar Wilde
* Qualquer bom artista que se esforce para criar verdadeiras obras-primas deve primeiro ser capaz de levar minha esposa embora. Salvador Dalí
* As memórias são a melhor fonte de informação. Lê-los é um prazer; além disso, uma agradável surpresa espera por você: acontece que um grande artista não é apenas dotado de mãos hábeis, mas também é capaz de pensar razoavelmente sem a insistência de um crítico. Marina Dana Rodna
* Sempre desconfiei de artistas que alcançam o sucesso antes de morrer. John Murray Fitzgibbon
* Um verdadeiro artista é um diapasão, ele só pode tocar uma nota - a sua. Olga Muravieva
* Um verdadeiro especialista, querendo manter sua reputação, imediatamente após a morte de um artista famoso tenta publicar um catálogo completo de suas obras o mais rápido possível, após o que seus preços começam a subir incontrolavelmente. Se alguma das obras do artista não estiver incluída neste documento capital, posteriormente será muito difícil provar não apenas a autenticidade, mas também a sua própria existência. Marina Rodna
* Não se deve ter medo de atribuir aos artistas do passado um ideal que eles nunca tiveram. A admiração é impossível sem uma mistura de ilusão, e compreender uma obra de arte perfeita significa, em geral, recriá-la em seu mundo interior. As mesmas obras se refletem de forma diferente na alma dos contempladores. Cada geração procura novas emoções nas criações dos antigos mestres. O espectador mais talentoso é aquele que encontra, à custa de várias falsas interpretações bem sucedidas, a emoção mais terna e mais forte. Portanto, a humanidade tem um apego apaixonado principalmente por tais obras de arte e poesia, que contêm lugares escuros que permitem a possibilidade de entendimentos diferentes. A. França
* Alguns se tornam críticos porque são incapazes de ser artistas, da mesma forma que um homem se torna um informante porque é incapaz de ser soldado. Gustave Flaubert
* Alguns artistas pintam flores. Eu desenho o que as flores pensam. Sylvester Stallone
* A educação é desastrosa para quem tem o talento de um artista. A educação deve ser deixada para os funcionários, e mesmo eles são tentados a beber. George Moore
* Você vê, três quartos da humanidade pensam mais sobre o que lhes é mostrado do que sobre como é feito. O paisagista inglês John Sell Cotman
* Por que a arte não deve ser bela? O mundo já está cheio de problemas. O pintor impressionista francês Pierre Renoir
* A verdade está sempre lá, você tem que inventar apenas mentiras. Georges Braque, artista francês
* A vocação só pode ser reconhecida e comprovada pelo sacrifício que um cientista ou artista traz para sua paz e bem-estar. L.N. Tolstoi
* Passou uma manhã infeliz comparando-se com Raphael. Benjamin Haydon, pintor inglês, entrada do diário
* Rafael foi contratado para pintar o Vaticano não porque fosse um grande artista, mas porque seu tio era um arquiteto papal. Lord Melbourne, primeiro-ministro britânico
* REALISMO - reprodução escrupulosa de todos os detalhes do objeto retratado. Ela é realizada para que cada espectador entenda exatamente o que o artista queria retratar. Marina Rodna
* Hoje, como você sabe, sou famoso e muito rico. Mas quando fico sozinho comigo mesmo, me falta a coragem de me considerar um artista, no grande e antigo sentido da palavra... Sou apenas um entertainer que entende as necessidades de seu tempo. Pablo Picasso em 1971
* A situação aqui é ideal: banqueiros só falam de pinturas, artistas só falam de dinheiro. Avaliador desconhecido sobre leilões de arte
* Só artistas ruins escrevem demais. A. Matisse
* Uma boa pintura é como uma boa cozinha: você pode sentir o sabor, mas não pode explicá-lo. Artista e escritor francês Maurice de Vlaminck
* Um bom artista não precisa nomear uma foto, um ruim deve. provérbio polonês
* Quer o artista queira ou não, a maçã ainda cairá no chão. Diretor de cinema Andrey Konchalovsky
* ART SCHOOL - um lugar onde as meninas passam o tempo entre a faculdade e o casamento. artista americano Thomas Hart Benton
* ARTISTA - aquele que faz coisas que as pessoas não precisam. Andy Warhole
* Um artista é uma síntese de teórico e prática. Novalis
* ARTISTA -exibicionista profissional. Vincent Van Gogh
* Um artista às vezes pode até descobrir com espanto - como aconteceu com Miro numa certa galeria americana - que todas as obras expostas ali sob seu nome são falsas. Pior ainda, teve que suportar um choque ainda maior quando foi arrastado para o tribunal, onde teve que provar que era o mesmo Miro. Marina Rodna
* O artista deve ser digno da alta sociedade, e ficar longe dele. John Ruskin
* O artista deve desenhar seu plano com fogo, mas executá-lo com serenidade. Johann Winckelmann
* O artista pensa com um desenho. S. Dali
* Um artista pode até pendurar suas pinturas, mas um escritor só pode se enforcar. Eduard Dahlberg (nome completo John Emerich Eduard Dahlberg-Acton)
* O artista nunca abandona a arte, mas acontece que a arte abandona o artista. G. Kozintsev
* O artista é obrigado a ser vaidoso, mas tem direito à modéstia. Karl Kraus
* ARTISTA - uma criatura movida por demônios. William Faulkner
* Todos podem ofender um artista, mas um artista pode ofender a todos de uma vez! Desconhecido
* Artistas são as únicas pessoas no mundo que realmente vivem. O resto só pode esperar ir para o céu. artista americano John French Sloan
* Os artistas têm o dever de nos mostrar como a vida é boa. Caso contrário, teríamos dúvidas. Anatole França
* Artistas de pop art retratam insistentemente tudo o que todo mundo conhece bem, vê constantemente e só ficaria feliz em esquecer. Marina Rodna
* Artistas, afogados em... uma torrente de palavrões sobre seu trabalho, por sua vez, começam a apresentar suas próprias teorias estéticas. Ao mesmo tempo, observa-se um padrão completamente lógico: quanto mais filosófico e abstruso se torna seu discurso, mais trabalhos comuns e planos eles criam. Não é à toa que Matisse disse que o artista "deve cortar a língua para se expressar apenas com a ajuda de um pincel". Marina Rodna
* O objetivo de todo artista é interromper o fluxo da própria vida [no quadro] por meios artísticos e fixá-lo de tal maneira que mesmo depois de cem anos, se alguém lançar um olhar, a ação continue ali novamente, como Em vida. William Faulkner
* Uma pessoa pode nascer poeta, mas é obrigada a se tornar artista. Poeta inglês Siegfried Sasson
* O homem se revela em suas obras. Na comunicação secular, ele se mostra como quer aparecer, e você pode julgá-lo corretamente apenas por suas ações mesquinhas e inconscientes e expressões faciais involuntariamente alteradas. Ao se apropriar desta ou daquela máscara, a pessoa acaba se acostumando tanto com ela que realmente se torna o que primeiro queria parecer. Mas em seu livro ou em sua foto ele está nu e indefeso. Suas pretensões apenas enfatizam seu vazio... Nenhuma tentativa de originalidade pode esconder a mediocridade. Um conhecedor de visão aguçada até vê em um esboço as profundezas espirituais do artista que o criou. S. Maugham
* Qual é a diferença entre um artista e um amador? Só a dor que eu sinto. O amador busca apenas prazer na arte. pintor simbolista francês Redon Odilon
* É preciso muita imaginação para se tornar um fotógrafo. Até o artista da imaginação precisa de menos, porque pode inventar. E na fotografia tudo é tão comum; você tem que espiar por um longo tempo antes de aprender a ver o comum. David Bailey
* Vou escrever-lhe mais parecido do que você. Max Liebermann, artista alemão
* Segui as regras até odiar todas. A artista abstrata americana Helen Frankenthaler
* Vou ao estúdio todos os dias porque um dia posso encontrar um anjo lá. E se ele vier e eu não? Philip Gaston , artista americano nascido no Canadá
* [Michelangelo] Buonarotti elogiou-os [os quadros de Ticiano], dizendo que gostou muito da maneira e da coloração daquele, mas é uma pena que [os artistas] em Veneza não sejam ensinados a desenhar bem desde o início. Giorgio Vasari
* Graças a Deus que sempre quero mais do que posso alcançar. Michelangelo Buonarroti
* MELHORIA - a melhoria é uma ninharia, mas a perfeição não é uma ninharia. Michelangelo Buonarroti
* A criação pode sobreviver ao criador: O Criador partirá, derrotado pela natureza, No entanto, a imagem impressa por ele aquecerá os corações por séculos. Michelangelo Buonarroti
* Ainda estou estudando. Michelangelo Buonarotti, ditado favorito
* Terminei a capela que pintei. Papai está feliz. Michelangelo Buonarotti, em uma carta ao pai sobre a famosa Capela Sistina no Vaticano
* Vivo no coração de milhares de almas
Todos aqueles que amam e, portanto, não sou pó,
E a corrupção mortal não me tocará. Michelangelo Buonarroti
* Pintar um bom quadro não é mais fácil do que encontrar uma pérola ou um diamante. É difícil e com risco de vida. Vincent van Gogh, em uma carta para seu irmão em 1888
* Apesar de todas as explicações, suas pinturas têm um efeito tão grande, como se você nos tratasse com gasolina em vez de vinho. Georges Braque, impressão das primeiras pinturas cubistas de Pablo Picasso
* Ela é mais velha do que as rochas entre as quais está sentada; como um vampiro, ela morreu muitas vezes e conhece os segredos das sepulturas. Walter Pater na Mona Lisa
* Rembrandt pintou cerca de trezentas pinturas, das quais quase mil estão na América.
* Apenas uma pessoa russa, olhando para uma bela foto, pode jurar com admiração.
* Uma boa imagem entre os gritos ruins torna-se ruim; ruim entre bom - bom. Pablo Picasso
* Quis copiar a natureza, mas não consegui. Mas fiquei satisfeito quando percebi que embora [na foto] seja impossível reproduzir o sol, seu brilho pode ser retratado com a cor [da foto inteira]. Paul Cézanne
* Fazer pintura sem ter um talento inato é o mesmo que jogar uma semente nas ondas. Paulo Veronese
* Representar um objeto significa dominá-lo. A pintura é um ato que dá um conhecimento mais profundo e uma posse mais completa do que o sexo, apenas o sono ou a morte podem se comparar a isso. Modigliani
* Desenhar é apenas um mal necessário, pois as proporções são fáceis de determinar. A cor é o objetivo, o começo e o fim da pintura. O crítico de arte alemão Wilhelm Heinse
* A precisão ainda não é verdadeira. Henri Matisse na pintura
Esses artistas surpreendem com seu talento e a forma como criam suas pinturas hiper-realistas. É difícil de acreditar, mas não são fotos, são pinturas reais desenhadas a lápis, tintas e até canetas esferográficas. Não entendemos como eles fazem isso?! Apenas aproveite a criatividade deles.
Omar Ortizé um artista hiper-realista do México com bacharelado em Design Gráfico. O tema principal de suas pinturas são figuras humanas, principalmente mulheres nuas. Na imagem, o artista distingue três elementos: a figura de um homem, tecidos drapeados, cor branca. Uma característica do trabalho de Omar é um estilo minimalista, laconicismo na transferência de curvas e linhas sutis do corpo, trabalho a óleo.
Paul Caddené um artista contemporâneo de classe mundial da Escócia. Para seu trabalho, Paul usa apenas giz branco e grafite, com os quais pode recriar quase qualquer fotografia, prestando atenção a pequenos detalhes imperceptíveis. Como o próprio artista admite, ele não apresenta novos detalhes, mas apenas os enfatiza, criando assim a ilusão de uma nova realidade, que muitas vezes não é visível nas fotografias originais.
Kamalky Laureano- o artista nasceu na República Dominicana em 1983, atualmente vive e trabalha na Cidade do México. Kamalki se formou na Escola de Design e Arte, especializando-se na criação de retratos hiper-realistas. As cenas são difíceis de distinguir das fotos reais, embora sejam pintadas com acrílicos sobre tela. Para o autor de seu trabalho - não apenas uma imitação de fotografias, mas uma vida inteira encarnada na tela.
Gregório Thielker- Nascido em Nova Jersey em 1979, estudou história da arte e pintura na Universidade de Washington. A mudança para Boston tornou-se o ponto de partida para seu trabalho em paisagens hiper-realistas, que o tornaram famoso em todo o mundo. As pinturas de Tilker são uma viagem de carro em um dia frio e chuvoso. Inspirado nas obras de artistas dos anos 70, o autor cria suas pinturas realistas usando aquarelas e tintas a óleo.
Preço Lee- um artista de Nova York, formado na universidade com licenciatura em pintura, está envolvido em pintura figurativa. A trama principal do trabalho de Lee é a difícil atitude das mulheres em relação à comida. O espectador, como se estivesse de fora, está assistindo mulheres que secretamente comem algo gostoso, mas prejudicial. A própria artista diz que em seus trabalhos procura mostrar o fato de que as mulheres dotam a comida de qualidades que não lhe são inerentes, buscam consolo em uma fonte inadequada. As imagens transmitem o absurdo da situação, uma tentativa de fugir da realidade, de aliviar o desconforto.
Ben Weiner nascido em 10 de novembro de 1980 em Burlington, Vermont, formado pela Universidade das Artes, pinta em óleos sobre tela. A peculiaridade do trabalho do artista é um enredo incomum. Ben pinta! Primeiro, o artista aplica tintas na superfície de trabalho, fotografa-as e depois pinta uma imagem na tela a partir da foto finalizada.
Nascido em 1950 no norte da Califórnia, ele é conhecido por suas pinturas realistas em acrílico sobre tela. Quando criança, o autor compartilhava o amor pelo desenho com o sucesso nos esportes, mas uma lesão nas costas determinou a principal ocupação de Ray. Como o artista admitiu, desenhar o distraía das constantes dores nas costas. Mesmo em sua juventude, o mestre recebeu amplo reconhecimento e muitos prêmios em concursos de arte.
Monges Alyssa vive e cria suas pinturas no Brooklyn, tornou-se amplamente conhecida por suas pinturas realistas "molhadas". O artista usa filtros como água, vidro ou vapor para criar desenhos abstratos. Para seu trabalho, Alyssa costuma usar fotografias dos arquivos pessoais de sua família e amigos. Os rostos e figuras das mulheres nas pinturas são semelhantes entre si - a artista costuma desenhar auto-retratos, pois afirma que é "mais fácil" para ela criar o enredo necessário.
Pedro Campos- hiper-realista de Madrid, começou a pintar a óleo apenas aos 30 anos. O artista cria suas naturezas-mortas realistas usando tinta a óleo. Campos trabalhou como designer de interiores, ilustrador, restaurador de arte de móveis, esculturas e pinturas. O artista acredita que foi seu trabalho como restaurador que o ajudou a aprimorar suas habilidades.
Dirk Dzimirsky- um artista da Alemanha, nascido em 1969, recebeu uma educação artística, trabalha na técnica do lápis. O artista desenha a partir de fotografias, sem entrar nos mínimos detalhes, improvisa muito. Dirk diz que ao trabalhar em uma pintura, ele representa um modelo vivo, então ele usa a foto apenas para uma transferência completa de proporções predeterminadas. O autor considera sua principal tarefa criar uma sensação da presença do sujeito na imagem.
Thomas Arvid- Artista hiper-realista americano de Nova Orleans, nascido e criado em Detroit, não tem educação formal, um mestre da chamada natureza-morta "superdimensionada". Sua série de pinturas realistas "Adega" são rolhas, garrafas, copos com espumantes ou bebidas vermelhas profundas. Críticos e publicações autorizadas notaram mais de 70 obras do artista. As pinturas do mestre adornam não apenas as paredes de vinícolas e salões de vinho de prestígio, mas também coleções particulares e galerias.
Robin Eley Nascido na Grã-Bretanha, cresceu e continua a viver e trabalhar na Austrália, é bacharel em Belas Artes e recebeu o Prêmio Doug Moran National Portrait. Ele cria suas pinturas hiper-realistas em óleo e considera o enredo “pessoas e celofane” o principal “cavalo”. O mestre trabalha em uma foto por cerca de 5 semanas, 90 horas por semana, quase todas as fotos retratam pessoas embrulhadas em celofane.
Samuel Silva- Artista amador português sem educação especial, que prova pelo exemplo pessoal que pode criar uma obra-prima a partir de qualquer coisa. Ao criar as pinturas, o artista utiliza uma paleta de oito cores de canetas esferográficas da Bic. Silva é advogada de profissão e considera sua paixão pelo desenho nada mais do que um hobby. Hoje, um artista autodidata mundialmente famoso domina novas técnicas de pintura usando tintas, giz, lápis de cor, pastéis, etc.
Gottfried Helnwein- Artista austríaco, autor de pinturas hiper-realistas sobre temas sociais, políticos e históricos, "um mestre do reconhecimento inesperado", como o chamava o escritor W. Burroughs. O autor foi educado na Academia de Belas Artes de Viena, pertence aos artistas de alto nível profissional. Assuntos um tanto polêmicos, composições surrealistas lhe trouxeram fama. Muitas vezes, o mestre retratava personagens de quadrinhos em suas pinturas e admite que “aprendeu mais com o Pato Donald do que em todas as escolas em que estudou”.
Franco Cluné um artista italiano autodidata que prefere desenhar com grafite a todas as outras técnicas artísticas. Suas pinturas realistas em preto e branco são o resultado do estudo independente de Franco de várias literaturas sobre técnicas de desenho.
Kelvin Okaforé um artista hiper-realista, nascido em 1985, vive e trabalha em Londres. Kelvin formou-se em belas artes pela Middlesex University. O autor cria suas pinturas com um simples lápis, o tema principal de seu trabalho são retratos de celebridades.
Amy Robinsé uma artista britânica que usa lápis de cor e papel grosso para seus trabalhos hiper-realistas. O artista é bacharel em Belas Artes em arte e design e vive e trabalha em Bristol. Pouco se sabe sobre a jovem autora, mas suas obras já se tornaram famosas em todo o mundo, impressionando com seu realismo e técnica.
Roberto Longo- Pintor e escultor americano, nascido no Brooklyn em 1953, premiado com o lendário Goslar Kaiser Ring. O artista desenha suas imagens tridimensionais de explosões nucleares, tornados, furacões e tubarões com carvão sobre papel. Longo é muitas vezes referido como o "pintor da morte". A famosa pintura Untitled (Skull Island) representando uma onda foi vendida na Christie's em Londres por US$ 392.000.
Diego Fazio- artista autodidata, nascido em 1989 na Itália, não tem educação artística, começou com o desenvolvimento de esboços para tatuagens, acabou desenvolvendo sua própria técnica de desenho. O jovem artista participou em vários concursos internacionais, onde ganhou prémios, esteve representado em exposições por todo o mundo. O artista trabalha sob o pseudônimo DiegoKoi.
Bryan Drury nascido em 1980 em Salt Lake City, tem diploma da New York Academy of Art, cria pinturas no gênero do realismo. O artista pinta suas pinturas com tintas a óleo. Como o autor admite, nas suas obras procura centrar-se nas qualidades orgânicas da pele, nas suas deficiências.
Steve Millsé um artista americano que vendeu sua primeira pintura aos 11 anos. O artista cria suas pinturas com tintas a óleo, focando nos mínimos detalhes do cotidiano, que muitas vezes não percebemos na correria eterna. O artista observa que ele retrata os objetos como eles são na vida real, sem alterar e exagerar sua forma original.
Paul Lung nascido em Hong Kong, desenha com lápis automático em folhas A2. Uma característica da técnica de criação de pinturas é a recusa fundamental de usar uma borracha, todas as obras são desenhadas limpas. As principais "musas" do artista são os gatos, embora também desenhe pessoas e outros animais. Para cada obra, o autor leva pelo menos 40 horas.
Roberto Bernardi nascido na Itália, interessou-se pelo hiper-realismo aos 19 anos, trabalhou como restaurador na igreja de San Francesco. Ela usa tintas a óleo para criar pinturas. A fama mundial do artista foi trazida por uma série de trabalhos que retratam objetos característicos da sociedade de consumo. Pinturas com doces, máquinas de venda automática, prateleiras de geladeira são o cartão de visitas do artista, embora seu arsenal inclua paisagens, naturezas-mortas e muito mais.
Juan Francisco Casas- Artista espanhol que cria suas pinturas com uma caneta esferográfica Bic comum. Casas era um artista tradicional que decidiu provar aos outros que não era o material para o trabalho que importava, mas a forma e a técnica do desenho. A primeira exposição do criativo espanhol trouxe-lhe fama mundial. A maioria das pinturas de Casas retratam seus amigos.
Teresa Ellioté um artista americano que trabalhou com sucesso como ilustrador por 26 anos antes de criar pinturas a óleo realistas. Teresa é licenciada em Belas Artes, tendo regressado à arte clássica, tornou-se famosa em todo o mundo pelos seus retratos, fiéis ao mais ínfimo pormenor.
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A alta arte é uma coisa complexa e incompreensível para muitos. A pintura renascentista com sua imagem ideal atrai muitos admiradores, mas não é fácil para todos acreditar que as obras de Picasso e Kandinsky podem realmente custar dinheiro fabuloso. A abundância de pessoas nuas no quadro é outro mistério, assim como o paradoxo de que boas pinturas não precisam ser belas.
local na rede Internet Aprendi as respostas a várias perguntas curiosas sobre pintura olhando as obras de críticos de arte e culturólogos.
1. A pintura é tão cara assim?
De vez em quando ouvimos sobre as quantias malucas estabelecidas para esta ou aquela foto. Mas, na verdade, esse dinheiro é o lote de muito poucas obras. A maioria dos artistas nunca viu grandes quantias de dinheiro. O historiador de arte Jonathan Binstock acredita que existem apenas cerca de 40 autores no mundo cujas pinturas são avaliadas por uma soma com muitos zeros.
Arte da regra das marcas
Aqui está talvez o exemplo mais marcante. Você provavelmente já ouviu falar do grafiteiro Banksy. A aguda orientação social das obras e da biografia, coberta de um halo de mistério, cumpriu seu papel. Hoje, Banksy é um artista cujo trabalho é avaliado em somas de vários dígitos. Seu quadro "Garota com Balão" foi vendido por £ 1,042 milhão e o mundo inteiro começou a falar sobre a performance para destruí-lo imediatamente após a venda.
Banksy é uma marca e marcas vendem bem. Nesse caminho, O custo de uma pintura é em grande parte determinado pela fama de seu autor.
A venda bem-sucedida de um quadro é a chave para o sucesso de outros
Um artista pode ter azar por muito tempo, vegetará na pobreza e na obscuridade, incapaz de vender lucrativamente sua obra. Mas assim que ele conseguir vender uma de suas pinturas por muito dinheiro, você pode ter certeza de que o preço de suas outras obras disparará.
Raridade, escassez, singularidade
O artista holandês Jan Vermeer é chamado hoje de inestimável. Poucas pinturas pertencem ao seu pincel - apenas 36. O artista escreveu bastante devagar. Perdida em 1990, a pintura do holandês "Concerto" agora está avaliada em cerca de US$ 200 milhões. Raridade e escassez telas afeta o fato de que seus preços são simplesmente altíssimos.
O lendário Van Gogh é uma super marca. São poucas as pinturas do artista, e é óbvio que ele não vai fazer mais nada. Seu trabalho é único.
Há 10 anos, a Composição Suprematista de Malevich foi vendida por US$ 60 milhões, talvez, se não fosse a crise, tivesse sido vendida por US$ 100 milhões. Pinturas de Malevich em coleções particulares sem exceção, e quando a próxima vez que uma coisa dessa classe aparecer no mercado é desconhecida. Talvez em 10 anos, talvez em 100.
Em geral, é óbvio: os compradores estão dispostos a pagar um dinheiro fabuloso para itens extremamente raros.
A inovação é cara
Uma das obras de Richard Prince na direção do "empréstimo artístico".
A pintura assume a função de um marco
Hoje, o nível de turismo cultural está crescendo e a pintura desempenha a função Atração. Turistas fazem fila por horas em museus famosos. E para se declarar e reivindicar fama de classe mundial, a galeria certamente deve possuir os originais de pintores famosos e populares.
Centros de turismo cultural criados artificialmente também estão crescendo, por exemplo, no Oriente Médio e na China. Recentemente a família real Catar celebrou uma transação privada para $ 250 milhões- tudo para que o país tenha uma foto Cezanne "Os jogadores de cartas".
Quando há tudo, a arte começa a puxar
Em 2017, o bilionário Dmitry Rybolovlev vendeu esta pintura a Leonardo da Vinci por US$ 450 milhões. Agora, este é o negócio mais caro do mundo da pintura.
Quando você tem 4 casas e um avião G5, o que mais há para fazer? Resta apenas investir na pintura, porque é uma das moedas mais fortes».
Pintura de Georges Seurat "Canal em Gravelines, Great Fort Philippe".
Fragmento do afresco de Michelangelo "Criação de Adão".
Até os antigos gregos acreditavam que o corpo nu é incrivelmente bonito.
Na arte, na maioria das vezes nudez - é um símbolo. Um símbolo de nova vida, sinceridade, o desamparo de um ser vivo, assim como a vida e a morte.
Além disso, nada causa emoções tão fortes o espectador, como a nudez. Pode ser interesse, constrangimento, vergonha ou admiração.
4. Por que tudo é tão plano e geralmente irreal?
Pintura do artista tcheco Bohumil Kubishta “O hipnotizador”.
Talvez uma das acusações mais comuns contra os mestres modernos soe assim: artistas esqueceram como parecem transmitir a realidade. Daí o equívoco de que os objetos parecem planos.
Mas vejamos, por exemplo, as telas cubistas. Eles quebram a perspectiva, mas retratam objetos ao mesmo tempo de diferentes ângulos e mesmo em momentos diferentes. Portanto, não se pode dizer que a imagem na tela seja bidimensional.
Não é mais necessário desenhar “parece” - uma fotografia pode fazer isso. Portanto, é necessário buscar uma resposta para a questão de por que o artista neste ou naquele quadro retratou a realidade como plana, é necessário no próprio ideia do autor. Retirando alguns detalhes da imagem, o artista foca em outros. Simplificando a imagem, ele a torna mais expressiva.Os artistas da pintura ingênua não tinham formação acadêmica. Pirosmani e Rousseau eram apenas autodidatas, mas suas pinturas atraíam aqueles que já tinham visto tudo e estavam entediados com a pintura tradicional. Tais imagens eram como um sopro de simplicidade vivificante.
Mas profissional artistas de vanguarda dos séculos XIX e XX tinham uma educação artística e uma base forte por trás deles. Eles são poderia escrever de qualquer maneira mas em algum momento resolvi fazer assim imitando os primitivistas. Como se costuma dizer, isso foi intencional, porque esta é uma maneira completamente nova (e, portanto, interessante para quem está cansado do antigo) de influenciar o espectador.
Os artistas teriam feito um ótimo trabalho com uma pintura no espírito do classicismo acadêmico, e por isso era chato para eles. O jovem Picasso pintou retratos tocantes e bastante realistas. Mas um artista maduro escolheu para si um caminho que choca, revigora o olho, o que ajuda a demonstrar um toque colorido legal e um senso de forma.
Opinião: dizer que as imagens devem ser belas é o mesmo que dizer que o cinema de verdade é apenas uma comédia romântica ou um melodrama com final feliz. E dramas psicológicos, filmes de ação, thrillers - isso não é um filme. Concordo, há lógica nisso.
A arte (incluindo a pintura) deve falar a linguagem do seu tempo. E para apreciar qualquer imagem, mesmo uma realista, você precisa saber o que está retratado nela. Nas exposições, costumamos ler as legendas das telas e até usar o guia de áudio.
Qual pintura está perto de você?
Grandes artistas não apenas assinavam suas pinturas de maneira arrebatadora, mas também pintavam autorretratos ocultos em suas criações. Alguns eram tão sofisticados que se retratavam em uma garrafa de vinho, outros simplesmente se pintavam no meio da multidão, e um deles até se pintou em forma feminina.
Baco de Michelangelo Merisi da Caravaggio
A pintura "Baco", escrita em 1595 por Michelangelo Merisi da Caravaggio, retrata o antigo deus da vinificação, inspiração e êxtase religioso. Um jovem com folhas e uvas no cabelo estende languidamente um copo raso de vinho para o espectador, como se o convidasse a se juntar a ele. Caravaggio, criando esta imagem, queria fugir da imagem idealizada do deus antigo - para baixar Baco ao chão, o artista retratou sujeira sob as unhas e também colocou um prato de frutas podres ao lado dele.
Mas o tema eterno do terreno e do divino não é a única coisa que torna esta imagem tão notável. Após a limpeza da tela, por meio de reflectografia, foi encontrado um auto-retrato de Caravaggio no reflexo no vidro do decantador, no canto inferior esquerdo. O artista se retratou trabalhando em um cavalete. Além disso, depois que as camadas de poeira foram removidas, tornou-se possível ver o reflexo do rosto de Baco na superfície do vinho na taça.
Adoração dos Magos de Sandro Botticelli
A pintura “A Adoração dos Magos” de Sandro Botticelli foi escrita aproximadamente em 1475 por ordem do banqueiro florentino Gaspare di Zanobe del Lama, membro da guilda de artes e ofícios da cidade de Florença. A criação de Botticelli foi destinada à capela funerária da Basílica de Santa Maria Novella.
Para muitos historiadores da arte, esta pintura é notável pelo fato de poder ser encontrada a imagem de vários personagens históricos. Por exemplo, o artista retratou seu cliente à direita com uma túnica azul, apontando para si mesmo e olhando diretamente para o espectador. O mais velho dos Magos, que se ajoelhou diante do bebê, é Cosimo de' Medici, fundador da dinastia dos governantes de Florença e avô de Lorenzo, o Magnífico. Bem no centro, de costas para o espectador, está um homem de roupa vermelha, Pietro Medici, filho de Cosimo e pai de Lorenzo. O próprio Lorenzo, o Magnífico, é retratado, segundo os historiadores da arte, de perfil, com uma túnica preta e vermelha. À esquerda, em primeiro plano, com os braços cruzados no punho da espada, está Giuliano Medici, irmão e amante de Lorenzo, a garota que posou para Botticelli durante a criação do quadro “O Nascimento de Vênus”. E, finalmente, o jovem da extrema direita, que olha diretamente nos olhos, é um autorretrato do próprio Botticelli.
A pintura pode ser vista em Florença, na Galeria Uffizi.
O Jardim das Delícias Terrenas de Hieronymus Bosch
O Jardim das Delícias Terrenas é um tríptico pintado pelo mestre grotesco Hieronymus Bosch (nome real Jeroen Antonison van Aken). Alguns consideram o artista um surrealista do século XV, outros têm a certeza de que Bosch foiadepto da heresia cátara, e outros - que as pinturas do pintor refletem as "disciplinas esotéricas" medievais: astrologia, magia negra e alquimia. Cada tela está saturada com um grande número de símbolos que são difíceis de contar para nossos contemporâneos.
A asa esquerda do tríptico mostra Deus representando Eva a Adão no sereno Paraíso. No meio do tríptico estão cenas do Jardim das Delícias, onde pessoas e animais de fantasia se entregam aos prazeres mundanos. Bem, do lado direito da imagem estão complexas máquinas de tortura, monstros e ele mesmo, um artista com um corpo que parece uma concha, que sorri maliciosamente para todo esse Inferno.
A pintura é mantida no Museu do Prado em Madrid.
O Juízo Final de Michelangelo
O Juízo Final de Michelangelo é retratado na parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O artista trabalhou no afresco, cujo tema principal era a segunda vinda de Cristo e o apocalipse, durante quatro anos, de 1537 a 1541. Os críticos de arte acreditam que este trabalho encerrou o Renascimento e abriu um novo período de decepção na filosofia do humanismo antropocêntrico.
Aos pés de Cristo, Michelangelo colocou Bartolomeu, que pode ser reconhecido pela faca na mão. Ele segura uma pele esfolada na qual, segundo historiadores da arte, o artista pintou seu auto-retrato. Alguns têm certeza de que Bartolomeu é muito parecido com Pietro Aretino, o inimigo de Michelangelo, que o insultou. Assim, o artista viu sua redenção. Outros acreditam que Michelangelo se retratou em uma pele esfolada como um sinal de que não queria terminar o afresco e cumpriu essa ordem do Papa sob pressão especial.
O afresco pode ser visto na Capela Sistina, no Museu do Vaticano.
"Mona Lisa" de Leonardo da Vinci
Criada por Leonardo da Vinci, "Mona Lisa" é provavelmente a pintura mais comentada em todo o mundo. Ele agora está pendurado sob um vidro impenetrável no Louvre, e uma vez adornou o banheiro de Napoleão. Nesta criação de da Vinci, há um segredo que os historiadores da arte não conseguem desvendar de forma alguma: alguns sugerem que o sorriso da Mona Lisa é o sorriso de uma mulher grávida que captou o movimento do feto, outros que é o sorriso de sua amado Leonardo Giacomo Salai, os psiquiatras veem esquizofrenia na expressão facial de Mona Lisa, e os dentistas têm certeza de que esse é o sorriso de uma mulher desdentada.
Outra hipótese é que a menina retratada com um sorriso— O próprio Leonardo da Vinci. Uma comparação computadorizada das características anatômicas do rosto do artista e do modelo mostrou que geometricamente eles combinam perfeitamente.Você pode ver por si mesmo comparando a Mona Lisa e o auto-retrato de da Vinci, que o artista fez com lápis vermelho.
A pintura está no Louvre, Paris.
"Escola de Atenas" Raphael Santi
Rafael Santi, criando o afresco “A Escola de Atenas”, que simplesmente não retratava: o já mencionado Leonardo da Vinci na imagem de Platão e Michelangelo na imagem de Heráclito e Sócrates e Alexandre, o Grande. Santi não esqueceu de se desenhar ao lado do pintor Sodoma, que começou a trabalhar no afresco antes dele. Há mais de 50 pessoas na imagem.
A ideia principal do afresco “Escola de Atenas” é a possibilidade de harmonia harmônica entre diferentes áreas da filosofia e da ciência. Aliás, esse conceito é uma das ideias mais importantes dos humanistas. Raphael Santi, sob as abóbadas do Palácio do Vaticano, retratou uma comunidade essencialmente ideal de pensadores da era clássica. No centro da composição estão Aristóteles e Platão, que personificam a sabedoria antiga e representam duas escolas de filosofia.
O afresco está no Palácio do Vaticano.
“Retrato dos Arnolfinis” de Jan van Eyck
“Retrato dos Arnolfinis” de Jan van Eyck é outra pintura renascentista difícil de interpretar - as disputas sobre quem é retratado continuam até hoje. A versão mais comum é que o artista pintou o comerciante Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua esposa na tela, presumivelmente em sua casa em Bruges.
Mas acima de tudo neste trabalho não estamos interessados nos personagens do primeiro plano, mas sim em quem está retratado no espelho na parede, que está localizado no eixo central da composição, logo acima das mãos dos personagens. Se você olhar de perto, verá figuras de trás em ternos vermelhos e azuis. A julgar pelas silhuetas de suas roupas, eles são um homem e uma mulher. Infelizmente, as características de seus rostos são impossíveis de distinguir. A maioria dos críticos de arte tem certeza de que a inscrição acima do espelho, que diz "Jan van Eyck esteve aqui", indica diretamente que um dos que estão na soleira da sala é o próprio artista.
A pintura está emGaleria Nacional de Londres.