Silmapaistev vene helilooja Sergei Prokofjev on tänu temale tuntud kogu maailmas uuenduslikud teosed. Ilma temata on raske ette kujutada 20. sajandi muusikat, millesse ta jättis märkimisväärse jälje: 11 sümfooniat, 7 ooperit, 7 balletti, palju kontserte ja erinevaid instrumentaalteoseid. Kuid isegi kui ta oleks kirjutanud ainult balleti “Romeo ja Julia”, oleks see juba igaveseks maailmamuusika ajalukku kantud.

Teekonna algus

Tulevane helilooja sündis 11. aprillil 1891. aastal. Tema ema oli pianist ja julgustas Sergei loomulikku kalduvust muusikasse juba varasest lapsepõlvest peale. Juba 6-aastaselt hakkas ta komponeerima terveid tsükleid klaveripalad, mu ema pani ta kompositsioonid kirja. Üheksa-aastaselt oli tal juba palju oma nime all väikesed tööd ja kaks tervet ooperit: "Hiiglane" ja "Tühjadel saartel". Ema õpetas teda klaverit mängima alates viiendast eluaastast ja alates 10. eluaastast võttis ta regulaarselt eratunde helilooja R. Gliere'i juures.

Aastaid õpinguid

13-aastaselt astus ta konservatooriumi, kus õppis oma aja silmapaistvate muusikute juures: N.A. Rimski-Korsakov, A. Ljadov, N. Tšerepnin. Seal tekkisid tal sõbralikud suhted N. Myaskovskiga. 1909. aastal lõpetas ta konservatooriumi heliloojana, seejärel pühendas veel viis aastat pianismikunsti valdamisele. Seejärel õppis ta veel 3 aastat orelimängu. Eriliste akadeemiliste saavutuste eest autasustati teda kuldmedali ja temanimelise preemiaga. Alates 18. eluaastast tegutses ta juba aktiivselt kontserdil, esinedes nii solisti kui ka omaloomingu esitajana.

Varajane Prokofjev

Juba Prokofjevi varased teosed tekitasid palju poleemikat, need võeti kas kogu südamest vastu või kritiseeriti ägedalt. Oma esimestest sammudest muusikas kuulutas ta end uuendajaks. Teatri atmosfäär ja muusika dramatiseering olid talle lähedased ning inimesena armastas Prokofjev väga helgust ja armastas endale tähelepanu tõmmata. 1910. aastatel kutsuti teda lausa muusikaliseks futuristiks, kuna ta armastas ennekuulmatut ja iha hävitada. klassikalised kaanonid. Kuigi heliloojat ei saanud nimetada hävitajaks. Ta neelas orgaaniliselt klassikalisi traditsioone, kuid otsis pidevalt uusi väljendusvorme. Tema omas varased tööd Tema loomingul on ka teine eripära - lüürika. Tema muusikat iseloomustab ka tohutu energia ja optimism, eriti esimestes heliloomingutes on tunda seda lõputut elurõõmu ja emotsioonide möllu. Nende eripärade kombinatsioon muutis Prokofjevi muusika säravaks ja ebatavaliseks. Iga tema kontsert muutus ekstravagantseks. Prokofjevi algusest erilist tähelepanu väärivad klaveritsüklit “Sarkasmid”, “Toccata”, “Obsession”, klaverisonaat nr 2, kaks kontserti klaverile ja orkestrile, sümfoonia nr 1. 20ndate lõpus kohtus ta Diaghileviga ja hakkas talle ballette kirjutama, esimene kogemus - "Ala ja Lolli" lükkas impressaario tagasi, ta soovitas Prokofjevil "kirjutada vene keeles" ja see nõuanne sai kõige olulisemaks pöördeks. punkt helilooja elus.

Väljaränne

Pärast konservatooriumi lõpetamist sõidab Sergei Prokofjev Euroopasse. Külastab Londonit, Roomat, Napolit. Ta tunneb, et tal on vanas raamistikus kitsas. Rahulikud revolutsioonilised ajad, vaesus ja üldine mure igapäevaprobleemidega Venemaal, arusaam, et tema muusikat pole täna kodumaal kellelegi vaja, viivad helilooja väljarände mõtteni. 1918. aastal läks ta Tokyosse, sealt siirdus USA-sse. Pärast kolm aastat Ameerikas elamist, kus ta töötas ja tuuritas palju, kolis ta Euroopasse. Siin ta mitte ainult ei tööta, vaid käib isegi kolm korda ringreisil NSV Liidus, kus teda ei peeta emigrantiks, eeldati, et Prokofjev on pikal välislähetusel, kuid jääb Nõukogude kodanikuks. Ta täidab mitmeid tellimusi Nõukogude valitsus: sviidid “Leitnant Kizhi”, “Egiptuse ööd”. Välismaal teeb ta koostööd Diaghileviga, saab Rahmaninoviga lähedaseks ja suhtleb Pablo Picassoga. Seal abiellus ta hispaanlanna Lina Codinaga, kellega neil sündis kaks poega. Sel perioodil lõi Prokofjev palju küpseid, originaalteosed, kes selle koostas maailmakuulsus. Selliste teoste hulka kuuluvad: balletid "Jester", " Kadunud poeg" ja "Mängur", 2, 3 ja 4 sümfooniat, kaks säravat klaverikontserti, ooper "Armastus kolme apelsini vastu". Selleks ajaks oli Prokofjevi anne küpsenud ja saanud muusika eeskujuks. uus ajastu: muusiku terav, intensiivne, avangardne komponeerimisstiil muutis tema kompositsioonid unustamatuks.

Tagasi

30ndate alguses muutus Prokofjevi loovus mõõdukamaks, ta koges tugevat nostalgiat ja hakkas mõtlema naasmisele. 1933. aastal tuli ta koos perega NSV Liitu alaliselt elama. Seejärel saaks ta välismaale reisida vaid kaks korda. Aga tema loominguline elu sel perioodil iseloomustab seda kõrgeim intensiivsus. Praeguseks küpseks saanud meistri Prokofjevi teosed muutuvad selgelt venepäraseks ning rahvuslikke motiive kõlab neis üha enam. See annab tema originaalmuusikale suurema sügavuse ja iseloomu.

40. aastate lõpus kritiseeriti Prokofjevit “formalismi pärast” tema ebastandardne ooper “Tõelise mehe lugu” ei sobinud nõukogude muusikakaanonitesse. Helilooja oli sel perioodil haige, kuid jätkas intensiivset tööd, elades peaaegu pidevalt maal. Ta väldib kõiki ametlikke üritusi ja muusikaline bürokraatia jätab ta unustusse, tema olemasolu on peaaegu märkamatu Nõukogude kultuur sellest ajast. Ja samal ajal jätkab helilooja kõvasti tööd, kirjutades ooperi “Jutt kivi lill", oratoorium "Maailma valvur", klaveriteosed. Aastal 1952 aastal kontserdisaal Tema 7. sümfoonia kõlas Moskvas, see oli viimane teos, mida autor lavalt kuulis. 1953. aastal, samal päeval kui Stalin, Prokofjev suri. Tema surm jäi riigile peaaegu märkamatuks; ta maeti vaikselt Novodevitši kalmistule.

Prokofjevi muusikastiil

Helilooja proovis end kõigis neis, ta püüdis leida uusi vorme, eksperimenteerides palju, eriti oma algusaastatel. Prokofjevi ooperid olid oma aja kohta nii uuenduslikud, et esietenduse päevadel lahkusid vaatajad saalist massiliselt. Esmakordselt lubas ta loobuda poeetilisest libretost ja luua muusikalist loomingut näiteks teoste "Sõda ja rahu" põhjal. Juba tema esimene teos “Pidu katku ajal” sai eeskujuks julgest lähenemisest traditsioonilistele muusikatehnikatele ja vormidele. Ta kombineeris julgelt ettelugemise võtteid muusikalised rütmid, luues uue ooperiheli. Tema balletid olid nii originaalsed, et koreograafid uskusid, et sellise muusika järgi on võimatu tantsida. Kuid järk-järgult nägid nad, et helilooja püüdis tegelase välist iseloomu sügava psühholoogilise tõepäraga edasi anda ja hakkas lavale palju tema ballette. Oluline omadus küps Prokofjev sai kasutusele rahvusliku muusikalised traditsioonid, mida omal ajal kuulutasid välja M. Glinka ja M. Mussorgski. Iseloomulik omadus Tema kompositsioonid said tohutu energia ja uue rütmi: teravad ja väljendusrikkad.

Ooperipärand

Juba varases nooruses pöördus Sergei Prokofjev sellise keerulise muusikalise vormi poole nagu ooper. Noorena hakkas ta tegelema klassikaliste ooperi süžeedega: “Ondine” (1905), “Pidu katku ajal” (1908), “Maddalena” (1911). Nendes katsetab helilooja julgelt inimhääle võimaluste ärakasutamisega. 30. aastate lõpus oli ooperižanris terav kriis. Suured kunstnikud selles žanris enam ei tööta, nägemata selles ekspressiivseid võimalusi, mis võimaldaksid väljendada uusi modernistlikke ideid. Prokofjevi ooperid said klassikale julgeks väljakutseks. Tema kuulsaimad teosed: “Mängur”, “Armastus kolme apelsini vastu”, “ Tule ingel", "Sõda ja rahu", on tänapäeval 20. sajandi kõige väärtuslikum muusikapärand. Kaasaegsed kuulajad ja kriitikud mõistavad nende teoste väärtust, tunnetavad nende sügavat meloodiat, rütmi ja erilist lähenemist tegelaste loomisele.

Prokofjevi balletid

Heliloojal oli lapsepõlvest saati kirg teatri vastu, ta tõi paljudes oma teostes sisse dramaatilisi elemente, nii et balletivormi poole pöördumine oli üsna loogiline. Temaga tutvumine ajendas muusikut kirjutama balletti "Jutt naljamehest, kes pettis seitse naljameest" (1921). Teos lavastati Djagilevi ettevõttes, nagu ka järgmised teosed: "Terashüpe" (1927) ja "Kadunud poeg" (1929). Nii ilmub maailma uus silmapaistev balleti helilooja- Prokofjev. Tema loomingu tipuks sai ballett “Romeo ja Julia” (1938). Täna mängitakse seda esseed tervikuna parimad teatrid rahu. Hiljem loob ta veel ühe meistriteose – balleti Tuhkatriinu. Prokofjev suutis nendes oma parimates teostes realiseerida oma varjatud lüürilisuse ja meloodia.

"Romeo ja Julia"

1935. aastal pöördus helilooja Shakespeare'i klassikalise süžee poole. Kaks aastat on ta kirjutanud uut tüüpi esseed ja isegi sellises materjalis ilmutab end uuendaja Prokofjev. Ballett “Romeo ja Julia” on koreograafiline draama, milles helilooja kaldub kõrvale väljakujunenud kaanonitest. Esiteks otsustas ta, et lool on õnnelik lõpp, mis ei olnud sellega kuidagi kooskõlas kirjanduslik allikas. Teiseks otsustas ta keskenduda mitte tantsu algusele, vaid kujundite kujunemise psühholoogiale. Selline lähenemine oli koreograafide ja esinejate jaoks väga harjumatu, mistõttu balleti tee lavale kestis viis pikka aastat.

"Tuhkatriinu"

Prokofjev kirjutas balleti “Tuhkatriinu” 5 aasta jooksul - tema kõige lüürilisema teose. 1944. aastal sai teos valmis ja aasta hiljem lavastati see Suures Teatris. Seda teost eristab kujundite peen psühholoogiline olemus, muusikat iseloomustab siirus ja kompleksne mitmekülgsus. Kangelanna kuvand avaldub sügavate kogemuste ja keeruliste tunnete kaudu. Helilooja sarkasm ilmnes õukondlaste, kasuema ja tema tütarde kujundite loomisel. Neoklassikaline stilisatsioon negatiivsed tegelased sai kompositsiooni täiendavaks ilmekaks tunnuseks.

Sümfooniad

Kokku kirjutas helilooja oma elu jooksul seitse sümfooniat. Sergei Prokofjev ise tuvastas oma töös neli põhijoont. Esimene on klassikaline, mis on seotud traditsiooniliste põhimõtete mõistmisega muusikaline mõtlemine. Just seda liini esindab Sümfoonia nr 1 D-duur, mida autor ise nimetas "klassikaliseks". Teine rida on uuenduslik, seotud helilooja eksperimentidega. 2. sümfoonia kuulub sellesse 3. ja 4. sümfooniaga teatri loomingulisust. 5 ja 6 tekkisid helilooja sõjakogemuste tulemusena. Seitsmes sümfoonia algas mõtisklustega elu üle, sooviga lihtsuse järele.

Instrumentaalmuusika

Helilooja pärand sisaldab rohkem kui kümmet sonaati, palju näidendeid, oopuseid ja etüüde. Prokofjevi loovuse kolmas liin on lüüriline, esindatud peamiselt instrumentaalteosed. Nende hulka kuuluvad esimene viiulikontsert, näidendid “Unistused”, “Legendid”, “Vanaema jutud”. Tema loomingulises pärandis on uuenduslik sonaat sooloviiulile D-duur, mis on kirjutatud 1947. aastal. Esseed erinevad perioodid peegeldavad autori loomemeetodi arengut: teravast uuenduslikkusest lüürilisuse ja lihtsuseni. Tema flöödisonaat nr 2 on täna klassikaline töö paljudele esinejatele. Seda eristab meloodiline harmoonia, vaimsus ja pehme tuulerütm.

Klaver moodustas tohutu osa tema pärandist ja nende eripärane stiil muutis tema teosed ülimalt populaarseks pianistide seas üle kogu maailma.

Muud tööd

Oma loomingus pöördus helilooja ka suurimate muusikaliste vormide poole: kantaatid ja oratooriumid. Tema esimene kantaat “Neist seitse” kirjutas ta 1917. aastal K. Balmonti luuletuste järgi ja sellest sai silmatorkav eksperiment. Hiljem kirjutas ta veel 8 suuremat teost, sealhulgas kantaadi "Meie päevade laulud" ja oratooriumi "Maailma valvur". lastele on tema töös eriline peatükk. 1935. aastal kutsus Natalja Sats ta oma teatri jaoks midagi kirjutama. Prokofjev vastas sellele ideele huviga ja lõi kuulsa sümfoonilise muinasjutu “Peeter ja hunt”, millest sai autori ebatavaline eksperiment. Teine lehekülg helilooja eluloos on Prokofjevi muusika kinole. Tema filmograafia koosneb 8 filmist, millest igaühest on saanud tõsine sümfooniline teos.

Pärast 1948. aastat ei olnud helilooja selle perioodi teosed kuigi edukad, kui mõned üksikud välja arvata. Helilooja loomingut tunnustatakse tänapäeval kui klassikat, seda uuritakse ja esitatakse palju.

Väljaanded jaotises Muusika

7 Prokofjevi tööd

Sergei Prokofjev on helilooja, pianist ja dirigent, ooperite, ballettide, sümfooniate ja paljude teiste teoste autor, mis on meie ajal tuntud ja populaarne kogu maailmas. Lugege lugusid Prokofjevi seitsmest olulisest teosest ja kuulake Melodiya muusikalisi illustratsioone.

Ooper "The Giant" (1900)

Tulevase vene muusika klassiku Sergei Prokofjevi muusikalised võimed ilmnesid varases lapsepõlves, kui ta viie ja poole aastaselt komponeeris oma esimese klaveriteose - “India galopi”. Selle kirjutas nootidega üles noore helilooja ema Maria Grigorjevna ja Prokofjev salvestas kõik tema järgnevad kompositsioonid üksinda.

1900. aasta kevadel komponeeris 9-aastane Prokofjev oma esimese ooperi "Higant", inspireerituna Pjotr Tšaikovski balletist "Uinuv kaunitar", aga ka Charles Gounod' ooperitest "Faust" ja Aleksandr Borodini "Vürst Igor".

Hoolimata asjaolust, et nagu Prokofjev ise meenutas, ei pidanud tema “üleskirjutamisoskus” “tema mõtetega sammu”, näitas see commedia dell’arte’i žanris naiivne lastekompositsioon juba tulevase professionaali tõsist lähenemist oma tööle. Ooperil oli ootuspäraselt avamäng. Ühes stseenis kasutas Prokofjev isegi muusikalist ja lavalist polüfooniat – kui peategelased arutavad Hiiglase vastu võitlemise plaani, läheb Hiiglane ise mööda ja laulab: "Nad tahavad mind tappa".

Kuulus helilooja ja konservatooriumiprofessor Sergei Tanejev, olles kuulnud katkendeid filmist "Hiiglane", soovitas noormehel muusikaga tõsiselt tegeleda. Ja Prokofjev ise arvas ooperi uhkusega oma teoste esimesse nimekirja, mille ta koostas 11-aastaselt.

Ooper "Giant"
Dirigent - Mihhail Leontjev
Orkestriversiooni restaureerimise autor on Sergei Sapožnikov
Esietendus Mihhailovski teatris 23. mail 2010

Esimene klaverikontsert (1911–1912)

Nagu paljud noored autorid, in varajane periood Sergei Prokofjev ei leidnud oma loomingule kriitikute armastust ega toetust. 1916. aastal kirjutasid ajalehed: "Prokofjev istub klaveri taha ja hakkab klahve pühkima või proovima, millised kõlavad kõrgemalt või madalamalt.". Ja Prokofjevi “Sküütide süidi” esmaettekande kohta, mille autor ise juhatas, rääkisid kriitikud järgmiselt: "Lihtsalt uskumatu, et niisugust tähenduseta teost saab esitada tõsisel kontserdil... Need on mingid jultunud, jultunud helid, mis ei väljenda muud kui lõputut praalimist.".

Prokofjevi esinemistalendis ei kahelnud aga keegi: selleks ajaks oli ta end tõestanud virtuoosse pianistina. Prokofjevi esituses aga peamiselt enda kompositsioonid, mille hulgas jäi kuulajatele eriti meelde Esimene kontsert klaverile ja orkestrile, mis tänu oma energilisele “löökiv” karakterile ja esimese osa eredale meeldejäävale motiivile sai mitteametliku hüüdnime “Pea peal!”

Kontsert nr 1 klaverile ja orkestrile D-duur op. 10 (1911–1912)
Vladimir Krainev, klaver
MFF Akadeemiline Sümfooniaorkester
Dirigent - Dmitri Kitajenko
1976. aasta salvestus
Helirežissöör - Severin Pazukhin

1. sümfoonia (1916–1917)

Igor Grabar. Sergei Prokofjevi portree. 1941. Riik Tretjakovi galerii, Moskva

Zinaida Serebryakova. Sergei Prokofjevi portree. 1926. Riik keskmuuseum teatrikunstid neid. Bakhrushina, Moskva

Konservatiivseid kriitikuid trotsides, soovides, nagu ta ise kirjutas, “hane õrritada”, kirjutas 25-aastane Prokofjev samal 1916. aastal stiililt täiesti vastupidise oopuse – Esimese sümfoonia. Prokofjev andis sellele autori alapealkirja "Klassika".

Tagasihoidlik Haydni tüüpi ja klassikaline orkester muusikalised vormid Nad vihjasid, et kui “isa Haydn” oleks elanud nende päevadeni, oleks ta võinud kirjutada sellise sümfoonia, maitsestades seda julgete meloodiakäikude ja värskete harmooniatega. Sada aastat tagasi "kõigile vaatamata" loodud Prokofjevi esimene sümfoonia kõlab endiselt värskelt ja kuulub repertuaari. parimad orkestrid maailmas ja “Gavotte”, selle kolmas osa, sai üheks populaarsemaks klassikalised näidendid XX sajand.

Prokofjev lisas selle gavoti hiljem oma balletti Romeo ja Julia vahenumbrina. Heliloojal oli ka salajane lootus (ta ise tunnistas seda hiljem), et ta väljub vastasseisust kriitikutega lõpuks võitjana, eriti kui aja jooksul sai Esimesest sümfooniast tegelikult klassika. Mis täpselt juhtuski.

Sümfoonia nr 1 “Klassika”, D-duur op. 25

Dirigent - Jevgeni Svetlanov
1977. aasta salvestus

I. Allegro

III. Gavotte. Non troppo allegro

Muinasjutt "Peeter ja hunt" (1936)

Oma päevade lõpuni säilitas Prokofjev oma maailmavaate spontaansuse. Olles osalt hingelt laps, tundis ta hästi lapse sisemaailma ja kirjutas korduvalt lastele muusikat: muinasjutust “ Kole pardipoeg"(1914) Hans Christian Anderseni muinasjutu tekstil enne süiti "Talvetuli" (1949), mis on loodud tema viimastel eluaastatel.

Prokofjevi esimene kompositsioon pärast 1936. aastal pikalt emigratsioonilt Venemaale naasmist oli sümfooniline muinasjutt lastele "Peeter ja hunt", mille tellis Natalia Sats Kesklinna Lasteteatrile. Noored kuulajad armusid muinasjuttu ja jäid selle meelde tänu tegelaste elavatele muusikalistele portreedele, kes on siiani tuttavad paljudele koolilastele mitte ainult Venemaal, vaid ka välismaal. Lastele täidab “Peeter ja hunt” harivat funktsiooni: muinasjutt on omamoodi teejuht sümfooniaorkestri pillide juurde. Selle teosega ootas Prokofjev ligi kümme aastat hiljem kirjutatud noorte sümfooniaorkestri juhendit (Variatsioonid ja fuuga Purcelli teemal), mille kontseptsioonilt sarnanes inglise helilooja Benjamin Britten.

"Peeter ja hunt", sümfooniline muinasjutt lastele op. 67
NSV Liidu Riiklik Akadeemiline Sümfooniaorkester
Dirigent - Jevgeni Svetlanov
1970. aasta salvestus

Ballett "Romeo ja Julia" (1935–1936)

20. sajandi tunnustatud meistriteos, millest paljud on rahvusvaheliste klassikalise muusika edetabelite esikohal, Sergei Prokofjevi ballett Romeo ja Julia, oli raske saatus. Kaks nädalat enne kavandatud esietendust otsustas Kirovi teatri loomingulise meeskonna üldkoosolek etenduse ära jätta, et vältida, nagu kõik uskusid, täielikku läbikukkumist. Võib-olla ajendas selliseid tundeid osaliselt 1936. aasta jaanuaris ajalehes Pravda ilmunud artikkel “Muusika asemel segadus”, mis kritiseeris karmilt Dmitri Šostakovitši teatrimuusikat. Nii teatrirahvas kui ka Prokofjev ise tajusid artiklit rünnakuna kaasaegne kunstüldiselt ja otsustas, nagu öeldakse, mitte hätta sattuda. Sel ajal sisse teatrikeskkond isegi levinud julm nali: "Maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis!"

Selle tulemusena toimus Romeo ja Julia esilinastus alles kaks aastat hiljem aastal Rahvusteater Brno linn Tšehhoslovakkias. Kuid kodumaine avalikkus nägi lavastust alles 1940. aastal, kui ballett lõpuks Kirovi teatris lavale jõudis. Ja hoolimata valitsuse järjekordsest rünnakust niinimetatud "formalismi" vastu, pälvis Sergei Prokofjevi ballett "Romeo ja Julia" isegi Stalini preemia.

"Romeo ja Julia", ballett neljas vaatuses (9 vaatust), op. 64
NSV Liidu Riikliku Akadeemilise Suure Teatri sümfooniaorkester
Dirigent - Gennadi Roždestvenski
1959. aasta salvestus
Helirežissöör - Alexander Grossman

I vaatus. Esimene stseen. 3. Tänav ärkab

I vaatus. Teine stseen. 13. Rüütlite tants

I vaatus. Teine stseen. 15. Mercutio

Kantaat oktoobri 20. aastapäevaks (1936–1937)

1936. aastal naasis Sergei Prokofjev, esimese revolutsioonijärgse laine emigrant, küps, edukas ja nõutud helilooja ja pianist. Nõukogude Venemaa. Talle avaldasid suurt muljet muutused riigis, mis olid muutunud täiesti teistsuguseks. Uute reeglite järgi mängimine nõudis ka mõningaid kohandusi loovuses. Ja Prokofjev lõi hulga esmapilgul avalikult “viisakas” laadi teoseid: kantaat oktoobri 20. aastapäevaks (1937), mis on kirjutatud marksismi-leninismi klassikute tekstidele, kantaat “Zdravitsa”, komponeeritud Stalini 60. aastapäevaks (1939) ja 30. aastapäevale pühendatud kantaat “Õitsege, vägev maa”. Oktoobrirevolutsioon(1947). Tõsi, arvestades Prokofjevi omapärast huumorimeelt, mis aeg-ajalt avaldus temas muusikaline keel, siiani muusikakriitikud ei oska anda kindlat vastust küsimusele, kas helilooja kirjutas need teosed siiralt ja tõsiselt või teatud irooniaga. Näiteks kantaadi “Oktoobri 20. aastapäevaks” ühes osas, mis kannab nime “Kriis on möödas”, laulavad sopranid (õigemini, siplevad) kõrgeimas registris: “Kriis on möödas! ”, kahanevalt pooltoonides. See pingelise teema kõla tundub koomiline - ja selliseid mitmetähenduslikke otsuseid leidub Prokofjevi “nõukogude-meelsetes” teostes igal sammul.

Kantaat oktoobri 20. juubeliks kahele segakoorid, sümfoonia- ja sõjaväeorkestrid, akordionide ja mürapillide orkester op. 74 (lühendatud versioon)

Riigikoor
Kunstiline juht - Aleksander Jurlov
Moskva Filharmoonia sümfooniaorkester
Dirigent - Kirill Kondrašin
1967. aasta salvestus
Helirežissöör - David Gaklin

Karl Marxi ja Vladimir Lenini tekstid:

Sissejuhatus. Euroopat kummitab kummitus, kommunismi tont

Filosoofid

revolutsioon

Muusika filmile "Aleksander Nevski" (1938)

Kahekümnenda sajandi esimese poole heliloojad pidid esimest korda palju ära tegema ja nende loodud uue kunsti näiteid peetakse praegu õpikuteks. See kehtib täielikult filmimuusika kohta. Vaid seitse aastat pärast esimese nõukogude helifilmi (The Road to Life, 1931) ilmumist liitus Sergei Prokofjev kinotegelaste ridadega. Tema filmimuusika žanri teoste hulgast paistab silma mastaapne sümfooniline partituur, mis on kirjutatud Sergei Eisensteini filmile “Aleksandr Nevski” (1938), mis on hiljem samanimeliseks kantaadiks ümber töötatud (1939). Paljud Prokofjevi sellesse muusikasse paigutatud kujundid (leinav stseen "surnud põllust", ristisõdijate hingetu ja mehaaniliselt kõlav rünnak, vene ratsaväe rõõmus vasturünnak) on tänapäevani stiililise pidepunkti. filmiheliloojad üle maailma.

“Aleksander Nevski”, kantaat metsosopranile, koorile ja orkestrile (Vladimir Lugovski ja Sergei Prokofjevi sõnadele), op. 78

Larisa Avdeeva, metsosopran (Surnute väli)
A. A. Jurlovi nimeline Venemaa Riiklik Akadeemiline Koor
Koorijuht - Aleksander Jurlov
NSV Liidu Riiklik Akadeemiline Sümfooniaorkester
Dirigent - Jevgeni Svetlanov
1966. aasta salvestus
Helirežissöör - Alexander Grossman

Laul Aleksander Nevskist

Jäälahing

Surnute väli

Sergei Prokofjev on silmapaistev vene helilooja ja ainulaadse saatusega inimene. Hämmastavate võimetega mees, kes astus Peterburi konservatooriumi vaid 13-aastaselt. Mees, kes läks pärast revolutsiooni välismaale, kuid naasis NSV Liitu - au ja ilma “ülejooksiku” häbimärgistamiseta. Vankumatu sihikindlusega inimene, keda eluraskused ei murdnud. Ta oli võimude poolt soositud, sai kõrgeimad riiklikud autasud ning vajus siis eluajal unustusse ja häbisse. Mees, keda kutsutakse kahekümnenda sajandi "ainsaks geeniuseks" ja kelle hämmastavad teosed rõõmustavad kuulajaid üle kogu maailma.

Lühike elulugu Sergei Prokofjev ja paljud huvitavaid fakte Lugege helilooja kohta meie lehelt.

Prokofjevi lühike elulugu

Sergei Sergejevitš Prokofjev on pärit Ukraina Sontsovka külast. Tema sünnikuupäeva kohta on erinevaid versioone, kuid soovitatav on märkida see, mille ta ise oma "Autobiograafias" märkis - 11 (23) aprill 1891. Tundub, et ta oli juba sündinud heliloojaks, sest tänu suurepäraselt klaverit mänginud emale Maria Grigorjevnale oli Prokofjevite maja muusikat täis. Huvi pilli vastu ajendas väikest Seryozhat mängima õppima. Alates 1902. aastast hakkas Sergei Prokofjev muusikat õpetama R.M. Gliere.

Prokofjev sai Moskva konservatooriumi õpilaseks 1904. aastal. Viis aastat hiljem lõpetas ta kompositsiooniosakonna ja veel viie pärast klaveriosakonna, saades parimaks lõpetajaks. Ta alustas kontsertide andmist 1908. aastal. Debüüti hindasid kriitikud ülimalt soodsalt ning äramärkimist pälvis nii tema esinemisanne kui ka helilooja originaalsus. Alates 1911. aastast on tema teostest välja antud noote. Noore Prokofjevi saatuse pöördepunkt oli tema tutvumine S.P. Diaghilev aastal 1914. Tänu ettevõtja ja helilooja liidule sündis neli balletti. 1915. aastal korraldas Djagilev Prokofjevi esimese välisesinemise tema heliloomingutest koosneva kavaga.

Prokofjev tajus revolutsiooni kui hävitamist, "veresauna ja mängu". Seetõttu läksin järgmisel aastal Tokyosse ja sealt New Yorki. Ta elas pikka aega Prantsusmaal, tuuritades pianistina vanas ja uues maailmas. 1923. aastal abiellus ta Hispaania laulja Lina Codinaga ja neil sündis kaks poega. aastal etendustele tulemas Nõukogude Liit, näeb Prokofjev võimude erakordselt südamlikku, isegi luksuslikku vastuvõttu, avalikkuse ees grandioosset edu, mida ta polnud välismaal kunagi näinud, ning saab ka pakkumise tagasi pöörduda ja lubaduse saada "esimese helilooja" staatus. Ja 1936. aastal kolis Prokofjev koos pere ja varaga Moskvasse. Võimud teda ei petnud – luksuslik korter, hästi koolitatud teenijad, tellimusi tulvab justkui küllusesarvest. 1941. aastal lahkus Prokofjev oma perekonnast Mira Mendelsohni juurde.

1948. aasta algas ootamatute dramaatiliste sündmustega. Prokofjevi nimi mainiti partei resolutsioonis “V. Muradeli ooperist “Suur sõprus”. Helilooja liigitati "formalistiks". Selle tulemusena keelati mõned tema teosed, eriti Kuues sümfoonia, samas kui teisi ei esitatud peaaegu kunagi. Kuid juba 1949. aastal tühistati need piirangud Stalini isiklikul korraldusel. Selgus, et isegi riigi “esimene helilooja” ei kuulu puutumatusse kasti. Vähem kui kümme päeva pärast laastava dekreedi avaldamist arreteeriti helilooja esimene naine Lina Ivanovna. Ta mõisteti 20 aastaks laagrisse spionaaži ja riigireetmise eest. Ta vabastati alles 1956. aastal. Prokofjevi tervis halvenes märgatavalt, arstid soovitasid tal vaevalt töötada. Sellest hoolimata osales ta 1952. aastal isiklikult oma Seitsmenda sümfoonia esmaettekandel ja kirjutas muusikat isegi oma viimasel elupäeval. 5. märtsi õhtul 1953 jäi Sergei Prokofjevi süda seisma...

Prokofjev - helilooja

Prokofjevi eluloost teame, et viieaastaselt mõtles Serjoža välja ja mängis klaveril oma esimese pala (noodid salvestas Maria Grigorjevna). Olles külastanud Moskva lavastusi 1900. Faust"Ja" Uinuv kaunitar“, oli laps kuuldust nii inspireeritud, et vaid kuus kuud hiljem sündis tema esimene ooper „Hiiglane“. Konservatooriumi astudes oli mul kogunenud mitu esseede kausta.

Tema esimese suure ooperi idee, mis põhineb F.M. Dostojevski" Mängija", mille noorpõlves otsustas Prokofjev ooperilavale üle kanda, arutas helilooja eelkõige S. Djagileviga. Keda aga idee ei huvitanud. Erinevalt Mariinski teatri peadirigendist A. Coatesist, kes teda toetas. Ooper valmis 1916. aastal, rollid jagati, algasid proovid, kuid õnnetu takistuste jada tõttu ei toimunud esietendust. Mõne aja pärast tegi Prokofjev ooperist teise väljaande, kuid Bolshoi Teater tõi selle lavale alles 1974. aastal. Helilooja eluajal lavastas Brüsseli La Monnaie teater 1929. aastal vaid teise väljaande, kus ooper esitati prantsuse keeles. Viimane töö, kirjutatud ja ette kantud revolutsioonieelses Peterburis, oli esimene sümfoonia. Välismaal elamise ajal loodi: ooperid " Armastus kolme apelsini vastu" ja "Tuleingel", kolm sümfooniat, palju sonaate ja näidendeid, muusika filmile "Leitnant Kizhe", kontserdid tšellod, klaver, viiulid orkestriga.

Naasmine NSV Liitu on Prokofjevi kiire loomingulise tõusu aeg, mil teosed, millest sai tema " visiitkaart» ka neile, kes on klassikalise muusikaga vähe kursis – ballett "Romeo ja Julia" ja sümfooniline muinasjutt “Peeter ja hunt”. 1940. aastal sai oma nime saanud ooperimaja. K.S. Stanislavski esietendab Semjon Kotkot. Samal ajal lõpetati töö ooperi “Kihlus kloostris” kallal, mille libreto kaasautor oli M. Mendelssohn.

1938. aastal ilmus S. Eisensteini film “Aleksandr Nevski”, mis mõne aasta pärast oli määratud saama natside sissetungijate vastase võitluse sümboliks. Selle filmi muusika, nagu ka režissööri teise monumentaalfilmi “Ivan Julm”, kirjutas Sergei Prokofjev. Sõja-aastaid iseloomustas evakueerimine Kaukaasiasse, samuti töö kolme suure teose kallal: viies sümfoonia, ballett. "Tuhkatriinu", ooper" Sõda ja rahu" Selle ooperi ja helilooja järgnevate teoste libreto autor oli tema teine naine. Sõjajärgne periood on tähelepanuväärne eelkõige kahe sümfoonia poolest – Kuuenda, mida peetakse omamoodi reekviemiks sõjaohvritele, ning Seitsmenda, mis on pühendatud noorusele ja lootustele.

Huvitavad faktid:

1916. aastal Mariinski teatri jaoks kirjutatud versiooni ooperist Mängur ei lavastatud selle laval kunagi. Teise väljaande esilinastus toimus alles 1991. aastal.
Prokofjevi eluajal lavastati NSV Liidus vaid 4 tema ooperit. Samas Suures Teatris mitte ainsatki.
Sergei Prokofjev jättis kaks seaduslikku leske. Kuu aega enne L. Prokofjeva vahistamist, kes ei lahutanud teda ei enda turvalisuse huvides või seetõttu, et ta siiralt ei tahtnud oma kallimat lahti lasta, abiellus helilooja uuesti. Tal soovitati kasutada välismaalastega abielu keelamise dekreedi õigussätteid, mida tunnustati kiriklik abielu Lina Ivanovnaga, sõlmitud Saksamaal, kehtetu. Prokofjev kiirustas suhteid M. Mendelssohniga legitimeerima, paljastades sellega endine naine Nõukogude repressiivmasina löögi all. Muutus ta ju suletõmbega ja vastu tahtmist Prokofjevi naisest üksildaseks välismaalaseks, kes hoiab Moskvas suhteid teiste välismaalastega. Helilooja esimene abikaasa taastas laagrist naastes kohtu kaudu kõik oma abieluõigused, sealhulgas olulise osa pärandist.
Helilooja oli geniaalne maletaja . "Male on mõttemuusika" on üks tema kuulsamaid aforisme. Korra suutis ta isegi geimi võita male maailmameistri H.-R. Capablanca.

Aastatel 1916–1921 kogus Prokofjev oma sõpradelt autogrammide albumit, kes vastas küsimusele: "Mida sa arvad päikesest?" Vastanute hulgas olid K. Petrov-Vodkin, A. Dostojevskaja, F. Chaliapin, A. Rubinstein, V. Burliuk, V. Majakovski, K. Balmont. Prokofjevi loomingut nimetatakse sageli päikeseliseks, optimistlikuks ja rõõmsaks. Isegi tema sünnikohta nimetatakse mõnes allikas Solntsevkaks.
Prokofjevi elulugu märgib, et helilooja esimestel esinemisaastatel USA-s kutsuti teda seal "muusikaliseks bolševikuks". Ameerika avalikkus osutus liiga konservatiivseks, et tema muusikat mõista. Lisaks oli tal juba oma vene iidol - Sergei Rahmaninov.
NSV Liitu naasmisel anti Prokofjevile avar korter Zemljano Val 14 asuvas majas, kus elasid eelkõige piloot V. Chkalov, poeet S. Marshak, näitleja B. Tširkov, kunstnik K. Yuon. Nad lubasid meil ka välismaalt ostetud sinise Fordi kaasa võtta ja isegi isikliku juhi hankida.
Kaasaegsed märkisid Sergei Sergejevitši oskust maitsekalt riietuda. Piinlikkust ei tekitanud ei erksad värvid ega julged rõivakombinatsioonid. Ta armastas prantsuse parfüüme ja kalleid aksessuaare, nagu lipsud, head veinid ja gurmeetoidud.
Sergei Prokofjev pidas üksikasjalikku isiklikku päevikut 26 aastat. Kuid pärast Nõukogude Liitu kolimist otsustasin, et targem on seda enam mitte teha.

Pärast sõda elas Prokofjev peamiselt Moskva lähedal Nikolina Gora külas asuvas datšas, mille ta ostis viienda Stalini preemia raha eest. Moskvas oli tema koduks kolmetoaline ühiskorteris, kus lisaks heliloojale ja tema naisele elas ka Mira Abramovna kasuisa.
Tihti kaasas helilooja oma teostesse fragmente ja meloodiaid varasematest teostest. Näited:
- balleti “Ala ja Lolli” muusika, mille lavastamisest S. Djagilev keeldus, töötas Prokofjev ümber Sküütide süidiks;
- III sümfoonia muusika on võetud ooperist “Tuline ingel”;
- Neljas sümfoonia sündis balleti “Kadunud poeg” muusikast;
- teema "Tatari stepp" filmist "Ivan Julm" pani aluse Kutuzovi aariale ooperis "Sõda ja rahu".
"Terashüpet" nägin esimest korda Vene stseen alles 2015. aastal, 90 aastat pärast selle loomist.
Helilooja lõpetas mõni tund enne oma surma töö Katerina ja Danila dueti kallal balletist “Kivilille lugu”.
Elu S.S. Prokofjev ja I.V. Samal päeval lõppes ka Stalini surm, mistõttu helilooja surmast teatati raadios hilinemisega ning matuste korraldamine oli oluliselt keerukas.

Sergei Prokofjev ja kino

Sel tasemel helilooja filmidele muusika loomisel pole kunstis pretsedenti. Aastatel 1930–40 kirjutas Sergei Prokofjev muusika kaheksale filmile. Üks neist," Potikuninganna"(1936) ei ilmunud kunagi Mosfilmi tulekahju tõttu, mis filmid hävitas. Prokofjevi muusika tema esimesele filmile "Leitnant Kizhe" sai uskumatult populaarseks. Selle põhjal lõi helilooja sümfoonilise süidi, mida esitasid orkestrid üle maailma. Selle muusika järgi loodi hiljem kaks balletti. Prokofjev ei võtnud filmitegijate ettepanekut aga kohe vastu – tema esimene reaktsioon oli keeldumine. Kuid pärast stsenaariumi lugemist ja režissööri plaani üksikasjalikku arutelu hakkas ta idee vastu huvi tundma ja, nagu ta oma autobiograafias märkis, töötas ta kiiresti ja mõnuga "Leitnant Kizha" muusika kallal. Süidi loomine nõudis rohkem aega, ümber orkestreerimist ja isegi mõne teema ümbertöötamist.

Erinevalt “leitnant Kizhest” on ettepanek kirjutada muusika filmile “ Aleksander Nevski"Prokofjev võttis kõhklemata vastu. Nad tundsid Sergei Eisensteini juba ammu; Prokofjev pidas end isegi režissööri fänniks. Maali kallal töötamisest sai tõelise ühisloomingu võidukäik: vahel kirjutas helilooja muusikaline tekst, ning selle põhjal võttis režissöör aluseks episoodi võtted ja montaaži, vahel vaatas Prokofjev valmis materjali, koputades rütme näpuga puule ja tuues mõne aja pärast valmis partituuri. “Aleksander Nevski” muusika kehastas Prokofjevi ande kõiki põhijooni ja astus teenitult maailma kultuuri kullafondi. Sõja ajal lõi Prokofjev muusika kolmele isamaalisele filmile: “Partisanid Ukraina steppides”, “Kotovski”, “Tonja” (filmikogust “Meie tüdrukud”), aga ka biograafilisele filmile “Lermontov” ( koos V. Puškoviga).

Ajaliselt, kuid mitte vähem tähtsalt, jäi Prokofjevi töö S. Eisensteini filmile “Ivan Julm”, mis sai alguse Alma-Atas. “Ivan Julma” muusika jätkab oma folk-eepilise jõuga “Aleksander Nevski” teemasid. Kuid kahe geeniuse teine ühine film ei koosne ainult kangelaslikest stseenidest, vaid jutustab ka bojaaride vandenõust ja diplomaatilisest intriigist, mis nõudis mitmekesisemat muusikalist lõuendit. See helilooja teos pälvis Stalini preemia. Pärast Prokofjevi surma oli "Ivan Julma" muusika aluseks oratooriumi ja balleti loomisel.

Hoolimata asjaolust, et Sergei Prokofjevi hämmastav saatus võib olla huvitava filmi stsenaariumi aluseks, kunstilised maalid helilooja elukäigu kohta andmed siiani puuduvad. Erinevateks tähtpäevadeks – alates sünni- või surmapäevast – loodi ainult telefilme ja -saateid. Võib-olla on see tingitud asjaolust, et keegi ei võta Sergei Sergejevitši mitmetähenduslikku tegevust üheselt tõlgendama. Mis põhjustel ta NSVL-i naasis? Oli seal nõukogude periood Kas tema töö on konformistlik või uuenduslik? Miks tema esimene abielu purunes? Miks ta lubas Lina Ivanovnal tormakalt keelduda sõjaaegsest Moskvast evakueerumast ja mitte vähemalt lapsi välja viia? Ja kas ta üldse hoolis millestki muust kui omaenda edevusest ja loomingulisest eneseteostusest – näiteks arreteeritud esimese naise ja tema enda poegade saatusest? Neile ja paljudele teistele pakilisele küsimusele pole vastuseid. On arvamusi ja spekulatsioone, mis võivad olla suure helilooja suhtes ebaõiglased.

Sergei Prokofjev silmapaistvate muusikute elus

Sergei Tanejev ütles üheksa-aastase Serjoža Prokofjevi kohta, et tal on silmapaistvad võimed ja absoluutne helikõrgus.
Filmi “Leitnant Kizhe” muusika salvestamisel sümfooniaorkester juhatas noor dirigent Isaac Dunaevsky. Seejärel väljendas Dunaevski isiklikus kirjavahetuses Prokofjevi suhtes kahemõttelist suhtumist viimase privilegeeritud positsiooni tõttu.
Prokofjevi elulugu näitab, et helilooja Boriss Asafjev oli konservatooriumi klassivend ja Prokofjevi kauaaegne sõber. Sellele vaatamata loeti 1948. aastal toimunud esimesel nõukogude heliloojate kongressil tema nimel ette kõne, milles “formalist” Prokofjevi looming võrdsustati fašismiga. Lisaks toimetas Asafjev Ždanovi nimel resolutsiooni “V. Muradeli ooperist “Suur sõprus”, milles ta, muide, nimetati Heliloojate Liidu korralduskomitee esimeheks.
Balletist “Dnepril” sai debüütlavastus kahele erinevast põlvkonnast koreograafile - koreograafiks Serge Lifar. Pariisi ooper aastal 1930 ja Aleksei Ratmanski Ameerika Balletiteatris (2009).
Mstislav Rostropovitš oli väga sõbralik Sergei Prokofjeviga, kellele helilooja lõi sümfooniakontserdi tšellole ja orkestrile.
Polina roll Suure Teatri esietenduses ooperis "Mängur" (1974) oli Galina Višnevskaja viimane roll enne emigreerumist.
Julia rolli esmaesineja Galina Ulanova meenutas, et tema oli üks neist, kes uskus, et "maailmas pole kurvemat lugu kui Prokofjevi muusika balletis". Helilooja meloodia, selle järsult muutuvad tempod ja meeleolud tekitasid probleeme kontseptsiooni mõistmisel ja rolli täitmisel. Aastaid hiljem ütleb Galina Sergeevna, et kui temalt küsitaks, milline peaks olema “Romeo ja Julia” muusika, vastaks ta - ainult sellele, mille kirjutas Prokofjev.

S.S. Prokofjev on Valeri Gergijevi lemmikhelilooja. Tema dirigendikarjäär Kirovi (Mariinski) Teatris algas ooperiga “Sõda ja rahu”. Võib-olla just sel põhjusel on Mariinski teater maailmas ainus, kelle repertuaaris on 12 Prokofjevi teoste lavastust. Helilooja 125. sünniaastapäeva puhul 2016. aasta aprillis esitas Mariinski teatri orkester kolme juubelipäeva jooksul kõik tema 7 sümfooniat. Valeri Gergijev päästis helilooja suvila hävingust, ostes selle ja annetades selle oma heategevusfondile, mis plaanib sinna kultuurikeskuse rajada.

Nagu geeniustega sageli juhtub, huvi muusika vastu Sergei Prokofjev suureneb, mida rohkem aega läheb kirjutamise päevast. Olles edestanud mitte ainult oma kuulajate põlvkonda, pole ta isegi 21. sajandil dissonantsis mitte külmunud klassika, vaid elav energiaallikas ja tõelise loovuse jõud.

Video: vaadake filmi S. Prokofjevist

Kaksteist lihtsat pala klaverile

“1935. aasta suvel, samal ajal Romeo ja Juliaga, komponeerisin lastele valgusnäidendeid, milles ärkas mu vana armastus sonatiini vastu, ulatudes, nagu mulle tundus, täieliku lapsemeelsuseni. Sügiseks oli neid terve tosin, mis siis avaldati kogumikuna pealkirjaga “Lastemuusika”, op. 65. Näidendist viimane "Kuu kõnnib üle heinamaa" on kirjutatud oma keeles, mitte rahvalik teema. Elasin siis Polenovis, eraldi rõduga onnis Oka jõe ääres ja imetlesin õhtuti, kuidas ma kuu aega mööda raiesmikku ja heinamaid jalutasin. Vajadus lastemuusika järele oli selgelt tunda...,” kirjutab helilooja oma “Autobiograafias”.

“Kaksteist lihtsat pala”, nagu Prokofjev nimetas oma “Lastemuusikaks”, on programmikomplekt sketšidest suvepäev laps. See, et me räägime konkreetselt suvepäevast, ilmneb mitte ainult selle pealkirjadest; süidi (täpsemalt selle seitsme numbri) orkestritranskriptsiooni nimetab helilooja: “Suvepäev” (op. 65 bis, 1941). Siin sünteesiti Prokofjevi loomingulises laboris justkui “kaks korda” konkreetsed muljed “Polenovi suvest” ja kauged mälestused suvest Sontsovkas ühelt poolt ning lapsepõlvekogemuste ja mõtete maailm, lastekirjandus ja “ oli” üldiselt, teisalt. Pealegi on Prokofjevi mõiste “lapselik” lahutamatult seotud suve ja päikeselise mõistega. Prokofjevil on õigus, kui ta väidab, et saavutas selles sviidis “täieliku lapselikkuse”. Kaksteist tükki op. 65 on oluline verstapost loominguline tee helilooja. Need avanevad kogu maailm tema veetlev loovus lastele, maailm, kus ta loob meistriteoseid, mis on kustumatud oma värskuses ja spontaansuses, päikeselises rõõmus ja siiras siiruses.

Kõik see on üsna loomulik ja sügavalt sümptomaatiline. Prokofjev – mees ja kunstnik – püüdis alati kirglikult lastemaailma poole, kuulas armastavalt ja tundlikult seda psühholoogiliselt peent ja kordumatut maailma ning jälgides allus ka ise selle võlule. Helilooja natuuris elas - mitte kunagi hääbuva, vaid, vastupidi, aastatega üha enam kinnistunud - kalduvus tajuda keskkonda rõõmsa nooruse, kevadise valguse ning noorukieas puhta ja vahetu vaatenurgast. Seetõttu on Prokofjevi lastepiltide maailm alati kunstiliselt loomulik, orgaaniline, täiesti ilma võltsliku ilu või sentimentaalse ilu elementidest, mis pole terve lapse psüühikale iseloomulik. See on üks pooltest sisemaailma helilooja ise, mis eri aegadel leidis tema loomingus erinevaid peegeldusi. Lapse maailmapildi puhtuse ja värskuse iha võib aga vaid teatud määral seletada Prokofjevi tõmmet sonatiinstiili vastu.

Samuti ei ole tema muusika- ja lavatöödes raske leida tuntud paralleele lastepildimaailma ja võluvalt haprate tütarlapselike karakterite sfääri vahel. Nii Seitsmes sümfoonia kui ka üheksas klaverisonaat, mis võtavad helilooja loomingu kokku, on läbi imbunud eleegilistest lapsepõlvemälestustest.

Prokofjevi "Sonatina stiil" tegi aga tema lastenäidendite tsüklis läbi olulise transformatsiooni. Esiteks vabaneb ta täielikult neoklassitsismi elementidest. Graafika asendub konkreetse kujutamise ja realistliku programmeerimisega. Neutraalsus selles mõttes rahvusvärv annab teed vene meloodilisusele ja rahvapäraste fraaside peenele kasutamisele. Kolmkõlaliste ülekaal kehastab piltide puhtust, rahulikkust ja rahulikkust. Uue lihtsuse “väljamängimisega” rafineerituse asemel ilmub kristallselge vaade maailmale selle selguses läbi avatud, uurivalt uuriva lapse silmade. Paljude muusikateadlaste sõnul eristab seda tsüklit paljudest näiliselt sama fookusega lastelavastustest just oskus edastada lapse enda maailmapilti, mitte luua temast või temale muusikat. Peamiselt Schumanni, Mussorgski, Tšaikovski lastemuusika parimaid traditsioone jätkates Prokofjev mitte ainult ei järgi neid, vaid arendab neid loominguliselt.

Esimene näidend on " Hommik" See on nagu süidi epigraaf: elu hommik. Registrite kõrvutuses tunnetatakse ruumi ja õhku! Meloodia on kergelt unenäoline ja kristallselge. Käekiri on iseloomulikult prokofjevilik: paralleelsed liigutused, hüpped, kogu klaviatuuri katmine, käe läbimängimine, rütmiselgus ja lõikude definitsioon. Erakordne lihtsus, kuid mitte primitiivne.

Teine näidend on " Jalutage" Beebi tööpäev on alanud. Tema kõnnak on kiirustav, kuigi mõnevõrra kõikuv. Juba esimestes taktides antakse edasi selle esialgne rütm. Peab olema aega, et kõike näha, mitte millestki ilma jääda, üldiselt on teha palju... Meloodia graafilised kontuurid ja veerandnootide koputamisega pideva liikumise iseloom on loodud maitse loomiseks lapselikult naiivse, kontsentreeritud “asjaliku” loomuga. Ent kergelt valsilise rütmi kergus kannab selle “hõivatuse” koheselt lapseliku “hoolsuse” sobivasse raamistikku. (Neljanda sümfoonia teise osa mõtisklev teema on lähedane “Hommiku” ja “Jalutuskäigu” muusikale ning on ilmselt nende eelkäija.)

Kolmas tükk on " Muinasjutt"- lihtsa lastekirjanduse maailm. Siin pole midagi hämmastavat, hirmutavat ega koletu. See on pehme, lahke muinasjutt, milles reaalsus ja unistus on tihedalt põimunud. Võib oletada, et siin kehastatud kujundid ei ole lastele räägitud muinasjutust, vaid nende endi ettekujutustest fantastilisest, alati laste meeltes elavast, täiesti lähedasest nähtule ja kogetule. Sisuliselt ilmub tõeline fantaasia sostenuto laval ainult keskmises osas, samas kui esimeses ja viimases osas domineerib unenäoline narratiiv lihtsa meloodiaga alati korduvate rütmiliste pöörete taustal. Need rütmilised kordused näivad "sementeerivat" "Muinasjutu" vormi ja piiravad selle narratiivseid kalduvusi.

Järgmine tuleb " Tarantella", žanri-tantsuline, virtuoosne teos, mis väljendab lapse ülemeelikku temperamenti, mis on haaratud muusikalisest ja tantsulisest elemendist. Elav ja särtsakas rütm, elastsed aktsendid, värvilised pooltoonide võrdlused, ühekõrguste tonaalsuste nihked – kõik see on põnev, lihtne, rõõmustav. Ja samas lapselikult lihtne, ilma konkreetse itaalialiku teravuseta, vene lastele kahtlemata arusaamatu.

Viies tükk - " Meeleparandus"- tõene ja peen psühholoogiline miniatuur, mida helilooja varem nimetas "Mul hakkas häbi." Kui vahetult ja liigutavalt kõlab kurb meloodia, kui siiralt ja “esimeses isikus” on edasi antud aistinguid ja mõtteid, mis haaravad last selliste psühholoogiliselt raskete kogemuste hetkedel! Prokofjev kasutab siin "laulmis-rääkivate" (L. Mazeli definitsiooni järgi "sünteetilised") meloodiaid, milles retsitatiivse ekspressiivsuse element ei jää alla kantileeni ekspressiivsusele.

Kuid selline meeleolu on lastel üürike. See annab üsna loomulikult teed kontrastsele. Kuues tükk on " Valss“ ning sellises mustris on tunda mitte ainult süidi mitmekesisuse loogikat, vaid ka Prokofjevi muusikalise ja lavalise mõtlemise loogikat, stseenide vastandliku järjestuse teatraalseid seaduspärasusi. Habras, õrn, improvisatsiooniliselt spontaanne A-duur “Valss” kõneleb lastepiltide seostest Prokofjevi teatrimuusika hapra, puhta ja võluva naisepildi maailmaga. Need kaks tema loovuse joont või õigemini kaks joont tema kunstiideaalidest ristuvad ja rikastavad üksteist. Tema tütarlapselikel piltidel on lapselik spontaansus. Tema lastepiltides on tunda naiselikku pehmust, võluvat armastust maailma ja elu vastu. Mõlemad hämmastavad kevadise värskusega ning neid kehastab helilooja erakordse emotsiooni ja inspiratsiooniga. Just neil kahel alal väljendus kõige selgemalt lüürilise printsiibi domineerimine tema loomingus. Naiivselt võluvast lastelavastusest “Valss”, op. 65 saame tõmmata joone Nataša haprale valsile ooperist “Sõda ja rahu” – Prokofjevi muusika lüürilise valssi tipule. See rida läbib “Tuhkatriinu” “Suure valsi” Es-duri, mis meenutab intonatsiooniliselt isegi lastevalssi. See läbib ka “Puškini valssi” op 120 ja “Valss jääl”. ,” ja “Kivilille jutu” kaudu, kus stseenis (nr 19) on täpselt kehastatud “Valsi” teema, mis kujutab Vasemäe armukese valdusi kaudselt - see jätkub kuuenda klaverisonaadi valsilaadses kolmandas osas ja Seitsmenda sümfoonia valsis arendab Prokofjev siin vene valsi sügava lüürilis-psühholoogilise liini, mis erineb näiteks Straussist, mis on säravam, aga ka kitsam ja välisem oma mõneti ühekülgses rõõmus.

Hoolimata lapselikest näojoontest on Prokofjevi loominguline stiil selles valsis väga selgelt tunda. Elegantse õrna valsi traditsiooniline struktuur näib olevat värskendatud, intonatsioon ja harmoonilised kõrvalekalded on šabloonist kaugel (näiteks väga ebatavaline perioodi lõpp subdominantses võtmes), tekstuur on ebatavaliselt läbipaistev. See valss sai kiiresti kätte laialt levinud pedagoogilises praktikas ja konkureerib edukalt lastele mõeldud “üldtunnustatud” teostega.

Seitsmes tükk on " Rohutirtsude rongkäik" See on kiire ja naljakas näidend rõõmsalt siristavatest rohutirtsudest, kes oma hämmastavate hüpetega alati lastes huvi äratavad. Kujutise fantastiline olemus ei välju siin tavalise lastekirjanduse piiridest ja erineb selles osas märkimisväärselt näiteks Tšaikovski “Pähklipureja” salapärasest fantaasiast. Sisuliselt on tegemist naljaka laste galopiga, mille keskosas on kuulda isegi pioneerilaulude intonatsioone.

Järgmisena tuleb näidend " Vihm ja vikerkaar“, milles helilooja püüab – ja väga edukalt – kujutada seda tohutut muljet, mille iga särav loodusnähtus lastele jätab. Siin on loomulikkõlalised julged helitäpid (kahe kõrvutise sekundi akordipunkt) ja aeglased proovid ühel noodil, nagu langevad tilgad, ja lihtsalt "Üllatuse teema" enne toimuvat (mahe ja ilus meloodia laskub kõrguselt).

Üheksas tükk - " Tag"- on stiililt lähedane Tarantellale. See on kirjutatud tähemärgiga kiire sketš. Võite ette kujutada, kuidas lapsed entusiastlikult üksteisele järele jõuavad, lõbusa ja aktiivse lastemängu õhkkond.

Kümnes näidend on kirjutatud inspiratsiooniga - “ märtsil" Erinevalt paljudest teistest oma marssidest, Prokofjev antud juhul ei läinud groteski ega stiliseerimise teed. Siin pole nukuteatri elementi (nagu näiteks „Märtsis puust sõdurid Tšaikovski), kujutab lavastus marssivaid lapsi üsna realistlikult. Laste marss, op. 65 sai laialt levinud ja sai lemmikpalaks vene laste klaverirepertuaaris.

Üheteistkümnes tükk - " Õhtu" - oma laia venekeelse laululisuse ja maheda värvinguga meenutab see taas Prokofjevi suurt lüürilist annet, tema meloodilisuse maalähedust. Selle võluva teose muusika on täis ehedat inimlikkust, puhtust ja tunnete õilsust. Hiljem kasutas autor seda Katerina ja Danila armastuse teemana balletis “Lugu kivilillest”, muutes selle kogu balleti üheks olulisemaks teemaks.

Lõpuks viimane, kaheteistkümnes tükk - " Kõnnib kuu aega niitudel"- on orgaaniliselt seotud rahvapäraste intonatsioonidega. Seetõttu pidas autor vajalikuks “Autobiograafias” selgitada, et see pole kirjutatud rahvaluule, vaid tema enda teemal.