Siellä on koko joukko artikkeleita taiteilijan hienovaraisesta luonteesta. Kirjoittajat sanovat, että taiteilijat näkevät ja tuntevat kaiken erityisellä tavalla, että heillä on ainutlaatuinen ajattelutapa ja tämä tekee heihin koskettamisen erittäin helppoa. Olen itse taiteilija, enkä tiedä miksi, mutta minusta on hauska lukea tällaisia asioita.
Tosiasia on, että kaikessa tässä on tietysti totuutta, mutta täsmälleen yhtä paljon kuin jos tämä kaikki sanottaisiin ohjelmoijasta, astronautista tai kotiäidistä. Taiteilijat ovat samoja ihmisiä. Heillä ei ole yliluonnollisia aisteja tai supervoimia, eikä heillä myöskään ole henkisiä poikkeavuuksia (tietenkään, jos me puhumme ei yksittäistapauksista).
Riittää, kun ymmärtää, mitä taiteilijan päässä tapahtuu, jos vietät useita päiviä hänen kanssaan tekemällä yhtä asiaa, eli piirtäen.
Opettajani Boris Jegorovichilla on täydellinen sotku studiossaan. Hänen vaimonsa nauraa hänelle ystävällisesti, koska hän ei ymmärrä, kuinka niin siisti kaveri voi jokapäiväistä elämää henkilö, joka pesee aina omat sukkansa ja alusvaatteensa, joka ei anna hänen silittää paitojaan, joka pettää sänkynsä täydelliseksi sileäksi, voi laittaa likaiset harjat taskuunsa, vetää märkää ajopuuta kadulta studioon ja suorittaa saman manipulaatioita variksen höyhenillä. Mutta kaikki on hyvin selvää. Höyhenet ja ajopuu ovat esineitä, joista on varmasti hyötyä joskus asetelmassa. Eikä niitä ole koskaan liikaa. On paljon kätevämpää säilyttää siveltimiä taskussa kuin laittaa ne lattialle tai pöydälle. Ja ne ovat likaisia, koska miksi pestä kaikki harjat, kun puhtaat makaavat vielä nenäsi edessä? Luuletko, että Boris Jegorovitš laittaa likaisen siveltimen taskuunsa hajamielisyydestään? Koska hänen ajatuksensa ovat pilvissä inspiraation vaikutuksen alaisena? Ei todellakaan. Mitä järkeä on murehtia työpukuasi? Siksi he käyttävät sitä, koska he eivät pelkää likaantua. Eikä sillä ole väliä, että rouvan vaimo luulee, että hän on edelleen puettava, Boris Jegorovich tietää todella paremmin, missä on tuottavampaa mukauttaa hänen vaatekaappinsa esineitä. Ja ystävät ja sukulaiset pilkkaavat häntä ja pilkkaavat häntä kutsuen häntä Plyushkiniksi. Onko tämä todella mahdollista tehdä, kun kaikki on järkevää!
Ja Jevgeni Danilovitšia verrataan myös, ei pahuudesta, gnomiin, joka louhii timantteja kaivoksen pohjalta. Miksi? Koska niin hänelle yleensä käy. Hän istuu kaukaisimpaan nurkkaan, peittää itsensä sanomalehdillä ja paperilapuilla, käynnistää radion täydellä äänenvoimakkuudella, nappaa puuta ja kaiverrustarvikkeita, pyörittää kaiken tämän hyvän pyörän ja tule, Jevgeni Danilovich, nähdään pinta.
Entä te, ystävät? Työskenteletkö tukin kanssa ilman sanomalehtiä? Eli sahanpuru putoaa kaikkeen ympärillä? Haluan toivottaa sinulle onnea, kun jatkat tämän siivoamista. Sanomalehti on paras ratkaisu: asetti sen, työskenteli sen parissa, rullasi sen kokoon, heitti roskakoriin ja se on valmis. Ympäristö on puhdas, sanomalehti ehjä, valmis uudelleenkäyttöön ja jopa miljoonaskäyttöön. Miksi on niin tarpeellista piiloutua nurkkaan? Koska on ikkuna, on valoa. Aamulla on hyvä. Näet paljon enemmän kirkkaassa luonnonvalossa kuin keinovalossa. Mutta minne menet, kun ulkona on pimeää? On tylsää ilman radiota. Anna viime vuosisadalla, mutta sinun ei pitäisi katsoa televisiota, kun sinun on tehtävä korutöitä puussa. Ja pyörä on melko vakava seuraus työnteosta. Puuveistäjillä ja kuvanveistäjillä on usein ryhtiongelmia, ja heille kehittyy usein kyhmy. Loppujen lopuksi tällaisia mestariteoksia luodaan tällä humpuulla! Ja kaikki siksi, että ne kumartuvat lähemmäksi päästäkseen eroon jokaisesta ylimääräisestä millimetristä. Ja he: "Gnome." Noniin! Oli kuin joku olisi lyönyt häntä nenään.
Ja samalla kuuntele minua, vaikka en olekaan niin kokenut taiteellisesti, kuten mentorini Boris Egorovich ja Evgeniy Danilovich. En tule toimeen ilman pientä taustaa.
Ystäväni "saa kynnet kuntoon". Ja tämä on myös jossain määrin taidetta. Esimerkiksi hän veloittaa tästä kuusisataa ruplaa. Kerran pyysin häntä osoittamaan kykynsä päälläni (rahasta tietysti). Hän suostui. Ja mikä parasta, hän tarjosi ystävänä sadan ruplan alennuksen. Siitä tuli niin miellyttävä, kauhean yksinkertainen. Ja muut ystävämme ovat hyvin liikuttuneita tästä. Joten nyt asiaan!
Tuon työni huoneeseen. Naapurin asukkaat tulevat sisään. He näkevät ne, ihailevat niitä ja sanovat: "Oi, Alin, piirrätkö muotokuvamme samalla tavalla?" Muistan ystävääni, vastaan: "Tietenkin! Ja annan sinulle jopa sadan ruplan alennuksen!" Mutta tiedätkö mitä! Mikään tunne ei seurannut tätä lausetta. Ja on tietysti mukavaa, etteivät naapuritkaan voineet paremmin. He nauroivat ääneen ja sanoivat: "Aiotko ottaa meiltä rahaa piirtämisestä?"
Boris Egorovich ja Evgeny Danilovich, miehinä, eivät vuodattaneet kyyneleitä tilanteissaan. Ja minä, nainen, päätin sallia tämän itselleni vieraiden lähdön jälkeen. Kynsien tekeminen on vaikea tehtävä, eivätkä kaikki pysty siihen. Mutta kun maalaat, et vain lisää kerrosta maalikerroksen jälkeen, vaan laitat sinne tunnelmasi, asenteesi mallina olevaan esineeseen, aikasi, joka, usko minua, ei ole kolme tuntia (paljon enemmän). Taiteilijan työ, kuten kuvanveistäjän työ, on hänen lapsiaan, sitä kidutetaan, kärsitään, sitä rakastetaan, koska se on kuin revitty sydämestä. Mutta ihmisten silmissä hän ei ole minkään arvoinen. Taiteilija ei pelkää, kun hänen rationaalisuuttaan ei ymmärretä. Hänen sielunsa itkee vain silloin, kun hänen kova työnsä on aliarvostettu, kun hänen työlleen tai sen luomisprosessille nauretaan, vaikka ei pahasta.
Pidä huolta taiteilijan tunteista. Loppujen lopuksi hän itkee täsmälleen samoissa tilanteissa, joissa muiden ammattien työntekijät itkevät. Vain taiteilijat ovat tuomittuja kohtaamaan tällaisia tilanteita paljon useammin. Siksi monet heistä ovat onnettomia.
Luovien ihmisten elämää ympäröi aina, tavalla tai toisella, paitsi mysteeriverho, myös monenlaiset huhut. Mikä niistä on totta ja mikä fiktiota, jota on viljelty vuosisatoja?
Myytti 1. Kaikki taiteilijat juovat
Miksei kokkeja, myyjiä, matematiikan opettajia tai talonmiehiä? Kyllä, koska joidenkin ihmisten täytyy tankata "inspiraatiota". Ei ole epäilystäkään, että jotkut taidemaalarit todella kutsuvat muusaa neljänkymmenen asteen menetelmillä tai jopa huumeilla. Monet suuret ihmiset eivät ujostuneet vihreästä käärmeestä: Modigliani, Savrasov (ja tässä on kaksi stereotypiaa kerralla: hän ei ole vain taiteilija, hän on myös venäläinen!), Van Gogh, Gauguin ja muut. Mitä sitten? Eikö muiden toimialojen edustajien joukossa todellakaan ollut tarpeeksi juomia? Jeltsiniä, Stalinia, Pietari Suuri, Aleksanteri Suurta ei huomattu heidän intohimossaan maalaamiseen, mutta intohimo alkoholiin on tervetullut.
Myytti 2. Kaikki taiteilijat ovat köyhiä
Myytti 3. Kaikki taiteilijat ovat rikkaita
Ja taas ei! Historia näyttää tietävän vähemmän tällaisia esimerkkejä. Tilastot puhuvat muotokuvamaalaajien puolesta, jotka suosivat realismia tai koristelivat kuvattua. Rikkaiden muotokuvat (aatelisista keisariin) ovat viileämpiä kuin kultakaivos. Katariina II:n suosikit polttavat hermostuneesti sivussa. Ja silti edellisen kappaleen esimerkit tuovat modernit unelmoijataiteilijat takaisin maan päälle vaaleanpunaisten norsujen maailmasta. Teoksen myymistä sopivaan hintaan käsitellään artikkelissani ”Kuinka paljon maalauksia kannattaa myydä? »
Myytti 4. Taiteilijat säästävät lahjoissa
Hän antoi maalauksen ja kaikki oli kunnossa. En puhu vaihtoehtokustannuksista (eli ajasta, jonka maalari olisi voinut käyttää maalauksen myyntiin). Puhumme asian aineellisesta puolesta. Maalit, siveltimet ja muut tarvikkeet maksavat rahaa, etenkin paareilla olevat kankaat ovat kalliita: yksinkertaisen 40x50 kankaan hinta on keskimäärin 500-700 ruplaa. Lisää nyt useita tuhansia ruplaa maksava mukautettu patonki ja matto, jos puhumme vesiväreistä! "Kotitekoinen" maksaa minulle monta kertaa enemmän kuin ostettu lahja.
Myytti 5. Kaikki suuret taiteilijat ovat miehiä
Voi ei, en ole ollenkaan feministi, päinvastoin. Mutta totean silti tosiasian: naiset eivät saaneet erityisesti harjoittaa luovuutta vuosisatojen ajan. Ja heti kun lupa oli annettu, Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalya Goncharova, Mary Cassette ja Berthe Morisot nousivat viehättävään Olympukseen. He kirjoittivat miesten tasolla, ei huonommin! Mene nyt mihin tahansa taidestudioon - yleisö on kuin kampaamossa (jokaista kymmentä tyttöä kohti on kaksi kaveria). Lue lisää kuuluisista taiteilijoista artikkelista "
Ovatko kaikki maalaukset kehystetty?
Piet Mondrian. Koostumus keltainen, punainen, sininen, musta ja harmaa. 1920
1/2Georges Seurat. Sunnuntai-iltapäivä La Grande Jatte -järvellä. 1884
2/2Lainaus kirjasta
”Maalaukset asetetaan yleensä kehyksiin näytteillepanoa varten. Kehykset kiinnittävät huomion maalaukseen ja suojaavat sen reunoja. Jotkut kehykset ovat koristeellisia, erityisesti antiikkiesineitä, jotka aikoinaan riippuivat kartanoista. Muut kehykset ovat hyvin yksinkertaisia, ne eivät häiritse taiteen pohdiskelua. Kehysten tarkoitus on täydentää sisällä olevia maalauksia, näyttää ne parhaalta puoleltaan.
Piet Mondrian uskoi, että kehykset ovat kuin seinät. Joskus näyttää siltä, että ne seisovat yleisön ja taiteen välissä, ikään kuin luovat esteen, erottaen maalauksen muusta maailmasta. Mondrian halusi kaikkien nauttivan hänen työstään ja ettei kukaan tunteisi olevansa erossa siitä. Hän kirjoitti kankaan reunoihin. Ja joskus jopa sivuilla.
Hän repi nämä seinät!
Georges Seurat ei pitänyt siitä, että kehykset loivat varjoja maalauksen reunoihin. Ja hän piirsi kehyksen itse. Se koostuu tuhansista pienistä pisteistä yli 25 eri värissä.
Tiesitkö, että televisioruudulla näkyvä kuva koostuu pisteistä, joita kutsutaan pikseleiksi? Tämä maalaus maalattiin yli 50 vuotta ennen kuin väritelevisio keksittiin!
Kommentti
Saattaa tuntua naurettavalta omistaa kokonainen luku kehyksille, vielä vähemmän aloittaa kirja käytännössä tällä. Mutta tähän on syitä. Ensinnäkin emme koskaan katso kuvaa tyhjyydessä. Valo, korkeus, jolla se sijaitsee, viereiset teokset, huomautukset - kaikki tämä luo tilaa sen ympärille. Modernista veistoksesta puhuttaessa puhutaan varmasti sitä ympäröivästä "runollisesta tilasta": jonkin abstraktin veistoksen merkitys syntyy vasta katsojan katsoessa sitä. Toiseksi, kehyksestä tulee usein itse maalauksen juoni - kuten yllä olevissa hauskoissa esimerkeissä on todistettu. Lopuksi kehys on olennainen lenkki kysymysten ja vastausten ketjussa, joka auttaa ymmärtämään työtä paremmin. Kun olet selvittänyt, kuka kirjoittaja on ja onko hän vaikuttanut taiteen historiaan, voit katsoa kehystä nopeasti. Muuten, vuonna 1990 New York Metropolitanilla oli eräänlainen näyttely toisinpäin: museossa oli esillä monia tyhjiä kehyksiä kiinnittääkseen huomion usein huomiotta jätettyyn todellisuuteen.
Miksi kaikki on tasaista?
Nebamon metsästää suolla. Nebamonin hauta, n. 1350 eaa e.
1/2Jean Metzinger. Pöytä ikkunan vieressä. 1917
2/2Lainaus kirjasta
”Kaikki taideesineet eivät näytä kolmiulotteisilta.
Kaksiulotteiset eli 2D-kuvat ovat litteitä, kuten tämä sivu. Kolmiulotteinen tai 3D - on korkeus, leveys ja syvyys, kuten pallo.
IN eri aikoina taide oli joko yhtä tasaista kuin pinta, jolle taiteilijat maalasivat, tai kolmiulotteista, kuten todellisia asioita.
Paljon muinaista taidetta, kuten egyptiläiset seinämaalaukset, näyttävät tasaisilta. Se näyttää enemmän kaavioilta ja on täysin erilainen kuin elämä.
Jo muinaisina aikoina taiteilijat osasivat välittää äänenvoimakkuutta ja maalasivat litteitä kuvia tarkoituksella.
IN Muinainen Egypti aateliset ihmiset haudattiin maalattuihin hautoihin aarteineen. Haudan seinät oli koristeltu piirustuksilla, joita ei ollut tarkoitettu eläville. He näyttivät jumalille, mitä ihmiset tekivät elämänsä aikana.
Kuva näyttää litteältä, jotta jumalien olisi helpompi ymmärtää.
<…>Mitä pöydällä on? Näetkö maljakon kukkia, lasin, pelikortti ja sen vieressä oleva ikkuna?
Jean Metzinger ei noudata perspektiivin lakeja, mutta haluaa silti osoittaa, että maalauksen esineet ovat kolmiulotteisia. Siksi hän kuvaa niitä samanaikaisesti eri näkökulmista. Tätä tekniikkaa kutsutaan kubismiksi."
Kommentti
Tämä kohta heijastaa yleistä skeptisyyttä, jonka mukaan taiteilijat ovat unohtaneet, kuinka kolmiulotteinen todellisuus voidaan kuvata luotettavasti - karkeasti sanottuna "piirtää samanlaisia". Naked People -kirjailija Susie Hodge pyytää apuun muinaisia mestareita, abstrakteja taiteilijoita ja kubisteja. Niiden kerääminen yhteen merkin "litteä" alle on varsin hauskaa - kubistit luovat maalauksessaan vähintään kolme tasoa ja joskus jopa kuvaavat saman kohteen eri ajankohtina, joten heidän töitään ei voida kutsua tasaiseksi. Tähän lapselliseen kysymykseen ei kuitenkaan ole selvää vastausta, ja joka kerta sinun on mietittävä, miksi taiteilija päätti tehdä kaikesta tasaista. Hodge unohtaa kulttuuriset erityispiirteet: perspektiivi on eurooppalainen keksintö, ja monien maiden taiteessa sitä ei periaatteessa löydy. Päättely, jonka mukaan litteästä kuvasta tulee koristeellisempi ja abstraktimpi, on varsin perusteltu - kuten myös "litteän" ja "vanhaan" yhdistäminen. Mutta samalla Hodge jostain syystä välttää hyvin yksinkertaisen ja ilmeisen johtopäätöksen: poistamalla kuvasta joitain yksityiskohtia, kirjoittaja keskittyy muihin. Karkeasti sanottuna yksinkertaistamalla (ja litistämällä) kuvaa taiteilija voi tehdä siitä ilmaisuvoimaisemman, ja monissa tapauksissa yksinkertaistamalla hänen on helpompi hallita tätä ilmaisukykyä.
Miksi taiteessa on niin paljon alastomia ihmisiä?
Sandro Botticelli. Venuksen syntymä. 1486
1/2Yves Klein. Antropometria ilman nimeä. 1960
2/2Lainaus kirjasta
”Maalauksessa, kuvanveistossa ja valokuvauksessa alastomat ihmiset ovat hyvin yleisiä.
Kaikki on peräisin muinaisista kreikkalaisista, jotka uskoivat, että alaston ruumis oli kaunis ja tutkimisen arvoinen. Nykyäänkin taiteilijat oppivat piirtämään alastomia ihmisiä ymmärtääksesi paremmin vartalon muotoa. Tätä kutsutaan elämästä piirtämiseksi.
Alaston Venus, roomalainen rakkauden ja kauneuden jumalatar, kelluu seisoessaan kuoren kuoressa. Mukaan muinainen legenda, Venus syntyi aikuisena ja muutti meren yli. Botticelli maalasi maalauksensa monta vuotta tämän legendan syntymisen jälkeen.
Taiteessa alastomuus merkitsee usein uusi elämä. Botticellin aikana naiset peittivät vartalonsa huolellisesti. Mutta Venus on alasti, koska hän on jumalatar, ei tavallinen nainen!
Monet taiteilijat uskovat, että naisen vartalo on kauniimpi kuin miehen vartalo, minkä vuoksi alastomia naisia esiintyy taiteessa enemmän kuin alastomia miehiä.
Vuonna 1960 Yves Klein keksi uusi tapa kuvaavat naisten vartaloa. Hän peitti alastomia naisia sinisellä maalilla ja asetti heidät jättimäiselle kankaalle lattialle. Ne toimivat "elävinä harjoina".
Kommentti
Kirjan kiehtovin luku on nimessä - mikä on yleisesti ottaen varsin ymmärrettävää. Mutta emme löydä täältäkään selvää vastausta kysymykseen - ehdotettujen vaihtoehtojen joukossa on useita kerralla: kehon plastisuuden ja sen kauneuden tutkimus, elämän symboli ja isku kasvoihin yleinen mielipide. Tässä ei kuitenkaan ole mitään mysteeriä: harvat asiat maailmassa herättävät ihmisessä niin voimakkaan reaktion - kiinnostuksen ja hankaluuden, häpeän ja halun, ihailun tai päinvastoin inhoa - kuin alastomuus. Alaston ihmiskeho taiteessa - ja sen mukaan eri syistä, se on naisellinen, joka on voimakkain elämän ja kuoleman symboli. Tässä mielessä alaston ruumis on taiteilijan työkalu, jonka hän voi joko kuvata maalauksessa tai näyttää elämässä. Jälkimmäisessä tapauksessa puhumme suorituskyvystä. Alastonesitys on jännittävämpi, joskus hauras, joskus epämiellyttävä. Lisäksi alaston vartalo on myös pakollinen vilpittömyyden symboli, jota Lucian Freud halusi käyttää osoittaen ihmisen avuttomuutta. Samalla alaston ruumis sisään eurooppalainen perinne on niin tiiviisti sidoksissa kauneuden ajatukseen, että tarpeettoman epämiellyttävän ruumiin näyttäminen, kuten Freud halusi tehdä, ei ole yhtä järkyttävää ja saa ajattelemaan ikääntymistä ja rappeutumista. Väitteessä alastomien naisten ylivoimasta miehiin nähden kaikki ei myöskään ole niin yksinkertaista: sisään Tsaarin Venäjä, esimerkiksi oli mahdollista piirtää vain miesten alastonkuvia ja naisartisteja meni perinteisesti Italiaan.
Tarvitseeko sinun tietää maalausten juonen?
John Everett Millais. Ophelia. 1851-1852
1/2Cornelia Parker. Kylmä pimeä aine: häiriön havainnointi. 1991
2/2Lainaus kirjasta
”Tarinoita kerrotaan kaikissa taiteen muodoissa - maalauksesta ja kuvanveistosta elokuvaan.
Taideteos on ikkuna toisen ihmisen mielikuvitukseen. Näemme tosiasiat ja tarinat jonkun toisen silmin.
Noin 160 vuotta sitten oli liike nimeltä Pre-Raphaelite Brotherhood. Tämän liikkeen taiteilijat maalasivat aiheita, jotka ovat usein peräisin historiasta. Heidän maalauksiaan kutsuttiin joskus "kehystetyiksi romaaneiksi". Millais oli prerafaeliitti.
<…>Kaunis Ophelia hukkui, ja taiteilija kuvittelee, kuinka tämä olisi voinut tapahtua. Jotta kuva olisi kiinnostavampi, hän koristelee sen lukuisilla symboleilla. Esimerkiksi punaiset unikot ja siniset muistamattomat merkitsevät muistoa tai kuolleiden muistoa.
Tämä on hyvä kuuluisa tarina, ja ihmiset kerääntyivät Lontoon kuninkaalliseen akatemiaan, jossa maalaus oli ensimmäisen kerran esillä vuonna 1852.
Tämän taideteoksen takana on tarina. Cornelia Parker halusi luoda tunnelman, ilmapiirin, saada meidät ajattelemaan elämäämme ja sitä, mitä jätämme taaksemme.
Emme ajattele paljon puutarhavajasta. Tallennamme siihen tarpeettomia asioita, jotka unohdamme nopeasti. Parker päätti räjäyttää sen!
Sitten hän keräsi hiiltynyttä puuta ja vääntynyttä metallia ja ripusti ne kattoon siimalla. Hän asetti lampun keskelle luomaan pahaenteisiä varjoja seinille."
Kommentti
Tässä luvussa kirjoittaja tekee ovelan liikkeen ja yrittää rinnastaa kuvan syntyhistorian juoneeseensa. Miksi tämä on välttämätöntä? 1900-luvulla taide muuttui suurelta osin juonittomaksi, ja jos aiemmin taidetta oli mahdotonta ymmärtää ymmärtämättä historiaa (esimerkiksi lukea klassisia ikonimaalausjuttuja - ja tämän ansiosta ymmärtää, tekikö taiteilija vallankumouksen vai ei tietyssä teoksessa), nyt ne ovat saaneet paljon suuremman merkityksen taiteilijan historialle ja tietyn maalauksen luomishistorialle. Kirjoittajan elämäkerran seuraamisesta on tullut yhtä jännittävää kuin pitkien tv-sarjojen kausien katsomisesta: hän muutti Eurooppaan, alkoi välittää enemmän siirtolaisista, mutta tämän vuoksi hänestä tuli yhtäkkiä vähemmän kiinnostava, tai vaikkapa Cai Guoqiang - hän koulutti uudelleen suurten teknisten ilotulitteiden mestari ja menetti kaiken, mikä hänellä oli käsitteellisen viehätyksensä. Mutta Richard Long: koko elämänsä hän tallasi polkuja ympäri maailmaa, ei pettänyt ideoitaan, joita varten hänet sisällytettiin kaikkiin maataiteen oppikirjoihin.
Keitä kaikki nämä ihmiset ovat?
Edward Hopper. Pilko suey. 1929
1/2Mark Quinn. Y. 2006
2/2Lainaus kirjasta
”Monet maalaukset ovat täynnä ihmisiä, mutta keitä he ovat?
Aiemmin, jo ennen valokuvauksen keksimistä, jalot ihmiset tilasivat muotokuvansa. Taiteilijoiden oli näytettävä, kuinka voimakkaita, kauniita ja rikkaita asiakkaat olivat. Usein kokonaiset perheet poseerasivat ryhmämuotokuvissa taiteilijalle.
<…>Edward Hopperin muotokuvassa kaksi muodikasta naista ravintolapöydässä. Toisin kuin menneisyyden muotokuvat, nämä naiset eivät ole tärkeitä ihmisiä. Ne ovat tavallisimpia eivätkä eroa satunnaisista vierailijoista. Väkijoukossa näemme monia meille tuntemattomia ihmisiä, ja juuri tätä Hopper halusi kuvata.
Ja vaikka hän näyttää kahta tuntematonta, molemmat olivat Hopperin vaimon mallia!
<…>Marc Quinn käytti omaa vertaan tehdäkseen päänsä. Veistos pidetään kylmässä, muuten se sulaa.
Se on muistutus siitä, kuinka hauras elämä on, Quinn sanoi. Viiden vuoden välein kuvanveistäjä tekee uuden pään, jotta näet kuinka hän ikääntyy."
Kommentti
Itse asiassa, kun ajattelet sitä, ketä kuvassa on kuvattu, sinun on ensin mietittävä työn tilaajaa. Kirjoitusaikaa ja päähenkilöä vertaamalla voidaan jopa esittää hypoteesi taiteilijan menestyksestä. Raamatun tarinoita Ne kirjoitettiin usein kirkon tilauksesta, vaikka tietysti oli myös yksityisiä tilauksia. Ennen impressionisteja muotokuvia maalattiin pääasiassa tilauksesta rikkaille ihmisille, joten ranskalaiset taiteilijat He tekivät vallankumouksen, kun he alkoivat maalata tavallisia ihmisiä, mutta sitten heidän piti miettiä, kuinka myydä kaikki nämä maalaukset. Ja Marc Quinnin työstä on helppo päätellä, että taiteilija ei nälkää eikä koe impressionistien ongelmia: hänen työnsä ei vaadi niinkään rohkeutta kuin vankat budjetit.
Miksi maalauksissa on hedelmiä?
Paul Cezanne. Omenat ja appelsiinit. 1899
1/3Jan van Kessel. Asetelma "Vanitas". 1665-1670
2/3John Lorbeer. Tarzan / seisova jalka. 2002
3/3Lainaus kirjasta
"Taiteilijat maalaavat usein omenoita ja appelsiineja, mutta miksi?
Ensinnäkin hedelmät ovat luotettavia. Toisin kuin ihmismallit, he eivät räpytä, nykivät tai vaadi teetä.
Hedelmien kuvaus auttaa taiteilijoita tutkimaan luonnon muotoja, värejä ja sävyjä.
Tällaisia maalauksia kutsutaan asetelmiksi. Ennen valokuvauksen keksimistä taiteilijat osoittivat kykyjään luomalla realistisia asetelmia. Mutta sitten kaikki muuttui...
Paul Cezanne maalasi tämän kuvan kameran keksimisen jälkeen, eikä hänen mielestään ollut tehtävänsä kopioida todellisuutta. Myös valokuvaaja voisi tehdä tämän!
Hän kirjoitti pyöreä hedelmä tasaiselle kankaalle, mutta uudella tavalla. Hedelmien muotojen näyttämiseksi hän kuvasi jokaista omenaa samanaikaisesti monesta kulmasta, eri näkökulmista. Näyttää siltä, että omenat putoavat pöydältä.
<…>Tässä kuvassa on kaksinkertainen merkitys. Kukkien viereen Jan van Kessel kuvasi kalloa - kuoleman symbolia. Tämä on varoitus, joka muistuttaa meitä elämän hauraudesta. Emme saa unohtaa, että me kuolemme lopulta!
Asetelma on ranskankielinen sana, joka tarkoittaa "kuollut luonto". Kankaan kukat näyttävät eläviltä, mutta sisällä oikeaa elämää ne muuttuvat mätäksi.
<…>John Lorbeer on optinen illusionisti, joka on kuuluisa jäätyneistä hahmoistaan.
Täällä on kaikki aika sekavaa. Se on sama esine kuin asetelmiin vangittu hedelmä, mutta samalla se on elävä eikä maalattu. Aika kuluu, mutta hän pysyy liikkumattomana ja roikkuu seinällä kuin maalaus.
Kommentti
Hyvä vastaus kysymykseen, mutta puuttuu tärkeä kohta. Asetelma on ensisijaisesti puhdasta muotoa koskeva tutkimus. Ja jos taiteilija harvoin maalaa asetelmaa - kuten esimerkiksi monet impressionistit tekivät - tämä tarkoittaa, että hän ei ole huolissaan kuvan muodollisista ominaisuuksista, vaan sen välittämästä hetkellisestä tuntemuksesta. Asetelma todella välittää ajatuksen olemassaolon hauraudesta - mutta sitä ei voi pitää absoluuttisena: loppujen lopuksi monet muotokuvien sankarit ovat myös kuolevaisia. Ajatus siitä, että esitys voi joskus muuttua asetelmaksi, on myös varsin huvittava - mutta täytyy muistaa, että tämä on hyvin harvinaista.
Biologit ja kognitiiviset tutkijat uskovat, että ajatukset harmoniasta ovat kiinteästi kiinni aivoihimme, mikä antaa meille mahdollisuuden reagoida herkästi luonnon muotojen kauneuteen. Oletettavasti pidämme kirkkaista väreistä, koska kyky erottaa ne on yksi mukautumismekanismeista, joka mahdollisti lajimme selviytymisen. Olemme intuitiivisesti tyytyväisiä symmetrisiin kasvoihin ja harmonisiin kuvioihin, ja iloisten, positiivisten aiheiden kuvaaminen tuottaa luonnollista nautintoa.
Samalla emme vaadi taiteilijalta, että hänen täytyy "tehdä meistä kauniita" luovuudellaan.
Taideesineisiin sovelletaan laajempia kriteerejä ja kauneuden käsitettä arvioivana kategoriana nykytaide dekonstruoitu. Onko "musta neliö" kaunis? Ja Marcel Duchampin "Fountain"? Entä Marina Abramovicin esitys "Rhythm 0"? Jokainen näistä taideteoksista on ajatus materiaaliin tai toimintaan, eikä taiteilija missään tapauksessa pyrkinyt miellyttämään muiden makuhermoja.
Taiteilijoilla on aina ollut syytä kuvata monimutkaista, rumaa tai outoa. Samaan aikaan yleinen mielipide sanoo, että "ennen" (ehdollinen klassinen aikakausi) taiteilijat eivät olleet vielä vääristäneet taiteen olemusta ja halusivat "maalata kauniisti". Kuitenkin sisään eurooppalaista kulttuuria Ruman taiteellinen käsite ilmestyi paljon aikaisemmin kuin moderni taide.
Filosofit ja teologit rumista
Filosofisissa käsitteissä ja taideteoksissa heijastuvan kauneuteorian lisäksi on aina jatkunut rumuuden teoria, jonka puitteissa ruma ja ruma voisivat olla kuvaamisen arvoinen aihe. Ruma taide-esineenä herättää kiinnostusta jo keskuudessa keskiaikaisia ihmisiä- jos puhumme lahjakkaasta kuvasta, joka välittää täysin ajatuksen rumuudesta. Tässä tapauksessa ihailun kohteena ei ole itse kauhea tai vastenmielinen kuva, vaan taito, jolla se on tehty.
Johan Huizinga huomauttaa, että vasta 1400-luvulla maalaus oli saavuttanut tällaisten aiheiden täydellisen välittämisen taitotason. Hän yhdistää tähän erityisesti sellaisten laajalle levinneiden teemojen suhteellisen myöhäisen tuonnin maalaukseen kuin "Kuoleman voitto" ja " Viimeinen tuomio" Sama asia tapahtui marttyyrien kärsimystä kuvaavien kuvien kanssa.
Pyhien kärsimys: kipu ja kauneus
"Marttyyrikuoleman estetiikka", joka näkyy selkeimmin Kristuksen kärsimyksen kuvauksissa, kukoisti kypsällä keskiajalla ja siirtyi renessanssin taiteeseen. Aikakaudella varhainen keskiaika todennäköisemmin kohdattiin yksinkertaistettuja ristiinnaulitsemisen kuvauksia kuin yksityiskohtaisia maalauksia. Sama koskee marttyyrien kidutusta kuvaavia maalauksia.
Antroposentrinen malli tarjosi kuitenkin kiinnostuksen ihmiseen ja siten henkilökohtaisen kärsimyksen.
Jos kysymystä tarkasteltiin keskiajalla rakentavalta puolelta, niin renessanssin taiteilijoita alkoivat kiinnostaa puhtaasti kuvalliset näkökohdat: oikea anatomian esittäminen, perspektiivi. Fyysisyyden lisääntynyt korostus ilmeni kuvissa kärsivistä pyhimyksistä - tämä oli laillinen tapa maalata alastonkuvaa ihmisruumiit ja kiinnitä huomiota fyysisiin kokemuksiin.
Tämä selittää taipumusta pyhien ruumiillisen kidutuksen estetisointiin. Kalibroidut koostumukset, marttyyrien sirot asennot - nämä ovat tällaisten kuvien merkkejä. Kehon kauneudesta on tullut huolellisen harkinnan aihe. Taiteellinen kulttuuri Tämä aikakausi heijastaa kiinnostusta ihmistä kohtaan erilaisissa ilmenemismuodoissa, mukaan lukien kärsimys.
Ihmeellistä ja outoa
On toinenkin esteettisen kokemuksen alue, joka on osittain ruman vieressä - mutta ilman niin synkkää väritystä. Tämä kokemus oli kysyntää myös keskiajalla, jolloin kaikki esineet olivat piilossa symbolisia merkityksiä, ja renessanssin kulttuuriin, joka on kiinnostunut aineellisen maailman erilaisista ilmiöistä. Puhumme luokasta hämmästyttävä, outo ja outo.
Menneisyyden ihmiset tekivät vain vähän eroa "ihmeiden" välillä alkuperän perusteella - mystiset kuvat ja luonnon omituisuudet pidettiin homogeenisina ilmiöinä.
Intohimo kerätä uteliaisuutta, joka erottui sekä luonnontieteilijöistä että hallitsijoista, osoittaa halua koskettaa maailmankaikkeuden salaisuuksia. Esimerkiksi keisari Rudolf II:n kokoelma sisälsi sekä taideteoksia että fragmentteja legendaaristen eläinten ruumiista. Maaginen ja tieteellinen, symbolinen ja esteettinen - uteliaisuuksien kaapeissa nämä käsitteet kietoutuivat tiiviisti yhteen.
Nykyään meillä on käytettävissämme mitä tahansa visuaalista materiaalia, mutta menneiden aikakausien ihmisillä oli sitä paljon vähemmän. Matala sosiaalinen liikkuvuus, useimpien ihmisten istuvat elämäntavat ja lukutaidottomuus eivät sallineet maailmakuvan laajentamista. Siksi uudet kuvat - kuvissa tai tarinoissa - olivat erittäin kysyttyjä ja tekivät upean vaikutuksen.
Tarinat matkoista kaukaisiin maihin olivat erittäin suosittu keskiaikainen genre. Tarinat matkustamisesta itään sisältävät monia kuvitteellisia olentoja, jotka eivät ole suorastaan pelottavia ja rumia, mutta ovat legendaarisia ja rikkovat tavallisia kanoneja. Tarinoihin liittyi kuultujen mukaan tehtyjä vastaavia kuvia. Näiden kuvien herättämä ihailu on luonteeltaan esteettistä huolimatta siitä, että monet kuvatuista olennoista tai ilmiöistä eivät ole ollenkaan kauniita. Heidän mukanaan tuova viihdevoima, spektaakkelin tarjoaminen, legendaarinen status - tämä houkuttelee katsojan niihin.
Liittyy XII vuosisata"Prester Johnin kirje", jolla oli suuri vaikutus hänen aikalaistensa mieliin - sekä esteettisessä että poliittisessa mielessä. Kuuluisa Marco Polon kirja on omistettu kaukaisille vaelluksille. Todellisiksi historiallisiksi tiedoiksi luultavien tietojen lisäksi löytyy paljon liioittelua ja kummallisuuksia. Esimerkiksi Java Minorin (Sumatra) kuvauksessa Polo väittää näkeneensä yksisarvisen, mutta se ei osoittautunut niin kauniiksi ja lempeäksi kuin he sanoivat siitä, ja siksi se toi pettymyksen.
Täällä on villinorsuja ja yksisarvisia, peräti norsuja; Heillä on puhvelin kaltaiset hiukset ja norsun jalat, otsan keskellä on paksu ja musta sarvi; he purevat, minä sanon teille, kielellään; Heillä on pitkät piikit kielellään, ja he purevat kielellään. Peto on ruman näköinen. Ne eivät ole sellaisia kuin kuvailemme niitä; he eivät alistu neitsyelle: tätä emme suinkaan sano heistä.
Marco Polo Maailman ihmeiden kirja
IN kuvataiteet Esimerkki hassuista ovat kuvitukset roomalaisen kirjailijan Julius Obsequentuksen kirjaan, joka juontaa juurensa 1400-luvulle. Mestari, joka loi ne, on nimeltään Mestari Boucicaut - toisen hänen luomansa teossarjan mukaan ("Marsalkka Boucicaut'n tuntikirja"). Renessanssin ihmisille tutkielma oli kuin sekoitus historian oppikirjaa ja fantasiaromaania - vaikka jotkut heistä epäilivätkin, että jonkin maakunnan yllä todella satoi kiviä, oli mielenkiintoista lukea siitä. Mitä voimme sanoa hirviömäisten olentojen kuvista!
Maantiedon ja historian kirjojen miniatyyreissä kuvattiin legendaarisia olentoja - yksisarvisia, siivettömiä ja siivettömiä lohikäärmeitä, cynocephaluksia (psiglaviat), kyklooppeja, yksijalkaisia heschiapodeja. Olentojen kuvien klassinen esteettinen kaanoni on epäilemättä vääristynyt: tuskin kenellekään tulisi mieleen kutsua hahmoja, joilla on kasvot rinnassa, houkutteleviksi.
Samaan aikaan ne eivät sisällä uhkaa, joka on luontainen kuville helvetin piinasta, ja herättävät kiinnostusta. On helppo kuvitella renessanssin koulupoikaa, joka suu auki innokkaasti katsoo tällaisia kuvia.
Tiedämme enemmän monimutkaisia tapoja esteettisiä vaikutelmia kuin vain "kauniita". Pidämme himmeitä, "pölyisiä värejä" hienostuneina ja arvostamme radikaalia mustaa. Mielikuvitustamme kiihottavat kontrastit - siro ja karkea, ylevä ja matala. Tiedämme kuinka nähdä kauneus puutteissa ja puutteissa uskoen, että joskus ne tekevät jostain ihanteellisen todella ainutlaatuisen. Näemme makaaberissa jännittäviä ja rakastamme kutittaa hermojamme. Ne näyttävät meistä kauniilta syksyn sateet ja tulivuorten kuumaa laavaa.
Esteettinen taju oli monimutkainen ja moniselitteinen eri aikakausilta- mukaan lukien ne, jolloin luotiin kirjojen miniatyyrejä ja klassisia maalauksia.
Kun katsomme asioita toisen ajan ihmisten silmin, huomaamme, että he tunsivat myös hyvin monimutkaiset kokemukset hylkäämisen ja kiinnostuksen partaalla, tutkijan uteliaisuudesta ja mestarin taiteellisen lahjakkuuden ihailusta, olipa mitä tahansa. hän kuvasi.
Luovat ihmiset ovat lahjakkaita yksilöitä, jotka rakastavat olla hyödyllisiä ja tehdä hyvää muille. He pitävät vapaudesta, joten he pitävät kaikki rajoitukset oikeuksien loukkaavina. Monet ihmiset uskovat siihen luovia ihmisiä yksinäinen, onneton eivätkä elä kauan. Onneksi näin ei aina ole. Lahjakkuus on annettu Jumalalta, sinun tarvitsee vain tarttua hetkeen ja alkaa kehittää kykyjäsi ajoissa.
On syytä huomata, että ihmelapsien joukossa on todella paljon onnettomia ihmisiä, koska heidän luovuutensa ei aina ole muiden ymmärrettävissä. Yleensä keskivertoihminen aivojen toimintaa tapahtuu tietyissä rajoissa, ja kaikki, mikä ylittää nämä rajat, nähdään jonakin luonnottomana ja epänormaalina. Tästä syystä luovien ihmisten on erittäin vaikea selviytyä tässä julmassa maailmassa, jossa on niin paljon jatkuvat stereotypiat ja haluttomuus kehittyä.
Neurotiede vahvistaa, että lahjakkaat yksilöt ajattelevat ja toimivat eri tavalla. Luovien ihmisten mielet on kirjaimellisesti suunniteltu ajattelemaan yksilöllisesti, eri tavalla kuin enemmistön. Tällainen luonnonlahja voi kuitenkin vaikeuttaa elämää merkittävästi ja rasittaa suhteita muihin. Jos tunnet luovan ihmisen, olet luultavasti useammin kuin kerran ajatellut, että hän asuu jossain täysin erilaisessa maailmassa. Useimmissa tapauksissa yrittää ymmärtää tällaista persoonallisuutta on yhtä turhaa kuin yrittää muuttaa sitä. Jotta voisit sopeutua sellaiseen henkilöön, sinun on opittava katsomaan maailmaa hänen silmiensä kautta.
Jatkuva aivotoiminta
Luova mieli on jatkuva kone, jota ruokkii liiallinen uteliaisuus. Ei ole olemassa erityistä painiketta, joka voisi pysäyttää ja ohjata ajatuksia rauhalliseen suuntaan. Luovat ihmiset keksivät jatkuvasti erilaisia ideoita, jotka saattavat tuntua monista epärealistisilta. Lahjakas ihminen saa kiihkeässä elämäntahdissaan yhä enemmän voimia toteuttaa hauskoja ja joskus hulluja ideoita.
Valehtelijan lahjakkuus
On huomattava, että luovat ihmiset ovat erinomaisia valehtelijoita. Useat kokeet ovat osoittaneet, että tällaiset yksilöt ovat taipuvaisia monimutkaisempiin ja monimutkaisempiin valheisiin. Lisäksi he itse voivat helposti tunnistaa pettäjän. Yksi luovuuden ilmenemismuodoista on olemassa olevien mallien hyväksymättömyys ja vakiintuneiden stereotypioiden rikkominen. Lahjakkaat ihmiset havaitsevat helposti oman käyttäytymisensä epäeettisen luonteen ja suhtautuvat myös rauhallisesti muiden vastaaviin toimiin.
Korkea epäluottamusaste
Lahjakas ihminen ei yleensä luota edes läheisiin ihmisiin. Vaikka hän tunnistaa nopeasti valheet, epäluulo muita kohtaan on myös a erottuva piirre lahjakkuutta. Ja tämä ei ole yllättävää, koska uuden löydön tekemiseksi sinun on opittava katsomaan perusasioita eri näkökulmasta. Siksi lahjakas ihminen kyseenalaistaa kaiken, koska on paljon helpompi luoda jotain uutta tyhjästä.
törkeyttä
Erilaisten kokeilujen aikana havaittiin, että vaatimattomuus ei ole lahjakkaiden ihmisten suuri osa. Monet heistä ovat pääsääntöisesti ylpeitä kyvyistään ja käyttävät niitä taitavasti, minkä ansiosta he voivat asettaa itselleen kohtuuttoman korkean hinnan. Lisäksi lahjakas ihminen on erittäin halukas näyttämään, kuinka vaikutuksellinen hän on ja kuinka paljon hän osaa huolehtia. 
Masennus
Usein lahjakkaita ihmisiä joutua masennukseen. Monilla tällaisilla neroilla on erilaisia fobioita: toiset pelkäävät sairastua parantumattomaan sairauteen, toiset pelkäävät kuolemista nuorena, toiset jopa pyörtyvät nähdessään hämähäkin tai torakan. Psykologit monissa maissa ovat yrittäneet selvittää, liittyykö masennus todella lahjakkuuteen. Tutkittuaan psykiatrisista klinikoista saatuja tietoja he havaitsivat sen luovia persoonallisuuksia Vakavat mielenterveyden sairaudet kehittyvät useammin. Lisäksi on todistettu, että lahjakkuuden lisäksi myös vastaavat sairaudet voivat olla periytyviä.
On vaikea uskoa itseensä
Vaikka henkilö luottaisi kykyihinsä, hän alkaa ajan myötä kysyä kysymyksiä: "Olenko tarpeeksi hyvä? Teenkö kaiken oikein? Luovat ihmiset vertailevat jatkuvasti töitään muiden mestareiden luomuksiin eivätkä huomaa omaa loistoaan, joka saattaa olla ilmeistä kaikille muillekin. Tässä suhteessa havaitaan usein luovaa pysähtyneisyyttä, kun henkilö yksinkertaisesti luovuttaa ajattelemalla, että kaikki hänen aikaisemmat ideansa olivat turhia ja merkityksettömiä. Tällaisena hetkenä on erittäin tärkeää, että joku on lähellä tosi ystävä, joka auttaisi mestaria selviytymään tästä vaikeasta ajanjaksosta.
Aika unelmoida
Luovat ihmiset ovat haaveilijoita, tämä auttaa heitä työssään. Monet meistä ovat huomanneet sen eniten parhaita ideoita tulevat luoksemme, kun olemme henkisesti kaukana todellisuudesta. Neurotieteilijät ovat osoittaneet, että mielikuvitus aktivoi aivojen prosesseja, jotka liittyvät läheisesti luovuuteen ja fantasiaan.
Riippuu ajasta
Useimmat suuret mestarit myöntävät, että he loivat parhaat teoksensa joko yöllä tai aamunkoitteessa. Esimerkiksi V. Nabokov otti kynänsä käyttöön kello 6 aamulla heti herättyään, ja Frank Lloyd Wrightilla oli tapana aloittaa työt klo 3 ja mennä takaisin nukkumaan muutaman tunnin kuluttua. Pääsääntöisesti ihmiset, joilla on suuri luovaa potentiaalia harvoin pitää kiinni normaalista päivittäisestä rutiinista.
Yksityisyys
Ollaksesi mahdollisimman avoin luovuudelle, sinun on opittava käyttämään yksinäisyyttä rakentavasti. Tämän saavuttamiseksi monet lahjakkaat ihmiset voivat voittaa yksinäisyyden pelkonsa. Ihmiset kokevat luovat ja taiteilijat usein yksinäisiksi, vaikka todellisuudessa he eivät sitä ole. Tämä yksinäisyyden halu voi olla tärkeä kohta parhaan työn luomisessa.
Elämän esteiden voittaminen
Monet kulttiteokset julkaistiin, koska niiden luoja koki sydäntäsärkevää kipua ja voimakkaita tunteita. Usein erilaisista ongelmista tulee katalysaattori, joka auttaa luomaan ainutlaatuisia ja erinomaisia mestariteoksia. Psykologia on antanut tälle ilmiölle tieteellisen nimen - post-traumaattinen kasvu. Tutkijat ovat havainneet, että usein voimakas shokki auttaa henkilöä menestymään tietyssä toiminnassa sekä löytämään uusia mahdollisuuksia itsestään. 
Etsi uusia kokemuksia
Monet luovat ihmiset etsivät jatkuvasti uusia tunteita ja vaikutelmia. Valitettavasti jotkut heistä turvautuvat alkoholiin ja huumeisiin saavuttaakseen tämän vaikutuksen. On huomattava, että lahjakas henkilö on aina avoin uudelle tiedolle, hän on melko älykäs ja utelias. Siirtyminen tunnetilasta toiseen on eräänlainen moottori kahden sisäisen ja ulkoisen maailman tutkimiseen ja ymmärtämiseen.
Kauneus pelastaa maailman!
Luovat ihmiset ovat yleensä erilaisia erinomainen maku, joten he yrittävät jatkuvasti ympäröidä itsensä kauniilla asioilla. Nämä voivat olla paitsi vaatteita, myös sisustuselementtejä, maalauksia, kirjoja ja koruja. Jotkut tutkimukset ovat osoittaneet, että laulajat ja muusikot osoittavat lisääntynyttä vastaanottavuutta ja herkkyyttä taiteelliseen kauneuteen.
Pisteiden yhdistäminen
Luovat yksilöt löytävät mahdollisuuden siellä, missä muut eivät yksinkertaisesti huomaa sitä. monet kuuluisia kirjailijoita ja taiteilijat uskovat, että luovuus on kykyä yhdistää ne pisteet tavallinen ihminen En olisi ajatellut laittaa niitä samaan järjestykseen. Jos kysyt nerolta, kuinka hän laittoi nämä asiat yhteen, hän tuntee olonsa kiusalliseksi, koska hänellä ei ole vastausta tähän kysymykseen. Se mikä on vaikeaa toisille on vaikeaa luova ihminen ei ole vaikeaa.