Teksti. K.I. Krivoshein
(1) Seuraten Fjodor Mihailovitšia emme huuda tänään: "Kauneus pelastaa maailman!" Dostojevskin naiivius koskettaa. (2) On tullut aika pelastaa itse kauneus.
(3) Sana kauneus ei sisällä vain filosofinen merkitys, objektiivisia arvioita kauneudesta on muodostunut vuosisatojen aikana.
(4) Me kaikki tiedämme, että alle viisivuotiaat lapset osaavat upeasti piirtää ja lisäksi erottaa kauniin rumasta.
(5) Turmeltumattomalla maullaan he erottavat intuitiivisesti totuuden valheista, ja vanhetessaan ja, kuten he sanoivat Neuvostoliitossa, "ympäristön paineen alaisena", he menettävät luonnollisen immuniteettinsa. (b) Lisäksi olen melkein varma, että jokaisella ihmisellä on syntyessään kyky tuntea kauneutta. (7) Nykyaikainen museokävijä on hämmentynyt, häneen rummutaan uusia kaavoja, minkä vuoksi ihmisen on vaikea määrittää kumpi on täydellisempi: Bellini, Raphael, kreikkalainen patsas tai modernit asennukset. (8) Vaatteiden maku ja muoti eivät silti voi tappaa meissä todellista valikoimaa: voimme erottaa erehtymättä komea mies kummasta tai kauniista maisemasta betonisesta esikaupunkialueesta.
(9) Tunnettu tosiasia: useimmat ihmiset ovat täysin vailla halua kehittää makuaan. (U)Moderni rakentaminen, kasvottomat kaupungit, halvat vaatteet, tavalliselle ihmiselle suunnattu kirjallisuus, "saippuaoopperat" ja niin edelleen - kaikki tämä johtaa porvarisoitumiseen.
(Ja) Tästä huolimatta en usko, että on monia rakastajia, sekä "pahankoulutetuista" että "koulutetuista", jotka viettäisivät tunteja miettien installaatioita Ilja Kabakovin wc-tiloista ja roskakorista... (12 ) Tilastot sanovat jostain muusta: rakkaus ja myötätunto vetää ihmisen virtaa kohti ikuisia arvoja, olipa kyseessä sitten Louvre, Eremitaaši tai Prado...
(13) Nykyään kuulen usein, että taiteessa pitää leikkiä, pitää sitä helppona hauskana. (14) Tämä taidepeli rinnastetaan tietynlaiseen innovaatioon. (15) Sanoisin, että nämä ovat melko vaarallisia PELIT, voit ihastua niin, että menetät tasapainosi, reunan, rajan... jonka takana vallitsee jo anarkia ja kaaos, ja ne korvataan tyhjyydellä ja ideologialla.
(16) Apokalyptinen 1900-lukumme rikkoi vakiintuneita näkemyksiä ja mieltymyksiä. (17) Vuosisatojen ajan plastisen ilmaisun, kirjallisen ja musiikillisen, perusta oli tietysti Luojamme, Jumala ja usko, ja kauneuden muusat työskentelivät vuosisatojen ajan jumalallisen ja maallisen kauneuden harmonian parissa. (18) Tämä on itse taiteen perusta ja tarkoitus.
(19) Kehittyvä sivilisaatiomme, kuin tulta hengittävä lohikäärme, syö kaiken tielleen. (20) Elämme ikuisessa huomisen pelossa, ateismi on johtanut sielun yksinäisyyteen ja tunteemme odottavat arjen apokalypsia. (21) Hengen köyhyys on tylsisttänyt paitsi luojia, myös asiantuntijoita. (22) Voimme vain ihailla museoiden kauneutta. (23) Se, mitä näemme moderneissa gallerioissa, saa joskus aikaan tunteen, että joku pilkkaa katsojaa. (24) Uudet muodot, manifestit ja taiteen vallankumous, joka alkoi 1900-luvulla, pyyhkäisi koko planeetan sellaisella loistolla ja ilolla, alkoi pysähtyä ja epäonnistua vuosituhannen lopussa. (25) Taiteilija, joka on kehittynyt ja perannut itsensä sisälle, ei enää tiedä mitä muuta keksiä herättääkseen huomiota itseensä. (26) Oikeat mestaruuden koulut ovat kadonneet, tilalle on tullut amatöörismi, rajaton itseilmaisu ja iso peli rahaksi.
(27) Mikä odottaa meitä tulevalla vuosituhannella, onko niitä Kauneuden oppaita, jotka johdattavat sen ulos labyrintista?
(K.I. Krivosheina)
Koostumus
Tekstin kirjoittaja K.I. Krivoshein, koskettaa kauneuden ja taiteen asenteiden arvioinnin tärkeää ongelmaa. Yhteiskunnassa kehittynyt tilanne, yksilöille asetetut stereotypiat kauneuden ja rumuuden havainnoissa vaikuttavat kirjailijalle vaarallisilta, minkä seurauksena hän huutaa, että on tullut aika pelastaa kauneus.
K.I. Krivosheina kirjoittaa, että lapsuudessa ihminen erottaa helposti kauniin rumasta, mutta myöhemmin hänen makunsa huononee: "moderni rakentaminen, kasvottomat kaupungit, halvat vaatteet, kadun keskimääräiselle miehelle suunniteltu kirjallisuus, "saippuaoopperat" johtavat "porvarisoitumiseen". ” Harvat ihmiset pyrkivät kehittämään makuaan. Kirjoittaja kuitenkin vakuuttaa, että mikään muoti ei voi tappaa ihmisen kauneuden tajua. Mutta pääasia, johon publicisti kutsuu, on vakava ja huolellinen taiteen käsittely, jonka merkitys on maallisen ja jumalallisen kauneuden harmonia.
Silloin ne niin sanotut taideteokset, jotka kirjoittaja mainitsee tekstissä ja jotka on pelkistetty "amatörismiin" ja "rahalla pelaamiseen", eivät jää varjoon todellista taidetta, joka on luotu ei miellyttämään stereotypioita populaarikulttuuria. Tästä olen samaa mieltä kirjoittajan kanssa.
Kauneuden arvioinnin ongelma on herättänyt kirjailijoiden huomion aiemmin. Muistan tarinan A.P. Tšehovin "Ionych" ja siinä kuvattu Turkin-perhe, jota pidettiin kaupungin älykkäimpana ja koulutetuimpana, joka tunsi kauneutta ja jolla oli hyvä maku. Mutta onko tämä totta? Tytär Jekaterina Ivanovna soittaa vieraille pianoa ja lyö koskettimia niin, että Startsev luulee kivien putoavan vuorilta. Äiti kirjoittaa romaanin siitä, mitä elämässä ei tapahdu, olemattomista ongelmista ja intohimoista, jotka eivät kiinnosta ketään. Voiko heidän työnsä luokitella kauniiksi? Mielestäni se on epätodennäköistä. Joten vain kaupunkilaiset, joilla on vaatimaton maku, voivat arvostaa niitä.
Minusta se, mikä voidaan luokitella kauniiksi, on rakennettu harmonian periaatteelle. Toimii oikeaa taidetta selviytyä vuosisatoja. Näitä ovat epäilemättä runot, sadut, runot A.S. Pushkin. Ne on kirjoitettu yksinkertaisella ja samalla elegantilla kielellä, ja ne koskettavat lukijan sielun kieliä. Sukupolvet vaihtuvat, mutta Pushkinin linjojen viehätys ei haalistu. Vielä lapsina uppoudumme runoilijan satujen ihmeelliseen maailmaan, luemme runon "Ruslan ja Ljudmila" prologin, tutustumme sanoituksiin ja lopuksi luemme romaanin säkeessä "Jevgeni Onegin". pidän erityisesti maisemapiirroksia runoilija. Niissä tunnen talven henkäyksen, alkusyksyn viehätyksen, näen "hanhia äänekäs karavaani", kuun vaalea täplä tai tielle tuleva susi. Luulen, että monet yhtyvät näkemykseeni, että tällainen koskettava elämän heijastus on mahdollista vain todellisessa taiteessa. Haluaisin toivoa, että huolimatta kirjoittajan sanoista, että "todelliset huippuoppilaitokset ovat kadonneet", on kirjailijoita, joiden teoksia arvostavat heidän jälkeläisensä.
Taide... Se voi elvyttää ihmisen sielun tuhkasta, saada hänet kokemaan yksinkertaisesti uskomattomia tunteita ja tunteita. Taide on keino, jolla kirjailijat yrittävät välittää ajatuksiaan ihmisille, tottua heidät kauneuteen.
Kirjoittaja puhuu taiteen tarpeesta elämässämme, hän keskittyy siihen tosiasiaan, että "kauneutta on opittava ja arvostettava, kuten pitää oppia tuntemaan korkea musiikki" Juri Bondarev mainitsee esimerkkinä Mozartin teoksen "Requiem", jolla on käsittämätön vaikutus kuulijoihin, "ihmiset vuodattavat avoimesti kyyneleitä jaksossa, jossa suuren säveltäjän elämä katkesi". Siten kirjoittaja osoittaa, että taide voi koskettaa ihmisen sielun hienovaraisia kieliä ja saada hänet kokemaan poikkeuksellisia tunteita.
Bondarev väittää, että taide voi vaikuttaa suuresti ihmiseen, koska se on kaunein asia hänen elämässään. Taide voi muuttaa ihmistä, hänen sisäinen maailma. Tämä on asia, joka sinun on ehdottomasti opittava. Itse asiassa ei voi olla muuta kuin samaa mieltä kirjoittajan kanssa. Uskon, että taide voi saada meidät tuntemaan iloa ja surua, surua ja jännitystä, onnea ja monia muita tunteita.
Siten I. A. Goncharovin "Oblomovin" teoksessa päähenkilön asenne musiikkiin on kuvattu elävästi. Olga Iljinskajan luona vieraileva Oblomov kuuli hänen soittavan pianoa ensimmäistä kertaa. Kirjoittaja näyttää, kuinka musiikki voi vaikuttaa ihmisen sisäiseen maailmaan ja hänen tunteisiinsa. Upeaa esitystä kuunnellen sankari tuskin pidätteli kyyneliään, hän tunsi voimaa ja tarmoa, halua elää ja toimia.
I. S. Turgenevin teoksen "Isät ja pojat" päähenkilön asenne taiteeseen on kuitenkin erittäin kielteinen. Bazarov ei pidä sitä olennaisena osana ihmisen elämää, hän ei näe sen etuja ja etuja. Tämä oli hänen näkemyksensä rajoitus. Mutta ihmisen elämä ilman taidetta, ilman "kauneuden tunnetta" on erittäin tylsää ja yksitoikkoista, jota sankari ei valitettavasti koskaan tunnistanut.
Lopuksi haluan todeta, että taide on tärkein osa meidän jokaisen elämää. Sinun tarvitsee vain päästää se sydämeesi ja sieluusi, ja se voi valloittaa koko maailman.
Vaihtoehto 2
Kaikenlainen taide ihmiselle on korkein palkinto ponnisteluista, joita hän teki osallistuakseen siihen - joko olemalla mestariteoksen luoja tai yksinkertaisesti ihailemalla sen tuloksia ulkopuolelta.
Musiikkisävellykset, salaperäiset maalaukset ja tyylikkäät veistokset syntyivät ihmisen tiedon, luonnonlahjan tai halun saavuttaa tällainen täydellisyys.
Luodessaan minkä tahansa taiteen mestariteoksen ihminen käyttää kykyjään ja näyttää täyden potentiaalinsa. Taide kehittyy eikä anna sinun jäädä yhteen paikkaan, toimettomuuden tilaan. Tämän ansiosta ihmiset paranevat. Ne, jotka jollakin tavalla liittyvät tähän alueeseen, ovat luovia ihmisiä, jotka etsivät jatkuvasti. Uppoutuessaan tähän maailmaan he kehittyvät aktiivisesti henkisesti.
Esitetyn mielikuvituksen, päättäväisyyden, fantasian ja kärsivällisyyden kautta taide auttaa siis vahvistamaan elämän asema, vaikuttaa ihmisen maailmankuvaan, auttaa löytämään itsensä, muodostamaan omaa ajattelutapaa.
Jos puhumme musiikista, niin kuuntelun jälkeen se on klassisia teoksia henkilön emotionaalinen, henkinen ja jopa fyysinen tila paranee. Melodioiden ja kappaleiden rytmistä ja sisällöstä riippuen voit joko saada ladattua uskomatonta eloisuutta tai rauhoittua.
Taiteen vaikutuksesta ihmisen sisäinen maailma muuttuu. Mikä tahansa sen tyyppi - grafiikka, teatteri, maalaus jne. sisältää niin paljon syvä merkitys ja intohimoja, jotka ilmaistaan omituisten kautta ilmaisukeinoja että ne saavat sinut ajattelemaan itseäsi, elämän tarkoitusta ja antavat sinun katsoa maailmaa uudella tavalla.
Jokainen taideteos auttaa erottamaan hyvän ja pahan, hyvän ja pahan. Kirjallisia teoksia niillä on valtava voima, joka voi vaikuttaa ihmiseen ja kuljettaa hänet toiseen maailmaan. Tulemalla kirjoissa kuvattujen tapahtumien sankariksi ihmiset oppivat uutta tietoa, jonka perusteella heistä tulee parempia, korjataan virheet kohdattuaan sen hahmot, myötätuntoa ja iloa heidän kanssaan. Kirjallisuus voi muuttaa ihmisen maailmankuvaa radikaalisti.
Maalauksen vaikutuksesta muodostuminen tapahtuu henkinen maailma henkilö. Osallistuminen tämäntyyppiseen toimintaan edistää itseilmaisua ja lisää vaikutelmia. Veistoksissa ihmiset ilmentävät esteettisiä halujaan, ja ulkopuolisille katsojille ne ovat opettavaisia.
Taide siis kasvattaa vain ihmistä parhaat ominaisuudet luonnetta, lisää älykkyyttä, tunnistaa ja kehittää ominaisuuksia, jotka olivat aiemmin näkymättömiä.
Useita mielenkiintoisia esseitä
- Ilyushan ominaisuudet ja kuva Turgenevin esseen tarinasta Bezhin Meadow
Iljusha on yksi Ivan Sergeevich Turgenevin tarinan "Bezhin Meadow" päähenkilöistä. Kirjoittaja kutsuu häntä Ilyushaksi käyttäen pehmeä merkki. Hän on kaksitoistavuotias.
- Tarvitseeko sinun toteuttaa unelmasi? Loppuessee arvosana 11
Mitä ovat unelmat? Pitääkö ne toteuttaa vai pitäisikö ne panna täytäntöön? Voimme sanoa, että unet ovat yksi olemassaolomme kauniista ja tuhoutumattomista hiukkasista. Jokainen meistä kohtelee heitä eri tavalla. Esimerkiksi Vasya todella haluaa toteuttaa unelmansa
- Sotilaallisen saavutuksen teema venäläisessä kirjallisuudessa 1900-luvun jälkipuoliskolla – 2000-luvun alussa.
Sodan teema ja kaikki siihen liittyvä ei jätä ketään välinpitämättömäksi. Tämä aihe on ollut ajankohtainen kaikkina aikoina. Kuitenkin, kun tämä aihe koskee sinua henkilökohtaisesti ja läheisiäsi, kaikki nähdään täysin eri tavalla.
Jokainen mies sanoo tiettyjä sanoja, melkein kaikki tapahtuu tekojen ja sanojen avulla Sana synnyttää sanan, kolmas juoksee itsestään. Ole varovainen: jokainen lausumasi sana voi määrittää
Syksy on tulossa. Kaupunki muuttuu kelta-oranssiksi. Koululaiset laittavat koululaukkunsa päälle ja menevät kouluun. Aikuisten loma-aika lähenee loppuaan.
KRYLOV SERGEY NIKOLAEVITŠ
Nimetyn Pietarin valtion taide- ja teollisuusakatemian taidehistorian ja kulttuurin tutkimuksen laitoksen jatko-opiskelija. A. L. Stieglitz"
Huomautus:
Artikkeli paljastaa tärkeimmät tekijät, jotka estävät taiteilijan ja yleisön keskinäisen ymmärryksen. Kirjoittaja uskoo, että nykytaide on järjestelmä, jolla on oma salattu kieli, joka on kehittynyt viimeisen puolentoista vuosisadan aikana. Alkaen puolivälissä 19 luvulla länsimaisen yhteiskunnan arvoissa on asteittainen muutos, joka heijastuu taiteeseen poikkeuksena esteettisestä ihanteesta käsitteellisen idean hyväksi. Kirjoittaja uskoo, että nykytaiteen hyvin tunteva yleisö ei myöskään aina pysty täysin arvioimaan sen arvoa taideteos ilman mitään erityistä kirjailijan selitystä, mikä on epäilemättä merkki kasvavasta konfliktista yhteiskunnan ja postmodernismin kulttuurin välillä. Jos aiemmin teos herätti tunteita esteettisen vaikutuksen kautta, niin moderni taide etsii omaperäisiä tapoja vaikuttaa yleisöön.
Kulttuuri kokonaisuudessaan ilmaisee yhteiskunnan henkistä tilaa, kun taas taide
on reaktio tunnepurkaukseen. Kuinka kauan taidehistoria on ollut olemassa?
Keskustelua käydään niin paljon: pidetäänkö taiteen innovatiivista ilmiötä edistyksenä?
tai jatkuva kulttuurin heikkeneminen. Humanististen tieteiden alalla se on mahdotonta
jätä huomioimatta integraalin logiikan rakentamisen vaikeus ja joskus jopa mahdottomuus
järjestelmät. Kuvauksessa käytetty sanasto nykytaide, vähitellen
tulee erikoiskieli- vaikeaa, usein pelottavaa monimutkaisuudessaan. Kuitenkin
vähemmän, "taiteen tieteessä teoreettista lähestymistapaa ei oikeastaan ole
vaihtoehtoja, eikä sillä ole väliä, puhummeko modernista vai klassisesta taiteesta. Mikä tahansa
uudella taidehistorian julkaisulla on arvoa vain argumenttina
mikä tahansa teoreettinen kiista osana älyllinen historia" Keskelle asti
1800-luvulla vain harvat taiteilijat yrittävät muotoilla omaa järjestelmäänsä,
pystyvät perustelemaan luovan toiminnan omaperäisyyden.
Uskotaan, että E. Manet teki ensimmäiset yritykset taiteen itsensä tunnistamiseksi,
ensimmäinen maalareista, joka alkoi etsiä teoksen muodollista monimutkaisuutta. hänen luokseen
halulla luoda uusia periaatteita arjen ongelmien ratkaisemisessa, hän epäsuorasti
ennakoi lähes kaiken avantgardistisen luovuuden, kaikkein taantumuksellisimmissa muodoissa
kykenevä poistumaan muinaiseen kreikkaan perustuvasta länsimaisesta kulttuurijärjestelmästä
ymmärrystä estetiikasta ja kauneudesta.
Ratkaisun yksinkertaisuuden vuoksi realistisessa taiteellisessa käytännössä kysymys
teoreettinen perustelu syntyy harvoin edes verrattuna
koriste- tai kirkollinen taide. A.V.Makeenkova päättelee "kielen" monimutkaisuuden
toimii" yhtenä taiteen ymmärtämisen vaikeusongelmista. Epäilemättä,
kirjoittajan kieli voi olla käsittämätöntä, mutta tämä ei voi millään tavalla riippua siitä
työn suunta. Havainnon monimutkaisuuteen vaikuttaa todennäköisemmin muodollinen
merkkejä, nimittäin: esimerkiksi taiteilijan käyttämät keinot eivät ole perinteisesti
taiteelle ominaista: uudet tekniset ominaisuudet, multimedia - eli ne
ominaisuuksia, joissa muotoluovuus yrittää eristyä ja vakiinnuttaa itsensä. Pidin siitä
Olipa työ tarkoitettu meille tai ei, voimme ymmärtää, mistä siinä on kyse, mutta näin se on
täyttyy - ei aina.
Kulttuurin kehittäminen modernissa globalistisessa yhteiskunnassa on mahdotonta
ajatellaan luotujen ideologioiden kontekstin ulkopuolella hallitsevia kerroksia. Alkuperäinen
taiteilijoita - riippumatta siitä, mitä he luovat - pidetään radikaaleina
viritetty. Harkitse silmiinpistävää esimerkkiä: "konservatiiviset poliitikot ja taidekriitikot
USA aikana kylmä sota hyökätä abstraktia taidetta vastaan
”kommunisti”, 20 vuotta myöhemmin L. Reinhardt todistaa sen täsmälleen
realistinen taide lännessä on protestitaidetta, ei abstraktia taidetta, mikä on
siitä ajasta on jo tulossa kapitalistisen kulttuurin symboli. K. Marx huomauttaa myös
se, että ostaessamme ostamme tavaroiden lisäksi esineitä,
täynnä ideologiaa. Joukkoideologiaa hallitsemalla voidaan tietoisesti
manipuloida tunteita sosiaaliset ryhmät. Länsimaisessa sivilisaatiossa ihmiset ovat tottuneet
nauti taideteoksesta ennen kaikkea: visuaalinen,
esteettinen, moraalinen ja älyllinen. Viime vuosisadalla me
havaitsemme asteittaisen siirtymisen pois kehittyneestä taiteen lajien jakautumisesta
tuhansia vuosia; visuaalista staattista taidetta on fuusioitunut runouteen,
musiikki, tanssi, video ja lopuksi "kovat" tieteet, sekä muodolliset että
ideologisesti. Yleisö, joka on kulttuurisesti valmis pohtimaan uutta
taide, saa taiteilijalta tietyn palapelin, joka on suunnattu aktiiviseen työhön
mielikuvitus, eruditio, intuitio ja älykkyys, saavat tästä suurimman ilon.
Teoksen puhtaasti visuaalisten ja esteettisten ominaisuuksien herättämä ihailu,
häipyy taustalle, koska yleisölle esitetään vain idean ruumiillistuma
taiteilija. Nykytaide kutsuu katsojaa väliaikaisesti etääntymään
sosiaaliset massat, nähdä jotain enemmän; populaarikulttuurikritiikin kautta
on kritiikkiä ideologiaa ja itse taidetta kohtaan.
Taiteen tekninen toistettavuus on epäilemättä muuttanut asenteita
yhteiskunnan taiteilijalle, keksimällä maalausten toistettavuuden, houkutellakseen
Katsojan mielenkiinnon mukaan taidemaalarin on laitettava teokseen se, mitä hän ei voi välittää
valokuvaus, esimerkiksi suurin tunnekomponentti, uusi tekninen
tarkoittaa, että se vaikuttaa samanaikaisesti eri aisteihin. Jossain määrin aina
oli taiteiden synteesi, mutta vasta 1900-luvun alussa polymedia
teoksia, jotka vaikuttavat katsojan kaikkiin aisteihin, jotka ovat
monimutkaisin rakenteeltaan luomuksia, toimia, tapahtumia. Dadaistit pakottavat yleisön
hyväksyä uusi lähestymistapa taiteen ymmärrykseen: eivät halua miellyttää, he silti tarjoavat
luovu passiivisesta ihailusta ja tule osaksi toimintaa. Taideteos
voi tulla elämästä lainattu esine: ympäristö tai valmis, - idea,
joka perustuu havainnoinnin painottamiseen eli esineen, teoksen tarkastelemiseen
taide on katsojan itsensä tekemä. M. Duchampin jälkeen kaikesta luonnostaan taiteesta tulee
sana tai käsite. Samaan aikaan klassista mimetiikkateoriaa kokee
kriisi eikä pysty perustelemaan visuaalisten esitysten monimuotoisuutta. Aiemmin ihminen
Olen tottunut saamaan mielihyvää taideteoksen pohtimisesta. yhteiskunta
piti itsestäänselvyytenä, että se oli kyvytön luonne, monimutkaisuus ja rikkaus
esteettinen merkki tai jopa kieli antoi teokselle nyt taiteen aseman
teoksen kuvien ja niiden referentien välillä ei käytännössä ole etäisyyttä.
Puolen vuosisadan aikana taide on kääntynyt niihin teemoihin, jotka olivat aiemmin tasaisia
eivät olleet kiinnostuneita taidehistoriasta. Sisällyttää synteesin idean, morfologinen
taiteen kehys hajoaa ja paljastaa taiteilijan hahmon yhteiskunnan edessä. KANSSA
uusien viestintävälineiden myötä havainto itsessään on muuttunut - visuaalisesta suuntautumisesta
monisensoriseen. Taide voi alistaa kaikki inhimilliset kyvyt
yhtenäisyyden halu luova mielikuvitus. Sosialisoitumisen suuntaus
taide sisään Länsimaat kehittyy itsenäisesti, Euroopassa se on ryhmä
"Situationist International", Yhdysvalloissa - uusdadaistit ja "Fluxus", jotka uskovat
pelastaa taiteen kaupallistamiselta, mikä uhkaa muuttaa sen äärimmäiseksi
arvostettu kulutustavara. Vapaasti ajattelevat taiteilijat työskentelevät
projekteissa, joissa on mukana muusikoita, runoilijoita, tanssijoita. Tämän tyyppinen tulos
toiminnasta on tulossa uusi monitieteinen estetiikka, joka perustuu keskinäiseen
inspiraatiota, rikastamista ja kokeilua. Esitys salli taiteilijoita
poistaa viimeinkin rajat ilmaisuvälineiden, taiteen ja välillä
elämää. Performatiivinen harjoitus oli protestikysely
yleisesti hyväksyttyjä arvoja ja käyttäytymismalleja, ne eivät voisi olla olemassa ilman vuoropuhelua
katsoja. Taiteilijat yhdistävät itsensä suoraan muihin ihmisiin, heidän elämäänsä
kokemusta ja käyttäytymistä. Pääideana hankittu taiteen ja elämän fuusio
äärimmäisiä ja outoja muotoja englantilaisten Gilbertin ja Georgen keskuudessa. Manzoni muuttui
"eläviä veistoksia" ympärillään olevista, he muuttivat itsensä "eläviksi veistoksiksi" ja
epäsuorasti teki heidän elämästään taiteen kohteen.
B.E. Groys 2000-luvun teoreetikkona korostaa taiteen tehtävää demonstraatiossa
erilaisia mielikuvia ja elämäntapoja käytännön tiedon kautta. Keinot
itse viestistä tulee viesti. ”Tunnistamme sen yhdeksi merkittävimmistä
viimeisten 10 - 15 vuoden taiteelliset suuntaukset ovat leviäminen ja
ryhmä- ja sosiaalisesti sitoutuneen luovuuden institutionalisointi",
jonka ilmaisu löytyy vuorovaikutustaiteen erityisestä suosiosta.
M. Kwon pohtii uusi univormu taide "yhteisön määrittelynä"
K. Basualdo on "kokeellinen yhteisö", G. Kester määrittelee sen "dialogiseksi yhteisöksi"
taide." Kesterin ajatus on, että taiteen tehtävänä on kohdata maailma, jossa
ihmiset joutuvat pelkistetyksi hajanaiseksi pseudoyhteisöksi kuluttajista, joiden
tunnekokemuksen määrää esityksen ja harjoitusten yhteiskunta. Jos yhteistyötä
aiemmin järjestäytyneitä ryhmiä paljastaa riistollisen luonteen, se ei sitä tee
voi heijastaa sosiaalisen vuorovaikutuksen mallia. Yhteisessä vastakkainasettelussa
kapitalismi, taiteilijat yhdistyvät keskenään, kutsuvat ulkopuolista yleisöä,
jonka tulisi tuntea itseään työhön osallistuvaksi. Toisin kuin
televisio, taide ei tuhoa, vaan yhdistää suhteita, muuttuen paikaksi
luoda erityinen tila kommunikaatiolle. Jos G. Hegel soitti yhdelle
tärkeimmät syyt taiteen kriisiin on ihmisen suoran kyvyn menetys
kokemus taideteoksesta ("Taideteosten vapaus, joka
ylpeitä itsetietoisuudestaan ja jota ilman he eivät olisi olemassa - tämä on heidän omaa oveluuttaan
mieleen. Jos taideteokset ovat vastauksia omiin kysymyksiinsä, niin
tämän vuoksi heistä itsestään tulee kysymyksiä."), sitten dialogin etu
taiteellisen käytännön tyyppi on se kriittinen analyysi stereotypiat
näkemysten vaihdon ja keskustelun muodossa järkytyksen ja tuhon sijaan.
Yhteistyötaide pyrkii enemmän saavutettavuuteen kuin yksinoikeuteen; V
Dialogissa reflektio on väistämätöntä, koska se ei itsessään voi rakentaa
työtä.
Käytännössä ajatus taiteilijan ja yleisön yhdistämisestä itse asettaa esteen,
häiritsevät lähentymistä, epäilemättä eniten todellinen ongelma. julkinen,
vähän perehtynyt taiteen suuntauksiin, puolueellinen kaikkiin ilmenemismuotoihin
modernia luovuutta ja yrittää välttää kontakteja. Dialogista kieltäytyminen tulee
väärinkäsityksen alkuperäinen syy. Taiteilija ilmaisee uhrautumista,
luopuminen tekijän läsnäolosta suhteiden hyväksi, sallien osallistujat
puhu itsesi kautta. Tämä ajatus ilmaisee taiteen uhrauksen sellaisenaan ja sen halun
täydellinen hajoaminen yhteiskunnallisessa käytännössä.
Ainoa havaintoelementti on tunteet - pääkriteeri
taideteoksen syntyminen ja olemassaolo, jonka alku on
kokemuksia ja tunteita. Kuten V.P. Bransky toteaa: "Hän, jossa esine ei aiheuta
ei tunteita, ei huomaa tässä esineessä kymmenesosaakaan niistä piirteistä, jotka
avoin henkilölle, joka on saanut voimakkaan vaikutelman kohteesta. Niin
Näin ollen paradoksaalisesti voit katsoa jotain, mutta ei näe mitään."
Minkä tahansa taiteen perimmäinen syy ei ole niinkään konteksti kuin vapaa tunne
Filosofian, estetiikan, kauneuden, suhteellisuuden ja muiden puitteiden rajoittama menneisyys
kulttuuriperinteitä. Postmoderni taide perustuu ensisijaisesti
tunteita, ja sitä on mahdotonta mitata millään muulla kriteerillä!
KIRJALLISUUS
1. Rykov A.V. Länsimainen taide XX vuosisata: Kasvatus- ja metodologinen käsikirja. - Pietari: Uusi vaihtoehto
Polygrafia, 2008. s. 3.
2. Dempsey, Amy. Tyylit, koulut, ohjeet. Opas nykytaiteeseen. - M.: Taide -
XXI vuosisata, 2008. s. 191.
3. Piispa, Claire. Yhteiskunnallinen käänne nykytaiteessa - M.: Taidelehti, 2005, №
58/59. S. 1.
4. Adorno, W. Theodor. Esteettinen teoria/ Per. hänen kanssaan. A.V. Dranova. - M.: Tasavalta, 2001. S. 12.
5. Bransky V.P. Taidetta ja filosofiaa. Filosofian rooli taiteen muodostumisessa ja havainnoinnissa
maalauksen historian esimerkkiin perustuvia töitä. - Amber Tale, 1999. s. 6.
Kuinka suuren osan vapaa-ajasta ihmiset käyttävät itseopiskeluun? sadas, tuhannes? Ihmismieli vanhenee vuosien mittaan ja muuttuu vähemmän vastaanottavaiseksi uudelle tiedolle. Miksi näin tapahtuu, mihin entinen toiminta katoaa? Sisäinen matkatavara on jotain, jota täydennämme elämämme aikana, "jätämme joitain asioita ulos" tietoarkusta ja otamme ne mukaan, ja jotkut asiat pysyvät siellä "parempiin aikoihin asti", istumme ja unohtuvat. Mutta miksi ihmiset aina lykkäävät museoon, galleriaan tai teatteriin menemistä? Taide. Onko se todella menettänyt vaikutuksensa? 1700- ja 1800-luvuilla jalo yhteiskunta oli muodikasta puhua ranskaa. Monet sanovat, että tämä on yksi typerimmistä trendeistä. Odota. Mutta on ihanaa olla samalla aaltopituudella niiden kanssa, jotka pyrkivät henkilökohtaiseen kehitykseen. Eikö olekin? Katsotaanpa siis taiteen ongelmia niiden olemassaoloa vahvistavissa argumenteissa.
Mitä on oikea taide?
Mitä on taide? Ovatko nämä maalaukset majesteettisesti esillä galleriassa vai Antonio Vivaldin kuolemattomat vuodenajat? Joillekin taide on rakkaudella kerätty kukkakimppu, se on vaatimaton mestari, joka ei anna mestariteoksensa huutokauppaan, vaan sille, jonka sydämenlyönti herätti neron, antoi tunteen tulla jonkin ikuisen lähteeksi. Ihmiset kuvittelevat, että kaikki henkinen on tiedon alaista, he lukevat lukemattomia kirjoja, jotka voivat tehdä heistä asiantuntijoita erityisessä yhteiskunnassa, yhteiskunnassa, jossa Malevitšin aukion syvyyden ymmärtämättä jättäminen on todellinen rikos, tietämättömyyden merkki.
Muistakaamme kuuluisa tarina Mozartista ja Salierista. Salieri, "...hän repi musiikkia kuin ruumis", mutta opastähti valaisi polun Mozartille. Taide on vain sydämen alainen, elää unelmien, rakkauden ja toivon kanssa. Rakastu, niin sinusta tulee epäilemättä osa rakkaudeksi kutsuttua taidetta. Ongelma on vilpittömyys. Alla olevat argumentit vahvistavat tämän.
Mikä se on, taiteen kriisi? Taiteen ongelma. Argumentit
Jotkut ajattelevat, että taide ei ole enää sitä mitä se oli Buonarrotin ja Leonardo da Vincin aikoina. Mikä on muuttunut? Aika. Mutta ihmiset ovat samat. Ja renessanssin aikana tekijöitä ei aina ymmärretty, ei edes siksi, että väestöllä ei olisi ollut korkea lukutaito, vaan koska arjen kohtu imee ahneesti tunteita, nuoruuden tuoreutta ja hyviä alkuja. Entä kirjallisuus? Pushkin. Oliko hänen kykynsä todella vain juonittelun, panettelun ja 37 vuoden elämän arvoinen? Taiteen ongelma on, että sitä ei arvosteta ennen kuin luoja, joka on taivaan lahjan ruumiillistuma, lakkaa hengittämästä. Annoimme kohtalon tuomita taidetta. No, tässä on mitä meillä on. Säveltäjien nimet ovat vieraita kuulolle, kirjat keräävät pölyä hyllyille. Tämä tosiasia edustaa selkeimmin taiteen ongelmaa kirjallisuuden argumenteissa.
"Kuinka vaikeaa onkaan olla onnellinen näinä päivinä,
Naura äänekkäästi, väärässä paikassa;
Älä anna periksi väärille tunteille
Ja elämä ilman suunnitelmaa on sattumanvaraista.
Olla jonkun kanssa, jonka itku kuuluu kilometrien päähän,
Yritä välttää vihollisia;
Älä toista, että olen loukkaantunut elämästä,
Avatkaa sydämenne leveälle niille, jotka ovat sen arvoisia."
Kirjallisuus on ainoa taiteen muoto, joka puhuu ongelmista niin, että heti haluaa korjata kaiken
Taiteen ongelma, kirjallisuuden argumentit... Miksi kirjailijat nostavat sen niin usein esiin teoksissaan? Vain luova luonto voi jäljittää polun henkinen rappeutuminen ihmiskunta. Otetaan argumenttina kuuluisa romaani Hugo "katedraali" Pariisin Notre Dame" Tarina on luotu yhdestä sanasta "ANA" GKN (kreikan sanasta "rock"). Se ei vain symboloi sankarien kohtaloiden tuhoa, vaan myös loukkaamattomien syklistä tuhoa: "Juuri näin he ovat tehneet keskiajan upeille kirkoille jo kaksisataa vuotta... Pappi maalaa ne uudelleen. , arkkitehti raapii niitä; sitten ihmiset tulevat ja tuhoavat heidät." Samassa teoksessa edessämme esiintyy nuori näytelmäkirjailija Pierre Gringoire. Kuinka matala pudotus hänelle olikaan määrätty matkansa alussa! Tunnustuksen puute, vaeltaminen. Ja kuolema tuntui hänelle ulospääsyltä, mutta lopulta hän oli yksi harvoista, jotka odottivat onnellista loppua. Hän ajatteli paljon, unelmoi paljon. Henkinen tragedia johti julkiseen voittoon. Hänen tavoitteensa on tunnustus. Se osoittautui realistisemmaksi kuin Quasimodon halu olla Esmeraldan kanssa, kuin Esmeraldan unelma tulla ainoaksi Phoebukselle.
Onko pakkaaminen tärkeää taiteessa?
Luultavasti kaikki ovat kuulleet yhdistelmän "taidemuoto". Mikä on käsityksesi sen merkityksestä? Itse taidekysymys on moniselitteinen ja vaatii erityistä lähestymistapaa. Muoto on erikoinen tila, jossa esine asuu, sen aineellinen ilmentymä ympäristössä. Taide – miten koemme sen? Taide on musiikkia ja kirjallisuutta, arkkitehtuuria ja maalausta. Tämä on jotain, jonka me havaitsemme erityisellä henkisellä tasolla. Musiikki - näppäinten, kielten ääni; kirjallisuus on kirja, jonka tuoksu on verrattavissa vain vastaleivotun leivän tuoksuun; arkkitehtuuri - seinien karkea pinta, vuosisatoja vanha ajan henki; maalaus on ryppyjä, taitoksia, suonet, kaikki elävän olennon kauniit epätäydelliset piirteet. Kaikki nämä ovat taiteen muotoja. Jotkut niistä ovat visuaalisia (materiaalia), kun taas toiset havaitaan erityisellä tavalla, ja niiden tuntemiseksi ei ole tarpeen koskea niitä ollenkaan. Herkkyys on lahjakkuus. Ja sitten ei ole ollenkaan väliä missä kehyksessä "Mona Lisa" on ja mistä laitteesta se kuulostaa " Moonlight Sonaatti"Beethoven. Taiteen ongelma ja argumentit ovat monimutkaisia ja vaativat huomiota.
Ongelma taiteen vaikutuksesta ihmiseen. Argumentit
Ihmettelen, mikä on ongelman ydin? Taide... Vaikuttaa siltä, mitä muuta vaikutusta kuin positiivista sillä voi olla?! Ja jos ongelma on, että se on peruuttamattomasti menettänyt hallinnan ihmisen mieli eikä pysty enää tekemään vahvaa vaikutusta?
Mietitään kaikkia mahdollisia vaihtoehtoja. Mitä tulee negatiiviseen vaikutukseen, muistakaamme sellaiset maalaukset kuin "Huuto", "Maria Lopukhinan muotokuva" ja monet muut. Ei tiedetä, miksi he olivat niin kiintyneitä mystisiä tarinoita, mutta uskotaan, että niillä voi olla kielteinen vaikutus ihmisiin, jotka katsovat maalauksia. E. Munchin maalausta loukkaaville ihmisille aiheutetut vammat, onnetonta kauneutta katselevien hedelmättömien tyttöjen rampautunut kohtalo traaginen tarina, jonka Borovikovsky kuvasi vähän ennen kuolemaansa. Pahinta on, että taide on nykyään sielutonta. Se ei voi edes herättää negatiivisia tunteita. Ihailemme, ihailemme, mutta minuutin kuluttua tai jopa aikaisemmin unohdamme näkemämme. Välinpitämättömyys ja kiinnostuksen puute on todellinen onnettomuus. Me ihmiset on luotu johonkin suureen. Kaikki, poikkeuksetta. Valinta on vain meidän: olla sama vai ei. Taiteen ongelma ja argumentit on nyt ymmärretty, ja tästä lähtien jokainen lupaa elää sydämestä.
"Triviaali kysymys" -osiossa esitämme tyhmiä tai ensisilmäyksellä naurettavia kysymyksiä asiantuntijoille ja kulttuurihenkilöille, mutta aina tämän "lapsellisen" uteliaisuuden takia onnistumme saamaan lukijoillemme tuoreita, mielenkiintoisia ja ei-triviaaleja filosofisia ajatuksia, jotka voi tuhota olemassa olevia stereotypioita nykykulttuurista ja auttaa ymmärtämään taidetta paremmin.
Tämä numero on omistettu nykytaiteen teoksiin sisältyvien merkitysten väärinymmärrysongelmalle, jota katsoja usein kohtaa. Yksi Moskovan konseptualismin perustajista, Andrei Monastyrsky, uskoi, että jos taiteilijan työ on heti ymmärrettävää, katsojalla ei ole "ei esteettinen työ ei tietoisuudessa tai tunteissa."
Ekaterina Frolova puhui kuuluisten ja vaikutusvaltaisten taiteilijoiden, kuten Olga Sviblovan, Alexandra Obukhovan ja Vasily Tseretelin, kanssa selvittääkseen, vaikuttaako väärinkäsitys todella katsojaan yhtä paljon kuin ymmärtäminen.
Michael Landy, installaatio Doubting Thomas (Saints alive)"
Olga Sviblova, Moskovan multimediataidemuseon perustaja ja johtaja
Väärinkäsitys vaikuttaa yleensä huonosti ihmisiin. Mutta väärinkäsitys on perusta kommunikaation kehitykselle, kuten Juri Lotman (kuuluisa venäläinen kulturologi - huomautus "365") sanoi. Nykytaide on kieli, joka muuttuu erittäin nopeasti. Siksi, jos yritän puhua kiinalaisten kanssa enkä ymmärrä heitä, tämä ei ole syy olla vihainen kiinalaisille. Kiinan kielen ymmärtämättä jättäminen voi myös vaikeuttaa Pekingissä suuntautumistamme tai johtaa siihen, että tilaamme ruokalistalta väärän tuotteen. Mutta tämä ei ole kiinalaisten tai kiinan kielen vika, vaan meidän tietämättömyytemme kiinan kielestä. Siksi, jos emme ymmärrä kieltä, yritämme joko oppia sen tai valitsemme tilanteet, joissa pärjäämme ilman sitä. Eli suhteellisesti sanottuna emme mene Kiinaan emmekä tilaa kiinalaisia ruokia kiinalaisessa ravintolassa siellä. Katsojalla on valinnanvaraa: joko yrittää ymmärtää kieltä ja tehdä siihen liittyviä ponnisteluja tai olla yksinkertaisesti menemättä nykytaiteen näyttelyihin, koska hänen ei ole pakko mennä niihin. Nykytaiteen väärinymmärtäminen ei vaikuta katsojaan millään tavalla, sillä taide itsessään on symbolinen esine, eikä se vaikuta ketään, jos museossa tai muussa näyttelytilassa noudatetaan turvatoimia.
Ai Weiwein installaatio "Artist's Explosion" 55. Venetsian biennaalissa
Alexandra Obukhova, ohjaaja tieteellinen osasto Modernin taiteen museo"Autotalli"
Väärinkäsitys on voimakkain tekijä taideteoksen merkityksen ymmärtämisessä. Kun se on avattu, vilpitön ihminen sanoo: "En ymmärrä mitä edessäni on", hän ilmoittaa siten aikovansa selvittää se, ymmärtää aihe. Ja sitten hänelle paljastuu taide kaikessa täyteydessään. Mitä tulee ihmisiin, jotka eivät ole valmiita uusiin, suljetuihin, suvaitsemattomiin ihmisiin, näkemästään ymmärtämisen puute, erityisesti nykytaiteen perusteiden ja olemuksen ymmärtämisen puute, sulkee aiheen heiltä kerta toisensa jälkeen. kaikki. Ymmärryksen läpinäkyvyys, modernin taiteen hermeettisyys on itse asiassa yksi sen tärkeimmistä ominaisuuksista. Nykyiset venäläiset taiteilijat pitivät suurelta osin väärinymmärrystä yhtenä työn myönteisistä ominaisuuksista. Moskovan käsitteellisyyden klassikko Andrei Monastyrski sanoi objektejaan kommentoiessaan: "Jos niitä käsiteltäessä herää kysymys: "Mitä tämä on? En oikein ymmärrä, mitä täällä tapahtuu", tai mikä parasta, "Lopuksi en ymmärrä, mitä tämä on" - sitten hyvä, sitten ne toimivat niin kuin pitää." Tämä on "positiivisen väärinkäsityksen" vaikutus, jonka pitäisi olla luontainen jokaiselle hyvää työtä nykytaide. Jos katsoja on valmis johonkin uuteen, valmis pohtimaan sitä, mikä näyttää joltakin vieraalta, tuntemattomalta, ja tuntea jotain tavallista pidemmältä, hänellä on mahdollisuus murtautua läpi enemmän. korkea taso todellisuuden ymmärtäminen, ei vain nykytaide.
Nykytaidetta ei ole luotu ihailtavaksi. Hänen tavaransa eivät ole iloisen tunnustuksen kohteita. Mikään ei ole kauempana yksinkertaisista nautinnoista kuin nykytaide. Kyse on mahdollisimman paljon käytöstä. henkilöstöresurssit, eli ei vain silmä (eli tunne), vaan myös mieli. Se on suunniteltu saamaan katsoja ajattelemaan. Toisaalta ymmärtääkö katsoja kaiken, kun hän katsoo Rublevin "Kolminaisuutta" tai Dürerin "Melankoliaa"? Myönnän, että en itse aina ymmärrä mitä näen nykytaiteen näyttelyissä. Ja kun kaikki on minulle selvää, en ole kiinnostunut.
Thomas Hirschhorn, "Leikkaa"
Vasily Tsereteli, Moskovan modernin taiteen museon (MMOMA) toiminnanjohtaja
minun mielestäni koulutettu henkilö täytyy ymmärtää häntä ympäröivä ympäristö, tilanne ja todellisuus. Nykyään taide on mitä hengitämme nykytaiteilijoita, mikä läpäisee meitä jokaista ympäröivän todellisuuden. Ihmisen, joka pyrkii olemaan vapaa, koulutettu ja älykäs, haluaa menestyä urallaan ja henkilökohtaisessa elämässään, ei välttämättä tarvitse ymmärtää taidetta ja olla ammattilainen. Hänen täytyy vain käydä museoissa, lukea paljon, olla kiinnostunut taiteesta yleensä, modernia musiikkia, kirjallisuutta. Tietysti voit sivuuttaa kaiken etkä mennä minnekään, etkä työskentele itsesi kanssa, mutta tämä on yksinkertaisesti osoitus ihmisen tasosta, hänen kehityksestään. Siksi on erittäin tärkeää, että lapset kehittyvät lapsuudesta lähtien, kouluissa ja oppilaitoksia Kursseja luotiin integraatiosta nykytaiteeseen ja kulttuuriin, periaatteessa taiteen historiaan yleensä, jotta ihminen tuntee ja ymmärtää kulttuurin. Tietoisuus ja kokemus sellaisista asioista tekee meistä ystävällisempiä, älykkäämpiä, sopeutuvaisempia mihin tahansa elämäntilanteeseen. Muuten näemme monia esimerkkejä siitä, että ihmiset motivoituvat helposti vääriin tekoihin ja kuinka ihmiset eivät arvosta sitä, mitä on luotu ennen ja mitä luodaan nyt, eivätkä arvosta heitä ympäröivää työtä ja lahjakkuutta. Tällainen yhteiskunta muuttuu väistämättä barbaariseksi ja kulttuurittomaksi.
Yulia Grachikova, kuraattori ja Moskovan museon koulutusohjelmien osaston apulaisjohtaja
varten viime vuosina instituutiot kokivat useita vaiheita strategioissa vuorovaikutuksessa katsojien kanssa. Venäjän kontekstista puhuttaessa on syytä muistaa, että taideprojektien yleisönä olivat pitkään ammattilaiset ja taiteellinen yhteisö. Moskovan instituutiot kokivat 2010-luvulla ja vielä vähän aikaisemmin kiinnostusta nykytaidetta kohtaan vapaa-ajan muotona, välttämättömänä muodikkaana "maallisen" yleisön elämän ominaisuus. Tämä prosessi käynnisti "popularisointityökalut", mukaan lukien vuorovaikutuksen "kielen" yksinkertaistamiseen liittyvät työkalut: välittäjien ja oppaiden armeijat, helpoimmat käsitteet, tähtien nimet, "selfiepaikat" näyttelyissä jne. Onko nykytaide tullut selkeämmäksi ja helpommaksi tämän ansiosta? kiistanalainen kysymys. Yksinkertaistaminen sisään tässä tapauksessa ei toimi taiteellisten projektien "puolesta" vaan "vastaan". Nykytaiteen käyttötarkoitukset suuri määrä tietolähteet, vetoaa filosofiaan, taidehistoriaan ja historiaan yleensä, poliittisiin, sosiaalisiin ja taloudellisiin prosesseihin. Katsojalle vuorovaikutus taiteen kanssa ei ole vähempää työtä kuin taiteilijalle. Väärinkäsitys tässä tapauksessa herättää halun analysoida, muotoilla kannan, asennetta ei vain tiettyyn kohtaan taiteellista työtä tai lausuntoa, mutta myös erityisiä kysymyksiä tai ideoita, joita tämä työ käsittelee. Taiteen elitismi ei piile sen "sulkeutumisessa" suurelta yleisöltä, vaan sen vaatimuksissa henkistä valmistautumista kohtaan, vaatimuksissa työskennellä tietoisuuden ja kognition kanssa. Ja tässä tapauksessa väärinkäsitys antaa enemmän kuin ymmärrys. Moderni kulttuuri kärsii "popcorn-politiikasta", jossa henkilö ei ryhdy henkiseen kulutukseen. "Ymmärtämättömästä" ja monimutkaisesta kieltäytymisestä tulee rappeutumisen syy. Asian toinen puoli on, että "väärinkäsitys" johtaa nykytaiteen hylkäämiseen, vuorovaikutuksesta kieltäytymiseen ja ankaraan kritiikkiin. Mutta olen sanonut jo useammin kuin kerran, että perinteinen klassista taidetta vaatii valmistelua ja voi samoin aiheuttaa väärinkäsityksiä. Ja tämän "väärinkäsityksen" aiheuttama vaikutus riippuu suoraan katsojan ja yleisön "laadusta". Joten kannatan täysin "väärinkäsitystä" tehokkaana välineenä tietoisuuden ja kognition stimuloinnissa.
Ai Weiwei, VALON SUUNTA
Natalya Litvinskaya (Grigorieva), Lumiere Brothers Center for Photography -keskuksen perustaja ja kuraattori
Todennäköisesti voimme olla vastuussa vain siitä, että katsojat ja vierailijat ymmärtävät väärin yksittäisiä näyttelyprojekteja. Toivon, että taiteen väärinymmärrystä yleensä ei tapahdu tässä maailmassa. Näyttely ei ole vain ryhmä teoksia, jotka on ripustettu kuin museo. Jokaisella näyttelyllä, kuten kaikilla teoksilla, on idea, jonka yritämme välittää, ja juuri siksi teemme tämän näyttelyn. Väärinkäsitys tai väärinkäsitys voi syntyä vain silloin, kun näyttely ei yksinkertaisesti toteuttanut sitä ideaa, josta se haaveili. Kuraattori joko loi näyttelyn itselleen ja lähiyleisölle tai ei yksinkertaisesti pystynyt toteuttamaan sitä. Seurauksena oli, että katsoja jäi odotusten panttivangiksi ostetulla näyttelylipulla käsissään ja tunteella, että hän oli hukannut aikaansa, ja toisinaan surullisemmillakin tunteilla. En todellakaan ole samaa mieltä mistään jäykistä asteikoista ei-nykytaiteen ja nykytaiteen välillä, varsinkaan kun me puhumme jälkimmäisen selvästä väärinkäsityksestä. En muista ajanjaksoa lapsuudestani, jolloin kaikki olisivat ymmärtäneet esittämäni taiteen Tretjakovin galleria pääsaleissaan tai kaikkien suosikkina Pushkinin museo. Lisäksi museot eivät tuolloin olleet niin avoimia vierailijoilleen koulutuksensa alalla, mutta nykyään kaikki museotilan ympärillä tapahtuva on valtava positiivinen vaihe Moskovan elämässä. Taide ei edes kävele, vaan juoksee Moskovan vieraan luo, tuo hänelle jotain, josta ei puhuta tai kirjoiteta, yrittäen olla rehellinen ja relevantti. Taiteilijasta tulee kysyntää, hänen ideansa ja lausuntonsa ovat yhtä rakennusmateriaali, jonka kuraattori tuo sille avoimelle vierailijalle. Kuraattorin on saatava näyttelyvierailu harmoniseksi, ja jättäisin taiteilijan rauhaan ja antaisin hänelle mahdollisuuden tehdä sitä, mitä hän ei voi tehdä, muuten taide katoaa, ja vain kaunis ja hauskoja kuvia, vaikka se on kaikille ymmärrettävää, mutta kukaan ei tarvitse.
Aristarkh Chernyshev ja Alexey Shulgin, installaatio "Big Talking Cross"
Anatoli Osmolovsky, vuoden 2007 Kandinsky-palkinnon saaja kategoriassa "Vuoden taiteilija", yksi parhaista näkyvät edustajat Moskovan akcionismi, Moskovan nykytaiteen instituutin "Baza" rehtori»
Nykytaide, kuten kaikki muukin kuvataiteet, eroaa kaikista muista tyypeistä, kuten kirjallisuudesta, teatterista, musiikista ja elokuvasta, sillä se käsittelee ainutlaatuisten esineiden luomista. Tämä antaa hänelle enemmän riippumattomuutta yleisöstä. Jotta taiteilija voi elää ja työskennellä, hänellä on oltava yksi tai kolme varakasta fania, jotka ostavat hänen taideteoksiaan ja antavat hänelle mahdollisuuden työskennellä. Riippumattomuus yleisöstä on tärkein syy siihen, että nykytaide on kokeellisin kaikista muista olemassa olevista tyypeistä tällä hetkellä. Luonnollisesti kokeilu ja epätavallisten esineiden luominen edellyttävät kompleksin luomista tieteellinen kieli kuvaamaan niitä. Monet katsojat, jotka kohtaavat käsittämättömiä nykytaiteen esineitä, toivovat saavansa selvennystä erilaisia tekstejä, jotka myös osoittautuvat "hermeettisesti suljetuiksi" ymmärryksestä. Nykytaide on erittäin tiukka kurinalaisuus, täällä on mahdotonta harjoitella, kuten sanotaan, "mitä haluat, tee se". Nykytaiteessa, kuten tieteessä, fysiikassa tai matematiikassa, on tiettyjä ratkaisualgoritmeja, mutta taiteessa on enemmän vapautta ja tilaa ratkaisuille. Jos ihmiset haluavat perehtyä asiaan, he voivat. Uskon, että tämä kestää noin kaksi vuotta. Ensinnäkin tarvitaan analyyttistä ymmärrystä taidehistoriasta ja toiseksi havainnointia. Nykytaiteen ja klassisen taiteen välillä ei ole suurta eroa. Nämä ovat toisiinsa liittyviä asioita - moderni taide nousi klassisesta taiteesta ja on sitä olennainen osa. Siksi havainnointi on erittäin tärkeää klassisessa taiteessa. Sinun tulee tuntea klassinen taide hyvin, ymmärtää sen kehittämisen periaatteet ja historiallinen muutos. Taiteen tuottoprosentti on erittäin korkea, jos sijoitat lupaaviin taiteilijoihin. Heidän työnsä voi olla aluksi halpaa, mutta 10 vuoden kuluttua se voi maksaa 1000 tai 10 000 kertaa enemmän. "Suljetuksella" ja "epäselvyydellä" on erittäin tärkeä rooli erilaisten spekulaattoreiden, ihmisten, jotka haluavat tehdä helppoa rahaa taiteella, seulonnassa.
Yin Xiuzhen, asennuslämpötila
Konstantin Grouss, taiteellinen johtaja, kansainvälisen toiminnan johtaja kulttuuriprojekti"Art Residence" ja projektiNOLLATanssiGalleria
Haluaisin vastata tähän: katsoja juoksee kirjastoon tai opettajansa luo kysymyksellä "Mikä se oli?" Kaikki eivät kuitenkaan juokse. Henkilökohtainen kokemus ja kulttuuriset matkatavarat määräävät reaktion väärinkäsityksiin. Kaikkea ja kaikkia on mahdollista ymmärtää - taiteilijasta riippuu, pystyykö hän herättämään tämän "haluan ymmärtää" yleisön mielissä kulttuurikoodien sopusoinnussa. Taide on taiteilijan kieli, joten se ei ole mitä ja miten, vaan Kuka määrää taiteilijan välineen voiman, joka yhdistää eri tietokenttiä. Katsoja eroaa katsojasta näkö- ja kuulotarkkuudella, elämänkokemuksen ja hetken tunnelman kokonaisuudella. Monet yritykset ennustaa katsojan yksiselitteistä reaktiota ovat epäonnistuneet jopa moitteettomien taiteilijoiden keskuudessa. Sekä kuvataiteen että teatterin, tanssin ja musiikin saralla. Siksi reaktio tekniikkaan riippuu reaktiosta väliaineeseen (kokonais kulttuurikoodi taiteilija ja hänen teoksiaan. - Noin Grouss.), mukaan lukien taiteilijan itsensä persoonallisuus, joka taiteessa, erityisesti modernissa taiteessa, on tärkeämpi kuin hänen kielensä. Paras vastaus mielestäni olisi se, että katsoja yrittää välittää taiteilijan viestin omin sanoin. Siksi lausunto "Minäkin voin tehdä tämän!" Pidän sitä täysin arvokkaana seurauksena väärinkäsityksestä, koska se herättää sisällään vastakysymyksen - "Voinko?"
XIII Venetsian biennaalin Venäjän paviljonki