Arte contemporanea Cina: Hao Boyi, Ai Weiwei, Zhao Zhao
La creatività dell'artista Hao Boi (Hao Boyi) ha ricordato al mondo cosa fosse l'incisione classica cinese. IN momento presenteè a capo dell'Associazione degli artisti cinesi. Ricordando allo spettatore che l'arte orientale è caratterizzata da minimalismo ed eleganza, Boi raffigura la natura con cura e sobrietà. Molto spesso l'artista preferisce lavorare sul legno, ma a volte usa anche il metallo. Non c'è traccia di una persona nelle sue incisioni. Uccelli, alberi, cespugli, sole, paludi sono raffigurati nella loro bellezza incontaminata.
Uno dei più famosi artisti cinesi contemporanei - Ai Weiwei- è diventato famoso non solo grazie a progetti creativi. Ogni materiale su di lui menziona il suo atteggiamento oppositivo. Weiwei ha vissuto negli Stati Uniti per qualche tempo, quindi le tendenze sono chiaramente visibili nel suo lavoro Arte occidentale del secolo scorso in combinazione con le tradizionali direzioni orientali. Nel 2011 è in cima alla lista delle “100 persone più influenti nel mondo dell'arte” secondo la rivista Art Review. Le sue installazioni non sono solo oggetti d'arte progettati per evidenziare problemi sociali, ma anche tanto lavoro. Così, per uno dei progetti, l'artista ha raccolto 6.000 sgabelli nei villaggi della Cina settentrionale. Tutti sono posizionati sul pavimento della sala espositiva, ricoprendone completamente la superficie. Un altro progetto, “IOU”, è basato su una storia della vita dell’artista. Il nome è un'abbreviazione della frase "I Owe You", che in inglese si traduce in "I owe you". Il fatto è che gli artisti furono accusati di evasione fiscale. In 15 giorni Weiwei ha dovuto trovare 1,7 milioni di euro e ripagare lo Stato. Questa somma è stata raccolta grazie a coloro che non sono rimasti indifferenti al lavoro e alla vita dell'artista oppositore. È così che da un numero enorme di ricevute di bonifico è nata un'installazione contanti. Weiwei ha tenuto mostre personali a New York, San Francisco, Parigi, Londra, Berna, Seul, Tokyo e in altre città.
Con il nome di un artista concettuale Zhu Yu Il concetto di “cannibale” è indissolubilmente legato. Nel 2000, in una delle mostre, ha presentato un progetto fotografico provocatorio, seguito da articoli scandalosi e indagini pubbliche. L'autore ha presentato al pubblico una serie di fotografie in cui mangia un feto umano. Successivamente, in numerosi media sono apparse informazioni sulle strane preferenze alimentari dell'élite cinese: presumibilmente in alcuni ristoranti gli embrioni vengono serviti agli amanti delle prelibatezze. La provocazione è stata sicuramente un successo. Successivamente, il lavoro di Yu iniziò a guadagnare popolarità e lui stesso riuscì a iniziare a guadagnare con i suoi strani progetti. Parlando del consumo di feti, ha osservato: “Gli artisti non hanno fatto altro che usare i cadaveri nelle performance, senza creare nulla di nuovo, copiandosi ciecamente a vicenda. Questa situazione mi irritava, volevo finirla con queste gare, farla finita. Il mio lavoro non era destinato agli spettatori, doveva risolvere un problema tecnico interno. Non mi aspettavo una reazione del genere". A proposito, la mostra in cui Yu ha mostrato "Eating People" si chiamava Fuck Off, e il suo curatore era il già citato Ai Weiwei. L'artista ha anche progetti più umani, ad esempio l'installazione “Pocket Theology”. Nella sala espositiva, una mano pende dal soffitto tenendo una lunga corda che copre l'intero pavimento. Al momento, Yu è passato a un'altra fase creativa, priva del passato scioccante. Si interessò all'iperrealismo.
Zeng Fanzhi- oggi uno degli artisti cinesi più costosi. Nel 2001 ha presentato al pubblico la sua versione de “L'Ultima Cena”. La composizione è presa in prestito da Leonardo Da Vinci, ma tutto il resto è frutto dell'immaginazione del nostro contemporaneo. Quindi, al tavolo c'erano 13 persone in costumi da pioniere e con maschere sui volti. Giuda si distingue dal contesto, indossando una camicia e una cravatta dal taglio occidentale, il che suggerisce allo spettatore che anche la Cina, un paese tradizionale, è soggetto all’influenza del capitalismo. Nel 2013, quest'opera è stata messa all'asta per 23 milioni di dollari.
Di seguito i lavori Zhao Zhao. I critici d'arte definiscono questo artista uno degli autori cinesi contemporanei più promettenti. Oltre al fatto che i collezionisti di tutto il mondo acquistano volentieri le sue creazioni, anche le autorità prestano attenzione a loro: nel 2012, le opere di Zhao "sono andate" a una mostra a New York, ma la dogana cinese ha rifiutato la spedizione. Le sue opere sono associative, metaforiche e spesso legate ad eventi della vita dell'artista stesso. Ad esempio, un giorno un incidente automobilistico divenne fonte di ispirazione per Zhao, durante il quale l'artista notò quanto fossero interessanti le crepe che strisciavano lungo il parabrezza...
Zhang Xiaogang- autore di una nota serie di opere dal titolo generale "Bloody Traces". Rappresenta ritratti di persone età diverse, realizzato nello stile delle fotografie, ma con tocchi artistici. "La Cina è una famiglia, una sola grande famiglia. Tutti devono fare affidamento l’uno sull’altro e confrontarsi. Questa era una domanda a cui volevo prestare attenzione e che gradualmente è diventata sempre meno associata alla Rivoluzione Culturale, e sempre più all’idea di uno stato popolare nella mente”, dice l’artista riguardo a “Traces of Blood”. La serie è stata creata in 10 anni, il suo costo totale supera i 10 milioni di dollari.
Supponiamo di trovarti in una società decente e che la conversazione si sposti sull'arte contemporanea. Come previsto ad una persona normale, Non lo capisci. Offriamo una guida rapida ai principali artisti cinesi del mondo dell'arte contemporanea: con il suo aiuto potrai mantenere uno sguardo intelligente durante tutta la conversazione e forse anche dire qualcosa di rilevante.
Cos'è l'"arte contemporanea cinese" e da dove viene?
Fino alla morte di Mao Zedong nel 1976, in Cina durò la “rivoluzione culturale”, durante la quale l’arte fu equiparata all’attività sovversiva antirivoluzionaria e fu sradicata con il ferro rovente. Dopo la morte del dittatore, il divieto fu revocato e decine di artisti d'avanguardia uscirono dalla clandestinità. Nel 1989 organizzarono la prima grande mostra a Pechino Galleria Nazionale, ha conquistato il cuore dei curatori occidentali, che hanno immediatamente riconosciuto nei dipinti la tragedia della dittatura comunista e l'indifferenza del sistema nei confronti dell'individuo, e quella è stata la fine del divertimento. Le autorità hanno disperso la mostra, hanno sparato agli studenti in piazza Tiananmen e hanno chiuso il negozio liberale.
Sarebbe stata la fine, ma il mercato dell’arte occidentale si innamorò così fermamente e incontrollabilmente degli artisti cinesi che erano riusciti a farsi un nome che il Partito Comunista si lasciò sedurre dal seducente prestigio internazionale e restituì tutto com’era. .
Il movimento principale dell'avanguardia cinese si chiama " realismo cinico": attraverso le tecniche formali del realismo socialista, vengono mostrate le terribili realtà del crollo psicologico della società cinese.
Il massimo artisti famosi
Yue Minjun
Cosa raffigura: personaggi con facce identiche ridacchiano mentre vengono giustiziati, colpiti, ecc. Tutti sono vestiti come lavoratori cinesi o Mao Zedong.
Perché è interessante: i volti degli operai ripetono la risata del Buddha Maitreya, che consiglia di sorridere guardando al futuro. Allo stesso tempo, questo è un riferimento ai volti artificialmente felici dei lavoratori cinesi sui manifesti di propaganda. La grottesca sorrisi mostra che dietro la maschera della risata si nasconde l'impotenza e l'orrore congelato.
Zeng Fanzhi
Cosa raffigura: uomini cinesi con maschere bianche incollate sul volto, scene di vita ospedaliera, l'Ultima Cena con i pionieri cinesi
Perché è interessante: nei primi lavori - pessimismo espressivo e psicologismo, nei lavori successivi - simbolismo spiritoso. Figure intense sono nascoste dietro maschere e costrette a svolgere ruoli imposti. Ultima Cena raffigurato sulle pareti Scuola cinese, gli studenti con la cravatta rossa sono seduti al tavolo. Giuda si distingue per il suo europeo stile aziendale vestiti (camicia e cravatta gialla). Questa è un'allegoria del movimento della società cinese verso il capitalismo e il mondo occidentale.
Zhang Xiaogang
Cosa rappresenta: monocromatico ritratti di famiglia nello stile del decennio della “rivoluzione culturale”
Perché è interessante: cattura il sottile stato psicologico nazione durante la rivoluzione culturale. I ritratti raffigurano figure in posa artificiale pose corrette. Le espressioni facciali congelate rendono i volti identici, ma in ogni espressione si legge aspettativa e paura Ogni membro della famiglia è chiuso in se stesso, l'individualità è messa fuori gioco da dettagli appena percettibili.
ZhangHuan
Cosa raffigura: l'artista ha guadagnato fama grazie alle sue performance. Ad esempio, si spoglia, si copre di miele e si siede vicino a un bagno pubblico a Pechino finché le mosche non lo coprono dalla testa ai piedi.
Perché è interessante: concettualista e masochista, esplora la profondità della sofferenza fisica e della pazienza.
Cai Guoqiang
Cosa raffigura: un altro maestro della performance art. Dopo la sparatoria contro gli studenti in piazza Tiananmen, l'artista ha inviato un messaggio agli alieni: ha costruito un modello della piazza e lo ha fatto saltare in aria. Una potente esplosione era visibile dallo spazio. Da allora, molte cose sono esplose per gli alieni.
Ciò che lo rende interessante: è passato da concettualista a pirotecnico di corte del Partito Comunista. La spettacolare componente visiva dei suoi lavori successivi gli ha portato la fama di virtuoso. Nel 2008, il governo cinese ha invitato Cai Guoqiang a dirigere uno spettacolo pirotecnico alle Olimpiadi.
Questi sono strumenti musicali tradizionali cinesi.
(In effetti, ci sono molte più varietà).
Le illustrazioni contemporanee dell'artista Van Kunde mostrano come venivano utilizzati questi strumenti.
L'Erhu (二胡, èrhú), un violino a due corde, ha forse la voce più espressiva di tutti gli strumenti ad arco. L'erhu viene suonato sia da solo che in ensemble. Questo è lo strumento a corda più popolare tra i vari gruppi etnici Cina. Quando si suona l'erhu, vengono utilizzate molte tecniche complesse di inchino e di dita. Il violino erhu funge spesso da strumento principale in un'orchestra tradizionale cinese strumenti nazionali e quando si esegue musica per archi e fiati.
La parola "erhu" è composta dai caratteri "due" e "barbaro", poiché questo strumento a due corde arrivò in Cina circa 1000 anni fa grazie ai popoli nomadi del nord.
Gli erhus moderni sono realizzati in legno pregiato, il risonatore è ricoperto di pelle di pitone. L'arco è fatto di bambù, sul quale è tesa una corda di crine di cavallo. Il musicista tira la corda dell'arco con le dita mentre suona. destra, e l'arco stesso è fissato tra due corde, formando un tutt'uno con l'erhu.
Pipa (琵琶, pípa) è uno strumento musicale a pizzico a 4 corde, talvolta chiamato anche liuto cinese. Uno dei cinesi più comuni e famosi strumenti musicali. Il pipa si suona in Cina da più di 1.500 anni: l'antenato del pipa, la cui patria è la zona compresa tra il Tigri e l'Eufrate (la regione della Mezzaluna Fertile) in Medio Oriente, arrivò in Cina lungo l'antica Via della Seta nel IV secolo. N. e. Tradizionalmente, la pipa veniva utilizzata principalmente per suonare da soli, meno spesso in ensemble musica popolare, di regola, nel sud-est della Cina, o con l'accompagnamento di narratori.
Il nome "pipa" è associato al modo in cui viene suonato lo strumento: "pi" significa spostare le dita lungo le corde e "pa" significa spostare le dita verso l'alto. Il suono è prodotto da un plettro, ma talvolta anche da un'unghia, alla quale viene data una forma speciale.
Diversi strumenti simili dell'Asia orientale derivano dal pipa: il biwa giapponese, il đàn tỳ bà vietnamita e il bipa coreano.
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Lo Yueqin (月琴, yuèqín, cioè “liuto lunare”), o zhuan ((阮), è un tipo di liuto con il corpo risonante rotondo. Lo zhuan ha 4 corde e un manico corto con tasti (solitamente 24). Esistono anche uno zhuan con corpo ottagonale. Si suona utilizzando un plettro. Lo strumento ha un suono melodico che ricorda. chitarra classica, ed è usato sia per suonare da solo che in un'orchestra.
Nei tempi antichi, lo zhuan era chiamato "pipa" o "qin pipa" (cioè pipa della dinastia Qin). Tuttavia, dopo che l'antenato del moderno pipa arrivò in Cina lungo la Via della Seta durante la dinastia Tang (intorno al V secolo d.C.), il nome "pipa" fu assegnato al nuovo strumento, e il liuto con il manico corto e il corpo rotondo cominciò a chiamarsi "zhuan" dal nome del musicista che lo suonava, Ruan Xian (III secolo d.C.). Ruan Xian era uno dei sette grandi studiosi conosciuti come i "Sette Saggi del Boschetto di Bambù".
Xiao (箫, xiāo) è un flauto verticale, solitamente fatto di bambù. Questo è molto strumento antico, a quanto pare, deriva dal flauto del popolo Qiang imparentato con il tibetano della Cina sudoccidentale. Un'idea di questo flauto è data da figurine funerarie in ceramica risalenti alla dinastia Han (202 a.C. – 220 d.C.). Questo strumento è ancora più antico del flauto.
I flauti Xiao hanno un suono chiaro adatto per suonare bellissime melodie che sono rilassanti per l'orecchio. Sono spesso utilizzati in performance soliste, in ensemble e per accompagnare la musica tradizionale Opera cinese.
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XUANGU: tamburo sospeso
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Paixiāo (排箫, páixiāo) è un tipo di flauto di Pan. Col tempo lo strumento scomparve dall'uso musicale. La sua rinascita iniziò nel XX secolo. Paixiao è servito da prototipo per lo sviluppo delle generazioni successive di questo tipo di strumento.
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Il suona oboe cinese (唢呐, suȒnà), noto anche come laba (喇叭, lăbā) o haidi (海笛, hăidí), ha un suono forte e stridulo ed è spesso usato negli ensemble Musica cinese. Questo strumento importante nella musica popolare della Cina settentrionale, soprattutto nelle province di Shandong e Henan. Suona è spesso usata in occasione di matrimoni e cortei funebri.
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L'arpa kunhou (箜篌, kōnghóu) è un altro strumento a corde pizzicate arrivato in Cina lungo la Via della Seta dall'Asia occidentale.
L'arpa kunhou si trova spesso sui murali di varie grotte buddiste dell'era Tang, a indicare esteso questo strumento in quel momento.
Scomparve durante la dinastia Ming, ma nel XX secolo. è stata rianimata. Kunhou era conosciuto solo dagli affreschi nelle grotte buddiste, dalle figurine funebri rituali e dalle incisioni su pietra e mattoni. Poi, nel 1996, due arpe kunhou complete a forma di arco e alcuni dei loro frammenti furono scoperti in una tomba nella contea di Qemo (regione autonoma uigura dello Xinjiang). Tuttavia, la versione moderna di questo strumento ricorda un'arpa da concerto occidentale piuttosto che un antico kunhou.
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Guzheng (古箏, gǔzhēng), o zheng (箏, "gu" 古 che significa "antico") è una cetra cinese con supporti mobili e sciolti e 18 o più corde (lo zheng moderno di solito ha 21 corde). Zheng è l'antenato di diverse varietà asiatiche di cetra: koto giapponese, gayageum coreano, đàn tranh vietnamita.
Sebbene il titolo originale di questo dipinto sia "Zheng", l'immagine qui raffigurata è ancora un guqin (古琴) - una cetra cinese a sette corde. Guqin e guzheng sono simili nella forma, ma sono facili da distinguere: mentre il guzheng ha un sostegno sotto ogni corda, come il koto giapponese, il guqin non ha sostegni.
Sin dai tempi antichi, il guqin era lo strumento preferito di scienziati e pensatori, era considerato uno strumento squisito e sofisticato ed era associato a Confucio. Era anche chiamato il “padre della musica cinese” e “lo strumento dei saggi”.
In precedenza, lo strumento era semplicemente chiamato "qin", ma nel 20 ° secolo. questo termine ha cominciato a significare tutta una serie strumenti musicali: Yangqin simile al salterio, famiglia di strumenti a corda Huqin, pianoforte occidentale, ecc. Poi il prefisso “gu” (古), cioè "antico, e fu aggiunto al nome. Talvolta si trova anche il nome "qixiaqin", cioè "strumento musicale a sette corde".
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Dizi (笛子, dízi) è un flauto traverso cinese. È anche chiamato di (笛) o hendi (橫笛). Il flauto è uno degli strumenti musicali cinesi più comuni e può essere trovato negli ensemble di musica popolare, nelle orchestre moderne e nell'opera cinese. Si ritiene che i dizi siano arrivati in Cina dal Tibet durante la dinastia Han. Dizi è sempre stato popolare in Cina, il che non sorprende, perché... è facile da realizzare e facile da trasportare.
Oggi, questo strumento è tipicamente realizzato in bambù nero di alta qualità con un foro per l'aria, un foro per la membrana e sei fori per suonare tagliati lungo tutta la sua lunghezza. Nel nord, il di è fatto di bambù nero (viola), nel sud, a Suzhou e Hangzhou, di bambù bianco. I Southern di, di regola, sono molto sottili, leggeri e hanno un suono tranquillo. Sarebbe però più corretto chiamarlo “flauto a membrana”, poiché il suo caratteristico timbro sonoro è causato dalla vibrazione di una sottile membrana di carta, che sigilla una speciale buca armonica sul corpo del flauto.
Il periodo che va dalla fine della Rivoluzione Culturale nel 1976 ad oggi è considerato un'unica fase nello sviluppo dell'arte contemporanea in Cina. A quali conclusioni si può giungere se proviamo a comprendere la storia dell’arte cinese degli ultimi cento anni alla luce degli eventi internazionali contemporanei? Questa storia non può essere studiata considerandola nella logica dello sviluppo lineare, suddiviso nelle fasi della modernità, della postmodernità – su cui si basa la periodizzazione dell'arte in Occidente. Come dovremmo allora costruire e parlare di storia dell’arte contemporanea? Questa domanda mi occupa dagli anni ’80, quando fu scritto il primo libro sull’arte contemporanea cinese. io. In libri successivi come Inside Out: New Chinese Art, The Wall: Changing Chinese Contemporary Art, e soprattutto nel recente Yipailun: teoria sintetica contro la rappresentazione”, ho cercato di rispondere a questa domanda considerando fenomeni specifici del processo artistico.
Viene spesso citato come caratteristica fondamentale dell’arte moderna cinese il fatto che i suoi stili e concetti siano stati in gran parte importati dall’Occidente piuttosto che coltivati sul suolo nativo. Tuttavia, lo stesso si può dire del Buddismo. Fu portato in Cina dall'India circa duemila anni fa, mise radici e si sviluppò in un sistema integrale e alla fine diede i suoi frutti sotto forma di Buddismo Chan (noto nella versione giapponese come Zen) - un ramo nazionale indipendente del Buddismo, nonché come un intero corpus di letteratura canonica e relativa filosofia, cultura e arte. Quindi, forse, l’arte contemporanea in Cina avrà bisogno ancora di molto tempo prima di svilupparsi in un sistema autonomo – e il prerequisito per il suo sviluppo futuro sono proprio i tentativi odierni di scrivere la propria storia e spesso di mettere in discussione i confronti con analoghi globali. Nell'arte occidentale, fin dall'era del modernismo, i principali vettori di forza in campo estetico sono stati la rappresentazione e l'antirappresentazione. Un simile schema, tuttavia, difficilmente sarà adatto allo scenario cinese. È impossibile applicare un approccio così conveniente all’arte contemporanea in Cina. logica estetica, basato sull'opposizione tra tradizione e modernità. Socialmente, l’arte occidentale fin dai tempi del modernismo ha assunto una posizione ideologica come oppositrice del capitalismo e del mercato. In Cina non c’era un sistema capitalista da combattere (anche se un’opposizione ideologicamente carica ha travolto la maggior parte degli artisti negli anni ’80 e nella prima metà degli anni ’90). Durante l'era della trasformazione economica rapida e fondamentale degli anni '90, l'arte contemporanea cinese si è trovata in un sistema molto più complesso di quello di qualsiasi altro paese o regione.
È impossibile applicare all’arte contemporanea in Cina una logica estetica basata sull’opposizione tra tradizione e modernità.
Prendiamo, ad esempio, l’arte rivoluzionaria costantemente dibattuta degli anni Cinquanta e Sessanta. La Cina ha importato il realismo socialista dall’Unione Sovietica, ma il processo e lo scopo dell’importazione non sono mai stati descritti in dettaglio. È un dato di fatto, gli studenti cinesi che hanno studiato arte in Unione Sovietica e gli artisti cinesi erano più interessati non al realismo socialista in sé, ma all’arte degli Erranti e al realismo critico. fine XIX- inizio del XX secolo. Questo interesse nacque come tentativo di sostituire l’accademismo classico occidentale, a quel tempo inaccessibile, attraverso il quale in Cina veniva dominata la modernità artistica nella sua versione occidentale. L’accademismo parigino, propagato da Xu Beihong e dai suoi contemporanei, formatisi in Francia negli anni ’20, era già una realtà troppo lontana per diventare un modello e una linea guida per generazione più giovane. Per raccogliere il testimone dei pionieri della modernizzazione dell’arte in Cina, è stato necessario rivolgersi alla tradizione classica della pittura russa. Ovviamente, tale evoluzione ha propria storia e logica, che non sono direttamente determinate dall’ideologia socialista. La connessione spaziale tra la Cina degli anni Cinquanta, artisti coetanei dello stesso Mao Zedong, e la tradizione realistica della Russia di fine Ottocento esisteva già e quindi non dipendeva dall’assenza o dalla presenza di dialogo politico tra Cina e Cina. Unione Sovietica negli anni '50. Inoltre, poiché l’arte dei Peredvizhniki era più accademica e romantica che realista critico, Stalin identificò nei Peredvizhniki la fonte realismo socialista e, di conseguenza, non aveva alcun interesse per i rappresentanti del realismo critico. Artisti e teorici cinesi non condividevano questo “pregiudizio”: negli anni Cinquanta e Sessanta apparvero in Cina numerosi studi sul realismo critico, furono pubblicati album e molti furono tradotti dal russo lavori scientifici. Dopo il completamento della Rivoluzione Culturale, il realismo pittorico russo divenne l’unico punto di partenza nella modernizzazione dell’arte avvenuta in Cina. In opere tipiche di “pittura di cicatrici”, come, ad esempio, in “C’era una volta nel 1968” di Cheng Conglin. Snow", si può rintracciare l'influenza del vagabondo Vasily Surikov e della sua "Boyaryna Morozova" e "La mattina dell'esecuzione di Streltsy". Gli espedienti retorici sono gli stessi: l'accento è posto sulla rappresentazione delle relazioni reali e drammatiche degli individui sullo sfondo eventi storici. Naturalmente, la “pittura delle cicatrici” e il realismo di Peredvizhniki sono nati in modo radicale grande amico dai rispettivi contesti sociali e storici, eppure non si può dire che la somiglianza tra loro sia limitata all'imitazione dello stile. All'inizio del XX secolo, essendo diventato uno dei pilastri fondamentali della “rivoluzione artistica” cinese, il realismo ha influenzato in modo significativo la traiettoria dello sviluppo dell'arte in Cina, proprio perché era più di uno stile. Aveva un legame estremamente stretto e profondo con il valore progressista dell'"arte per la vita".
Quan Shanshi. Eroico e indomabile, 1961
Olio su tela
Cheng Conglin. C'era una volta il 1968. Neve, 1979
Olio su tela
Dalla collezione della Nazionale museo d'arte Cina, Pechino
Wu Guanzhong. Erbe primaverili, 2002
Carta, inchiostro e vernici
Wang Yidong. Zona panoramica, 2009
Olio su tela
I diritti sull'immagine appartengono all'artista
Oppure passiamo al fenomeno delle somiglianze tra il movimento artistico "Red Pop", avviato dalle Guardie Rosse all'inizio della "rivoluzione culturale", e il postmodernismo occidentale - ne ho scritto in dettaglio nel libro "On the Regime." arte popolare Mao Zedong" io. Il “Red Pop” ha completamente distrutto l’autonomia dell’arte e l’aura dell’opera, ha sfruttato appieno le funzioni sociali e politiche dell’arte, ha distrutto i confini tra i diversi media e ha assorbito il massimo numero possibile di forme pubblicitarie: dalle trasmissioni radiofoniche, ai film, alla musica , danza, resoconti di guerra, cartoni animati, medaglie commemorative, bandiere, propaganda e manifesti dipinti a mano - con l'unico scopo di creare un'arte visiva inclusiva, rivoluzionaria e populista. In termini di efficacia della propaganda, medaglie commemorative, distintivi e poster murali scritti a mano sono efficaci quanto i mezzi pubblicitari per la Coca-Cola. E il culto della stampa rivoluzionaria e leader politici per portata e intensità superava addirittura il culto simile della stampa commerciale e delle celebrità occidentali io.
Dal punto di vista della storia politica, il “prete rosso” appare come un riflesso della cecità e della disumanità delle Guardie Rosse. Un simile giudizio non regge alle critiche se consideriamo il “red pop” nel contesto della cultura mondiale e dell’esperienza personale. Si tratta di un fenomeno complesso, e il suo studio richiede, tra l'altro, un attento studio della situazione internazionale di quel periodo. Gli anni ’60 furono segnati da rivolte e disordini in tutto il mondo: ovunque ebbero luogo manifestazioni contro la guerra, il movimento hippie, il movimento per la diritti civili. C'è poi un'altra circostanza: le Guardie Rosse appartenevano alla generazione che fu sacrificata. All’inizio della Rivoluzione Culturale si organizzarono spontaneamente per partecipare alle attività dell’estremismo di sinistra e, di fatto, furono utilizzati da Mao Zedong come leva per raggiungere obiettivi politici. E il risultato per questi alunni e studenti di ieri è stata la deportazione nelle zone rurali e di confine per una “rieducazione” decennale: è nelle canzoni e nei racconti pietosi e indifesi sulla “gioventù intellettuale” che la fonte della poesia sotterranea e artistica movimenti successivi alla “rivoluzione culturale”. Sì e arte sperimentale Anche gli anni Ottanta sperimentarono l’indubbia influenza delle “guardie rosse”. Pertanto, indipendentemente dal fatto che consideriamo il punto di partenza della storia dell’arte moderna cinese la fine della Rivoluzione Culturale o la metà degli anni ’80, non possiamo rifiutarci di analizzare l’arte dell’epoca della Rivoluzione Culturale. E soprattutto dal “prete rosso” delle Guardie Rosse.
Nella seconda metà del 1987 e nella prima metà del 1988, nel libro Contemporary Chinese Art, 1985-1986, ho tentato di sostanziare il pluralismo stilistico che divenne la caratteristica distintiva della nuova visuale nel periodo successivo alla Rivoluzione Culturale. Stiamo parlando della cosiddetta new wave 85. Dal 1985 al 1989, a seguito di un'esplosione informativa senza precedenti sulla scena artistica cinese (a Pechino, Shanghai e in altri centri), tutte le principali stili artistici e le tecniche create dall'Occidente nel corso dell'ultimo secolo. È come se l’evoluzione secolare dell’arte occidentale fosse stata rievocata, questa volta in Cina. Stili e teorie, molti dei quali appartenevano più all’archivio storico che alla storia vivente, furono interpretati dagli artisti cinesi come “moderni” e servirono da slancio alla creatività. Per chiarire questa situazione ho utilizzato il pensiero di Benedetto Croce secondo cui “tutta la storia è storia moderna" La vera modernità è consapevolezza della propria attività nel momento in cui viene svolta. Anche quando eventi e fenomeni appartengono al passato, la condizione della loro conoscenza storica è la loro “vibrazione nella coscienza dello storico”. "Modernità" in pratica artistica La “nuova ondata” ha preso forma, intrecciando in un unico gomitolo passato e presente, vita dello spirito e realtà sociale.
- L’arte è il processo attraverso il quale una cultura può comprendere se stessa in modo completo. L’arte non si riduce più allo studio della realtà, spinta in un’impasse dicotomica, quando realismo e astrazione, politica e arte, bellezza e bruttezza, servizio sociale ed elitarismo si contrappongono. (Come non ricordare a questo proposito l'affermazione di Croce secondo cui l'autocoscienza tende «a differenziarsi unendo; e qui la differenza non è meno reale dell'identità, e l'identità non meno della differenza.”) La priorità principale diventa l'espansione dei confini dell'arte.
- Il campo dell'arte comprende sia artisti non professionisti che un vasto pubblico. Negli anni '80 erano soprattutto gli artisti non professionisti a portare avanti lo spirito di sperimentazione radicale: per loro era più facile staccarsi dal circolo consolidato di idee e pratiche dell'Accademia. In generale, il concetto di non professionalità, infatti, è uno di quelli basilari nella storia della “pittura” classica cinese. persone istruite" Artisti intellettuali ( letterati) erano importanti gruppo sociale“aristocratici culturali”, che a partire dall'XI secolo portarono avanti la costruzione culturale dell'intera nazione e in questo senso si opponevano piuttosto agli artisti che acquisivano le loro abilità artigianali presso l'Accademia Imperiale e spesso rimanevano alla corte imperiale.
- Il movimento verso l’arte del futuro è possibile colmando il divario tra il postmodernismo occidentale e il tradizionalismo orientale, attraverso la convergenza della filosofia moderna e della filosofia classica cinese (come Chan).
Yue Minjun. Barca Rossa, 1993
Olio su tela
Fan Lijun. Serie 2, numero 11, 1998
Olio su tela
Immagine gentilmente concessa da Sotheby's Hong Kong
Wang Guangyi. Arte materialistica, 2006
Dittico. Olio su tela
Collezione privata
Wang Guangyi. Grande critica. Omega, 2007
Olio su tela
Cai Guoqiang. Disegno per la cooperazione economica Asia-Pacifico: Inno alla gioia, 2002
Carta, polvere da sparo
Copyright dell'immagine Christie's Images Limited 2008. Immagine gentilmente concessa da Christie's Hong Kong
Tuttavia, l’“arte moderna” creata in Cina nel 1985-1989 non era in alcun modo intesa a diventare una replica dell’arte modernista, postmodernista o dell’attuale arte globalizzata dell’Occidente. In primo luogo, non aspirava affatto all'indipendenza e all'isolamento, che, ingrossando, costituivano l'essenza dell'arte modernista occidentale. Il modernismo europeo credeva paradossalmente che l'evasione e l'isolamento potessero superare l'alienazione dell'artista umano nella società capitalista, da qui l'impegno dell'artista per il disinteresse estetico e l'originalità. Nella Cina degli anni ’80, artisti diversi per aspirazioni e identità artistica si trovavano in un unico spazio sperimentale di mostre su larga scala e altri eventi, il più sorprendente dei quali fu la mostra di Pechino “Cina/Avanguardia” nel 1989. Tali azioni erano, in sostanza, esperimenti sociali e artistici di straordinaria portata, che andavano oltre la portata dell'espressione puramente individuale.
In secondo luogo, la “nuova ondata dell’85” aveva poco in comune con il postmodernismo, che metteva in discussione la possibilità e la necessità stessa dell’autoespressione individuale, su cui il modernismo insisteva. A differenza dei postmodernisti, che rifiutavano l’idealismo e l’elitarismo in filosofia, estetica e sociologia, gli artisti cinesi degli anni ’80 furono catturati da una visione utopica della cultura come sfera ideale ed elitaria. Le mostre e le azioni già menzionate furono un fenomeno paradossale, poiché gli artisti, pur affermando la loro marginalità collettiva, allo stesso tempo richiedevano attenzione e riconoscimento da parte della società. Non originalità stilistica o l’impegno politico ha determinato il volto dell’arte cinese, ovvero i continui tentativi degli artisti di posizionarsi in relazione ad una società che si stava trasformando sotto i nostri occhi.
Non è stata l’originalità stilistica o l’impegno politico a determinare il volto dell’arte cinese, ma piuttosto i tentativi degli artisti di posizionarsi in relazione a una società in trasformazione
In sintesi, possiamo dire che per ricostruire la storia dell’arte moderna in Cina, una struttura spaziale multidimensionale è molto più efficace di una scarna temporale. formula lineare. L’arte cinese, a differenza di quella occidentale, non entrava in alcun rapporto con il mercato (per la sua assenza) e allo stesso tempo non si definiva unicamente come una protesta contro l’ideologia ufficiale (come era tipico Arte sovietica 1970-1980). In relazione all’arte cinese, una narrazione storica isolata e statica che costruisce linee di successione di scuole e classifica fenomeni tipici all’interno di un periodo specifico è improduttiva. La sua storia diventa chiara solo nell'interazione delle strutture spaziali.
Nella fase successiva, iniziata alla fine degli anni '90, l'arte cinese ha creato un sistema speciale e finemente equilibrato, in cui diversi vettori si rafforzano a vicenda e si contrastano simultaneamente. Questa, a nostro avviso, è una tendenza unica che non è tipica dell’arte occidentale contemporanea. Al giorno d'oggi in Cina coesistono tre tipi di arte: pittura realistica accademica e classica pittura cinese (guohua O wenren) e arte contemporanea (a volte definita sperimentale). Oggi l’interazione tra queste componenti non assume più la forma di un confronto sul campo estetico, politico o filosofico. La loro interazione avviene attraverso la competizione, il dialogo o la cooperazione tra istituzioni, mercati ed eventi. Ciò significa che la logica dualistica di estetica e politica non è adatta a spiegare l’arte cinese dagli anni Novanta a oggi. La logica “estetico versus politico” era rilevante in breve periodo dalla fine degli anni '70 alla prima metà degli anni '80 - per l'interpretazione dell'arte dopo la Rivoluzione Culturale. Alcuni artisti e critici credono ingenuamente che il capitalismo, che non ha liberato l’arte in Occidente, porterà la libertà ai cinesi, poiché ha un potenziale ideologico diverso, di opposizione. sistema politico Tuttavia, alla fine, il capitale in Cina sta erodendo e minando con successo le basi dell’arte moderna. L'arte contemporanea, che ha attraversato un complesso processo di sviluppo negli ultimi trent'anni, sta perdendo oggi la sua dimensione critica e viene trascinata nella ricerca del profitto e della fama. L’arte contemporanea in Cina deve basarsi innanzitutto sull’autocritica, anche se i singoli artisti sono più o meno influenzati e soggetti alle tentazioni del capitale. L’autocritica è proprio ciò che manca adesso; È proprio questa la fonte della crisi dell’arte contemporanea in Cina.
Materiale fornito da Yishu: Journal of Contemporary Chinese Art.
Traduzione dal cinese all'inglese di Chen Kuandi