"Vana-Vene muusika" on esitlus, mis on kindlasti kasulik visuaalne abiaine maailma kunstikultuuri või -ajaloo tunnis teema uurimisel « Kunstikultuur Vana-Vene" Püüdsin esitada esitlusele mitte ainult illustreeriva materjali, vaid ka helinäidete iga kirjelduse juurde. Kahjuks saab helinäiteid kuulda ainult PowerPointis.
Vana-Vene muusika
Ettekanne räägib vene muusikakunsti tekkeloost, umbes erinevat tüüpi ja muusikažanrid antiigist 17. sajandini, muusikariistadest, mis kõlasid argi- ja pühapäevadel, kurbuses ja rõõmus. Esitlus "Vana-Vene muusika", minu plaani järgi peaks saama omamoodi minientsüklopeediaks, mis on loodud spetsiaalselt maailma kunstikultuuri õppetunni jaoks.
"Muusika on tihedalt suletud pudel maagilist parfüümi, mis säilitab alati oma ja ainult oma aja aroomi."
Anton Gopko
Esitlusel on kolm põhiosa. Esiteks - tutvustab teile Vana-Vene muusikakunsti päritolu, mille juured ulatuvad kaugetesse aegadesse juba enne muistse Vene riigi teket, slaavi hõimude kujunemise ajal.
Tekkimine ja areng Vana-Vene muusika seotud slaavlaste uskumustega, paganlikele jumalustele ja esivanematele pühendatud riituste ja rituaalidega. Neid rituaale saatis laulmine, tantsimine ja muusikariistade mängimine. Professionaalsed muusikud Venemaal olid pätid. Buffoonid olid tõelised artistid: muusikud, žonglöörid, akrobaadid, treenerid. Kahjuks õigeusu kirik keelas pättide tegevuse, nimetades nende etteasteid kuratlikeks mängudeks, allutades neile tagakiusamise ja isegi hukkamise.
Teine osa tuleb juttu iidsetest vene muusikariistadest: guslist, piiksudest, sarvedest, torudest ja teistest. Muusikariista kujutisega slaid sisaldab ka helifaili, mis demonstreerib selle instrumendi heli.
Eraldi sektsioon pühendatud kirikumuusikale, selle põhiliikidele ja žanritele. Samuti on olemas muusikalisi näiteid. Spetsiaalne ikoon slaidil on päästik, mis "lülitab" heli sisse. Kuid kahjuks töötab päästik ainult PowerPointis esitluse vaatamisel.
Tahaks uskuda, et minu tööst, millesse olen oma hinge pannud, tuleb kasu.
Veel mõned esitlused, mille leiate minu veebisaidilt, aitavad teil tutvuda iidse Vene kunstiga:
Slaid 1
Ringtantsust putkasse Munitsipaalõppeasutus 8. keskkool, Severomorski küla - 3, Murmanski oblastSlaid 2
Slaid 3
Vanasti oli ringtants Venemaal populaarne rahvamäng. See peegeldas mitmesuguseid elunähtusi. Toimusid ümmargused tantsud armastusele, sõjaväele, perele, tööle... Teame kolme tüüpi ringtantsu:
Slaid 4
Ringtantsumängudes sulandusid orgaaniliselt koori- ja draamaprintsiibid. Sellised mängud algasid tavaliselt “komposiit” lauludega ja lõppesid “kokkupandavate” lauludega ning lugusid eristas selge rütm. Hiljem koos struktuurimuutusega hõimukogukond, muutusid ka ringtantsumängud. Ilmusid eeslauljad (valgustid) ja esinejad (näitlejad). Näitlejaid ei olnud tavaliselt rohkem kui kolm. Samal ajal, kui koor laulu laulis, esitasid nad selle sisu. Arvatakse, et just nendest näitlejatest said esimeste buffoonide asutajad.
Slaid 5
Vene tants on rahvamängude ja pidustuste lahutamatu osa. Ta oli alati lauluga seotud. Just see kombinatsioon oli üks peamisi ekspressiivsed vahendid rahvateater. Juba iidsetest aegadest on vene rahvatants põhinenud ühelt poolt võistlevate partnerite julgusel ning teisalt liigutuste ühtsusel ja sujuvusel.
Slaid 6
Vene tants sündis paganlikest rituaalidest. Pärast 11. sajandit, professionaalsete puhvisnäitlejate tulekuga, muutus ka tantsu iseloom. Hullurid omasid arenenud tehnoloogia tants; Tekkisid sordid buffoon-tantsijaid. Kohal olid buffoon-tantsijad, kes mitte ainult ei tantsinud, vaid esitasid tantsu abil ka pantomiimietendusi, mis olid enamasti looduses improviseeritud. Ilmusid tantsijad, tavaliselt olid nad pättide naised. Vene tants
Slaid 7
Tants hõivas kõige enam suure koha erinevad vormid teater Ta oli osa mitte ainult mängudest ja pidustustest, vaid ka etendustest nukuetendus Petersell, täitis sageli koolidraama osade vahelise pausi. Paljud vene tantsu traditsioonid on säilinud tänapäevani.
Slaid 8
Karudega teejuhte on allikates mainitud alates 16. sajandist, kuigi on võimalik, et need ilmusid palju varem. Austav suhtumine sellesse metsalisesse sai alguse paganlikest aegadest. Karu on eellane. Ta on tervise, viljakuse, õitsengu sümbol, ta on tugevam kui kurjad vaimud.
Slaid 9
Karu peeti põnnidest pere toitjaks, selle täisliikmeks. Selliseid kunstnikke kutsuti nende eesnime ja isanime järgi: Mihhailo Potapych või Matryona Ivanovna. Oma etteastetes kujutasid giidid tavaliselt elu tavalised inimesed, vahetekste oli väga erinevaid majapidamisteemasid. Omanik küsis näiteks: "Ja kuidas, Miša, väikesed lapsed käivad herneid varastamas?" - või: "Kuidas naised aeglaselt oma isanda töö juurde rändavad?" - ja metsaline näitas seda kõike. Etenduse lõpus tegi karu mitu päheõpitud liigutust ning omanik kommenteeris neid.
Slaid 10
“Karukomöödia” koosnes 19. sajandil kolmest põhiosast: esiteks karu tants “kitsega” (kitse kujutas tavaliselt poiss, kes pani koti pähe; pulk kitsepeaga ja sarved torgati ülevalt läbi koti; puidust keel, mille lehvitamisest kostus kohutavat häält), seejärel esines loom giidi naljade saatel ja seejärel võitlus “kitse” ehk omanikuga. Esimesed selliste komöödiate kirjeldused pärinevad aastast XVIII sajand. See kalapüük eksisteeris pikka aega, kuni eelmise sajandi 30. aastateni.
Slaid 11
Juba iidsetest aegadest oli paljudes Euroopa riikides jõulude ajal kombeks paigaldada kiriku keskele sõim Neitsi Maarja, beebi, karjase, eesli ja härja kujukestega. Tasapisi kasvas see komme omamoodi teatrietenduseks, mis nukkude abil jutustas kuulsaid evangeeliumilegende Jeesuse Kristuse sünnist, maagide kummardamisest ja julmast kuningas Heroodesest. Jõululavastus levis hästi katoliiklikes maades, eelkõige Poolas, kust see levis Ukrainasse, Valgevenesse ja seejärel veidi muudetud kujul Villikorossijasse.
Slaid 12
Kui jõulukomme ületas katoliku kirik, sai see nimetuse jõulusõim (vanavene ja vanavene - koobas). See oli nukuteater. Kujutage ette kasti, mis on jagatud kaheks korrusele. Kast lõppes ülaosas katusega, avatud pool avalikkuse poole. Katusel on kellatorn. Sellele asetati klaasi taha küünal, mis etenduse ajal põles, andes tegevusele maagilise, salapärase iseloomu. Jõulumängu nukud valmistati puidust või kaltsudest ja kinnitati varda külge. Varda alumist osa hoidis nukunäitleja, nii et nukud liikusid ja isegi pöördusid. Nukunäitleja ise oli peidetud kasti taha. Sees ülemine korrus mängiti jõulusõime piibli lood, all - igapäevased: igapäevased, koomilised, mõnikord sotsiaalsed. Ja alumisele korrusele mõeldud nukkude komplekt oli tavaline: mehed, naised, kuradid, mustlased, sandarmid ja lihtne mees osutus alati sandarmist kavalamaks ja targemaks. Just jõulusõimest sündis rahva seas nii populaarne Petruška teater.
Slaid 13
Kõik tantsivad, aga mitte pätid,” ütleb vene vanasõna. Tõepoolest, paljud inimesed oskasid mänge mängida, kuid mitte kõik ei saanud olla professionaalsed pätid. Populaarne näitleja elukutseliste buffoonide seas oli nukuteater, ja kõige populaarsem on komöödia Petruškast. Petersell on lemmikkangelane nii etenduse andnud pättide kui ka publiku seas. Ta on hulljulge ja kiusaja, kes säilitas huumorimeele ja optimismi igas olukorras. Ta pettis alati rikkaid ja riigiametnikke ning nautis protestijana publiku toetust.
Slaid 14
Selles teatrietendus korraga tegutsesid kaks kangelast (vastavalt nukunäitleja käte arvule): Petruška ja arst, Petruška ja politseinik. Süžeed olid kõige levinumad: Petruška abiellub või ostab hobuse jne. Ta võttis alati osa konfliktne olukord, samas kui Petruška kättemaksud olid üsna jõhkrad, kuid avalikkus ei mõistnud teda selle eest kunagi hukka. Etenduse lõpus tabas Petruškat sageli "taevalik karistus". Kõige populaarsem peterselli nukuteater oli 17. sajandil.
Slaid 15
KOOS XVIII lõpp sajandeid võis laadal sageli näha heledas riietuses meest, kes kandis ehitud karpi (rayok) ja karjus kõva häälega: „Tulge minuga siia kritseldama, ausad inimesed, nii poisid kui tüdrukud ja noormehed ja neiud ja kaupmehed. ja kaupmehed, ja ametnikud ja sekstonid, ja ametnikud rotid ja tühikäigul viibijad. Ma näitan teile igasuguseid pilte: härrased ja mehed lambanahas, teie aga naljad ja erinevad naljad Kuulake tähelepanelikult, sööge õunu, närige pähkleid, vaadake pilte ja hoolitsege oma taskute eest. Nad petavad sind." Rayok
Slaid 16
Rajek tuli meile Euroopast ja läheb tagasi suurte panoraamide juurde. Kunstiteadlane D. Rovinsky kirjeldab seda oma raamatus “Vene rahvapildid” järgmiselt: “Riiul on igas suunas väike, aršini kõrgune kast, mille ees on kaks suurendusklaasi. Sees on ühest liuväljast teise kerinud pikk riba, millel on omakasvatatud pildid erinevatest linnadest, toredatest inimestest ja sündmustest. Pealtvaatajad, "penny tükk", vaatavad klaasi. Rayoshnik liigutab pilte ja räägib iga uue numbri kohta lugusid, sageli väga keerulisi.
Slaid 17
Raek oli rahva seas väga populaarne. Selles võis näha panoraami Konstantinoopolist ja Napoleoni surmast, St. Peeter Roomas ja Aadam oma pere, kangelaste, päkapikkude ja veidrikutega. Pealegi ei näidanud raeshnik lihtsalt pilte, vaid kommenteeris neil kujutatud sündmusi, kritiseerides sageli võimu ja kehtivat korda, ühesõnaga puudutades kõige pakilisemaid probleeme. Rayek eksisteeris ausa meelelahutusena kuni 19. sajandi lõpuni.
Slaid 18
Ükski laat 18. sajandil ei olnud ilma boksita. Teatrikabiinidest said tolle ajastu lemmikmängud. Need olid ehitatud otse platsile ja putka kaunistamise järgi sai kohe aru, kas selle omanik on rikas või vaene. Tavaliselt ehitati need laudadest, katus tehti lõuendist või linast.
Slaid 19
Sees oli lava ja eesriie. Tavalised pealtvaatajad istusid pinkidel ja sõid etenduse ajal erinevaid maiustusi, kruupe ja isegi kapsasuppi. Hiljem ilmus putkadesse päris auditoorium kioskite, kastidega, orkestri auk. Väljast kaunistati kabiinide vanikute, siltidega ja gaasivalgustuse tekkimisel siis gaasilampidega. Trupp koosnes tavaliselt elukutselistest ja rändnäitlejatest. Nad andsid kuni viis etendust päevas. Teatrikabiinis sai näha arlekinaadi, mustkunstitrikke ja kõrvaletendusi. Siin esinesid lauljad, tantsijad ja lihtsalt “võõrad” inimesed. Populaarne oli tulist vedelikku joonud mees ehk tuvisid sööv "Aafrika kannibal". Kannibal oli tavaliselt tõrvaga määritud kunstnik, tuvi aga jõhvikakotiga topis. Tavainimesed ootasid loomulikult alati messi teatrietendusega.
Slaid 20
Toimusid ka tsirkuseetendused, nende näitlejad olid "igasugused tunglid". Yu Dmitriev tsiteerib raamatus "Tsirkus Venemaal" sõnumit koomikute saabumisest Hollandist, kes "kõnnivad köiel, tantsivad, hüppavad õhus, trepil, millestki kinni hoidmata, viiulit, ja treppidel kõndides tantsivad nad tohutult kõrgele ja teevad muid hämmastavaid asju. läbivalt palju aastaid kogu oma olemasolu jooksul on putkad muutunud 19. sajandi lõpp sajandite jooksul kadusid nad peaaegu igaveseks vene teatri ajaloost.
Slaid 21
1672 – tsaar Aleksei Mihhailovitši õukonnatrupi etendused algasid Artamon Matvejevi korraldusega "esitada komöödia", "ja selleks aktsiooniks korraldada horomina". 17. oktoobril toimus Preobraženskoje külas esimene etendus.
Slaid 22
1702 - esimene Venemaa avalik teater Punasel väljakul. Pidulikud rongkäigud, ilutulestikud, maskeraadid, kogunemised muutuvad populaarseks.
Slaid 23
Selline nägi teater välja Jaroslavlis 1909. aastal. 1911. aastal nimetati ta Fjodor Volkovi järgi
Vene teatri ajalugu
Sissejuhatus
Vene teatri ajalugu on jagatud mitmeks peamiseks etapiks. Algne, mänguline etapp saab alguse klanniühiskonnast ja lõpeb 17. sajandiks, mil koos uue Venemaa ajalooperioodiga tekib uus, rohkem küps staadium teatri arengus, mis tipnes alalise riikliku kutselise teatri loomisega 1756. aastal.
Mõisted “teater” ja “draama” jõudsid vene sõnaraamatusse alles 18. sajandil. IN XVII lõpp sajandil oli kasutusel mõiste "komöödia" ja kogu sajandi jooksul - "lõbus" (Poteshny chulan, Amusing Chamber). Masside seas eelnes terminile "teater" mõiste "häbi", mõistele "draama" - "mäng", "mäng". Vene keskajal olid levinud nende sünonüümid - "deemonlikud" või "saatanlikud" pätimängud. Lõbustuseks nimetati ka igasuguseid võõraste poolt 16. sajandil toodud imesid. XVII sajandil ja ilutulestik. Noore tsaari Peeter I sõjalist tegevust nimetati ka lõbusaks. Mõiste “mäng” on lähedane mõistele “mäng” (“buffoon games”, “fee games”). Selles mõttes nimetati nii pulmi kui ka memme “mänguks”, “mänguks”. Muusikariistade puhul on “mäng” hoopis teistsugune tähendus: parmupillide mängimine, nuusutamine jne. Suulise draama mõisted “mäng” ja “mäng” säilisid rahva seas kuni 19.-20. sajandini.
Rahvakunst
Vene teater sai alguse iidsetest aegadest. Selle päritolu ulatub tagasi rahvakunst- rituaalid, sellega seotud pühad töötegevus. Aja jooksul kaotasid rituaalid oma maagiline tähendus ja muutusid esinemismängudeks. Neis sündisid teatri elemendid - dramaatiline tegevus, näitlemine, dialoog. Edaspidi muutusid lihtsamad mängud rahvadraamadeks; need loodi kollektiivse loovuse käigus ja talletati inimeste mälu, põlvest põlve edasi kanduv.
Arengu käigus mängud eristusid, lagunedes omavahel seotud ja samal ajal üksteisest üha enam eemalduvateks sortideks - draamadeks, rituaalideks, mängudeks. Ainus, mis neid ühendas, oli see, et nad kõik peegeldasid tegelikkust ja kasutasid sarnaseid väljendusviise – dialoogi, laulu, tantsu, muusikat, maskeeringut, näitlemist, näitlemist.
Mängud sisendasid dramaatilise loovuse maitset.
Mängud olid algselt klanni kogukonna organisatsiooni otsene peegeldus: neil oli ümartantsu, koori iseloom. Ümartantsumängudes sulandus orgaaniliselt koori- ja dramaatiline loovus. Mängudes sisalduvad laulud ja dialoogid aitasid iseloomustada mängupilte. Massimälestustel oli ka mänguline iseloom, need olid ajastatud kevadega ja kandsid nimetust "Venemaa". 15. sajandil defineeriti mõiste “Rusalia” sisu järgmiselt: deemonid inimese kujul. Ja juba 1694. aasta Moskva "Azbukovnik" määratleb rusaliat kui "hullumänge".
Meie kodumaa rahvaste teatrikunst saab alguse rituaalidest ja mängudest, rituaalsetest tegevustest. Feodalismi ajal viljeles teatrikunsti ühelt poolt “rahvamassid” ja teiselt poolt feodaalne aadel ning vastavalt diferentseeriti pätid.
957. aastal tutvus suurhertsoginna Olga Konstantinoopoli teatriga. 11. sajandi viimase kolmandiku Kiievi Püha Sofia katedraali freskodel on kujutatud hipodroomi etteasteid. Aastal 1068 mainiti kroonikates esimest korda pühvleid.
Kiievi Venemaa Tunti kolme tüüpi teatrit: õukonna-, kiriku- ja rahvateatreid.
Buffoonery
Vanim “teater” oli rahvanäitlejate - pättide - mängud. Buffoonery on keeruline nähtus. Härrasid peeti omamoodi nõidadeks, kuid see on ekslik, sest rituaalides osalenud pühvlid mitte ainult ei suurendanud oma usulis-maagilist iseloomu, vaid, vastupidi, tutvustasid maist, ilmalikku sisu.
Igaüks võis teha nalja, see tähendab laulda, tantsida, nalja teha, sketse mängida, pille mängida ja näitleda ehk kujutada mingit inimest või olendit. Kuid osavaks pätiks said ja kutsuti vaid need, kelle kunst paistis oma artistlikkuse poolest masside kunstitasemest kõrgemale.
Paralleelselt rahvateatriga arenes välja professionaalne teatrikunst, mille kandjateks Vana-Venemaal olid pätid. Nukuteatri ilmumine Venemaal on seotud pätimängudega. Esimesed kroonikateave pühvlite kohta langevad kokku pühvlite esinemist kujutavate freskode ilmumisega Kiievi Püha Sofia katedraali seintele. Kroonik munk nimetab härjajaid kuraditeenijateks ja katedraali seinu maalinud kunstnik pidas võimalikuks lisada nende kujutis koos ikoonidega kirikukaunistustesse. Buffoonid olid seotud massidega ja üks nende kunstiliikidest oli “glum”, see tähendab satiir. Skomorokhi kutsutakse "piltajateks", see tähendab pilkajateks. Pilkamine, mõnitamine, satiir seotakse ka edaspidi kindlalt pättidega.
Ilmalik pättide kunst oli kiriku- ja vaimuliku ideoloogia suhtes vaenulik. Vaimulike vihkamisest pättide kunsti vastu annavad tunnistust kroonikute ülestähendused (“Möödunud aastate lugu”). 11.-12. sajandi kirikuõpetus kuulutab, et patt on ka pätid, kelle poole pöörduvad. Eriti tugeva tagakiusamise osaliseks said pätid tatari ikke aastatel, mil kirik hakkas intensiivselt jutlustama askeetlikku elustiili. Mitte ükski tagakiusamine ei ole rahva seast pätikunsti välja juurinud. Vastupidi, see arenes edukalt ja selle satiiriline tork muutus teravamaks.
Vana-Venemaal tunti kunstiga seotud käsitööd: ikoonimaalijad, juveliirid, puu- ja luunikerdajad, raamatukirjutajad. Punnid kuulusid nende hulka, olles “kavalad”, laulu, muusika, tantsu, luule, draama “meistrid”. Kuid neid peeti ainult meelelahutajateks, lõbustajateks. Nende kunst oli ideoloogiliselt seotud rahvamassidega, käsitöölistega, kes olid tavaliselt vastandunud valitsevatele massidele. See muutis nende oskused mitte ainult kasutuks, vaid ka feodaalide ja vaimulike seisukohalt ideoloogiliselt kahjulikuks ja ohtlikuks. esindajad kristlik kirik nad asetasid pätid mustkunstnike ja nõidade kõrvale. Rituaalides ja mängudes pole ikka veel jagunemist esinejateks ja pealtvaatajateks; neil puuduvad arenenud süžeed ja kujunditeks muutumine. Need esinevad rahvadraamas, läbistunult teravatest sotsiaalsetest motiividest. Suulise pärimuse avalike teatrite teket seostatakse rahvadraamaga. Nende rahvateatrite näitlejad (buffoonid) naeruvääristasid olemasolevaid jõude, vaimulikke, rikkaid ja näitasid osavõtlikult tavalised inimesed. Rahvateatri etendused põhinesid improvisatsioonil ja sisaldasid pantomiimi, muusikat, laulu, tantsu ja kirikunumbreid; esinejad kasutasid maske, meiki, kostüüme ja rekvisiite.
Buffoonide esinemise iseloom ei nõudnud esialgu nende ühendamist suured rühmad. Muinasjuttude, eeposte, laulude esitamiseks ja pillimänguks piisas vaid ühest esinejast. Skomorokhid lahkuvad oma sünnipaikadest ja rändavad tööd otsides mööda Venemaa maad, kolides küladest linnadesse, kus nad ei teeni mitte ainult maa-, vaid ka linlasi ja mõnikord isegi vürstiõukondi.
Buffoonid olid seotud ka rahvakohtuetendustega, mis paljunes Bütsantsi ja selle õukonnaeluga tutvumise mõjul. Kui Moskva õukonna juurde rajati Lõbus kapp (1571) ja Lõbus kamber (1613), sattusid pätid õukonnanarride positsioonile.
Puhkade etteasted olid ühtsed erinevat tüüpi kunstid: nii dramaatilised, kiriklikud kui ka „mitmesugused”.
Kristlik kirik vastandas rahvamängud ja pättide kunsti rituaalsele kunstile, mis oli küllastunud religioossetest ja müstilistest elementidest.
Professionaalseks teatriks ei arenenud pättide etendused. Teatritruppide sünniks polnud tingimusi – võimud ju kiusasid pätid taga. Kirik kiusas taga ka pätte, pöördudes abi saamiseks ilmalike võimude poole. Hullide vastu saadeti kaebekiri 15. sajandi Trinity-Sergius kloostrile ja 16. sajandi alguse harta. Kirik asetas pätid järjekindlalt kandjatega võrdsele tasemele paganlik maailmavaade(maagid, nõiad). Ja ometi elasid päti etteasted edasi, rahvateater arenenud.
Samal ajal võttis kirik kasutusele kõik abinõud oma mõju avaldamiseks. See väljendus liturgilise draama arengus. Mõned liturgilised draamad jõudsid meieni koos kristlusega, teised - 15. sajandil koos äsja vastu võetud piduliku hartaga. suur kirik” (“Pühkimise käik”, “Jalgade pesemine”).
Vaatamata teatri- ja meelelahutusvormide kasutamisele ei loonud vene kirik oma teatrit.
17. sajandil püüdis Simeon Polotskist (1629-1680) luua liturgilisel draamal põhinevat kunstilist draamat. kirjanduslik draama, osutus see katse üksikuks ja tulutuks.
17. sajandi teatrid
17. sajandil kujunesid välja esimesed suulised draamad, mis olid süžeelt lihtsad ja peegeldasid populaarseid tundeid. Nukukomöödia Petruškast (tema nimi oli algul Vanka-Ratatouille) jutustas nutika, lõbusa selli seiklustest, kes ei kartnud maailmas midagi. Tõeliselt ilmus teater 17. sajandil – õukonna- ja kooliteater.
Kohtuteater
Õukonnateatri tekkimise tingis õukonnaaadli huvi Lääne kultuur. See teater ilmus Moskvas tsaar Aleksei Mihhailovitši juhtimisel. Näidendi “Artaxerxese tegu” (piibli Estri lugu) esmaesitlus toimus 17. oktoobril 1672. aastal. Algul ei olnud õukonnateatril oma ruume ja kostüüme liigutati ühest kohast teise. Esimesed etendused lavastas pastor Gregory Saksa asundusest, näitlejad olid samuti välismaalased. Hiljem hakati jõuliselt meelitama ja koolitama vene “nooreid”. Neile maksti ebaregulaarselt, kuid dekoratsioonide ja kostüümidega nad ei koonerdanud. Esinemisi eristas suur pompoossus, mida mõnikord saatis pillimäng ja tants. Pärast tsaar Aleksei Mihhailovitši surma õukonnateater suleti ja etendused jätkusid alles Peeter I juhtimisel.
Kooliteater
Lisaks õukonnateatrile kujunes Venemaal 17. sajandil kooliteater välja ka Slaavi-Kreeka-Ladina Akadeemias, Lvovi, Tiflise ja Kiievi teoloogilistes seminarides ja koolides. Näidendeid kirjutasid õpetajad ja ajaloolisi tragöödiaid lavastasid õpilased, allegoorilised draamad, Euroopa imedele lähedased vahepalad on satiirilised argistseenid, milles protestiti sotsiaalsüsteemi vastu. Kooliteatri kõrvaletendused panid aluse rahvusliku draama komöödiažanrile. Kooliteatri päritolu oli kuulus poliitik, näitekirjanik Simeon Polotski.
Õukonnakooliteatrite tekkimine laiendas Vene ühiskonna vaimse elu sfääri.
Teater XVIII alguses sajandil
Peeter I käsul loodi 1702. aastal avalik teater, mis oli mõeldud laiale avalikkusele. Moskva Punasele väljakule ehitati spetsiaalselt tema jaoks hoone - "Koomiline tempel". Seal andis etendusi I. H. Kunsti saksa trupp. Repertuaaris olid välismaised näidendid, mis ei olnud avalikkuses edukad, ja teater lakkas 1706. aastal eksisteerimast, kuna Peeter I toetused lakkasid.
Järeldus
Uus lehekülg ajaloos etenduskunstid avasid meie kodumaa rahvad pärisorjuste ja amatöörteatrid. Alates 18. sajandi lõpust eksisteerinud pärisorjatrupid lavastasid vodeville, koomilised ooperid, balletid. Pärisorjateatrite baasil tekkisid mitmetes linnades eraettevõtted. Kasulik mõju Vene teatrikunst mõjutas meie kodumaa rahvaste professionaalse teatri kujunemist. Esimeste kutseliste teatrite truppides olid andekad amatöörid – demokraatliku intelligentsi esindajad.
Teater saavutas Venemaal 18. sajandil tohutu populaarsuse, sai laiade masside omandiks, teiseks avalikult kättesaadavaks inimeste vaimse tegevuse sfääriks.
KIRJANDUS Märkimisväärne roll arengus kristlik kultuur Vana-Vene mängis käsitsi kirjutatud raamat. Koos kristlusega võttis Vana-Vene omaks olemasoleva Bütsantsis välja töötatud kirikukirja žanrite süsteemi. Esiteks olid need Vana Testamendi piibliraamatud, kuhu kuulusid: “Seadus”, “Prohvetid”, “Pühakiri”, ka hümnograafia ja “Pühakirja” tõlgendamisega seotud “sõnad” ning kirikupalved ja laulud.
Ajaloožanrid põhinesid folklooril, kuid arendasid välja jutuvestmise raamatuvorme. Nad ei lubanud ilukirjandus; kõige sagedamini kroonikates. Kroonika on üks esimesi vene kirjanduse originaalžanre. See ajaloolised narratiivid kaasaegsetest sündmustest, mis on korraldatud aastate kaupa. Krooniku jaoks pole oluline mitte valitsemisaja kestus, vaid sündmuste jada. Kroonikaartikli algus on traditsiooniline: “Suvel...”, siis märgitakse ära aasta maailma loomisest ja visandatakse selle aasta sündmused. Kroonikažanr hõlmab erinevaid žanre, näiteks hagiograafiline narratiiv Borisist ja Glebist, sõja lugu. Erinevad teemad, sündmused ja žanrid aitavad kroonikul Venemaa ajaloost rääkida. ajaloolised žanrid kroonika, lugu, legend, legend
"Möödunud aastate lugu" märkimisväärne töö Vene kirjandus, mille on koostanud Kiievi-Petšerski kloostri munk Nestori. Kroonik peab rohkem kui korra jutlust, mis kutsub üles armastusele, rahule ja harmooniale. See kroonika määratleb slaavlaste koha, vene rahva koha maailma rahvaste seas, kujutab päritolu Slaavi kirjutis, Vene riigi kujunemine, räägib sõdadest, võitudest ja kaotustest, pühadest, traditsioonidest ja rituaalidest, pöördumised rahvajutud ja legende. Lugeja saab teada ka Venemaa ja Konstantinoopoli ärilepingutest.
Religioossed ja didaktilised õpetuse, elu, piduliku sõna, jalutuskäikude žanrid loodi sageli seoses konkreetse sündmusega ja mängisid olulist hariduslikku rolli. õpetuste žanr oli uue religioosse doktriini edendamise oluline vahend. Näiteks "Petšerski Theodosiuse õpetused". Vladimir Monomakhi “Õpetust”, mille ta kirjutas vahetult enne oma surma (umbes 1117), pidasid kroonikud tema laste tunnistuseks. Juhendi keskne idee on rangelt järgida riiklikke huve, mitte isiklikke.
Elu autor (hagiograaf) püüdis luua ideaalse kirikukangelase kuvandit. Tavaliselt algas pühaku elu tema vanemate põgusa mainimisega (pühak sünnib "ustavale ja vagale vanemale"); siis rääkisid nad pühaku lapsepõlvest ja tema käitumisest. Teda eristas tagasihoidlikkus, kuulekus, ta armastas raamatuid, vältis mänge eakaaslastega ja oli läbi imbunud vagadusest. Hiljem algab tema askeetlik elu kloostri- või kõrbeüksinduses. Tal on võime teha imesid ja suhelda taevaste jõududega. Tema surm on rahulik ja vaikne; tema keha eritab pärast surma lõhna. 19. sajandil. Venemaa eraldi loendites olid teadaolevalt Nikolai Imetegija, Antonius Suure, Johannes Krisostomuse, jumalamehe Aleksei tõlgitud elud ja muud elužanrid - lood pühakute vägitegudest. Elud sõltusid pühaduse tüüpidest: märter, ülestunnistaja, munk, stiliit, püha loll.
Muistse vene vürstielu näide on "Lugu Borisist ja Glebist". Loo autor (anonüümne), säilitades ajaloolise eripära, toob üksikasjalikult välja Borisi ja Glebi kuritahtliku mõrva faktid. Elu kompositsiooniskeem muutub aga mõnevõrra, kangelaste elust näidatakse vaid ühte episoodi - kuritahtlikku mõrva. Boriss ja Gleb on kujutatud ideaalsete kristlike märtrikangelastena.
Kõndimise žanr 11. sajandil. Vene inimesed hakkavad rändama kristlikku itta, pühadesse paikadesse. Neile, kes Palestiinasse palverännaku teha ei saanud, saavad omamoodi kompensatsiooniks raamatud, mis kirjeldavad nende reise. 12. sajandil. Ilmub “Hegumen Danieli jalutuskäik Pühale Maale”, kus pühapaiku on üksikasjalikult kirjeldatud. Teda huvitab loodus, Jeruusalemma hoonete iseloom, Jordani jõgi jne. Liikluses on palju legende, mida Daniel oma reisidel kuulis või raamatutest õppis.
Iseärasused iidne vene kirjandus 1. Käsitsi kirjutatud tegelane. 2. Anonüümsus kui religioosse kristliku suhtumise tagajärg isikusse: Autoriõiguse mõistet ühiskonnas ei eksisteerinud. Raamatukirjutajad toimetasid sageli teksti, tutvustasid oma episoode, muutsid ideoloogiline orientatsioon kopeeritav tekst, selle stiili olemus. Nii ilmusid monumentide uued väljaanded. 3. Historitsism. Vanavene kirjanduse kangelased on peamiselt ajaloolised isikud. Ilukirjandust selles praktiliselt pole. Ajaloolised sündmused seletada usulisest vaatenurgast. Kangelased on vürstid, riigivalitsejad. 4.Teemad: Vene maa ilu ja suurus; vene inimese moraalne ilu. 5. Kunstiline meetod: sümboolika, historitsism, rituaalsus, didaktism juhtivad põhimõtted kunstiline meetod, kaks poolt: range fotograafia ja täiuslik pilt tegelikkus.
MUUSIKA Kiievi-Vene ajastul jätkus rituaalsete laulude, töölaulude, koomilis-satiiriliste laulude, hällilaulude areng, kujunes kangelaseepos. Eepiline rahvakunst on säilinud eepostes ehk vanavarades. Eepos on sünteetilise verbaalse ja muusikalise žanri teos.
Kõige olulisem nähtus aastal muusikaline kultuur Sel korral sündis Znamenny laulmine kui esimene professionaalse muusikalise kunsti vorm, mis on kirjalikult salvestatud. Znamenni laul, vene kirikulaulu põhiliik. Nimi pärineb vanaslaavi sõnast "banner". Bännerid ehk konksud olid mittelineaarsed märgid, mida kasutati laulude salvestamiseks. konksud
Golubchik, / kepp, V konks ja teised paigutati otse liturgiliste raamatute tekstidesse. Märkide arvu suurenemisega tekkisid laulvad tähestikud." title=" Vana-Venemaal noote ei olnud; märgid, näiteks > kallis, / kepp, V-konks ja teised, pandi otse sisse liturgiliste raamatute tekstid Seoses märkide arvu suurenemisega tekkisid laulvad tähestikud." class="link_thumb"> 14 !}
Vana-Venemaal ei olnud märkmeid, näiteks > kallis, / kepp, V konks jt, otse liturgiliste raamatute tekstidesse. Märkide arvu kasvades loodi laulvad tähestikud. kallis, / kepp, V konks jt pandi otse liturgiliste raamatute tekstidesse. Märkide arvu suurenemisega tekkis laulev tähestik."> kallis, / kepp, V konks jt, paigutati otse liturgiliste raamatute tekstidesse. Märkide arvu suurenemisega loodi laulev tähestik. "> kallis, / kepp, V konks ja teised, paigutati otse liturgiliste raamatute tekstidesse. Märkide arvu suurenemisega tekkisid laulvad tähestikud." title=" Vana-Venemaal noote ei olnud; märgid, näiteks > kallis, / kepp, V-konks ja teised, pandi otse sisse liturgiliste raamatute tekstid Seoses märkide arvu suurenemisega tekkisid laulvad tähestikud."> title="Vana-Venemaal ei olnud märkmeid, näiteks > kallis, / kepp, V konks jt, otse liturgiliste raamatute tekstidesse. Märkide arvu kasvades loodi laulvad tähestikud."> !}
Ikoonimaalile oli lähedane iidsete vene lauljate loovus. Alguses töötas hümnograaf. Ta lahkas teksti, sobitades laulu podobna (näidis, laulude mudel) laulu tekstiga nii, et tekstikatkendite arv vastas laulva podobna muusikaridade arvule. Seejärel rakendas ta nagu klišee muusikalise valemi uutele tekstidele, muutes vajadusel peenelt meloodia detaile. Eriline muusik-lipukandja "tähistas" tühi leht tulevase muusikakäsikirja paberid, signeeritud miniatuurid, laulutekstid, initsiaalid kindlas järjekorras, muusikalised märgid bännerid teksti all ja lõpuks kaneeli jäljed bännerite all. Hümnograafi tööd keskajal hinnati kõrgelt, enamik neist lausa pühakuks kuulutati: Rooma armas Laulik, Johannes Krisostomus, Andrei Kritski, Damaskuse Johannes jne.
Vanavene kirikumuusika väljendas mõtteviisi ja ühtsuse ideed ning oli seetõttu valdavalt monodiline, see tähendab monofooniline unisoon, monodism. Vene õigeusu muusika kanooniline tunnus on ka sarela põhimõte (ilma saateta), kuna ainsaks täiuslikuks tunnistati ainult inimhääl muusikainstrument, kuna ainult hääl saab sõna keelde tõlkida muusikalised helid, looge sisukas meloodia. Sambalaulu
TO iidsed žanrid hümnograafiate hulka kuuluvad: -Psalmid, mis on seotud piiblikuninga Taaveti nimega, psalmid on väga mitmekesised: ühed kõlavad koorilauluna, meenutades laulmist, teised nagu laia lüürilist laulu. - troparion (kreeka "pööran", "võidu monument", "trofee"). Funktsioon Tropaaria tekstides kasutatakse lisaks lühidusele sageli võrdlusi ja allegooriaid. Ja põhiliselt on nende sisu seotud kristliku kiriku pidulike sündmuste ülistamisega, märtrite ja askeetide vägitegude laulmisega. - kontakion (kreeka keeles "lühike") lühike laul, mitmest stroofist koosnev teos, kus kõik stroobid on ehitatud sama mustri järgi ja lauldud sama viisi järgi, varieerudes stroofiti. -stichera (kreeka keeles "palju salme"), eristati sageli nende suure pikkuse ja meloodiarikkuse poolest. - kaanon (kreeka "norm", "reegel") suur koorikompositsioon, mis koosneb üheksast osast, millest igaüks sisaldas mitut laulu. Kui kontakion on poeetiline jutlus, õpetus, siis kaanon on pidulik ülistuslaul. Vanavene laulukunsti korralduse olulisemateks põhimõteteks on tsüklilisus ja ansamblilisus.
Märkimist väärib Novgorodi eriline roll, mis tõi kirikumuusikasse midagi uut. Just siin arenes ja tugevnes imeline kellahelina traditsioon. Üleminek “biidilt” spetsiifilise, akustiliselt soodsa kujundusega kellale oli muusikakunsti tämbriväljenduslikkuse suur saavutus. Pärast Novgorodit arenes Pihkvas kellamängu kunst. KELLUKESED
Buffoonide repertuaari kuulusid koomilised laulud, dramaatilised stseenid, seltskondlik satiir “sünge”, mida esitati maskides ja “buffoon-kleidis” domra, torupilli ja tamburiini saatel. Tänavatel ja väljakutel esinedes suhtles S. otse publikuga ja kaasas neid oma esinemisse. Peategelane elurõõmsa ja katkise mehe kujutamine oma mõistusega, sageli koomilise lihtsuse varjus.
Olles tekkinud hiljemalt 11. sajandi keskpaigas. (pilt Kiievi Püha Sofia katedraali freskodel, 1037), puhverdamine saavutas haripunkti 1517. sajandil ja 18. sajandil. järk-järgult hääbus, kandes mõned selle kunsti traditsioonid kabiini. Neid kiusas sageli taga kirik ja tsiviilvõimud. 1648. ja 1657. aastal anti välja käskkirjad, mis keelustasid puhvritöö.
