Jaapanlased avastasid asjades peituva ilu 9.–12. sajandil, Heiani ajastul (794–1185) ja tähistasid seda isegi erimõistega “mono no aware” (jaapani 物の哀れ (もののあわれ)), mis tähendab "asjade kurb võlu." "Asjade võlu" on üks varasemaid ilu määratlusi jaapani kirjanduses, seda seostatakse šintoistliku usuga, et iga asi sisaldab oma jumalust - kami - ja oma ainulaadne võlu. Avare on asjade sisemine olemus, see, mis tekitab rõõmu ja põnevust.
- Washi (wasi) või wagami (wagami).
Käsitsi valmistatud paberi valmistamine. Keskaegsed jaapanlased hindasid washit mitte ainult selle praktiliste omaduste, vaid ka ilu pärast. See oli kuulus oma kõhnuse, peaaegu läbipaistvuse poolest, mis aga ei võtnud talt tugevust. Washi valmistatakse kozo (mooruspuu) ja mõnede teiste puude koorest.
Washi paberit on säilinud sajandeid, millest annavad tunnistust iidse Jaapani kalligraafia albumid ja köited, maalid, ekraanid ja gravüürid, mis on säilinud läbi sajandite kuni tänapäevani.
Washi paber on kiuline, kui vaatate läbi mikroskoobi, näete pilusid, mille kaudu õhk ja päikesevalgus tungivad. Seda kvaliteeti kasutatakse ekraanide ja traditsiooniliste Jaapani laternate valmistamisel.
Washi suveniirid on eurooplaste seas väga populaarsed. Sellest paberist valmistatakse palju väikeseid ja kasulikke esemeid: rahakotid, ümbrikud, lehvikud. Need on üsna vastupidavad ja samas kerged.
- Gohei.
Talisman pärit paberiribad. Gohei on shinto preestri rituaalne kepp, mille külge on kinnitatud paberist siksakilised ribad. Samad paberiribad on riputatud šintoistliku pühamu sissepääsu juurde. Paberi roll šintoismis on traditsiooniliselt olnud väga suur ja sellest valmistatud toodetele on alati antud esoteeriline tähendus. Ja usk, et iga asi, iga nähtus, isegi sõnad, sisaldab kami - jumalust - seletab selle tüübi välimust. tarbekunst, nagu gohei. Šintoism on mõnes mõttes väga sarnane meie paganlusega. Šintoistide jaoks elab kami eriti meelsasti kõiges ebatavalises. Näiteks paberil. Ja veelgi enam keerukas siksakis keerdunud goheis, mis ripub tänapäeval šintoistlike pühamute sissepääsu ees ja viitab jumaluse olemasolule templis. Goheil on 20 voltimisvõimalust ja need, mis on volditud, meelitavad kami eriti ebatavaliselt. Enamasti on gohei valge, kuid on ka kuldseid, hõbedaseid ja palju muid toone. Alates 9. sajandist on Jaapanis olnud komme enne võitluse algust kinnitada sumomaadlejate vöö külge goheid.
- Anesama.
See on paberist nukkude valmistamine. 19. sajandil valmistasid samuraide naised paberist nukke, millega lapsed mängisid, riietades neid erinevatesse riietesse. Mänguasjade puudumisel oli anesama lastele ainsaks vestluskaaslaseks, kes “täitis” ema rolli, vanem õde, laps ja sõber.
Nukk on rullitud Jaapani washi paberist, juuksed on kortsutatud paberist, värvitud tindiga ja kaetud liimiga, mis annab sellele läikiva viimistluse. Iseloomulik omadus on armas väike nina pikal näol. Tänapäeval valmistatakse seda lihtsat mänguasja, mis ei nõua enamat kui osavaid käsi, traditsioonilise vormiga, samamoodi nagu varem.
- Origami.
Iidne paberi voltimise kunst (折り紙, lit.: “volditud paber”). Origami kunsti juured on Vana-Hiinas, kus leiutati paber. Origamit kasutati algselt religioossetes rituaalides. Pikka aega oli seda tüüpi kunst kättesaadav ainult kõrgklassi esindajatele, kus head kombed valdas paberi voltimise tehnikaid. Alles pärast Teist maailmasõda jõudis origami idast kaugemale ja jõudis Ameerikasse ja Euroopasse, kus see leidis kohe oma fännid. Klassikaline origami on valmistatud ruudukujulisest paberilehest.
Isegi kõige keerukama toote voltimisskeemi visandamiseks on vajalik teatud sümbolite komplekt. Enamik konventsionaalseid märke tutvustas praktikas 20. sajandi keskel kuulsa Jaapani meistri Akira Yoshizawa poolt.
Klassikaline origami nõuab ühe ruudukujulise ühtlase värviga paberilehe kasutamist ilma liimi ja käärideta. Kaasaegsed vormid kunst kaldub mõnikord sellest kaanonist kõrvale.
- Kirigami.
Kirigami on kääride abil mitu korda volditud paberilehest erinevate kujundite välja lõikamise kunst. Origami tüüp, mis võimaldab mudeli valmistamise ajal kasutada kääre ja paberit. See on peamine erinevus kirigami ja teiste paberivoltimistehnikate vahel, mida nimes rõhutatakse: 切る (kiru) - lõigatud, 紙 (gami) - paber. Lapsena armastasime me kõik välja lõigata lumehelbeid - kirigami versiooni, mille abil saate paberist välja lõigata mitte ainult lumehelbeid, vaid ka erinevaid kujundeid, lilli, vanikuid ja muid armsaid asju. Neid tooteid saab kasutada šabloonidena trükiste, albumite, kaartide, pildiraamide kaunistamisel, rõivakujunduses, sisekujunduses ja muudes erinevates dekoratsioonides.
- Ikebana.
Ikebana (jaapani 生け花 või いけばな) tõlkes jaapani keelest - ike" - elu, "bana" - lilled või "lilled, mis elavad". Jaapani lilleseadekunst on jaapanlaste üks ilusamaid traditsioone. Ikebana koostamisel kasutatakse koos lilledega lõigatud oksi, lehti ja võrseid oivaline lihtsus, mille saavutamiseks püütakse rõhutada taimede loomulikku ilu. Ikebana on uue loomuliku vormi loomine, milles on harmooniliselt ühendatud lille ilu ja kompositsiooni loova meistri hinge ilu.
Tänapäeval on Jaapanis 4 suurimat ikebana koolkonda: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Lisaks neile on umbes tuhat erinevat suunda ja trendi, mis ühele neist koolkondadest kinnituvad.
- Oribana.
17. sajandi keskel tekkis Ikenobost kaks koolkonda: ohara (ikebana põhivorm on oribana) ja koryu (põhivorm on sseka). Muide, ohara koolkond õpib siiani ainult oribanat. Nagu jaapanlased ütlevad, on väga oluline, et origami ei muutuks origamiks. Gomi tähendab jaapani keeles prügikasti. Lõppude lõpuks, nagu juhtub, voldisite paberitüki ja mida sellega teha? Oribana pakub sisekujunduseks palju kimbude ideid. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA
- Vale.
Vaade kaunid kunstid, sündinud lillekasvatusest. Floristika ilmus meie riigis kaheksa aastat tagasi, kuigi Jaapanis on see eksisteerinud enam kui kuussada aastat. Kunagi keskajal õppisid samurai sõdalase teed. Ja oshibana oli osa sellest teest, nagu hieroglüüfide kirjutamine ja mõõgaga vehkimine. Vea tähendus seisnes selles, et hetkes täieliku kohaloleku seisundis (satori) lõi meister kuivatatud lilledest (pressitud lilledest) pildi. Siis võiks see pilt olla võtmeks, teejuhiks neile, kes olid valmis vaikusesse sisenema ja sama satorit kogema.
"Oshibana" kunsti olemus seisneb selles, et lilli, maitsetaimi, lehti, koort surve all kogudes ja kuivatades ning alusele liimides loob autor taimede abil tõelise "maalitöö". Teisisõnu, oshibana maalib taimedega.
Kunstiline loovus florists põhineb kuivatatud taimse materjali kuju, värvi ja tekstuuri säilitamisel. Jaapanlased on välja töötanud tehnika oshibana maalide kaitsmiseks pleekimise ja tumenemise eest. Selle olemus seisneb selles, et klaasi ja pildi vahelt pumbatakse õhk välja ning tekib vaakum, mis takistab taimede riknemist.
Inimesi köidab mitte ainult selle kunsti ebatavalisus, vaid ka võimalus näidata kujutlusvõimet, maitset ja teadmisi taimede omadustest. Floristid loovad ornamente, maastikke, natüürmorte, portreesid ja teemamaale.
- Bonsai.
Bonsai kui nähtus ilmus Hiinas rohkem kui tuhat aastat tagasi, kuid see kultuur jõudis oma arengu haripunkti alles Jaapanis. (bonsai – jaapani 盆栽 lit. "taim potti") - kunst kasvatada miniatuurselt tõelise puu täpne koopia. Neid taimi kasvatasid budistlikud mungad mitu sajandit eKr ja hiljem sai neist üks kohaliku aadli ameteid.
Bonsai kaunistas Jaapani kodusid ja aedu. Tokugawa ajastul sai pargikujundus uue hoo: asaleade ja vahtrate kasvatamisest sai jõukate inimeste ajaviide. Arenes ka kääbustaimekasvatus (hachi-no-ki – "puu potis"), kuid tolleaegsed bonsai olid väga suured.
Tänapäeval kasutatakse bonsai jaoks tavalisi puid, mis muutuvad väikeseks tänu pidevale pügamisele ja erinevatele muudele meetoditele. Samal ajal vastab kausi mahuga piiratud juurestiku ja bonsai maapealse osa suuruste suhe täiskasvanud puu proportsioonidele looduses.
- Mizuhiki.
Sarnaselt makrameele. See on iidne jaapani tarbekunst, mille käigus köidetakse spetsiaalsetest nööridest erinevaid sõlmi ja luuakse neist mustreid. Sellistel kunstiteostel oli äärmiselt lai kasutusala – kinkekaartidest ja kirjadest kuni soengute ja käekottideni. Tänapäeval on mizuhiki ülimalt laialt kasutusel kingitööstuses – iga sündmusega elus käib kaasas kingitus, mis on väga spetsiifiliselt pakendatud ja seotud. Mizuhiki kunstis on äärmiselt palju sõlmi ja kompositsioone ning mitte iga jaapanlane ei tea neid kõiki peast. Loomulikult on kõige levinumad ja lihtsad sõlmed, mida kasutatakse kõige sagedamini: õnnitlemiseks lapse sünni puhul, pulmade või matuste, sünnipäeva või ülikooli vastuvõtmise puhul.
- Kumihimo.
Kumihimo on Jaapani punumistehnika. Kui niidid on põimitud, saadakse paelad ja pitsid. Need pitsid on kootud spetsiaalsetel masinatel - Marudai ja Takadai. Marudai kangastelge kasutatakse ümmarguste paelte kudumiseks, Takadai kangastelge aga lamedate paelte jaoks. Kumihimo tähendab jaapani keelest tõlgituna “nööride kudumist” (kumi - kudumine, kokku voltimine, himo - köis, pits). Hoolimata asjaolust, et ajaloolased väidavad kangekaelselt, et sarnast kudumist võib leida ka skandinaavlaste ja Andide elanike seas, on Jaapani kumihimo kunst tõesti üks iidsemaid kudumisliike. Selle esmamainimine pärineb aastast 550, mil budism levis kogu Jaapanis ja erilised tseremooniad nõudsid erilisi kaunistusi. Hiljem hakati kumihimo paelu kasutama naiste kimono obi vöö kinnitusena, köitena kogu samuraide relvaarsenali “pakkimiseks” (samurai kasutas kumihimot dekoratiivsel ja funktsionaalsel otstarbel, oma soomuse ja raudrüü sidumiseks. nende hobused) ja ka raskete esemete kokkusidumiseks.
Omatehtud papist kangastelgedel kootakse väga lihtsalt erinevaid moodsa kumihimo mustreid.
- Komono.
Mis jääb kimonost alles pärast seda, kui see on oma eesmärgi täitnud? Kas sa arvad, et see visatakse minema? Ei midagi sellist! Jaapanlased ei tee seda kunagi. Kimono on kallis asi. Seda on mõeldamatu ja võimatu niisama ära visata... Lisaks muudele kimonode taaskasutusviisidele valmistasid käsitöönaised väikestest jääkidest väikeseid suveniire. Nende hulka kuuluvad väikesed mänguasjad lastele, nukud, prossid, vanikud, naiste ehted ja muud tooted, millest valmistatakse väikseid armsaid asju, mida koondnimetusega “komono”. Väikesed asjad, mis hakkavad elama omaette, jätkates kimono teed. Seda tähendab sõna "komono".
- Kanzashi.
Juukseklambrite kaunistamise kunst (enamasti kaunistatud riidest (enamasti siidist) lilledega (liblikad jne) Jaapani kanzashi on pikk juuksenõel traditsioonilise jaapani naiste soengu jaoks. Neid valmistati puidust, lakist, hõbedast, kilpkonnast. , mida kasutatakse traditsioonilistes hiina ja jaapani soengutes Umbes 400 aastat tagasi muutus Jaapanis naiste soengustiil: naised lõpetasid oma juuste kammimise traditsioonilisel kujul – taregami (pikad sirged juuksed) ning hakkasid neid keerulistes ja veidrates vormides kujundama. nihongami erinevaid esemeid- juuksenõelad, pulgad, kammid. Just siis muutub isegi lihtne kushi kamm erakordse iluga elegantseks aksessuaariks, millest saab tõeline kunstiteos. Jaapani naiste traditsiooniline kostüüm ei lubanud randmeehteid ja kaelakeesid, nii et juuksekaunistused olid peamiseks iluks ja eneseväljendusväljaks – samuti demonstreerisid omaniku rahakoti maitset ja paksust. Gravüüridel on – kui tähelepanelikult vaadata – näha, kuidas jaapanlannad riputasid hõlpsasti oma soengusse kuni kakskümmend kallist kanzashit.
Praegu on kanzashi kasutamise traditsioon elavnemas noorte jaapanlaste seas, kes soovivad lisada oma soengutele rafineeritust ja elegantsi. Kaasaegseid juuksenõelu saab kaunistada vaid ühe või kahe elegantse käsitsi valmistatud lillega.
- Kinusayga.
Hämmastav käsitööliik Jaapanist. Kinusaiga (絹彩画) on batika ja lapitöö ristand. Põhiidee seisneb selles, et vanad siidist kimonod on kokku pandud uuteks maalideks – tõelisteks kunstiteosteks.
Kõigepealt teeb kunstnik paberile visandi. Seejärel kantakse see joonis puitplaadile. Disaini piirjooned lõigatakse soontega ehk soontega ning seejärel lõigatakse vanast siidist kimonost sobivad värvi ja tooniga väikesed tükid ning nende tükkide servad täidavad sooned. Sellist pilti vaadates tekib tunne, et vaatad fotot või isegi lihtsalt akna taga maastikku, need on nii realistlikud.
- Temari.
Need on traditsioonilised jaapani geomeetrilised tikitud pallid, mis on valmistatud lihtsate õmblustega, mis olid kunagi laste mänguasjad ja millest on nüüdseks saanud tarbekunsti vorm, mida armastavad paljud fännid mitte ainult Jaapanis, vaid kogu maailmas. Arvatakse, et ammu valmistasid need esemed meelelahutuseks samuraide naised. Alguses kasutati neid tegelikult pallina mängimiseks, kuid samm-sammult hakati neid omandama kunstilised elemendid, muutudes hiljem dekoratiivseteks kaunistusteks. Nende pallide õrn ilu on tuntud kogu Jaapanis. Ja tänapäeval on Jaapanis üks rahvakunsti tüüpidest värvilised hoolikalt valmistatud tooted.
- Yubinuki.
Jaapani sõrmkübarad, käsitsi õmblemisel või tikkimisel asetatakse need töötava käe keskmise sõrme keskmisele phalanksile, sõrmeotste abil antakse nõelale soovitud suund ja keskmise sõrme sõrmus surub nõela töö kaudu. Algselt valmistati Jaapani yubinuki sõrmkübaraid üsna lihtsalt - umbes 1 cm laiune paksust riidest või nahast riba mitmes kihis keerati tihedalt ümber sõrme ja kinnitati paari lihtsa dekoratiivpistega. Kuna Yubinukid olid vajalik ese igas kodus hakati neid kaunistama geomeetriliste siidniitidega tikanditega. Blokeerivad õmblused lõid värvilisi ja keerukaid mustreid. Yubinuki lihtsast majapidamisesemest on muutunud ka “imetlemiseks” ja kaunistamiseks. igapäevaelu.
Yubinuki kasutatakse endiselt õmblemiseks ja tikkimiseks, kuid lisaks võib neid leida ka lihtsalt kätel kandtuna mis tahes sõrmel, nagu dekoratiivsõrmused. Tikandeid yubinuki stiilis kasutatakse erinevate sõrmusekujuliste esemete kaunistamiseks - salvrätirõngad, käevõrud, yubinuki tikandiga kaunistatud temarialused ning samas stiilis on ka tikitud nõelakarpe. Yubinuki mustrid võivad olla temari obi tikandite jaoks suurepäraseks inspiratsiooniallikaks.
- Suibokuga või sumie.
Jaapani tušimaal. See hiina stiilis maali laenasid Jaapani kunstnikud 14. sajandil ja 15. sajandi lõpuks. on saanud Jaapani maalikunsti põhisuunaks. Suibokuga on ühevärviline. Seda iseloomustab tahke vormi musta tindi (sumi) kasutamine süsi ehk tahmast valmistatud hiina tint, mis jahvatatakse tindipotis, lahjendatakse veega ja kantakse pintsliga paberile või siidile. Monochrome pakub meistrile lõputut valikut toonivalikuid, mida hiinlased on juba ammu tunnustanud tindi “värvidena”. Suibokuga lubab mõnikord kasutada pärisvärve, kuid piirdub õhukeste läbipaistvate tõmmetega, mis jäävad alati tindiga teostatud joone alla. Tušimaal jagab kalligraafia kunstiga selliseid olulisi omadusi nagu rangelt kontrollitud väljendus ja vormi tehniline valdamine. Tušiga maalimise kvaliteet taandub, nagu kalligraafia puhul, tindiga tõmmatud joone terviklikkusele ja rebenemiskindlusele, mis näib hoidvat kunstiteost endal, nagu luud hoiavad endal kudesid.
- Etagami.
Joonistatud postkaardid (e - pilt, sildid - kiri). Oma kätega kaartide valmistamine on Jaapanis üldiselt väga populaarne tegevus ja pühade eel tõuseb selle populaarsus veelgi. Jaapanlastele meeldib oma sõpradele postkaarte saata ja neile meeldib ka neid vastu võtta. See on teatud tüüpi kiirkiri spetsiaalsetel tühjadel vormidel, mida saab saata postiga ilma ümbrikuta. Etegamis pole erilisi reegleid ega tehnikaid, igaüks saab sellega hakkama ilma eriväljaõppeta. Lavad aitavad täpselt väljendada meeleolu, muljeid, see on käsitsi valmistatud postkaart, mis koosneb pildist ja lühikesest kirjast, mis annab edasi saatja emotsioone, nagu soojust, kirge, hoolt, armastust jne. Neid kaarte saadetakse pühade ajal ja niisama, kujutades aastaaegu, tegevusi, juur- ja puuvilju, inimesi ja loomi. Mida lihtsam see pilt on joonistatud, seda huvitavam see välja näeb.
- Furoshiki.
Jaapani pakketehnika ehk voltimiskunst. Furoshiki on Jaapani elu osa olnud pikka aega. Säilinud on iidsed rullraamatud Kamakura-Muromachi perioodidest (1185–1573) naiste kujutistega, kes kannavad peas riidesse mähitud riidekimpe. See huvitav tehnika tekkis Jaapanis aastatel 710–794 pKr. Sõna "furoshiki" tähendab sõna-sõnalt "vannimatt" ja see on ruudukujuline riidetükk, mida kasutati igasuguse kuju ja suurusega esemete mähkimiseks ja kandmiseks.
Vanasti oli Jaapani vannides (furo) kombeks kanda heledaid puuvillaseid kimonod, mille külastajad kodust kaasa tõid. Supleja võttis kaasa ka spetsiaalse mati (shiki), millel seisis lahtiriietumise ajal. Olles vahetanud “vanni” kimono, mässis külastaja oma riided vaipa ja pärast vanni mässis ta märja kimono vaiba sisse, et see koju kanda. Nii sai vannimatist multifunktsionaalne kott.
Furoshikit on väga lihtne kasutada: kangas võtab pakendatava eseme kuju ja käepidemed muudavad koorma kandmise lihtsaks. Lisaks omandab mitte kõvasse paberisse, vaid pehmesse mitmekihilisse kangasse pakitud kingitus erilise väljendusrikkuse. Furoshiki voltimiseks on palju mustreid igaks sündmuseks, igapäevaseks või puhkuseks.
- Amigurumi.
Jaapani kunst väikeste pehmete loomade ja humanoidsete olendite kudumiseks või heegeldamiseks. Amigurumi (jaapani 編み包み, õk.: "kootud-mähitud") on enamasti armsad loomad (näiteks karud, jänesed, kassid, koerad jne), inimesed, kuid nad võivad olla ka elutud objektid, millel on inimlikud omadused. Näiteks koogikesed, mütsid, käekotid ja teised. Amigurumi on kootud või heegeldatud. IN viimasel ajal Heegeldatud amigurumid on muutunud populaarsemaks ja levinumaks.
Need on kootud lõngast lihtsal kudumismeetodil - spiraalselt ja erinevalt euroopalikust kudumismeetodist ei ole ringid tavaliselt omavahel ühendatud. Need on ka heegeldatud lõnga jämedusega võrreldes väiksemaks, et luua väga tihe kangas ilma tühikuteta, mille kaudu täitematerjal pääseb välja. Amigurumi valmistatakse sageli osadest ja seejärel pannakse need kokku, välja arvatud mõned amigurumid, millel pole jäsemeid, vaid ainult pea ja torso, mis moodustavad ühe terviku. Mõnikord täidetakse jäsemed eluskaalu andmiseks plastiktükkidega, ülejäänud keha aga täidetakse kiudtäiteainega.
Amigurumi esteetika levikut soodustab nende armsus (“kawaiiness”).
Toimub Jaapani kaasaegse kunsti näitus "Double Perspective".
1. Jaapani kaasaegses kunstis on palju ebatavalist. Näiteks need Izumi Kato maalid on loodud käsitsi, pintslit kasutamata
2. Esmapilgul võib tunduda, et tegemist on tavaliste lambipirnidega. Aga see sügava tähendusega teos on pühendatud 38. paralleelile, mis eraldab Põhja- ja Lõuna-Koread.
3. Muidugi on igas töös mingi sügav tähendus, mis ei peitu pinnal, aga isegi kui seda ei leia, võib lihtsalt imetleda näiteks oskuslikult tehtud roosi ilu.
4. need on Kenji Yanobe teosed sellest, kuidas inimene suudab maailmalõpu üle elada
6. See on tema kuulsaim teos “Päikeselaps”, mis on loodud pärast Fukushima tuumajaama õnnetust.
8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"
9. See on ka kaasaegne Jaapani kunst
10. huvitav projekt "Leninit otsitakse Moskva korteritesse." Yoshinori Niva otsis moskvalaste kodudest Lenini isiksusega seotud säilinud esemeid. Kõige kummalisem on see, et seda ei teinud mitte venelased, vaid jaapanlased.
14. Muide, selleks tööks kasutati päris rottide topis.
15. need fotod näitavad inimeste hirme
Tänapäeva maailma süüdistatakse sageli vaimne kriis, traditsioonidega sidemete hävitamises, paratamatult endasse neelavas globaliseerumises riiklikud sihtasutused. Kõik on samaaegselt personifitseeritud ja depersonaliseeritud. Kui nn klassikaline kunst võiksime jaguneda rahvuskoolideks ja ette kujutada, mis on itaalia kunst, mis saksa kunst, ja mis on prantsuse keel; siis kas saame jagada kaasaegse kunsti samadeks “koolideks”?
Vastuseks esitatud küsimusele tahaksin teie tähelepanu juhtida Jaapani kaasaegsele kunstile. aastal toimunud konverentsil Kunstimuuseum Mori väitis eelmisel aastal kaasaegse kunsti internatsionalismi teemal Tokyo ülikooli professor Michio Hayashi, et läänes levinud arusaama "jaapanlusest" tsementeeris 1980. aastatel "kitši", "loomulikkuse" ja "loomulikkuse" kolmainsus. tehnoloogiline keerukus." Tänapäeval saab Jaapanis populaarset ja eriti kaubanduslikult populaarset kaasaegset kunsti paigutada sellesse kolmnurka. Lääne vaataja jaoks jääb see salapäraseks ja originaalseks ainult tõusva päikese maa kunstile omaste eripärade tõttu. Augustis kohtusid Lääs ja Ida korraga kolmes kunstipaigas: kuni 8. augustini toimus Manhattanil (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) näitus “Duality of Existence – Post-Fukushima”, näitus “teamLab: Ultra Subjective Space” kestis 15. augustini on peaaegu lähedal (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); ja Takashi Murakami "Arhatsi tsükkel" Milano Palazzo Reales köidab ja üllatab endiselt külastajaid.
Kõik esitletud tööd on loodud pärast 11. märtsi 2011, mil Jaapanit tabas tsunami. Fukushima tuumajaama tuumakatastroof ühendas rahvast, sundis prioriteete ja väärtusi ümber mõtlema ning taas pöörduma ammu unustatud traditsioonide poole. Kunst ei suutnud kõrvale seista ja tutvustas maailmale uut tüüpi, vajadustele keskendunud kunstnikku kaasaegne vaataja, ning samal ajal au sees ajalooliselt väljakujunenud aluseid ja väärtusi.
Takashi Murakami on äriliselt edukas kunstnik, kes populariseeris tehnokitši ja lõi Jaapani nihonga maali traditsioonidele ning anime ja manga spetsiifikale tuginedes uue visuaalse keele superflat. Tema kopeeritud skulptuuride ja ennekuulmatute installatsioonide ideoloogia oli demonstreerida muutusi Jaapanis pärast sõda, mil levis tarbimishullus. Kuid 11. märts 2011 jagas Jaapani elu "enne" ja "pärast", nagu kaks kohutavat päeva augustis 1945, mil tuumapommid visati Hiroshimale ja Nagasakile. Pärast seda kohutavate tagajärgedeni viinud tugevat maavärinat asus Murakami budismi ja Jaapani esteetika ümbermõtestamise teele, astudes sammu juurte ja vaimsuse juurde naasmise poole. Esimene töö, mis tähistas tsükli "Arhats" algust, on "500 Arhatit", mida näidati Takashi Murakami isikunäitusel Kataris Dohas 2012. aastal. Budistlike teemade juurde naasmist selgitab autor katsena mõista, et selles maailmas pole mitte ainult meie, vaid meist sõltumatud jõud ja et me peame iga kord paremaks muutuma, et lõpetada sõltuvusest. enda soovid ja mõjutab. Tihe arhati sein, mis justkui kaitseks pealtvaatajaid raevukate elementide eest kogu lõuendi 100 meetri ulatuses, sisendas kõigi hinge rahu ja vaikust. Kuid Murakami ei piirdunud vaid ühe teosega ja jätkas maalide tsüklit, täiendades ja laiendades narratiivi, kasutades justkui mangatehnikat ja jutustades lugu visuaalses kujunduses. Sarja teist osa esitleti Blum & Poe galeriis (Los Angeles) 2013. aastal. Täna reisivad arhatid Milanos kolmandat korda ümber maailma, levitades ideed vaimsuse juurde naasmisest ja emotsioonidest loobumisest. Vaatamata ülesehitusele ja tähenduse sügavusele on maalid kergesti tajutavad tänu julgele ja erksale värvilahendusele, kunstiline keel. Manga elemendid tõid neisse vajalikul hulgal populariseerimist, et budismi edasiantud ideid saaksid hõlpsasti lugeda ja tajuda ka asjatundmatu avalikkus.
Järgmiseks kaasaegse Jaapani maalikunsti esindajaks võib nimetada Murakami õpilast Kazuki Umezawat, mis toob meid tagasi koolkonna ja järjepidevuse küsimuse juurde. Ta loob animetegelaste digitaalseid renderdusi, maalides need kleebistele, et luua lisasügavust ja visuaalset kaost. Internetis laiali pillutatud juhuslikest piltidest konstrueerib ta kollaaže, purustades taustu, luues mandalaid, mis peegeldavad otakude (anime- ja mangafännide) kujutlusvõime struktuuri ja sisu. Budistliku sümboli poole pöördumine suurendab teoste semantilist väärtust noor kunstnik, mis ühendab ühelt poolt sakraalset ja kultuuris juurdunud, teiselt poolt, kaasaegsed probleemid, kuid jällegi konkreetselt Jaapani fenomeni – anime – kaasamisega.
Takashi Murakami ja Kazuki Umezawa balansseerivad osavalt asjakohasuse ja traditsiooni, kitši ja stiili vahel.
On üllatav, et pärast 11. märtsil 2011 Jaapanis toimunud maavärinat pääses ajakirjaniku küsimusele oma tulevikuunistuste kohta üheksa päeva oma kodu rusude all lõksus olnud 16-aastane poiss, kes päästeti. , vastas: "Ma tahan saada kunstnikuks."
Mis hõlmab paljusid tehnikaid ja stiile. Kogu oma ajaloo jooksul on see läbi teinud palju muutusi. Lisandusid uued traditsioonid ja žanrid ning säilisid algsed jaapani põhimõtted. Koos Jaapani hämmastava ajalooga on maal valmis esitama ka palju ainulaadseid ja huvitavaid fakte.
Vana Jaapan
Esimesed stiilid ilmuvad kõige iidsemas ajalooline periood riikides, isegi eKr. e. Siis oli kunst üsna primitiivne. Esiteks, aastal 300 eKr. eKr ilmusid erinevad geomeetrilised kujundid, mis valmistati keraamikale pulkade abil. Selline arheoloogide avastus, nagu ornamentika pronkskelladel, pärineb hilisemast ajast.
Veidi hiljem, juba aastal 300 pKr. e. ilmuvad kaljumaalingud, mis on palju mitmekesisemad kui geomeetrilised mustrid. Need on juba täisväärtuslikud pildid piltidega. Need leiti krüptide seest ja tõenäoliselt maeti nendesse matmispaikadesse neile maalitud inimesed.
7. sajandil pKr e. Jaapan võtab kasutusele Hiinast pärit kirjutise. Umbes samal ajal tulid sealt ka esimesed maalid. Siis ilmub maal omaette kunstisfäärina.
Edo
Edo pole kaugeltki esimene ja mitte viimane maal, kuid see tõi kultuuri palju uut. Esiteks on tavapärasele tehnikale lisatud heledus ja värviküllus, esitatuna mustades ja hallides toonides. Sotasut peetakse selle stiili silmapaistvamaks kunstnikuks. Ta lõi klassikalisi maale, kuid tema tegelased olid väga värvikad. Hiljem läks ta üle loodusele ja enamik tema maastikke maaliti kullatud taustale.
Teiseks, Edo perioodil ilmus eksootika, nambani žanr. Selles kasutati kaasaegseid Euroopa ja Hiina tehnikud, mis põimus traditsiooniliste Jaapani stiilidega.
Ja kolmandaks ilmub Nanga koolkond. Selles jäljendavad kunstnikud kõigepealt täielikult või isegi kopeerivad Hiina meistrite töid. Siis ilmub uus haru, mida nimetatakse bunjingiks.
Moderniseerimise periood
Edo periood annab teed Meijile ja nüüd on Jaapani maalikunst sunnitud astuma uude arenguetappi. Sel ajal olid sellised žanrid nagu vestern ja muu taoline kogu maailmas populaarseks muutumas, nii et kunsti moderniseerimine muutus tavapäraseks. Kuid Jaapanis, riigis, kus kõik inimesed austavad traditsioone, erines asjade seis sel ajal oluliselt teistes riikides toimunust. Konkurents Euroopa ja kohalike tehnikute vahel on siin tihe.
Praeguses etapis eelistab valitsus noori kunstnikke, kes näitavad suurt lubadust oma oskusi lääne stiilides täiendada. Nii saadavad nad need Euroopa ja Ameerika koolidesse.
Kuid see oli alles perioodi alguses. Fakt on see, et kuulsad kriitikud on lääne kunsti üsna tugevalt kritiseerinud. Et vältida suurt segadust selle teema ümber, hakati Euroopa stiile ja tehnikaid näitustel keelustama, nende eksponeerimine lakkas, nagu ka nende populaarsus.
Euroopa stiilide tekkimine
Järgmiseks tuleb Taisho periood. Sel ajal tulevad välismaa koolidesse õppima läinud noored kunstnikud tagasi kodumaale. Loomulikult toovad nad endaga kaasa uued Jaapani maalistiilid, mis on väga sarnased Euroopa omadega. Ilmuvad impressionism ja postimpressionism.
Sees selles etapis Moodustatakse palju koolkondi, kus taaselustatakse iidseid Jaapani stiile. Lääne tendentsidest on aga võimatu täielikult lahti saada. Seetõttu peame kombineerima mitmeid tehnikaid, et meeldida nii klassikasõpradele kui ka kaasaegse Euroopa maalikunsti austajatele.
Osa koole rahastab riik, tänu millele on võimalik säilitada paljusid rahvuslikke traditsioone. Eraomanikud on sunnitud järgima tarbijate eeskuju, kes tahtsid midagi uut, nad on klassikast väsinud.
Maal Teisest maailmasõjast
Pärast sõjaaja algust jäi Jaapani maalikunst mõnda aega sündmustest eemale. See arenes eraldi ja iseseisvalt. Kuid see ei saanud kesta igavesti.
Aja jooksul, kui poliitiline olukord riigis halveneb, meelitavad kõrged ja lugupeetud tegelased palju kunstnikke. Mõned neist hakkasid patriootlikes stiilides looma juba sõja alguses. Ülejäänud alustavad seda protsessi ainult ametiasutuste korraldusel.
Seetõttu ei saanud Jaapani kujutav kunst eriti areneda Teise maailmasõja ajal. Seetõttu võib seda värvimiseks nimetada seisvaks.
Igavene Suibokuga
Jaapani sumi-e maal või suibokuga tähendab sõna-sõnalt "tindimaali". See määrab selle kunsti stiili ja tehnika. See tuli Hiinast, kuid jaapanlased otsustasid seda enda omaks nimetada. Ja esialgu ei olnud tehnikal mingit esteetilist poolt. Mungad kasutasid seda zeni õppimise ajal enesetäiendamiseks. Lisaks joonistasid nad esmalt pilte ja treenisid seejärel nende vaatamise ajal keskendumisvõimet. Mungad uskusid, et ranged jooned, udused toonid ja varjud – kõik, mida nimetatakse ühevärviliseks – aitavad parandada.
Jaapani tušimaal ei ole vaatamata maalide ja tehnikate laiale mitmekesisusele nii keeruline, kui esmapilgul võib tunduda. See põhineb ainult 4 krundil:
- Krüsanteem.
- Orhidee.
- Ploomi oks.
- Bambusest.
Väike süžeete arv ei muuda tehnika valdamist kiireks. Mõned meistrid usuvad, et õppimine kestab kogu elu.
Hoolimata asjaolust, et sumi-e ilmus juba ammu, on see alati nõudlik. Pealegi võite täna kohtuda selle kooli meistritega mitte ainult Jaapanis, vaid see on laialt levinud ka väljaspool selle piire.
Moodne periood
Pärast Teise maailmasõja lõppu õitses kunst Jaapanis vaid suurtes linnades ja külaelanikel oli muret piisavalt. Enamasti püüdsid kunstnikud sõjaaja kaotustest kõrvale pöörata ja kujutada lõuendil tänapäevast linnaelu koos selle kaunistuste ja tunnustega. Euroopa ja Ameerika ideed võeti edukalt vastu, kuid selline olukord ei kestnud kaua. Paljud meistrid hakkasid neist järk-järgult eemalduma Jaapani koolide suunas.
Alati moes olnud. Seetõttu võib kaasaegne Jaapani maalikunst erineda ainult teostustehnika või protsessis kasutatud materjalide poolest. Kuid enamik kunstnikke ei taju erinevaid uuendusi hästi.
On võimatu rääkimata moodsatest kaasaegsetest subkultuuridest, nagu anime ja sarnased stiilid. Paljud kunstnikud püüavad hägustada piiri klassika ja tänapäeval nõudluse vahel. Enamasti on selline olukord tingitud kaubandusest. Klassikat ja traditsioonilisi žanre praktiliselt ei osteta, seega pole kasulik oma lemmikžanris kunstnikuna töötada, peate kohanema moega.
Järeldus
Kahtlemata on Jaapani maalikunst kujutava kunsti aarde. Võib-olla oli kõnealune riik ainus, mis ei järginud lääne suundumusi ega kohanenud moega. Vaatamata paljudele löökidele uute tehnikate tulekuga, suutsid Jaapani kunstnikud siiski kaitsta rahvuslikud traditsioonid paljudes žanrites. Ilmselt seetõttu on klassikalistes stiilides tehtud maalid tänapäeval näitustel kõrgelt hinnatud.
Jaapani kaasaegse kunsti skeene näib olevat täielikult globaliseerunud. Kunstnikud liiguvad Tokyo ja New Yorgi vahet, peaaegu kõik said Euroopa või Ameerika hariduse ning räägivad oma loomingust rahvusvahelises kunstiinglises keeles. See pilt pole aga kaugeltki täielik.
Rahvuslikud vormid ja trendid osutuvad üheks nõutuimaks kaubaks, mida Jaapan suudab kunstiideede ja -tööde maailmaturule pakkuda.
Lennuki käitamine. Kuidas superflat-liikumine ühendab Ameerika geek-kultuuri ja traditsioonilise Jaapani maalikunsti
Takashi Murakami. "Tang Tang Bo"Kui läänemaailmas jääb peaaegu kõigi jaoks (välja arvatud ehk kõige tulihingelisemad postmodernsuse teoreetikud) kõrg- ja massikultuuri piir endiselt aktuaalseks, kuigi problemaatiliseks, siis Jaapanis on need maailmad täiesti segunenud.
Selle näiteks on Takashi Murakami, kes ühendab edukalt näitusi maailma parimates galeriides ja voogedastust.
Murakami näituse “Tuleb õrn vihm” ringreisi salvestus
Murakami suhe populaarkultuuriga – ja Jaapani jaoks on see eelkõige manga- ja animefännide kultuur (otaku) – on aga keerulisem. Filosoof Hiroki Azuma kritiseerib otaku kui autentse Jaapani fenomeni mõistmist. Otaku peavad end otseselt seotuks 17.–19. sajandi Edo perioodi traditsioonidega - isolatsionismi ja moderniseerimisest keeldumise ajastu. Azuma väidab, et otaku liikumine – seotud manga, animatsiooni, graafiliste romaanide ja arvutimängudega – sai tekkida ainult sõjajärgse Ameerika okupatsiooni kontekstis Ameerika kultuuri impordi tulemusena. Murakami ja tema järgijate kunst leiutab otaku uuesti popkunsti meetoditega ja lükkab ümber natsionalistliku müüdi selle traditsiooni autentsuse kohta. See esindab "japaniseerunud Ameerika kultuuri taasamerikaniseerimist".
Kunstiajaloolisest vaatenurgast on superflat kõige lähedasem Jaapani varajasele ukiyo-e maalile. Kõige rohkem kuulus teos selles traditsioonis on Katsushika Hokusai (1823–1831) trükk The Great Wave off Kanagawa.
Lääne modernismi jaoks oli Jaapani maalikunsti avastamine läbimurre. See võimaldas meil näha pilti tasapinnana ja püüab seda omadust mitte ületada, vaid sellega töötada.
Katsushiki Hokusai. "Suur laine Kanagawa ääres" Performance-kunsti pioneerid. Mida tähendab 1950. aastate Jaapani kunst tänapäeval
Dokumentatsioon loominguline protsess Akira Kanayama ja Kazuo Shiraga
Superflat sai kuju alles 2000. aastatel. Kuid maailmakunsti jaoks olulised kunstisündmused said alguse Jaapanis palju varem – ja isegi varem kui läänes.
Performatiivne pööre kunstis toimus eelmise sajandi 60. ja 70. aastate vahetusel. Jaapanis ilmus etenduskunst viiekümnendatel aastatel.
Esimest korda nihutas Gutai Grupp oma fookuse isemajandavate objektide loomiselt nende tootmisprotsessile. Siit on üks samm eemal kunstiobjektist loobumisest lühiajalise sündmuse kasuks.
Kuigi Gutai üksikuid kunstnikke (neid oli kahekümne aasta jooksul kokku 59) eksisteerisid rahvusvahelises kontekstis aktiivselt, algas Jaapani sõjajärgse kunsti kui kollektiivse tegevuse mõistmine läänes alles hiljuti. Buum saabus 2013. aastal: mitmed näitused New Yorgi ja Los Angelese väikestes galeriides, MoMAs “Tokyo 1955–1970: The New Avant-Garde” ja Guggenheimi muuseumis ulatuslik ajalooline retrospektiiv “Gutai: Splendid Playground”. Jaapani kunsti import Moskvasse näib olevat selle suundumuse peaaegu hiline jätk.
Sadamasa Motonaga. Töö (vesi) Guggenheimi muuseumis On hämmastav, kui kaasaegsed need retrospektiivsed näitused välja näevad. Näiteks Guggenheimi muuseumi näituse keskseks objektiks on Sadamasa Motonaga teose Work (Water) rekonstruktsioon, milles muuseumi rotundi tasandeid ühendavad polüetüleentorud värvilise veega. Need meenutavad lõuendilt rebitud pintslitõmbeid ja ilmestavad Gutai keskset keskendumist "konkreetsusele" (nagu bändi nimi jaapani keelest tõlgitakse), objektide materiaalsusele, millega kunstnik töötab.
Paljud Gutai osalejad said klassikalise nihonga maaliga seotud hariduse, paljud on biograafiliselt seotud zen-budismi religioosse konteksti ja sellele iseloomuliku Jaapani kalligraafiaga. Kõik nad leidsid iidsetele traditsioonidele uue, protseduurilise või osaluspõhise lähenemise. Kazuo Shiraga salvestas videoid, kus ta maalib oma monokroome, aimates Rauschenbergi jalgadega, ja lõi maalid isegi avalikult.
Minoru Yoshida muutis Jaapani trükistest lilled psühhedeelseteks objektideks – selle näiteks on Biseksuaalne lill, üks esimesi kineetilisi (liikuvaid) skulptuure maailmas.
Guggenheimi muuseumi näituse kuraatorid räägivad nende teoste poliitilisest tähendusest:
"Gutai demonstreeris tasuta tähtsust üksikud tegevused, publiku ootuste õõnestamine ja isegi rumalus kui viise astuda vastu sotsiaalsele passiivsusele ja konformsusele, mis võimaldas militaristlikul valitsusel mitme aastakümne jooksul saavutada kriitilise massi mõju, tungida Hiinasse ja seejärel liituda Teise maailmasõjaga.
Hea ja tark. Miks lahkusid kunstnikud 1960. aastatel Jaapanist Ameerikasse?
Gutai oli sõjajärgses Jaapanis erand reeglist. Avangardrühmad jäid marginaalseks, kunstimaailm oli rangelt hierarhiline. Peamine tee tunnustuseni oli osalemine tunnustatud klassikaliste kunstnike ühenduste korraldatud konkurssidel. Seetõttu eelistasid paljud minna läände ja integreeruda ingliskeelsesse kunstisüsteemi.
Eriti raske oli see naistele. Isegi progressiivses Gutais ei küündinud nende kohaloleku osa viiendikuni. Mida me saame öelda traditsiooniliste institutsioonide kohta, millele juurdepääs oli vajalik eriharidus. Kuuekümnendateks olid tüdrukud selle õiguse juba omandanud, kuid kunstiõpetus (kui me ei räägi dekoratiivkunstist, mis kuulus oskuste komplekti) ryosai kenbo- hea naine ja tark ema) oli sotsiaalselt taunitud tegevus.
Yoko Ono. Lõika tükk
Lugu viie võimsa Jaapani naiskunstniku emigreerumisest Tokyost osariikidesse sai teemaks Midori Yoshimoto uurimuses "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi ja Shigeko Kubota otsustasid oma karjääri alguses kolida New Yorki ja töötasid seal, sealhulgas Jaapani kunsti traditsioonide kaasajastamisel. Ainult Yoko Ono kasvas üles USA-s, kuid ka tema keeldus teadlikult Jaapanisse naasmast, olles aastatel 1962–1964 lühikese viibimise ajal Tokyo kunstilises hierarhias pettunud.
Onost sai neist viiest kuulsaim – mitte ainult John Lennoni naisena, vaid ka naisekeha objektistamisele pühendatud protofeministlike etteastete autorina. Ono’s Cut Piece’i, milles vaatajad said kunstniku rõivatükke ära lõigata, ja “etenduse vanaema” Marina Abramovići “Rütm 0” vahel on ilmsed paralleelid.
Lühikestel jalgadel. Kuidas läbida Tadashi Suzuki originaalset näitlejakoolitust
Ono ja Gutai puhul muutusid rahvusvaheliselt oluliseks nende autoritest eraldatud meetodid ja temaatika. Ekspordivorme on teisigi – kui kunstniku tööd võetakse rahvusvahelisel areenil huviga vastu, kuid meetodit ennast selle spetsiifilisuse tõttu ei laenata. Kõige silmatorkavam juhtum on Tadashi Suzuki näitlejakoolituse süsteem.
Suzuki teatrit armastatakse isegi Venemaal - ja see pole üllatav. Viimane kord ta käis meil 2016. aastal Euripidese tekstidel põhineva näidendiga “Trooja naised” ning 2000. aastatel mitmel korral Shakespeare’i ja Tšehhovi lavastustega. Suzuki viis näidendite tegevuse üle praegusesse Jaapani konteksti ja pakkus tekstidele mitteilmseid tõlgendusi: avastas Ivanovis antisemitismi ja võrdles seda jaapanlaste põlgliku suhtumisega hiinlastesse ning kandis üle kuningas Leari tegevuse. Jaapani hullumajja.
Suzuki ehitas oma süsteemi vastandina vene teatrikoolile. 19. sajandi lõpus, niinimetatud Meiji perioodil, koges moderniseeruvas keiserlikus Jaapanis opositsiooniliikumine. Tulemuseks oli varem äärmiselt suletud kultuuri ulatuslik läänestumine. Imporditud vormide hulgas oli Stanislavski süsteem, mis on siiani Jaapanis (ja Venemaal) üks peamisi režisseerimismeetodeid.
Suzuki harjutused
Kuuekümnendatel, kui Suzuki oma karjääri alustas, levis üha enam tees, et Jaapani näitlejad ei suuda oma füüsiliste omaduste tõttu harjuda tollast repertuaari täitnud lääne tekstidest pärit rollidega. Noorele lavastajale suutnud pakkuda kõige veenvamat alternatiivi.
Suzuki harjutuste süsteem, mida nimetatakse jalgade grammatikaks, sisaldab kümneid viise istumiseks, veelgi enam seismiseks ja kõndimiseks.
Tema näitlejad mängivad tavaliselt paljajalu ja mõjuvad raskuskeskme langemise tõttu võimalikult raskena, maa külge seotuna. Suzuki õpetab neile ja oma esinemistel välisosalistele oma tehnikat Toga külas, iidsetes kaasaegsete seadmetega täidetud hoonetes. Jaapani majad. Tema trupp annab aastas vaid umbes 70 etendust ja ülejäänud aja elavad nad peaaegu kunagi külast lahkumata ja isiklike asjadega tegelemiseks aega ei jää – ainult töö.
Toga keskus tekkis seitsmekümnendatel, selle kujundas direktori tellimusel maailmakuulus arhitekt Arata Isozaka. Suzuki süsteem võib tunduda patriarhaalne ja konservatiivne, kuid ta ise räägib Togast tänapäeva detsentraliseerimise terminites. Veel 2000. aastate keskel mõistis Suzuki, kui oluline on eksportida kunsti pealinnast piirkondadesse ja korraldada kohalikke tootmispunkte. Jaapani teatrikaart meenutab lavastaja sõnul paljuski Venemaad – kunst on koondunud Tokyosse ja mõni vähem suuremad keskused. Vene teater Samuti oleks tore omada seltskonda, kes käib regulaarselt väikelinnades ringreisidel ja asub pealinnast kaugel.
SCOTi ettevõttekeskus Togas Lilleteed. Millise ressursi on kaasaegne teater noh- ja kabuki-süsteemides avastanud?
Suzuki meetod kasvab välja kahest iidsest Jaapani traditsioonist – Kabuki. Asi pole mitte ainult selles, et seda tüüpi teatrit iseloomustatakse sageli kui kõndivat kunsti, vaid ka ilmsemaid detaile. Suzuki järgib sageli reeglit, et kõiki rolle täidavad mehed, kasutades iseloomulikke ruumilahendusi, näiteks kabuki mustri hanamichi (“lillede tee”) - lavalt taha ulatuv platvorm. auditoorium. Ta kasutab ka väga äratuntavaid sümboleid nagu lilled ja kirjarullid.
Muidugi sisse globaalne maailm Jaapanlaste privileegist oma rahvusvorme kasutada pole juttugi.
Meie aja ühe märgilisema lavastaja, ameeriklase Robert Wilsoni teater oli üles ehitatud sealt võetud laenudele.
Ta mitte ainult ei kasuta maske ja meiki, mis meenutavad massipublikule Jaapanit, vaid laenab ka maksimaalsel aegluubis ja eneseküllasel žesti väljendusvõimel põhinevaid näitlemismeetodeid. Traditsiooniliste ja rituaalsete vormide kombineerimine tipptasemel valgusmuusika ja minimalistliku muusikaga (üks kõige... kuulsad teosed Wilsoni lavastuses Philip Glassi Einstein on the Beach), loob Wilson sisuliselt selle päritolu ja asjakohasuse sünteesi, mille poole püüdleb suur osa kaasaegsest kunstist.
Robert Wilson. "Einstein rannas"
Noh'st ja kabukist kasvas üks sammas kaasaegne tants- butoh, otseses tõlkes - pimeduse tants. 1959. aastal loodud koreograafid Kazuo Ono ja Tatsumi Hijikata, kes toetusid ka madalale raskuskeskmele ja keskendumisele jalgadele, esindas butoh traumaatiliste sõjakogemuste mõtiskluste tõlkimist füüsilisse dimensiooni.
"Nad näitasid keha, mis oli haige, lagunev, isegi koletu, koletu.<…>Liigutused on vahel aeglased, vahel tahtlikult teravad, plahvatuslikud. Selleks kasutatakse spetsiaalset tehnikat, mil liigutus viiakse läbi justkui põhilihaseid kasutamata, luustiku luuhoobade tõttu,” kirjutab tantsuajaloolane Irina Sirotkina keha vabanemise ajalukku butoh, ühendades. see koos lahkumisega balletinormatiivsusest. Ta võrdleb butoh’d 20. sajandi alguse tantsijate ja koreograafide – Isadora Duncani, Martha Grahami, Mary Wigmani – praktikaga ning räägib mõjust hilisemale “postmodernistlikule” tantsule.
Katsura Kani, buto-traditsiooni kaasaegse järglase tantsu fragment
Tänapäeval ei ole buto oma algsel kujul enam avangardistlik praktika, vaid ajalooline rekonstruktsioon.
Ono, Hijikata ja nende järgijate välja töötatud liikumissõnavara on aga tänapäevaste koreograafide jaoks väärtuslik ressurss. Läänes kasutavad seda Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky ja isegi The Weekendi videos "Belong To The World". Jaapanis on buto traditsiooni jätkaja näiteks Saburo Teshigawara, kes tuleb oktoobris Venemaale. Kuigi ta ise eitab paralleele pimeduse tantsuga, leiavad kriitikud üsna äratuntavaid märke: näiliselt luudeta keha, haprus ja vaiksed sammud. Tõsi, need on paigutatud juba postmodernse koreograafia konteksti – oma kõrge tempo, sörkimise, postindustriaalse müramuusikaga tööga.
Saburo Teshigawara. Metamorfoos
Lokaalselt globaalne. Kuidas sarnaneb kaasaegne Jaapani kunst lääne kunstiga?
Teshigawara ja paljude tema kolleegide teosed sobivad sujuvalt Lääne parimate nüüdistantsufestivalide kavadesse. Kui vaadata kiiresti Jaapani teatri suurimal iga-aastasel festivalil Festival/Tokyo näidatud etenduste ja etenduste kirjeldusi, on raske märgata põhimõttelisi erinevusi Euroopa trendidest.
Üks keskseid teemasid on kohaspetsiifilisus – Jaapani kunstnikud uurivad Tokyo ruume alates kapitalismi klompidest pilvelõhkujate kujul kuni otaku kontsentratsiooni marginaalsete piirkondadeni.
Teine teema on põlvkondadevahelise arusaamatuse käsitlemine, teater kui inimeste elava kohtumise ja organiseeritud suhtlemise koht. erinevas vanuses. Temale pühendatud Toshiki Okada ja Akira Tanayama projektid toodi mitmeks aastaks järjest Viini üheks võtmetähtsusega Euroopa festivalid etenduskunstid. 2000. aastate lõpuks ei olnud dokumentaalsete materjalide ja isiklike lugude lavale toomises midagi uut, kuid Viini festivali kuraator esitles neid projekte avalikkuse ette kui võimalust elavaks sihipäraseks kontaktiks teise kultuuriga.
Teine põhisuund on traumaatiliste kogemuste läbi töötamine. Jaapanlastele seostub see mitte Gulagi ega holokaustiga, vaid Hiroshima ja Nagasaki pommitamistega. Teater viitab sellele pidevalt, kuid võimsaim väide aatomiplahvatustest kui kogu kaasaegse Jaapani kultuuri tekkehetkest kuulub endiselt Takashi Murakamile.
näitusele “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” on tema kuraatoriprojekti pealkiri, mida näidati 2005. aastal New Yorgis. “Little Boy” – vene keeles “beebi” – on ühe 1945. aastal Jaapanile heidetud pommi nimi. Kogudes sadu manga koomikseid juhtivatelt illustraatoritelt, omanäolisi vanaaegseid mänguasju ja suveniire, mis põhinevad kuulsal animel – Godzillast Hello Kittyni, suurendas Murakami armsate – kawaii – kontsentratsiooni muuseumiruumis piirini. Samal ajal käivitas ta animatsioonivaliku, milles kesksed pildid Seal oli pilte plahvatustest, paljast maast, hävitatud linnadest.
Sellest kontrastist sai esimene ulatuslik avaldus Jaapani kultuuri infantiliseerimisest kui viisist, kuidas tulla toime posttraumaatilise stressihäirega.
Nüüd tundub see järeldus ilmne. Inuhiko Yomota kawaii-teemaline akadeemiline uurimus põhineb sellel.
On ka hilisemaid traumeerivaid käivitajaid. Olulisemad on 2011. aasta 11. märtsi sündmused, maavärin ja tsunami, mis viisid Fukushima tuumajaamas suurõnnetuseni. Festivalil/Tokyo 2018 oli terve kuuest etendusest koosnev programm pühendatud loodus- ja tehnoloogilise katastroofi tagajärgede mõistmisele; need said ka ühe Solyankal esitletud teose teemaks. See näide näitab selgelt, et lääne ja Jaapani kunsti kriitiliste meetodite arsenal ei erine põhimõtteliselt. Haruyuki Ishii loob installatsiooni kolmest televiisorist, mis esitavad telesaadete tempolisi silmuskaadreid maavärinast.
"Teos koosneb 111 videost, mida kunstnik vaatas iga päev uudistest kuni hetkeni, mil kõike nähtut hakati tajuma väljamõeldisena," selgitavad kuraatorid. "Uus Jaapan" on ilmekas näide sellest, kuidas kunst ei seisa vastu rahvuslikest müütidest lähtuvale tõlgendusele, kuid samas paljastab kriitiline pilk, et sama tõlgendus võib olla asjakohane mis tahes päritolu kunstile. Kuraatorid käsitlevad mõtisklust kui Jaapani traditsiooni alust, tuginedes Lao Tzu tsitaatidele. Samas on peaaegu kogu kaasaegne kunst justkui sulgudes jättes keskendunud “vaatleja efektile” (nii on näituse nimi) – olgu siis tuttavate nähtuste tajumiseks uute kontekstide loomise või tõstmise näol. küsimus adekvaatse taju kui sellise võimalikkusest.
Imagined Communities on veel üks videokunstnik Haruyuki Ishii töö
Mäng
Siiski ei tohiks arvata, et 2010. aastate Jaapan esindab progressiivsuse kontsentratsiooni.
Vana hea traditsionalismi harjumustest ja armastusest orientalistliku eksootika vastu pole veel üle saanud. “Neitside teater” on üsna imetlusväärse artikli pealkiri Jaapani teater"Takarazuka" Vene konservatiivses ajakirjas "PTZh". "Takarazuka" ilmus 19. sajandi lõpus äriprojektina turistide meelitamiseks samanimelisse kaugesse linna, millest sai kogemata eraisiku lõppjaam. raudtee. Nad mängivad ainult teatris vallalised tüdrukud, mis raudteeomaniku plaani kohaselt pidid linna meelitama meesvaatajaid. Täna tegutseb Takarazuka nagu tööstus – oma telekanaliga, tihe kontserdi kava, isegi kohalik lõbustuspark. Aga ainult vallalistel tüdrukutel on veel õigus trupis olla - loodame, et nad vähemalt oma süütust ei kontrolli.
Takarazuka aga kahvatub Kyoto klubiga Toji Deluxe, mida jaapanlased nimetavad ka teatriks. Nad näitavad täiesti metsikuid asju, otsustades kirjeldus New Yorkeri kolumnist Ian Buruma, striptiisietendus: mitu lahti riietatud tüdrukut laval muudavad suguelundite eksponeerimise avalikuks rituaaliks.
Nagu paljud kunstipraktikad, põhineb ka see etendus iidsetel legendidel (küünla ja suurendusklaasi abil said publiku mehed kordamööda uurida “emajumalanna Amaterasu saladusi”) ning autorile endale jäi meelde No traditsioon.
Lääne analoogide otsimise “Takarazuki” ja Toji jaoks jätame lugeja hooleks – neid pole raske leida. Märgime vaid, et just selliste rõhumispraktikatega võitlemisele on suunatud märkimisväärne osa kaasaegsest kunstist – nii lääne kui ka jaapani omast, alates superflat’ist kuni butoh’ tantsuni.