Ajatellaanpa vielä kerran taidetta ja sellaista käsittämätöntä, mutta usein kaikkia mielenkiintoisia taiteilijoita. Keitä ovat nämä salaperäiset ihmiset heidän kanssaan sisäisiä maailmoja? Miksi he piirtävät jatkuvasti jotain ja kuka sitä tarvitsee?
Siitä lähtien kun aloin kutsua itseäni taiteilijaksi ja esitellä töitäni yleisölle, olen kerännyt hieman yli tusinaa kohtaamani myyttiä. Ja minun on sanottava, että jotkut heistä todella olivat olemassa, mutta 100-200 vuotta sitten. Kyllä, valitettavasti yhteiskunnan käsitykset taiteilijoista (alueella entinen Neuvostoliitto) ovat erittäin vanhentuneita. Meidän on työskenneltävä tämän kanssa. Ja ehdotan, että aloitat tämän tekemisen heti, ehkä sinä olet se, joka edelleen uskoo niihin. Eli myyttejä taiteilijoista:
Myytti 1: Kuvan maalaamiseksi sinun on odotettava inspiraatiota (muusa).
Todellisuus: Toinen asia, jonka usein katsotaan johtuvan tästä, on juominen ja tupakointi. Väitetään, että luovuus on niin oikukas luonto, että se tarvitsee ravintoa.
Joten inspiraatiota ei tule tyhjästä. Jos haluat tehdä jotain, sinun on tehtävä se, riippumatta siitä, kuinka tyhmältä se kuulostaa. Kyllä, inspiraation lähteitä on, mutta ne ovat hyvin yksilöllisiä kaikille. Ja alkoholi tai mitkään huumeet eivät vaikuta tähän, paitsi lyhytaikainen rohkeus ja energianpurkaus. Yleensä, jos ruokit itseäsi jatkuvasti jollakin, sinusta tulee riippuvainen ja ärtyisä. Tämä tarkoittaa, että sinun on aina etsittävä polttoainetta ja kuolettava ennenaikaisesti luomatta loistavinta mestariteostasi.
"Taiteilija ei ole se, joka inspiroituu, vaan se, joka inspiroi."
Salvador Dali
Myytti 2: Kaikki taiteilijat ovat alkoholisteja.
Todellisuus: Jokainen taiteilija ei ole alkoholisti, eikä jokainen alkoholisti ole taiteilija. Yleensä tämä myytti on vähän totta, mutta vain vähän. Aloitetaan siitä, että myös taiteilijat ovat ihmisiä ja heillä on tapana viettää lomaa ja joskus juoda jotain alkoholia. Ja ehkä tämä periaate "et juo, mutta haluat olla taiteilija" todella toimi ja toimii edelleen. Mutta silti, nyt näen yhä enemmän kannattajia nuorten keskuudessa tervettä kuvaa elämä, oikea ravitsemus, urheilu jne. Ja yhä vähemmän on ihmisiä, jotka haluavat juoda paljon ja juhlia. Ehkä tämä johtuu myös siitä, että yhä useammat naiset tulevat taiteen pariin. Ja naiset eivät mielestäni ole niin taipuvaisia pilaamaan terveyttään.
Myytti #3: Taiteilijat elävät elämänsä köyhyydessä, ja tullakseen kuuluisaksi on kuoltava.
Todellisuus: Massatietoisuudessa on kuva "köyhästä ja riippuvaisesta taiteilijasta", joka syntyi osittain klassisen venäläisen kirjallisuuden ansiosta. Todellisuudessa maalarin työstä maksettiin aina riittävästi. Esimerkiksi Ilja Repin, joka oli vielä tuntematon 19-vuotias maakuntalainen, maalasi kuvia syrjäiselle maaseutukirkolle ja sai kustakin viisi ruplaa (hän maksoi saman summan kuukaudessa huoneesta Pietarissa). Mutta kuten nytkin, silloin niitä oli tuntemattomia neroja joka kuoli köyhyyteen (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Amadeo Modigliani). Vain nyt ei ole petollisia taiteilijoita, koska ihmiset yleensä etsivät muita tapoja ansaita rahaa (suunnittelu, koristelu, opetus).
Myytti #4: Taiteilijat ovat poissa tästä maailmasta.
Todellisuus: Miksi tällainen ajatus herää? Varmasti tämä kuva syntyi romaaneista, tarinoista hulluista ihmisistä, jotka olivat pakkomielle luovuuteen, lensivät Marsiin uutta energiaa saadakseen eivätkä löytäneet yhteyttä aikalaistensa kanssa. Haluan toistaa - myös taiteilijat ovat ihmisiä. Ehkä he eivät jollain tapaa ole samanlaisia kuin muut - pakkomielle työssään, ihaillessaan heitä ympäröivää kauneutta. Mutta mitä pahaa siinä on, että olet uppoutunut siihen, mitä rakastat ja mitä teet? Useimmat menestyvät taiteilijat tulevat hyvin toimeen yhteiskunnan kanssa ja pitävät yhteyttä.
Myytti 5: Laadukkaan kuvan luomiseen tarvitaan paljon aikaa.
Todellisuus: Tässä tapauksessa kaikki on yksilöllistä. Jotkut ovat tottuneet työskentelemään nopeasti, toiset hitaasti. Joillekin on mahdollista luoda mestariteos 30 minuutissa, toisille elämä ei riitä. Mutta taidetta ei pidä koskaan verrata muihin elämänaloihin. Esimerkiksi jos haluan tehdä laadukasta työtä insinööriprojekti, minun on ensin mietittävä, kerättävä tietoa ja sitten työstettävä. Taiteessa kaikki on usein spontaania, ja vaikka teoksen materiaalin kerääminen kestää kauan, itse teos kirjoitetaan usein nopeasti.
Myytti #6: Taiteella on mahdotonta ansaita rahaa tai "olet 30-vuotias – mene etsimään normaalia työtä!"
Todellisuus: Taiteen avulla on mahdollista ansaita rahaa! Ja se on erittäin tärkeää, kun taiteilijaa tukevat läheiset ihmiset, perhe. Tiedätkö, mikä kysymys seuraa esityksen "Olen taiteilija" jälkeen? Yleensä he kysyvät: "Missä työskentelet?" Ne. periaatteessa kukaan ei edes tajua, että on ihmisiä, jotka ansaitsevat elantonsa tällä. Tietysti se on nyt entistä vaikeampaa freelance-taiteilija. Tämä johtuu yhteiskunnan heikosta vakavaraisuudesta ja väestön huonosta kulttuurisoitumisesta. Taiteilija on vaikea ammatti. Aiemmin Leonardo da Vincin aikana taiteilijat käyttivät kunniamerkki Buffalo, joka vertasi työtään vahvan puhvelin työhön.
Myytti #7: Kaikki taiteilijat käyttävät partaa/baretteja/sormuksia/hattuja.
Todellisuus: En voi edes kuvitella, miksi tämä myytti elää edelleen 2000-luvulla. Olen myös samaa mieltä siitä, että taiteilijat rakastavat erottua, pukeutua epätavallisiin vaatteisiin ja luoda mielikuvaa. Mutta käyttää partaa ja barettia... Muuten, monet nuoret käyttävät nykyään partaa, eivätkä kaikki ole taiteilijoita.
Myytti #8: Piirtäminen on helppoa; se ei ole vaunujen purkamista.
Todellisuus: Taiteilija on ammatti ja kutsumus samanaikaisesti. Luovuus ei tietenkään ole verrattavissa raskaaseen fyysiseen toimintaan, mutta suurelta osin elämme 2000-luvulla ja yritämme työskennellä yhä enemmän henkisesti. Ja taiteen parissa työskenteleminen ja maalausten/projektien luominen on samaa henkistä työtä, joka vaatii omistautumista ja syvää ajattelua.
Myytti 9: Jos olet taiteilija, sinun pitäisi piirtää minut juuri nyt ja täällä! Ilmaiseksi!
Todellisuus: Kaikki näyttää yksinkertaiselta. Yritetään sanoa tämä kaikille: "Hei. Oletko ohjelmoija? Tee minulle verkkosivusto nopeasti. Miksi muuten tästä pitää maksaa?" Kuulostaako naurettavalta? Taiteilija näyttää yhtä hämmentyneeltä ja joskus vihaisena ihmisille, jotka pyytävät "piirrä minut".
Myytti 10: Taiteilijan täytyy olla nälkäinen.
Todellisuus: Valitettavasti tämä ilmaus on nyt otettu niin kirjaimellisesti, että se tekee minut surulliseksi. Todennäköisesti tämän lauseen luoja tarkoitti nälkää jatkuvana haluna luoda, ei ajatuksina ruoasta. Loppujen lopuksi kaikki käyvät töissä joka päivä, he eivät aina tee työtä hedelmällisesti, joskus he vain tuhlaavat aikaa, ja heille maksetaan siitä. Sen mukaisesti jokaisesta työstä on maksettava.
Myytti 11: Taiteilija voi piirtää kaikille ilmaiseksi tai nimellistä korvausta vastaan (tämä sisältää myös hyväntekeväisyysprojektit ja osallistumisen kyseenalaisiin palkintoihin).
Todellisuus: Tämä on valitettavasti myytti, jossa melkein kaikki elävät ankarassa todellisuudessamme. Haluaisin lisätä, että useimmiten onnettomalle taiteilijalle sattuneen uskomattoman "onnen" tarjoava henkilö yllättyy kieltäytymisestä sanoen, että teos jää historiaan, säilyy vuosisatoja, eikä kukaan koskaan unohda sitä. luojan hieno nimi. Kummallista kyllä, tällaisia tarjouksia tulee melkein joka päivä.
Myytti #12: Taiteilijan tulee maalata öljyvärimaalauksia (pääasiassa maisemia vesiputouksilla ja muotokuvia kurvivista naisista).
Todellisuus: Taide ei pysy paikallaan, se kehittyy jatkuvasti. Uusia tyyppejä ja tapoja ilmaista ajatuksia taiteen kautta on syntymässä. Keskiverto ihminen maailmassa paras tapaus tietää Aivazovskin ja Repinin. Niinpä taide on heidän mielestään juuri sellaista. Merkki korkein käsityötaito on kyky piirtää "ikään kuin elävänä". Ihmiset tuntevat usein olevansa sopimattomia joutuessaan kosketuksiin taiteen kanssa, etteivät he pysty nopeasti ja helposti ymmärtämään, eivät voi katsoa asioita epävirallisesti, minkä seurauksena he reagoivat kieltämällä taiteen vain siksi, että se on käsittämätöntä.
Myytti #13: Nykytaide on täyttä hölynpölyä. "Kuten Picasso ja Malevich, osaan myös piirtää!"
Todellisuus: Yleensä tällaisissa tapauksissa ehdotan, että piirrän heti "kuin Picasso" ja vie tämän piirustuksen museoon (tai ainakin katsomaan jäljennöstä kirjassa) vertailua varten. en edes halua sanoa mitään enempää. Kun seuraavan kerran ajattelet näin, vertaa piirroksiasi Picassoon.
Olen varma, että myyttien luettelo ei ole läheskään loppuunmyyty. Ja toivon todella, että tämä tieto on auttanut sinua ymmärtämään ainakin hieman taiteen maailmaa. Mitä paremmin opit tuntemaan tämän maailman, sitä enemmän se tuo iloa.
P.S. Ja he myös sanovat, että taiteilijat - taikauskoisia ihmisiä. Ehkä niin, ja ehkä ei, mutta jokaisella on oma mielipiteensä tästä asiasta...
Artikkelissa on käytetty Tatjana Ramenskajan ja Alexandra Pon kuvituksia.
c) Julia Pastukhova
Luovien ihmisten elämää ympäröi aina, tavalla tai toisella, paitsi mysteeriverho, myös monenlaiset huhut. Mikä niistä on totta ja mikä fiktiota, jota on viljelty vuosisatoja?
Myytti 1. Kaikki taiteilijat juovat
Miksei kokkeja, myyjiä, matematiikan opettajia tai talonmiehiä? Kyllä, koska joidenkin ihmisten täytyy tankata "inspiraatiota". Ei ole epäilystäkään, että jotkut taidemaalarit todella kutsuvat muusaa neljänkymmenen asteen menetelmillä tai jopa huumeilla. Monet suuret ihmiset eivät ujostuneet vihreästä käärmeestä: Modigliani, Savrasov (ja tässä on kaksi stereotypiaa kerralla: hän ei ole vain taiteilija, hän on myös venäläinen!), Van Gogh, Gauguin ja muut. Mitä sitten? Eikö muiden toimialojen edustajien joukossa todellakaan ollut tarpeeksi juomia? Jeltsiniä, Stalinia, Pietari Suuri, Aleksanteri Suurta ei huomattu heidän intohimossaan maalaamiseen, mutta intohimo alkoholiin on tervetullut.
Myytti 2. Kaikki taiteilijat ovat köyhiä
Myytti 3. Kaikki taiteilijat ovat rikkaita
Ja taas ei! Historia näyttää tietävän vähemmän tällaisia esimerkkejä. Tilastot puhuvat muotokuvamaalaajien puolesta, jotka suosivat realismia tai koristelivat kuvattua. Rikkaiden muotokuvat (aatelisista keisariin) ovat viileämpiä kuin kultakaivos. Katariina II:n suosikit polttavat hermostuneesti sivussa. Ja silti edellisen kappaleen esimerkit tuovat modernit unelmoijataiteilijat takaisin maan päälle vaaleanpunaisten norsujen maailmasta. Teoksen myymistä sopivaan hintaan käsitellään artikkelissani ”Kuinka paljon maalauksia kannattaa myydä? »
Myytti 4. Taiteilijat säästävät lahjoissa
Hän antoi maalauksen ja kaikki oli kunnossa. En puhu vaihtoehtokustannuksista (eli ajasta, jonka maalari olisi voinut käyttää maalauksen myyntiin). Puhumme asian aineellisesta puolesta. Maalit, siveltimet ja muut tarvikkeet maksavat rahaa, etenkin paareilla olevat kankaat ovat kalliita: yksinkertaisen 40x50 kankaan hinta on keskimäärin 500-700 ruplaa. Lisää nyt useita tuhansia ruplaa maksava mukautettu patonki ja matto, jos puhumme vesiväreistä! "Kotitekoinen" maksaa minulle monta kertaa enemmän kuin ostettu lahja.
Myytti 5. Kaikki suuret taiteilijat ovat miehiä
Voi ei, en ole ollenkaan feministi, päinvastoin. Mutta totean silti tosiasian: naiset eivät saaneet erityisesti harjoittaa luovuutta vuosisatojen ajan. Ja heti kun lupa oli annettu, Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalya Goncharova, Mary Cassette ja Berthe Morisot nousivat viehättävään Olympukseen. He kirjoittivat miesten kanssa, ei huonommin! Mene nyt mihin tahansa taidestudioon - yleisö on kuin kampaamossa (jokaista kymmentä tyttöä kohti on kaksi kaveria). Lue lisää kuuluisista taiteilijoista artikkelista "
Ovatko kaikki maalaukset kehystetty?
Piet Mondrian. Koostumus keltainen, punainen, sininen, musta ja harmaa. 1920
1/2Georges Seurat. Sunnuntai-iltapäivä La Grande Jatte -järvellä. 1884
2/2Lainaus kirjasta
”Maalaukset asetetaan yleensä kehyksiin näytteillepanoa varten. Kehykset kiinnittävät huomion maalaukseen ja suojaavat sen reunoja. Jotkut kehykset ovat koristeellisia, erityisesti antiikkiesineitä, jotka aikoinaan riippuivat kartanoista. Muut kehykset ovat hyvin yksinkertaisia, ne eivät häiritse taiteen pohdiskelua. Kehysten tarkoitus on täydentää sisällä olevia maalauksia, näyttää ne parhaalta puoleltaan.
Piet Mondrian uskoi, että kehykset ovat kuin seinät. Joskus näyttää siltä, että ne seisovat yleisön ja taiteen välissä, ikään kuin luovat esteen, erottaen maalauksen muusta maailmasta. Mondrian halusi kaikkien nauttivan hänen työstään ja ettei kukaan tunteisi olevansa erossa siitä. Hän kirjoitti kankaan reunoihin. Ja joskus jopa sivuilla.
Hän repi nämä seinät!
Georges Seurat ei pitänyt siitä, että kehykset loivat varjoja maalauksen reunoihin. Ja hän piirsi kehyksen itse. Se koostuu tuhansista pienistä pisteistä yli 25 eri värissä.
Tiesitkö, että televisioruudulla näkyvä kuva koostuu pisteistä, joita kutsutaan pikseleiksi? Tämä maalaus maalattiin yli 50 vuotta ennen kuin väritelevisio keksittiin!
Kommentti
Saattaa tuntua naurettavalta omistaa kokonainen luku kehyksille, vielä vähemmän aloittaa kirja käytännössä tällä. Mutta tähän on syitä. Ensinnäkin emme koskaan katso kuvaa tyhjyydessä. Valo, korkeus, jolla se sijaitsee, viereiset teokset, huomautukset - kaikki tämä luo tilaa sen ympärille. Modernista veistoksesta puhuttaessa puhutaan varmasti sitä ympäröivästä "runollisesta tilasta": jonkin abstraktin veistoksen merkitys syntyy vasta katsojan katsoessa sitä. Toiseksi, kehyksestä tulee usein itse maalauksen juoni - kuten yllä olevissa hauskoissa esimerkeissä on todistettu. Lopuksi kehys on olennainen lenkki kysymysten ja vastausten ketjussa, joka auttaa ymmärtämään työtä paremmin. Kun olet selvittänyt, kuka kirjoittaja on ja onko hän vaikuttanut taiteen historiaan, voit katsoa kehystä nopeasti. Muuten, vuonna 1990 New York Metropolitanissa oli eräänlainen näyttely käänteisessä järjestyksessä: museo esitteli monia tyhjiä kehyksiä kiinnittääkseen huomion usein huomiotta jätettyyn todellisuuteen.
Miksi kaikki on tasaista?
Nebamon metsästää suolla. Nebamonin hauta, n. 1350 eaa e.
1/2Jean Metzinger. Pöytä ikkunan vieressä. 1917
2/2Lainaus kirjasta
”Kaikki taideesineet eivät näytä kolmiulotteisilta.
Kaksiulotteiset eli 2D-kuvat ovat litteitä, kuten tämä sivu. Kolmiulotteinen tai 3D - on korkeus, leveys ja syvyys, kuten pallo.
IN eri aikoina taide oli joko yhtä tasaista kuin pinta, jolle taiteilijat maalasivat, tai kolmiulotteista, kuten todellisia asioita.
Paljon muinaista taidetta, kuten egyptiläiset seinämaalaukset, näyttävät tasaisilta. Se näyttää enemmän kaavioilta ja on täysin erilainen kuin elämä.
Jo muinaisina aikoina taiteilijat osasivat välittää äänenvoimakkuutta ja maalasivat litteitä kuvia tarkoituksella.
IN Muinainen Egypti aateliset ihmiset haudattiin maalattuihin hautoihin aarteineen. Haudan seinät oli koristeltu piirroksilla, joita ei ollut tarkoitettu eläville. He näyttivät jumalille, mitä ihmiset tekivät elämänsä aikana.
Kuva näyttää litteältä, jotta jumalien olisi helpompi ymmärtää.
<…>Mitä pöydällä on? Näetkö maljakon kukkia, lasin, pelikortti ja sen vieressä oleva ikkuna?
Jean Metzinger ei noudata perspektiivin lakeja, mutta haluaa silti osoittaa, että maalauksen esineet ovat kolmiulotteisia. Siksi hän kuvaa niitä samanaikaisesti eri näkökulmista. Tätä tekniikkaa kutsutaan kubismiksi."
Kommentti
Tämä kohta heijastaa yleistä skeptisyyttä, jonka mukaan taiteilijat ovat unohtaneet, kuinka kolmiulotteinen todellisuus voidaan kuvata luotettavasti - karkeasti sanottuna "piirtää samanlaisia". Naked People -kirjailija Susie Hodge pyytää apuun muinaisia mestareita, abstrakteja taiteilijoita ja kubisteja. Niiden kerääminen yhteen merkin "litteä" alle on varsin hauskaa - kubistit luovat maalauksessaan vähintään kolme tasoa ja joskus jopa kuvaavat saman kohteen eri ajankohtina, joten heidän töitään ei voida kutsua tasaiseksi. Tähän lapselliseen kysymykseen ei kuitenkaan ole selvää vastausta, ja joka kerta sinun on mietittävä, miksi taiteilija päätti tehdä kaikesta tasaista. Hodge unohtaa kulttuuriset erityispiirteet: perspektiivi on eurooppalainen keksintö, ja monien maiden taiteessa sitä ei periaatteessa löydy. Päättely, jonka mukaan litteästä kuvasta tulee koristeellisempi ja abstraktimpi, on varsin perusteltu - kuten myös "litteän" ja "vanhaan" yhdistäminen. Mutta samalla Hodge jostain syystä välttää hyvin yksinkertaisen ja ilmeisen johtopäätöksen: poistamalla kuvasta joitain yksityiskohtia, kirjoittaja keskittyy muihin. Karkeasti sanottuna yksinkertaistamalla (ja litistämällä) kuvaa taiteilija voi tehdä siitä ilmaisuvoimaisemman, ja monissa tapauksissa yksinkertaistamalla hänen on helpompi hallita tätä ilmaisukykyä.
Miksi taiteessa on niin paljon alastomia ihmisiä?
Sandro Botticelli. Venuksen syntymä. 1486
1/2Yves Klein. Antropometria ilman nimeä. 1960
2/2Lainaus kirjasta
”Maalauksessa, kuvanveistossa ja valokuvauksessa alastomat ihmiset ovat hyvin yleisiä.
Kaikki on peräisin muinaisista kreikkalaisista, jotka uskoivat, että alaston ruumis oli kaunis ja tutkimisen arvoinen. Nykyäänkin taiteilijat oppivat piirtämään alastomia ihmisiä ymmärtääksesi paremmin vartalon muotoa. Tätä kutsutaan elämästä piirtämiseksi.
Alaston Venus, roomalainen rakkauden ja kauneuden jumalatar, kelluu seisoessaan kuoren kuoressa. Mukaan muinainen legenda, Venus syntyi aikuisena ja muutti meren yli. Botticelli maalasi maalauksensa monta vuotta tämän legendan syntymisen jälkeen.
Taiteessa alastomuus merkitsee usein uusi elämä. Botticellin aikana naiset peittivät vartalonsa huolellisesti. Mutta Venus on alasti, koska hän on jumalatar, ei tavallinen nainen!
Monet taiteilijat uskovat, että naisen vartalo on kauniimpi kuin miehen vartalo, minkä vuoksi alastomia naisia esiintyy taiteessa enemmän kuin alastomia miehiä.
Vuonna 1960 Yves Klein keksi uusi tapa kuvaavat naisten vartaloa. Hän peitti alastomia naisia sinisellä maalilla ja asetti heidät jättimäiselle kankaalle lattialle. Ne toimivat "elävinä harjoina".
Kommentti
Kirjan kiehtovin luku on nimessä - mikä on yleisesti ottaen varsin ymmärrettävää. Mutta emme löydä täältäkään selvää vastausta kysymykseen - ehdotettujen vaihtoehtojen joukossa on koottu useita kerralla: kehon plastisuuden ja sen kauneuden tutkimus, elämän symboli ja isku yleiselle mielipiteelle . Tässä ei kuitenkaan ole mitään mysteeriä: harvat asiat maailmassa herättävät ihmisessä niin voimakkaan reaktion - kiinnostuksen ja hankaluuden, häpeän ja halun, ihailun tai päinvastoin inhoa - kuin alastomuus. Alaston ihmiskeho taiteessa - ja, by eri syistä, se on naisellinen, joka on voimakkain elämän ja kuoleman symboli. Tässä mielessä alaston ruumis on taiteilijan työkalu, jonka hän voi joko kuvata maalauksessa tai näyttää elämässä. Jälkimmäisessä tapauksessa me puhumme suorituskyvystä. Alastonesitys on jännittävämpi, joskus hauras, joskus epämiellyttävä. Lisäksi alaston vartalo on myös pakollinen vilpittömyyden symboli, jota Lucian Freud halusi käyttää osoittaen ihmisen avuttomuutta. Samalla alaston ruumis sisään eurooppalainen perinne on niin tiiviisti sidoksissa kauneuden ajatukseen, että tarpeettoman epämiellyttävän ruumiin näyttäminen, kuten Freud halusi tehdä, ei ole yhtä järkyttävää ja saa ajattelemaan ikääntymistä ja rappeutumista. Väitteessä alastomien naisten ylivoimasta miehiin nähden kaikki ei myöskään ole niin yksinkertaista: sisään Tsaarin Venäjä, esimerkiksi oli mahdollista piirtää vain miesten alastonkuvia ja naisartisteja meni perinteisesti Italiaan.
Tarvitseeko sinun tietää maalausten juonen?
John Everett Millais. Ophelia. 1851-1852
1/2Cornelia Parker. Kylmä pimeä aine: häiriön havainnointi. 1991
2/2Lainaus kirjasta
”Tarinoita kerrotaan kaikissa taiteen muodoissa - maalauksesta ja kuvanveistosta elokuvaan.
Taideteos on ikkuna toisen ihmisen mielikuvitukseen. Näemme tosiasiat ja tarinat jonkun toisen silmin.
Noin 160 vuotta sitten oli liike nimeltä Pre-Raphaelite Brotherhood. Tämän liikkeen taiteilijat maalasivat aiheita, jotka ovat usein peräisin historiasta. Heidän maalauksiaan kutsuttiin joskus "kehystetyiksi romaaneiksi". Millais oli prerafaeliitti.
<…>Kaunis Ophelia hukkui, ja taiteilija kuvittelee, kuinka tämä olisi voinut tapahtua. Jotta kuva olisi kiinnostavampi, hän koristelee sen lukuisilla symboleilla. Esimerkiksi punaiset unikot ja siniset muistamattomat merkitsevät muistoa tai kuolleiden muistoa.
Tämä on hyvä kuuluisa tarina, ja ihmiset kerääntyivät Lontoon kuninkaalliseen akatemiaan, jossa maalaus oli ensimmäisen kerran esillä vuonna 1852.
Tämän taideteoksen takana on tarina. Cornelia Parker halusi luoda tunnelman, ilmapiirin, saada meidät ajattelemaan elämäämme ja sitä, mitä jätämme taaksemme.
Emme ajattele paljon puutarhavajasta. Tallennamme siihen tarpeettomia asioita, jotka unohdamme nopeasti. Parker päätti räjäyttää sen!
Sitten hän keräsi hiiltynyttä puuta ja vääntynyttä metallia ja ripusti ne kattoon siimalla. Hän asetti lampun keskelle luomaan pahaenteisiä varjoja seinille."
Kommentti
Tässä luvussa kirjoittaja tekee ovelan liikkeen ja yrittää rinnastaa kuvan syntyhistorian juoneeseensa. Miksi tätä tarvitaan? 1900-luvulla taide muuttui suurelta osin juonittomaksi, ja jos aiemmin taidetta oli mahdotonta ymmärtää ymmärtämättä historiaa (esimerkiksi lukea klassisia ikonimaalausjuttuja - ja tämän ansiosta ymmärtää, tekikö taiteilija vallankumouksen vai ei tietyssä teoksessa), nyt ne ovat saaneet paljon suuremman merkityksen taiteilijan historialle ja tietyn maalauksen luomishistorialle. Kirjoittajan elämäkerran seuraamisesta on tullut yhtä jännittävää kuin pitkien tv-sarjojen kausien katsomisesta: hän muutti Eurooppaan, alkoi välittää enemmän siirtolaisista, mutta tämän vuoksi hänestä tuli yhtäkkiä vähemmän kiinnostava, tai vaikkapa Cai Guoqiang - hän koulutti uudelleen suurten teknisten ilotulitteiden mestari ja menetti kaiken, mikä hänellä oli käsitteellisen viehätyksensä. Mutta Richard Long: koko elämänsä hän tallasi polkuja ympäri maailmaa, ei pettänyt ideoitaan, joita varten hänet sisällytettiin kaikkiin maataiteen oppikirjoihin.
Keitä kaikki nämä ihmiset ovat?
Edward Hopper. Pilko suey. 1929
1/2Mark Quinn. Y. 2006
2/2Lainaus kirjasta
”Monet maalaukset ovat täynnä ihmisiä, mutta keitä he ovat?
Aiemmin, jo ennen valokuvauksen keksimistä, jalot ihmiset tilasivat muotokuvansa. Taiteilijoiden oli näytettävä, kuinka voimakkaita, kauniita ja rikkaita asiakkaat olivat. Usein kokonaiset perheet poseerasivat ryhmämuotokuvissa taiteilijalle.
<…>Edward Hopperin muotokuvassa kaksi muodikasta naista ravintolapöydässä. Toisin kuin menneisyyden muotokuvat, nämä naiset eivät ole tärkeitä ihmisiä. Ne ovat tavallisimpia eivätkä eroa satunnaisista vierailijoista. Väkijoukossa näemme monia meille tuntemattomia ihmisiä, ja juuri tätä Hopper halusi kuvata.
Ja vaikka hän näyttää kahta tuntematonta, molemmat olivat Hopperin vaimon mallia!
<…>Marc Quinn käytti omaa vertaan tehdäkseen päänsä. Veistos pidetään kylmässä, muuten se sulaa.
Se on muistutus siitä, kuinka hauras elämä on, Quinn sanoi. Viiden vuoden välein kuvanveistäjä tekee uuden pään, jotta näet kuinka hän ikääntyy."
Kommentti
Itse asiassa, kun ajattelet sitä, ketä kuvassa on kuvattu, sinun on ensin mietittävä työn tilaajaa. Kirjoitusaikaa ja päähenkilöä vertaamalla voidaan jopa esittää hypoteesi taiteilijan menestyksestä. Raamatun tarinoita Ne kirjoitettiin usein kirkon tilauksesta, vaikka tietysti oli myös yksityisiä tilauksia. Ennen impressionisteja muotokuvia maalattiin pääasiassa tilauksesta rikkaille ihmisille, joten ranskalaiset taiteilijat He tekivät vallankumouksen, kun he alkoivat maalata tavallisia ihmisiä, mutta sitten heidän piti miettiä, kuinka myydä kaikki nämä maalaukset. Ja Marc Quinnin työstä on helppo päätellä, että taiteilija ei nälkää eikä koe impressionistien ongelmia: hänen työnsä ei vaadi niinkään rohkeutta kuin vankat budjetit.
Miksi maalauksissa on hedelmiä?
Paul Cezanne. Omenat ja appelsiinit. 1899
1/3Jan van Kessel. Asetelma "Vanitas". 1665-1670
2/3John Lorbeer. Tarzan / seisova jalka. 2002
3/3Lainaus kirjasta
"Taiteilijat maalaavat usein omenoita ja appelsiineja, mutta miksi?
Ensinnäkin hedelmät ovat luotettavia. Toisin kuin ihmismallit, he eivät räpytä, nykivät tai vaadi teetä.
Hedelmien kuvaus auttaa taiteilijoita tutkimaan luonnon muotoja, värejä ja sävyjä.
Tällaisia maalauksia kutsutaan asetelmiksi. Ennen valokuvauksen keksimistä taiteilijat osoittivat kykyjään luomalla realistisia asetelmia. Mutta sitten kaikki muuttui...
Paul Cézanne maalasi tämän kuvan kameran keksimisen jälkeen, eikä hänen mielestään ollut tehtävänsä kopioida todellisuutta. Myös valokuvaaja voisi tehdä tämän!
Hän kirjoitti pyöreä hedelmä tasaiselle kankaalle, mutta uudella tavalla. Hedelmien muotojen näyttämiseksi hän kuvasi jokaista omenaa samanaikaisesti monesta kulmasta, eri näkökulmista. Näyttää siltä, että omenat putoavat pöydältä.
<…>Tässä kuvassa on kaksinkertainen merkitys. Kukkien viereen Jan van Kessel kuvasi kalloa - kuoleman symbolia. Tämä on varoitus, joka muistuttaa meitä elämän hauraudesta. Emme saa unohtaa, että me kuolemme lopulta!
Asetelma on ranskankielinen sana, joka tarkoittaa "kuollut luonto". Kankaan kukat näyttävät eläviltä, mutta sisällä oikeaa elämää ne muuttuvat mätäksi.
<…>John Lorbeer on optinen illusionisti, joka on kuuluisa jäätyneistä hahmoistaan.
Täällä on kaikki aika sekavaa. Se on sama esine kuin asetelmiin vangittu hedelmä, mutta samalla se on elävä eikä maalattu. Aika kuluu, mutta hän pysyy liikkumattomana ja roikkuu seinällä kuin maalaus.
Kommentti
Hyvä vastaus kysymykseen, mutta puuttuu tärkeä kohta. Asetelma on ensisijaisesti puhdasta muotoa koskeva tutkimus. Ja jos taiteilija harvoin maalaa asetelmaa - kuten esimerkiksi monet impressionistit tekivät - tämä tarkoittaa, että hän ei ole huolissaan kuvan muodollisista ominaisuuksista, vaan sen välittämästä hetkellisestä tuntemuksesta. Asetelma todella välittää ajatuksen olemassaolon hauraudesta - mutta sitä ei voi pitää absoluuttisena: loppujen lopuksi monet muotokuvien sankarit ovat myös kuolevaisia. Ajatus siitä, että esityksestä voi joskus muodostua asetelma, on myös varsin hauska - mutta täytyy muistaa, että tämä on hyvin harvinaista.
Venäjän opiskelija kevät 2017
Ohjaus: Journalismi
Nimitys: Paras toimitusmateriaali
Miksi luovat ihmiset ovat vähän outoja?
"Ei ole olemassa korkeinta nautintoa kuin luomisen ilo."
N.V. Gogol
Olet luultavasti kuullut lauseen "luova ihminen" ainakin kerran elämässäsi, ja yleensä sillä on hieman ironinen konnotaatio, jonka merkitys on "epätavallinen, ihana". Luovat yksilöt ajattelevat, toimivat ja joskus jopa puhuvat eri tavalla kuin tavallisia ihmisiä. Heillä on outoja, käsittämättömiä tapoja ja päivittäisiä rutiineja. He voivat pukeutua nauretavasti ja olla liian tunteellisia, lapsellisia ja omalaatuisia. Mutta hämmästyttävintä on, että he eivät pidä itseään lainkaan outona. Heillä ei yksinkertaisesti ole aikaa kiinnittää huomiota tällaisiin pikkuasioihin, koska he ovat täysin imeytyneitä luovuuteensa, ja vaikka yleisön silmissä henkilöllä ei yleensä ole lahjakkuutta, hän itse todella rakastaa työtään riippumatta siitä, mitä.
Miksi luovia ihmisiä outo? Heidän sanotaan usein "lentävän pilvissä" tai "ei tästä maailmasta". Ja tämä on täysin totta. Luovuus ihmisessä ilmenee ennen kaikkea hänen mielikuvituksensa kautta. Mielikuvitus oli Bachin musiikin, Pushkinin runojen ja Picasson maalausten ytimessä. Lisääntyneen herkkyyden ansiosta luoja omassa jokapäiväistä elämää Hän kohtaa jatkuvasti maailman epätäydellisyyttä, epäharmoniaa, kaaosta ja ristiriitoja, ja siksi hän siirtyy mielikuvituksensa avulla upeaan mielikuvitusmaailmaan, jossa ei ole paikkaa. jokapäiväisiä ongelmia ja vastoinkäymisiä. Siellä on erittäin mukavaa, ja sinne luoja menee joka kerta, kun hän ottaa siveltimen/laittaa jalkaan pointekengät/istuu pianon ääreen (alleviivaus tarpeen mukaan). Itse luova prosessi tuo hänelle suurta iloa, joten hän työskentelee yötä päivää unohtaen unen ja ruoan. Ja hän pyrkii näyttämään luovien impulssiensa tuloksia muille antaakseen heille osan omastaan ihanteellinen maailma tehdäkseen heidän elämästään harmonisemman, täydellisemmän ja kauniimman. Jokaisessa luojassa on romantikko, joka haaveilee muuttaa todellisuutta parempaan suuntaan.
Toinen luovien yksilöiden ominaisuus on kyky nähdä epätavallinen tavallisessa. Tekijät, kuten lapset, ovat valmiita yllättymään kaikesta! He ovat erittäin tarkkaavaisia, uteliaita ja rakastavat oppia. Jatkuva halu kokeilla uusia asioita erottaa luova ihminen tavallisesta. Luovan ihmisen tulee jatkuvasti kehittyä ja kasvaa parantamalla taitojaan.
Joskus luovat yksilöt nähdään yhteiskunnassa riittämättömästi heidän harkintakykynsä ja luovan rohkeutensa vuoksi. Tekijällä on aina oma mielipiteensä, ja muiden mielipiteet vaikuttavat häneen paljon vähemmän kuin tavallisella keskimääräisellä ihmisellä. Luoja ei välitä siitä, mitä muut ajattelevat hänestä, ja piittaamattomuus yleinen mielipide aiheuttaa usein negatiivisia arvioita ulkopuolisilta. Luovuus sinänsä ylittää stereotypiat ja mallit, ja kuten tiedätte, yleisö ei ota vastaan tällaista käytöstä. Yleisöllä on omat säännöt, ja luovat eivät todellakaan sovi niihin.
Psykologit kutsuvat luovien ihmisten toiseksi ominaispiirteeksi positiivista asennetta monimutkaisiin tehtäviin. Vaikeudet vain motivoivat heitä työskentelemään entistä kovemmin ja kovemmin. Muuten, on syytä mainita tekijöiden tehokkuus. He eivät todellakaan juokse päätä töistä heti, kun kello kuusi illalla iskee. Henkilökohtaisessa elämässään he saattavat vaikuttaa huolimattomilta laiskoilta ihmisiltä, mutta työssään he ovat hyvin kurinalaisia, sitoutuneita ja ahkeria.
No, viimeinen on luultavasti eniten tärkeä laatu luoja on lahjakkuus. Lahjakkuus on luonnostaan ihmiselle ominaista hänen henkisissä kyvyissään ja anatomisissa ominaisuuksissaan. "Laajuus on kuin syylä - joko sitä on tai ei ole", sanoi Faina Ranevskaya. Vanhemmat huomaavat jo lapsuudessa, että heidän lapsensa tekee jotain paremmin kuin muut lapset. Todennäköisesti nyt kerron totuuden, mutta lahjakkuus voi haihtua ikuisiksi ajoiksi, jos sitä ei tunnisteta ajoissa ja kehitetä kovalla työllä. Lahjakkuuden lisäksi luovilla on yleensä lisääntynyt halu kauneuteen, niin sanotusti kehittynyt esteettinen taju.
Yhteenvetona haluan sanoa, että loppujen lopuksi luovia persoonallisuuksia eivät synny, vaan niistä tulee. On olemassa valtava määrä esimerkkejä, joissa itsekuri ja kova työ loivat todellisia neroja, ei huonompia kuin ne, jotka olivat alun perin lahjakkaita. Nyt on tarjolla paljon luovuuden kehittämiseen liittyviä koulutuksia ja testejä luovien taipumusten tunnistamiseksi. Mutta yleisesti ottaen tällä kaikella ei ole väliä, tuoko tekemäsi työ sinulle iloa. Ja vaikka et osaa tanssia, mutta rakastat sitä ehdottomasti, kukaan ei uskalla estää sinua!
Kuvan lähde: http://dance-theatre.ru/centr-sovremennoi-horeorgafii/
Teksti: Alina PETUKHOVASiellä on koko joukko artikkeleita taiteilijan hienovaraisesta luonteesta. Kirjoittajat sanovat, että taiteilijat näkevät ja tuntevat kaiken erikoisella tavalla, että heillä on ainutlaatuinen ajattelutapa ja tämä tekee heidän koskettamisestaan nopeasti. Olen itse taiteilija, enkä tiedä miksi, mutta minusta on hauska lukea tällaisia asioita.
Tosiasia on, että kaikessa tässä on tietysti totuutta, mutta täsmälleen yhtä paljon kuin jos tämä kaikki sanottaisiin ohjelmoijasta, astronautista tai kotiäidistä. Taiteilijat ovat samoja ihmisiä. Heillä ei ole mitään yliluonnollista tajua tai supervoimia, eikä heillä myöskään ole henkisiä poikkeavuuksia (tietenkään, jos emme puhu yksittäisistä tapauksista).
Riittää, kun ymmärtää, mitä taiteilijan päässä tapahtuu, jos vietät useita päiviä hänen kanssaan tekemällä yhtä asiaa, eli piirtäen.
Opettajani Boris Jegorovichilla on täydellinen sotku studiossaan. Hänen vaimonsa nauraa hänelle ystävällisesti, koska hän ei ymmärrä, kuinka niin siisti kaveri voi jokapäiväistä elämää henkilö, joka pesee aina omat sukkansa ja alusvaatteensa, joka ei anna hänen silittää paitojaan, joka pettää sänkynsä täydelliseksi sileäksi, voi laittaa likaiset harjat taskuunsa, vetää märkää ajopuuta kadulta studioon ja suorittaa saman manipulaatioita variksen höyhenillä. Mutta kaikki on hyvin selvää. Höyhenet ja ajopuu ovat esineitä, joista on varmasti hyötyä joskus asetelmassa. Eikä niitä ole koskaan liikaa. On paljon kätevämpää säilyttää siveltimiä taskussa kuin laittaa ne lattialle tai pöydälle. Ja ne ovat likaisia, koska miksi pestä kaikki harjat, kun puhtaat makaavat vielä nenäsi edessä? Luuletko, että Boris Jegorovitš laittaa likaisen siveltimen taskuunsa hajamielisyydestään? Koska hänen ajatuksensa ovat pilvissä inspiraation vaikutuksen alaisena? Ei todellakaan. Mitä järkeä on murehtia työpukuasi? Siksi he käyttävät sitä, koska he eivät pelkää likaantua. Eikä sillä ole väliä, että rouvan vaimo luulee, että hän on edelleen puettava, Boris Jegorovich tietää todella paremmin, missä on tuottavampaa mukauttaa hänen vaatekaappinsa esineitä. Ja ystävät ja sukulaiset pilkkaavat häntä ja pilkkaavat häntä kutsuen häntä Plyushkiniksi. Onko tämä todella mahdollista tehdä, kun kaikki on järkevää!
Ja Jevgeni Danilovitšia verrataan myös, ei pahuudesta, gnomiin, joka louhii timantteja kaivoksen pohjalta. Miksi? Koska niin hänelle yleensä käy. Hän istuu kaukaisimpaan nurkkaan, peittää itsensä sanomalehdillä ja paperilapuilla, käynnistää radion täydellä äänenvoimakkuudella, nappaa puuta ja kaiverrustarvikkeita, pyörittää kaiken tämän hyvän pyörän ja tule, Jevgeni Danilovich, nähdään pinta.
Entä te, ystävät? Työskenteletkö tukin kanssa ilman sanomalehtiä? Eli sahanpuru putoaa kaikkeen ympärillä? Haluan toivottaa sinulle onnea, kun jatkat tämän siivoamista. Sanomalehti on paras ratkaisu: asetti sen, työskenteli sen parissa, rullasi sen kokoon, heitti roskakoriin, ja se on valmis. Ympäristö on puhdas, sanomalehti ehjä, valmis uudelleenkäyttöön ja jopa miljoonaskäyttöön. Miksi on niin tarpeellista piiloutua nurkkaan? Koska on ikkuna, on valoa. Aamulla on hyvä. Näet paljon enemmän kirkkaassa luonnonvalossa kuin keinovalossa. Mutta minne menet, kun ulkona on pimeää? On tylsää ilman radiota. Anna viime vuosisadalla, mutta sinun ei pitäisi katsoa televisiota, kun sinun on tehtävä korutöitä puussa. Ja pyörä on melko vakava seuraus työnteosta. Puunveistäjillä ja kuvanveistäjillä on usein ryhtiongelmia, ja heille kehittyy usein kyhmy. Loppujen lopuksi tällaisia mestariteoksia luodaan tällä humpuulla! Ja kaikki siksi, että ne kumartuvat lähemmäksi päästäkseen eroon jokaisesta ylimääräisestä millimetristä. Ja he: "Gnome." Noniin! Oli kuin joku olisi lyönyt häntä nenään.
Ja samalla kuuntele minua, vaikka en olekaan niin kokenut taiteellisesti, kuten mentorini Boris Egorovich ja Evgeniy Danilovich. En tule toimeen ilman pientä taustaa.
Ystäväni "saa kynteensä kuntoon". Ja tämä on myös jossain määrin taidetta. Esimerkiksi hän veloittaa tästä kuusisataa ruplaa. Kerran pyysin häntä osoittamaan kykynsä päälläni (rahasta tietysti). Hän suostui. Ja mikä parasta, hän tarjosi ystävänä sadan ruplan alennuksen. Siitä tuli niin miellyttävä, kauhean yksinkertainen. Ja muut ystävämme ovat hyvin liikuttuneita tästä. Joten nyt asiaan!
Tuon työni huoneeseen. Naapurin asukkaat tulevat sisään. He näkevät ne, ihailevat niitä ja sanovat: "Oi, Alin, piirrätkö muotokuvamme samalla tavalla?" Muistan ystävääni, vastaan: "Tietenkin! Ja annan sinulle jopa sadan ruplan alennuksen!" Mutta tiedätkö mitä! Mikään tunne ei seurannut tätä lausetta. Ja oli tietysti mukavaa, että naapuritkin olivat poissa. He nauroivat ääneen ja sanoivat: "Aiotko ottaa meiltä rahaa piirtämisestä?"
Boris Egorovich ja Evgeny Danilovich, miehinä, eivät vuodattaneet kyyneleitä tilanteissaan. Ja minä, nainen, päätin sallia tämän itselleni vieraiden lähdön jälkeen. Kynsien tekeminen on vaikea tehtävä, eivätkä kaikki pysty siihen. Mutta kun maalaat, et vain lisää kerrosta maalikerroksen jälkeen, vaan laitat sinne tunnelmasi, asenteesi mallina olevaan esineeseen, aikasi, joka, usko minua, ei ole kolme tuntia (paljon enemmän). Taiteilijan työ, kuten kuvanveistäjän työ, on hänen lapsiaan, sitä kidutetaan, kärsitään, sitä rakastetaan, koska se on kuin revitty sydämestä. Mutta ihmisten silmissä hän ei ole minkään arvoinen. Taiteilija ei pelkää, kun hänen rationaalisuuttaan ei ymmärretä. Hänen sielunsa itkee vain silloin, kun hänen kova työnsä on aliarvostettu, kun hänen työlleen tai sen luomisprosessille nauretaan, vaikka ei pahasta.
Pidä huolta taiteilijan tunteista. Loppujen lopuksi hän itkee täsmälleen samoissa tilanteissa, joissa muiden ammattien työntekijät itkevät. Vain taiteilijat ovat tuomittuja kohtaamaan tällaisia tilanteita paljon useammin. Siksi monet heistä ovat onnettomia.