Já falamos sobre as ORIGENS. A linha pontilhada planejada foi interrompida por motivos objetivos, mas ainda quero continuar. Relembro que paramos na história profunda - na arte da Grécia Antiga. O que lembramos do currículo escolar? Como regra, três nomes estão firmemente assentados em nossa memória - Miron, Phidias, Poliklet. Então lembramos que havia também Lysippus, Skopas, Praxíteles e Leochar... Então vamos ver o que é o quê. Então, o tempo de ação é de 4-5 séculos aC, o cenário é a Grécia Antiga.
RÉGIA DE PITÁGORAS
Pitágoras de Regius (século 5 aC) é um antigo escultor grego grego antigo do início do período clássico, cujas obras são conhecidas apenas por menções de autores antigos. Várias cópias romanas de suas obras sobreviveram, incluindo a minha favorita, The Boy Taking Out a Splinter. Este trabalho deu origem à chamada escultura de jardinagem paisagística.
Pitágoras Rhegian Boy removendo uma lasca c. meados do século V aC br.roman cópia do museu capitolino
MIRON
Myron (Μύρων) - escultor de meados do século V. BC e. Escultor da época imediatamente anterior ao maior florescimento da arte grega (final do século VI - início do século V). Os antigos o caracterizam como o maior realista e especialista em anatomia, que, no entanto, não soube dar vida e expressão aos rostos. Ele retratou deuses, heróis e animais, e com amor especial ele reproduziu poses difíceis e fugazes. Sua obra mais famosa, "Discobolus", um atleta que pretende iniciar um disco, é uma estátua que chegou ao nosso tempo em vários exemplares, dos quais o melhor é feito de mármore e está localizado no Palácio Massimi, em Roma.
Lançador de disco.
FÍDIO.
Um dos fundadores do estilo clássico é o antigo escultor grego Phidias, que decorou com suas esculturas o templo de Zeus em Olímpia e o templo de Atena (Parthenon) na Acrópole de Atenas. Fragmentos do friso escultural do Parthenon estão agora no Museu Britânico (Londres).
Fragmentos do friso e frontão do Partenon. Museu Britânico, Londres.
As principais obras escultóricas de Fídias (Atena e Zeus) há muito se perderam, os templos foram destruídos e saqueados.
Partenon.
Há muitas tentativas de reconstruir os templos de Atena e Zeus. Você pode ler sobre isso aqui:
Informações sobre o próprio Phidias e seu legado são relativamente escassas. Entre as estátuas que existem hoje, não há uma única que sem dúvida pertencesse a Fídias. Todo o conhecimento sobre sua obra é baseado nas descrições de autores antigos, no estudo de cópias posteriores, bem como em obras sobreviventes, que são atribuídas com mais ou menos certeza a Fídias.
Mais sobre Fídias http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/
Bem, sobre o resto dos representantes da cultura grega antiga.
POLICLETO
Escultor grego da segunda metade do séc. BC e. O criador de muitas estátuas, incluindo os vencedores de jogos esportivos, para os centros esportivos de culto de Argos, Olímpia, Tebas e Megalópole. O autor do cânone da imagem do corpo humano em escultura, conhecido como o "cânone de Polykleitos", segundo o qual a cabeça é 1/8 do comprimento do corpo, o rosto e as palmas são 1/10, o pé é 1/6. O cânone foi observado na escultura grega até o fim, o chamado. era clássica, ou seja, até o final do século IV. BC e., quando Lísipo estabeleceu novos princípios. Seu trabalho mais famoso é "Dorifor" (Spearman). É de uma enciclopédia.
Polykleitos. Doryphorus. Museu Pushkin. Cópia de gesso.
PRAXITELS
AFRODITE DE CNIDS (cópia romana do original do século IV aC) Roma, Museus Nacionais (cabeça, braços, pernas, cortinas restauradas)
Uma das obras mais famosas da escultura antiga é Afrodite de Knidos, a primeira escultura grega antiga (altura - 2 m.), representando uma mulher nua antes do banho.
Afrodite de Cnido, (Afrodite de Braschi) cópia romana, 1º c. BC. Gliptoteca, Munique
Afrodite de Knidos. Mármore de grão médio. Torso - cópia romana do século II. n. cópia de gesso do Museu Pushkin
Segundo Plínio, os habitantes da ilha de Kos encomendaram a estátua de Afrodite para o santuário local. Praxiteles realizou duas opções: uma deusa nua e uma deusa vestida. Para ambas as estátuas, Praxiteles designou a mesma taxa. Os clientes não arriscaram e optaram pela versão tradicional, com a figura drapeada. Suas cópias e descrições não foram preservadas e caiu no esquecimento. E Afrodite de Knidos, que permaneceu na oficina do escultor, foi comprada pelos habitantes da cidade de Knidos, o que favoreceu o desenvolvimento da cidade: os peregrinos começaram a afluir a Knidos, atraídos pela famosa escultura. Afrodite estava em um templo ao ar livre, visível de todos os lados.
Afrodite de Cnido gozou de tal fama e foi copiada com tanta frequência que até contaram uma anedota sobre ela, que serviu de base para o epigrama: “Vendo Ciprida em Knida, Ciprida disse timidamente: “Ai de mim, onde Praxíteles me viu nu? ”
Praxíteles criou a deusa do amor e da beleza como a personificação da feminilidade terrena, inspirada na imagem de sua amada, a bela Frine. De fato, o rosto de Afrodite, embora criado de acordo com o cânone, com um olhar sonhador de olhos sombreados lânguidos, traz um toque de individualidade, indicando um original específico. Tendo criado uma imagem quase de retrato, Praxiteles olhou para o futuro.
Uma lenda romântica sobre a relação entre Praxíteles e Frine foi preservada. Diz-se que Frine pediu a Praxíteles que lhe desse seu melhor trabalho como prova de amor. Ele concordou, mas se recusou a dizer qual das estátuas considerava a melhor. Então Phryne ordenou ao criado que informasse Praxíteles sobre o incêndio na oficina. O mestre assustado exclamou: “Se a chama destruiu Eros e Sátiro, então tudo morreu!” Então Phryne descobriu que tipo de trabalho ela poderia pedir a Praxiteles.
Praxíteles (presumivelmente). Hermes com o infante Dionísio IV c. BC. Museu em Olímpia
A escultura "Hermes com o bebê Dionísio" é típica do período clássico tardio. Ela personifica não a força física, como era costume antes, mas a beleza e a harmonia, a comunicação humana contida e lírica. A representação de sentimentos, a vida interior dos personagens é um fenômeno novo na arte antiga, não característico dos altos clássicos. A masculinidade de Hermes é enfatizada pela aparência infantil de Dionísio. As linhas curvas da figura de Hermes são graciosas. Seu corpo forte e desenvolvido é desprovido do atletismo característico das obras de Polykleitos. A expressão facial, embora desprovida de traços individuais, é suave e pensativa. Seu cabelo estava pintado e amarrado com uma faixa de prata.
Praxíteles conseguiu a sensação de calor do corpo pela modelagem fina da superfície do mármore e com grande habilidade transmitiu em pedra o tecido do manto de Hermes e da roupa de Dionísio.
SCOPAS
Museu em Olympia, Skopas Menada Cópia romana em mármore reduzida após o 1º terço original de 4 c
Skopas - escultor e arquiteto grego antigo do século IV. BC e., representante dos clássicos tardios. Nascido na ilha de Paros, trabalhou em Teges (agora Piali), Halicarnasso (agora Bodrum) e outras cidades da Grécia e Ásia Menor. Como arquiteto, participou da construção do templo de Athena Alei em Tegea (350-340 aC) e do mausoléu de Halicarnasso (meados do século IV aC). Entre as obras autênticas de S. que chegaram até nós, a mais importante é o friso do mausoléu de Halicarnasso representando Amazonomachia (meados do século IV aC; junto com Briaxis, Leoharomi Timothy; fragmentos - no Museu Britânico, Londres; ver ilustração). Numerosas obras de S. são conhecidas de cópias romanas (“Potos”, “Jovem Hércules”, “Meleagr”, “Maenad”, ver ilustração). Rejeitando a arte inerente do século V. calma harmoniosa da imagem, S. voltou-se para a transferência de fortes experiências emocionais, a luta das paixões. Para implementá-los, S. usou uma composição dinâmica e novas técnicas de interpretação de detalhes, especialmente os traços faciais: olhos fundos, rugas na testa e boca entreaberta. A obra de S., saturada de pathos dramático, teve uma grande influência nos escultores da cultura helenística (ver cultura helenística), em particular nas obras de mestres dos séculos III e II que trabalharam na cidade de Pérgamo.
LISIPP
Lísipo nasceu por volta de 390 em Sicyon, no Peloponeso, e seu trabalho já representa a parte helênica posterior da arte da Grécia antiga.
Lisippos. Hércules com um leão. Segunda metade do séc. BC e. Cópia romana em mármore de um original em bronze. São Petersburgo, Hermitage.
LEOHAR
Leohar - escultor grego antigo do século IV. BC e., que na década de 350 trabalhou com Scopas na decoração escultórica do Mausoléu de Halicarnasso.
Leohar Artemis de Versalhes (Mr. cópia romana de 1-2 séculos do original c. 330 aC) Paris, Louvre
Leohar. Apollo Belvedere Este sou eu com ele no Vaticano. Perdoe as liberdades, mas é mais fácil não carregar uma cópia de gesso dessa maneira.
Bem, então havia o helenismo. Nós o conhecemos bem de Vênus (em Afrodite "grega") de Milos e Nike de Samotrácia, que são mantidos no Louvre.
Vênus de Milo. Por volta de 120 aC Louvre.
Nike de Samotrácia. OK. 190 aC e. Louvre
A Grécia Antiga era um dos maiores estados do mundo. Durante a sua existência e no seu território, foram lançadas as bases da arte europeia. Os monumentos culturais sobreviventes desse período testemunham as maiores realizações dos gregos no campo da arquitetura, pensamento filosófico, poesia e, claro, escultura. Restam poucos originais: o tempo não poupa nem as criações mais originais. Sabemos muito sobre a habilidade pela qual os antigos escultores eram famosos graças a fontes escritas e cópias romanas posteriores. No entanto, esta informação é suficiente para perceber o significado da contribuição dos habitantes do Peloponeso para a cultura mundial.
Períodos
Os escultores da Grécia antiga nem sempre foram grandes criadores. O apogeu de seu artesanato foi precedido pelo período arcaico (séculos VII-VI aC). As esculturas da época que chegaram até nós são simétricas e estáticas. Eles não têm aquela vitalidade e movimento interior oculto que faz com que as estátuas pareçam pessoas congeladas. Toda a beleza desses primeiros trabalhos é expressa através do rosto. Já não é tão estático como o corpo: um sorriso irradia uma sensação de alegria e serenidade, dando um som especial a toda a escultura.
Após a conclusão do arcaico, segue-se o tempo mais frutífero, em que os antigos escultores da Grécia Antiga criaram suas obras mais famosas. Está dividido em vários períodos:
- clássico precoce - o início do século 5. BC e.;
- alto clássico - 5º c. BC e.;
- clássico tardio - 4º c. BC e.;
- Helenismo - o final do século IV. BC e. - Eu século. n. e.
período de transição
Os Primeiros Clássicos é o período em que os escultores da Grécia Antiga começam a se afastar da posição estática no corpo, para buscar novas formas de expressar suas ideias. As proporções são preenchidas com a beleza natural, as poses tornam-se mais dinâmicas e os rostos tornam-se expressivos.
O escultor da Grécia Antiga Myron trabalhou durante este período. Nas fontes escritas, caracteriza-se como mestre em transferir a estrutura corporal anatomicamente correta, capaz de captar a realidade com alta precisão. Os contemporâneos de Miron também apontaram suas deficiências: na opinião deles, o escultor não sabia dar beleza e vivacidade aos rostos de suas criações.
As estátuas do mestre encarnam heróis, deuses e animais. No entanto, o escultor da Grécia Antiga Myron deu maior preferência à imagem dos atletas durante suas realizações em competições. O famoso Disco Thrower é sua criação. A escultura não sobreviveu até hoje no original, mas existem várias cópias dela. "Discobolus" retrata um atleta se preparando para lançar seu projétil. O corpo do atleta é executado soberbamente: músculos tensos testemunham o peso do disco, o corpo torcido lembra uma mola pronta para se desdobrar. Parece mais um segundo, e o atleta vai lançar um projétil.
As estátuas “Athena” e “Marsyas” também são consideradas soberbamente executadas por Myron, que também chegou até nós apenas na forma de cópias posteriores.
auge
Excelentes escultores da Grécia antiga trabalharam durante todo o período dos altos clássicos. Nesta época, os mestres da criação de relevos e estátuas compreendem tanto as formas de transmitir movimento quanto os fundamentos da harmonia e das proporções. Os Altos Clássicos são o período da formação desses fundamentos da escultura grega, que mais tarde se tornou o padrão para muitas gerações de mestres, incluindo os criadores do Renascimento.
Nessa época, o escultor da Grécia Antiga Policlet e o brilhante Phidias trabalhavam. Ambos forçados a se admirar durante a vida e não foram esquecidos por séculos.
Paz e harmonia
Polikleitos trabalhou na segunda metade do século V. BC e. Ele é conhecido como um mestre das esculturas que retratam atletas em repouso. Ao contrário do Discobolus de Miron, seus atletas não são tensos, mas relaxados, mas, ao mesmo tempo, o espectador não tem dúvidas sobre seu poder e capacidades.
Polikleitos foi o primeiro a usar uma posição especial do corpo: seus heróis muitas vezes se apoiavam no pedestal com apenas um pé. Essa postura criava uma sensação de relaxamento natural, característica de uma pessoa em repouso.
Cânone
A escultura mais famosa de Polikleitos é considerada "Dorifor", ou "Spearman". A obra também é chamada de cânone do mestre, pois incorpora algumas das disposições do pitagorismo e é um exemplo de uma forma especial de posar uma figura, a contraposta. A composição baseia-se no princípio do movimento cruzado e desigual do corpo: o lado esquerdo (o braço que segura a lança e a perna recuada) está relaxado, mas ao mesmo tempo em movimento, ao contrário do lado direito tenso e estático. (a perna de apoio e o braço estendidos ao longo do corpo).
Polikleitos usou uma técnica semelhante mais tarde em muitos de seus trabalhos. Seus principais princípios estão expostos em um tratado de estética que não chegou até nós, escrito por um escultor e chamado por ele de "Cânone". Um lugar bastante grande nele Polikleito atribuiu ao princípio, que ele também aplicou com sucesso em suas obras, quando esse princípio não contrariava os parâmetros naturais do corpo.
Gênio reconhecido
Todos os antigos escultores da Grécia Antiga do período Alto Clássico deixaram para trás criações admiráveis. No entanto, o mais proeminente entre eles foi Fídias, legitimamente considerado o fundador da arte européia. Infelizmente, a maioria das obras do mestre sobreviveu até hoje apenas como cópias ou descrições nas páginas de tratados de autores antigos.
Fídias trabalhou na decoração do Partenon ateniense. Hoje, uma ideia da habilidade do escultor pode ser resumida pelo relevo preservado em mármore, com 1,6 m de comprimento, que retrata numerosos peregrinos que se dirigem para o resto das decorações do Partenon pereceram. O mesmo destino aconteceu com a estátua de Atena, aqui instalada e criada por Fídias. A deusa, feita de marfim e ouro, simbolizava a própria cidade, seu poder e grandeza.
maravilha do mundo
Outros escultores proeminentes da Grécia antiga podem não ter sido inferiores a Fídias, mas nenhum deles poderia se gabar de criar uma maravilha do mundo. O Olímpico foi feito por um artesão para a cidade onde foram realizados os famosos Jogos. A altura do Thunderer, sentado em um trono dourado, era incrível (14 metros). Apesar de tal poder, o deus não parecia formidável: Fídias criou um Zeus calmo, majestoso e solene, um tanto rigoroso, mas ao mesmo tempo gentil. A estátua antes de sua morte por nove séculos atraiu muitos peregrinos que buscavam consolo.
clássico tardio
Com o final do 5º c. BC e. os escultores da Grécia antiga não se esgotaram. Os nomes Skopas, Praxiteles e Lysippus são conhecidos por todos os que se interessam pela arte antiga. Eles trabalharam no período seguinte, chamado de clássicos tardios. As obras desses mestres desenvolvem e complementam as conquistas da época anterior. Cada um à sua maneira, transformam a escultura, enriquecendo-a com novos temas, formas de trabalhar com o material e opções de transmissão de emoções.
Paixões ferventes
A Scopas pode ser chamada de inovadora por vários motivos. Os grandes escultores da Grécia antiga que o precederam preferiam usar o bronze como material. Scopas criou suas criações principalmente de mármore. Em vez da tradicional calma e harmonia que preenchiam suas obras da Grécia Antiga, o mestre optou pela expressão. Suas criações são cheias de paixões e experiências, são mais como pessoas reais do que deuses imperturbáveis.
A obra mais famosa de Scopas é o friso do mausoléu de Halicarnasso. Retrata a Amazonomaquia - a luta dos heróis dos mitos gregos com as amazonas guerreiras. As principais características do estilo inerentes ao mestre são claramente visíveis nos fragmentos sobreviventes desta criação.
Suavidade
Outro escultor deste período, Praxiteles, é considerado o melhor mestre grego em termos de transmitir a graça do corpo e a espiritualidade interior. Uma de suas obras marcantes - Afrodite de Knidos - foi reconhecida pelos contemporâneos do mestre como a melhor criação já criada. deusa tornou-se a primeira imagem monumental de um corpo feminino nu. O original não chegou até nós.
As características do estilo característico de Praxíteles são totalmente visíveis na estátua de Hermes. Com uma encenação especial de um corpo nu, linhas suaves e suaves meios-tons de mármore, o mestre conseguiu criar um clima um tanto sonhador que envolve literalmente a escultura.
Atenção aos detalhes
No final da era clássica tardia, outro famoso escultor grego, Lísipo, trabalhou. Suas criações foram distinguidas por naturalismo especial, estudo cuidadoso de detalhes e algum alongamento de proporções. Lisipo se esforçou para criar estátuas cheias de graça e elegância. Ele aperfeiçoou suas habilidades estudando o cânone de Polykleitos. Contemporâneos notaram que a obra de Lisipo, em contraste com o "Dorifor", dava a impressão de ser mais compacta e equilibrada. Segundo a lenda, o mestre era o criador favorito de Alexandre, o Grande.
Influência do Oriente
Uma nova etapa no desenvolvimento da escultura começa no final do século IV. BC e. A fronteira entre os dois períodos é a época das conquistas de Alexandre, o Grande. Eles realmente começam a era do helenismo, que era uma combinação da arte da Grécia antiga e dos países orientais.
As esculturas deste período são baseadas nas realizações dos mestres dos séculos anteriores. A arte helenística deu ao mundo obras como a Vênus de Milo. Ao mesmo tempo, surgiram os famosos relevos do altar de Pérgamo. Em algumas obras do helenismo tardio, é perceptível um apelo a tramas e detalhes cotidianos. A cultura da Grécia Antiga desta época teve forte influência na formação da arte do Império Romano.
Finalmente
A importância da antiguidade como fonte de ideais espirituais e estéticos não pode ser superestimada. Os escultores antigos da Grécia antiga estabeleceram não apenas as bases de seu próprio ofício, mas também os padrões para entender a beleza do corpo humano. Eles conseguiram resolver o problema de representar o movimento mudando a postura e deslocando o centro de gravidade. Os antigos escultores da Grécia Antiga aprenderam a transmitir emoções e experiências com a ajuda de uma pedra processada, para criar não apenas estátuas, mas figuras praticamente vivas, prontas para se mover a qualquer momento, respirar, sorrir. Todas essas conquistas formarão a base do florescimento da cultura no Renascimento.
Novas demandas começaram a ser feitas à escultura. Se no período anterior era considerado necessário criar uma personificação abstrata de certas qualidades físicas e mentais, uma imagem média, agora os escultores davam atenção a uma pessoa específica, sua individualidade. O maior sucesso nisso foi alcançado por Scopas, Praxiteles, Lysippus, Timothy, Briaxides. Houve uma busca por meios para transmitir as sombras do movimento da alma, humor. Um deles é representado por Skopas, natural do Pe. Paros, cujas obras surpreenderam os contemporâneos com seu drama e a personificação da mais complexa gama de sentimentos humanos. Destruindo o antigo ideal, a harmonia do todo, Scopas preferiu retratar pessoas e deuses em momentos de paixão. Outra direção lírica foi refletida em sua arte por Praxiteles, um jovem contemporâneo de Skopas. As estátuas de seu trabalho se distinguiam pela harmonia e poesia, refinamento de humor. De acordo com o conhecedor e conhecedor do belo Plínio, o Velho, Afrodite de Knidos era especialmente popular. Para admirar esta estátua, muitos fizeram uma viagem a Knidos. Os Cnidianos rejeitaram todas as ofertas para comprá-la, mesmo ao custo de cassar suas enormes dívidas. A beleza e a espiritualidade do homem também são incorporadas por Praxíteles nas figuras de Ártemis e Hermes com Dionísio. O desejo de mostrar a diversidade de personagens era característico de Lísipo. Plínio, o Velho, acreditava que o principal e mais bem-sucedido trabalho do mestre é a estátua de Apoxyomenes, um atleta com um strigil (raspador). O cortador de Lísipo também possuía "Eros com arco", "Hércules lutando contra um leão". Posteriormente, o escultor tornou-se o pintor da corte de Alexandre, o Grande, e esculpiu vários de seus retratos. O nome do ateniense Leochar está associado a dois livros didáticos: "Apollo Belvedere" e "Ganymede, abduzido por uma águia". A sofisticação e ostentação de Apolo levaram à admiração dos artistas renascentistas, que o consideravam o padrão do estilo clássico. Sua opinião foi então reforçada pela autoridade do teórico neoclássico J. Winkelmann. No entanto, no século XX. os historiadores da arte deixaram de compartilhar o entusiasmo de seus predecessores, encontrando em Leohar deficiências como teatralidade e polimento.
Nesta forma de arte, os gregos alcançaram o maior sucesso. Escultura distingue-se pela perfeição das formas e pelo idealismo. Mármore, bronze, madeira foram usados como materiais, ou técnica mista (elefantina): uma figura era feita de madeira e coberta com finas placas de ouro, o rosto e as mãos eram feitos de marfim.
Os tipos de escultura são variados: relevo (escultura plana), pequeno plástico, escultura redonda.
Amostras de esculturas redondas iniciais ainda estão longe de serem perfeitas, são ásperas, estáticas. Basicamente, são kouros - figuras masculinas e latido - figuras femininas.
Gradualmente grego antigo escultura adquire dinâmica e realismo. Na era clássica, mestres como Pitágoras de Régio (480-450 aC) criam: “O menino tirando uma farpa”, “O Cocheiro” Myron (meados do século V aC): “Discobolus”, Polykleitos (meados do século V aC), "Dorifor" ("portador da lança"), Phidias (meados do século V aC), escultura do Partenon, escultura da deusa Atena - "Athena the Virgin ”, Atena da ilha de Lemnos. Nenhuma cópia sobreviveu esculturas Atenas Promachos ("Vencedores"), de pé na propilaea da acrópole, sua altura atingiu 17 m, nem a estátua de Zeus Olímpico. No final do período clássico escultural as imagens tornam-se mais emotivas, espiritualizadas, como nas obras de Praxíteles, Skopas, Lísipo. helenístico escultura mais realista e complexa composicionalmente. Os artistas são atraídos por novos temas: velhice, sofrimento, luta (“Laocoonte com seus filhos”, “Nike de Samotrácia”).
Na escultura monumental, que era propriedade de todo o coletivo de cidadãos livres, nas esculturas que ficavam nas praças ou nos templos adornados, o ideal estético cívico se manifestava mais claramente. A escultura monumental teve um forte impacto social e educacional na vida das cidades-estados gregas. Obras desse tipo refletiam mais claramente a quebra de princípios artísticos que acompanharam a transição do arcaico para os clássicos. A contraditória natureza transicional das obras escultóricas desta época é claramente visível nos conhecidos grupos frontais do templo de Athena Aphaia na ilha de Egina (c. 490 aC, restaurado pelo escultor dinamarquês Thorvaldsen no início do séc. século, Munique, Gliptoteca).
As composições de ambos os frontões são construídas com base na simetria do espelho, o que lhes confere características ornamentais. No frontão ocidental, o mais bem preservado, retrata a luta dos gregos e troianos pelo corpo de Pátroclo. No centro está a figura da deusa Atena, a padroeira dos gregos. Calma e impassível, ela parece estar invisivelmente presente entre os combatentes. Não há frontalidade arcaica nas figuras dos guerreiros, seus movimentos são mais reais e mais diversos do que no arcaico, mas se desdobram estritamente ao longo do plano do frontão. Cada figura individual é bastante vital, mas nos rostos dos guerreiros combatentes e feridos, um sorriso arcaico é um sinal de convencionalidade, incompatível com a representação da intensidade e do drama da batalha.
As esculturas do frontão oriental (a figura de Hércules) distinguem-se pela maior liberdade de detalhe e precisão realista na interpretação do corpo e na transmissão dos movimentos, o que é especialmente perceptível quando se comparam os soldados feridos de ambos os frontões. O aparecimento de obras escultóricas dedicadas a certos eventos históricos foi de grande importância para a destruição da convencionalidade constrangedora da arte arcaica. Tal é o grupo de tiranicidas Harmodius e Aristogeiton (c. 477 aC, Nápoles, Museu Nacional) - Critias e Nesiota. Como a maioria das esculturas gregas, foi perdida e sobreviveu até hoje em uma cópia romana de mármore. Aqui, pela primeira vez na escultura monumental, dá-se a construção de um grupo, unido por uma ação, um enredo. A direção unificada dos movimentos e gestos dos heróis esmagando o tirano cria a impressão da integridade artística do grupo, sua compositividade e completude do enredo. No entanto, os movimentos ainda são interpretados de forma bastante esquemática, os rostos dos personagens são desprovidos de drama.
O significado social e educacional da arte dos primeiros clássicos foi inextricavelmente fundido com seu charme artístico. A nova compreensão das tarefas da arte refletiu-se também na nova compreensão da imagem do homem, dos critérios de beleza. O nascimento do ideal de uma pessoa harmoniosamente desenvolvida é revelado na imagem do “cocheiro de Delfos” (c. 470 aC, Delfos, Museu). Esta é uma das poucas esculturas gregas antigas autênticas que chegaram até nós, que faz parte de um grande grupo escultórico. A imagem do vencedor no concurso é dada de forma generalizada e simples. Ele está cheio de serenidade severa e grandeza de espírito. Todos os detalhes são feitos com grande vitalidade, estão sujeitos à estrita construção do todo. O ideal heróico dos primeiros clássicos foi incorporado na escultura de "Zeus, o Trovão" (c. 460 aC, Atenas, Museu Nacional). O problema do movimento é resolvido em "O Conquistador em Fuga" (segundo quartel do século V aC, Roma, Vaticano). A nitidez angular das primeiras esculturas clássicas está sendo substituída por uma unidade estritamente harmoniosa, transmitindo a impressão de naturalidade e liberdade - “O menino que tira uma lasca” (segundo quartel do século V aC, Roma, Palazzo Conservatori).
O tema mitológico continua a ocupar um lugar de destaque na arte, mas o lado fantástico do mito fica em segundo plano. Nas imagens mitológicas, em primeiro lugar, revela-se o ideal de força e beleza de uma pessoa real. Um exemplo de repensar a trama mitológica é um relevo que retrata o nascimento de Afrodite (a deusa do amor e da beleza) da espuma do mar - o chamado "Trono de Ludovisi" (c. 470 aC, Roma, Museu das Termas). Nas laterais do trono de mármore estão representados: uma menina nua tocando flauta e uma mulher com roupas compridas em frente a um incensário. Clara harmonia de formas e proporções, naturalidade calma de movimentos são inerentes a essas figuras.
No lado central do Trono - duas ninfas sustentam Afrodite emergindo da água. Beleza estrita surpreendentemente vital de seu rosto. As roupas molhadas que envolviam o corpo de Afrodite se estendiam em uma fina rede de linhas onduladas, semelhantes a correntes de água corrente. Os seixos do mar, sobre os quais repousam os pés das ninfas, falam da cena. Embora haja ecos da arte arcaica na simetria da composição, eles não podem mais violar a vitalidade e o incrível encanto poético desse relevo. A integridade da imagem artística viva destaca-se claramente nos grupos frontais do Templo de Zeus em Olímpia (468-456 aC, Olímpia, Museu), que completa o período de busca criativa pelos primeiros clássicos. Essas imagens ampliadas representam o próximo estágio no desenvolvimento de plásticos pedimentais em comparação com os frontões do templo de Egina com sua composição decorativa condicional.
Rejeitando a completa subordinação da imagem escultórica às tarefas de decoração das formas arquitetônicas, as esculturas dos frontões olímpicos estabeleceram vínculos mais profundos entre imagens arquitetônicas e escultóricas, o que levou à sua igualdade e enriquecimento mútuo. Rompendo com os princípios da convencionalidade arcaica, da simetria, partiram da observação da vida. A localização das figuras em ambos os frontões é determinada pelo conteúdo semântico. O frontão oriental do templo de Zeus é dedicado ao mito da corrida de bigas entre Pélope e Oenomaus, que supostamente lançou as bases para os Jogos Olímpicos. Os heróis são representados antes do início da competição. A majestosa figura de Zeus no centro do frontão, a calma solene dos participantes que se preparam para a competição conferem à composição do frontão uma alegria festiva, atrás da qual se sente a tensão interna. As cinco figuras centrais, em poses livres, parecem responder ao ritmo das colunas sobre as quais se elevam. Cada herói atua como uma personalidade, como um participante consciente da ação geral, como o Cocheiro e o Jovem Tirando uma Farpa, que estão incluídos nos grupos laterais do frontão.
A natureza realista da plasticidade é especialmente revelada na composição do frontão ocidental, que representa a batalha dos Lápitas com os centauros. A composição é cheia de movimento, livre de simetria, mas rigorosamente equilibrada. No centro está Apolo, nas laterais há um grupo de combatentes e centauros. Sem se repetirem, os grupos se equilibram mutuamente tanto na massa total quanto na intensidade dos movimentos. As figuras dos lutadores estão precisamente inscritas no delicado triângulo do frontão, e a tensão dos movimentos aumenta em direção aos cantos do frontão à medida que se afastam do Apolo calmamente em pé e contido, cuja figura se destaca por seu grande tamanho e é o centro dramático desta composição complexa e ao mesmo tempo facilmente visível. O rosto de Apolo é harmoniosamente belo, tenho certeza do gesto orientador. Embora a batalha ainda esteja em pleno andamento no frontão, a vitória da vontade e da razão humana sobre os centauros, personificando as forças elementares da natureza, é percebida como claramente predeterminada. A imagem de um cidadão - um atleta e um guerreiro torna-se central na arte dos clássicos. As proporções do corpo e as várias formas de movimento tornaram-se os meios mais importantes de caracterização. Gradualmente, o rosto da pessoa retratada se liberta da rigidez e da estática. Mas em nenhum outro lugar a generalização típica se combina com a individualização da imagem. A originalidade pessoal de uma pessoa, o armazém de seu personagem não atraiu a atenção dos mestres dos primeiros clássicos gregos. Criando uma imagem típica de um cidadão humano, o escultor não procurou revelar seu caráter individual. Essa era tanto a força quanto as limitações do realismo dos clássicos gregos.
Miron. A busca por imagens heróicas, tipicamente generalizadas, caracteriza o trabalho de Myron de Eleutera, que trabalhou em Atenas no final do segundo – início do terceiro quartel do século V. BC e. Lutando pela unidade do harmonicamente belo e do diretamente vital, ele se libertou dos últimos ecos da convencionalidade arcaica. As características da arte de Myron foram claramente manifestadas no famoso "Discobolus" (c. 450 aC, Roma, Museu das Termas). Como muitas outras esculturas, "Discobolus" foi executada em homenagem a uma determinada pessoa, embora não tenha caráter de retrato. O escultor retratou um jovem, belo em espírito e corpo, que está em movimento rápido. O lançador se apresenta no momento em que coloca toda a sua força no lançamento do disco. Apesar da tensão que permeia a figura, a escultura dá a impressão de estabilidade. Isso é determinado pela escolha do momento do movimento - seu clímax.
Curvando-se, o jovem jogou para trás a mão com o disco, e o corpo elástico, como uma mola, endireitará rapidamente, a mão endireitará rapidamente com força, como uma mola, a mão lançará o disco no espaço com força. Um momento de paz assumirá uma estabilidade monumental para a imagem. Apesar da complexidade do movimento, a escultura "Discobolus" mantém o ponto de vista principal, permitindo ver de imediato toda a sua riqueza figurativa.
Calmo autocontrole, domínio sobre os próprios sentimentos é uma característica da visão de mundo clássica grega, que determina a medida do valor ético de uma pessoa. A afirmação da beleza da vontade racional, que restringe o poder da paixão, encontrou expressão no grupo escultórico “Athena and Marsyas (meados do século V aC, Frankfurt; Roma, Museu de Latrão), criado por Myron para a Acrópole de Atenas.
planejamento viajar para a Grécia, muitas pessoas estão interessadas não apenas em hotéis confortáveis, mas também na fascinante história deste país antigo, parte integrante da qual são objetos de arte.
Um grande número de tratados de historiadores de arte bem conhecidos são dedicados especificamente à escultura grega antiga, como o ramo fundamental da cultura mundial. Infelizmente, muitos monumentos daquela época não sobreviveram em sua forma original e são conhecidos a partir de cópias posteriores. Ao estudá-los, pode-se traçar a história do desenvolvimento da arte grega desde o período homérico até a era helenística e destacar as criações mais marcantes e famosas de cada período.
Afrodite de Milo
A mundialmente famosa Afrodite da ilha de Milos pertence ao período helenístico da arte grega. Nesta época, pelas forças de Alexandre, o Grande, a cultura da Hélade começou a se espalhar muito além da Península Balcânica, o que se refletiu visivelmente nas artes visuais - esculturas, pinturas e afrescos tornaram-se mais realistas, os rostos dos deuses neles têm características humanas - posturas relaxadas, um olhar abstrato, um sorriso suave.
Estátua de Afrodite, ou como os romanos o chamavam, Vênus, é feito de mármore branco como a neve. Sua altura é um pouco maior que a altura humana, e é de 2,03 metros. A estátua foi descoberta por acaso por um marinheiro francês comum, que em 1820, junto com um camponês local, desenterrou Afrodite perto dos restos de um antigo anfiteatro na ilha de Milos. Durante suas disputas de transporte e alfândega, a estátua perdeu suas armas e pedestal, mas foi preservado um registro do autor da obra-prima indicada nela: Agesander, filho de um morador de Antioch Menida.
Hoje, após uma completa restauração, Afrodite está exposta no Louvre, em Paris, atraindo milhões de turistas todos os anos com sua beleza natural.
Nike de Samotrácia
A época da criação da estátua da deusa da vitória Nike remonta ao século II aC. Estudos mostraram que Nika foi instalada acima da costa do mar em um penhasco escarpado - suas roupas de mármore esvoaçam como se fossem do vento, e a inclinação do corpo representa um movimento constante para a frente. As dobras mais finas da roupa cobrem o corpo forte da deusa, e asas poderosas se abrem em alegria e triunfo da vitória.
A cabeça e as mãos da estátua não foram preservadas, embora fragmentos individuais tenham sido descobertos durante as escavações em 1950. Em particular, Karl Lehmann com um grupo de arqueólogos encontrou a mão direita da deusa. Nike de Samotrácia é agora uma das exposições de destaque do Louvre. Sua mão nunca foi acrescentada à exposição geral, apenas a ala direita, que era de gesso, foi restaurada.
Laocoonte e seus filhos
Uma composição escultórica representando a luta mortal de Laocoonte, o sacerdote do deus Apolo, e seus filhos com duas cobras enviadas por Apolo em retaliação ao fato de Laocoonte não ter ouvido sua vontade e ter tentado impedir a entrada do cavalo de Tróia no a cidade.
A estátua era feita de bronze, mas seu original não sobreviveu até hoje. No século XV, uma cópia em mármore da escultura foi encontrada no território da "casa dourada" de Nero e, por ordem do Papa Júlio II, foi instalada em um nicho separado do Belvedere do Vaticano. Em 1798, a estátua de Laocoonte foi transferida para Paris, mas após a queda do domínio de Napoleão, os britânicos a devolveram ao seu local original, onde é mantida até hoje.
A composição, retratando a desesperada luta de morte de Laocoonte com o castigo divino, inspirou muitos escultores do final da Idade Média e do Renascimento, e deu origem a uma moda para retratar movimentos complexos e semelhantes a vórtices do corpo humano nas belas artes.
Zeus do Cabo Artemision
A estátua, encontrada por mergulhadores perto do Cabo Artemision, é feita de bronze e é uma das poucas peças de arte desse tipo que sobreviveu até hoje em sua forma original. Os pesquisadores discordam sobre se a escultura pertence especificamente a Zeus, acreditando que também pode representar o deus dos mares, Poseidon.
A estátua tem uma altura de 2,09 m e retrata o deus grego supremo, que levantou a mão direita para lançar um raio em ira justa. O relâmpago em si não foi preservado, mas várias figuras menores mostram que ele parecia um disco de bronze plano e fortemente alongado.
De quase dois mil anos de estar debaixo d'água, a estátua quase não sofreu. Apenas os olhos, supostamente feitos de marfim e incrustados de pedras preciosas, desapareceram. Você pode ver esta obra de arte no Museu Arqueológico Nacional, localizado em Atenas.
Estátua de Diadumen
Uma cópia em mármore de uma estátua de bronze de um jovem que se coroa com um diadema - um símbolo de vitória esportiva, provavelmente adornou o local das competições em Olímpia ou Delfos. O diadema naquela época era uma atadura de lã vermelha, que, junto com coroas de louros, era concedida aos vencedores dos Jogos Olímpicos. O autor da obra, Poliklet, executou-o em seu estilo favorito - o jovem está em movimento fácil, seu rosto mostra completa calma e concentração. O atleta se comporta como um merecido vencedor - não apresenta fadiga, embora seu corpo precise descansar após a luta. Na escultura, o autor conseguiu transmitir com muita naturalidade não apenas pequenos elementos, mas também a posição geral do corpo, distribuindo corretamente a massa da figura. A total proporcionalidade do corpo é o auge do desenvolvimento deste período - classicismo do século V.
Embora o original de bronze não tenha sobrevivido ao nosso tempo, cópias dele podem ser vistas em muitos museus ao redor do mundo - o Museu Arqueológico Nacional de Atenas, o Louvre, o Metropolitan, o Museu Britânico.
Afrodite Braschi
Uma estátua de mármore de Afrodite retrata a deusa do amor, que estava nua antes de tomar seu banho lendário, muitas vezes descrito em mitos, devolvendo sua virgindade. Afrodite em sua mão esquerda segura suas roupas removidas, que gentilmente caem em um jarro próximo. Do ponto de vista da engenharia, esta decisão tornou a frágil estátua mais estável e deu ao escultor a oportunidade de dar-lhe uma pose mais descontraída. A singularidade de Afrodite Brasca é que esta é a primeira estátua conhecida da deusa, cujo autor decidiu retratá-la nua, o que já foi considerado uma insolência inédita.
Existem lendas segundo as quais o escultor Praxíteles criou Afrodite à imagem de sua amada, hetaera Frine. Quando seu ex-admirador, o orador Euthias, descobriu isso, ele levantou um escândalo, como resultado do qual Praxíteles foi acusado de blasfêmia imperdoável. No julgamento, o defensor, vendo que seus argumentos não impressionaram o juiz, tirou as roupas de Phryne para mostrar aos presentes que um corpo tão perfeito da modelo simplesmente não pode abrigar uma alma sombria. Os juízes, sendo adeptos do conceito de kalokagatiya, foram forçados a absolver totalmente os réus.
A estátua original foi levada para Constantinopla, onde morreu em um incêndio. Muitas cópias de Afrodite sobreviveram ao nosso tempo, mas todas têm suas próprias diferenças, pois foram restauradas de acordo com descrições verbais e escritas e imagens em moedas.
maratona da juventude
A estátua de um jovem é feita de bronze, e presumivelmente retrata o deus grego Hermes, embora não haja pré-requisitos ou seus atributos nas mãos ou roupas do jovem. A escultura foi levantada do fundo do Golfo de Maratona em 1925 e, desde então, reabasteceu a exposição do Museu Arqueológico Nacional de Atenas. Devido ao fato de que a estátua esteve debaixo d'água por muito tempo, todas as suas características estão muito bem preservadas.
O estilo em que a estátua é feita trai o estilo do famoso escultor Praxiteles. O jovem está em pose relaxada, a mão apoiada na parede, perto da qual a figura foi instalada.
Lançador de disco
A estátua do antigo escultor grego Myron não foi preservada em sua forma original, mas é amplamente conhecida em todo o mundo graças às cópias de bronze e mármore. A escultura é única porque, pela primeira vez, retratou uma pessoa em um movimento complexo e dinâmico. Tal decisão ousada do autor serviu como um exemplo vívido para seus seguidores, que com não menos sucesso criaram objetos de arte no estilo da "Figura serpentinata" - uma técnica especial que retrata uma pessoa ou animal de uma forma muitas vezes não natural, tensa, mas pose muito expressiva, do ponto de vista do observador.
Cocheiro de Delfos
A escultura de bronze de um cocheiro foi descoberta durante as escavações de 1896 no Santuário de Apolo em Delfos e é um exemplo clássico de arte antiga. A figura retrata um jovem grego antigo dirigindo uma carroça durante jogos pitianos.
A singularidade da escultura reside no fato de que a incrustação dos olhos com pedras preciosas foi preservada. Os cílios e lábios do jovem são decorados com cobre, e a faixa de cabeça é feita de prata, e presumivelmente também tinha incrustações.
A época de criação da escultura, teoricamente, está na junção dos clássicos arcaicos e antigos - sua pose é caracterizada pela rigidez e ausência de qualquer indício de movimento, mas a cabeça e o rosto são feitos com um realismo bastante grande. Como nas esculturas posteriores.
Atena Partenos
Majestoso estátua da deusa atena não sobreviveu ao nosso tempo, mas há muitas cópias dele, restauradas de acordo com descrições antigas. A escultura era totalmente feita de marfim e ouro, sem o uso de pedra ou bronze, e ficava no principal templo de Atenas - o Partenon. Uma característica distintiva da deusa é um capacete alto, decorado com três cristas.
A história da criação da estátua não foi sem momentos fatais: no escudo da deusa, o escultor Fídias, além da imagem da batalha com as amazonas, colocou seu retrato na forma de um velho fraco que levanta uma pedra pesada com as duas mãos. O público da época considerou ambiguamente o ato de Fídias, que lhe custou a vida - o escultor foi preso, onde cometeu suicídio com a ajuda de veneno.
A cultura grega tornou-se a fundadora do desenvolvimento das belas artes em todo o mundo. Ainda hoje, olhando algumas pinturas e estátuas modernas, pode-se detectar a influência dessa cultura antiga.
Antiga Hélade tornou-se o berço em que o culto da beleza humana em sua manifestação física, moral e intelectual foi ativamente criado. Habitantes da Grécia daquela época, eles não apenas adoravam muitos deuses olímpicos, mas também tentavam se parecer com eles o máximo possível. Tudo isso é exibido em estátuas de bronze e mármore - elas não apenas transmitem a imagem de uma pessoa ou divindade, mas também as aproximam umas das outras.
Embora muitas das estátuas não tenham sobrevivido até o presente, suas cópias exatas podem ser vistas em muitos museus ao redor do mundo.
Salónica na Grécia. História, pontos turísticos (parte seis)
O controle otomano da cidade durante as últimas décadas de dominação turca foi a espinha dorsal de seu desenvolvimento, especialmente em infraestrutura. Um grande número de novos edifícios públicos foi erguido em estilo eclético para dar a Salónica uma face europeia. Entre 1869 e 1889 as muralhas da cidade foram destruídas como resultado da expansão planejada da cidade. Em 1888 iniciou-se a primeira manutenção da linha de eléctricos, e já em 1908, as ruas da cidade eram iluminadas com lâmpadas eléctricas e postes. A partir do mesmo ano, a ferrovia ligava Salónica à Europa Central através de Belgrado, Monastir e Constantinopla. A cidade voltou a adquirir sua “cara grega” nacional somente após a partida dos conquistadores turcos e o estado ganhando liberdade. No entanto, os eventos turbulentos do século passado deixaram sua marca na imagem moderna da cidade. Atualmente, Salônica desempenha o papel de uma metrópole com uma população bastante mista - representantes de mais de 80 povos vivem aqui, sem contar grupos étnicos menores.
Eubeia, ou em grego moderno Evia, é a segunda maior ilha da Grécia: cerca de 3900 km2. No entanto, a posição insular da Eubéia é bastante relativa: a ilha é separada da Grécia continental pelo estreito de Evripos (Euripus), cuja largura é de apenas 40m! Até os antigos gregos ligavam a Eubéia ao continente por uma ponte de cerca de 60 m de comprimento.
Natal em Athos. Peregrinação no Natal
É chamado o lote terrestre da Mãe de Deus e o principal lugar sagrado para todos os cristãos. Este é o Monte Athos, em torno do qual existem muitas lendas e histórias incríveis de curas incríveis. O Monte Athos é sagrado não apenas para os gregos, mas também para centenas de milhares de homens cristãos em todo o mundo. O pé de uma mulher nunca pisou no chão deste mosteiro monástico, exceto o pé da Mãe de Deus, como a própria Mãe de Deus legou.
Alexandroupoli
Muitas pessoas não são alheias ao desejo de ir a algum lugar no sul no verão. Mesmo que eles vão para a Grécia, eles ainda querem relaxar na parte sul. Sugiro que você visite a cidade trácia de Alexandroupoli, localizada no nordeste da Hélade. A cidade foi fundada pelo grande comandante e conquistador Alexandre, o Grande, em 340 aC. e.
Minihotel
Mini-hotel, ILIAHTIADA Apartments é um pequeno hotel moderno, construído em 1991, localizado em Halkidiki, na península de Kassandra, na aldeia de Kriopigi, a 90 km do Aeroporto da Macedónia em Salónica. O hotel oferece quartos espaçosos e uma atmosfera acolhedora. Este é um ótimo lugar para férias econômicas em família. O hotel está localizado em uma área de 4500 metros quadrados. m.