Kunst... See võib elustada inimese hinge tuhast, panna ta kogema lihtsalt uskumatuid emotsioone ja tundeid. Kunst on vahend, mille kaudu autorid püüavad oma mõtteid inimestele edasi anda ja neid iluga harjutada.
Autor arutleb kunsti vajaduse üle meie elus, keskendub tõsiasjale, et „ilu tuleb õppida ja hinnata, nii nagu õppida tundma. kõrge muusika" Juri Bondarev toob näiteks Mozarti teose "Reekviem", millel on kuulajatele kujuteldamatu mõju, "inimesed valasid avalikult pisaraid episoodis, kus suure helilooja elu katkes." Nii näitab autor, et kunst võib puudutada inimese peeneid hingenööre ja panna teda kogema erakordseid tundeid.
Bondarev väidab, et kunst võib inimest väga palju mõjutada, sest see on tema elus kõige ilusam. Kunst võib muuta inimest, tema sisemaailma. See on midagi, mida peate kindlasti õppima. Tõepoolest, ei saa autoriga nõustuda. Usun, et kunst võib panna meid tundma rõõmu ja kurbust, kurbust ja elevust, õnne ja palju muid emotsioone.
Nii kirjeldatakse I. A. Gontšarovi teoses “Oblomov” ilmekalt peategelase suhtumist muusikasse. Olga Iljinskajat külastanud Oblomov kuulis teda esimest korda klaverit mängimas. Autor näitab, kuidas muusika võib mõjutada inimese sisemaailma ja tema emotsioone. Uhket esitust kuulates suutis kangelane vaevalt pisaraid tagasi hoida, ta tundis jõudu ja särtsu, soovi elada ja tegutseda.
I. S. Turgenevi teose “Isad ja pojad” peategelase suhtumine kunsti on aga väga negatiivne. Bazarov ei taju seda inimese elu lahutamatu osana, ta ei näe selle eeliseid ja eeliseid. See oli tema vaadete piiratus. Kuid inimese elu ilma kunstita, ilma “ilumeeleta” on väga igav ja üksluine, mida kangelane kahjuks kunagi ära ei tundnud.
Kokkuvõtteks tahan öelda, et kunst on meie kõigi elus kõige olulisem osa. Peate selle lihtsalt oma südamesse ja hinge laskma ning see võib vallutada kogu maailma.
2. võimalus
Igasugune kunst on inimese jaoks kõrgeim tasu pingutuste eest, mida ta tegi selles osalemiseks – kas siis meistriteose loojana või lihtsalt selle tulemusi väljastpoolt imetledes.
Muusikalised kompositsioonid, salapärased maalid ja elegantsed skulptuurid tekkisid tänu inimese teadmistele, loomulikule andele või soovile saavutada selline täiuslikkus.
Mis tahes kunstiteose loomise protsessis kasutab inimene oma annet, näidates oma võimeid täiel rinnal. Kunst areneb ega lase jääda ühele kohale, tegevusetuse seisundisse. Tänu sellele paranevad inimesed. Need, kes selle valdkonnaga mingilgi määral on seotud, on loomingulised inimesed, kes on pidevas otsingus. Sukeldudes sellesse maailma, arenevad nad aktiivselt vaimselt.
Seega aitab kunst demonstreeritud kujutlusvõime, sihikindluse, fantaasia ja kannatlikkuse kaudu kinnitada elupositsioon, mõjutab inimese maailmapilti, aitab leida iseennast, kujundada oma mõtteviisi.
Kui me räägime muusikast, siis pärast klassikaliste teoste kuulamist paraneb inimese emotsionaalne, vaimne ja isegi füüsiline seisund. Olenevalt meloodiate ja lugude rütmist ja sisust saad kas uskumatu särtsakuse laengu või rahuneda.
Kunsti mõjul muutub inimese sisemaailm. Ükskõik milline selle tüüp – graafika, teater, maal jne sisaldab nii mõndagi sügav tähendus ja kired, mis väljenduvad läbi omapäraste ekspressiivsed vahendid et need panevad mõtlema iseendale, elu mõttele ja võimaldavad maailmale uutmoodi vaadata.
Iga kunstiteos aitab teha vahet heal ja kurjal, heal ja halval. Kirjandusteosed omavad tohutut jõudu, mis võib inimesele mõjuda, viies ta teise maailma. Raamatutes kujutatud sündmuste kangelaseks saades õpivad inimesed uut teavet, mille põhjal nad paremaks muutuvad, parandavad pärast selle tegelastega kohtumist vigu, tunnevad neile kaasa ja rõõmustavad. Kirjandus võib radikaalselt muuta inimese maailmapilti.
Maali mõjul tekib moodustumine vaimne maailm isik. Seda tüüpi tegevuses osalemine soodustab eneseväljendust ja suurendab muljeid. Skulptuurides kehastavad inimesed oma esteetilisi soove ja välisvaatleja jaoks on need harivad.
Seega kunst kasvatab ainult inimest parimad omadused iseloomu, suurendab intelligentsust, tuvastades ja arendades neid omadusi, mis varem olid nähtamatud.
Mitu huvitavat esseed
- Iljuša omadused ja pilt Turgenevi essee loost Bezhin Meadow
Iljuša on Ivan Sergejevitš Turgenevi loo “Bezhini heinamaa” üks peategelasi. Autor kutsub teda Iljušaks, kasutades pehme märk. Ta on kaheteistkümneaastane.
- Kas teil on vaja oma unistused teoks teha? Lõputöö hinne 11
Mis on unenäod? Kas neid on vaja rakendada või tuleks neid rakendada? Võime öelda, et unenäod on meie eksistentsi üks ilusamaid ja hävimatuid osakesi. Igaüks meist kohtleb neid erinevalt. Näiteks Vasya tahab tõesti oma unistust täita
- Sõjalise vägitüki teema 20. sajandi teise poole – 21. sajandi alguse vene kirjanduses.
Sõja teema ja kõik sellega seonduv ei jäta kedagi ükskõikseks. See teema on olnud kogu aeg asjakohane. Kui aga see teema puudutab sind isiklikult ja sinu lähedasi, tajutakse kõike hoopis teisiti.
Iga mees ütleb teatud sõnad, peaaegu kõike teostatakse tegude ja sõnade abil Sõna sünnitab sõna, kolmas jookseb ise. Olge ettevaatlik: iga teie lausutud sõna võib määrata
Sügis tuleb. Linn muutub kollakasoranžiks. Koolilapsed panevad koolikotid selga ja lähevad kooli. Täiskasvanute jaoks hakkab puhkuseaeg läbi saama.
- Muusika võib aidata inimesel tunda ilu ja taaselustada minevikuhetki.
- Kunsti jõud võib muuta inimese elu
- Tõeliselt andeka kunstniku maalid ei peegelda mitte ainult välimust, vaid ka inimese hinge.
- Keerulistes olukordades inspireerib muusika inimest ja annab elujõudu.
- Muusika võib inimestele edastada mõtteid, mida ei saa sõnadega väljendada.
- Kahjuks võib kunst lükata inimese vaimse allakäigu poole
Argumendid
L.N. Tolstoi "Sõda ja rahu". Nikolai Rostov, kes kaotas kaartidega tohutu summa oma pere jaoks, on masenduses. Ta ei tea, mida teha, kuidas kõike oma vanematele tunnistada. Juba kodus kuuleb ta Nataša Rostova kaunist laulu. Õe muusika ja lauluga tekitatud emotsioonid valdavad kangelase hinge. Nikolai Rostov mõistab, et elus pole midagi tähtsamat kui see kõik. Kunsti vägi aitab tal hirmust üle saada ja kõik isale üles tunnistada.
L.N. Tolstoi "Albert". Teoses saame teada ühe silmapaistva andega vaese viiuldaja loo. Palli jõudes hakkab noormees mängima. Oma muusikaga puudutab ta inimeste südameid nii palju, et lakkab neile kohe vaene ja inetu tunduda. Tundub, et kuulajad kogevad uuesti parimad hetked oma elud, pöörduvad tagasi selle juurde, mis on pöördumatult kadunud. Muusika mõjutab Delesovit nii palju, et mehel hakkavad pisarad mööda põski voolama: tänu muusikale kantakse ta nooruspõlve, meenutades oma esimest suudlust.
K.G. Paustovsky "Vana kokk". Enne surma palub pime vana kokk oma tütrel Marial õue minna ja kutsuda suvalisele inimesele üles tunnistama surevat meest. Maria teeb seda: ta näeb tänaval võõrast inimest ja edastab oma isa palve. Vana kokk tunnistab noormees, et ta tegi oma elus vaid ühe patu: ta varastas krahvinna Thuni talitusest kuldse taldriku, et aidata oma haiget naist Martat. Surija soov oli lihtne: näha oma naist uuesti sellisena, nagu ta nooruses oli. Võõras hakkab klavessiini mängima. Muusika vägi avaldab vanainimesele sellist mõju tugev mõju et ta näeb hetki minevikust justkui tegelikkuses. Noormees, kes talle need minutid andis, osutub suureks muusikuks Wolfgang Amadeus Mozartiks.
K.G. Paustovsky “Kuusekäbidega korv”. Bergeni metsades kohtub suur helilooja Edvard Grieg kohaliku metsamehe tütre Dagny Pederseniga. Suhtlemine tüdrukuga ajendab heliloojat Dagnyle muusikat kirjutama. Teades, et laps ei oska hinnata kogu klassikaliste teoste võlu, lubab Edvard Grieg teha kümne aasta pärast, kui ta saab kaheksateistkümneaastaseks, Dagnyle kingituse. Helilooja on oma sõnale truu: kümme aastat hiljem kuuleb Dagny Pedersen ootamatult midagi talle pühendatud muusikapala. Muusika tekitab emotsioonide tormi: ta näeb oma metsa, kuuleb merekohinat, karjasesarve, lindude vilinat. Dagny nutab tänupisaraid. Edvard Grieg avastas tema jaoks ilusad asjad, millega inimene peaks tegelikult elama.
N.V. Gogoli "Portree". Noor kunstnik Chartkov kasutab täiesti juhuslikult oma viimast raha soetamiseks salapärane portree. Peamine omadus Sellel portreel on uskumatult väljendusrikkad silmad, mis näivad elavana. Ebatavaline pilt kummitab kõiki, kes teda näevad: kõik arvavad, et silmad jälgivad teda. Hiljem selgub, et portree oli maalitud väga andekas kunstnik rahalaenaja palvel, kelle elulugu on oma salapärasuses rabav. Ta tegi kõik endast oleneva, et neid silmi edasi anda, kuid mõistis siis, et need on kuradi enda silmad.
O. Wilde "Dorian Gray pilt". Basil Hallwardi portree ilusast noorest Dorian Grayst - parim töö kunstnik. Noormees ise on oma ilu üle rõõmus. Lord Henry Wotton ütleb talle, et see ei kesta igavesti, sest kõik inimesed vananevad. Oma tunnetes soovib noormees, et just see portree tema asemel vananeks. Hiljem selgub, et soov täitub: iga Dorian Gray tegu kajastub tema portrees ja tema ise jääb samaks. Noormees hakkab sooritama ebainimlikke, ebamoraalseid tegusid ja see ei mõjuta teda kuidagi. Dorian Gray ei muutu üldse: neljakümnendaks eluaastaks näeb ta välja samasugune nagu nooruses. Selle asemel näeme suurepärast pilti kasulik mõju hävitab isiksuse.
A.T. Tvardovski “Vassili Terkin”. Muusika võib inimese hinge soojendada ka rasketel aegadel. sõjaaeg. Tapetud komandöri mängib akordionil teose kangelane Vassili Terkin. Muusika muudab inimesed soojemaks, nad järgivad muusikat, nagu kõnnivad tulle ja hakkavad tantsima. See võimaldab neil vähemalt mõneks ajaks unustada ebaõnne, raskusi ja õnnetusi. Hukkunud komandöri seltsimehed annavad Terkinile akordioni, et too saaks oma jalaväe lõbustamist jätkata.
V. Korolenko “Pime muusik”. Teose kangelase, muusik Petruse jaoks sai muusika tõeline tähendus elu. Sünnist saati pime, ta oli helide suhtes väga tundlik. Kui Petrus oli laps, tõmbas teda pilli meloodia. Poiss hakkas muusika poole tõmbama ja temast sai hiljem pianist. Ta sai peagi kuulsaks ja tema andest räägiti palju.
A.P. Tšehhov "Rothschildi viiul". Inimesed püüdsid vältida sünget ja ebaviisakat meest Jakov Matvejevitšit. Kuid kogemata leitud meloodia puudutas ta hinge: Jakov Matvejevitš tundis esimest korda häbi inimeste solvamise pärast. Kangelane sai sellest lõpuks aru ilma viha ja vihkamiseta meid ümbritsev maailm oleks lihtsalt imeline.
Vastavalt A.P. Tšehhov. Suurel nädalal olid Laptevid kunstikoolis kunstinäitusel... Kunsti tajumise probleem
(1) Suurel nädalal olid laptevid kunstikoolis kunstinäitusel.
(2) Laptev teadis kõigi nimesid kuulsad kunstnikud ega jätnud kunagi vahele ühtegi näitust. (3) Mõnikord maalis ta suviti dachas ise värvidega maastikke ja talle tundus, et tal on imeline maitse ja kui ta õpib, tuleb ta sellest ilmselt välja. hea kunstnik. (4) Kodus olid tal kõik pildid suured suurused, aga halb; head pootakse halvasti. (3) Tal juhtus rohkem kui üks kord maksma kallilt asjade eest, mis hiljem osutusid jämedaks võltsinguks. (6) Ja tähelepanuväärne on see, et elus üldiselt arglikuna oli ta kunstinäitustel äärmiselt julge ja enesekindel. (7) Miks?
(8) Julia Sergeevna vaatas maale sarnaselt oma abikaasaga läbi rusika või binokli ja oli üllatunud, et maalidel olevad inimesed nägid välja nagu elavad ja puud nägid välja nagu päris; aga ta ei saanud aru, talle tundus, et näitusel on palju ühesuguseid maale ja kogu kunsti eesmärk oli just see, et maalidel paistaksid rusikaga vaadates silma inimesed ja esemed nagu. kui need oleksid tõelised.
(9) "See on Šiškini mets," selgitas abikaasa talle. (10) - Ta kirjutab alati sama asja... (11) Aga pane tähele: sellist lillat lund ei juhtu kunagi... (12) Aga see poiss vasak käsi lühem kui õige.
(13) Kui kõik olid väsinud ja Laptev läks Kostjat koju otsima, peatus Julia väikese maastiku ees ja vaatas teda ükskõikselt. (14) Esiplaanil on jõgi, selle taga palksild, teisel pool pimedasse rohtu kaduv rada, põld, siis paremal metsatukk, selle lähedal on lõke: nad peavad seda öösel valvama. (15) Ja kauguses põleb see läbi õhtu koit.
(1b) Julia kujutas ette, kuidas ta ise kõndis mööda silda, siis mööda rada, aina edasi ja edasi ja ümberringi oli vaikne, unised tõmblejad karjusid, kauguses vilkus tuli. (17) Ja millegipärast hakkas talle järsku tunduma, et ta oli juba ammu näinud just neid pilvi, mis ulatusid üle taeva punase osa, metsa ja põllu, mitu korda ammu, ta tundis end üksikuna ja ta tahtis minna ja kõndida mööda rada; ja seal, kus oli õhtune koit, puhkas peegeldus millestki ebamaisest, igavesest.
(18) - Kui hästi see on kirjutatud! - ütles ta üllatunult, et pilt talle äkki selgeks sai. (19) - Vaata, Aljoša! (20) Kas märkate, kui vaikne siin on?
(21) Ta püüdis selgitada, miks talle see maastik nii väga meeldis, kuid ei abikaasa ega Kostja ei mõistnud teda. (22) Ta vaatas jätkuvalt kurva naeratusega maastikku ja see, et teised selles midagi erilist ei leidnud, tegi talle murelikuks. (23) Siis hakkas ta taas läbi saalide kõndima ja maale uurima, ta tahtis neist aru saada ja talle ei tundunud enam, et näitusel on palju ühesuguseid maale. (24) Kui ta koju naasis, pööras ta esimest korda kogu selle aja jooksul sellele tähelepanu suur pilt saalis klaveri kohal rippudes tundis ta enda vastu vaenu ja ütles:
(25) - Mulle meeldiks selliseid pilte!
(26) Ja pärast seda tekitasid kuldsed karniisid, lilledega Veneetsia peeglid ja maalid, nagu see, mis rippus klaveri kohal, aga ka abikaasa ja Kostja arutelud kunstist temas tüdimustunnet, tüütust ja mõnikord isegi vihkamist.
(A. P. Tšehhovi järgi)
Tekstteave
Koosseis
Kas oled märganud, et juhtub nii, et üks pilt jätab sind ükskõikseks ja teise ees tardud aupaklikus vaikuses, mõni meloodia kõlab sinu tundeid üldse riivamata, teine aga teeb kurvaks või rõõmustab. Miks see juhtub? Kuidas inimene kunsti tajub? Miks osa inimesi sukeldub kunstniku loodud maailma, teised aga jäävad ilumaailmale kurdiks? Katkend A. P. Tšehhovi loost “Kolm aastat” pani mind mõtlema kunsti tajumise probleemile.
A.P.Tšehhov räägib, kuidas perekond Laptevid külastab kunstinäitust. Pea teab kõigi kuulsate kunstnike nimesid, ei jäta vahele ühtegi näitust ja maalib mõnikord ise maastikke. Tema naine lõi lõigu alguses "vaatas maale nagu oma abikaasat", talle tundus, et kunsti eesmärk on "panna inimesi ja esemeid esile, nagu oleksid need tõelised". Abikaasa märkab maalidel ainult negatiivseid asju: kas "sellist lillat lund ei juhtu kunagi" või on poisi vasak käsi lühem kui parem. Ja ainult üks kord avastas Julia Sergeevna kunsti tõelise olemuse. Tema ees oli tavaline maastik jõe, palksilla, teeraja, metsa ja tulega, kuid järsku nägi ta, et "seal, kus lebas õhtune koit, peegeldus millestki ebamaisest, igavesest". Minutiks avanes talle kunsti tõeline eesmärk: äratada meis erilisi tundeid, mõtteid ja kogemusi.
A.P.Tšehhov on üks neist kirjanikest, kes ei anna meile valmislahendusi, ta sunnib neid otsima. Nii et lõiku mõtiskledes mõistsin, mulle näib, tema seisukohta kunsti eesmärgi ja selle tajumise probleemis. Kunst võib tundlikule inimesele palju rääkida, paneb teda mõtlema kõige salapärasema ja intiimsema üle, äratab temas parimad tunded.
Nõustun sellise tõlgendusega kunsti mõjust inimesele. Kahjuks pole mul veel olnud võimalust külla tulla suured muuseumid, klassikalise muusika kontsertidel, seega luban endal viidata kirjanike arvamusele, sest palju on teoseid, milles autorid püüavad lahti harutada inimliku kunstitaju mõistatust.
D. S. Likhachevi raamatu “Kirjad heast ja ilusast” üks peatükk kannab pealkirja “Kunsti mõistmine”. Selles räägib autor kunsti suurest rollist inimelus, et kunst on “hämmastav maagia”. Tema arvates kunst mängib suurepärane roll kogu inimkonna elus. Lihhatšov väidab, et me peame õppima kunsti mõistma. Kunsti mõistmise kingitusega autasustatud inimene muutub moraalselt paremaks ja seetõttu ka õnnelikumaks, sest kui kunsti kaudu premeeritakse kingitusega maailma, teda ümbritsevate inimeste, mineviku ja kaugema hea mõistmise kingitusega, on inimest lihtsam teha. Sõbrad teiste inimestega, teiste kultuuridega, teistest rahvustest, tema elu on lihtsam.
Kuidas kunst võib inimhinge mõjutada, kirjutab A. I. Kuprin raamatus “ Granaatkäevõru" Printsess Vera Sheina, kes naaseb pärast enesetapu sooritanud Želtkoviga hüvastijätmist, et mitte häirida seda, keda ta nii väga armastas, palub oma pianistist sõbral talle midagi mängida, ilma et ta kahtleks, et ta kuuleb Beethoveni
tükk, mille Želtkov talle kuulamiseks pärandas. Ta kuulab muusikat ja tunneb, et hing rõõmustab. Ta mõtles sellele, mis temast mööda läks suur armastus, mida korratakse vaid kord tuhande aasta jooksul, tekkisid sõnad tema mõtetes ja need langesid tema mõtetes muusikaga kokku. "Pühitsetud olgu sinu nimi“, – justkui muusika ütleks talle. Hämmastav meloodia näis kuuletuvat tema leinale, kuid see ka lohutas teda, täpselt nagu Zheltkov lohutas teda.
Jah, suur on tõelise kunsti jõud, selle mõju jõud. See võib mõjutada inimese hinge, õilistab seda, tõstab mõtteid.
Veel argumente.
IN novell V. P. Astafjeva “Kauge ja lähedane muinasjutt” räägib sellest, kuidas muusika sünnib ja millist mõju see inimesele avaldada võib. Väikese poisina kuulis jutustaja viiulit. Viiuldaja mängis Oginski kompositsiooni ja see muusika šokeeris noor kuulaja. Viiuldaja rääkis talle, kuidas meloodia sündis. Helilooja Oginsky kirjutas selle, jättes hüvasti kodumaaga, suutis oma kurbust helides edasi anda ja nüüd äratab see inimestes parimad tunded. Heliloojat ennast enam pole, viiuldaja, kes andis kuulajale imelisi ilu mõistmise hetki, suri, poiss kasvas suureks... Ühel päeval kuulis ta rindel orelihääli. Kõlas sama muusika, seesama Oginski polonees, aga lapsepõlves kutsus see esile pisaraid, šokki ja nüüd kõlas meloodia iidse lahinguhüüdena, mis kutsus kuhugi, sundides kedagi midagi tegema, et sõjatuled kustuks, nii et et inimesed ei kobiks põlevate varemete lähedal, et nad läheksid oma koju, katuse alla, oma sugulaste ja lähedaste juurde, et taevas, meie igavene taevas, ei tekitaks plahvatusi ega põleks põrguliku tulega.
K. G. Paustovsky jutustab loos “Kuusikäbidega korv” helilooja Griegist ja tema juhuslik kohtumine koos väikese tüdruku Dagnyga. Väike armas tüdruk üllatas Griegi oma spontaansusega. "Ma annan sulle ühe asja," lubab helilooja tüdrukule, "aga see on kümne aasta pärast." Möödus kümme aastat, Dagny kasvas suureks ja ühel päeval kontserdil sümfooniline muusika kuulsin oma nime. Suurepärane helilooja pidas oma sõna: pühendatud tüdrukule muusikapala kes sai kuulsaks. Pärast kontserti hüüatab muusikast šokeeritud Dagny: "Kuule, elu, ma armastan sind." Aga viimased sõnad lugu: "...tema elu ei lähe asjata."
6. Gogol “Portree”. Kunstnik Chartkov oli nooruses üsna andekas, kuid ta tahtis elult kõike korraga saada. Ühel päeval satub ta ette portree vanast mehest, kellel on üllatavalt elavad ja hirmutavad silmad. Tal on unistus, milles ta leiab 1000 dukaati. Järgmisel päeval see unistus täitub. Kuid raha ei toonud kunstnikule õnne: ta ostis oma nime kirjastajale altkäemaksu andes ja hakkas maalima portreesid. maailma võimsad seda, aga talendisädemest ei jäänud tal midagi järele. Teine kunstnik, tema sõber, andis kunstile kõik, ta õpib pidevalt. Ta elab pikka aega Itaalias, seistes tunde suurte kunstnike maalide juures, püüdes mõista loovuse saladust. Selle kunstniku maal, mida Chartkov näitusel nägi, on ilus, see vapustas Chartkovit. Ta üritab maalida päris pilte, kuid tema anne läheb raisku. Nüüd ostab ta kokku maalikunsti meistriteoseid ja hullushoos hävitab need. Ja ainult surm peatab selle hävitava hulluse.
I. Bunini järgi. Põhineb jutustuse Raamat. Pühkimismasinas rehepõrandal lebades lugesin kaua... Kunsti eesmärgist
(1) Rehepeksul sõelas lebades lugesin kaua – ja äkki olin nördinud. (2) Olen jälle varahommikust peale lugenud, jälle raamat käes! (3) Ja nii päevast päeva, lapsepõlvest saati! (4) Ta elas poole oma elust mingis olematus maailmas, inimeste keskel, keda pole kunagi eksisteerinud, leppisid välja, muretsesid oma saatuse, rõõmude ja murede pärast, nagu oleks ta enda oma, kuni hauani, mis ühendas end Aabrahamiga. ja Iisak, pelasgid ja etruskid, Sokrates ja Julius Caesar, Hamlet ja Dante, Gretchen ja Chatsky, Sobakevitš ja Ophelia, Petšorin ja Nataša Rostova! (5) Ja kuidas ma saan nüüd oma maise eksistentsi tõeliste ja väljamõeldud kaaslaste seas välja elada? (6) Kuidas neid eraldada, kuidas teha kindlaks nende mõju ulatus mulle?
(7) Lugesin, elasin kaasa teiste inimeste leiutistele, aga põld, vald, küla, mehed, hobused, kärbsed, kimalased, linnud, pilved - kõik elas omadega, päris elu. (8) Ja nii ma järsku tundsin seda ja ärkasin oma raamatuhullusest, viskasin raamatu õlekõrre ning vaatan üllatuse ja rõõmuga, uute silmadega ringi, näen, kuulen, haistn teravalt - mis kõige tähtsam, Ma tunnen midagi ebatavaliselt lihtsat ja samal ajal ebatavaliselt keerulist, seda sügavat, imelist, väljendamatut asja, mis on elus ja minus endas olemas ja millest kunagi raamatutes korralikult ei kirjutata.
(9) Sel ajal, kui mina lugesin, toimusid looduses salaja muutused. (10) Oli päikeseline ja pidulik; nüüd on kõik pime ja vaikne. (11) Vähehaaval kogunes taevasse pilvi ja pilvi, paiguti, eriti lõuna poole, ikka särav ja ilus, aga läänes, küla taga, selle viinapuude taga, vihmane, sinakas, igav. (12) Kauge põlluvihma soe pehme lõhn. (13) Aias laulab üks oriole.
(14) Mees naaseb surnuaialt mööda kuivlillat teed, mis kulgeb rehepeksu ja aia vahel. (15) Tema õlal on valge rauast labidas, mille külge on kleebitud sinimust mulda. (16) Nägu on noorem, klaar. (17) Müts lükatakse higiselt laubalt maha.
(18) - Istutasin oma tüdrukule jasmiinipõõsa! - ütleb ta rõõmsalt. - Hea tervis. (19) Kas sa loed kõike, koostad kõik raamatud?
(20) Ta on õnnelik. (21) Mida? (22) Ainult sellepärast, et ta elab maailmas, see tähendab, et ta teeb midagi maailmas kõige arusaamatumat.
(23) Aias laulab oriole. (24) Kõik muu muutus vaikseks, vaikseks, isegi kukke polnud kuulda. (25) Ta laulab üksi, tehes aeglaselt mängulisi trille. (26) Miks, kelle jaoks? (27) Kas aed, pärandvara on endale, sada aastat elatud elule? (28) Või äkki elab see valdus tema flöödilaulu eest?
(29) "Istutasin oma tüdrukule jasmiinipõõsa." (30) Kas tüdruk teab sellest? (31) Mees arvab, et teab ja võib-olla on tal õigus. (32) Õhtuks unustab mees selle põõsa – kelle jaoks see õitseb? (33) Kuid see õitseb ja tundub, et see pole asjata, vaid kellegi ja millegi jaoks.
(34) "Sa loed kõike, leiutate kõik raamatud." (35) Miks leiutada? (36) Miks kangelannad ja kangelased? (37) Miks romaan, lugu, alguse ja lõpuga? (38) Igavene hirm tunduda mitte piisavalt raamatulik, mitte piisavalt sarnane nendega, kes on kuulsad! (39) Ja igavene piin on igavesti vaikida, mitte rääkida täpselt sellest, mis on tõeliselt sinu ja ainus tõeline asi, mis nõuab kõige legitiimsemat väljendust ehk jälge, kehastamist ja säilitamist, vähemalt sõnades!
Koosseis
Milline hämmastav lugu A. P. Tšehhovilt! Nagu selle kirjaniku puhul ikka, ei saa sa kohe aru, mida ta oma teosega öelda tahtis, millistele küsimustele ta sind mõtlema kutsub.
Suvepäev. Lüüriline kangelane loeb raamatut, mille äkitselt nördimusega minema viskab: „Ma elasin pool oma elust mingis olematus maailmas, inimeste keskel, keda pole kunagi olemas olnud, leppisid välja, muretsesid oma saatuse, rõõmude ja murede pärast, nagu oleks see minu oma. ...” Talle tundub, et ta on ärganud raamatuvaimustustest ja vaatab uue pilguga “sügavatele, imelistele, väljendamatutele asjadele, mis elus eksisteerivad”. Ümberringi on imeline loodus, pidevalt muutuv maastik. Ilmub uus nägu: selge, noorenenud näoga mees. "Istutasin oma tüdrukule jasmiinipõõsa," ütleb ta. Saame aru, et ta istutas selle põõsa oma tütre hauale. Miks siis olla õnnelik? Oleme kangelasega koos hämmingus. Ja siis saabub arusaam: tüdruk ei saa sellest põõsast teada, kuid see õitseb "mitte ilma põhjuseta, vaid kellegi ja millegi pärast". Ja jälle tagasiminek eelmiste mõtete juurde: milleks kirjutada romaane ja lugusid? Ja siit tulebki arusaam: probleem, mis teeb muret nii Tšehhovi kangelasele kui ka kirjanikule endale, on kunsti eesmärgi probleem. Miks on inimesel vaja end väljendada raamatutes, luules, muusikas, maalis? Nii sõnastaksin ma lüürilise kangelase mõtetest tuleneva küsimuse.
Ja vastus sellele on teksti viimases lauses: “Ja igavene piin on igavesti vaikida, mitte rääkida sellest, mis on tõeliselt sinu ja ainus tõeline asi, mis nõuab kõige õiguspärasemat väljendust ehk jälge, kehastus ja säilimine, vähemalt ühesõnaga! Autori positsioon Teisisõnu väljendades on see järgmine: loovuse eesmärk, kunsti eesmärk on öelda inimestele, mis teile muret valmistab, väljendada tundeid, mida kogete, jätta maa peale "kehastuse jälg".
Küsimus kunsti eesmärgist tegi murelikuks paljusid kirjanikke. Jätame meelde
A. S. Puškin. Luuletuses “Prohvet” pöördus “Jumala hääl” luuletaja poole:
„Tõuse üles, prohvet, vaata ja kuula,
täituge minu tahtel,
Ja meredest ja maadest mööda minnes,
Põletage inimeste südamed verbiga."
“Põletada inimeste südameid verbiga” tähendab äratada neis janu parema elu, võitluse järele. Ja vahetult enne oma surma kirjutatud luuletuses “Ma püstitasin endale mälestussamba, mis pole kätega tehtud...” kinnitab luuletaja poeetilise monumendi suurust võrreldes muude teenete põlistamise viisidega.
Inimene, kellele Jumal on andnud ande inimestele midagi omast öelda, ei saa vaikida. Tema hing nõuab maa peale jälje jätmist, oma "mina" kehastamist ja säilitamist sõnas, helis, maalides, skulptuuris...
Jaotises " Triviaalne küsimus„Esitame rumalaid või esmapilgul naeruväärseid küsimusi asjatundjatele ja kultuuritegelastele, kuid alati tänu sellele „lapselikule“ uudishimule õnnestub meil lugejate jaoks hankida värskeid, huvitavaid ja mittetriviaalseid filosoofilisi mõtteid, mis võivad hävitada olemasolevad stereotüübid tänapäeva kultuuri ja kultuuri kohta. aitab meil kunsti paremini mõista.
See number on pühendatud kaasaegse kunsti teoste tähenduste mittemõistmise probleemile, millega vaataja sageli silmitsi seisab. Üks Moskva kontseptualismi rajajaid Andrei Monastõrski arvas, et kui kunstniku looming on kohe arusaadav, siis vaatajal pole esteetiline töö mitte teadvuses ega tunnetes.
Ekaterina Frolova vestles selliste kuulsate ja mõjukate kunstnikega nagu Olga Sviblova, Alexandra Obuhova ja Vassili Tsereteli, et välja selgitada, kas arusaamatus mõjutab vaatajat tõesti mitte vähem kui mõistmine.
Michael Landy, installatsioon Doubting Thomas (elusad pühakud)"
Olga Sviblova, Moskva multimeedia kunstimuuseumi asutaja ja direktor
Arusaamatus mõjub inimestele üldiselt halvasti. Kuid arusaamatus on suhtluse arengu aluseks, nagu ütles Juri Lotman (kuulus vene kulturoloog - märkus “365”). Kaasaegne kunst on keel, mis muutub ülikiiresti. Seega, kui ma üritan hiinlastega rääkida ja neist aru ei saa, pole see põhjus hiinlaste peale vihaseks saada. Ka hiina keele mittemõistmine võib meie Pekingis orienteerumist keerulisemaks muuta või viia selleni, et tellime menüüsse vale asja. Kuid see pole hiinlaste ega hiina keele süü, vaid meie teadmatus hiina keele suhtes. Seega, kui me keelest aru ei saa, siis me kas proovime seda õppida või valime olukorrad, kus saame ilma selleta hakkama. See tähendab, et me ei lähe Hiinasse ja ei telli Hiina restorani Hiina roogasid. Vaatajal on valida: kas püüda keelest aru saada ja teha sellega seotud pingutusi või lihtsalt mitte minna kaasaegse kunsti näitustele, sest tal pole kohustust neile minna. Moodsa kunsti vääritimõistmine ei mõjuta vaatajat kuidagi, sest kunst ise on sümboolne objekt ja see ei mõjuta kedagi, kui muuseumis või mõnes muus näitusepinnas järgitakse ohutusnõudeid.
Ai Weiwei installatsioon "Kunstniku plahvatus" 55. Veneetsia biennaalil
Alexandra Obukhova, režissöör teaduslik osakond Moodsa kunsti muuseum"Garaaž"
Arusaamatus on kõige võimsam tõukejõud kunstiteose tähenduse mõistmiseks. Kui see on avatud, siiras inimeneütleb: "Ma ei saa aru, mis mind ees ootab," teatab ta sellega oma kavatsusest see välja mõelda, teemast aru saada. Ja siis ilmub talle kunst kogu oma täiuses. Mis puutub inimestesse, kes pole valmis uuteks, kinnisteks, sallimatuteks inimesteks, siis vähene arusaamine sellest, mida nad näevad, eriti mittemõistmine moodsa kunsti alustest ja olemusest, paneb nende jaoks teema lihtsalt korraks kinni. kõik. Läbipaistmatus mõistmiseks, moodsa kunstiteose hermeetiline olemus on tegelikult selle üks olulisemaid omadusi. Suures osas pidasid praegused vene kunstnikud vääritimõistmist töö üheks positiivseks omaduseks. Moskva kontseptualismi klassik Andrei Monastõrski ütles oma objekte kommenteerides: „Kui neid käsitledes tekib küsimus: „Mis see on? Ma ei saa päris täpselt aru, mis siin toimub” või mis kõige parem: „Lõpuks ma ei saa aru, mis see on” – siis on hea, siis töötavad nii, nagu peavad. See on "positiivse vääritimõistmise" tagajärg, mis peaks olema igale omane hea töö kaasaegne kunst. Kui vaataja on valmis millekski uueks, valmis mõtlema sellele, mis tundub võõrana, harjumatuna, ja tunneb midagi selles osas, mis on väljaspool tavalist, siis on tal võimalus läbi murda enamale. kõrgel tasemel reaalsuse, mitte ainult kaasaegse kunsti mõistmine.
Kaasaegne kunst ei ole loodud imetlemiseks. Tema asjad ei ole rõõmsa äratundmise objektid. Miski pole kaugemal lihtsad naudingud kui kaasaegne kunst. Asi on kasutada nii palju kui võimalik. inimressursse, ehk mitte ainult silm (see tähendab tunne), vaid ka mõistus. See on loodud vaataja mõtlema panemiseks. Teisalt, kas vaataja saab kõigest aru, kui ta vaatab Rubljovi “Kolmainsust” või Düreri “Melanhooliat”? Tunnistan, et ma ise ei saa alati aru, mida kaasaegse kunsti näitustel näen. Ja kui kõik on mulle selge, siis ma ei ole huvitatud.
Thomas Hirschhorn, "Lõika"
Vassili Tsereteli, Moskva moodsa kunsti muuseumi (MMOMA) tegevdirektor
minu arvates haritud inimene peab mõistma teda ümbritsevat keskkonda, olukorda ja tegelikkust. Kunst on tänapäeval see, mida me hingame kaasaegsed kunstnikud, mis tungib reaalsusesse, mis meid kõiki ümbritseb. Inimene, kes püüab olla vaba, haritud ja intelligentne, soovib saavutada edu nii karjääris kui ka isiklikus elus, ei pea tingimata kunsti mõistma ja olema professionaal. Ta peab lihtsalt muuseume külastama, palju lugema, kunsti vastu üldiselt huvi tundma, kaasaegne muusika, kirjandus. Muidugi võite kõike ignoreerida ja mitte kuhugi minna, mitte enda kallal töötada, kuid see on lihtsalt inimese taseme, tema arengu näitaja. Seetõttu on väga oluline, et lapsed areneksid alates lapsepõlvest, koolides ja haridusasutused loodi kursused lõimumisest kaasaegsesse kunsti ja kultuuri, põhimõtteliselt kunstiajalukku laiemalt, et inimene tunneks ja mõistaks kultuuri. Teadlikkus ja kogemus sellistest asjadest muudab meid lahkemaks, targemaks, kohanemisvõimelisemaks igas elusituatsioonis. Muidu näeme palju näiteid, kus inimestel tekib kergesti motivatsioon valedeks tegudeks ning kuidas inimesed ei hinda seda, mis varem loodi ja mida praegu luuakse, ega hinda neid tööd ja annet, mis neid ümbritseb. Selline ühiskond muutub paratamatult barbaarseks ja kultuurituks.
Julia Grachikova, kuraator ja osakonnajuhataja asetäitja haridusprogrammid Moskva muuseum
Sest viimastel aastatel institutsioonid kogesid vaatajatega suhtlemise strateegiate mitut etappi. Venemaa kontekstist rääkides tasub meenutada, et kunstiprojektide publikuks olid pikka aega professionaalid ja kunstiringkond. 2010. aastatel ja isegi veidi varem koges Moskva institutsioonides huvi suurenemist kaasaegse kunsti kui vaba aja veetmise formaadi vastu, mis on "ilmaliku" avalikkuse elu hädavajalik moekas atribuut. Selle protsessi käigus käivitati "populariseerimisvahendid", sealhulgas need, mis on seotud suhtluse "keele" lihtsustamisega: vahendajate ja juhendite armeed, kõige kättesaadavamad mõisted, tähe nimed, “selfie laigud” näitustel jne. Kas kaasaegne kunst on tänu sellele muutunud selgemaks ja kättesaadavamaks? vastuoluline küsimus. Lihtsustamine ei tööta sel juhul kunstiprojektide "poolt", vaid "vastu". Kaasaegse kunsti kasutusalad suur hulk teabeallikad, apelleerib filosoofiale, kunstiajaloole ja ajaloole üldiselt, poliitilistele, sotsiaalsetele ja majanduslikele protsessidele. Vaatajale pole kunstiga suhtlemine vähem töö kui kunstnikule. Arusaamatus kutsub sel juhul esile analüüsisoovi, seisukoha sõnastamise, suhtumise mitte ainult konkreetsesse kunstiline töö või avaldust, aga ka konkreetseid küsimusi või ideid, mida see töö käsitleb. Kunsti elitaarsus ei seisne selle „sulguses” üldsuse ees, vaid nõudmistes intellektuaalse ettevalmistuse järele, nõudmistes töötada teadvuse ja tunnetusega. Ja sel juhul annab arusaamatus rohkem kui mõistmine. Kaasaegne kultuur kannatab “popkornipoliitika” all, mille puhul inimene ei pinguta intellektuaalse tarbimise nimel. "Arusaamatust" ja kompleksist keeldumine muutub degradatsiooni põhjuseks. Selle probleemi teine pool on see, et "arusaamatus" viib kaasaegse kunsti tagasilükkamiseni, suhtlemisest keeldumiseni ja karmi kriitikani. Aga ma olen juba korduvalt öelnud, et ka traditsiooniline klassikaline kunst nõuab ettevalmistust ja võib samamoodi tekitada arusaamatusi. Ja mõju, mida see "arusaamatus" põhjustab, sõltub otseselt vaataja ja publiku "kvaliteedist". Seega pooldan täielikult "arusaamatust" kui tõhusat vahendit teadvuse ja tunnetuse stimuleerimiseks.
Ai Weiwei, VALGUSE PURSKAS
Natalja Litvinskaja (Grigorieva), Lumiere Brothersi fotograafiakeskuse asutaja ja kuraator
Tõenäoliselt saame vastutada vaid selle eest, et meie vaatajad ja külastajad ei mõista konkreetseid näituseprojekte. Kunstist üldiselt vääritimõistmist, ma loodan, siin maailmas ei juhtu. Näitus ei ole lihtsalt muuseumina üles riputatud tööde kogum. Igal näitusel, nagu igal tööl, on idee, mida me püüame edasi anda, ja just seetõttu me seda näitust teeme. Arusaamatus või arusaamatus saab tekkida vaid siis, kui näitus lihtsalt ei realiseerinud seda ideed, millest ta unistas. Kuraator lõi näituse endale ja oma lähipublikule või ei suutnud seda lihtsalt realiseerida. Selle tulemusena jäi vaataja ootuste pantvangi, kellel oli ostetud näitusepilet käes ja tundega, et ta on oma aega raisanud, ja vahel ka kurvemate tunnetega. Ma ei ole tegelikult nõus mittekaasaegse ja kaasaegse kunsti vahelise jäiga gradatsiooniga, eriti kui me räägime viimase väljendunud vääritimõistmise kohta. Ma ei mäleta oma lapsepõlvest perioodi, mil kõik mõistsid Tretjakovi galerii oma peasaalides näidatud kunsti või kõigi lemmikut Puškini muuseum. Lisaks polnud muuseumid tollal oma hariduse vallas külastajatele nii avatud, kuid tänapäeval on kõik muuseumiruumi ümber toimuv kolossaalne positiivne etapp Moskva elus. Kunst isegi ei kõnni, vaid jookseb Moskva külalise juurde, tuues talle midagi, millest ei räägita ega kirjutata, püüdes olla aus ja asjakohane. Kunstnik muutub nõutuks, tema ideed ja väljaütlemised on üks ehitusmaterjal, mille kuraator toob sellele avatud külastajani. Kuraator on see, kes peab näitusekülastuse harmooniliseks muutma ja ma jätaksin kunstniku rahule ja annaksin talle võimaluse teha seda, mida ta teha ei saa, muidu kaob kunst ja ainult ilus ja naljakad pildid, ehkki kõigile arusaadav, aga keegi ei vaja.
Aristarkh Tšernõšev ja Aleksei Šulgin, installatsioon “Suur kõnerist”
Anatoli Osmolovski, 2007. aasta Kandinski auhinna laureaat kategoorias “Aasta kunstnik”, Moskva aktsionismi silmapaistvamaid esindajaid, Moskva Kaasaegse Kunsti Instituudi “Baza” rektor»
Kaasaegne kunst, nagu kõik muu kaunid kunstid, erineb kõigist teistest tüüpidest, nagu kirjandus, teater, muusika ja kino, selle poolest, et see tegeleb ainulaadsete esemete loomisega. See annab talle suurema sõltumatuse avalikkusest. Et kunstnik elaks ja töötaks, peab tal olema üks või kolm jõukat fänni, kes ostavad tema kunstiteoseid ja annavad võimaluse töötada. Sõltumatus avalikkusest on peamine põhjus, miks kaasaegne kunst on kõigist teistest olemasolevatest tüüpidest kõige eksperimentaalsem hetkel. Loomulikult kaasneb eksperimenteerimise ja ebatavaliste objektide loomisega kompleksi loomine teaduskeel nende kirjeldamiseks. Paljud vaatajad, kes seisavad silmitsi arusaamatute kaasaegse kunsti objektidega, loodavad saada selgitusi erinevaid tekste, mis osutuvad samuti mõistmisest “hermeetiliselt suletud”. Kaasaegne kunst on väga range distsipliin, siin on võimatu praktiseerida, nagu öeldakse: "mis tahad, tee seda." IN kaasaegne kunst, nagu loodusteadustes, füüsikas või matemaatikas, on teatud lahendusalgoritmid, kuid kunstis on rohkem vabadust ja ruumi lahendustele. Kui inimesed tahavad seda uurida, saavad nad seda teha. Usun, et selleks kulub umbes kaks aastat. Esiteks on vajalik kunstiajaloo analüütiline mõistmine ja teiseks vaatlus. Moodsa kunsti ja klassikalise kunsti vahel pole tugevat erinevust. Need on omavahel seotud asjad – moodne kunst tekkis klassikalisest kunstist ja on selle lahutamatu osa. Seetõttu on vaatlus väga oluline klassikaline kunst. Peate hästi tundma klassikalist kunsti, mõistma selle kujunemise põhimõtteid ja ajalooline transformatsioon. Kunstil on väga kõrge tootlus, kui investeerida lootustandvatesse kunstnikesse. Nende töö võib algul olla odav, kuid 10 aasta pärast võib see maksta 1000 või 10 000 korda rohkem. “Suletus” ja “hämarus” mängivad väga olulist rolli erinevate spekulantide, kunstiga kerget raha teenida soovivate inimeste väljasõelumisel.
Yin Xiuzhen, paigaldustemperatuur
Konstantin Grouss, kunstiline juht, rahvusvahelise kultuuriprojekti "Art Residence" ja projekti juhtNULLTantsGalerii
Tahaksin vastata sellele: vaataja jookseb raamatukokku või oma õpetaja juurde küsimusega "Mis see oli?" Kõik aga ei jookse. Isiklik kogemus ja kultuuripagas määravad ära reaktsiooni arusaamatustele. Mõista on võimalik kõike ja kõiki - kunstnikust oleneb, kas ta suudab kultuurikoodide konsonantsist publiku teadvuses äratada selle “tahan aru saada”. Kunst on kunstniku keel, nii et mitte Mis ja kuidas, vaid Kes ei määra kunstniku meediumi jõudu, ühendades erinevaid teadmisvaldkondi. Vaataja erineb vaatajast nägemis- ja kuulmisteravuse, elukogemuse ja hetkemeeleolu terviku poolest. Paljud katsed ennustada vaataja ühemõttelist reaktsiooni on ebaõnnestunud isegi kõige laitmatumate artistide seas. Nii kujutava kunsti kui teatri, tantsu, muusika vallas. Seetõttu sõltub reaktsioon tehnikale reaktsioonist keskkonnale (kokku kultuurikood kunstnik ja tema teosed. - Ligikaudu Grousse.), sealhulgas kunstniku enda isiksus, kes kunstis, eriti kaasaegses kunstis, on tähtsam kui tema keel. Parim vastus oleks minu arvates see, kui vaataja prooviks kunstniku sõnumit oma sõnadega edasi anda. Seetõttu avaldus "Ma saan ka seda teha!" Pean seda täiesti vääriliseks arusaamatuse tagajärjeks, sest see tekitab sisemuses vastuküsimuse - "Kas ma saan?"
XIII Veneetsia biennaali Venemaa paviljon
KRÜLOV SERGEI NIKOLAJEVITŠ
nimelise Peterburi Riikliku Kunsti- ja Tööstusakadeemia kunstiajaloo ja kultuuriuuringute osakonna aspirant. A. L. Stieglitz"
Märkus:
Artiklis tuuakse välja peamised tegurid, mis takistavad kunstniku ja avalikkuse vastastikust mõistmist. Autor usub, et kaasaegne kunst on süsteem, millel on oma krüpteeritud keel, mis on välja kujunenud viimase pooleteise sajandi jooksul. Alates 19. sajandi keskpaigast toimus lääne ühiskonna väärtushinnangutes järkjärguline muutus, mis kajastus kunstis kui esteetilisest ideaalist kõrvalekaldumine kontseptuaalse kasuks. Autor usub, et ka kaasaegse kunstiga hästi kursis olev avalikkus ei suuda alati väärtust täielikult hinnata kunstiteos ilma autori erilise selgituseta, mis on kahtlemata märk ühiskonna ja postmodernismi kultuuri vahelise konflikti süvenemisest. Kui varem tekitas teos emotsioone esteetilise mõju kaudu, siis kaasaegne kunst otsib originaalseid viise avalikkuse mõjutamiseks.
Kultuur tervikuna väljendab ühiskonna vaimset seisundit, kunst aga
on reaktsioon emotsionaalsele puhangule. Kui kaua on kunstiajalugu eksisteerinud?
Vaidlusi on nii palju: kas kunstis peetakse mõnda uuenduslikku nähtust progressiks?
või kultuuri pidev degradeerumine. Põllul humanitaarteadused see on keelatud
ignoreerida tõsiasja, et tervikliku loogika konstrueerimine on keeruline ja mõnikord isegi võimatu
süsteemid. Kaasaegse kunsti kirjeldamiseks kasutatav sõnavara on järk-järgult
muutub eriline keel- raske, sageli hirmutav oma keerukuses. Siiski
vähem, „kunstiteaduses teoreetilisel lähenemisel tegelikult puudub
alternatiive ja pole vahet, kas räägime moodsast või klassikalisest kunstist. Ükskõik milline
uuel kunstiajaloo väljaandel on väärtus vaid argumendina
mis tahes teoreetiline vaidlus osana intellektuaalne ajalugu" Kuni keskpaigani
19. sajandil üritavad vähesed kunstnikud sõnastada oma süsteemi,
võimeline õigustama loomingulise tegevuse originaalsust.
Arvatakse, et E. Manet tegi esimesed katsed kunsti eneseidentifitseerimisel,
esimene maalikunstnike seas, kes alustas teose vormilise keerukuse otsinguid. tema juurde
sooviga luua uusi põhimõtteid igapäevaprobleemide lahendamisel, ta kaudselt
ennetab peaaegu kogu avangardistlikku loovust, kõige reaktsioonilisemates vormides
suuteline lahkuma Vana-Kreeka keelel põhinevast lääne kultuurisüsteemist
arusaam esteetikast ja ilust.
Lahenduse lihtsuse tõttu realistlikus kunstipraktikas tekib küsimus
teoreetilist põhjendust tekib harva isegi võrreldes
dekoratiiv- või kiriklik kunst. A.V.Makeenkova järeldab „keele keerukusest
teosed" kui üks kunsti mõistmise raskuste probleeme. Kahtlemata,
autori keel võib olla arusaamatu, kuid see ei saa kuidagi sõltuda
töö suunda. Taju keerukust mõjutab pigem formaalne
märgid, nimelt: näiteks kunstniku kasutatud vahendid ei ole traditsiooniliselt
kunstile omane: uued tehnilised võimalused, multimeedia – ehk need
omadused, milles vorm-loovus püüab end isoleerida ja kehtestada. Mulle meeldis
Kas töö on meile või mitte, saame aru, millest see räägib, aga siin on, kuidas see on
täidetud - mitte alati.
Kultuuri areng kaasaegses globalistlikus ühiskonnas on võimatu
mida peetakse väljaspool loodud ideoloogiate konteksti valitsevad kihid. Originaal
kunstnikke – olenemata sellest, mida nad loovad – peetakse radikaalseteks
häälestatud. Mõelge silmatorkavale näitele: „konservatiivsed poliitikud ja kunstikriitikud
USA ajal külm sõda rünnata abstraktset kunsti kui
“kommunist”, 20 aastat hiljem tõestab L. Reinhardt seda täpselt
realistlik kunst läänes on protestikunst, mitte abstraktne kunst, mis on
et aeg on juba saamas kapitalistliku kultuuri sümboliks. K. Marx märgib samuti
asjaolu, et ostu sooritades ei omanda me mitte ainult asju, vaid esemeid,
täis ideoloogiat. Massiideoloogiat juhtides saab teadlikult
tunnetega manipuleerida sotsiaalsed rühmad. Lääne tsivilisatsioonis on inimesed harjunud
saada naudingut kunstiteosest ennekõike: visuaalne,
esteetiline, moraalne ja intellektuaalne. Viimase sajandi jooksul me
täheldame järk-järgulist nihkumist välja kujunenud kunstiliikideks jagunemiselt
tuhandeid aastaid; seal on kujutav staatiline kunst sulandunud luulega,
muusika, tants, video ja lõpuks “kõvad” teadused, nii formaalsed kui ka
ideoloogiliselt. Publik, kes on kultuuriliselt valmis mõtisklema uue üle
kunst, saab kunstnikult teatud pusle, mis on suunatud aktiivsele tööle
kujutlusvõime, eruditsioon, intuitsioon ja intelligentsus, saades sellest suurimat naudingut.
Imetlust äratavad teose puht visuaalsed ja esteetilised omadused,
taandub tagaplaanile, kuna avalikkusele esitatakse vaid idee kehastus
kunstnik. Kaasaegne kunst kutsub vaatajat ajutiselt eemalduma
sotsiaalsed massid, et näha midagi enamat; populaarkultuuri kriitika kaudu
on kriitikat ideoloogia ja kunsti enda vastu.
Kunsti tehniline reprodutseeritavus on kahtlemata suhtumist muutnud
ühiskond kunstnikule, maalide reprodutseeritavuse leiutisega, meelitada
vaataja huvides, peab maalikunstnik töösse panema seda, mida ta ei suuda edasi anda
fotograafia, näiteks maksimaalne emotsionaalne komponent, uus tehniline
tähendab, mis mõjutab samaaegselt erinevaid meeli. Mingil määral igal ajal
toimus kunstide süntees, kuid polümeedia tekkis alles 20. sajandi alguses.
vaataja kõiki meeli mõjutavad teosed, mis on
kõige keerulisem ülesehituselt looming, tegevused, sündmused. Dadaistid sunnivad avalikkust
aktsepteerima uus lähenemine kunsti mõistmisele: ei taha meeldida, pakuvad nad ikka
loobu passiivsest imetlusest ja saa osa tegevusest. Kunstiteos
võib saada elust laenatud objektiks: keskkonnaks või valmis, - ideeks,
mis põhineb taju rõhuasetusel ehk eseme, teose mõtisklemisel
kunsti teeb vaataja ise. Pärast M. Duchampi saab kogu oma olemuselt kunst
sõna või mõiste. Samal ajal kogeb klassikaline mimeetika teooria
kriisi ja ei suuda õigustada visuaalsete esituste mitmekesisust. Varem inimene
Olen harjunud saama naudingut kunstiteose üle mõtisklemisest. Ühiskond
pidas enesestmõistetavaks, et see oli ebaloomulik iseloom, keerukus ja rikkus
esteetiline märk või isegi keel andis teosele kunsti staatuse, nüüd
teoses olevate kujutiste ja nende referentide vahel praktiliselt puudub distants.
Viimase poole sajandi jooksul on kunst pöördunud nende teemade poole, mis varem olid ühtlased
kunstiajalugu ei huvitanud. Kehastab sünteesi ideed, morfoloogiline
kunsti raamistik laguneb, paljastades kunstniku kuju ühiskonna ees. KOOS
uute suhtlusvahendite tulekuga on taju ise muutunud – visuaalsest orientatsioonist
multisensoorseks. Kunst võib allutada kõik inimlikud võimed
ühtsuse soov loominguline kujutlusvõime. Sotsialiseerumise suund
kunst sisse lääneriigid areneb iseseisvalt, Euroopas on see rühm
“Situationist International”, USA-s - neodadaistid ja “Fluxus”, kes usuvad
päästes kunsti kommertsialiseerumisest, mis ähvardab muuta selle äärmiselt
prestiižne tarbeese. Töötavad vabamõtlevad kunstnikud
projektide kohta, kaasates muusikuid, luuletajaid, tantsijaid. Sedalaadi tulemus
tegevus on muutumas uueks multidistsiplinaarseks esteetikaks, mis põhineb vastastikusel
inspiratsiooni, rikastamist ja katsetamist. Etendus võimaldas kunstnikele
lõplikult kustutada piirid väljendusvahendite, kunsti ja
elu. Performatiivne praktika oli protestiküsitlus
üldtunnustatud väärtusi ja käitumismustreid, ei saaks need eksisteerida ilma dialoogita
vaataja. Kunstnikud seovad end otseselt teiste inimestega, nende eluga
kogemust ja käitumist. Kunsti ja elu sulandumine, kui omandatud põhiidee
äärmuslikud ja kurioossed vormid inglaste Gilberti ja George'i seas. Manzoni muutus
ümbritsevate inimeste "elavad skulptuurid", nad muutsid end "eluskulptuurideks" ja
muutsid nende elu kaudselt kunsti teemaks.
B.E. Groys tõstab 21. sajandi teoreetiku positsioonilt esile kunsti ülesande demonstreerimisel
erinevaid kujundeid ja elustiile praktiliste teadmiste kaudu. Tähendab
sõnum ise muutub sõnumiks. "Tunnistame, et see on üks olulisemaid
viimase 10 - 15 aasta kunstisuundumused on levinud ja
grupi ja sotsiaalselt kaasatud loovuse institutsionaliseerimine",
mille väljenduse leiame interaktsioonikunsti erilises populaarsuses.
M. Kwon leiab uus vormiriietus kunst kui "kogukonna spetsifikatsioon"
K. Basualdo on "eksperimentaalne kogukond", G. Kester defineerib seda kui "dialoogilist kogukonda".
kunst." Kesteri mõte on, et kunsti ülesanne on astuda vastu maailmale, milles
inimesed leiavad end taandatuna pihustatud tarbijate pseudokogukonnaks, kelle
emotsionaalse kogemuse määrab etenduse ja proovide seltskond. Kui koostöö
varem organiseeritud rühmad paljastab ekspluateeriva iseloomu, aga mitte
võib peegeldada sotsiaalse suhtluse mustrit. Ühises vastasseisus
kapitalism, kunstnikud ühinevad omavahel, kutsudes väljastpoolt publikut,
kes peaks end enesekindlalt töös osalejana tundma. Erinevalt
televisioon, kunst ei hävita, vaid liidab suhteid, muutudes kohaks
konkreetse suhtlusruumi loomine. Kui G. Hegel helistas ühele
kunsti kriisi olulisemateks põhjusteks on inimvõime kadumine otse
kunstiteose kogemus (“Kunstiteoste vabadus, mis
uhked oma eneseteadvuse üle ja ilma milleta neid ei eksisteeriks – see on nende endi kavalus
meelt. Kui kunstiteosed on vastused nende endi küsimustele, siis
selle tõttu muutuvad nad ise küsimusteks."), siis dialoogilise eelis
tüüp kunstiline praktika kas see on kriitiline analüüs stereotüübid
arvamuste vahetamise ja arutelu, mitte šoki ja hävingu vormis.
Koostöökunst püüdleb pigem ligipääsetavuse kui eksklusiivsuse poole; V
Dialoogis on refleksioon vältimatu, kuna see ei suuda iseenesest konstrueerida
tööd.
Praktikas seab kunstniku ja avalikkuse ühendamise idee ise barjääri,
lähenemist segades, muutudes kahtlemata kõige enam tegelik probleem. avalik,
vähe kursis kunstisuundadega, kaldub kõikidesse ilmingutesse
kaasaegset loovust ja püüab vältida kontakti. Dialoogist keeldumine muutub
arusaamatuse algpõhjus. Kunstnik väljendab eneseohverdust,
autori kohalolekust loobumine suhete kasuks, osalejate lubamine
räägi enda kaudu. See idee väljendab kunsti kui sellise ohverdamist ja selle soovi
täielik lahustumine sotsiaalses praktikas.
Taju ainsaks elemendiks jäävad tunded – põhikriteerium
kunstiteose tekkimine ja olemasolu, mille algus on
kogemused ja emotsioonid. Nagu märgib V. P. Bransky: "See, kelles objekt ei põhjusta
ei tundeid, ei märka sellel objektil kümnendikkugi neist tunnustest, mis
avatud inimesele, kellele jääb objektist tugev mulje. Niisiis
Seega võite paradoksaalsel kombel midagi vaadata ja mitte midagi näha.
Iga kunsti algpõhjus pole mitte niivõrd kontekst, kuivõrd vaba tunne
minevik, mida piiravad filosoofia, esteetika, ilu, proportsioonid ja teised
kultuuritraditsioonid. Postmodernne kunst põhineb eelkõige
tundeid ja seda pole võimalik ühegi teise kriteeriumiga mõõta!
KIRJANDUS
1. Rykov A.V. Lääne kunst XX sajand: Haridus- ja metoodiline käsiraamat. - Peterburi: uus alternatiiv
Polügraafia, 2008. Lk 3.
2. Dempsey, Amy. Stiilid, koolid, suunad. Kaasaegse kunsti juhend. - M.: Kunst -
XXI sajand, 2008. Lk 191.
3. Piiskop, Claire. Sotsiaalne pööre kaasaegses kunstis - M.: Kunstiajakiri, 2005, №
58/59. S. 1.
4. Adorno, W. Theodor. Esteetiline teooria / Trans. temaga. A.V. Dranova. - M.: Vabariik, 2001. Lk 12.
5. Bransky V.P. Kunst ja filosoofia. Filosoofia roll kunsti kujunemisel ja tajumisel
töid maalikunsti ajaloo eeskujul. - Merevaigulugu, 1999. Lk 6.