Abstrakti: Aihe: Sykliset muodot. Sykliset muodot (musiikki) Uusi sarja

Musiikin sykliset muodot ovat teoksia, jotka edellyttävät erillisten osien läsnäoloa, rakenteeltaan itsenäisiä, mutta käsitteen yhtenäisyyden yhdistämiä.

Historiassa akateeminen musiikki"preludi-fuuga"-syklit, sarjajaksot ja sonaatti-sinfoniajaksot tunnetaan.

Sykliä voidaan kutsua myös sarjaksi toisiinsa liittyviä teoksia (joista jokaisella voi olla syklinen muoto tai ei) tai konserttiohjelmat.

Ei-akateemisessa musiikissa (jazz, rock) konseptialbumit ja yksittäiset suuret teokset voivat painottua kohti syklisiä muotoja.

^ Kierrä "Preludi-fuuga"

Kaksiosainen sykli "preludi-fuuga" on tunnettu barokin ajoista lähtien

Alkusoitto toimii improvisoivana johdannona fuugaan.

Preludi-fuugasyklit voidaan yhdistää isommiksi jaksoiksi jonkin muodollisen tai temaattisen periaatteen perusteella. Useimmat kuuluisa esimerkki- J. S. Bachin "The Well-Tempered Clavier".

Sarja (ranskalaisesta sarjasta - "rivi", "sekvenssi") on syklinen musiikkimuoto, joka koostuu useista itsenäisistä vastakkaisista osista, joita yhdistää yhteinen käsite.

1500-luvulta lähtien tunnetulle sviitille on ominaista:

teoksen yksittäisten osien yhteys perinteisiin sovellettuihin (laulu, tanssi) genreihin, osien rakenteen yksinkertaisuus;

osien kontrastivertailu;

taipumus yhtenäisyyteen tai läheiseen samankaltaisuuteen osien tonaalissa.

Sonaatti-sinfoninen sykli

Sonaatti-sinfoninen sykli sisältää akateemisen musiikin abstrakteimpia genrejä, kuten sinfonia, sonaatti, kvartetti ja konsertto.

Sille on ominaista:

abstraktio musiikin soveltavasta luonteesta (vaikka sovellettua materiaalia käytettäisiin jonkin osan materiaalina);

mahdollisuus figuratiivisiin ja semanttisiin kontrasteihin yksittäisten osien välillä (niiden suoraan vastakohtaan asti);

monimutkainen sävykehitys;

yksittäisten osien vakiintuneet toiminnot ja muodot (joille on ominaista tietyille sonaatti-sinfonisen musiikin genreille).

Klassinen sonaatti syntyi 1700-luvulla ja saavutti huippunsa wieniläisissä klassikoissa (Haydn, Mozart, Beethoven).

Sinfonia genrenä syntyi 1700-luvun puolivälissä ja saavutti huippunsa myös wieniläisissä klassikoissa.

Sinfonia (kreikan kielestä συμφονία - "konsonanssi") on sinfonisen instrumentaalimusiikin tyylilaji, jolla on moniosainen kanonisoitu muoto, jolla on perustavanlaatuinen ideologinen sisältö.

Vapaat ja sekamuodot

Musiikkiteos voi koostua osista, jotka on yhdistetty eri periaatteella kuin luetelluissa genreissä ja joilla on silti tavalla tai toisella syklinen luonne. Nämä ovat monia soveltavan pyhän musiikin genrejä (messu, henkinen konsertti, koko yön vigilia), kantaatteja, laulu- ja laulu-kuorojaksoja (juoni ja lyyrinen).

Suuret syklit

Kokonaisia ​​teoksia voidaan myös yhdistää sykliksi (joista jokainen puolestaan ​​voi olla syklinen tai ei).

Näitä ovat edellä mainitut preludit ja fuugat, R. Wagnerin tetralogia "Nibelungin sormus", konseptialbumit ei-akateemisesta musiikista sekä yksittäisiä suuria jazz- ja rockmusiikin teoksia.

Sonaattimuoto on musiikkimuoto, joka koostuu kolmesta pääosasta:

Näyttely – kontrasti pää- ja toissijaisten teemojen välillä

Kehitys - näiden aiheiden kehittäminen

Reprise - näiden teemojen toisto tietyin muutoksin

Kuunnellaan:

J.S.Bach, Preludi ja fuuga nro 6, d-molli, KhTK:n 1. osa

L. van Beethoven, Sonaatti nro 1, f-molli

Syklisiä muotoja ovat muodot, jotka koostuvat useista, yleensä toisistaan ​​riippumattomista teema- ja formatiivisista osista, joita erottavat säätelemättömät tauot, jotka katkaisevat musiikillisen ajan kulkua (kaksoisviiva ja ”paksu” oikea viiva). Kaikki sykliset muodot ilmentävät monipuolisempaa ja monipuolisempaa sisältöä, jota yhdistää taiteellinen konsepti.

Jotkut sykliset muodot yleisimmässä muodossa ilmentävät maailmankatsomuskäsitystä, esimerkiksi massa on teosentristä ja myöhemmin sonaatti-sinfoninen sykli on antroposentrinen.

Syklisten muotojen organisoinnin perusperiaate on KONTRASTI, JOTEN ILMAISEMINEN ON HISTORIAALLISESTI MUUTTUVA JA VAIKUTTAA ERI MUSIIKKIILMOITUSKEHOIHIN.

Sykliset muodot yleistyivät barokin aikakaudella (1500-luvun loppu - 1700-luvun ensimmäinen puolisko). Ne ovat hyvin erilaisia: kaksiosaiset syklit fuugalla, concerti grossi, konsertot soolosoittimelle ja orkesterille, sarjat, partiot, soolosonaatit ja yhtyesonaatit.

Monien syklisten muotojen juuret ovat kahdessa 1600-luvun ooppera-alkulaulussa, ns. ranskalaisissa (Lully) ja italialaisissa (A. Stradella, A. Scarlatti), joissa käytetään standardoituja tempokontrastit. Ranskan alkusoitossa merkittävin oli ensimmäisen hitaan osan (juhlallisesti pateettinen) ja nopean moniäänisen toisen (yleensä fuuga) suhde, joka joskus päättyi lyhyeen Adagioon (joskus perustui ensimmäisen osan materiaaliin). ). Tämän tyyppinen temposuhde muuttuu toistuessaan varsin tyypilliseksi ensemble-sonaateille ja Concerti grossille, joka koostuu yleensä 4 osasta. Corellin, Vivaldin ja Händelin concerti grossissa johdannon tehtävä ilmenee varsin selvästi ensimmäisissä osissa. Se ei kehitty pelkästään hitauden ja suhteellisen lyhyen pituuden vuoksi, vaan myös joskus esiintyvän harmonisen avoimuuden vuoksi.

J.S.:n kuusi Brandenburgin konserttoa eroavat toisistaan. Bach (1721), jossa kaikki ensimmäiset osat eivät ole vain kirjoitettu nopeaan tahtiin, vaan ne ovat kehittyneimmät, laajennetut, määrittävät syklien jatkokehityksen. Tämä ensimmäisten osien toiminto (erot sisäisissä muodostelmissa) ennakoi osan 1 toiminnan myöhemmässä sonaatti-sinfonisessa syklissä.

Tämän tyyppisten temposuhteiden vaikutus on hieman vähemmän havaittavissa niitä lähellä olevissa sviiteissä ja partioissa. "Pakollisten" tanssejen suhteessa on toistuva ja voimistuva temporytminen kontrasti: kohtalaisen hidas kaksitahtinen allemande korvataan kohtalaisen nopealla kolmitaktisella kelloäänellä, erittäin hidas kolmitaktinen sarabande korvataan erittäin hitaalla. nopea gigue (yleensä kuuden, kahdentoista lyöntitaksilla, jotka yhdistävät kaksi ja kolme lyöntiä). Nämä syklit ovat kuitenkin osien lukumäärältään melko ilmaisia. Usein on johdantoosia (preludi, alkusoitto ja fuuga, fantasia, sinfonia), ja sarabanden ja keikan väliin oli ns. "lisätty", enemmän moderni tanssi(gavotte, menuetti, bourre, rigaudon, viehe, musette) ja aariat. Usein tanssia oli kaksi (erityisesti menuetteille ja gavotteille tyypillistä), toisen lopussa oli ohje toistaa ensimmäinen. Bach piti kaikki "pakolliset" tanssit sarjassaan, muut säveltäjät kohtelivat niitä vapaammin, mukaan lukien vain yksi tai kaksi.

Partioissa, joissa kaikki "pakolliset" tanssit usein säilytetään, on välinumeroiden genrevalikoima paljon laajempi, esimerkiksi rondo, capriccio, burleski.

Periaatteessa sarjassa (rivissä) tanssit ovat tasa-arvoisia, toiminnallista monimuotoisuutta ei ole. Tietyt ominaisuudet alkavat kuitenkin ilmaantua. Näin sarabandista tulee sarjan lyyrinen keskus. Se eroaa suuresti hillitystä, ankarasta, raskaasta ja juhlallisesta jokapäiväisestä prototyypistä ylevällä arkuudellaan, hienostuneisuudellaan, teksturoidulla graceilla ja äänellään keskikorkeassa rekisterissä. Usein juuri sarabandeissa on koristeelliset kaksoiskappaleet, mikä parantaa sen toimintaa lyyrisenä keskuksena. Jigissä (alkuperäisesti ”yleisin” - englantilaisten merimiesten tanssi), tempoltaan nopeimmillaan energiansa, massaluonteensa ja aktiivisen polyfoniansa ansiosta muodostuu finaalin funktio.

Kolmen osan (äärimmäinen - nopea, moniääninen, keski - hidas, melodinen) sisältävän ITALIAN ALKUsoitton temposuhteet muuttuvat kolmiosaisiksi konserttosykleiksi soolosoittimelle (harvemmin kahdelle tai kolmelle solistille) orkesterin kanssa . Kolmiosainen konserttisykli säilyi muotomuutoksista huolimatta yleisilmeeltään vakaana 1600-luvulta romantiikan aikakauteen. Alkuosien aktiivinen, kilpailullinen luonne on epäilemättä hyvin lähellä klassista sonaattiallegroa.

Erityinen paikka miehittää kaksiosaisia ​​jaksoja fuugalla, jossa on perustavanlaatuinen kontrasti eri tyyppejä musiikillista ajattelua: vapaampi, improvisatiivinen, joskus homofonisempi alkuosissa (preludi, toccata, fantasiat) ja tiukemmin loogisesti järjestetty fuugat. Temposuhteet ovat hyvin monimuotoisia ja tyypistyksellisiä.

Sonaatti-sinfonisen syklin muodostumiseen vaikuttivat merkittävästi soolokonsertti- ja orkesterikonserttien ensimmäiset osat (tulevat sonaatti Allegri-sinfoniat), sarjan lyyriset sarabändet (sinfonisen Andantin prototyypit), aktiiviset, energiset keikat (finaalien prototyyppi). Jossain määrin sinfoniat paljastavat myös Concerti grossin vaikutuksen hitailla alkuosilla. Monet wieniläisten klassikoiden sinfoniat alkavat hitailla eripituisilla esittelyillä (erityisesti Haydnilla). Sarjojen vaikutus näkyy myös menuetin läsnäolossa ennen finaalia. Mutta sonaatti-sinfonisen syklin osien aineellinen käsite ja toiminnallinen määritelmä ovat erilaisia. Sonaatti-sinfonisen syklin MONIPUOLISUUKSEKSI määritellyn sarjan sisältö voidaan muotoilla UNITY OF DIVERSITY. Sonaatti-sinfonisen syklin osat ovat toiminnallisesti paljon jäykemmin koordinoituja. Osien genre ja semanttiset roolit heijastavat ihmisen olemassaolon pääpiirteitä: toimintaa (Homo agens), mietiskelemistä, pohdintaa (Homo sapiens), lepoa, leikkimistä (Homo ludens), miestä yhteiskunnassa (Homo communis).

Sinfoninen sykli on suljettu tempoprofiili, joka perustuu JUMP WITH FILLING -periaatteeseen. Semanttista vastakohtaa ensimmäisten osien allegrin ja Andantin välillä korostaa paitsi terävä temposuhde, myös pääsääntöisesti tonaalinen kontrasti.

Sinfoniset ja kamarijaksot ennen Beethovenia erosivat huomattavasti toisistaan. Esityskeinoista (orkesteri) johtuen sinfonia sai aina eräänlaisen "julkisuuden", kuten teatteriesitys. Kamariteoksille on ominaista suurempi monimuotoisuus ja vapaus, mikä tuo ne lähemmäksi narratiivisia kirjallisuuden genrejä (ehdollisesti toki), suurempaa henkilökohtaista "intiimiyttä" ja lyyrisyyttä. Kvartetot ovat lähimpänä sinfoniaa, muut kokoonpanot (triot, kvintetit eri sävellyksistä) eivät ole niin lukuisia ja usein lähempänä vapaampaa sarjaa, samoin kuin divertismentit, serenadit ja muut orkesterimusiikin genret.

Piano- ja ensemblesonaateissa on yleensä 2-3 osaa. Ensimmäisissä osissa sonaattimuoto on yleisin (aina sinfonioissa), mutta myös muita muotoja löytyy (monimutkainen kolmiosainen, muunnelmia, rondo Haydnissa ja Mozartissa, muunnelmia mm. Beethovenissa).

Sinfonioiden ensimmäisten osien pääosat ovat aina Allegro-tempoisia. Kamarisonaateissa Allegro-temponimitys on myös melko yleinen, mutta myös verkkaisempia tempomerkintöjä löytyy. Soolo- ja kamarisonaateissa ei ole harvinaista yhdistää toiminnallisia genren rooleja yhden osan sisällä (esim. lyyrinen ja tanssi, tanssi ja finaali). Nämä syklit ovat sisällöltään monipuolisempia, niistä tulee ikään kuin "laboratorio". jatkokehitystä syklit. Esimerkiksi scherzo-genre esiintyy ensimmäistä kertaa Haydnin pianosonaateissa. Myöhemmin schertosta tulee täysimittainen osa sonaatti-sinfoniasykliä, joka melkein korvaa menuetin. Scherzo ilmentää pelin laajempaa semanttista elementtiä (arkipäiväisestä leikkisyydestä kosmisten voimien leikkiin, kuten esimerkiksi Beethovenin yhdeksännessä sinfoniassa). Jos Haydnilla ja Mozartilla ei ole neliosaisia ​​sonaatteja, niin aikaisin pianosonaatit Beethoven käyttää sinfonioille tyypillisiä tempo- ja genresuhteita.

Sonaatti-sinfonisen syklin historiallisessa jatkokehityksessä (alkaen Beethovenista) tapahtuu "haarautuminen" (yhteisillä "juurilla") "perinteiseksi" haaraksi, joka päivittää sisältöä sisältäpäin ja on radikaalimpi, "innovatiivisempi". ”. "Perinteisessä" vahvistetaan lyyrisiä, eeppisiä kuvia, usein tuodaan esille genre-yksityiskohtia (romanssi, valssi, elgia jne.), mutta perinteinen osien määrä ja semanttiset roolit säilyvät. Uuden sisällön (lyyrinen, eeppinen) vuoksi ensimmäiset osat menettävät nopean tahtinsa, säilyttäen proseduaalisen avautumisen intensiteetin ja koko syklin määräävän osan merkityksen. Siksi schertsosta tulee toinen osa, joka siirtää yleisen kontrastin syvemmälle sykliin, hitaan osan (henkilökohtaisimman) ja nopean massafinaalin välillä, mikä antaa syklin kehitykselle suurempaa pyrkimystä (menuetin ja sarjan välinen suhde). finaali, usein myös tanssi, on yksiulotteisempi, mikä vähentää kuuntelijoiden huomiota).

Klassisissa sinfonioissa ensimmäiset osat ovat muodoltaan tyypillisimpiä (sonaattimuoto ja sen variaatiot; kamarisonaattien ensimmäisten osien muotojen laajempi monimuotoisuus mainittiin edellä). Menetteissä ja scherzoissa monimutkainen kolmiosainen muoto hallitsee ratkaisevasti (ei tietenkään ilman poikkeuksia). Hitaimmilla osilla (yksinkertaiset ja monimutkaiset muodot, variaatiot, rondo, sonaatti kaikissa muodoissa) ja finaalit (sonaatti variaatioineen, variaatioineen, rondo, rondosonaatti, joskus monimutkainen kolmiosainen) erottuvat suurimmalla muodostelmavalikoimalla.

1800-luvun ranskalaisessa musiikissa kehittyi eräänlainen kolmiosainen sinfonia, jossa toisissa osissa yhdistyvät hitaan (ulompi osa) ja dance-scherzo (keskiosa) toiminnot. Sellaisia ​​ovat Davidin, Lalon, Franckin ja Bizet'n sinfoniat.

"Innovatiivisella" alalla (jälleen kerran on muistettava "juurien" yhteisyys) muutokset ovat ulospäin enemmän havaittavissa. Ne esiintyvät usein ohjelmoinnin vaikutuksen alaisena (Beethovenin 6. sinfonia, "Fantastinen", "Harold Italiassa", Berliozin "Mourning and Triumph" -sinfonia), epätavallisten esityssävellysten ja ideoiden (Beethovenin yhdeksäs sinfonia, Mahlerin toinen, kolmas, neljäs sinfonia) vaikutuksen alaisena. . Osia voi "kaksinkertaistua" peräkkäin tai symmetrisesti (jotkut Mahlerin sinfoniat, Tšaikovskin 3. sinfonia, Skrjabinin toinen sinfonia, jotkut Šostakovitšin sinfoniat), eri genrejen synteesi (kantaattisinfonia, konserttisinfonia).

1800-luvun puoliväliin mennessä sonaatti-sinfoninen sykli saavutti käsitteellisimmän genren merkityksen ja aiheutti kunnioitusta itseään kohtaan, mikä johtaa sonaatti-sinfonisten syklien määrälliseen vähenemiseen. Mutta romanttiseen estetiikkaan liittyy toinenkin syy, joka pyrki vangitsemaan jokaisen hetken ainutlaatuisuuden. Olemisen monipuolisuutta voi kuitenkin ilmentää vain syklinen muoto. Tämän tehtävän täyttää onnistuneesti uusi sarja, jolle on ominaista poikkeuksellinen joustavuus ja vapaus (mutta ei anarkia), joka vangitsee kontrasteja niiden ilmenemismuotojen kaikissa monimuotoisuudessa. Melko usein sviittejä luodaan muiden tyylilajien musiikin perusteella (draamaesityksiin, oopperaan ja balettiin ja myöhemmin elokuvien musiikkiin). Uudet sviitit ovat esittävien sävellysten (orkesteri, soolo, ensemble) suhteen monipuolisia ja voivat olla ohjelmallisia tai ei-ohjelmallisia. Uusi sviitti vastaanottaa laajalle levinnyt 1800- ja 1900-luvun musiikissa. Nimessä ei saa käyttää sanaa "sviitti" ("Butterflies", "Carnival", Kreisleriana, Fantastic Pieces, Wienin karnevaali, Albumi nuorille ja muita Schumannin teoksia, Tšaikovskin vuodenajat, Mussorgskin kuvia näyttelystä). Monet miniatyyriteokset (preludit, mazurkat, nokturnit, etüüdit) ovat oleellisesti samanlaisia ​​kuin uusi sarja.

Uusi sarja painottuu kohti kahta napaa - miniatyyrisarjaa ja sinfoniaa (molemmat Grieg-sarjat esimerkiksi Ibsenin draaman Peer Gynt, Scheherazade ja Rimski-Korsakovin Antar musiikista).

Organisaatioltaan lähellä uutta sviittiä laulusilmukat, sekä "juonipohjainen" (Schubertin "Kaunis Millerin vaimo", Schumannin "Naisen rakkaus ja elämä") että yleistetty (" talvimatka"Schubert, Schumannin "Runoilijan rakkaus"), sekä kuorojaksoja ja joitain kantaatteja.

Usein barokkimusiikissa, kuten myös klassisessa ja myöhemmässä musiikissa, ei aina ole mahdollista määrittää osien lukumäärää, koska melko usein esiintyvä attacca-lavasuunta ei katkaise havaintomusiikin ajan kulkua. Usein käy myös niin, että teemaltaan ja suurelta osin muodoltaan riippumaton musiikki jakautuu kahdella hienovaraisella taktiviivalla (Sinfonia Bachin Partitasta c-molli, Mozartin Sonaatti viululle ja pianolle a-molli /K-402 /, Fantasia c-molli /K -457/, Beethovenin sonaatit sellolle ja pianolle op 69, op 102 nro 1 ja monia muita eri tekijöiden teoksia, mikä johtaa yksilöllisten (vapaiden) muotojen muodostumiseen. Niitä voidaan kutsua kontrastikomposiiteiksi (V.V. Protopopovin termi) tai jatkuvatoimisiksi.

Yksittäisten osien esittäminen syklisistä teoksista on sallittua, mutta jaksoja kokonaisuutena yhdistää TAITEELLINEN KONSEPTI, JODEN TOTEUTUS TOTEUTTAAN MUSIIKKIOIKEIN.

Yhtenäisyys voi ilmetä yleisellä tavalla: tempon, osien kuvitteellisen nimen, vastaavien harmonisten periaatteiden kautta, sävysuunnitelma, rakenne, metrorytminen organisaatio, intonaatioyhteydet kaikissa osissa ja erityisesti äärimmäisissä osissa. Tämän tyyppinen yhtenäisyys on YLEISTÄ MUSIIKKIA. SE KEHITTYI BAROKIN SYKLISISSÄ MUODOSSA ja on välttämätön edellytys minkä tahansa aikakauden syklisten muotojen taiteellista hyödyllisyyttä.

Mutta syklin yhtenäisyys voidaan saavuttaa selvemmin ja konkreettisemmin: läpileikkaavien musiikkiteemojen, muistelmien tai harvemmin esikuvien avulla. Tämän tyyppinen yhtenäisyys syntyi instrumentaalimusiikin muotojen kehittymisen ja monimutkaisuuden prosessissa, ja se esiintyi ensimmäisen kerran Beethovenissa (viidennessä, yhdeksännessä sinfoniassa, joissakin sonaateissa ja kvartetoissa). Toisaalta TEMAATTINEN yhtenäisyyden periaate (jota M.K. Mikhailov on käsitellyt yksityiskohtaisesti artikkelissa "Sonaatti-sinfoniasyklin temaattisesta yhdistämisestä" // Kysymyksiä musiikin teoriasta ja estetiikasta: numero 2. - M.: S.K. , 1963) syntyy "tiivistymisenä", intonaatioyhteyksien keskittymisenä, toisaalta voidaan havaita ohjelmamusiikin vaikutus ja osittain oopperadramaturgian leitmotiivi.

Temaattinen yhtenäisyyden periaate rikkoo jossain määrin sellaista syklisten muotojen ominaisuutta, kuten osien temaattisuuden riippumattomuus, vaikuttamatta muodonmuodostuksen riippumattomuuteen (teemojen siirto tapahtuu pääsääntöisesti muotojen sääntelemättömissä osissa - johdannossa ja codas, pääasiassa). Jatkossa historiallisessa kehityksessä temaattinen periaate yhtenäisyydestä kasvoi DEDUKTIIVINEN, jossa yksittäisten osien muodostuminen riippuu suoremmin syklin yleisestä kuviollisesta, sisällöstä ja sommittelukäsityksestä. Edellisten osien temaattisuus vaikuttaa aktiivisesti seuraavien osien muodostumiseen, osallistuen niiden pääosioihin (esimerkiksi kehitykseen) tai aiheuttaa muodon modulaatiota, stereotypian muuntumista.

Peruskirjallisuus:

1. Berkov V.S. Sonaatti-sinfonisen syklin sonaattimuoto ja rakenne. M.: Neuvostoliiton säveltäjä, 1961.

2. Bobrovsky V.P. Musiikin muodon toiminnalliset perusteet. M.: Muzyka, 1978.

3. Mazel L.A. Rakenne musiikkiteoksia. M.: Muzyka, 1979.

4. Mazel L.A., Tsukkerman V.A. Musiikkiteosten analyysi. M.: Muzyka, 1967.

5. Sokolov O.V. Musiikin ja sen morfologinen järjestelmä taiteellisia genrejä. Nižni Novgorod, 1994.

6. Sposobin I.V. Musiikillinen muoto. M.: GMI, 1956.

7. Kholopova V.N. Musiikkiteosten muodot. Pietari: Lan, 1999.

Lue lisää:

1. Asafiev B.V. Musiikin muoto prosessina. L.: Musiikki, 1971.

2. Aranovsky M.G. Sinfoniset tehtävät. L.: Neuvostoliiton säveltäjä, 1979.

3. Kats B.A. Vaihtelusyklin rajaamisesta // Neuvostoliiton musiikki. – 1974. №2.

4. Kohoutek Ts. Sävellystekniikka 1900-luvun musiikissa. M., 1976.

5. Meduševski V.V. Musiikin taiteellisen vaikutuksen laeista ja keinoista. M.: Muzyka, 1976.

6. Meduševski V.V. Tietoja musiikillisista universaaleista. Sävellys ja dramaturgia / S.S. Skrebkov: Artikkelit ja muistelmat. M.: Neuvostoliiton säveltäjä, 1979.

7. Mihailov M.K. Sonaatti-sinfonisen syklin temaattisesta yhdistämisestä // Kysymyksiä musiikin teoriasta ja estetiikasta. Voi. 2. M.: Neuvostoliiton säveltäjä, 1963.

8. Nazaykinsky E.V. Logiikka musiikillinen sävellys. M.: Muzyka, 1982.

9. Protopopov V.V. Variaatioprosessit musiikillisessa muodossa. M.: Muzyka, 1967.

10. Rytmi. Tila ja aika kirjallisuudessa ja taiteessa: la. artikkelit - L.: Nauka, 1974.

11. Sokolov O.V. Kaksi musiikin muodostumisen perusperiaatetta. // Musiikista. Analyysin ongelmat. – M.: Neuvostoliiton säveltäjä, 1974.

12. Feinberg E.L. Taide ja tieto // Filosofian kysymyksiä. 1967. Nro 7.

13. Kholopova V.N. Rytmikysymykset 1900-luvun säveltäjien teoksissa. M.: Muzyka, 1980.

14. Kholopova V.N. Venäjän kansallinen rytmi. M.: Neuvostoliiton säveltäjä, 1982.

15. Hristov D. Teoreettiset perusteet melodica. M.: Muzyka, 1980.

16. Tsukkerman V.A. Musiikkiteosten analyysi. Yleiset periaatteet muotoiluun. Yksinkertaiset lomakkeet. M.: Muzyka, 1980.

17. Tsukkerman V.A. Musiikkiteosten analyysi. Monimutkaiset muodot. M.: Muzyka, 1983.

18. Tsukkerman V.A. Musiikkiteosten analyysi. Variaatiomuoto. M.: Muzyka, 1974.

19. Tsukkerman V.A. Musiikkiteosten analyysi. Rondo sen historiallisessa kehityksessä. Osat 1, 2. M.: Muzyka, 1988.

"Glinka" säevariaatiomuodon käyttökelpoisuudesta todistaa sen käyttö Neuvostoliiton säveltäjien toimesta. Samaan aikaan kehitystekniikoita ja ilmaisukeinoja (erityisesti harmonista kieltä) päivitetään, mutta itse muodon tyyppi säilyy: Shchedrinin oopperan "Ei vain rakkautta" "Pienen kantaatin" ("Maiden Ditties") alkuosio .”

IN säe-varianttimuoto Lauluosa on ensimmäinen, jota vaihdellaan.

Vaihtelun erityispiirteet: melodisia muutoksia sisältävä variantti mahdollistaa rakenteelliset ja laajamittaiset muutokset, mutta säilyttää figuratiivisen ja genren yhtenäisyyden. Tästä on seurauksena muunnelman ja teeman suhteellinen tasa-arvo, kun taas variaatio on johdannainen, toissijainen ilmiö, joka on teeman alapuolella.

Yhdistelmä selkeyttä, rakenteen selkeyttä, kykyä tehdä erilaisia ​​muutoksia ja kykyä seurata tekstiä tekevät säevariantista yhden yleisimmistä muodoista laulumusiikkia. Tällä muodolla on valtava paikka Schubertin ja Mahlerin laulunkirjoituksissa. From Neuvostoliiton säveltäjät G. Sviridov käsittelee sitä helposti: kuoro "Kuinka laulu syntyi", "Siellä maalla" "Runosta S. Yeseninin muistoksi". Muita esimerkkejä ovat Schubertin "Gretchen at the Spinning Wheel", "The Romance of Pauline" julkaisusta " Patakuningatar» Tšaikovski.

Muodon kautta

Poikkileikkausmuoto syntyi musiikin tarpeesta seurata juonen kehitystä. Tässä hyödynnetään enemmän kuin missään muussa muodossa musiikin kuvallisia mahdollisuuksia ja sen kykyä lisätä tekstin emotionaalista puolta. Ei ole sattumaa, että tähän muotoon kiinnittivät suurta huomiota ne säveltäjät, jotka olivat erityisen herkkiä tekstikuvien ja psykologisen alatekstin hienovaraisimmista sävyistä - Schubert, Mussorgsky. Suurin osa Lisztin kappaleista on kirjoitettu läpimenevässä muodossa. Tällä muodolla oli suuri paikka 1800-luvun lopun - 1900-luvun alun musiikissa, erityisesti "musiikkirunojen" genressä, joka yleistyi Wolfin teoksessa, venäläisessä musiikissa - Medtnerissä, Prokofjevissa, Gnesinissä, Cherepninissä. , osittain Rahmaninov ja in lauluteoksia proosateksteistä (Prokofjevin ruma ankanpoikanen).

Kaikki päästä päähän -lomakkeet perustuvat jatkuvan päivityksen periaatteeseen musiikkimateriaalia tekstin sisällön mukaan. Säveltäjät pyrkivät kuitenkin tuomaan tiettyjä musiikillisia yhdistäviä tekijöitä läpileikkaisiin muotoihin. Tätä tarkoitusta varten toiston periaatteet, toiston sulkeutuminen, päästä päähän refriini (kuoleman "lehtisointuja" Mussorgskin "Tuutulaulussa" ja kuorossa "bayushka, byu, byu"), intonaatio-teemaattinen yhteys kappaleen osien välillä. muotoa ja tonaalista järjestystä käytetään.

Esimerkkejä muodon kautta: Schubertin "Metsäkuningas", Kalinikovin kuoro "The Stars Are Fading".

Aihe 14. Sykliset muodot: sarja, sonaatti-sinfoniasykli

Syklinen on muoto, joka koostuu useista erillisistä vastakkaisista osista, jotka ovat muodoltaan itsenäisiä, mutta joita yhdistää yksi taiteellinen käsite.

Syklisten muotojen pääpiirteet:

♦ useiden osien läsnäolo (2-10),

♦ kunkin osan muodon riippumattomuus,

♦ osien erottaminen (osa voidaan suorittaa erikseen),

♦ tempon kontrasti,

♦ luonteeltaan kontrasti,

♦ tonaalinen yhteisö:

a) kaikkien osien yksi sävy,

b) sävelrepriisin luominen (sonaatti-sinfoniasykli),

c) korostamalla sävykeskuksia (vallitsevat sävyt),

♦ yleinen idea:

a) yksi esiintyjäryhmä,

b) yksi tyylilaji,

c) temaattinen yhteisö,

d) ohjelma.

Syklisiä muotoja ovat laulu, instrumentaali ja lava.

Laulu(laulu-instrumentaaliset) syklit on jaettu kantaatti-oratoriaalinen(kantaatti, oratorio, messu, requiem, passiot) ja kamari-laulu(äänisyklit).

Vaihesyklit: ooppera ja baletti.

Instrumentaalisilmukat

Syklisiä muotoja on kahta päätyyppiä: sarja ja sonaatti-sinfoninen sykli. Syklin osien riippumattomuuden määrää se, että ne voidaan esittää erikseen (sviittitanssit, sonaattiosat tai sinfoniat).

Sviitti (rivi, sekvenssi) – syklinen teos, joka koostuu itsenäisistä tanssi- tai genreluonteisista osista, jotka eroavat toisistaan ​​luonteeltaan ja tempoltaan. Osien vuorottelu sarjassa ei ole tiukkaa, eikä niiden määrää ole säännelty. Usein kaikki osat kirjoitetaan samalla avaimella.

Sviitissä on useita historiallisesti määritettyjä tyyppejä. Muinainen (barokki) sarja muodostui lopullisesti 1600-luvun puolivälissä. – 1700-luvun ensimmäinen puolisko. eri säveltäjien teoksissa kansallisia kouluja: Froberger, Händel, Corelli, Couperin, Rameau ja muut. eri maissa sitä kutsuttiin eri tavalla: Saksassa - partita, Englannissa - oppitunnit, Ranskassa - alkusoitto, Italiassa - sonaatti da camera, baletti.

1600-luvun sviitteihin. ja aikaisempi temaattinen tanssiyhteisö oli yleinen, mutta 1700-luvulla. siitä on tullut suhteellisen harvinaista (ei Bachissa, mutta löytyy Händelistä). Tanssisviittejä on ollut olemassa 1600-luvun puolivälistä lähtien. menettivät soveltuvan luonteensa, ja 1700-luvulla. niiden muoto muuttui paljon monimutkaisemmaksi, vaikka pienet muodot vallitsisivat (yksinkertainen 2- ja 3-osainen, yhdistelmämuoto, vanha sonaatti, konsertto ja kontrastikomposiitti).

Perusta muinainen sviitti XVII-XVIII vuosisatoja koostui 4 tanssista: allemande, chime, sarabande ja gigue. Sykli asetti rauhallisen hitaat tanssit vastakkain eloisaan ja nopeaan kahdesti:

1) allemande – kohtalainen-hidas tempo,

2) kello - kohtalaisen nopea,

3) sarabande - erittäin hidas,

4) jig – erittäin nopea.

Allemande – kaksitahtinen (4/4 aikasignatuuri) tasainen, keskitempoinen pyöreä tanssi, saksalaista alkuperää. Alkaa tahdilla (1600-luvulla), jonka kesto on yksi kahdeksasosa tai kuudestoistaosa. Äänien lukumäärän suhteen allemande on usein 4-ääninen, ja siinä on runsaasti kaikuja ja jäljitelmiä. Samalla polyfoninen kehitys tasoittaa rytmin tanssittavuutta. Allemanden muoto on ikivanha, kaksiosainen (osa II on käänteinen versio osasta I).

Kurantaa − ranskalaista alkuperää oleva kolmitahtinen (3/4 tai 3/2) tanssi. Vauhti on kohtalainen tai nopea. Tyypillinen rytmi. Yhdessä allemanden kanssa alussa. XVIII vuosisadalla Couranta poistui käytöstä ja toimi tyylitelmänä (Bach). Äänien lukumäärän mukaan kellossa on yleensä kaksi ääntä. Muoto on yksinkertainen kaksiosainen (lopussa on eräänlainen reprise).

Sarabande − espanjalaista alkuperää oleva kolmitaktinen (3/4 tai 3/2) tanssi. Alkulyönti riistetty. Tyypilliset rytmiset kuviot:

taajuudella - . Harmonioiden muutos korostaa rytmin perustyyppiä. Sarabandia hallitsee sointurakenne (homofoninen-harmoninen rakenne). Muoto on yleensä kolmiosainen (toisto on voimakkaampaa).

Zhiga − Englanninkielinen nopea kolmibittinen (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) tanssi. Viivästyksiä on usein. Se joutui usein fuugakehitykseen, mukaan lukien teeman kääntäminen osassa II Äänien lukumäärän mukaan - kaksi tai kolme ääntä. Lomake on yksinkertainen kolmiosainen.

Päätanssien lisäksi sarjaan sisältyy usein lisäkappaleita:

1) joissakin tansseissa oli kaksinkertainen (variantti), eräänlainen koristeellinen muunnelma;

2) ennen allemandea on alkusoitto (johdanto, alkusoitto, toccata, fantasia, sinfonia); tällainen näytelmä voi olla pieni kaksi- tai kolmiosainen sykli;

3) sarjan sisälle (yleensä sarabanden ja giguen väliin) sijoitetaan muita tansseja - menuetti, gavotte, bourrée, passier, rondo, burleski, scherzo, capriccio tai kappaleet (aria).

Muiden syklisten muotojen joukossa sonaatti ja konsertto yleistyivät barokin aikakaudella.