Ներկայացման նախադիտումներից օգտվելու համար ստեղծեք Google հաշիվ և մուտք գործեք այն՝ https://accounts.google.com

Սլայդի ենթագրեր.

ՌՈԿՈԿՈ ՆԿԱՐ «ԳԱԼԱՆՏ ԺԱՆՐԻ ՎԱՐՊԵՏՆԵՐ» Անտուան ​​Վատտո Բուշեր Ֆրանսուա Պատմության, հասարակագիտության ուսուցիչ, MHC MBOU «Թիվ 48 միջնակարգ դպրոց», Վլադիվոստոկ Սվետլանա Նիկոլաևնա Շաբալինա

Ռոկոկո ոճ Ժան Անտուան ​​Վատտո (1684 – 1721) Բուշեր Ֆրանսուա (1703–1770) Պլան

«Ռոկոկո» տերմինը, որն առաջացել է ֆրանսիական «rocaille» (բառացի՝ ադամանդի և խեցի զարդարանք) բառից, հայտնվել է 18-րդ դարի վերջին։ Ռոկոկոն բնութագրվում է կյանքից հեռանալով դեպի ֆանտաստիկայի, թատերական խաղի, դիցաբանական սյուժեների և էրոտիկ իրավիճակների աշխարհ: Ռոկոկո

Արիստոկրատիայի նրբագեղ կյանքը «Կաղանդավոր տոնակատարություններ» «Հովիվների կյանքի նկարներ անաղարտ բնության ֆոնի վրա Մարդկային կյանքը մի պահ անցողիկ է, և, հետևաբար, մենք պետք է օգտվենք «երջանիկ պահից» Ռոկոկո նկարչության հիմնական թեմաները

Ժան Անտուան ​​Վատտո (1684 – 1721) Վատտոյի նկարները չափազանց բնութագրվում են թատերական և դիմակահանդեսի տարրերով: Հենց փառք բերեցին նրան «Գալանտին» կարելի է անվանել միասնական ժամանց անցկացնող էլեգանտ պարապ արշավ, որի կարևոր տարրն է սիրախաղն ու սիրախաղը, իհարկե, կատակերգական կերպարների ընդգրկումը Նման տեսարանների կոմպոզիցիան պետք է համարել փայլուն գյուտ, Պիեռոն, Կոլումբինը, Հարլեկինը օգնեցին նկարչին ջնջել սահմանը թատրոնի և արտաքին աշխարհի միջև, գեղարվեստական ​​գրականության և իրականության, մտադրության և գործողության միջև:

Սիրո գամմա (մոտ 1715), Ազգային պատկերասրահ, Լոնդոն

Կյանքի ուրախություններ

Գալանտ Հարլեկինը և Կոլումբինը 1716-1718 թթ. Ուոլասի հավաքածու, Լոնդոն.

Ֆրանսիական կատակերգություն (1716)

Վենետիկյան փառատոն (մոտ 1718)

Ֆրանսուա Բուշեր (1703–1770) Ֆրանսուա Բուշեր, ով բացի նկարչությունից, աշխատել է դեկորատիվ և կիրառական արվեստի բոլոր տեսակներով. նա ստեղծել է գոբելենների համար ստվարաթուղթներ, նկարներ Սեւրի ճենապակու համար, նկարել է երկրպագուներ, կատարել մանրանկարչություն և դեկորատիվ նկարներ, իսկ ավելի ուշ՝ նկարել։ լուսամփոփներ, պանելներ, դիցաբանական, հովվական, ժանրային տեսարաններով նկարներ, նրբագեղ և սիրախաղային դիմանկարներ, հովվերգական բնապատկերներ՝ մշակված փափուկ արծաթափայլ-կանաչ երանգներով

Լանդշաֆտ Բովեի շրջակայքում 1740-1745 թթ. Էրմիտաժ, Սանկտ Պետերբուրգ.

Marquise de Pompadour-ի դիմանկարը 1756. Alte Pinakothek, Մյունխեն

Ջրաղացը Charaton-ում 1750-ական թթ. Արվեստի թանգարան, Օռլեան.

Նկարիչն իր արվեստանոցում, 1730-ական թթ. Լուվրի թանգարան, Փարիզ.

Milliner 1746. Ազգային թանգարան, Ստոկհոլմ.

Եվրոպայի բռնաբարությունը 1732-1734 թթ. Ուոլասի հավաքածու, Լոնդոն.

Նկարչի կնոջ՝ Մարի-Ժաննա Բուզոյի դիմանկարը 1743. Ֆրիկ հավաքածու, Նյու Յորք։

Նախաճաշ 1739. Լուվրի թանգարան, Փարիզ.

4. Գալանտ դարաշրջանի նկարչություն

«Գալանտ» գեղանկարչությունը Ֆրանսիայում գոյություն է ունեցել հռոմեա-հելլենիստական ​​շարժմանն ու վաղ ռոմանտիզմին զուգահեռ՝ ծագումով շոտլանդական դպրոցից և գերակշռել է մինչև Ֆրանսիական Մեծ հեղափոխությունը։

Այնուհետև գեղարվեստական ​​կյանքը սկսեց ձևավորվել գեղանկարչության ոլորտում և ձևավորվել այն ձևերով, որոնցով այն հայտնվում է այսօր: Ակադեմիաներ, ցուցահանդեսներ, արվեստի քննադատությունսկսեց մեծ ազդեցություն ունենալ ազատ գեղարվեստական ​​զարգացում. Թագավորական ակադեմիայի հետ միասին, որը գրավել էր լավագույն ուժերը, Ակադեմիան Սբ. Luke's-ը Փարիզում, վերափոխված նկարիչների հին գիլդիայից, միայն հազվադեպ էր կարող պարծենալ փայլուն անունով. և Փարիզի ակադեմիայի հետ մեկտեղ, գավառական արվեստի բարձրագույն դպրոցները, որոնցից առաջին տեղը գրավեցին Թուլուզի, Մոնպելիեի և Լիոնի ակադեմիաները, որպես ընդհանուր կանոն կարող էին բավարարել միայն տեղական գեղարվեստական ​​կարիքները։ Լուվրի «Սալոնում» ցուցադրվելու իրավունք ունեին միայն Փարիզի թագավորական ակադեմիա «գործուղվածները». Մի քանի տարի անց, «ընդունվելու իրավունքի նկար» ներկայացնելով, նրանք ստացան շարքային ակադեմիկոսի կոչում։ Սակայն այս ակադեմիան արժանի չէ միակողմանիության կշտամբանքին։ Նա իր գործընկերների շարքում ընդունեց Կլոդ Ժիլոին՝ Վատտոյի ուսուցչին, որպես «նորաձև առարկաների նկարիչ», Վատթոյին իրեն որպես «տոնակատարությունների նկարիչ», Գրուզին որպես «ժանրային նկարիչ»; այլ նկարիչներ նրա ցուցակներում նշվում են որպես բնանկարիչներ, կենդանիների նկարիչներ, ծաղիկներ և այլն: Ակադեմիական ցուցահանդեսների հետ մեկտեղ Լուվրի «հրապարակում» և «մեծ պատկերասրահում», որոնք պարբերաբար կրկնվել են 1737 թվականից և հասել իրենց ամենաբարձր սահմանը 1789-ին, նաեւ Ակադեմիայի Սբ. Լուկին և Երիտասարդական Միությունը կազմակերպել են իրենց ցուցահանդեսները։

Բոլոր նկարիչներից, ովքեր հետևել են «գալանտ կանոններին», ավանդաբար առանձնանում են մի քանի առավել նշանակալից դեմքեր:

5. Ժան-Մարկ Նատիե (1685-1766)

Նատիեն ամենահին «գալանտ» նկարիչներից է, և նրա ստեղծագործության մեջ նկարագրված ուղղությունը դրսևորվել է ավելի քիչ չափով։

Ծնվել է արվեստագետների ընտանիքում. հայրը՝ Մարկը, դիմանկարիչ էր, մայրը՝ Մարի Կուրտուան՝ մանրանկարչություն, իսկ եղբայրը՝ Ժան-Բատիստը նկարներ է ստեղծել՝ հիմնված պատմական թեմաների վրա:

Ժան-Մարկ Նատիեն նկարչության առաջին դասերը ստացել է հորից, այնուհետև մասնակցել է Թագավորական ակադեմիայի նկարչական դասընթացներին։ Տասնհինգ (!) տարեկանում Նատիեն արժանացել է Փարիզի ակադեմիայի արվեստի առաջին մրցանակին։

1717 թվականին Նատիերը մեկնեց Հոլանդիա, հանդիպեց Պետրոս I-ին Ամստերդամում և նկարեց ցարի և ռուս կայսրուհի Եկատերինայի դիմանկարները: Պետերը Նատիեին հրավիրեց հեռանալ Ֆրանսիայից և իր հետ մեկնել Ռուսաստան, սակայն, պատճառաբանելով իր սերը հայրենիքի հանդեպ, նկարիչը մերժեց նրա առաջարկը։ Ժան-Մարկ Նատիեն գրեթե ողջ կյանքն անցկացրել է Փարիզում։

Ժան-Մարկ Նատիեն գեղանկարչության նոր ոճի ստեղծող է՝ պատմական դիմանկար (ֆրանսիական դիմանկարային պատմություն), որը հիմնականում պատկերում է. հայտնի գործիչներՖրանսիական անցյալ.

Սանկտ Պետերբուրգի համար ավարտվել են «Արքայազն Ա. Դրանցում, ինչպես նաև հանրահայտ «Մադամ դե Պոմպադուրը Դիանա որսորդի կերպարով», այնպիսի առանձնահատկություններ, ինչպիսիք են պատկերվածների արտաքին տեսքի իդեալականացումը, պատկերի դիմանկարը. հնագույն հերոսկամ աստված (տարազի դիմանկար), գույնի փափկություն։ Անհետանում են հերոսների հոգեբանական առանձնահատկությունները՝ արտահայտված ուղղակիորեն կամ խորհրդանշական: «Դարաշրջանի դեմք»՝ դեմքի խաղաղ արտահայտություն ունեցող մարդ, որը չի արտացոլում նրան ներաշխարհ(ինչին, սակայն, նկարչին չհաջողվեց կամ չցանկացավ հասնել «Արքայադուստր Է.Դ. Գոլիցինայում»՝ արտահայտելով աղջկա ակնհայտ ինքնասիրությունը); Այս առումով կարելի է տեսնել նոր ոճի բացասական կողմը. նազելի «Ռոկալը» խորը մտքերի կարիք չունի։

6. Ժան Անտուան ​​Վատտո (1684-1721)

Watteau-ն մեկն է հայտնի արվեստագետներարվեստի համաշխարհային պատմության մեջ և «գալանտ ժանրի» մեծագույն վարպետն է։ Նրա նկարներով փոխանցվող տրամադրությունների և կերպարների բազմազանությունը (և դա ի վնաս այդ շատ հեշտ «գալանտիզմի» չէ, որը գնահատում էին նրա ժամանակակիցները) հաճախ հակադրվում են Ռոկոկոյի այլ, «չմտածված» գործերի հետ (հատկապես Ֆ. Բաուչերը, ըստ Լուսավորության դարաշրջանի փիլիսոփաների, «կյանքից հեռու»):

Վատտոն Փարիզ է եկել 1702 թվականին Հյուսիսային Ֆրանսիայից՝ Վալենսիենից, որտեղ ժամանակին ծնվել է տանիքագործի ընտանիքում։ 1703 - 1708 թվականներին Վատտոն աշխատել է Կլոդ Ժիլոյի արհեստանոցում՝ պատճենելով և պատկերելով իտալական կատակերգության սյուժեները։ Այս կարևոր փուլից ստեղծագործական ձևավորումՆկարչի միայն մեկ գեղանկարչական վկայություն է պահպանվել՝ մոսկովյան «Երգիծանք բժիշկների մասին» կտավը։

Հետագա տարիներին Վատտոն իրեն փորձեց տարբեր ժանրերում, այս ժամանակաշրջանի պահպանված մի քանի գործերի վիճելի ժամանակագրությունը թույլ չի տալիս մեզ հստակ եզրակացություններ անել նրա հետաքրքրությունների էվոլյուցիայի մասին, բայց նրա ձևը դառնում է ավելի ազատ, վրձնահարվածը՝ ավելի թարմ և թեթև. .

1710 թվականից Վալենսիեն կարճատև ուղևորությունից հետո Վատտոն նորից ապրեց Փարիզում, նկարչության, երաժշտության և թատրոնի մթնոլորտում, որը շատ էր սիրում: Նրա մտերիմ ընկերներից են ֆրանսիական Մերկուրի գրող և խմբագիր Անտուան ​​դե լա Ռոկեն, նկարների, շրջանակների և ապակիների դիլերներ Գերսենը և Սիրուան, իտալական կատակերգության դերասաններ, բանաստեղծներ և երաժիշտներ:

Ձևավորվելով խիստ կանոնակարգված ակադեմիական համակարգից դուրս՝ Վատտոն հանգիստ մտածեց և ընտրեց այն թեմաները, որոնք գրավում էին իրեն՝ չանհանգստանալով ժանրերի հիերարխիայի մասին և ազատորեն հանձնվելով զգացմունքների և երևակայության կամքին: Նա չէր սիրում աշխատել պատվերով՝ նախընտրելով դիզայնի ազատությունն ու երևակայության խաղը։ Նա նկարում էր բնանկարներ, դիմակահանդեսներ Ժիլոյի ոգով, իտալացի դերասանների դիմանկարներ, արձակուրդներ այգիներում՝ ավելի շատ հոգալով տեսարանի տրամադրության, զգացմունքային և պատկերային հարստության մասին, քան բծախնդիր դիմանկարի նմանությունը կամ հանդիսավոր վեհությունը: «Գալանտ արվեստի» ազդեցությունը նրա վրա դրվել է մի փոքր ավելի ուշ, քան Նատիերի վրա, և, հետևաբար, նա այս աշխատանքում հիշատակվում է ավելի ուշ, քան վերջինս։

Նիհար, բայց պարզ հոգեբանական բնութագրերըկարելի է տեսնել նրա դիմանկարներում, օրինակ՝ «Պարոն Պատերի դիմանկարը»։ Այսպիսով, դրանում մենք տեսնում ենք չափազանց կենտրոնացած անգլիացու, որը նույնիսկ չի նայում հեռուստադիտողի ուղղությամբ՝ իր ազգի չափավոր պրիմիտիվ ներկայացուցչին: Նկարի ստորին աջ մասում պատկերված կանացի քանդակագործական դիմանկարը, ըստ երևույթին, ցույց է տալիս տղամարդու զբաղմունքը՝ նա քանդակագործ է։

Մենք տեսնում ենք նույն բանը, բայց համընդհանուր տրամադրությունների մասշտաբով, որոնք միանգամից ընդգրկում են բազմաթիվ մարդկանց, հայտնի «գալանտ փառատոներում»՝ «Ուխտագնացություն դեպի Կիթերա կղզի» և «Սիրո փառատոն»:

Պետք է ասել, որ Վատտոն պատկերել է ֆրանսիական բոլոր դասերը, և ազնվականների դիմանկարներից ոչ պակաս համոզիչ են «Սավոյարդը մարմոտիով» և «Ժիլը» (թափառող երաժիշտ), և բազմաթիվ ճանապարհորդներ, բանվորներ, գյուղացիներ՝ հերոսներ։ ճամփորդական էսքիզներ՝ այն մարդիկ, որտեղից եկել է Վատտոն:

Վատտոն նախընտրում էր մոլբերտ նկարելը, բայց նա նաև վարպետ էր դեկորատիվ արվեստներ, նա ինքն է պատրաստել դեկորատիվ վահանակներ առանձնատների ինտերիերի համար, ներկել կառքի դռներ, կլավեսիններ և երկրպագուներ, որոնք ազդել են ռոկոկոյի ճարտարապետական ​​դեկորների վրա։

ԵՎ դեկորատիվ աշխատանքներ, իսկ մեծ կտավներն առանձնանում են Վատտոյին բնորոշ հատկանիշներով՝ զարմանալի նկարչություն, ակնածանք և քնքուշ, անցողիկ տրամադրությունների լավագույն տիրույթ, նկարչության մեջ նկարչական տեխնիկայի կիրառում (տե՛ս «Քմահաճը» ծառերի պսակների մշակումը), վիրտուոզ կոմպոզիտորական։ հմտություն.

7. Ֆրանսուա Բուշեր (1703-1770)

«Նրա անառակությունը պետք է գերի դենդիներին, անլուրջ կանանց, երիտասարդներին, հասարակության մարդկանց, այսինքն՝ բոլոր նրանց, ում խորթ են իսկական ճաշակն ու ճշմարտացիությունը»։

Ֆրանսուա Բուշը ծնվել է Փարիզում նկարիչ Նիկոլա Բուշեի ընտանիքում, ով նրան ուղարկել է սովորելու իր ընկերոջ՝ Ֆրանսուա Լեմուանի մոտ։

Տասնյոթ տարեկանում Բուշերը մտավ փորագրիչ Ժան-Ֆրանսուա Կարսի արհեստանոցը, որը թույլ տվեց նրան վաստակել իր ապրուստը, ինչպես նաև օգտակար կապեր հաստատել իր դաստիարակի բարձրաստիճան հաճախորդների հետ:

Ատենախոսության համար ստանում է առաջին կոչումը` ակադեմիական մրցանակը: Այստեղ և ավելի ուշ, Բաուչերը գրելու գերհարթ, նույնիսկ որոշ չափով «խնամված» ոճի կողմնակից է, որը հիացրել է իր ժամանակակիցներին և հստակորեն տարբերել նրան Վատտոյից: 1722-1723 թվականներին մասնակցելը «Ժուլիենի հավաքածուի» օֆորտների ստեղծմանը, որում հայտնի նախորդի բոլոր աշխատանքները վերարտադրվել են փորագրության մեջ, թույլ են տվել նրան ծանոթանալ այս նկարչի աշխատանքներին և սովորել նրա կոմպոզիցիոն տեխնիկան:

1723 թվականին՝ Հռոմի մրցանակ։ Իտալիայում ճանապարհորդելիս երիտասարդ նկարիչը յուրացրել է Կորտոնայի փափուկ կիարոսկուրո ոճը, Լանֆրանկոյի և Տիպոլիի գծագրության ուժեղ սկզբունքները, սակայն, սկզբունքորեն չընդունելով վերջին երկուսի գործերի խորը հակադրությունն ու կոմպոզիցիոն դինամիզմը, այս ամենը հակասում էր ճաշակին։ Ֆրանսիական դատարան. Իր բոլոր աշխատանքներում Բուշերը հակում է ցույց տալիս ոչ թե գունային բազմազանությանը, այլ մեծ տեղային բծերի օգտագործմանը, բայց դրանց միջև նուրբ անցումներով: «Տիվոլիի տեսարանը» (Արվեստների և ճարտարապետության թանգարան, Բուլոն-սյուր-Մեր) և «Ֆարնեսի այգիների տեսարանը» (Մետրոպոլիտեն թանգարան, Նյու Յորք) բնապատկերները հիմնված են իտալական տպավորությունների վրա:

Ճանաչմանը և համբավին զուգընթաց Բուշերը նաև բազմաթիվ պատվերներ է ստացել դեկորատիվ արվեստի գործերի համար, որոնք նրան չեն թողել մինչև կյանքի վերջ։

IN հետագա ստեղծագործականությունԲաուչերը պետք է նկատի երկու բան. Առաջինը գեղանկարչության տեխնիկայի հետագա կատարելագործումն է, ոճավորման տեխնիկայի յուրացումը Գ.Տիեպոլոյի արտահայտիչ բարոկկո ոճում («Կուպիդոնի վարժեցումը», «Լեդան և կարապը» և դիցաբանական թեմաներով բազմաթիվ այլ գործեր), ճենապակյա ( «Վեներա մխիթարող Կուպիդոն», «Յուպիտերը Դիանայի տեսքով՝ գայթակղելով Կալիստոյին»): Եվ երկրորդը նրա ստեղծագործությունների գաղափարական բաղադրիչի անփոփոխությունն է, այդ նույն ինչ-որ չափից դուրս «գալանտիզմը», որի համար Վոլտերն ու Դիդրոն քննադատում էին նրա ոճը։ Հոգեբանական և էմոցիոնալ բնութագրումը Բաուչերի մեջ իսպառ բացակայում է, դրա տեղը գրավում է նրա սեփական վերաբերմունքը այն ամենի նկատմամբ, ինչ պատկերված է ոչ բարդ բնութագրերով. Այսպիսով, «Վեներայի այցը Վուլկան»-ում նկարիչը ոչ պակաս հիացած է հերոսուհուց, քան վերջինս, և դա արտահայտվում է նրա քայլվածքի շնորհքով և գանգուր գլխի կոկետական ​​պտույտով (և արդյո՞ք սա Վեներան է՝ ավելի շուտ ժամանակակից Բուշեր։ fashionista): Բաուչերի որոշակի անկարողությունը (և գուցե դժկամությունը, որը համահունչ էր արքունիքի ճաշակին) իր ստեղծագործությունների ներքին հոգեբանությանը զրկում է դրաման այնպիսի տեսարաններից, ինչպիսիք են «Պան և Սիրինգա» և «Յուպիտերը՝ Դիանայի կերպարանքով, որը գայթակղում է Կալիստոյին», որոնք. վերաբերում են ողբերգական սյուժեով պատմություններին: Սակայն նրա աշխատանքը շատ դեպքերում ընկալվում է որպես ոչ որակյալ։ գեղեցիկ նկարներ, բայց որպես հանգստացնող կտավներ, որպես շնորհքի օրինակներ։

Բուշերի աշխարհի ժանրային բազմազանության մեջ պետք է նշել մի քանի կետ։

Նախ, ինչը նրա ստեղծագործության անփոխարինելի հատկանիշն է, պատկերվածների, հիմնականում կանանց արտաքինի իդեալականացումը (Մադամ դե Պոմպադուրի դիմանկարների շարք, «Մադամ Բերժերի դիմանկարը»): Երկրորդ, դիցաբանական ստեղծագործություններում հնագույն աստվածուհիների դեմքերի արդիականացումը (այս առումով առավել ցայտուն է 1751 թվականի «Վեներայի զուգարանը» նկարը. սրտաձեւ բերան, փոքր մարմին, և արդեն չեմ կարող հավատալ, որ սա մեր առջև գտնվող կերպար է հին դիցաբանություն): Այս ամենը խոսում է այն ժամանակ տարածված կալվածքային դիմանկարի ժանրի հեղինակի վրա ազդեցության մասին, որի գլխավոր դեմքերից մեկն էլ հենց նա էր։ Մի շարք «odalisques»-ի հետ միասին (երիտասարդ աղջիկների մերկ դիմանկարները), որոնցից առանձնանում են 1745 թվականի «Մուգ մազերով օդալիսքը» և 1752 թվականի «Շիկահեր օդալիսքը», այս ամենը խոսում է կարևորության մասին։ կանացի գեղեցկությունև սեքսուալությունը ընդգծված էր Բաուչերի աշխատանքում (որը, սակայն, երբեք նույնիսկ մոտ չէր գռեհկությանը):

Եվ երրորդ կետը Բուշերի փոքր-ինչ հարթ և «թատերական» մոտեցումն էր, հետագա շատ նկարիչների կարծիքով, լանդշաֆտի նկատմամբ (որն, ի դեպ, սովորական էր այն ժամանակվա նկարիչների մեծ մասի համար): Նրա «բեմն» ու «վարագույրը» համեմատաբար հստակ են աչքի ընկնում. փոքր չափով դա դրսևորվում է միայն նրա վաղ «իտալական» բնապատկերներում։ Չնայած բուսականության և ճարտարապետության մշակվածության աստիճանին (տե՛ս «Լանդշաֆտը Բովեի շրջակայքում», «Ջրաղաց», «Կամուրջն անցնելը»), Բուշերի լանդշաֆտները բնակեցված են բոլորովին անիրատեսական գավազաններով, «նրա «գյուղացիները» ազնվականներ են, նրա ցլերը. նման են Զևսին Եվրոպայի առևանգումից առաջ», և եղանակը հանգիստ, թեթևակի ամպամած օր է՝ անկախ պատկերված վայրից։ Չնայած այն հանգամանքին, որ Բաուչերի, ինչպես և իր ժամանակի մյուս նկարիչների լանդշաֆտի հիմնական աշխատանքը կատարվել է արվեստանոցում, այդ շատ «խիզախ թատերական մոտեցումը» երբեք թույլ չի տալիս վարպետին հասնել տեղի իրականության զգացողության ( որն այն խնդիրն է, որը նա դնում է իր առաջ՝ տեսանելիության ողջ ընթացքում, և այն չի դրել): «Նրա Ֆրանսիան «փոքր Արկադիա» է, իրականությունից անսահման հեռու և միևնույն ժամանակ գեղեցիկ։

Ստեղծագործության մեջ գրեթե ոչինչ չի ասվում նկարչի ժանրային տեսարանների մասին։

Այսպիսով, Ֆրանսուա Բուշեն արվեստի համաշխարհային պատմության մեջ մտավ որպես «գալանտ», քաղցր գեղանկարչության նկարիչ, բացարձակապես իրատեսական՝ պատկերելու ձևով և նույնքան անիրատեսական՝ պատկերվածի ընտրության հարցում. որպես հիանալի ոճաբան և դեկորատիվ և կիրառական արվեստի վարպետ:

Նրա ամենատաղանդավոր աշակերտ Ջ. Օ. Ֆրագոնարդը նրանից ժառանգել է արտաքին շնորհը, կոմպոզիցիայի ազատությունը և գույների համարձակությունը, բայց նա փորձել է դրանք համատեղել ավելի մեծ հուզական ներքին խորության հետ՝ պատկերների և առարկաների մատուցման մեջ. Ակնհայտ գունային հակադրության տեխնիկան, որը գրեթե բացակայում է Boucher-ում, ավելի հաճախ օգտագործվում է լույսի և ստվերի հակադրությանը. Վրձնահարվածը շատ ավելի մեծ է, քան Բաուչերը, բայց դա զգացվում է միայն ավելի ուշադիր զննելուց հետո համեմատական ​​սահունության ազդեցությունը ժառանգված է ուսուցիչից: Բայց մենք չենք կենտրոնանա նրա աշխատանքի վրա, քանի որ վերը նշվածի բացառություններով, ինչպես նաև գերակշռությամբ ժանրի տեսարանԱռասպելականից վեր՝ նրա արվեստը հետևում էր Բուշերի գծած «ուղուն»՝ հանգստանալու և դիտողին գերելու համար:

Ժամանակակից ֆրանսիական արվեստի քննադատությունը բարձր չի գնահատում Բուշեի արվեստը։ Ընդունելով նկարչի հիանալի տեխնիկան՝ քննադատները նշում են նրա ստեղծագործության «քաղցրությունը», նրա հաճախ անկատար գեղարվեստական ​​ճաշակը (ուշ շրջանի գործերը, հիմնականում քիչ հայտնի, պարունակում են չափից ավելի հակադրության նմանատիպ գույների համադրումներ), ինչպես նաև ընդհանուր Նրա ոճի «բուրժուական» բնույթը.

8. Մորիս Քվենտին դը Լատուր (1704-1788)

Դե Լատուր - «Պաստելի արքան»

«Թագավորական քարտուղար Դյուվալ դը Լ'Էպինայի դիմանկարը» թեմայով

Դե Լատուրը ծնվել է համեստ ընտանիքում։ Տասնինը տարեկանում նա թողեց իր հայրենի քաղաքը, Սեն Քվենտին և եկավ Փարիզ, որտեղ սովորեց միջակ նկարիչ Դյուպուշի և մի քանի այլ նկարիչների մոտ։

Լատուրի առաջին երկու հրապարակայնորեն ցուցադրված աշխատանքները (իր և նկարիչ Բուշեի կնոջ դիմանկարները), որոնք ցուցադրվեցին Փարիզի սալոնում 1737 թվականին, նրան շնորհեցին Արվեստի ակադեմիայի ասոցիացված անդամի կոչում; 1746 թվականին ընտրվել է նրա լիիրավ անդամ, իսկ 1750 թվականին ստացել թագավորական նկարչի կոչում, որը պահպանել է 23 տարի։ 1780 թվականին նա թոշակի անցավ հայրենի քաղաք։

Զգալով Ջ. Բ. Ս. Շարդենի և անգլիացի արվեստագետների կողմից գործադրված Լուսավորության գաղափարախոսության ազդեցությունը, որոնց հետ դե Լա Տուրը սովորել է 1725 թվականից մի քանի տարի, դե Լա Տուրը երբեք չընդունեց «գալանտ» արվեստի մեծ մասի քաղցրությունն ու հմայքը, բայց քանի որ նա ինքն է զգացել իր որոշ ազդեցությունը և ոչ պակաս ազդեցություն է ունեցել նրա վրա:

M. C. de Latour-ը մի մարդ է, ով ստանձնել է վենետիկյան նկարչուհի Ռոզալբա Կարիերայի էստաֆետը կերպարվեստի համար կարևոր հարցում՝ պաստելային մատիտների տեսողական հնարավորությունների ընդլայնման, տարբեր աստիճանի փափկության պաստելների հետ նկարչության տարածման, հանրահռչակման մեջ։ պաստելային նկարչությունը որպես կերպարվեստի տեսակ, որը թույլ է տալիս արտահայտել անարտահայտելին յուղաներկեր. Ի՞նչն է այդքան դժվար արտահայտվել: նավթի տեխնոլոգիա? Օրինակ, յուղաներկի բացարձակ սահուն ներկումը հաճախ հանգեցնում է «հղկվածության», պատկերի որոշակի «մեռյալի», որից հոլանդացի «սահուն նկարիչները» միշտ չէ, որ կարողացել են խուսափել։ XVII դ. Լրիվ սահուն ներկումը պաստելով, ընդհակառակը, թույլ է տալիս անհրաժեշտության դեպքում հասնել առավելագույն նատուրալիզմի, մինչդեռ (!) դրա կազմի մեջ լաքի բացակայությունը չի նմանեցնում, օրինակ, նման ստեղծագործության պտուղները խաբեբաների, իսկ դեմքերը՝ տիկնիկների: «Երկու տարի կատարելագործվելով գծագրության մեջ՝ այս միջոցով [դե Լատուրը] ձեռք բերեց այնպիսի վարպետություն պաստելային գեղանկարչության ժանրում, որին հավասար չէին իրեն նախորդած պաստելիստներից և, հավանաբար, իրեն հետևողներից ոչ մեկը։

Նրա համբավն ավելի ու ավելի էր աճում, ինչին նպաստեց նաև պաստելի նորաձևությունը, որը տարածվեց այն ժամանակվա ֆրանսիական հասարակության մեջ»: Սա (և ոչ միայն) բաղկացած է նրա նշանակալի ավանդից կերպարվեստում, նրա ազդեցությունը «գալանտ» նկարչության վրա: դե Լատուրից սկսած պաստելը ֆրանսիացի, մասնավորապես, պալատական ​​արվեստագետների կողմից ընկալվեց ոչ միայն որպես օժանդակ, այլև որպես ինքնուրույն տեխնիկա։

Իր հերթին, դե Լատուրը զգաց Ռոկոկոյի անմիջական ազդեցությունը. նրա նկարների գույնի փափկությունը, պատկերվածների կերպարը, թեև ոչ իդեալականացված, բայց բարձր տրամադրությամբ, դուր եկավ ֆրանսիական ազնվականությանը ոչ պակաս, քան ոգին: Լուսավորությունն ու հոգեբանությունը նրա ստեղծագործություններում` իր ժամանակի գրական գործիչների և փիլիսոփաների կողմից:

«Ըստ Լատուրի ժամանակակիցների վկայության, նա, ինչպես հազվադեպ մեկը, ըմբռնել է նմանությունը այս հատկության հետ, որոնք զուգորդվում են նրա դիմանկարներում մինչ օրս պահպանված գույների ուժը, ներդաշնակությունն ու հաճելիությունը, չնայած իրենց տարիքին. Ամենամեծ թիվըդրանք գտնվում են Սեն-Քվենտին թանգարանում; Դրանցից բավականին շատ են նաև Փարիզի Լուվրի թանգարանում հավաքվածները։ Լատուրի գործերից շատերը փորագրվել են իր ժամանակի նշանավոր վարպետների կողմից»: Եվ չնայած դե Լատուրը ավանդաբար չի բնութագրվում որպես «գալանտ» ոճի նկարիչ, նրա «փոխադարձ խաչմերուկը» Ռոկոկոյի հետ թույլ է տալիս հիշատակել այս նշանավոր նկարչին:

Կերպարվեստի տեսակներն ու տեխնիկան

Նկարչությունը հարթ վիզուալ արվեստ է, որի առանձնահատկությունն է պատկերը ներկայացնելը մակերեսին կիրառվող ներկերի միջոցով: իրական աշխարհը, դարձի ստեղծագործական երևակայություննկարիչ...

20-րդ դարի մշակույթի և արվեստի ներդրումը համաշխարհային քաղաքակրթության մեջ

Ռուսական մշակույթի պատմության մեջ 20-րդ դարի սկիզբ. ստացել է ռուսական մշակույթի «արծաթե դար» անվանումը, որը սկսվում է «Արվեստի աշխարհով» և ավարտվում սիմվոլիզմով: «Արվեստի աշխարհը» կազմակերպություն է, որն առաջացել է 1898թ.

գոթական. Անցած ժամանակների սառեցված դարաշրջան

Գոթական շարժումը գեղանկարչության մեջ զարգացավ ճարտարապետության և քանդակագործության մեջ ոճի տարրերի հայտնվելուց մի քանի տասնամյակ անց: Վիտրաժը դարձավ գոթական գեղանկարչության գլխավոր միտումներից մեկը...

Վերսալի արքունիքի պահանջների ազդեցությունը զգացվում էր հիմնականում կերպարվեստի, դեկորատիվ և կիրառական արվեստի ու ճարտարապետության բնագավառում։ Բացի մոլբերտային նկարչությունից, ճենապակուց, երկրպագուներից և նորաձևությունից, առանձնատների ինտերիեր է ներթափանցել նաև «գալանտ» ոճը...

Ք.Ա. Սոմովը։ Գալանտ ժանրի մշակում

2.1 «Գալանտ» ժանրի առաջացումը Ռոկոկոյի դարաշրջանում 20-րդ դարի սկիզբը նշանավորվեց նոստալգիկ «վերադարձով» դեպի Ռոկոկոյի գեղագիտություն, դեպի Լյուդովիկոս XIV-ի ժամանակների պատկերները, դեպի հավերժ անհետացած քաջալերական դարաշրջան: ...

Մշակութային հեղափոխությունը ԽՍՀՄ-ում (1922-1941 թթ.)

«Արվեստի ոլորտում կուսակցության ծրագիրը հանդիպեց բուրժուազիայի հետ սերտ կապ ունեցող արվեստագետների դիմադրությանը, որոնք հակադրվում էին. Խորհրդային իշխանություն. Ռեակցիոնիստ արվեստագետներն ու արվեստի տեսաբանները դիմեցին բոլշևիկներին զրպարտելու՝ մեղադրելով նրանց...

Ազգային մշակույթի արտասովոր վերելքը 19-րդ դարի առաջին կեսին. թույլ տվեց մեզ այս անգամ անվանել «ոսկե դար»։ Եթե ​​տնտեսական և սոցիալ-քաղաքական զարգացման մեջ Ռուսաստանը ետ մնաց եվրոպական առաջադեմ պետություններից...

ռուսերեն դիմանկարչությունեւ 19-րդ դարի առաջին կեսի գրաֆիկա

Սուրբ ինկվիզիցիան միջնադարում և դրա արտացոլումը արվեստում

Միջնադարում գեղանկարչությունը դարձավ արվեստի կարևորագույն ձևերից մեկը։ Նկարչության նկատմամբ նոր վերաբերմունքը նպաստել է նաև ամբողջ գիծըկրոնական նորամուծություններ...

20-րդ դարի սկիզբը նշանավորվեց նոստալգիկ «վերադարձով» դեպի Ռոկոկոյի գեղագիտություն, դեպի Լյուդովիկոս XIV-ի ժամանակների պատկերները, դեպի հավերժ անհետացած քաջալերական դարաշրջան: Դա պայմանավորված էր անցյալի գրավիչ նկարներում կյանքի անընդհատ արագացող տեմպերից վստահություն գտնելու մարդու (և, առաջին հերթին, նկարչի) բնական ցանկությամբ:

Ռուսաստանում, Ռոկոկոյի դարաշրջանում, եվրոպական տիպի գեղանկարչությունը հայտնվեց միայն առաջին անգամ՝ փոխարինելով սեփական ռուսական ավանդույթին՝ սրբապատկերներին: Ռոկոկո թրենդները հատկապես մեծ տարածում գտան 18-րդ դարի կեսերին։ Ռուսաստանում այս ուղղությունը ձեռք է բերել հիմնականում նեղ կենտրոնացված բնույթ և ազդել բացառապես Սանկտ Պետերբուրգի վրա։ Ռոկոկոն իր ամբողջական արտահայտությունը կստանա մի փոքր ուշ՝ in վաղ աշխատանքՌոկոտով, Լևիցկու Սմոլնյանկայում: Ներկայացուցչականության փոխարեն (ընտրանքի բնութագրերի համապատասխանությունը բնակչության բնութագրերին կամ բնակչությունըընդհանրապես.) գալիս է մտերմություն, նրբագեղ դեկորատիվություն, ձևերի քմահաճ խաղ։

Ռոկոկո գեղանկարչության հիմնական թեմաներն են պալատական ​​արիստոկրատիայի նրբագեղ կյանքը, «գալանտ տոները», բարդ աշխարհը: սիրային գործեր. Նկարչության առարկաները միայն սերն են, էրոտիկա, զգայականության պաշտամունք, թեթև սեր (Ոչ մի լուրջ կրքեր):

Ռոկոկո արվեստը գեղարվեստական ​​\u200b\u200bև ինտիմ փորձառությունների, դեկորատիվ թատերականության, նրբագեղության, բարդ բարդության աշխարհ է. դրանցում տեղ չկա հերոսության և պաթոսի համար. Բարոկկոյի ծանր ու պաթետիկ հանդիսավորությունը փոխարինվում է ինտիմ, փխրուն դեկորատիվությամբ: Ռոկոկոյի կարճ, կարճատև «դարի» կարգախոսը դարձավ «արվեստը որպես հաճույք», որի նպատակն էր հուզել լույս, հաճելի հույզեր, զվարճացնել, շոյել աչքը գծերի տարօրինակ ձևով, լույսի նուրբ համադրություններով, նրբագեղ գույներ, որոնք հատկապես արտահայտվել են ինտերիերի ճարտարապետական ​​հարդարման մեջ, որոնց նոր պահանջներին համապատասխանեցվել է նաև ռոկոկոյի նկարչությունը։ Ռոկոկոն բնութագրվում է հեդոնիստական ​​տրամադրություններով, նահանջով դեպի պատրանքային և հովվերգական աշխարհ թատերական խաղ, հակում հովվերգական հովվական և զգայական էրոտիկ սյուժեներին: Ռոկոկո նկարիչներին բնորոշ էր գույնի նուրբ մշակույթը, շարունակական դեկորատիվ բծերով կոմպոզիցիա կառուցելու ունակությամբ, ընդհանուր թեթևություն ձեռք բերելով, ընդգծված թեթև գունապնակով և նախապատվությունը խունացած, արծաթափայլ, ոսկեգույն և վարդագույն երանգներին: Ռոկոկո նկարչության զարգացմանը զուգահեռ մեծացավ ռեալիստական ​​շարժման դերը. դիմանկար, նատյուրմորտ, առօրյա ժանր, դեկորացիա.

Ռոկոկո էսթետիկան նրբերանգների և ակնարկների գեղագիտություն է: Մարդու պատկերման մեջ շատ ավելի դժվար է, քան նախկինում, որսալ անցումը մոդելին նայելու հոգեբանական սթափությունից դեպի որոշակի հատկանիշների շահավետ քողարկում՝ իրական դեմքից սոցիալական դիմակ, կյանքից դեր և դեր: ընդհակառակը։ Պատկերի որոշակի ինտրիգային երկակիությունը դարաշրջանի շատ դիմանկարների հիմնական հատկանիշն է: Եվ ևս մեկը կարևոր կետ, կրկին կապված է խաղի սկզբի հետ։ 18-րդ դարի դիմանկարների պատկերասրահի հերոսները տրամադրված են շփվել դիտողի հետ և խրախուսել նրան արձագանքել։ Ժանրի բնույթով բնորոշ դիմանկարին այս որակն այժմ ձեռք է բերում նոր, նուրբ առանձնահատկություն: Կես շրջադարձ, թեթև ժեստ, դեմքի հազիվ նկատելի շարժում, կիսատ ժպիտ, մշուշոտ հայացք կամ աչքերի թաց փայլ՝ նման աստիճանավորումներից հյուսված են «գալանտ» դարի ներկայացուցիչների պատկերները:

The Gallant Age-ը Ռոկոկոյի դարաշրջանի անվանումն է: Ընդհանրապես, «գալանտ» բառը, համաձայն հին պալատական ​​ավանդույթի, ուղղված էր քաղաքավարի, քաղաքավարի, սիրալիր, ազնվականության և պարկեշտության հետ կապված մարդուն. միևնույն ժամանակ նրանք դրան դիմում էին, երբ խոսքը գնում էր հերոսների և հերոսուհիների մասին սիրային արկածներ(խոսակցական պրակտիկայում՝ ընկեր, բյուրոկրատ): TO վերջ XVIIIդարում ձևավորվել է գալանտիզմի եզակի հայեցակարգ, որը մատնանշում է ոչ միայն զտված վարքի նեղ ոլորտը, այլ ավելի լայնորեն՝ հաճելի լինելու արվեստի վրա հիմնված ապրելակերպ և ոճ։

«Գալանտ» դարաշրջանի թագավորությունը ընկնում է մոտավորապես 1715-ից մինչև 1750-ական թվականները, որոշ աղբյուրներում այս ժամանակահատվածը երկարաձգվում է մինչև Մեծի սկիզբը: Ֆրանսիական հեղափոխություն. Գալանտ դարաշրջանի հիմնական հատկանիշը հաճույքի մշակումն է որպես գլխավոր կյանքի սկզբունքը. Գալանտիզմը արիստոկրատական ​​միջավայրից տղամարդու և կնոջ հարաբերությունների հիմքն էր: Նաև այդ ժամանակաշրջանում կնոջը հռչակում էին «աստվածուհի», «մտքերի տիրակալ», կատարվում էին նրա քմահաճույքները, նրա պատվին տոներ էին տրվում, միևնույն ժամանակ նրան օգտագործում էին որպես հաճույքի առարկա։ Սա այն է, ինչ մենք անվանում ենք Գեղեցկուհու պաշտամունք՝ առանց նրա պատվին սխրանքներ կատարելու։ Համարվում էր լավ վիճակումաջակցել ֆավորիտին, նրա պատվին գնդակներ, համերգներ և դիմակահանդեսներ տալ: Գալանտ հարաբերությունների հիմքը նուրբ սիրախաղն է, որը հաճախ չի անցնում պարկեշտության սահմանները: Այդ նպատակների համար գործում էր հաղորդակցման հատուկ համակարգ՝ «երկրպագուների լեզուն», «ճանճերի լեզուն», «ծաղիկների լեզուն»:

Գալանտ դարաշրջանում կար նաև ինքնատիպ դիմակահանդեսի մշակույթ, որն այլևս որևէ ընդհանրություն չուներ հնության և միջնադարի ծիսական կառնավալի հետ: Գալանտ դարաշրջանը բնութագրվում է հագնվելու սիրով: Բազմաթիվ պիեսներ և կատակերգական օպերաներԱյդ ժամանակաշրջանում նրանք խաղում են հետևյալ իրավիճակը՝ աղջիկը վերածվում է ժայռի, երիտասարդը «վերածվում» է աղջկա։

Այս ժամանակի հիման վրա կերպարվեստում և դեկորատիվ արվեստում ձևավորվել է այնպիսի ժանր, ինչպիսին է քաջալերական տեսարանը:

Գալանտ ժանրի ծննդավայրը Ֆրանսիան է, որտեղ այն սկիզբ է առել 18-րդ դարի առաջին քառորդում (1710 - 1720 թթ.): Դրա առաջացման պատճառը Լյուդովիկոս XIV-ի մահից հետո աշխարհիկ կյանքի փոփոխությունն էր և Լյուդովիկոս XV-ի ռեգենտ Ֆիլիպ II Օռլեանացու գահակալությունը։ Վերջին տարիներըԼյուդովիկոս XIV-ի գահակալությունը նշանավորվեց տարբեր տեսակի հաճույքների մերժմամբ, կեղծավորությամբ, խստությամբ և պարկեշտությամբ, ինչպես նաև նորաձևության մեջ զսպվածությամբ: Օռլեանի դուքսի գալուստով պալատական ​​կյանքը կտրուկ փոխվեց, ոչինչ չմնաց նախկին թագավորի ժամանակներից. ֆրանսիական արիստոկրատիան ընկղմվեց անլուրջության, խելագարության և շքեղության ալիքի մեջ:

Թագավորական արքունիքի գիտակցության հիմնարար փոփոխությունը նպաստեց նոր ժանրի ձևավորմանը՝ քաջալերական տեսարան, որը պատկերում է բարձր հասարակության մարդկանց անլուրջությունն ու աննպատակ զբաղմունքը:

Գալանտ ոճի առանձնահատկությունները

Գալանտ տեսարանը միշտ պատկերում է պատահական հաղորդակցությունը երկու կամ ավելի մարդկանց միջև գեղատեսիլ և ֆանտաստիկ ֆոնի վրա: գեղեցիկ բնապատկեր. Սա կարող է լինել զրույց, ֆլիրտ, խաղ, զբոսանք, պար: Նկարների հերոսները, ինչպես բնությունը, որի ֆոնին ծավալվում է հանգիստ գործողությունները, միշտ գեղեցիկ են և ներդաշնակ («գալանտ տեսարաններ» պատվիրած արիստոկրատների տեսանկյունից):

Այս նպատակների համար ռոկոկոյի ոճը, որը հայտնվեց հենց Ռեժենսի դարաշրջանում, կատարյալ էր՝ վարվելակերպ, քմահաճ և օդային թեթև:

Հերոսները, որպես կանոն, նկարներ չունեն իրական նախատիպերՍրանք կոնկրետ անհատների դիմանկարներ չեն, այլ պարզապես «գալանտ փառատոնի» գրավիչ դրվագներ։ Գալանտ տեսարանը չունի կոնկրետ սյուժե, այսինքն՝ գործողություն իր զարգացման մեջ։ Գալանտ տեսարանի վարպետների հիմնական սկզբունքը իդեալական գեղեցիկ մարդկանց պատկերելն է հանգիստ և բացարձակ երջանկության մթնոլորտում: Նույնիսկ անհանգստությունը կամ թեթև դժգոհությունը խանդավառ տեսարաններում շինծու և անիրական են թվում: Երբեմն այսպես կոչված հովիվները նույնպես դասակարգվում են որպես խանդավառ տեսարաններ՝ «հովիվ սիրո» թեման. նրբագեղ հովիվուհիները սիրահետում են նույնքան բարդ հովիվների կողմից:

Սյուժեի այս բացակայությունը, ինչպես նաև բնության գեղեցկացումը սուր քննադատության արժանացավ լուսավորչական փիլիսոփաների կողմից։

Դենիս Դիդրոն գրել է, որ Ֆրանսուա Բուշերի «գալանտ» կտավները նրբագեղ են, սակայն, խաբեբա և անճաշակ, և Մարմոնտելը կարծում էր, որ «Բուշերը իրական շնորհ չի տեսել»:

Գալանտ տեսարանի մեկ այլ հատկանիշ է անլուրջությունն ու էրոտիզմը, որոնք բնորոշ էին ոչ միայն արվեստին, այլև գալլանտ դարաշրջանի արիստոկրատական ​​աշխարհայացքին:

Այս ժանրում աշխատած արտիստներից են Ֆրանսուա Բուշեն, Անտուան ​​Վատտոն, Ժան Օնորե Ֆրագոնարդը, Մորիս Քվենտին դե Լատուրը:

Ինչ վերաբերում է ռուս արվեստագետներին, ապա դա ներառում է «Արվեստի աշխարհի» արվեստագետները՝ Կոնստանտին Սոմովը, Եվգենի Լանսերեյը և Ալեքսանդր Բենոիսը, ովքեր ստեղծում են մի առասպելական, և միևնույն ժամանակ, տխուր պատկերը Գալանտ դարաշրջանում: Նրանց նկարներում կարելի է զգալ մարդկանց տխրությունը, ովքեր գիտեն Մարի Անտուանետի և նրա բարդ պալատականների ճակատագիրը։ Բենուայի «Վերսալներ» շարքը, Սոմովի «Մարկիզայի գիրքը», Լանսրեյի հետահայաց և ոճավորված գործերը չհետապնդեցին անցյալը վերակառուցելու խնդիր. սա 20-րդ դարի մարդու հայացքն էր գնդակների և սիրո պայծառ ու անհոգ աշխարհի մասին։ «Արվեստների միրների» կտավները տալիս են դարաշրջանի չափազանց իդեալականացված պատկերացում, բայց դա նրանց ոչ պակաս նշանակալից չի դարձնում արվեստի համար:

«Գալանտ ժանրի» վարպետներ ՌՈԿՈԿՈ («քմահաճ», «քմահաճ»; ֆրանսիական ռոկոկո՝ քարերի ռոկալի բեկորներից, խեցիներից), ոճային միտում, որը գերակշռում էր. Եվրոպական արվեստ 18-րդ դարի առաջին երեք քառորդների ընթացքում։ Այն ներկայացնում էր ոչ այնքան ինքնուրույն գեղարվեստական ​​երևույթ, որքան համաեվրոպական բարոկկո ոճի փուլ, որոշակի փուլ։ «Ռոկոկո» տերմինը առաջացել է Ֆրանսիայում 18-րդ դարի վերջին՝ կլասիցիզմի ծաղկման շրջանում, որպես արհամարհական մականուն 18-րդ դարի ողջ վարվելակերպով և հավակնոտ արվեստի համար. կոր, քմահաճ գիծ, ​​որը հիշեցնում է ուրվագիծը։ shell, նրա հիմնական առանձնահատկությունը. Ռոկոկո արվեստը գեղարվեստական ​​և ինտիմ փորձառությունների աշխարհ է, դեկորատիվ թատերականություն, նրբագեղություն, հերոսության և պաթոսի տեղ չկա: Ռոկոկո նկարչության հիմնական թեմաներն են պալատական ​​արիստոկրատիայի նրբագեղ կյանքը, «հովիվային» կյանքի հովվերգական նկարները անաղարտ բնության ֆոնի վրա, բարդ սիրային հարաբերությունների աշխարհը և հնարամիտ այլաբանությունները: Մարդկային կյանքն ակնթարթային է և անցողիկ, և, հետևաբար, մենք պետք է օգտագործենք «երջանիկ պահը», շտապենք ապրել և զգալ: «Հմայիչ և օդային մանրուքների ոգին» դառնում է «արքայական ոճի» շատ արվեստագետների աշխատանքի լեյտմոտիվը։

Antoine Watteau Անտուան ​​Վատտոն իր ժամանակակիցների կողմից կոչվել է «անհոգ հանգստի բանաստեղծ» և «հանդարտ տոնակատարությունների», «շնորհքի և գեղեցկության երգիչ»: Իր ստեղծագործություններում նա պատկերել է պիկնիկներ մշտադալար այգիներում, երաժշտության և թատերական համերգներ բնության գրկում, կրքոտ խոստովանություններ ու սիրահարների վեճեր, հովվերգական ժամադրություններ, պարահանդեսներ և դիմակահանդեսներ։ Միաժամանակ նրա կտավները ցավալի տխրություն են պարունակում։ Գեղեցկության անցողիկության և կատարվողի անցողիկության զգացումը նրա ժամանակակիցներն անվանել են «անհոգ հանգստի բանաստեղծ» և «խոհեմ տոնակատարություններ», «շնորհքի և գեղեցկության երգիչ»: Իր ստեղծագործություններում նա պատկերել է պիկնիկներ մշտադալար այգիներում, երաժշտության և թատերական համերգներ բնության գրկում, կրքոտ խոստովանություններ ու սիրահարների վեճեր, հովվերգական ժամադրություններ, պարահանդեսներ և դիմակահանդեսներ։ Միաժամանակ նրա կտավները ցավալի թախիծ են պարունակում։ Գեղեցկության անցողիկության և կատարվողի անցողիկության զգացում։

Անտուան ​​Վատտո. Ուխտագնացություն դեպի Կիթերա կղզի. Լուվր. Փարիզ. Անտուան ​​Վատտո. Ուխտագնացություն դեպի Կիթերա կղզի. Լուվր. Փարիզ. Նկարչի հայտնի կտավներից է «Ուխտագնացություն դեպի Կիթերա կղզի»: Սիրուն տիկնայք և քաջարի պարոնայք հավաքվել էին ծովածոցի ծաղիկներով սփռված ափին: Նրանք նավարկեցին դեպի Կիթերա կղզի՝ սիրո և գեղեցկության աստվածուհի Վեներայի կղզի, որտեղ, ըստ լեգենդի, նա դուրս եկավ ծովի փրփուրից: Ջերմ, փափուկ ներկեր, խլացված գույներ, թեթեւ վրձնահարվածներ - այս ամենը ստեղծում է հմայքի և սիրո հատուկ մթնոլորտ: Նկարչի հայտնի կտավներից է «Ուխտագնացություն դեպի Կիթերա կղզի»: Սիրուն տիկնայք և քաջարի պարոնայք հավաքվել էին ծովածոցի ծաղիկներով սփռված ափին: Նրանք նավարկեցին դեպի Կիթերա կղզի՝ սիրո և գեղեցկության աստվածուհի Վեներայի կղզի, որտեղ, ըստ լեգենդի, նա դուրս եկավ ծովի փրփուրից: Ջերմ, փափուկ ներկեր, խլացված գույներ, թեթեւ վրձնահարվածներ - այս ամենը ստեղծում է հմայքի և սիրո հատուկ մթնոլորտ:

Իսկական գլուխգործոցներից մեկը Վատտոյի «Ժիլ» («Պիեռո») նկարն է, որը ստեղծվել է որպես նշան շրջիկ կատակերգուների կատարման համար: Ժիլը դիմակների ֆրանսիական կատակերգության գլխավոր և սիրելի կերպարն է։ Պիերոյի հետ համահունչ - իտալական commedia dell'arte-ի հերոս: Անշնորհք, միամիտ արարածը կարծես հատուկ ստեղծված է խելացի ու խորամանկ Հարլեկինի մշտական ​​ծաղրի ու հնարքների համար։ Գեղարվեստական ​​առումով նկարը փայլուն է նկարված։ Մոտիվների և կոմպոզիցիայի առավելագույն պարզությունը զուգորդվում է ճշգրիտ գծագրությամբ և մանրակրկիտ մտածված գույներով Վատտոյի «Gilles» («Պիեռո») կտավը, որը ստեղծվել է որպես նշան ճանապարհորդող կատակերգուների կատարման համար, պատկանում է իսկական գլուխգործոցներին: Ժիլը դիմակների ֆրանսիական կատակերգության գլխավոր և սիրելի կերպարն է։ Պիերոյի հետ համահունչ - իտալական commedia dell'arte-ի հերոս: Անշնորհք, միամիտ արարածը կարծես հատուկ ստեղծված է խելացի ու խորամանկ Հարլեկինի մշտական ​​ծաղրի ու հնարքների համար։ Գեղարվեստական ​​առումով նկարը փայլուն է նկարված։ Մոտիվների և կոմպոզիցիայի ծայրահեղ պարզությունը զուգորդվում է այստեղ ճշգրիտ դիզայնի և խնամքով մտածված գույների հետ: Անտուան ​​Վատտո. Ժիլ Լուվր. Փարիզ. (Արդար թատրոնի հերոս Ժիլը՝ Պիեռոյի տարազով): Ժիլ Լուվր. Փարիզ. (Արդար թատրոնի հերոս Ժիլը Պիեռոյի տարազով):

Անտուան ​​Վատտո. Քմահաճ. Էրմիտաժի մոտ. Պետերբուրգ.

Անտուան ​​Վատտո. Mezzeten gg. Մետրոպոլիտեն արվեստի թանգարան. NY.

Ֆրանսուա Բուշեր Ֆրանսուա Բուշերը () իրեն համարում էր Վատտոյի հավատարիմ ուսանողը։ Ոմանք նրան անվանում էին «շնորհքների նկարիչ», «գեղանկարչության անակրեոն», «արքայական նկարիչ»։ Մյուսները նրան տեսնում էին որպես «կեղծավոր» նկարիչ, «ով ամեն ինչ ունի, բացի ճշմարտությունից»։ Մյուսները թերահավատորեն նշում էին. «Նրա ձեռքը վարդեր է հավաքում, որտեղ ուրիշները միայն փշեր են գտնում»։ Ֆրանսուա Բուշերը () իրեն համարում էր Վատտոյի հավատարիմ ուսանողը։ Ոմանք նրան անվանում էին «շնորհքների նկարիչ», «գեղանկարչության անակրեոն», «արքայական նկարիչ»։ Մյուսները նրան տեսնում էին որպես «կեղծավոր» նկարիչ, «ով ամեն ինչ ունի, բացի ճշմարտությունից»։ Մյուսները թերահավատորեն նշում էին. «Նրա ձեռքը վարդեր է հավաքում, որտեղ ուրիշները միայն փշեր են գտնում»։

Նկարիչը նկարել է Լյուդովիկոս 15-րդ թագավորի սիրելիի՝ մարկիզա դե Պոմպադուրի մի շարք դիմանկարներ։ Հայտնի է, որ նա հովանավորել է Բուշերին և մեկ անգամ չէ, որ պատվիրել է նրան կրոնական թեմաներով նկարներ գյուղական բնակավայրերի և փարիզյան առանձնատների համար: «Madame de Pompadour» կտավում հերոսուհին ներկայացված է ցրված ծաղիկներով և շքեղ իրերով շրջապատված, որոնք հիշեցնում են նրա գեղարվեստական ​​նախասիրություններն ու նախասիրությունները: Նա թագավորաբար պառկած է փարթամ, հանդիսավոր վարագույրների ֆոնին: Նրա ձեռքում գտնվող գիրքը լուսավորության և մտավոր որոնումների նկատմամբ նվիրվածության հստակ ակնարկ է: Մարկիզուհին մեծահոգաբար շնորհակալություն հայտնեց նկարչին. Նրան նշանակելով Գոբելինի մանուֆակտուրայի տնօրեն, այնուհետև նրան տալով «արքայի առաջին նկարիչ» կոչումը: Հայտնի է, որ նա հովանավորել է Բուշերին և մեկ անգամ չէ, որ պատվիրել է նրան կրոնական թեմաներով նկարներ գյուղական բնակավայրերի և փարիզյան առանձնատների համար: «Madame de Pompadour» կտավում հերոսուհին ներկայացված է ցրված ծաղիկներով և շքեղ իրերով շրջապատված, որոնք հիշեցնում են նրա գեղարվեստական ​​նախասիրություններն ու նախասիրությունները: Նա թագավորաբար պառկած է փարթամ, հանդիսավոր վարագույրների ֆոնին: Նրա ձեռքում գտնվող գիրքը լուսավորության և մտավոր որոնումների նկատմամբ նվիրվածության հստակ ակնարկ է: Մարկիզուհին մեծահոգաբար շնորհակալություն հայտնեց նկարչին։ Նա նրան նշանակեց Գոբելինների արտադրամասի տնօրեն, այնուհետև շնորհեց «արքայի առաջին նկարչի» կոչումը։ Ֆրանսուա Բուշեր. Մադամ դե Պոմպադուր, Ալտե Պինոտեկա, Մյունխեն:

Ֆրանսուա Բուշերը մեկ անգամ չէ, որ դիմել է անլուրջ տեսարանների պատկերմանը, որոնց գլխավոր հերոսներն էին սրամիտ, ամաչկոտ հովիվուհիները կամ հաստլիկ մերկ գեղեցկուհիները՝ առասպելական Վեներաների և Դիանաների տեսքով: Նրա նկարները լի են երկիմաստ ակնարկներով, կծու մանրամասներով (հովվուհու ատլասե փեշի բարձրացված ծայրը, լողացող Դիանայի կոկետորեն բարձրացված ոտքը, շրթունքներին սեղմած մատը, պերճախոս, հրավիրող հայացքը, աղավնիների խորհրդանշական համբուրումը և այլն): Նկարիչը հիանալի գիտեր իր դարաշրջանի նորաձևությունն ու ճաշակը մեկ անգամ չէ, որ դիմեց անլուրջ տեսարանների պատկերմանը, որոնց գլխավոր հերոսներն էին սրամիտ, ամաչկոտ հովիվուհիները կամ թմբլիկ մերկ գեղեցկուհիները՝ առասպելական Վեներաների և Դիանաների տեսքով: Նրա նկարները լի են երկիմաստ ակնարկներով, կծու մանրամասներով (հովվուհու ատլասե փեշի բարձրացված ծայրը, լողացող Դիանայի կոկետորեն բարձրացված ոտքը, շրթունքներին սեղմած մատը, պերճախոս, հրավիրող հայացքը, աղավնիների խորհրդանշական համբուրումը և այլն): ) Նկարիչը հիանալի գիտեր իր դարաշրջանի նորաձեւությունն ու ճաշակը։ Ֆրանսուա Բուշեր. Դիանայի լողանալու տարին. Լուվր. Փարիզ.

Գեղանկարչության պատմության մեջ Ֆրանսուա Բուշերը մնում է գույների և նրբագեղ դիզայնի հոյակապ վարպետ: Սրամիտ կոմպոզիցիաներ, կերպարների անսովոր անկյուններ, տարօրինակ ուրվանկարներ գրեթե թատերական դեկորացիա, հարուստ գունային շեշտադրումներ, թափանցիկ ներկերի վառ շեշտադրումներ, որոնք կիրառվում են փոքր, թեթև հարվածներով, հարթ հոսող ռիթմեր. այս ամենը արված է Ֆ. Բաուչերի կողմից կատարյալ վարպետՆկարչություն։ Նրա նկարները վերածվում են դեկորատիվ վահանակների, զարդարում են սրահների և հյուրասենյակների փարթամ ինտերիերը, նրանք կանչում են երջանկության, սիրո և գեղեցիկ երազանքների աշխարհ: Սրամիտ կոմպոզիցիաներ, կերպարների անսովոր անկյունները, գրեթե թատերական դեկորացիայի տարօրինակ ուրվագիծը, հարուստ գունային շեշտադրումները, փոքր, թեթև շարժումներով կիրառվող թափանցիկ ներկերի վառ արտացոլումները, հարթ հոսող ռիթմերը՝ այս ամենը Ֆ. Բաուչերին դարձնում է գեղանկարչության անգերազանցելի վարպետ: Նրա նկարները վերածվում են դեկորատիվ վահանակների, զարդարում սրահների ու հյուրասենյակների փարթամ ինտերիերը, նրանք կանչում են երջանկության, սիրո և գեղեցիկ երազանքների աշխարհ։ Ֆրանսուա Բուշեր. Ընդհատված քուն.

ՖՐԱԳՈՆԱՐ Ժան Օնորե Ֆրանսիացի նկարիչև փորագրիչ, Լյուդովիկոս XVI-ի դարաշրջանի մեծագույն վարպետը։ հայտնի դարձավ իր վարպետորեն կատարվող քաջալերական և առօրյա տեսարաններով, որոնցում Ռոկոկոյի նրբագեղությունը զուգորդվում է բնության հանդեպ հավատարմության, լուսային օդային էֆեկտների նրբության և հնագույն շքեղ ավերակների հետ: Իրական դիտարկումների հիման վրա ստեղծված գործերի հետ մեկտեղ նա ստեղծում է նաև իմպրովիզացված հովիվներ, տեսարանը վերարտադրում է այնպիսի ցայտունությամբ, որ թվում է, թե այն նկարված է կյանքից, ֆրանսիացի նկարիչ և փորագրիչ, Լյուդովիկոս XVI-ի դարաշրջանի մեծագույն վարպետը։ . հայտնի դարձավ իր վարպետորեն կատարվող քաջալերական և առօրյա տեսարաններով, որոնցում Ռոկոկոյի նրբագեղությունը զուգորդվում է բնության հանդեպ հավատարմության, լուսային օդային էֆեկտների նրբության և հնագույն շքեղ ավերակների հետ: Իրական դիտարկումների հիման վրա ստեղծված գործերի կողքին նա ստեղծում է նաև իմպրովիզացված հովիվներ, տեսարանը վերարտադրում է այնպիսի պատկերավորությամբ, որ թվում է կյանքից նկարված։ ՖՐԱԳՈՆԱՐ Ժան Օնորե

ENGR Ժան Օգյուստ Դոմինիկ (), ֆրանսիացի նկարիչ և գծագրիչ։ Կոմպոզիցիայի, խիստ և նուրբ գծագրության, ճշմարտացի, ցնցող դիմանկարների փայլուն վարպետ («Լ. Ֆ. Բերտին», 1832): Ֆիլմերում նա հանդես է եկել որպես գլխավոր ներկայացուցիչակադեմիական դասականություն («Հոմերոսի ապոթեոզը», 1827, ENGR Ժան Օգյուստ Դոմինիկ (), ֆրանսիացի նկարիչ և գծագրիչ։ Կոմպոզիցիայի, խիստ և նուրբ գծագրության, ճշմարտացի, ցնցող դիմանկարների փայլուն վարպետ («Լ. Ֆ. Բերտին», 1832): Իր նկարներում հանդես է եկել որպես ակադեմիական կլասիցիզմի գլխավոր ներկայացուցիչ («Հոմերոսի ապոթեոզը», 1827)։ 1806 թվականին Էնգրեսը վերջապես մեկնեց Իտալիա, որտեղ մնաց երկար տարիներ (Հռոմ, Ֆլորենցիա)՝ խանդավառությամբ ուսումնասիրելով Վերածննդի դարաշրջանի իտալական արվեստը, հատկապես Ռաֆայելին։ Ստեղծում է մի շարք գլուխգործոցներ՝ դիմանկարներ «Գրանե» (1807, Էքս-ան-Պրովանս); «Madame Devose» (1807, Condé Museum, Chantilly); «Marcotte d'Argenteuil» (1810, Ազգային պատկերասրահ, «Cardier» (1811, Louvre, Paris) (1816, թանգարան «Գուրիևա»); 1806 թվականին Էնգրեսը վերջապես մեկնում է Իտալիա, որտեղ մնում է երկար տարիներ (Հռոմ, Ֆլորենցիա), եռանդով ուսումնասիրում է Վերածննդի դարաշրջանի իտալական արվեստը, հատկապես Ռաֆայելը ստեղծում է մի շարք գլուխգործոցներ՝ դիմանկարներ «Գրանե» (1807, Էքս-ան-): Պրովանս) «Madame Devose» (1807, Condé Museum, Chantilly» (1810, Ազգային պատկերասրահ, Վաշինգտոն); «Կարդիե» (1811, Լուվր, Փարիզ); «Մադամ Զենոն» (1816, թանգարան Նանտում); «Գուրիև» (1821, Էրմիտաժ, Սանկտ Պետերբուրգ): Լուի Դեյվիդ. Նկարիչ Էնգրեսի դիմանկարը. Մոտ 1800 թ. Պուշկինի թանգարան. Մոսկվա 26 Էնգր. Կոմս Գուրևի դիմանկարը. Յուղ, կտավ։ Էրմիտաժ, Սանկտ Պետերբուրգ Էնգր. Կոմս Գուրևի դիմանկարը. Յուղ, կտավ։ Էրմիտաժ, Սանկտ Պետերբուրգ

Ռոկոկո արվեստ և արհեստներ Meissen արձանիկներ Meissen արձանիկներ.

Հետ առաջ

Ուշադրություն. Սլայդների նախադիտումները միայն տեղեկատվական նպատակներով են և կարող են չներկայացնել շնորհանդեսի բոլոր հատկանիշները: Եթե ​​դուք հետաքրքրված եք այս աշխատանքը, խնդրում ենք ներբեռնել ամբողջական տարբերակը։

18-րդ դարի կերպարվեստին, լավագույն ստեղծագործություններում, բնորոշ է մարդկային ամենանուրբ փորձառությունների վերլուծությունը, զգացմունքների ու տրամադրությունների նրբությունների վերարտադրումը։ Բնորոշ հատկանիշներ են մտերմությունը, պատկերների քնարականությունը, բայց նաև վերլուծական դիտողականությունը արվեստ XVIIIդարում, ինչպես դիմանկարի ժանրում, այնպես էլ կենցաղային նկարչություն. Կյանքի գեղարվեստական ​​ընկալման այս հատկությունները 18-րդ դարի ներդրումն են համաշխարհային գեղարվեստական ​​մշակույթի զարգացման գործում, թեև պետք է ընդունել, որ դա ձեռք է բերվել հոգևոր կյանքի պատկերման համընդհանուր ամբողջականության, ամբողջականության կորստի գնով։ Ռուբենսի, Վելասկեսի, Ռեմբրանդտի, Պուսենի գեղանկարչությանը բնորոշ հասարակության գեղագիտական ​​հայացքների մարմնացում։

ՌՈԿՈԿՈ («տարօրինակ», «քմահաճ»; ֆրանսիական ռոկոկո՝ քարերի ռոքայի բեկորներից, խեցիներից), ոճային շարժում, որը գերիշխում էր եվրոպական արվեստում 18-րդ դարի առաջին երեք քառորդում։ Այն ներկայացնում էր ոչ այնքան ինքնուրույն գեղարվեստական ​​երևույթ, որքան համաեվրոպական բարոկկո ոճի փուլ, որոշակի փուլ։ «Ռոկոկո» տերմինը առաջացել է Ֆրանսիայում 18-րդ դարի վերջին, կլասիցիզմի ծաղկման շրջանում, որպես արհամարհական մականուն 18-րդ դարի բոլոր ձևով և հավակնոտ արվեստի համար. կոր, քմահաճ գիծ, ​​որը հիշեցնում է խեցի ուրվագիծը: , նրա հիմնական հատկանիշը. Ռոկոկո արվեստը գեղարվեստական ​​և ինտիմ փորձառությունների աշխարհ է, դեկորատիվ թատերականություն, նրբագեղություն, հերոսության և պաթոսի տեղ չկա: Ռոկոկո նկարչության հիմնական թեմաներն են պալատական ​​արիստոկրատիայի նրբագեղ կյանքը, «հովիվային» կյանքի հովվերգական նկարները անաղարտ բնության ֆոնի վրա, բարդ սիրային հարաբերությունների աշխարհը և հնարամիտ այլաբանությունները: Մարդկային կյանքն ակնթարթային է և անցողիկ, և, հետևաբար, մենք պետք է օգտագործենք «երջանիկ պահը», շտապենք ապրել և զգալ: «Հմայիչ և օդային մանրուքների ոգին» դառնում է «արքայական ոճի» շատ արվեստագետների աշխատանքի լեյտմոտիվը։

Ֆրանսուա Բուշեր Ֆրանսուա Բուշեր (1703-1770)իրեն համարում էր Վատտոյի հավատարիմ ուսանողը։ Ոմանք նրան անվանում էին «շնորհքների նկարիչ», «գեղանկարչության անակրեոն», «արքայական նկարիչ»։ Մյուսները նրան տեսնում էին որպես նկարիչ՝ «կեղծավոր», ով «ամեն ինչ ունի, բացի ճշմարտությունից»։ Մյուսները թերահավատորեն նշում էին. «Նրա ձեռքը վարդեր է հավաքում, որտեղ ուրիշները միայն փշեր են գտնում»։ Ֆրանսուա Բուշերը (1703-1770) իրեն համարում էր Վատտոյի հավատարիմ ուսանողը։ Նկարիչը նկարել է Լյուդովիկոս 15-րդ թագավորի սիրելիի՝ մարկիզա դե Պոմպադուրի մի շարք դիմանկարներ։ Հայտնի է, որ նա հովանավորել է Բուշերին և մեկ անգամ չէ, որ պատվիրել է նրան կրոնական թեմաներով նկարներ գյուղական բնակավայրերի և փարիզյան առանձնատների համար: «Madame de Pompadour» կտավում հերոսուհին ներկայացված է ցրված ծաղիկներով և շքեղ իրերով շրջապատված, որոնք հիշեցնում են նրա գեղարվեստական ​​նախասիրություններն ու նախասիրությունները: Նա թագավորաբար պառկած է փարթամ, հանդիսավոր վարագույրների ֆոնին: Նրա ձեռքում գտնվող գիրքը լուսավորության և մտավոր որոնումների նկատմամբ նվիրվածության հստակ ակնարկ է: Մարկիզուհին մեծահոգաբար շնորհակալություն հայտնեց նկարչին։ Նրան նշանակելով Գոբելինի մանուֆակտուրայի տնօրեն, այնուհետև շնորհելով «արքայի առաջին նկարչի» կոչումը։

Ֆրանսուա Բուշերը մեկ անգամ չէ, որ դիմել է անլուրջ տեսարանների պատկերմանը, որոնց գլխավոր հերոսներն էին սրամիտ, ամաչկոտ հովիվուհիները կամ հաստլիկ մերկ գեղեցկուհիները՝ առասպելական Վեներաների և Դիանաների տեսքով: Նրա նկարները լի են երկիմաստ ակնարկներով, կծու մանրամասներով (հովվուհու ատլասե փեշի բարձրացված ծայրը, լողացող Դիանայի կոկետորեն բարձրացված ոտքը, շրթունքներին սեղմած մատը, պերճախոս, հրավիրող հայացքը, աղավնիների խորհրդանշական համբուրումը և այլն): ) Նկարիչը հիանալի գիտեր իր դարաշրջանի նորաձեւությունն ու ճաշակը։

Գեղանկարչության պատմության մեջ Ֆրանսուա Բուշերը մնում է գույների և նրբագեղ դիզայնի հոյակապ վարպետ: Սրամիտ կոմպոզիցիաներ, կերպարների անսովոր անկյունները, գրեթե թատերական դեկորացիայի տարօրինակ ուրվագիծը, հարուստ գունային շեշտադրումները, փոքր, թեթև շարժումներով կիրառվող թափանցիկ ներկերի վառ արտացոլումները, հարթ հոսող ռիթմերը՝ այս ամենը Ֆ. Բաուչերին դարձնում է գեղանկարչության անգերազանցելի վարպետ: Նրա նկարները վերածվում են դեկորատիվ վահանակների, զարդարում սրահների ու հյուրասենյակների փարթամ ինտերիերը, նրանք կանչում են երջանկության, սիրո և գեղեցիկ երազանքների աշխարհ։

ՖՐԱԳՈՆԱՐ Ժան ՕնորեՖրանսիացի նկարիչ և փորագրիչ, Լյուդովիկոս XVI-ի դարաշրջանի մեծագույն վարպետը։ հայտնի դարձավ իր վարպետորեն կատարվող քաջալերական և առօրյա տեսարաններով, որոնցում Ռոկոկոյի նրբագեղությունը զուգորդվում է բնության հանդեպ հավատարմության, լուսային օդային էֆեկտների նրբության և հնագույն շքեղ ավերակների հետ: Իրական դիտարկումների հիման վրա ստեղծված գործերի կողքին նա ստեղծում է նաև իմպրովիզացված հովիվներ, տեսարանը վերարտադրում է այնպիսի պատկերավորությամբ, որ թվում է կյանքից նկարված։

Անտուան ​​ՎատտոԺամանակակիցները նրան անվանել են «անհոգ հանգստի բանաստեղծ» և «գալանտ տոնակատարություններ», «շնորհքի և գեղեցկության երգիչ»: Իր ստեղծագործություններում նա պատկերել է պիկնիկներ մշտադալար այգիներում, երաժշտության և թատերական համերգներ բնության գրկում, կրքոտ խոստովանություններ ու սիրահարների վեճեր, հովվերգական ժամադրություններ, պարահանդեսներ և դիմակահանդեսներ։ Միաժամանակ նրա կտավները ցավալի թախիծ են պարունակում։ Գեղեցկության անցողիկության և կատարվողի անցողիկության զգացում։

Վատտոն հայտնվեց իրեն՝ իր թեման, երբ նա ժամանեց Փարիզ. սրանք, այսպես կոչված, խանդավառ տոնախմբություններ են. արիստոկրատ հասարակություն այգում, երաժշտություն նվագող, պարող, պարապ. նկարչություն, որում կարծես թե չկա գործողություն կամ սյուժե՝ անհոգ կյանքի տեսարաններ՝ փոխանցված նուրբ շնորհքով։ Այս ամենը կարծես դրսից երևում է մի նուրբ, թեթևակի հեգնական դիտորդի կողմից՝ մելամաղձության և տխրության զգացումով։ Watteau-ի երանգավորումը՝ նրա տաղանդի ամենաուժեղ հատկություններից մեկը, կառուցված է մոխրագույն, շագանակագույն, գունատ յասամանագույն, դեղնավարդագույն երանգների նուրբ նրբերանգների վրա: Վատտոյի նկարներում երբեք մաքուր տոն չկա։ Ինչպես են սիրո բոլոր նուրբ երանգները տրվում գույնի մեջ: 1717 թվականին նկարիչը ստեղծեց իր ամենամեծ գործերից մեկը՝ «Ուխտագնացություն դեպի Կիթերա կղզի»։ Այս նկարում արտացոլված է զգացմունքների ամենանուրբ գունապնակը, որն առաջին հերթին ստեղծում է հենց գույնը։ Բայց այս ամենը սեր չէ, այլ սիրո խաղ, թատրոն։

Ֆեդոր Ստեփանովիչ Ռոկոտով- ռուս նշանավոր դիմանկարիչ, Սանկտ Պետերբուրգի արվեստների ակադեմիայի գեղանկարչության ակադեմիկոս (1765 թ.)։ 18-րդ դարի ամենապոետիկ դիմանկարիչ Ֆյոդոր Ստեպանովիչ Ռոկոտովի կյանքը երկար ժամանակ առեղծված մնաց։ Իր կենդանության օրոք հսկայական համբավ վայելած նկարիչը մահից հետո մոռացության է մատնվել մի ամբողջ դար։
Նրա նկարները գտնվում են Ռուսաստանի մեծ ու փոքր քաղաքների բազմաթիվ թանգարաններում, և, ցավոք, նրա գեղեցիկ դիմանկարները կոչվում են «Անհայտ կնոջ դիմանկար»: Ֆ.Ս. Ռոկոտովի անձի ձևավորման վրա ազդել է նրա ծանոթությունը Մ.Վ. Թվում է, թե մարդկային արժանապատվության թեման, որն այնքան պարզ է հնչում Ռոկոտովի դիմանկարներում, որոշվել է ոչ առանց Լոմոնոսովի փայլուն գիտնականի և գրողի ազդեցության: Միայն 20-րդ դարը ռուսական արվեստին վերադարձրեց Ֆ.Ս. Բայց հիմա էլ շատերը նրա մասին գիտեն՝ որպես մեկ-երկու նկարի հեղինակ։

Ուիլյամ Հոգարտ- Անգլիացի գրաֆիկ և ժանրի նկարիչ, հիմնադիր և գլխավոր ներկայացուցիչ ազգային դպրոցգեղանկարչություն, Հոգարտը ականավոր նկարազարդող է, երգիծական փորագրությունների հեղինակ, գեղանկարչության և գրաֆիկայի նոր ժանրերի բացահայտում: Նա հայտնի դարձավ իր երգիծական գծանկարներով և ռեալիստական ​​դիմանկարներով։ Լուսավորչական փիլիսոփաների գաղափարների ազդեցության տակ գտնվող նկարիչը իր ստեղծագործություններից շատերը ստորադասեց գեղարվեստական ​​ստեղծագործության միջոցով մարդու մեջ բարոյական սկզբունքը կրթելու և արատները վերացնելու գործին:

Ուիլյամ Հոգարտի ամենահայտնի գործերը.«Նորաձև ամուսնություն», «Մարմնավաճառի կարիերա», «Ծախսողի կարիերա», «Խորհրդարանական ընտրություններ», «Գարեջրի փողոց», «Ջին Լեյն», «Կերպարներ և ծաղրանկարներ», «Ինքնադիմանկար» փորագրությունների շարք։ , «Կապիտան Քորեմի դիմանկարը», «Աղջիկը ծովախեցգետնով».