Musiikin klassismi ja sen kehityksen päävaiheet
Klassismi (latinan sanasta classicus - esimerkillinen) - tyyliin taide XVII- XVIII vuosisata Nimi "klassismi" tulee vetoomuksesta klassiseen antiikkiin esteettisen täydellisyyden korkeimpana standardina. Klassismin edustajat veivät esteettisen ihanteensa esimerkeistä muinaista taidetta. Klassismi perustui uskoon olemassaolon rationaalisuuteen, järjestyksen ja harmonian läsnäoloon luonnossa ja ihmisen sisäisessä maailmassa. Klassismin estetiikka sisältää joukon pakollisia tiukkoja sääntöjä, jotka on täytettävä taideteos. Tärkeimmät niistä ovat kauneuden ja totuuden tasapainon vaatimus, looginen selkeys, sommittelun harmonia ja täydellisyys, tiukat mittasuhteet ja selkeä genren välinen ero.
Klassismin kehityksessä on kaksi vaihetta:
1600-luvun klassismi, joka kehittyi osittain taistelussa barokkitaidetta vastaan, osittain vuorovaikutuksessa sen kanssa.
1700-luvun valistuksen klassismi.
1600-luvun klassismi on monella tapaa barokin vastakohta. Se saa täydellisimmän ilmeensä Ranskassa. Tämä oli absoluuttisen monarkian kukoistusaika, joka tarjosi korkeimman suojelijan hovin taiteelle ja vaati siltä loistoa ja loistoa. Yläosa Ranskalainen klassismi alueella teatteritaiteet tuli Corneillen ja Racinen tragediat sekä Molieren komediat, jonka työhön Lully luotti. Hänen "lyyriset tragediansa" kantavat klassismin vaikutuksen (tiukka rakennuslogiikka, sankarillisuus, pitkäkestoinen luonne), vaikka niissä on myös barokin piirteitä - oopperoiden loisto, tanssien, kulkueiden ja kuorojen runsaus.
1700-luvun klassismi osui samaan aikaan valistuksen ajan kanssa. Valaistus - laaja filosofian, kirjallisuuden, taiteen liike, joka kattaa kaiken Euroopan maissa. Nimi "valaistuminen" selittyy sillä, että tämän aikakauden filosofit (Voltaire, Diderot, Rousseau) pyrkivät valistamaan kansalaisiaan ja yrittivät ratkaista rakennekysymyksiä. ihmisyhteiskunta, ihmisluonne, hänen oikeutensa. Valaistuksen kannattajat lähtivät kaikkivaltiuden ajatuksesta ihmisen mieli. Usko ihmiseen, hänen mielessään, määrää valaistumisen hahmojen näkemyksille ominaisen valoisan, optimistisen asenteen.
Ooppera on musiikillisen ja esteettisen keskustelun keskipiste. Ranskalaiset tietosanakirjailijat pitivät sitä genrenä, jossa muinaisessa teatterissa olemassa ollut taiteen synteesi pitäisi palauttaa. Tämä ajatus muodosti K.V:n oopperauudistuksen perustan. Gluck.
Kasvatusklassismin suuri saavutus on sinfonian (sonaatti-sinfoninen sykli) ja sonaattimuodon luominen, joka liittyy Mannheim-koulun säveltäjien työhön. Mannheim-koulu kehittyi Mannheimissa (Saksa) 1700-luvun puolivälissä hovikappelin pohjalta, jossa työskentelivät pääasiassa tšekkiläiset muusikot. suurin edustaja- Tšekki Jan Stamitz). Mannheim-koulun säveltäjien työssä sinfonian 4-osainen rakenne ja orkesterin klassinen sävellys vakiintuivat.
Mannheim-koulusta tuli Wienin koulun edeltäjä klassinen koulu - musiikillinen suunta, joka tarkoittaa Haydnin, Mozartin, Beethovenin työtä. Luovuudessa Wieniläisiä klassikoita Lopulta muodostui sonaatti-sinfoninen sykli, josta tuli klassinen, samoin kuin kamariyhtyeen ja konsertin genret.
Instrumentaalilajeista erityisen suosittuja olivat erilaiset arjen viihdemusiikki - serenadit, divertismentit, soitettiin ulkoilmassa ilta-aika. Divertimento (ranskalainen viihde) - instrumentaalisia moniosaisia teoksia kamariyhtyeelle tai orkesterille, jossa yhdistyvät sonaatin ja sarjan piirteet sekä lähellä serenadia ja nokturnia.
K. V. Gluck - oopperatalon suuri uudistaja
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) - syntyessään saksalainen (syntynyt Erasbachissa (Baijeri, Saksa)), on kuitenkin yksi näkyvät edustajat Wieniläinen klassinen koulu.
Gluckin uudistustoiminta tapahtui Wienissä ja Pariisissa ja toteutettiin klassismin estetiikan mukaisesti. Yhteensä Gluck kirjoitti noin 40 oopperaa - italialaista ja ranskalaista, buffaa ja seriaa, perinteisiä ja innovatiivisia. Jälkimmäisen ansiosta hän saavutti näkyvän paikan musiikin historiassa.
Gluckin uudistuksen periaatteet esitetään hänen esipuheessaan oopperan Alceste partituuriin. Ne tiivistyvät seuraavaan:
Musiikin tulee ilmaista runollinen teksti ooppera, se ei voi olla olemassa yksinään, ulkopuolella dramaattista toimintaa. Siten Gluck lisää merkittävästi oopperan kirjallisen ja dramaattisen perustan roolia alistamalla musiikin draamaan.
Oopperan tulee vaikuttaa ihmiseen moraalisesti, ja siksi vetoomus muinaisiin aiheisiin korkealla paatosuudellaan ja jaloillaan ("Orpheus ja Eurydike", "Pariisi ja Helena", "Iphigenia in Aulis"). G. Berlioz kutsui Gluckia "musiikin aischyloksi".
Oopperan on noudatettava "kauneuden kolmea suurta periaatetta kaikissa taiteen muodoissa" - "yksinkertaisuus, totuus ja luonnollisuus". Ooppera on tarpeen päästä eroon liiallisesta virtuoosisuudesta ja lauluornamentoinnista (jota on ominaista italialaiselle oopperalle) ja monimutkaisista juoneista.
Aarian ja resitatiivin välillä ei saa olla terävää kontrastia. Gluck korvaa secco-resitatiivin säestetyllä, minkä seurauksena se lähestyy aariaa (perinteisessä oopperasarjassa resitatiivit toimivat vain linkkinä konserttinumeroiden välillä).
Gluck tulkitsee myös aarioita uudella tavalla: hän tuo esiin improvisaatiovapauden piirteitä, yhdistää musiikillisen materiaalin kehityksen muutoksiin psykologinen tila sankari. Aariat, resitatiivit ja kuorot yhdistetään suuriksi dramaattisiksi kohtauksiksi.
Alkulaulun tulee ennakoida oopperan sisältöä ja tuoda kuulijat sen tunnelmaan.
Baletti ei saa olla lisäosa, joka ei liity oopperan toimintaan. Sen esittelyn tulisi riippua dramaattisen toiminnan kulusta.
Suurin osa näistä periaatteista ilmentyi oopperassa "Orpheus ja Eurydice" (ensi-ilta vuonna 1762). Tämä ooppera merkitsee uuden vaiheen alkua ei vain Gluckin työssä, vaan myös koko eurooppalaisen oopperan historiassa. Orpheusta seurasi toinen hänen innovatiivinen oopperansa, Alceste (1767).
Pariisissa Gluck kirjoitti muita uudistusoopperoita: Iphigenia in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia in Tauris (1779). Jokaisen niistä muodostui suurenmoinen tapahtuma Pariisin elämässä, mikä aiheutti kiivasta kiistaa "Gluckistien" ja "Piccinistien" välillä - perinteisen italialaisen oopperan kannattajien, jonka henkilöllisti napolilainen säveltäjä Nicolo Piccini (1728 - 1800). ). Gluckin voittoa tässä kiistassa leimasi hänen oopperansa Iphigenia in Tauris voitto.
Näin Gluck muutti oopperan korkean kasvatusihanteen taiteen, täytti sen syvällä moraalisella sisällöllä ja paljasti lavalla aitoja inhimillisiä tunteita. Oopperan uudistus Gluck vaikutti hedelmällisesti sekä hänen aikalaisiinsa että seuraaviin säveltäjäsukupolviin (erityisesti wieniläisiin klassikoihin).
Barokkkimusiikki on eurooppalaisen akateemisen musiikin kehitysvaihe, noin vuosien 1600 ja 1750 välillä. Barokkkimusiikki ilmestyi renessanssin lopulla ja edelsi klassismin musiikkia. Barokin aikakauden säveltäjät työskentelivät eri musiikkilajeissa. Ooppera, joka ilmestyi myöhään renessanssin aikana, tuli yhdeksi tärkeimmistä barokeista musiikillisia muotoja. Voidaan muistaa sellaisten genren mestareiden teoksia kuin Alessandro Scarlatti (1660-1725), Händel, Claudio Monteverdi ja muut. Oratorion genre saavutti huippunsa J. S. Bachin ja Händelin teoksissa; oopperoissa ja oratorioissa käytettiin usein samanlaisia musiikillisia muotoja. Esimerkiksi laajalle levinnyt aria da capo. Pyhän musiikin muodot, kuten messu ja motetti, vähenivät, mutta monet protestanttiset säveltäjät, mukaan lukien Johann Bach, kiinnittivät kantaattimuotoon huomiota. Kehittyivät sellaiset virtuoosit sävellysmuodot kuin toccatas ja fuugat.
Instrumentaalisonaatit ja sarjat kirjoitettiin sekä yksittäisille soittimille että kamariorkestereille. Konserttogenre esiintyi molemmissa muodoissaan: yhdelle soittimelle orkesterin kanssa ja concerto grossona, jossa pieni ryhmä soolosoittimia on vastakohtana kokonaiselle kokoonpanolle. Ranskalaisen alkusoiton muodossa olevat teokset vastakkaisilla nopeilla ja hitailla osuuksillaan lisäsivät loistoa ja loistoa moniin kuninkaallisiin hoviin.
Säveltäjät ovat usein kirjoittaneet koskettimille tarkoitettuja teoksia omaksi huvikseen tai opetusmateriaaliksi. Tällaisia teoksia ovat J. S. Bachin kypsät teokset, barokin aikakauden yleisesti tunnustetut henkiset mestariteokset: "Hyvin temperoitu klavier", "Goldbergin muunnelmat" ja "Fuugataide".
17. Valistuksen musiikki (realismi, romantiikka, impressionismi).
Valaistumisen aikakaudella tapahtuu ennennäkemätön nousu musiikillinen taide. K. V. Gluckin (1714–1787) toteuttaman uudistuksen jälkeen oopperasta tuli synteettinen taide, joka yhdistää musiikin, laulun ja monimutkaisen dramaattisen toiminnan yhteen esitykseen. F. J. Haydn (1732–1809) nosti instrumentaalimusiikin klassisen taiteen korkeimmalle tasolle. Valistuksen musiikkikulttuurin huippu on J. S. Bachin (1685–1750) ja W. A. Mozartin (1756–1791) teokset. Valaistumisen ihanne tulee erityisen selkeästi esiin Mozartin oopperassa "Taikahuilu" (1791), jolle on ominaista järjen kultti, valo ja ajatus ihmisestä maailmankaikkeuden kruununa. Oopperataide 1700-luvun oopperauudistus 1700-luvun jälkipuoliskolla. oli monella tapaa kirjallinen liike. Sen esi-isä oli ranskalainen kirjailija ja filosofi J. J. Rousseau.
18. Renessanssin lajityyppinen monimuotoisuus (barokki, klassismi).
Klassismin kehityksessä on kaksi historiallista vaihetta. Renessanssin taiteesta kasvanut 1600-luvun klassismi kehittyi samanaikaisesti barokin kanssa, osittain taistelussa, osittain vuorovaikutuksessa sen kanssa, ja tänä aikana se sai suurimman kehityksensä Ranskassa. Myöhäisklassismi liittyy valistukseen, suunnilleen 1700-luvun puolivälistä alku XIX luvulla, liittyy ensisijaisesti wieniläiseen klassiseen koulukuntaan.
Klassismin ja barokin monimutkainen suhde herätti keskustelua 1900-luvun alussa: monet musiikkitieteilijät, pääasiassa Saksassa, pitävät barokkia yhtenäisenä eurooppalaisen musiikin tyylinä renessanssin ja valistuksen välillä - noin 1700-luvun puoliväliin asti. luvulla ennen J. S. Bachia ja G. F. Händeliä mukaan lukien. Ranskassa, klassismin synnyinmaassa, jotkut musiikkitieteilijät päinvastoin olivat taipuvaisia tämän käsitteen liian laajaan tulkintaan, koska he pitivät barokkityyliä yhtenä klassismin erityisistä ilmenemismuodoista.
Aikakausien periodisointia vaikeuttaa se, että musiikkityylit levisivät laajasti eri kansallisissa kulttuureissa eri aikoina; Kiistatonta on, että 1700-luvun puolivälissä klassismi voitti melkein kaikkialla. Tähän suuntaan kuuluvat erityisesti K. V. Gluckin uudistusoopperat, varhaiset wieniläiset ja Mannheim-koulut. Musiikin klassismin korkeimmat saavutukset liittyvät wieniläisen klassisen koulukunnan toimintaan - J. Haydnin, W. A. Mozartin ja L. van Beethovenin työhön.
Klassismi taiteellisena liikkeenä kehittyi Ranskassa 1600-luvun ensimmäisellä puoliskolla: renessanssin aikana herännyt kiinnostus antiikin kulttuuriin synnytti erilaisia tyyppejä antiikin mallien jäljittelytaide muuttui absolutistisessa Ranskassa normatiiviseksi estetiikaksi, joka perustuu Aristoteleen "runouteen" ja täydensi sitä useilla erityisillä tiukoilla vaatimuksilla.
Klassismin estetiikka perustui uskoon maailmanjärjestyksen rationaalisuuteen ja harmoniaan, joka ilmeni huomiona teoksen osien tasapainossa, yksityiskohtien huolellisessa viimeistelyssä ja musiikillisen muodon peruskaanonien kehittämisessä. Tänä aikana lopulta muodostui sonaattimuoto, joka perustui kahden vastakkaisen teeman kehitykseen ja vastakkain, ja määritettiin sonaatin ja sinfonian osien klassinen kokoonpano.
Musiikkitaide voidaan asettaa teatterin ja kirjataiteen rinnalle. Oopperoita ja muita musiikkiteoksia kirjoitettiin suurten kirjailijoiden ja näytelmäkirjailijoiden teosten aiheista.
Musiikkitaiteen kehitys liittyy ensisijaisesti sellaisten suurten säveltäjien nimiin kuin J. S. Bach, G. F. Händel, J. Haydn, W. A. Mozart, L. V. Beethoven Osta 200 ml ruisku osta lääketieteellisiä ruiskuja 200 sigma-med.ru.
Ylivoimainen mestari polyphony oli saksalainen säveltäjä, urkuri ja cembalisti Johann Sebastian Bach (1685-1750).
Hänen teoksensa olivat syvältä täynnä filosofinen merkitys, korkea etiikka. Hän pystyi tiivistämään edeltäjänsä saavutuksista musiikkitaiteen alalla. Hänen tunnetuimpia teoksiaan ovat "Hyvin temperoitu klavier" (1722–1744), "Johannespassio" (1724), "Matteuspassio" (1727 ja 1729), monet konsertit ja kantaatit sekä messu alaikäinen (1747-1749) jne.
Toisin kuin J. S. Bach, joka ei kirjoittanut yhtäkään oopperaa, saksalainen säveltäjä ja urkuri George Frideric Händel (1685-1759)
kuuluvat yli neljäänkymmeneen oopperaan. Ja toimii myös raamatullisia teemoja(oratoriot "Israel Egyptissä" (1739), "Saul" (1739), "Messias" (1742), "Samson" (1743), "Judas Maccabee" (1747) jne.), urkukonsertit, sonaatit, sarjat jne.
Klassisten instrumentaaligenrejen, kuten sinfonioiden, kvartettojen ja sonaattimuotojen suuri mestari itävaltalainen säveltäjä
Joseph Haydn (1732–1809).
Hänen ansiostaan muodostui orkesterin klassinen kokoonpano. Hän omistaa useita oratorioita ("The Seasons" (1801), "The Creation of the World" (1798)), 104 sinfoniaa, 83 kvartettoa, 52 pianosonaatit, 14 mess.d.
Toinen itävaltalainen säveltäjä, Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791),
oli ihmelapsi, jonka ansiosta hänestä tuli kuuluisa varhaislapsuudessa. Hän kirjoitti yli 20 oopperaa, mukaan lukien kuuluisat "Figaron häät" (1786), "Don Giovanni" (1787), "Taikahuilu" (1791), yli 50 sinfoniaa, monia konsertteja, piano teoksia(sonaatit, fantasiat, muunnelmat), keskeneräinen "Requiem" (1791), laulut, messut jne.
Vaikea kohtalo, joka jätti jälkensä kaikkeen luovuuteen, oli saksalainen säveltäjä Ludwig van Beethoven (1770-1827).
Hänen neroutensa ilmeni jo lapsuudessa, eikä jättänyt häntä edes kauheisiin ongelmiin kenenkään säveltäjän ja muusikon kannalta - kuulon heikkenemiseen. Hänen teoksillaan on filosofinen luonne. Moniin teoksiin vaikuttivat hänen republikaaniset näkemyksensä säveltäjänä. Beethoven omistaa yhdeksän sinfoniaa, instrumentaalisonaattia (Moonlight, Pathétique), kuusitoista jousikvartettoa, yhtyeitä, oopperan Fidelio, alkusoittoja (Egmont, Coriolanus), pianokonserttoja ja muita teoksia.
Hänen kuuluisa ilmaisunsa: "Musiikin pitäisi sytyttää tuleen ihmisten sydämistä." Hän seurasi tätä ajatusta koko loppuelämänsä.
Katso myös
Japanin kielellisestä maailmankuvasta
Kysymys ns. kansallisten kielellisten maailmankuvien piirteistä, kuten edellisessä luvussa näimme, ei aina asetu oikein ja se liittyy usein epätieteelliseen spekulaatioon, josta keskusteltiin. ...
Toiminnan suunnittelu
Toiminnan suunnittelun tulee täyttää seuraavat vaatimukset ja periaatteet: perustua progressiivisiin aikataulustandardeihin, jotka puolestaan ovat kalenteriaikataulujen perusta...
Egyptologian historia
Nykyään egyptologia kokee suosion huipun. Egyptologian osastot ovat monissa yliopistoissa lähes kaikissa maailman kehittyneissä maissa. Esimerkiksi vuonna 1999 kaivaukset Egyptissä...
Tämä artikkeli saattaa palvella lisämateriaalia 7-8 luokkien musiikkitunneille. Se tarjoaa materiaalia musiikin syventämiseen XVII-XVIII viljelmät vuosisatoja. Tuon aikakauden musiikissa muodostui kieli, jota koko Eurooppa myöhemmin "puhuisi".
Lataa:
Esikatselu:
"Valaistuksen ajan musiikki"
Valistusliikkeellä oli merkittävä vaikutus musiikillista elämää. Musiikissa 1600-1700. musiikillinen kieli, jota koko Eurooppa myöhemmin "puhuu", on syntymässä. Ensimmäiset olivat Johann Sebastian Bach (1685 1750) ja George Frideric Händel (1685 1759). Bach – loistava säveltäjä ja urkuri, työskenteli kaikissa musiikkigenreissä oopperaa lukuun ottamatta. Hän toi Euroopassa keskiajalla syntyneen polyfonisen taiteen täydellisyyteen. IN elinten luovuus Bachin ajatusten ja tunteiden syvyys paljastuu täysin, ja sieluntunnustus kuullaan. Kuuden Bach-sukupolven joukossa lähes kaikki ovat urkureita, trumpetteja, huilunsoittajia, viulisteja, bändimestareita ja kanttoreita. Elämän polku nerokas säveltäjä- Tämä jatkuva taistelu oikeudesta luovuuteen. Händel, kuten Bach, käytetty raamatullisia tarinoita töillesi.
Koko 1700-luvun ajan useissa maissa (Italia, Saksa, Itävalta, Ranska jne.) tapahtui instrumentaalimusiikin uusien genrejen ja muotojen muodostumisprosesseja, jotka lopulta muotoutuivat ja saavuttivat huippunsa ns. "Wienin klassinen koulu".Wieniläinen klassinen koulukunta, joka omaksui orgaanisesti kansallisten musiikkikulttuurien edistyneitä saavutuksia, oli itsessään syvästi kansallinen ilmiö, jonka juuret ovat Itävallan kansan demokraattisessa kulttuurissa. Tämän taiteellisen liikkeen edustajia olivat J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Jokainen heistä oli valoisa yksilö. Siten Haydnin tyyli erottui kirkkaasta maailmankuvasta sekä genren ja arjen elementtien johtavasta roolista. Lyyris-dramaattinen alku oli tyypillisempi Mozartin tyylille. Beethovenin tyyli on taistelun sankarillisen patoksen ruumiillistuma. Kuitenkin niiden erojen ohella, jotka määrittävät kunkin säveltäjän ainutlaatuisen yksilöllisyyden, heitä yhdistävät realismi, elämää vahvistavat periaatteet ja demokratia. Ajattelu, joka suuntautui rationalismiin ja abstraktiin yleistykseen valistuksen aikana, johti uusien genrejen syntymiseen: SYMPONIA, SONATA, KONSERTTI. Nämä genret muodostivat sonaatti-sinfonisen syklin, jonka ydin oli sonaatti allegro. SONATA ALLEGRO on suhteellinen ja symmetrinen rakenne, joka koostuu kolmesta pääosasta - esittely, kehitys ja uusinta.
Wieniläiselle klassiselle koulukunnalle oli ominaista taiteellinen tyyli klassismi, joka sai alkunsa Ranskasta 1600-luvulla.Perustuen ideoihin maailmanjärjestyksen säännöllisyydestä ja rationaalisuudesta tämän tyylin mestarit pyrkivät selkeisiin ja tiukoihin muotoihin, harmonisiin kuvioihin, korkean ruumiillistukseen. moraalisia ihanteita. Korkeimmat, ylittämättömät esimerkit taiteellista luovuutta he pitivät muinaisia taideteoksia, joten he kehittivät muinaisia aiheita ja kuvia. Klassismi vastusti suurelta osin barokkia intohimollaan, vaihtelevuudellaan ja epäjohdonmukaisuudellaan ja vahvisti sen periaatteita eri taiteen muodoissa, myös musiikissa.Wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjien toimintaa valmisteli heidän edeltäjiensä ja aikalaistensa taiteellinen kokemus, mukaan lukien italialainen ja ranskalainen ooppera- ja instrumentaalikulttuuri, sekä saksalaisen musiikin saavutukset. Wienin, suurimman musiikkikeskuksen, musiikillisella elämällä oli valtava rooli wieniläisen klassisen koulukunnan muodostumisessa. musiikillinen kansanperinne monikansallinen Itävalta. Wieniläisten klassikoiden taide liittyy läheisesti itävaltalais-saksalaisen kulttuurin yleiseen nousuun, valistukseen, joka heijasteli kolmannen kartanon humanistisia ihanteita Suuren aattona. ranskan vallankumous. Luovia ideoita Wieniläiset klassikot ovat läheisessä yhteydessä G.E.:n näkemyksiin. Lessinga, I.G. Herdera, I.V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, joidenkin ranskalaisten tietosanakirjojen säännösten kanssa.
Wieniläisen klassisen koulukunnan edustajien taiteelle on ominaista taiteellisen ajattelun, logiikan ja selkeyden universaalisuus. taiteellinen muoto. Heidän teoksessaan yhdistyvät orgaanisesti tunteet ja äly, traagisuus ja koominen, tarkka laskelma ja luonnollisuus, ilmaisun helppous.Wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjien musiikki on uusi vaihe kehitteillä musiikillista ajattelua. Heidän musiikkikielelleen on ominaista tiukka järjestys yhdistettynä sisäiseen monimuotoisuuteen ja rikkauteen. Jokaisella wieniläisen klassisen koulukunnan mestarilla oli ainutlaatuinen persoonallisuus. Instrumentaalimusiikin ala osoittautui Haydnille lähimmäksi ja Mozart osoitti itsensä yhtä lailla oopperassa kuin sisälläkin instrumentaalilajeja. Haydn vetosi enemmän objektiivisiin folk-genre-kuviin, huumoriin, vitseihin, Beethoven - sankareihin, Mozart universaalina taiteilijana - lyyrisen kokemuksen eri sävyihin. Wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjien teos, joka kuuluu maailman huipulle taiteellista kulttuuria, oli valtava vaikutus jatkokehitystä musiikkia.
Useimmat monimutkainen muoto instrumentaalimusiikkia – SYMPONIA (kreikaksi "konsonanssi"). Se on suunniteltu sinfoniaorkesterin esitettäväksi. Tämän genren mahdollisuudet ovat suuret: sen avulla voit ilmaista musiikillisia keinoja filosofinen ja moraalisia ajatuksia, puhua tunteista ja kokemuksista. Genre syntyi 1700-luvun puolivälissä wieniläisen klassisen koulukunnan edustajien työssä. Säveltäjät kehittivät neljästä osasta koostuvan sonaatti-sinfonisen syklin, jotka eroavat musiikin luonteen, tempon ja teeman kehittämismenetelmien osalta. Ensimmäinen osa, sisäänrakennettu sonaattimuoto ja yleensä nopeassa tahdissa, täynnä dramaattista sisältöä. Joskus sitä edeltää hidas esittely. Toinen osa on hidas ja mietiskelevä; tämä on sävellyksen lyyrinen keskus. Kolmas eroaa toiseen verrattuna: mobiili, elävää musiikkia käyttää joko tanssia tai leikkisä hahmo. 1800-luvun alkuun asti. säveltäjät käyttivät menuetin muotoa (ranskalainen menuet, valikosta - "pieni, pieni"), yleinen salonki tanssi XVIII vuosisatoja. Myöhemmin menuetti korvattiin scherzolla (italialaista scherzoa - "vitsi") - tämä oli pienten laulu- tai instrumentaaliteosten nimi, tempoltaan nopea ja sisällöltään humoristinen. Neljäs, yleensä nopea osa on sinfonian päätös; tässä tiivistetään teoksen teemojen ja kuvien kehitys.Yksi monimutkaisimmista ja sisällöltään rikkaimmista musiikin muodoista, sonaatti, alkoi muotoutua 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla. ja löysi lopullisen muotonsa vuosisadan toisella puoliskolla wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjien teoksista. SONATA FORM on musiikkimateriaalin esittämisen periaate. Se ei sisällä osien ja osien mekaanista vuorottelua, vaan teemojen ja taiteellisten kuvien vuorovaikutusta. Aiheet - pää- ja toissijaiset - ovat joko vastakkaisia tai täydentävät toisiaan. Teemoja kehitetään kolmessa vaiheessa - esittely, kehitys ja yhteenveto. Näyttelyssä nousevat teemat (latinan sanasta expositio - "esitys, esittely"). Pääääni kuuluu päänäppäimessä, mikä määrittää koko sävellyksen avaimen nimen. Sivuaihe esitetään yleensä eri sävyllä - aiheiden välillä syntyy kontrasti. Teemojen jatkokehitys on työn alla. Ne voivat joutua jyrkkään keskinäiseen ristiriitaan. Joskus yksi tukahduttaa toisen tai päinvastoin menee varjoihin jättäen "kilpailijalle" täydellisen toimintavapauden. Molemmat teemat voivat esiintyä eri valossa, esimerkiksi ne esitetään eri soittimilla tai ne muuttavat luonnetta dramaattisesti. Reprisessa (ranskalainen reprise, sanasta reprendre - "jatka, toista") teemat palaavat ensi silmäyksellä alkuperäiseen tilaansa. Toissijainen teema kuitenkin soi jo pääsäimissä, jolloin se tulee yhtenäiseksi pääteeman kanssa. Reprise on seurausta monimutkaisesta polusta, jonka teemat rikastuvat esittely- ja kehityskokemuksella. Kehityksen tulokset kiinnitetään joskus lisäosaan - koodiin (italialaista codaa - "häntä"), mutta se ei ole pakollista. Sonaattimuotoa käytetään yleensä sonaatin ja sinfonian ensimmäisessä osassa sekä (pienin muutoksin) toisessa osassa ja finaalissa.
Yksi instrumentaalimusiikin päätyyleistä on SONATA (italialainen sonaatti, sonaresta - "ääneen"). Tämä on moniosainen (yleensä kolme- tai neljäosainen) teos. Wieniläisen klassisen koulukunnan mestareiden työssä sonaatti, kuten sinfonia, saavutti huippunsa. Toisin kuin sinfonia, sonaatti on tarkoitettu joko yhdelle instrumentille (yleensä pianolle) tai kahdelle (joista toinen on piano). Tämän genren teosten ensimmäinen osa on kirjoitettu sonaattimuodossa. Teoksen musiikilliset pääteemat on esitetty tässä. Toinen osa, yleensä rauhallinen ja hidas, on jyrkässä ristiriidassa ensimmäisen kanssa. Kolmas on nopealla tahdilla esitetty finaali. Hän tekee yhteenvedon tuloksista ja määrittelee lopuksi työn yleisen luonteen.
Joseph Haydnia pidetään wieniläisen klassisen koulukunnan perustajana. Haydnin työ liittyy sellaisten genrejen kukoistukseen kuin sinfonia (hänellä niitä oli sataneljä, kadonneita lukuun ottamatta), jousikvartetti (kahdeksankymmentäkolme) ja kosketinsonaatti (viisikymmentäkaksi). Paljon huomiota Säveltäjä omisti aikaansa konserteille eri soittimille, kamariyhtyeille ja pyhälle musiikille.
Franz Joseph Haydn syntyi Rohraun kylässä (Itävalta) perheeseen vaunujen valmistaja. Kahdeksanvuotiaasta lähtien hän alkoi laulaa Pyhän Tapanin kappelissa Wienissä. Tulevan säveltäjän oli ansaittava elantonsa kopioimalla nuotteja, soittamalla urkuja, klaveria ja viulua. Seitsemäntoista Haydn menetti äänensä ja hänet karkotettiin kappelista. Vain neljä vuotta myöhemmin hän löysi vakituisen työpaikan - hän sai työpaikan kuuluisan italialaisen säestäjänä oopperan säveltäjä Nicolet Porpore (1686-1768). Hän arvosti Haydnin musiikillista lahjakkuutta ja alkoi opettaa hänelle sävellystä. Vuonna 1761 Haydn astui varakkaiden unkarilaisten ruhtinaiden Esterhazyn palvelukseen ja vietti lähes kolmekymmentä vuotta heidän hovissaan säveltäjänä ja kappelin johtajana. Vuonna 1790 kappeli purettiin, mutta Haydn säilytti palkkansa ja kapellimestariaseman. Tämä antoi mestarille mahdollisuuden asettua Wieniin, matkustaa ja antaa konsertteja. 90-luvulla Haydn asui ja työskenteli hedelmällisesti Lontoossa pitkän aikaa. Hän saavutti eurooppalaisen mainetta, hänen työtään arvostivat hänen aikalaisensa - säveltäjästä tuli monien kunniatutkintojen ja nimikkeiden omistaja. Joseph Haydnia kutsutaan usein sinfonian "isäksi". Hänen työssään sinfoniasta tuli instrumentaalimusiikin johtava genre. Haydnin sinfonioissa pääteemojen kehitys on mielenkiintoista. Johtimalla melodiaa eri sävelsoittimilla ja rekistereillä, antaen sille yhden tai toisen tunnelman, säveltäjä löytää näin sen piilotetut mahdollisuudet, paljastaa sisäisiä ristiriitoja: melodia muuttuu sitten ja palaa sitten alkuperäiseen tilaansa. Haydnilla oli hienovarainen huumorintaju, ja tämä persoonallisuuden piirre näkyi hänen musiikissaan. Monissa sinfonioissa kolmannen osan (menuetin) rytmi on tarkoituksella raskas, ikään kuin kirjoittaja yrittäisi kuvata tavallisen ihmisen kömpelöitä yrityksiä toistaa uljaan tanssin elegantteja liikkeitä. Sinfonia nro 94 (1791) on nokkela. Toisen osan puolivälissä, kun musiikki kuulostaa rauhalliselta ja hiljaiselta, yhtäkkiä kuuluu timpaniiskuja - jotta kuulijat "ei kyllästy". Ei ole sattumaa, että teoksen nimi oli "Taistelevan Timpanin kanssa tai yllätys". Haydn käytti usein onomatopoeian tekniikkaa (linnut laulavat, karhu vaeltelee metsässä jne.). Sinfonioissaan säveltäjä kääntyi usein kansanteemaan.
Wieniläisen klassisen koulukunnan edustajien ja ennen kaikkea Haydnin ansiota ovat vakaan sävellyksen muodostaminen sinfoniaorkesteri. Aiemmin säveltäjät tyytyivät vain niihin soittimiin, jotka tällä hetkellä olivat saatavilla. Vakaan orkesterin ulkonäkö on selvä merkki klassismista. Ääni soittimia täten tuotiin tiukkaan järjestelmään, johon sovellettiin instrumentointisääntöjä. Nämä säännöt perustuvat tietämykseen soittimien ominaisuuksista ja oletetaan, että kunkin soundi ei ole päämäärä sinänsä, vaan väline tietyn idean ilmaisemiseen. Vakaa sävellys antoi orkesterille kiinteän, homogeenisen soundin.
Instrumentaalimusiikin lisäksi Haydn kiinnitti huomiota oopperaan ja henkisiin teoksiin (hän loi useita messuja Händelin vaikutuksen alaisena) ja kääntyi oratoriotyylilajiin ("Maailman luominen", 1798; "Vuodenajat", 1801).
Oopperan kehityksessä ei ole sen perustamisen jälkeen tapahtunut katkoksia. Oopperauudistus 1700-luvun jälkipuoliskolla. oli monella tapaa kirjallinen liike. Sen esi-isä oli ranskalainen kirjailija ja filosofi J.J. Rousseau. Rousseau oli mukana myös musiikissa, ja jos filosofiassa hän vaati paluuta luontoon, niin oopperan genre kannatti paluuta yksinkertaisuuteen.Ajatus uudistuksesta oli ilmassa. Erilaisten koomien oopperoiden nousu oli yksi oire; toiset saivat kirjeitä tanssista ja baletista Ranskalainen koreografi J. Novera (1727–1810), jossa kehittyi ajatus baletista draamana, ei pelkkänä spektaakkelina. Henkilö, joka toi uudistuksen eloon, oli K.V. Gluck (1714–1787). Kuten monet vallankumoukselliset, Gluck aloitti tradicionalistina. Useiden vuosien ajan hän esitti tragedioita peräkkäin vanhaan tyyliin ja suuntautui koomaan oopperaan pikemminkin olosuhteiden painostuksesta. Wienin ooppera jaettiin kolmeen pääsuuntaan. Johtava paikka otti vakavasti italialainen ooppera(italiaksi: opera seria), jossa klassiset sankarit ja jumalat elivät ja kuolivat tragedian ilmapiirissä. Vähemmän muodollinen oli koominen ooppera (opera buffa), joka perustuu Harlequinin ja Columbinen juoneeseen. italialainen komedia(commedia dell" arte), jota ympäröivät häpeämättömät lakeijat, heidän huonokuntoiset mestarinsa ja kaikenlaiset roistot ja huijarit. Näiden italialaisten muotojen mukana kehittyi saksalainen koominen ooppera (singspiel), jonka menestys piilee kenties äidinkielen käytössä suuren yleisön saatavilla. saksan kieli. Jo ennen Mozartin oopperauransa alkamista Gluck kannatti paluuta 1600-luvun oopperan yksinkertaisuuteen, jonka juonetta eivät vaimentaneet pitkät sooloaariat, jotka viivästyttivät toiminnan kehitystä ja toimivat vain tilaisuuksina laulajille osoittaa voimansa. heidän äänestään.
Lahjakkuutensa voimalla Mozart yhdisti nämä kolme suuntaa. Vielä teini-ikäisenä hän kirjoitti yhden oopperan jokaisesta tyypistä. Kypsänä säveltäjänä hän jatkoi työskentelyä kaikissa kolmessa suunnassa, vaikka opera seria -perinne oli hiipumassa.Mozartin työ valtaa erityinen paikka Wieniläisessä klassisessa koulussa. Hänen teoksissaan klassistinen ankaruus ja muodon selkeys yhdistettiin syvään emotionaalisuuteen. Säveltäjän musiikki on lähellä niitä 1700-luvun toisen puoliskon kulttuurin suuntauksia, jotka kohdistuivat inhimillisiin tunteisiin ("Storm and Drang", osittain sentimentalismi). Mozart osoitti ensimmäisenä epäjohdonmukaisuuden sisäinen maailma persoonallisuus.
Wolfgang Amadeus Mozart syntyi Salzburgissa (Itävalta). Fenomenaalilla musiikillinen korva ja muisti, hän oppi soittamaan cembaloa jo varhaislapsuudessa, ja viisivuotiaana hän kirjoitti ensimmäiset sävellyksensä. Tulevan säveltäjän ensimmäinen opettaja oli hänen isänsä Leopold Mozart, muusikko Salzburgin arkkipiispan kappelissa. Mozart hallitsi mestarillisesti cembalon lisäksi myös urut ja viulun; oli kuuluisa loistavana improvisoijana. Kuuden vuoden iästä lähtien hän kiersi Euroopan maissa. Yhdentoistavuotiaana hän loi ensimmäisen oopperansa "Apollo ja Hyasintti", ja neljätoistavuotiaana hän johti oman oopperansa "Mithridates, Pontuksen kuningas" ensi-iltaa Milanon teatterissa. Tänä aikana hänet valittiin Bolognan filharmonisen akatemian jäseneksi. Kuten monet tuon aikakauden muusikot, Mozart oli hovipalveluksessa (1769-1781) - hän oli Salzburgin arkkipiispan säestäjä ja urkuri. Mestarin itsenäinen luonne kuitenkin herätti arkkipiispan terävän tyytymättömyyden, ja Mozart päätti jättää palveluksen. Menneisyyden merkittävistä säveltäjistä hän valitsi ensimmäisenä elämän vapaa taiteilija. Vuonna 1781 Mozart muutti Wieniin ja perusti perheen. Hän ansaitsi harvinaisia painotuksia omia sävellyksiä, pianotunteja ja esityksiä (jälkimmäinen toimi sysäyksenä pianokonserttojen luomiseen). Mozart kiinnitti erityistä huomiota oopperaan. Hänen teoksensa edustavat kokonaista aikakautta tämäntyyppisen musiikkitaiteen kehityksessä. Ooppera houkutteli säveltäjän tilaisuudella näyttää ihmisten välisiä suhteita, heidän tunteitaan ja pyrkimyksiään. Mozart ei pyrkinyt luomaan uutta oopperamuotoa - hänen musiikkinsa itsessään oli innovatiivista. IN kypsiä töitä säveltäjä hylkäsi tiukan eron vakavan ja koomisen oopperan välillä - ilmestyi musiikillinen ja dramaattinen esitys, jossa nämä elementit kietoutuvat toisiinsa. Tämän seurauksena Mozartin oopperoissa ei ole yksiselitteisesti myönteisiä ja negatiivisia sankareita, hahmot ovat eloisia ja monitahoisia, eivät liity toisiinsa. Mozart turvautui usein kirjallisiin lähteisiin. Näin ollen ooppera "Figaron häät" (1786) kirjoitettiin ranskalaisen näytelmäkirjailijan P.O. Beaumarchais'n "Hullu päivä tai Figaron häät", joka kiellettiin sensuurilla. Pääaihe oopperat ovat rakkautta, mikä kuitenkin voidaan sanoa kaikista Mozartin luomuksista. Teoksessa on kuitenkin myös sosiaalinen alateksti: Figaro ja hänen rakkaansa Suzanne ovat älykkäitä ja energisiä, mutta he ovat nöyriä ja vain palvelijoita kreivi Almavivan talossa. Heidän vastustuksensa mestarille (tyhmä ja typerä aristokraatti) herättää kirjailijan myötätuntoa - on ilmeistä, että hän on rakastajien puolella. Oopperassa "Don Juan" (1787) keskiaikainen juoni naisten sydämien valloittajasta sai musiikillisen ilmentymän. Energinen, temperamenttinen, itsepäinen ja vapaa kaikista moraalinormit Sankaria vastustaa komentajan persoonassa korkeampi voima, joka personoi rationaalista järjestystä. Filosofinen yleistys on tässä vieressä rakkaussuhteet sekä genre- ja arkielementtejä. Traagisuus ja koominen muodostavat erottamattoman kokonaisuuden. Kirjoittaja itse korosti tätä oopperan ominaisuutta ja antoi teokselleen alaotsikon "Iloinen draama". Näyttää siltä, että finaalissa oikeus voittaa - pahe (Don Juan) rangaistaan. Mutta oopperan musiikki on hienovaraisempaa ja monimutkaisempaa kuin tämä teoksen yksinkertaistettu ymmärrys: se herättää kuulijassa myötätuntoa sankaria kohtaan, joka pysyi uskollisena itselleen kuolemankin edessä. Filosofinen satu-vertaus "Taikahuilu" (1791) on kirjoitettu Singspiel-genressä. Teoksen pääajatuksena on hyvän voiton väistämättömyys pahasta, kutsu lujuuteen, rakkauteen, sen korkeimman merkityksen ymmärtämiseen. Oopperan sankarit joutuvat vakaviin koettelemuksiin (hiljaisuus, tuli, vesi), mutta he selviävät niistä arvokkaasti ja saavuttavat kauneuden ja harmonian valtakunnan.
Mozart piti musiikkia pääasiana, vaikka hän olikin erittäin vaativa libreton tekstin suhteen. Hänen oopperoissaan orkesterin rooli kasvoi merkittävästi. Se on usein orkesteriosuudessa kirjoittajan asenne Vastaanottaja näytteleviä henkilöitä: joko pilkattava motiivi välähtää tai kaunis runollinen melodia ilmestyy. Tarkkaan kuulijalle nämä yksityiskohdat kertovat enemmän kuin teksti. Main muotokuvan ominaisuudet aariat jäävät, ja hahmojen väliset suhteet kerrotaan lauluyhtyeissä. Säveltäjä onnistui välittämään yhtyeiden jokaisen hahmon luonteenpiirteet.Mozartista tuli myös yksi genren luojista klassinen KONSERTTI. Konsertin ytimessä on kilpailu solistin ja orkesterin välillä, ja tämä prosessi on aina tiukan logiikan alainen. Säveltäjä omistaa 27 konserttoa pianolle ja orkesterille, seitsemän viululle ja orkesterille. Joissakin teoksissa kuuntelija iskee virtuoosista taidot ja juhlallisuus, toisissa dramaattisuus ja emotionaaliset kontrastit. Mestarin kiinnostus ei rajoittunut oopperaan ja instrumentaalimusiikkia. Hän loi myös hengellisiä teoksia: messuja, kantaatteja, oratorioita, requiemejä. Solisteille, kuorolle ja orkesterille tarkoitetun requiemin (1791) musiikki on syvästi traagista (Mozart työskenteli sävellyksen parissa jo sairaana, itse asiassa juuri ennen kuolemaansa). Oopperaaarioita ja yhtyeitä muistuttavat sävellyksen osat tekevät musiikista erittäin tunteellisen, ja moniääniset osat (ensinkin "Herra, armahda!") personoivat henkistä periaatetta, korkeinta oikeudenmukaisuutta. Requiemin pääkuva on kärsivä ihminen ankaran jumalallisen oikeuden edessä. Mestari ei koskaan ehtinyt viimeistellä requiemiä, jonka säveltäjän luonnosten perusteella viimeisteli hänen oppilaansa F.K. Zyusmayr.
Wieniläiseen koulukuntaan kuuluu historiallisesti Ludwig van Beethovenin (1770-1827) teoksia, jonka esteettiset ihanteet kehittyivät Ranskan aikakaudella. porvarillinen vallankumous. Tältä osin hänen työnsä sisälsi sankarillinen teema. "Musiikin tulee iskeä tulta ihmisen rinnasta" - näin sanoo saksalainen säveltäjä Ludwig van Beethoven, jonka teokset kuuluvat korkeimmat saavutukset musiikillista kulttuuria.Musiikillisesti hänen työnsä toisaalta jatkoi perinteitä Wieniläinen klassismi, toisaalta, vangitsi uuden romanttisen taiteen piirteet. Beethovenin teosten klassismista - sisällön ylevyys, musiikillisten muotojen erinomainen hallinta, vetoaminen sinfonian ja sonaatin genreihin. Romantismista - rohkea kokeilu näiden genrejen alalla, kiinnostus laulu- ja pianominiatyyreihin. Ludwig van Beethoven syntyi Bonnissa (Saksa) hovimuusikon perheeseen. Hän aloitti musiikin opiskelun varhaisesta lapsuudesta lähtien isänsä johdolla. Beethovenin todellinen mentori oli kuitenkin säveltäjä, kapellimestari ja urkuri K.G. Nefe. Hän opetti nuorelle muusikolle sävellyksen perusteet ja opetti soittamaan klaveria ja urkuja. 11-vuotiaasta lähtien Beethoven toimi kirkon apuurkurina, sitten hoviurkurina, konserttimestarina oopperatalo Bonna. Kahdeksantoistavuotiaana hän tuli Bonnin yliopistoon filosofian tiedekuntaan, mutta ei valmistunut ja opiskeli myöhemmin paljon itseään. Vuonna 1792 Beethoven muutti Wieniin. Hän otti musiikkitunteja J. Haydnilta, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (sen aikakauden suurimmat muusikot). Albrechtsberger esitteli Beethovenin Händelin ja Bachin teoksiin. Tästä syystä säveltäjän loistava tieto musiikin muodoista, harmoniasta ja moniäänisyydestä. Beethoven alkoi pian antaa konsertteja; tuli suosittu. Hänet tunnistettiin kaduilla ja hänet kutsuttiin seremoniallisiin vastaanottoihin korkea-arvoisten henkilöiden kodeissa. Hän sävelsi paljon: hän kirjoitti sonaatteja, konserttoja pianolle ja orkesterille, sinfoniaa.
Pitkään aikaan kukaan ei ymmärtänyt, että Beethovenia iski vakava sairaus - hän alkoi menettää kuulonsa. Vakuutettuna taudin parantumattomuudesta säveltäjä päätti kuolla vuonna 1802. laati testamentin, jossa hän selitti päätöksensä syyt. Beethoven onnistui kuitenkin voittamaan epätoivon ja löysi voiman jatkaa musiikin kirjoittamista. Tie ulos kriisistä oli kolmas ("sankarillinen") sinfonia. Vuosina 1803-1808 säveltäjä työskenteli myös sonaattien luomisessa; erityisesti yhdeksäs viululle ja pianolle (1803; omistettu pariisilaisviulisti Rudolf Kreutzerille, ja sai siksi nimen "Kreutzer"), 23. ("Appassionata") pianolle, viides ja kuudes sinfonia (molemmat 1808 ). Kuudes ("pastoraalinen") sinfonia on alaotsikkona "Muistoja maaseutuelämästä". Tämä teos kuvaa ihmissielun erilaisia tiloja, jotka ovat väliaikaisesti poissa sisäisistä kokemuksista ja kamppailuista. Sinfonia välittää tunteita, jotka syntyvät kosketuksesta luontoon ja maaseutuelämään. Sen rakenne on epätavallinen - viisi osaa neljän sijasta. Sinfonia sisältää figuratiivisuuden ja onomatopoeian elementtejä (linnut laulaa, ukkonen pauhaa jne.). Beethovenin löydöksiä käyttivät myöhemmin monet romanttiset säveltäjät. Huippu sinfoninen luovuus Beethovenin yhdeksäs sinfonia. Se suunniteltiin jo vuonna 1812, mutta säveltäjä työskenteli sen parissa vuosina 1822–1823. Sinfonia on mittakaavaltaan suuri; Finaali on erityisen epätavallinen, sillä se edustaa jotain suurta kantaattia kuorolle, solisteille ja orkesterille, joka on kirjoitettu J. F. Schillerin oodin "Ilolle" tekstiin. Sinfonian kantaesitys tapahtui vuonna 1825. Wienin oopperatalossa. Tekijän suunnitelman toteuttamiseen ei tarvinnut kutsua teatterin orkesteria: kaksikymmentäneljä viulua, kymmenen alttoviulua, kaksitoista selloa ja kontrabassoa. Wieniläiselle klassiselle orkesterille tällainen sävellys oli epätavallisen voimakas. Lisäksi jokaiseen kuoroosuuteen (basso, tenori, altto ja sopraano) kuului kaksikymmentäneljä laulajaa, mikä myös ylitti tavanomaiset normit. Beethovenin elinaikana yhdeksäs sinfonia jäi monille käsittämättömäksi; sitä ihailivat vain säveltäjän läheltä tuntevat, hänen oppilaansa ja musiikista valistuneet kuulijat. Ajan myötä sinfonia alkoi sisällyttää heidän ohjelmistoonsa parhaat orkesterit rauhan, ja hän löysi uuden elämän.
Eli kehityksen huippu musiikillinen klassismi siitä tuli Joseph Haydnin, Wolfgang Amadeus Mozartin ja Ludwig van Beethovenin teos. He työskentelivät pääasiassa Wienissä ja muodostivat suunnan 1700-luvun jälkipuoliskolla - 1800-luvun alussa. XIX vuosisadalla- Wieniläinen klassinen koulu. Huomaa, että musiikin klassismi eroaa monin tavoin kirjallisuuden, teatterin tai maalauksen klassismista. Musiikissa on mahdotonta luottaa muinaisiin perinteisiin, koska ne ovat lähes tuntemattomia. Lisäksi sisältö musiikki sävellyksiä liittyy usein ihmisten tunteiden maailmaan, jotka eivät ole alttiina mielen tiukkaan hallintaan. Wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjät loivat kuitenkin hyvin harmonisen ja loogisen sääntöjärjestelmän teoksen rakentamiselle. Tällaisen järjestelmän ansiosta monimutkaisimmat tunteet pukeutuivat selkeään ja täydelliseen muotoon. Kärsimyksestä ja ilosta tuli säveltäjälle enemmän pohdintaa kuin kokemusta. Ja jos muissa taidetyypeissä klassismin lait 1800-luvun alussa. tuntui monille vanhentuneelta, niin musiikissa wieniläisen koulukunnan kehittämä genre-, muoto- ja harmoniasäännöstö on säilyttänyt merkityksensä tähän päivään asti.