MKOU "Torbeevskaja põhikool, mis sai nime A.I. Danilov"
Novoduginski rajoon, Smolenski oblast
Teatri tekkimise ajalugu Venemaal
Lõpetanud: algklasside õpetaja
Smirnova A.A.
küla Torbeevo
2016. aasta
Rahvakunst Vene teater tekkis iidsetel aegadel rahvakunstis. Need olid rituaalid, pühad. Aja jooksul kaotasid rituaalid oma tähenduse ja muutusid esinemismängudeks. Nad näitasid teatri elemente - dramaatiline tegevus, pomisemine, dialoog. Vanim teater oli rahvanäitlejate – pättide mängud.
Hullpead
Aastal 1068 mainiti kroonikates esimest korda pühvleid. Need langevad ajaliselt kokku Kiievi-Sophia katedraali seintele ilmuvate freskode ilmumisega, mis kujutavad härrasmeeste esinemisi. Kroonik munk nimetab härjajaid kuraditeenijateks ja katedraali seinu maalinud kunstnik pidas võimalikuks lisada nende kujutis koos ikoonidega kirikukaunistustesse.
Püha Sofia katedraal Kiievis
Freskod Püha Sofia katedraali seintel
Kes on pätid?
Selle määratluse annab koostaja seletav sõnastik V.I. Dahl:
“Puhkur, koomik, muusik, torupillimängija, imemängija, torupillimängija, psalterimängija, kes elatub end laulude, naljade ja nippidega tantsides, näitleja, koomik, naljamees, karulõikaja , kloun, naljamees."
Petersell
17. sajandil kujunesid välja esimesed suulised draamad, mis olid süžeelt lihtsad ja peegeldasid populaarseid tundeid. Nukukomöödia Petruškast (tema nimi oli algul Vanka-Ratatouille) jutustas nutika, rõõmsa kaaslase seiklustest, kes ei karda maailmas midagi. .
Kohtuteater
Kohtuteatri loomise plaanid ilmusid esmakordselt koos tsaar Mihhail Fedorovitšiga 1643. aastal. Moskva valitsus püüdis leida kunstnikke, kes oleksid nõus kuninglikku teenistusse astuma. 1644. aastal saabus Pihkvasse trobikond koomikuid Strasbourgist. Pihkvas elasid nad umbes kuu, misjärel nad teadmata põhjusel Venemaalt välja saadeti.
Tsaar Mihhail Fedorovitš Romanov
Tsarski teater Esiteks kuninglik teater Venemaal kuulus tsaar Aleksei Mihhailovitšile ja eksisteeris aastatel 1672–1676. Selle algus on seotud bojaari Artamon Matvejevi nimega.
Artamon Sergejevitš andis Moskvas elanud sakslaste asunduse pastorile Johann Gottfried Gregoryle korralduse alustada näitetrupi värbamist.
Tsaar Aleksei Mihhailovitš
Artamon Matvejev Pastor värbas 64 noormeest ja teismelist poissi ning hakkas neile näitlemisoskusi õpetama. Ta koostas piibliloo põhjal näidendi. See oli kirjutatud saksa keeles, kuid etendus esitati vene keeles. Avamine toimus 17. oktoobril 1672. aastal
kauaoodatud teater
Moskva lähedal tsaari residentsis ja esimene teatrietendus.
Lõbus kamber
Tsaari teatrit kui hoonet kutsuti Lõbustuskojaks. Kooliteater 17. sajandil tekkis Venemaal slaavi-kreeka-ladina akadeemias kooliteater. Näidendid kirjutasid õpetajad, õpilased lavastasid ajaloolisi tragöödiaid, draamasid ja satiirilisi argistseene. Kooliteatri satiirilised sketsid panid aluse komöödiažanrile rahvuslikus näitekirjanduses. Kooliteatri päritolu oli kuulus
poliitik
, näitekirjanik Simeon Polotski.
Siimeon Polotskist Kindluseteatrid Ja 17. sajandi lõpus ilmusid esimesed pärisorjateatrid. Päristeatrid aitasid kaasa naiste lavale ilmumisele. Silmapaistvate vene pärisorjade näitlejannade hulgas on üks, kes säras Šeremetevi krahvide teatris
Praskovja Žemtšugova-Kovaljova.
Pärisorjateatrite repertuaar koosnes Euroopa, peamiselt prantsuse ja itaalia autorite teostest.
Krahv Šeremetev
Praskovja Žemtšugova-Kovaljova Krahv Šeremetevi kindlusteater
Hoone
kodukino
Šeremetevs
Näitlejate kostüümid
Teatri ruumid
Millal teater Smolenski linna ilmus?
1) 1708. aastal
2) 1780. aastal
3) 1870. aastal 4) 1807. aastal Aastal 1780 saabuma Katariina II kaasas
Keiser Joseph II
, valmistas linnakuberner vürst N. V. Repnin “ooperimaja”, kus mõlemast soost aadlikele esitleti “vene komöödiat kooriga”. N. V. Repnin
Catherine N. V. Repnin
II
Keiser Joosep
Kelle nime kannab Smolenski Draamateater?
1) A.S. Puškin?
2) F.M. Dostojevski?
3) L.N. Tolstoi?
4) A.S. Griboedova?
Mis teatrit Smolenskis pole?
Kammerteater
Nukuteater
Ooperi- ja balletiteater
Smolenskis pole ooperi- ja balletiteatrit, seal on M.I. nimeline filharmoonia. Glinka nime saanud Smolenski piirkondlik filharmoonia. M.I. Glinka
Kontserdisaal on esitlus, mis on kindlasti kasulik visuaalne abiaine maailma kunstikultuuri või -ajaloo tunnis teema uurimisel "Vana-Vene kunstikultuur" Püüdsin esitada esitlusele mitte ainult illustreeriva materjali, vaid ka helinäidete iga kirjelduse juurde. Kahjuks saab helinäiteid kuulda ainult PowerPointis.
Vana-Vene muusika
Ettekanne räägib vene muusikakunsti tekkeloost, umbes erinevat tüüpi ja muusikažanrid antiigist 17. sajandini, muusikariistadest, mis kõlasid argi- ja pühapäevadel, kurbuses ja rõõmus. Esitlus Kontserdisaal, minu plaani järgi peaks saama omamoodi minientsüklopeediaks, mis on loodud spetsiaalselt maailma kunstikultuuri õppetunni jaoks.
"Muusika on tihedalt suletud pudel maagilist parfüümi, mis säilitab alati oma ja ainult oma aja aroomi."
Anton Gopko
Esitlusel on kolm põhiosa. Esiteks - tutvustab teile Vana-Vene muusikakunsti päritolu, mille juured ulatuvad kaugetesse aegadesse juba enne muistse Vene riigi teket, slaavi hõimude kujunemise ajal.
Tekkimine ja areng Vana-Vene muusika seotud slaavlaste uskumustega, paganlikele jumalustele ja esivanematele pühendatud riituste ja rituaalidega. Neid rituaale saatis laulmine, tantsimine ja muusikariistade mängimine. Professionaalsed muusikud Venemaal olid pätid. Buffoonid olid tõelised artistid: muusikud, žonglöörid, akrobaadid, treenerid. Kahjuks keelas õigeusu kirik pättide tegevuse, nimetades nende etteasteid kuratlikeks mängudeks, allutades neile tagakiusamise ja isegi hukkamise.
Teine osa tuleb juttu iidsetest vene muusikariistadest: guslist, piiksudest, sarvedest, torudest ja teistest. Muusikariista kujutisega slaid sisaldab ka helifaili, mis demonstreerib selle instrumendi heli.
Eraldi sektsioon pühendatud kirikumuusikale, selle põhiliikidele ja žanritele. Samuti on olemas muusikalisi näiteid. Spetsiaalne ikoon slaidil on päästik, mis "lülitab" heli sisse. Kuid kahjuks töötab päästik ainult PowerPointis esitluse vaatamisel.
Tahaks uskuda, et minu tööst, millesse olen oma hinge pannud, tuleb kasu.
Veel mõned esitlused, mille leiate minu veebisaidilt, aitavad teil tutvuda iidse Vene kunstiga:
Vene teatri ajalugu
Sissejuhatus
Vene teatri ajalugu on jagatud mitmeks peamiseks etapiks. Algne, mänguline etapp saab alguse klanniühiskonnast ja lõpeb 17. sajandiks, mil koos uue Venemaa ajalooperioodiga tekib uus, rohkem küps staadium teatri arengus, mis tipnes alalise riikliku kutselise teatri loomisega 1756. aastal.
Mõisted “teater” ja “draama” jõudsid vene sõnaraamatusse alles 18. sajandil. 17. sajandi lõpus oli kasutusel mõiste "komöödia" ja kogu sajandi jooksul - "lõbus" (Poteshny Chulan, lõbus koda). Masside seas eelnes terminile "teater" mõiste "häbi", mõistele "draama" - "mäng", "mäng". Vene keskajal olid levinud nende sünonüümid - "deemonlikud" või "saatanlikud" pätimängud. Lõbustusteks nimetati ka igasuguseid 16. – 17. sajandil välismaalaste toodud imesid, aga ka ilutulestikku. Noore tsaari Peeter I sõjalist tegevust nimetati ka lõbusaks. Mõiste “mäng” on lähedane mõistele “mäng” (“buffoon games”, “fee games”). Selles mõttes nimetati nii pulmi kui ka memme “mänguks”, “mänguks”. Muusikariistade puhul on “mäng” hoopis teistsugune tähendus: parmupillide mängimine, nuusutamine jne. Suulise draama mõisted “mäng” ja “mäng” säilisid rahva seas kuni 19.-20. sajandini.
Rahvakunst
Vene teater sai alguse iidsetest aegadest. Selle päritolu ulatub tagasi rahvakunst– tööga seotud rituaalid, pühad. Aja jooksul kaotasid rituaalid oma maagiline tähendus ja muutusid esinemismängudeks. Neis sündisid teatri elemendid - dramaatiline tegevus, näitlemine, dialoog. Edaspidi muutusid lihtsamad mängud rahvadraamadeks; need loodi kollektiivse loovuse käigus ja talletati inimeste mälu, põlvest põlve edasi kanduv.
Arengu käigus mängud eristusid, lagunedes omavahel seotud ja samal ajal üksteisest üha enam eemalduvateks sortideks - draamadeks, rituaalideks, mängudeks. Ainus, mis neid ühendas, oli see, et nad kõik peegeldasid tegelikkust ja kasutasid sarnaseid väljendusviise – dialoogi, laulu, tantsu, muusikat, maskeeringut, näitlemist, näitlemist.
Mängud sisendasid dramaatilise loovuse maitset.
Mängud olid algselt klanni kogukonna organisatsiooni otsene peegeldus: neil oli ümartantsu, koori iseloom. Ringtantsumängudes koori- ja dramaatiline loovus. Mängudes sisalduvad laulud ja dialoogid aitasid iseloomustada mängupilte. Massimälestustel oli ka mänguline iseloom, need olid ajastatud kevadega ja kandsid nimetust "Venemaa". 15. sajandil defineeriti mõiste “Rusalia” sisu järgmiselt: deemonid inimese kujul. Ja juba 1694. aasta Moskva "Azbukovnik" määratleb rusaliat kui "hullumänge".
Meie kodumaa rahvaste teatrikunst saab alguse rituaalidest ja mängudest, rituaalsetest tegevustest. Feodalismi ajal viljeles teatrikunsti ühelt poolt “rahvamassid” ja teiselt poolt feodaalne aadel ning vastavalt diferentseeriti pätid.
957. aastal tutvus suurhertsoginna Olga Konstantinoopoli teatriga. 11. sajandi viimase kolmandiku Kiievi Püha Sofia katedraali freskodel on kujutatud hipodroomi etteasteid. Aastal 1068 mainiti kroonikates esimest korda pühvleid.
Kiievi-Vene oli tuntud kolme tüüpi teatrite poolest: õukonna-, kiriku- ja rahvateatrid.
Buffoonery
Vanim “teater” oli rahvanäitlejate - pättide - mängud. Buffoonery on keeruline nähtus. Härrasid peeti omamoodi nõidadeks, kuid see on ekslik, sest rituaalides osalenud pühvlid mitte ainult ei suurendanud oma usulis-maagilist iseloomu, vaid, vastupidi, tutvustasid maist, ilmalikku sisu.
Igaüks võis teha nalja, see tähendab laulda, tantsida, nalja teha, sketse mängida, pille mängida ja näitleda ehk kujutada mingit inimest või olendit. Kuid osavaks pätiks said ja kutsuti vaid need, kelle kunst paistis oma artistlikkuse poolest masside kunstitasemest kõrgemale.
Paralleelselt rahvateatriga arenes välja professionaalne teatrikunst, mille kandjateks Vana-Venemaal olid pätid. Venemaa ilmumist seostatakse puhvismängudega nukuteater. Esimesed kroonikateave pühvlite kohta langevad kokku pühvlite esinemist kujutavate freskode ilmumisega Kiievi Püha Sofia katedraali seintele. Kroonik munk nimetab härjajaid kuraditeenijateks ja katedraali seinu maalinud kunstnik pidas võimalikuks lisada nende kujutis koos ikoonidega kirikukaunistustesse. Buffoonid olid seotud massidega ja üks nende kunstiliikidest oli “glum”, see tähendab satiir. Skomorokhi kutsutakse "piltajateks", see tähendab pilkajateks. Pilkamine, mõnitamine, satiir seotakse ka edaspidi kindlalt pättidega.
Ilmalik pättide kunst oli kiriku- ja vaimuliku ideoloogia suhtes vaenulik. Vaimulike vihkamisest pättide kunsti vastu annavad tunnistust kroonikute ülestähendused (“Möödunud aastate lugu”). 11.-12. sajandi kirikuõpetus kuulutab, et patt on ka pätid, kelle poole pöörduvad. Eriti tugeva tagakiusamise osaliseks said pätid tatari ikke aastatel, mil kirik hakkas intensiivselt jutlustama askeetlikku elustiili. Mitte ükski tagakiusamine ei ole rahva seast pätikunsti välja juurinud. Vastupidi, see arenes edukalt ja selle satiiriline tork muutus teravamaks.
Vana-Venemaal tunti kunstiga seotud käsitööd: ikoonimaalijad, juveliirid, puu- ja luunikerdajad, raamatukirjutajad. Punnid kuulusid nende hulka, olles “kavalad”, laulu, muusika, tantsu, luule, draama “meistrid”. Kuid neid peeti ainult meelelahutajateks, lõbustajateks. Nende kunst oli ideoloogiliselt seotud rahvamassidega, käsitöölistega, kes olid tavaliselt vastandunud valitsevatele massidele. See muutis nende oskused mitte ainult kasutuks, vaid ka feodaalide ja vaimulike seisukohalt ideoloogiliselt kahjulikuks ja ohtlikuks. esindajad kristlik kirik nad asetasid pätid mustkunstnike ja nõidade kõrvale. Rituaalides ja mängudes pole ikka veel jagunemist esinejateks ja pealtvaatajateks; neil puuduvad arenenud süžeed ja kujunditeks muutumine. Need esinevad rahvadraamas, läbistunult teravatest sotsiaalsetest motiividest. Suulise pärimuse avalike teatrite teket seostatakse rahvadraamaga. Nende rahvateatrite näitlejad (buffoonid) naeruvääristasid olemasolevaid jõude, vaimulikke, rikkaid ja näitasid osavõtlikult tavalised inimesed. Rahvateatri etendused põhinesid improvisatsioonil ja sisaldasid pantomiimi, muusikat, laulu, tantsu ja kirikunumbreid; esinejad kasutasid maske, meiki, kostüüme ja rekvisiite.
Puhkade esinemiste iseloom ei nõudnud esialgu nende ühendamist suurteks seltskondadeks. Muinasjuttude, eeposte, laulude esitamiseks ja pillimänguks piisas vaid ühest esinejast. Skomorokhid lahkuvad oma sünnipaikadest ja rändavad tööd otsides mööda Venemaa maad, kolides küladest linnadesse, kus nad ei teeni mitte ainult maa-, vaid ka linlasi ja mõnikord isegi vürstiõukondi.
Buffoonid olid seotud ka rahvakohtuetendustega, mis paljunes Bütsantsi ja selle õukonnaeluga tutvumise mõjul. Kui Moskva õukonna juurde rajati Lõbus kapp (1571) ja Lõbus kamber (1613), sattusid pätid õukonnanarride positsioonile.
Puhkade etteasted olid ühtsed erinevat tüüpi kunstid: nii dramaatilised, kiriklikud kui ka „mitmesugused”.
Kristlik kirik vastandas rahvamängud ja pättide kunsti rituaalsele kunstile, mis oli küllastunud religioossetest ja müstilistest elementidest.
Puhkade esinemised ei arenenud välja professionaalne teater. Teatritruppide sünniks polnud tingimusi – võimud ju kiusasid pätid taga. Kirik kiusas taga ka pätte, pöördudes abi saamiseks ilmalike võimude poole. Hullide vastu saadeti kaebekiri 15. sajandi Trinity-Sergius kloostrile ja 16. sajandi alguse harta. Kirik asetas pätid visalt ühte ritta paganliku maailmavaate kandjatega (maagid, nõiad). Ja ometi elasid puhmasetendused edasi, arenes rahvateater.
Samal ajal võttis kirik kasutusele kõik abinõud oma mõju avaldamiseks. See väljendus liturgilise draama arengus. Mõned liturgilised draamad jõudsid meieni koos kristlusega, teised - 15. sajandil koos "suure kiriku" äsja vastu võetud piduliku hartaga ("Pühkimiskäik", "Jalgade pesemine").
Vaatamata teatri- ja meelelahutusvormide kasutamisele ei loonud vene kirik oma teatrit.
17. sajandil püüdis Simeon Polotskist (1629-1680) luua liturgilisel draamal põhinevat kunstilist draamat. kirjanduslik draama, osutus see katse üksikuks ja tulutuks.
17. sajandi teatrid
17. sajandil kujunesid välja esimesed suulised draamad, mis olid süžeelt lihtsad ja peegeldasid populaarseid tundeid. Nukukomöödia Petruškast (tema nimi oli algul Vanka-Ratatouille) jutustas nutika, lõbusa selli seiklustest, kes ei kartnud maailmas midagi. Tõeliselt ilmus teater 17. sajandil – õukonna- ja kooliteater.
Kohtuteater
Õukonnateatri tekkimise tingis õukonnaaadli huvi Lääne kultuur. See teater ilmus Moskvas tsaar Aleksei Mihhailovitši juhtimisel. Näidendi “Artaxerxese tegu” (piibli Estri lugu) esmaesitlus toimus 17. oktoobril 1672. aastal. Algul ei olnud õukonnateatril oma ruume ja kostüüme liigutati ühest kohast teise. Esimesed etendused lavastas pastor Gregory Saksa asundusest, näitlejad olid samuti välismaalased. Hiljem hakati jõuliselt meelitama ja koolitama vene “nooreid”. Neile maksti ebaregulaarselt, kuid dekoratsioonide ja kostüümidega nad ei koonerdanud. Esinemisi eristas suur pompoossus, mida mõnikord saatis pillimäng ja tants. Pärast tsaar Aleksei Mihhailovitši surma õukonnateater suleti ja etendused jätkusid alles Peeter I juhtimisel.
Kooliteater
Lisaks õukonnateatrile kujunes Venemaal 17. sajandil kooliteater välja ka Slaavi-Kreeka-Ladina Akadeemias, Lvovi, Tiflise ja Kiievi teoloogilistes seminarides ja koolides. Näidendeid kirjutasid õpetajad ja ajaloolisi tragöödiaid lavastasid õpilased, allegoorilised draamad, Euroopa imedele lähedased vahepalad on satiirilised argistseenid, milles protestiti sotsiaalsüsteemi vastu. Kooliteatri kõrvaletendused panid aluse rahvusliku draama komöödiažanrile. Kooliteatri alguse sai kuulus poliitiline tegelane ja näitekirjanik Simeon Polotski.
Õukonnakooliteatrite tekkimine laiendas Vene ühiskonna vaimse elu sfääri.
Teater XVIII alguses sajandil
Peeter I käsul loodi 1702. aastal avalik teater, mis oli mõeldud laiale avalikkusele. Moskva Punasele väljakule ehitati spetsiaalselt tema jaoks hoone - "Koomiline tempel". Seal andis etendusi I. H. Kunsti saksa trupp. Repertuaaris olid välismaised näidendid, mis ei olnud avalikkuses edukad, ja teater lakkas 1706. aastal eksisteerimast, kuna Peeter I toetused lakkasid.
Järeldus
Uus lehekülg ajaloos etenduskunstid avasid meie kodumaa rahvad pärisorjuste ja amatöörteatrid. aastast eksisteerinud pärisorjatruppides XVIII lõpp sajanditel lavastati vodeville, koomilisi oopereid ja ballette. Pärisorjateatrite baasil tekkisid mitmetes linnades eraettevõtted. Kasulik mõju Vene teatrikunst mõjutas meie kodumaa rahvaste professionaalse teatri kujunemist. Esimeste kutseliste teatrite truppides olid andekad amatöörid – demokraatliku intelligentsi esindajad.
Teater saavutas Venemaal 18. sajandil tohutu populaarsuse, sai laiade masside omandiks, teiseks avalikult kättesaadavaks inimeste vaimse tegevuse sfääriks.
VENEMAA) läbis teistsuguse kujunemis- ja arengutee kui Euroopa, Ida või Ameerika teater. Selle tee etapid on seotud Venemaa ajaloo ainulaadsusega - selle majandusega, muutustega ühiskondlikes formatsioonides, religioonis, venelaste erilise mentaliteediga jne.
Teater oma rituaalsetes ja tseremoniaalsetes vormides, nagu igas muistses kogukonnas, oli Venemaal laialt levinud. IN antud juhul Ma pean silmas müsteeriumi, mitte kui keskaegset žanri Euroopa teater, vaid igapäevaste ja pühade eesmärkidega seotud grupitegevusena, kõige sagedamini - saada jumaluse abi inimkoosluse toimimiseks olulistes olukordades
Vene teatri tekkimine ja kujunemine
Need olid põllumajandustsükli etapid - külv, koristus, looduskatastroofid - põud, epideemiad ja episootiad, hõimu- ja perekondlikud sündmused - pulmad, lapse sünd, surm jne. Tegemist oli iidsel hõimu- ja põllumaagial põhinevate prateatri etendustega, seetõttu uurivad selle perioodi teatrit peamiselt folkloristid ja etnograafid, mitte teatriajaloolased. Kuid see etapp on äärmiselt oluline – nagu iga algus, mis määrab arenguvektori.
Vene teatri tekkimine ja kujunemine
Sellistest rituaalsetest tegevustest sündis vene teatri kui rahvateatri arenguliin, rahvateater, mida esitleti mitmel kujul - nukuteater (Petrushka, jõulusõim jne), putka (raek, karu lõbu jne), reisimine. näitlejad (harfimängijad, lauljad, jutuvestjad, akrobaadid jne) jne. Kuni 17. sajandini teater arenes Venemaal ainult folklooriteatrina, muu teatrivormid, erinevalt Euroopast, siin ei eksisteerinud. Kuni 10.–11. Vene teater arenes mööda Ida või Aafrika traditsioonilisele teatrile iseloomulikku rada - rituaal-folkloor, püha, algupärasele mütoloogiale üles ehitatud
Vene teatri tekkimine ja kujunemine
Umbes 11. sajandist. olukord on muutumas, alguses järk-järgult, seejärel jõulisemalt, mis tõi kaasa põhjaliku muutuse vene teatri arengus ja selle edasises kujunemises Euroopa kultuuri mõjul.
Professionaalne teater
Kutselise teatri esimesed esindajad olid pätid, kes tegutsesid peaaegu kõigis tänavaetenduste žanrites. Esimesed tõendid pühvlite kohta pärinevad 11. sajandist, mis võimaldab veenduda, et puhviskunst oli pikka aega kujunenud ja tollase ühiskonna kõigi kihtide igapäevaellu sisenenud nähtus. Rituaalidest ja rituaalidest lähtuva vene algupärase buffoonikunsti kujunemist mõjutasid ka Euroopa ja Bütsantsi rändkoomikute – histrionide, trubaduuride, vagandid – “tuurid”.
Teater ja kirik
16. sajandiks Venemaal kujundab kirik riiklikku ideoloogiat (eelkõige anti vaimulikele vastutus õppeasutuste loomise eest). Ja loomulikult ei saanud ta mööda minna teatrist, mis on võimas mõjutamisvahend.
Kooli-kirikuteater
"Saja-Glavy" Vene katedraal õigeusu kirik 1551 mängis otsustavat rolli religioosse ja riigi ühtsuse idee loomisel ja usaldas vaimulikele kohustuse luua usuõppeasutusi. Sel perioodil ilmusid koolidraama ja kooli-kirikuetendused, mida nendes teatrites lavastati õppeasutused(kolledžid, akadeemiad). Lavale ilmusid raamatute lehekülgedelt üle kantuna riiki, kirikut, iidset Olümpost, tarkust, usku, lootust, armastust jne kehastavad figuurid.
Kooli-kirikuteater
Kiievist alguse saanud kooli kirikuteater hakkas ilmuma ka teistes linnades: Moskvas, Smolenskis, Jaroslavlis, Tobolskis, Polotskis, Tveris, Rostovis, Tšernigovis jne. Teoloogiakooli seinte vahel kasvades lõpetas ta kiriklike riituste teatraliseerimise: liturgia, suure nädala jumalateenistused, jõulud, lihavõtted ja muud rituaalid. Tärkava kodanliku elu tingimustes tekkinud kooliteater eraldas esimest korda meie pinnal näitleja ja lava vaatajast ja auditoorium, viis esmakordselt nii dramaturgi kui ka näitleja jaoks teatud lavapildini.
Kohtuteater
Õukonnateatri teke Venemaal on seotud tsaar Aleksei Mihhailovitši nimega. Tema valitsemisaega seostatakse uue ideoloogia kujunemisega, mis keskendub diplomaatiliste sidemete laiendamisele Euroopaga. Orienteerumine euroopalikule eluviisile tõi Vene õukonna elus palju muutusi.
Kohtuteater
Aleksei Mihhailovitši katse korraldada esimene õukonnateater pärineb aastast 1660: tsaari tellimuste ja ostude “nimekirja” kirjutas Aleksei Mihhailovitš inglise kaupmehe Hebdoni ülesandega “Kutsuda Saksa maalt Moskva riiki. meistrid komöödiat tegema." See katse jäi aga ebaõnnestunuks; Vene õukonnateatri esmaetendus toimus alles 1672. 15. mail 1672 andis tsaar välja dekreedi, millega kolonel Nikolai von Stadenile (bojaar Matvejevi sõber) tehti ülesandeks leida välismaalt inimesi, kes oskaksid “komöödiaid mängida. ”
Kohtuteater
Etendustest sai Moskva õukonnas üks lemmikumaid meelelahutusi. Seal oli 26 vene näitlejat. Poisid mängisid naisrollid. Estri roll filmis Artaxerxese tegevus mängis Blumentrosti poeg. Nii välismaalasi kui ka vene näitlejaid koolitati erikoolis, mis avati 21. septembril 1672 Saksa asunduses Gregory maja hoovis. Vene ja välisüliõpilaste koolitamine osutus keeruliseks ning 1675. aasta teisel poolel hakkas tegutsema kaks teatrikooli: Poola õukonnas - välismaalastele, Meshchanskaja Slobodas - venelastele.
Kohtuteater
Esimese õukonnateatri ilmumine langes kokku Peeter I sünniga (1672), kes lapsepõlves nägi selle teatri viimaseid etendusi. Pärast troonile tõusmist ja Venemaa euroopastamise tohutut tööd alustanud Peeter I ei saanud jätta pöördumata teatri poole kui oma uuenduslike poliitiliste ja sotsiaalsete ideede propageerimiseks.
Petrovski teater
Alates 17. sajandi lõpust. Euroopas muutusid moes maskeraadid, mis meeldisid noorele Peeter I-le. 1698. aastal osales ta Friisimaa talupoja kostüümides Viini maskeraadil. Peeter otsustas oma reforme ja uuendusi teatrikunsti kaudu populariseerida. Ta plaanis ehitada Moskvasse teatri, kuid mitte vähestele väljavalitutele, vaid kõigile avatud. Aastatel 1698–1699 töötas Moskvas nukuteatri trupp, mille eesotsas oli Jan Splavsky ja kellele Peeter 1701. aastal käskis kutsuda koomikuid välismaalt. 1702. aastal tuli Johann Kunsti trupp Venemaale.
Avaliku (avaliku) teatri tekkimine
Pärast Elizabeth Petrovna troonile tõusmist 1741. aastal jätkus Euroopa teatri tutvustamine. Õukonnas tuuritasid välismaised trupid - itaalia, saksa, prantsuse, nende hulgas draama, ooper ja ballett, commedia dell'arte. Samal perioodil pandi alus ka rahvuslikule vene kutselisele teatrile, just Elizabethi valitsusajal õppis Moskvas tulevane “vene teatri isa” Fjodor Volkov, kes võttis osa jõuluetendustest ja ammutas tuurikogemusi; Euroopa trupid.
Teatrid õppeasutustes
18. sajandi keskel. õppeasutustes korraldati teatrid (1749 - Peterburi aadlikorpus, 1756 - Moskva ülikool), vene k. teatrietendused Peterburis (korraldaja I. Lukin), Moskvas (korraldajad K. Baykulov, ametnikud eesotsas Halkovi ja Gluškoviga, “tindimeister” Ivanov jt), Jaroslavlis (korraldajad N. Serov, F. Volkov). Teine asi juhtub 1747. aastal tähtis sündmus: kirjutati esimene poeetiline tragöödia - Khorev A. Sumarokova.
Rahvuslik avalik teater
Kõik see loob eeldused rahvusliku avaliku teatri tekkeks. Selleks kutsuti 1752. aastal Volkovi trupp Jaroslavlist Peterburi. Gentry korpusesse valitakse õppima andekad amatöörnäitlejad - A. Popov, I. Dmitrevski, F. ja G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov jne. Nende hulgas on neli naist: A. Musina-Puškina, A. Mihhailova, õed M. ja O. Ananjev.
FEDOR GRIGORIEVICH VOLKOV
Petrovski teater
Peeter I juhtimisel pani Siberis esinemiste alguse Tobolski metropoliit Filofei Leštšinski. 1727. aastast pärit käsitsi kirjutatud kroonikas öeldakse: "Philotheus oli teatrietenduste armastaja, ta tegi uhkeid ja rikkalikke komöödiaid, kui ta pidi olema kollektsionääride komöödias pealtvaataja, siis tema, Vladyka, tegi kollektsiooni katedraalikellad. austust ning teatrid asusid katedraali ja Püha Sergiuse kirikute vahel ning transporditi sinna, kuhu inimesed läksid." Metropoliit Philotheuse uuendusi jätkasid tema järeltulijad, osa neist olid Kiievi Akadeemia tudengid.
Teater Anna Ioannovna juhtimisel
Anna Ioannovna kulutas tohutuid summasid erinevatele pidustustele, ballidele, maskeraadidele, suursaadikute vastuvõttudele, ilutulestikule, valgustustele ja teatrirongkäikudele. Tema õukonnas elavnes klounikultuur, jätkates "istuvate" pättide traditsioone - tal olid hiiglased ja päkapikud, naljamehed ja tuleristsed. Kuulsaim teatripidu oli 6. veebruaril 1740 jäämajas naljamehe prints Golitsõni “uudishimulik” pulm Kalmõki pauguti Buzheninovaga.
Alaline avalik teater
Esimene Venemaa alaline avalik teater avati 1756. aastal Peterburis Golovkini majas. Gentry korpuses koolitatud näitlejate hulka lisandus hulk näitlejaid F. Volkovi Jaroslavli trupist, sealhulgas koomiksinäitleja Shumsky. Teatrit juhtis Sumarokov, kelle klassitsistlikud tragöödiad moodustasid repertuaari aluse. Trupi esikoha hõivas Volkov, kes asendas Sumarokovi direktorina ja asus sellel kohal kuni tema surmani 1763. aastal (see teater sai 1832. aastal Aleksandrinski nime - Nikolai I naise auks).
Draamateatri loomine
Esimesed avalikud esinemised Moskvas pärinevad 1756. aastast, mil ülikooli gümnaasiumi õpilased moodustasid oma direktori, poeet M. Heraskovi juhtimisel ülikooli seinte vahel teatritrupi. Etendustele olid kutsutud Moskva kõrgeima seltskonna esindajad. 1776. aastal loodi kunagise ülikooli trupi baasil draamateater, mis sai nime Petrovski (tuntud ka kui Medox Theater). Venemaa Bolshoi (ooperi- ja balletiteatrid) ja Maly (draamateatrid) pärinevad sellest teatrist.
MALY TEATER
Maly teatri ajalugu
Maly teater on Venemaa vanim teater. Tema trupp loodi Moskva ülikoolis 1756. aastal, vahetult pärast kuulsat keisrinna Elizabeth Petrovna dekreeti, mis tähistas meie riigis professionaalse teatri sündi: „Nüüd oleme andnud korralduse luua komöödiate ja tragöödiate esitamiseks vene teater. ..”
Maly teatri ajalugu
1824. aastal ehitas Bove teatri jaoks ümber kaupmees Vargini häärberi ning keiserliku teatri Moskva trupi dramaatiline osa sai Petrovskaja (nüüd Teatralnaja) väljakul oma hoone ja oma nime - Maly teater.
VENEMAA BOLŠOI TEATER Moskvas
Õhtul Bolshoi Teater
Teatri lähedal
Sentimentalismi ajastu teater
Klassitsismi periood Venemaal ei kestnud kaua – sentimentalismi kujunemine algas 1760. aastate keskel. Ilmuvad V. Lukinski, M. Verevkini, M. Heraskovi “pisarad komöödiad”, koomiline ooper, kodanlik draama. Demokraatlike tendentside tugevnemist teatris ja draamas aitas kaasa ühiskondlike vastuolude süvenemine talurahvasõja perioodil 1773–1775 ning rahvateatri traditsioonid. Nii kasutas Shumsky kaasaegsete sõnul puhvistele lähedasi mänguvõtteid. Areneb satiiriline komöödia – Alaealine D. Fonvizina
Kindluseteatrid
18. sajandi lõpuks. pärisorjuste teatrid on laialt levimas. Teatrispetsialistid – näitlejad, koreograafid, heliloojad – kutsuti siia näitlejatega treenima. Mõned pärisorjateatrid (Šeremetev Kuskovos ja Ostankinos, Jusupov Arhangelskis) ületasid oma lavastuste rikkuse poolest riigiteatreid. 19. sajandi alguses. mõne pärisorjuse teatri omanikud hakkavad neid muutma äriettevõteteks (Šahovskoy jt). Pärisorjateatritest tulid paljud kuulsad vene näitlejad, kes anti sageli rendile, et mängida “tasuta” teatrites - sh. keiserlikul laval (M. Štšepkin, L. Nikulina-Kositskaja jt).
Teater 18.-19. sajandi vahetusel.
Vene teater 19. sajandil
Teatri arenguga seotud küsimused päris 19. sajandi alguses. arutati Kirjanduse, Teaduse ja Kunsti Austajate Vaba Seltsi koosolekutel. Radištšovi järgija I. Pnin oma raamatus Kogemused valgustamisest seoses Venemaaga(1804) väitis, et teater peaks kaasa aitama ühiskonna arengule. Teiseks, sel perioodil lavastatud isamaaliste tragöödiate asjakohasus, mis on täis vihjeid tänapäevasele olukorrale ( Oidipus Ateenas Ja Dmitri Donskoi V. Ozerov, F. Schilleri ja W. Shakespeare’i näidendid) aitasid kaasa romantismi kujunemisele. See tähendab, et kinnistusid uued näitlemispõhimõtted, soov individualiseerida lavategelasi, paljastada nende tundeid ja psühholoogiat.
Teatri jagunemine kaheks trupiks
19. sajandi esimesel veerandil. toimus esimene ametlik Vene draamateatri eraldamine eraldi suunaks (varem draamatrupp töötas koos ooperi ja balletiga ning samad näitlejad esinesid sageli eri žanrite etendustes). Aastal 1824 endine teater Medoxa jagunes kaheks trupiks – draama (Maly teater) ning ooper ja ballet (Bolshoi teater). Maly teater saab eraldi hoone. (Peterburis eraldati draamatrupp muusikatrupist 1803. aastal, kuid enne Aleksandrinski teatri omaette majja kolimist 1836. aastal töötas see siiski koos Mariinski teatri ooperi- ja balletitrupiga.)
Aleksandrinski teater
Aleksandrinski teatri jaoks 19. sajandi teine pool. osutus keerulisemaks perioodiks. Vaatamata üksikutele Ostrovski, I. Turgenevi, A. Suhhovo-Kobylini, A. Pisemski näidendite lavastustele keiserlike teatrite direktoraadi tahtel, oli tollase repertuaari põhialuseks vodevill ja pseudorahvadraama. Truppi kuulus palju andekaid kunstnikke, kelle nimed on kantud vene teatri ajalukku: A. Martõnov, P. Vassiljev, V. Asenkova, E. Guseva, Ju Linskaja, V. Samoilov ja hiljem, 19. sajandi lõpuks sajandil. – P. Strepetova, V. Komissarževskaja, M. Dalski, K. Varlamov, M. Savina, V. Strelskaja, V. Dalmatov, V. Davõdov jne. Kõik need säravad näitlejad ilmusid aga justkui omaette, näitledes staarid lavaansamblit ei moodustanud. Üldiselt ei olnud Aleksandrinski teatri toonane seis kuigi kadestamisväärne: trupi juhid vahetusid pidevalt, tugevat suunda polnud, esietenduste arv kasvas, proovide aeg vähenes.
Aleksandrinski teater
Mariinski teater
Mariinski teater
Venemaa suurim ooperi- ja balletiteater, üks meie riigi vanimaid muusikateatreid. See pärineb 1783. aastal avatud Stone (Bolshoi) teatrist. See on eksisteerinud kaasaegses hoones (ümberehitatud pärast tsirkuseteatri tulekahju) alates 1860. aastast, mil see sai uue nime - Mariinski teater.
Teater 19.-20. sajandi vahetusel.
Vene teatri kiire tõusu ja kiire õitsengu periood oli 19.–20. sajandi vahetus. See aeg oli pöördepunkt kogu maailma teatri jaoks: uus teatri elukutse- lavastaja ning sellega seoses kujunes põhimõtteliselt uus lavastajateatri esteetika. Venemaal on need suundumused eriti selgelt avaldunud. See oli kogu vene kunsti enneolematu kasvu periood, mis hiljem sai nimeks hõbeaeg. Ja dramaatiline teater - koos luule, maali, stsenograafia, balletiga - ilmus väga erinevates esteetilistes suundades, koondades maailma teatrikogukonna tähelepanu.
Vene teater 19.–20. sajandi vahetusel
Et käsitleda Venemaad 19.–20. maailma teatrisaavutuste keskus, piisaks K. Stanislavskile üksi oma vapustavate uuenduslike ideedega ja tema koos V. Nemirovitš-Dantšenkoga loodud Moskovskist. Kunstiteater(1898). Vaatamata sellele, et Moskva Kunstiteater avati etendusega Tsaar Feodor Ioannovitš A.K. Tolstoi, uue teatri lipukirjaks oli A. Tšehhovi dramaturgia, salapärane, täna veel täielikult paljastamata. Pole ime, et Moskva Kunstiteatri kardinal on kajakas, viidates ühe teatri nimele. parimad näidendid Tšehhov ja sai teatri sümboliks. Kuid Stanislavski üks peamisi teeneid maailmateatrile on andekate õpilaste kasvatamine, kes on tema teatrisüsteemi kogemusi omaks võtnud ja seda kõige ootamatumates ja paradoksaalsemates suundades edasi arendanud (ilmsateks näideteks on V. Meyerhold, M. Tšehhov, E. Vahtangov).
KONSTANTIN SERGEEVICH STANISLAVSKI
Peterburis oli selle aja “võtmefiguur” V. Komissarževskaja. 1896. aastal Aleksandrinski teatri laval debüteerinud (enne seda mängis ta Stanislavski amatöörlavastustes) võitis näitleja peaaegu kohe publiku tulihingelise armastuse. Tema enda teater, mille ta lõi 1904. aastal, mängis tohutut rolli vene režii hiilgava galaktika kujunemisel. Komissarževskaja teatris pani ta aastatel 1906–1907 esimest korda pealinna laval paika põhimõtted. tavapärane teater Meyerhold (hiljem jätkas ta eksperimente keiserlikes teatrites - Aleksandrinski ja Mariinski, samuti Tenishevski kool ja sisse teatristuudio Borodinskaja tänaval)
VERA FJODOROVNA KOMISARGEVSKAJA
Moskva Kunstiteater
Moskva keskus teatrielu oli Moskva Kunstiteater. Sinna kogunes hiilgav näitlejate tähtkuju, kes mängisid etendustes, mis meelitasid kohale tohutult palju vaatajaid: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andrejeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Tšehhov jne. Paljud siin kujunesid suundumused kaasaegne režii: lisaks Stanislavskile ja Nemirovitš-Dantšenkole olid need L. Suleržitski, K. Mardžanovi, Vahtangovi tööd; Lavastusele tuli ka maailmakuulus G. Craig. Moskva Kunstiteater pani aluse kaasaegsele stsenograafiale: selle etenduste kallal olid kaasatud M. Dobužinski, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodijev jt. Moskva Kunstiteater määras tol ajal tegelikult kogu kunstielu Moskva, sh. – ja teatri väikevormide arendamine; kõige populaarsem Moskva kabareeteater " Nahkhiir"on loodud Moskva Kunstiteatri sketšide põhjal.
MOSKVA KUNSTITEATER.
Vene teater pärast 1917. aastat
Uus valitsus mõistis teatrikunsti tähtsust: 9. novembril 1917 anti välja nõukogu määrus. rahvakomissarid kõigi Vene teatrite üleandmise kohta kunstiosakonna jurisdiktsiooni Riigikomisjon hariduse kohta. Ja 26. augustil 1919 ilmus dekreet teatrite natsionaliseerimise kohta, esimest korda Venemaa ajaloos sai teater täielikult riigiasjaks (a. Vana-Kreeka Sellist riiklikku poliitikat viidi ellu juba 5. sajandil. eKr). Juhtivatele teatritele omistatakse akadeemilised tiitlid: 1919. aastal Maly teater, 1920. aastal Moskva Kunstiteater ja Aleksandrinski teater (uue nimega Petrogradi Riiklik Akadeemiline Draamateater). Uued teatrid avatakse. Moskvas - Moskva Kunstiteatri 3. stuudio (1920, hiljem Vahtangovi teater); Revolutsiooni teater (1922, hiljem Majakovski teater); MGSPS teater (1922, täna – Mossoveti teater); Moskva Lasteteater (1921, aastast 1936 - Keskne Lasteteater). Petrogradis – Bolshoi Draamateater (1919); GOSET (1919, aastast 1920 kolib Moskvasse); Teater noortele vaatajatele (1922).
Jevgeni Vahtangovi nimeline teater
Evg. nimelise teatri ajalugu. Vakhtangov alustas ammu enne oma sündi. 1913. aasta lõpus korraldas rühm väga noori - kaheksateistkümne kuni kahekümneaastaseid - Moskva üliõpilasi üliõpilaste draamastuudio, otsustades tegeleda teatrikunstiga Stanislavski süsteemi järgi.
Teater 30ndatel
Uus periood Vene teater sai alguse 1932. aastal üleliidulise bolševike kommunistliku partei keskkomitee otsusega "Kirjandus- ja kunstiorganisatsioonide ümberkorraldamise kohta". Kunsti peamiseks meetodiks tunnistati sotsialistlik realism. Kunstiliste katsetuste aeg on möödas, kuigi see ei tähenda, et järgnevad aastad poleks toonud teatrikunsti arengus uusi saavutusi ja kordaminekuid. Lihtsalt lubatud kunsti "territoorium" kitsenes teatud kunstiliste liikumiste esitused - reeglina realistlikud. Ja ilmnes täiendav hindamiskriteerium: ideoloogiline ja temaatiline. Nii on näiteks vene teatri tingimusteta saavutus alates 1930. aastate keskpaigast olnud etendused nn. “Leninlased”, milles toodi lavale V. Lenini kuju ( Mees relvaga Vahtangovi teatris Lenini rollis - B. Štšukin; Kas see on tõsi revolutsiooni teatris, Lenini rollis - M. Strauch jne). Kõik "sotsialistliku realismi rajaja" M. Gorki näidenditel põhinevad etendused olid praktiliselt määratud edule. See ei tähenda, et iga ideoloogiliselt järjekindel esitus oleks halb, lihtsalt kunstilised kriteeriumid (ja mõnikord ka publiku edu) etenduste riiklikul hindamisel lakkasid omamast.
Teater 30-40ndatel
Paljudele Vene teatri tegelastele kujunesid 1930. aastad (ja 1940. aastate teine pool, kui ideoloogiline poliitika jätkus) traagiliseks. Vene teater arenes aga edasi. Ilmusid uued režissöörinimed: A. Popov, J. Zavadski, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gertšakov, M. Kedrov, M. Knebel, V Sahnovski, B. Suškevitš, I. Bersenev, A. Brjantsev, E. Radlov jt. Neid nimesid seostati peamiselt Moskva ja Leningradiga ning riigi juhtivate teatrite lavastajakooliga. Kuid tuntuks saavad ka paljude lavastajate tööd teistes linnades. Nõukogude Liit: N. Sobolštšikov-Samarin (Gorki), N. Sinelnikov (Harkov), I. Rostovtsev (Jaroslavl), A. Kanin (Rjazan), V. Bitjutski (Sverdlovsk), N. Pokrovski (Smolensk, Gorki, Volgograd) jne. .
JURI ALEKSANDROVICH ZAVADSKI
RUBEN NIKOLAJITŠ SIMONOV
MARIA IVANOVNA BABANOVA
IGOR ILYINSKY
Suure Isamaasõja ajal pöördusid Vene teatrid peamiselt isamaaliste teemade poole. Lavastati sel perioodil kirjutatud näidendeid ( Invasioon L. Leonova, Ees A. Korneychuk, Mees meie linnast Ja vene inimesed K. Simonov), ja mängib ajaloolistel ja isamaalistel teemadel ( Peeter I A.N. Tolstoi Feldmarssal Kutuzov
ESINEBRIGAAD
Teater Suure Isamaasõja ajal
Ajavahemikul 1941–1945 oli Venemaa ja Nõukogude Liidu teatrielule veel üks tagajärg: provintsiteatrite kunstilise taseme märkimisväärne tõus. Moskva ja Leningradi teatrite evakueerimine ja töö äärealadel puhus kohalikele teatritele uue elu sisse, aitas kaasa etenduskunstide lõimumisele ja loominguliste kogemuste vahetamisele.
Vene teater aastatel 1950–1980
Vene teatrikunsti kujunemisse andsid suure panuse paljud Leningradi näitlejad: I. Gorbatšov, N. Simonov, Ju Tolubejev, N. Tšerkasov, B. Freundlich, O. Lebzak, L. Štõkan, N. Burov jt (Teater. nime saanud Puškini järgi); D. Barkov, L. Djatškov, G. Žženov, A. Petrenko, A. Ravikovitš, A. Freundlich, M. Bojarski, S. Migitsko, I. Mazurkevitš jt (teater Lensovet); V. Jakovlev, R. Gromadski, E. Žiganšina, V. Tykke jt (Lenini Komsomoli Teater); T. Abrosimova, N. Bojarski, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsjanko, V. Osobik jt (Komissarževskaja teater); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin jt (Komöödiateater); L. Makarijev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Hotšinski, A. Šuranova, O. Volkova jt (Teater Noored vaatajad); N. Akimova, N. Lavrov, T. Šestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osiptšuk, P. Semak, I. Skljar jt (MDT, tuntud ka kui Euroopa Teater).
Moskva Draamateatri uksel Tagankal, 1977
Vene armee teater
VENEMAA ARMETEATER on esimene professionaalne draamateater kaitseministeeriumi süsteemis. Kuni 1946. aastani kandis see nime Punaarmee Teater, seejärel nimetati see ümber Nõukogude Armee Teatriks (hiljem Nõukogude Armee Akadeemiline Keskteater). Alates 1991. aastast – Vene Armee Akadeemiline Keskteater.
Vene armee teater
Aastatel 1930–1931 juhtis Punaarmee teatrit Yu.A. Siin lavastas ta ühe tollase Moskva tähelepanuväärseima etenduse. Mstislav Julge I. Prut. Teatri juures oli stuudio, selle lõpetajad liitusid trupiga. 1935. aastal asus teatrit juhtima A. D. Popov, kelle nime seostatakse Punaarmee teatri esilekerkimisega. Arhitekt K.S. Alabyan lõi väga erilise projekti teatrihoone– mundris viieharuline täht, kahe auditooriumiga ( Suur saal 1800 istekohale), avara lavaga, mida iseloomustas seninägematu sügavus ning palju ruume kohandatud töötubadeks, teatriteenusteks ja prooviruumideks. 1940. aastaks ehitati hoone valmis, kuni selle ajani esines teater Punaarmee Maja Punalipu saalis ja käis pikkadel ringreisidel.
VENEMAA ARMEE TEATER
Vene armee teater
NIKOLAI NIKOLAEVITŠ GUBENKO
VLADIMIR VÕSOTSKKI Hamletina
Vladimir Võssotski pühendas oma elu sellele teatrile
Poliitilise formatsiooni muutumine 1990. aastate alguses ja pikaajaline majanduslik hävinguperiood muutsid radikaalselt Vene teatri elu. Ideoloogilise kontrolli nõrgenemise (ja pärast – ja kaotamise) esimest perioodi saatis eufooria: nüüd saab lavastada ja publikule näidata mida iganes. Pärast teatrite tsentraliseerimise kaotamist hakati hulgaliselt organiseerima uusi kollektiive - stuudioteatreid, ettevõtteid jne. Uutes tingimustes jäid neist siiski ellu vähesed – selgus, et lisaks ideoloogilisele diktaadile kehtib ka vaatajate diktaat: avalikkus vaatab vaid seda, mida tahab. Ja kui teatri riikliku rahastamise tingimustes pole auditooriumi täitmine kuigi oluline, siis isemajandamise juures on täismaja saalis ellujäämise kõige olulisem tingimus.
Teater täna
Tänapäeva vene teatrit seostatakse esteetiliste suundade arvukuse ja mitmekesisuse poolest hõbeajastuga. Traditsiooniliste teatristiilide lavastajad eksisteerivad koos eksperimentalistidega. Koos tunnustatud meistrid– P. Fomenko, V. Fokin, O. Tabakov, R. Viktjuk, M. Levitin, L. Dodin, A. Kaljagin, G. Voltšek töötavad edukalt koos K. Ginkase, G. Janovskaja, G. Trostjanetski, I. Raikhelgauziga , K. Raikin, S. Artsibašev, S. Prohanov, S. Vragova, A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, aga ka nooremad ja radikaalsemad avangardistid: B. Jukhananov, A. Praudin, A. Moguchiy, V. Kramer, Klim et al.
Teater täna
Nõukogude järgsel perioodil muutusid dramaatiliselt teatrireformi kontuurid, mis liikusid peamiselt teatrikollektiivide rahastamise, kultuuri ja eelkõige teatrite riigipoolse toetuse valdkonda. Võimalik reform tekitab väga erinevaid arvamusi ja tuliseid vaidlusi. Selle reformi esimesteks sammudeks oli Venemaa valitsuse 2005. aasta määrus mitmete Moskva ja Peterburi teatrite ja õppeasutuste täiendava rahastamise kohta. Teatrireformi skeemi süsteemse väljatöötamiseni on aga veel pikk tee minna. Mis see saab, on veel ebaselge.
vene keel teatri loomingulisus tekkis ürgse kommunaalsüsteemi ajastul ning seostub suuremal määral kui maalikunst ja arhitektuur rahvakunstiga. Pinnas, millele selle esialgsed elemendid ilmusid, oli slaavlaste tootmistegevus, kes muutsid selle rahvapäraste rituaalide ja pühade käigus keerukaks dramaatilise kunsti süsteemiks.
Folklooriteatrit eksisteerib slaavi maades siiani. Pulmad, matused, põllumajanduspühad on keerulised rituaalid, mis kestavad mõnikord mitu päeva ja milles kasutatakse laialdaselt selliseid teatrielemente nagu dramaatiline tegevus, laulmine, tants, kostüümid, maastik (kosjasobitaja, pruudi riietamine, ringtantsud, rituaalid või meelelahutuslikud mängud jne). . Muistsed slaavlased peegeldasid ka maailma paganlusele iseloomulikku surnud looduse ülestõusmise püha.
Pärast ristiusu vastuvõtmist vähenes oluliselt rahvamängude roll ühiskonnaelus (kirik kiusas taga paganlust). Teatrilik rahvakunst elas sellegipoolest kuni 20. sajandini. Algul olid selle kandjad pätid. Rahvamängudel esitati populaarseid “mummemänge” ja “surnute” etendusi “õpitud karuga”. Rahvateater andis Petruška teater.
Lemmiknukuetendused Venemaal olid jõulusõime, hiljem raika (Ukraina) ning lõunas ja läänes batleykas (Valgevene). Need etendused esitati puidust kasti abil, mis oli jagatud ülemiseks ja alumiseks astmeks. Ülemisel korrusel mängiti sellel teemal tõsine osa etendusest piibli lugu Kristuse ja kuningas Heroodese sünnist. Alumisel korrusel näidati igapäevaseid koomilisi ja satiirilisi stseene, nagu Petruška teater. Järk-järgult vähenes jõulusõime tõsine osa ja teine osa kasvas, millele lisandusid uued koomilised stseenid 
ja jõulukast muutus kahetasandilisest ühetasandiliseks.
Kuni 17. sajandini oli teatraalsus Venemaal rahvarituaalide, kalendripühade ja lavastatud ümartantsude orgaaniline komponent. Selle elemendid kaasati jumalateenistusse ja just siin hakkas ilmaliku põhimõtte tugevnedes Vene ühiskonnas kujunema professionaalne teater.
Esialgu tekkisid liturgilised toimingud. Need on üsna keerukad teatrietendused, mida kasutatakse mõju suurendamiseks kiriklik jumalateenistus ning riigi- ja kirikuvõimude ühtsuse ülistamine. “Koopaakt” (kuningas Nebukadnetsari kristlaste veresauna taaslavastus) ja “eesli seljas ratsutamine” (Piibli loo taasesitus palmipuudepühal) on hästi tuntud.
17. sajandi õukonna- ja kooliteatrid aitasid kaasa teatri edasisele arengule Venemaal. Juba tsaar Aleksei Mihhailovitši ajal hakati õukonnapidustusi, vastuvõtte ja tseremooniaid kaunistama suure teatraalsusega – ilmekalt ja suurejooneliselt. Esimene Venemaa professionaalne teater, Comedy Temple, oli õukonnateater ja üks tsaari reguleeritud "lõbusatest etendustest". Seda juhtis 1662. aastal Moskva sakslaste asunduses asuva luterliku ohvitseride kiriku teoloogiamagister, pastor ja koolijuht I. Gregory. Hoone ise avati 1672. aastal Preobraženskoje külas etendusega “Artaxerxes’ Action”.
Kooliteatri tekkimist Venemaal seostatakse koolihariduse arenguga. IN Lääne-Euroopa see tekkis 12. sajandil humanistlikes koolides omamoodi pedagoogilise tehnikana ja täitis esialgu vaid kasvatuslikke eesmärke. Ta aitas õpilastel omandada erinevaid teadmisi mängu vormis: ladina keeles Ja piibli lood, luule ja oratoorium. 16. sajandil hakati kooliteatri vaimse mõju võimalusi kasutama religioossetel ja poliitilistel eesmärkidel: Luther võitluses katoliiklastega, jesuiidid - luterluse ja õigeusu vastu. Venemaal kool 
teatrit kasutas õigeusk võitluses roomakatoliku mõju vastu. Selle tekkele aitas kaasa Kiievi-Mohyla Akadeemia lõpetanud munk, haritud inimene, poliitik, pedagoog ja luuletaja Simeon Polotskist. Aastal 1664 tuli ta Moskvasse ja temast sai õukonnas kuninglike laste õpetaja. Tema teoste kogumikus “Rhythmologion” avaldati kaks näidendit - “Komöödia kuningas Novhudonosorist, kuldsest kehast ja kolmest noormehest, keda ei põletatud koopas” ning komöödia “Tähendamislugu kadunud pojast”.
S. Polotski näidendid on oma olemuselt mõeldud õukonnateatrile. Oma teenete poolest seisavad nad kõrgemal tolleaegsetest koolinäidenditest ja näevad ette 18. sajandi teatri arengut. Seega oli “komöödiatempli” toimimine ja S. Polotski esimeste professionaalsete dramaatiliste teoste ilmumine Venemaal ajalooliselt vajaliku ja loomuliku maailma teatrikultuuri saavutuste valdamise protsessi algus.
Polotski Siimeon polnud mitte ainult andekas luuletaja ja näitekirjanik. Maailmas kunstikultuur ta mängis olulist rolli suurima slaavi kunstiteoreetikuna probleeme arvestades kunstiline loovus- kirjandus, muusika, maalikunst. Teoloogina märkis ta, et kunst esindab kõrgeimat vaimset loovust. Ta hõlmas luulet, muusikat ja maali.
Huvitavad on S. Polotski esteetilised ja harivad vaated kunstile. Munk väitis, et ilukunstil "on inimestele vaimne ja vaimne kasu". Tema mõttekäigu järgi pole luulet, maali, muusikat ilma harmoonia, proportsiooni ja rütmita. Ilma kunstita pole haridust, sest selle mõju kaudu inimeste hinge surutakse maha negatiivsed emotsioonid positiivseid tundeid. Läbi muusika ja sõnade ilu saavad rahulolematud kannatlikud, laisad töötegijad, rumalad targaks, räpased südamelt puhtaks.
S. Polotski lõi esimese kaunite kunstide klassifikatsiooni slaavi piirkonnas, tõstes maalikunsti seitsmeni. vabad kunstid. Sama kehtib ka muusika kohta. Ta põhjendas seda esteetiline väärtus ja tõestas kirikule polüfoonilise laulu vajalikkust harmoonilises häältekombinatsioonis. Muusika moodi-tonaalset mitmekesisust, märkis S. Polotski, dikteerib selle hariv funktsioon.
blog.site, materjali täielikul või osalisel kopeerimisel on vaja linki algallikale.