- " onclick="window.open(this.href," win2 return false >Prindi
- Meil
Õhukesest lehtmetallist ja traadist valmistatud detailide graafiline kujutis
Õhukesest lehtmetallist ja traadist valmistatud osad on kujutatud kui tehniline joonis, joonis, eskiis. Mitme toote joonised on näidatud allolevatel piltidel.
Ava läbimõõt rõngad on tähistatud märgiga Ø (vt pilti paremal). Selle märgi kõrval olev number näitab augu läbimõõtu millimeetrites. Kui läheduses on mitu sama läbimõõduga auku, siis joonisele pikendusjoone kohale (alates ühest august) kirjutatakse aukude arv ja nende läbimõõt.
Osa paksus valmistatud õhukesest plekist joonisel on tähistatud tähega S, A kohe tähe järele asetatud number on detaili paksus millimeetrites.
Raadius tähistatakse märgiga R, selle kõrvale panid nad number, mis näitab raadiuse suurust.
Kui traadi läbimõõt on alla 2 mm, on see joonisel kujutatud tugeva jämeda põhijoonena (vt joonist vasakul).
Üle 2 mm läbimõõduga juhtmeid näitavad kaks paralleelset pidevat jämedat põhijoont, mille keskel on aksiaalne kriipsjoon (vt joonist paremal).
Voldi jooned joonisel (visandil) tuleb näidata kahe punktiga kriips-punktjoonega,
ringide keskpunktid, augud- täisnurga all lõikuvad kriipsjooned (keskjooned).
Punktiirjoonega keskjooned peavad ristuma kontuurjoontega.
Traadi tooriku pikkuse arvutamisel pidage meeles, et ümbermõõt on võrdne 6,28R.
Slaid 1
10.A klassi õpilase Mitrohhin Sergei ooperitöö Juht: Timoškova Tatjana Nikolajevna 2009Slaid 2
Sisu: Ooperiteoste ajalugu Ooperifiguurid Ooperiteosed
Slaid 3
Ooperlik loovus Muusikateatril on pikk ajalugu. Selle päritolu peitub rahvafestivalidel ja mängudes, mis ühendasid laulu, tantsu, pantomiimi, tegevust ja instrumentaalmuusikat. Ka antiikaja draamalavastused ei saanud hakkama ilma muusikata. Selle roll on samuti suur iidne tragöödia, ning keskaegsetes rahva- ja kultuslikes (“pühades”) etendustes. Ooper tekkis aga draamakunsti eriliigina, milles muusika on tegevuse aluseks, 16.-17. sajandi vahetusel. Paljudes rahvuskultuurid Euroopa otsis renessansiajastu humanistlike ideede mõjul võimalusi uut tüüpi muusikaliste ja teatrietenduste loomiseks. Neid otsinguid kroonisid kõige varasemad ja olulisemad ideoloogilised ja kunstilised tulemused klassikalises renessansiriigis - Itaalias. Esialgu polnud etendustel täpset nimetust ja neid kutsuti favola in musica ( muusikaline muinasjutt), siis draama muusikas (muusikadraama), siis lõpuks ooper muusikas ( muusikapala), ehk lühidalt ooper (ooper, sõna otseses mõttes - tegevus, töö; ladina keeles tähendab ooper tööd, loomist). Ooperietendused 17. sajandi esimesel kolmandikul olid mõeldud eelkõige õukonnaaadlikule. Kuid alates 1637. aastast in erinevad riigid Euroopas avatakse avalikke muusikateatreid, mis on kättesaadavad linnaelanikkonna laiemale osale. Tasapisi võttis ooper ühiskonnaelus olulise koha ja sai maailmakultuuri lahutamatuks osaks.
Slaid 4
Slaid 5
17. sajandil kerkis esile rida suuremaid heliloojaid – rahvuslike ooperikoolkondade rajajaid. See on C. Monteverdi Itaalias, J. B. Lully Prantsusmaal, G. Purcell Inglismaal. Ooperite sisuks olid mütoloogilised või ajaloolis-legendaarsed teemad. Parimad teosed peegeldasid meie aja humanistlikke ideid ja paljastasid seoseid rahvamuusikaga, kuid nende autorid ei suutnud täielikult vältida feodaal-absolutistliku ideoloogia, esteetilise maitse ja aristokraatliku keskkonna vaadete mõju. Neid etendusi nimetati opera seriaks (sõna otseses mõttes tõsine ooper); neid iseloomustas suur pompoos ja pühalik elevus. Prantsusmaal nimetati sedalaadi teoseid lüüriliseks või muusikaliseks tragöödiaks. 18. sajandil langes Itaalia ooperiseria Euroopa muusikateatrite lavadel järk-järgult; selle sisu muutus üha vaesemaks. Ka prantsuse lüüriline tragöödia on oma konventsionaalsetes vormides luustunud. Ka Hispaania koges kriisi õukonnaooper- nn zarzuela. Seoses antifeodaaldemokraatliku liikumise kasvuga tekkis suur hulk avalik tähtsus koomiline ooper, orientatsioonilt realistlik, kasutades ümbritsevast elust ammutatud argiseid teemasid, mille päritolu on seotud rahvamuusika ja teatriga. Itaalias, kus seda nimetati opera buffaks, said komöödialavastuste populaarseteks autoriteks heliloojad G. B. Pergolesi, G. Paisiello, D. Cimarosa; Prantsusmaal - F. Philidor, P. Monsigny, A. Grétry; Austrias ja Saksamaal nimetati seda uut muusikali- ja teatrižanri singspiel (sõna-sõnalt - mäng laulmisega), Inglismaal - ballaad või lauluooper (nimetatakse ka "kerjuste ooperiks").
Slaid 6
Hispaanias - tonadilla. IN viimane veerand 18. sajandil kujunes Venemaal rahvuslikult omanäoline, demokraatlik muusikateater (heliloojate M. M. Sokolovski, V. A. Paškevitši, M. A. Matinski, E. I. Fomini koomilised ooperid). 18. sajandi tegevus oli silmapaistva tähtsusega Saksa helilooja K.V Gluck (algselt Tšehhist) ja austerlane - W.A. Mozart, kes kajastasid oma loomingus. arenenud ideed valgustusajastu. Need on kaks ooperikunsti suurimat reformijat. Üks neist, kes astus aktiivselt vastu õukondliku aristokraatliku ooperimaja esteetikale ja tavadele, lõi kangelasliku muusikalise tragöödia, mis oli läbi imbunud kodanikupaatosest, ülevad tunded. Teine, tuginedes opera buffa ja singspieli saavutustele, tõi kõrgeid realistlikke näiteid komöödiast, draamast, filosoofiline lugu, mis on tähelepanuväärne elutäiuse ning muusikaliste ja dramaatiliste omaduste täiuslikkuse, tegevuse kiire ja kontrastse arengu poolest. Glucki ja Mozarti tegevus leidis aset Prantsuse revolutsioonide eelõhtul XVIII lõpp sajand – see kõige olulisem pöördepunkt Euroopa ajaloos. Vanade, feodaalsete suhete lagunemise ja uute, kodanlike suhete küpsemise rahutusperioodil oli roll muusikaline teater edumeelsete sotsiaalsete ideede hääletoruna. Edaspidi on see oma arengus tihedamalt seotud üldise evolutsiooniga muusikaline kultuur, etenduskunst ja kirjandus. Ooperi ajaloos muutub erinevate ideoloogiliste ja loominguliste suundade võitlus kunstilised stiilid, mille tingivad sotsiaalpoliitilise arengu seadused ja rahvuskultuuride tunnused. Ideoloogilise võitluse tingimustes kaitsevad arenenud kunstnikud rahvuskultuuri progressiivseid demokraatlikke aluseid.
Slaid 7
Nende uuenduslik loovus tabab kaasaegse reaalsuse vastuolusid, ajastu sotsiaalseid ja rahvuslikke vabanemise ideid, mitmekesisust. inimsuhted. Laiemaid demokraatliku kuulaja kihte kattev ooper aitab kaasa rahva eneseteadvuse kujunemisele ning on rahvuskultuuri üks kõrgemaid ilminguid. Muusikateatri ühiskondlik-poliitiline roll tugevnes prantslaste ajal kodanlik revolutsioon, mis tegi suuri muudatusi ooperi sisus ja vormides. Revolutsioonilise tõusu aastatel välja toodud kangelaslik-patriootiline teema sai suure arengu 19. sajandi ooperis ja ennekõike L. Beethoveni loomingus, kes avaldas tohutut mõju järgmiste põlvkondade muusikale. heliloojatest. 19. sajandit iseloomustas paljude klassikaliste ooperiteoste ilmumine, milles ülistatakse inimesi, üllaid inimtegusid, võitlust vabaduse, õnne ja õiguse eest. Mineviku suured heliloojad lõid tohutult erinevaid muusika- ja teatriteoseid, millest levinumad on kangelas-patriootilised, eepilised, lüürilis-dramaatilised ja koomilised ooperid. Nende tüüpide arengut on märgitud erinevaid riike oma eripäradega, olenevalt iga rahvusooperikoolkonna spetsiifilistest sotsiaalsetest, kultuurilistest ja ajaloolistest arengutingimustest. Siiski üldine trend toimus realismi ideoloogiliste ja kunstiliste võimaluste kinnitus ja avardumine. Samas mõnes ooperikoolis esimene 19. sajandi pool sajandid koos realistlikuga ka mõjutanud romantilised kalduvused. Avalduses rahvuslikku sisu ja saksa ooperikunsti vormid, mängis suurt rolli K. M. Weber, kelle töödes laulumängu rahvalikud ja igapäevased elemendid
Slaid 8
kombineerituna romantilise draama tunnustega. Weberi järglane oli R. Wagner; tema looming tähistab olulist verstaposti 19. sajandi teise poole muusikateatri ajaloos. Wagner rikastas maailma ooperikunsti silmapaistva loominguga, kuigi nii mõnigi neist pole ka vastuoluliste joonteta. Võideldes kunsti kõrge sisu eest välise meelelahutuse ja vananenud teatrikonventsioonide vastu, püüdes kehastada suuri ideoloogilisi ideid, ei vältinud Wagner ka teatud ebamäärasust, ebamäärasust ja kohati ka liigset väljenduse keerukust, mis ilmnes kõige paremini viimane periood tema loovust. Itaalia keele tüüpilised omadused koomiline ooper leidis särava väljenduse G. Rossini loomingus, kelle saavutused on märkimisväärsed ka kangelas-patriootilise ooperi vallas. Itaalia ooperi suurim klassik oli maailma realistliku kunsti üks tähelepanuväärsemaid meistreid G. Verdi. Aastakümnete pikkuse loomingulise tegevuse jooksul lõi ta erinevat tüüpi ooperi teosed. Algul tegeles Verdi rohkem kangelaslike ja isamaaliste teemadega, mis olid kehastatud romantilises mõttes. Alates sajandi keskpaigast kirjutas ta peamiselt lüürilis-dramaatilisi oopereid – psühholoogilisi draamasid, mida iseloomustab sügav realism ja mis tõusid kohati ehtsate tragöödiate tasemele. Oma elu lõpupoole, 19. sajandi viimasel kümnendil ja 20. sajandi alguses, andekad heliloojad P. Mascagni, R. Leoncavallo ja eriti G. Puccini. Nende ideoloogiliste ja kunstiliste otsingute aluseks oli 1880. aastate kirjanduslik liikumine, mida kutsuti verismiks (vero – tähendab siirast, tõest). Verists püüdis luua dramaatiliselt intensiivseid teoseid elust laenatud teemadel tavalised inimesed, peamiselt ebasoodsas olukorras olevate sotsiaalsete madalamate klasside hulgast.
Slaid 9
Selle progressiivse ettevõtmise juures patustasid nad aga mõnikord naturalismiga. Rahvuslikud omadused 19. sajandi esimeste kümnendite prantsuse muusikateatrit seostatakse kõige enam koomilise ooperi žanriga, mille viljakalt arendas D. F. Aubert. Sajandi teisel kolmandikul tekkis ja levis nn suure ooperi (“grand ooper”) tüüp - monumentaalne, efektsete lavahetkede rikas, romantiliselt värvikas lavastus. ajaloolised teemad. Seda ooperitüüpi kehastus kõige eredamalt J. Meyerbeeri loomingus. 19. sajandi teisel poolel vastandati “suurooper” “lüürilisele ooperile”. Selle autorid – ennekõike C. Gounod ning pärast teda L. Delibes ja J. Massenet – kujutasid tavainimese igapäevaelu. , teda ümbritsev igapäevaelu, intiimsed, siirad tunded. Lüürilise ooperi kujunemine tähendas prantsuse ooperis realistlike joonte tugevnemist ja tugevdamist. Realismi tipp Prantsusmaa rahvuskoolis on J. Bizet’ looming, eluliselt täisvereline ja rikas, ereda kujutlusvõimega, optimismist läbiimbunud. Vabastusliikumised 19. sajand tõi esile hulga uusi, sügavalt iseseisvaid rahvusooperikoolkondi. Tšehhi rahva võitluses riikliku iseseisvuse eest silmapaistev väärtus oli B. Smetana oopereid, millega ta esines sajandi teisel poolel. Tšehhi asutaja muusikaklassika, Smetana töötas välja rahvalik-rahvuslikele traditsioonidele vastavad kangelas-patriootilise ja koomilise ooperi eritüübid. Märkimisväärne on ka A. Dvoraki, eriti muinasjutulise ooperi alal, ja L. Janaceki panus Tšehhi muusikateatrisse. 19. sajandi keskel määrati rahvuslikult spetsiifilised arenguteed Poola ooperikoolkonnale eesotsas S. Moniuszkoga ja Ungari omale F. Erkeliga.
Slaid 10
Slaid 11
Maailma parimad teosed ooperiklassika iseloomustavad rahvuslus ja realism, sügava sisu ja täiusliku kunstilise vormi ühtsus, muusika rahvuslik eripära, seos rahvakunst, arenenud sotsiaalse mõttega. Need omadused on väga omased vene klassikalisele ooperile, mille asutaja oli M. I. Glinka. Vene klassikalise ooperi rahvalaulupõhi annab sellele ainulaadse originaalsuse jooni; selle mitmekesisus kunstiline meedia ja muusikalise väljenduse vormid; üksikute kujundite tüüpiline kindlus ja esiletõus on ühendatud laialt kujutatud piltidega rahvaelust, tegevuse ajaloolise ja sotsiaalse taustaga. 19. sajandi esimestel kümnenditel esindasid vene ooperiloomingut heliloojate S. I. Davõdovi, K. A. Kavose, seejärel A. N. Verstovski nimed. Glinka ooperid – hiilgavad eeposed rahva elust – tähistasid uue perioodi algust Venemaa muusikateatri ajaloos ja olid maailma realistliku ooperikunsti suurim saavutus. Vene klassikalised heliloojad lõid Glinkat järgides ülimalt patriootlikke ooperiteoseid, mis kajastasid nende kodumaa ajaloolist saatust, rahva ja riigi suhteid, võitlust sotsiaalse rõhumise vastu ja protesti üksikisikuvastase vägivalla vastu. A. S. Dargomõžski oli esimese vene sotsiaalse ja igapäevase muusikadraama “Rusalka” autor, mis esitas klasside ebavõrdsuse teema. Revolutsioonilise demokraatliku liikumise tõus 1860. aastatel määras "Mighty Handful" heliloojate tegevussuuna - loominguline ühendus, mida juhtis M. A. Balakirev, kuhu kuulusid A. P. Borodin, M. P. Mussorgski, N. A. Rimski-Korsakov, Ts.
Slaid 12
Slaid 13
Järgmistel aastakümnetel ilmuvad üksteise järel vene ja maailma ooperiklassika meistriteosed. Nende rahvas muusikalised draamad“Boriss Godunov” ja “Hovanštšina” M. P. Mussorgski andsid tugevuselt ja sügavuselt ületamatuid pilte Venemaa minevikust selle pöördelistel hetkedel. ajalooline areng. A. P. Borodini monumentaalne eepiline ooper “Vürst Igor” ülistab vene rahva kõrget patriotismi, visandab selgelt rahvuslikud tegelased. N. A. Rimski-Korsakovi ooperid on liigiti mitmekesised, sisurikkad ja kunstilise kehastuse vahendite poolest mitmekülgsed. Sotsiaalajalooline muusikaline draama “Pihkva naine” külgneb lüürilis-koomilise ooperi “Maiöö” kõrval; imeline "kevadmuinasjutt" "Lumetüdruk" - eepilise ooperiga "Sadko"; ajalooline ja igapäevane ooper" Tsaari pruut" - ooper-legendiga "Lugu nähtamatust linnast Kitežist ja neiu Fevroniast" ja ooperisatiiriga "Kuldne kukk". Maailma muusikateatri ajaloo üks suurimaid nähtusi on P. I. Tšaikovski ooperilooming, mis eristub psühholoogiliste omaduste erakordse sügavuse, inimeste vaimse maailma tõepärase väljenduse ja dramaatiliste konfliktide poolest. Tšaikovski ooperiloomingu lüüriline ja dramaatilisus, mis omandab kohati traagilise varjundi, sai osa eredaim väljend sellistes teostes nagu “Jevgeni Onegin”, “Lummus”, “ Potikuninganna" Laiaulatuslik loovus geniaalne helilooja hõlmab ka ajaloolist ("Mazepa", "Orleansi neiu") ja rahvateemasid ("Tšerevitški")
Slaid 14
Slaid 15
Koos nende vene ooperi tipptegijatega andsid selle arengusse olulise panuse A. G. Rubinštein ("Deemon"), A. N. Serov ("Vaenlase jõud"), E. F. Napravnik ("Dubrovski"), S. V. Rahmaninov ("Aleko"), S. I. Tanejev (“Oresteia”). 19. sajandi teisel poolel ja 20. sajandi alguses kujunesid välja ka Venemaal asunud teistest rahvustest realistlikud ooperikoolkonnad. Neid esindavad: Ukrainas S. Gulak-Artemovski ja eriti N. V. Lõssenko; Gruusias - M. A. Balanchivadze, D. I. Arakišvili, Z. P. Paliašvili; Armeenias - A. Tigranjan, A. A. Spendiarov; Aserbaidžaanis - U. Hajibeyov. Nende arendamine rahvuskoolid lähtus traditsioonide elluviimisest rahvamuusika ja maailmakogemus, eelkõige vene klassika. Kodu- ja välismaise ooperiklassika parimate saavutuste pärija oli nõukogude ooper kogu selle ideoloogilises ja kunstilises mitmekesisuses. Arendades suuri klassikalisi traditsioone, uurides tähelepanelikult tegelikkust, püüdlevad nõukogude ooperiheliloojad elu tõetruu, kunstiliselt täiusliku peegelduse poole selle pidevas edasiliikumises, paljastades ilu ja rikkust. vaimne maailm nõukogude inimesed, meie aja ja ajaloolise mineviku aktuaalsete teemade truuks ja mitmekülgseks kehastuseks. Märkimisväärsed saavutused seda teed mööda tulid I. I. Dzeržinski, D. B. Kabalevski, S. S. Prokofjevi, T. N. Khrennikovi, V. Yai ooperid, sotsialistlik sisu rahvuslikud vormid. hulgas ooperiheliloojad Vennasvabariikidest paistsid silma K. F. Dankevitš, Yu S. Meitus, G. I. Mayboroda, E. K. Tikotski, N. G. Žiganov, E. A. Kapp, G. G. Ernesaks, M. O. Zarin, E. G. Brusilovski ja paljud teised.
Slaid 16
Sotsialistlike riikide muusika- ja teatrikunsti õitseng on üks märkimisväärsemaid saavutusi Nõukogude kultuur saavutati Lenini rahvuspoliitika elluviimise tulemusena. Need saavutused on eriti tähelepanuväärsed, kui arvestada, et mitmetes liitlas- ja autonoomsed vabariigid(Usbekistan, Kasahstan, Kõrgõzstan, Valgevene, Tatarstan, Baškiiria jne) rahvusooperid esmakordselt loodud alles aastatel Nõukogude võim. Ooperiklassika teosed pakuvad kõrget esteetilist naudingut kõige laiematele kuulajate massidele. Nende kunstilise mõju peamine vahend on vokaalmeloodia. Laulu väljendusrikkus ja ilu, helge meloodiline kujund ja juurdepääsetavus on realistliku ooperi lahutamatud omadused. Kuid dramaatilise konflikti, tegelaste lavapositsioonide ja tunnete igakülgseks avalikustamiseks kasutage kõike meisterlikult väljendusvõimalused muusika. Ooperis, mille N. G. Tšernõševski nimetas “ selle täielikul kujul muusika kui kunst”, ühendab vokaalse (soolo-, ansambli- ja koori) ja instrumentaalse (sümfoonilise) põhimõtted. Nende lähedane suhe on täisväärtusliku ooperitöö vältimatu tingimus. Vastavalt ideoloogilisele kontseptsioonile, süžee olemusele ja libreto tekstile kasutab helilooja loovalt ooperimuusika ajalooliselt väljakujunenud vorme - vokaalset (aaria, arioso, retsitatiiv, ansambel, kooristseen) ja sümfoonilist (avamäng, vahemäng, tantsud). Neid vorme eristab märkimisväärne vabadus ja iga suur helilooja saab individuaalselt ainulaadse murdumise. Sellegipoolest on võimalik välja tuua mõned üldised dramaatilised mustrid. Ooperi kangelaste tegelased avalduvad kõige põhjalikumalt laiendatud soololaulunumbrites (aaria, arioso, laul, monoloog).
Slaid 17
Retsitatiiv on sageli mõeldud süžee ja muusikalise ühenduse loomiseks ümarate, kindlate vokaalvormide (aaria, ansambel, koor) vahel. Kuid oma meloodiliselt arenenud kujul mängib see olulist rolli ka kujundlikus iseloomustuses ja toimib tõhusa tegurina muusikalises arengus (mõnes ooperižanris, peamiselt komöödias, kasutatakse muusikalise retsitatiivi asemel kõnedialoogi). Ansamblites-duettides, terzetides, kvartettides ja suurtes viimased stseenid(sageli koos kooriga) - dramaatilisi olukordi üldistatakse muusika kaudu, kombineeritakse sarnaseid või vastandlikke kujundeid, ilmnevad selgelt huvide, karakterite, kirgede vastuolud. Seetõttu ilmuvad ansamblid sageli dramaatilise arengu haripunktidel või viimastel hetkedel. Muusika kunstilised võimalused võimaldavad heliloojal luua massilistes kooristseenides mastaapseid pilte rahvaelust, avada terviklikult kangelase seoseid sotsiaalne keskkond Ooperi muusikalises arengus on suur orkestri roll, mis sageli kontsentreerib stseeni põhilise dramaturgilise sisu; sümfoonilised väljendusvahendid täiendavad ja süvendavad oluliselt lavasituatsioonide muusikalist kujutamist, tegevuse tegevuspaika ja tegelaste läbielamisi. Need on sees üldine ülevaade ooperi kunstilised vahendid, mida kasutades saab helilooja näidata mitmel viisil ja reljeefselt olulisi elunähtusi, inimestevahelisi suhteid, erinevaid sotsiaalseid gruppe, kehastada tüüpilisi tegelasi, eksponeerida meelerahu isik. Orgaaniliselt ühendamine üheks teatraalne tegevus muusika (vokaal ja instrumentaal), millel on esituses juhtiv koht, sõnades, lavalises liikumises, kujutavas kunstis ja sageli ka koreograafias, võtab ooper enda kanda kõige laiemad võimalused elu näitamine,
Slaid 18
Anastasia Iljuhhina ja Tatjana Egorova, 9.a klass, AOU kool nr 9, Dolgoprudnõi
Mis on ooper? Ooperi eelkäijad. Žanri ajalugu. Ooperi sordid. Ooperi elemendid.
Laadi alla:
Eelvaade:
Esitluse eelvaadete kasutamiseks looge Google'i konto ja logige sisse: https://accounts.google.com
Slaidi pealdised:
Ooperi päritolu ajalugu Kaasaegse ooperi põhielemendid
Mis on ooper? Moodsa ooperi eelkäijad Žanri ajalugu Ooperisordid Ooperi elemendid Sisu
Opera Opera on hämmastav kunst. See on samal ajal väga iidne ja väga asjakohane ja massiivne - ja intiimne ja lihtne - ja äärmiselt keeruline. Ja seda kõike sellepärast, et see võib olla oma, igale inimesele kallis – kuna see kasutab seda, mis peaaegu kõigil on – HÄÄLT. "Ooper, ja ainult ooper, toob teid inimestele lähemale, muudab teie muusika reaalse avalikkusega seotud, teeb teid eeliseks mitte ainult üksikutele ringkondadele, vaid soodsatel tingimustel kogu rahvale." Need sõnad kuuluvad Pjotr Iljitš Tšaikovskile, suurele vene heliloojale.
Vabas õhus, mäe jalamil, mille astmetena töödeldud nõlvad olid pealtvaatajate kohad, Vana-Kreeka toimusid pidulikud teatrietendused. Maskides näitlejad skandeerides esitasid tragöödiaid, mis ülistasid inimvaimu tugevust. Märkimisväärse koha hõivas koorilaul - just koor väljendas teose põhiideed. Päritolu Hiina ooper peituvad ka sajandite sügavuses – neid saab jälgida 1. aastatuhande keskpaigast eKr. e. Lauluajal (10.-13. sajand) said populaarseks erinevat tüüpi muusikalised ja poeetilised teosed. suured vormid– esile kerkivad Nanxi (sirelililla) ja Yuanbeni stiilid, mida iseloomustab proosalise dialoogi ja poeetiliste aariate kombinatsioon, maskipiltide kasutamine ja teatud vahelduva meloodia mustrid. Kaasaegse ooperi eelkäijad
Ooper meie juures kaasaegne arusaam See sõna tekkis 16. ja 17. sajandi vahetusel Itaalias. Selle uue žanri loojad olid luuletajad ja muusikud, kes imetlesid iidset kunsti ja püüdsid taaselustada. Vana-Kreeka tragöödia. Kuid kuigi oma muusikalistes ja lavakatsetes kasutasid nad süžeed aastast Vana-Kreeka mütoloogia, nad ei taaselustanud tragöödiat, vaid lõid täiesti uue kunstiliigi – ooperi. Kaasaegse ooperi päritolu Iidne ooperihoone
Sõna "orega" tähendab itaalia keelest tõlkes tööd, kompositsiooni. Selles muusikaližanris luule- ja dramaatiline kunst, vokaal ja instrumentaalmuusika, näoilmed, tantsimine, maalimine, maastik ja kostüümid. Mis on ooper?
Esimene ooperimaja avati 1637. aastal Veneetsias; varem oli ooper ainult õukonna meelelahutuseks. Esiteks suur ooper võib pidada Jacopo Peri Eurydiceks, etendunud 1597. Ooperi pioneerid olid: Saksamaal - Heinrich Schütz, Prantsusmaal - Camber, Inglismaal - Purcell; Hispaanias ilmusid esimesed ooperid 18. sajandi alguses. Venemaal kirjutas Araya esimesena iseseisva venekeelse teksti põhjal ooperi (“Cephalus ja Procris”) (1755). Esimene vene keeles kirjutatud vene ooper on Tanjuša ehk Head kohtumist", muusika autor F. G. Volkov (1756). Žanri ajalugu Jacopo Peri
Ajalooliselt on välja kujunenud teatud ooperimuusika vormid. Kuigi ooperidramaturgias on mõningaid üldisi mustreid, tõlgendatakse kõiki selle komponente sõltuvalt ooperitüübist erinevalt: suur ooper (opera seria – itaalia, tragédie lyrique, hiljem grand-opéra – prantsuse keel), poolkoomiline (semiseria), koomiline. ooper (opera-buffa - itaalia, opéra-comique - prantsuse, Spieloper - saksa), romantiline ooper, romantilise süžeega. Ooperiballaadi tüübid ooper poolooper, poolooper, poolooper (pool-ladina pool) - inglise barokkooperi vorm, mis ühendab suulise draama (žanri) draama, vokaalse misanstseeni, tantsu ja sümfoonilisi teoseid. Üheks poolooperi poolehoidjaks peetakse Inglise helilooja Henry Purcell, ooper-ballett
Koomilises ooperis saksa ja prantsuse keeles, vahel muusikalised numbrid dialoog on lubatud. On ka tõsiseid oopereid, kuhu on sisse pandud näiteks dialoog. Beethoveni "Fidelio", Cherubini "Medeia", " Maagiline laskur» Weber. Koomilise ooperi järelkasvuks tuleb pidada operetti, mis sai eriti laialt levinud 19. sajandi teisel poolel. Ooperid lastelavastuseks (näiteks Benjamin Britteni ooperid - "Väike korstnapühkija", "Noa laev", Lev Konovi ooperid - "Kuningas Matt Esimene", "Asgard", " Kole pardipoeg", "Kokinwakashu"). Ooperi sordid
Ooperiteos jaguneb aktideks, piltideks, stseenideks ja numbriteks. Enne vaatusi on proloog, ooperi lõpus on epiloog. Ooperiansamblisse kuuluvad: solist, koor, orkester, sõjaväeorkester, orel. Ooperi üks peamisi osi on aaria. Selle sõna tähendus on "laul", "laul". Ooperiteose teised osad on retsitatiivid, arioso, laulud, duetid, triod, kvartetid, ansamblid jne. Ooperihäältel on oma nimetused. Naine: sopran, metsosopran, kontralt; mees: kontratenor, tenor, bariton, bass. Ooperi elemendid
Tegelaste karakterid avalduvad kõige täielikumalt soolonumbrites (aaria, arioso, arietta, cavatina, monoloog, ballaad, laul). Retsitatiivil on ooperis mitmesugused funktsioonid – muusikaline, intonatsioon ja inimkõne rütmiline taasesitamine. Sageli ühendab ta (süžeeliselt ja muusikaliselt) üksikuid lõpetatud numbreid; on sageli tõhus tegur muusikaline dramaturgia. Mõnes ooperižanris kasutatakse retsitatiivi asemel kõnekeelt. Ooperi elemendid
Vastab lavalisele dialoogile, ooperis draamalavastuse stseenile muusikaline ansambel(duett, trio, kvartett, kvintett jne), mille spetsiifilisus võimaldab luua konfliktsituatsioone, näidata mitte ainult tegevuse arengut, vaid ka tegelaste ja ideede kokkupõrget. Seetõttu ilmuvad ansamblid sageli ooperitegevuse kulminatsiooni- või lõpuhetkedel. Ooperi elemendid
Koori ooperis tõlgendatakse erinevalt. See võib olla taust, mis pole põhilisega seotud süžee; mõnikord omamoodi kommenteerija, mis toimub; selle kunstilised võimalused võimaldavad näidata monumentaalseid pilte rahvaelust, paljastada kangelase ja massi suhteid (näiteks koori roll M. P. Mussorgski rahvamuusikalistes draamades “Boriss Godunov” ja “Hovanštšina”). . Ooperi "Boriss Godunov" elemendid
Ooperi muusikalises dramaturgias on suur roll sümfoonilistel väljendusvahenditel, mis aitavad kujundeid paremini paljastada. Ooperis on ka iseseisvad orkestriepisoodid – avamäng, vahepala (üksikute vaatuste sissejuhatus). Veel üks komponent ooperi etendus- ballett, koreograafilised stseenid, kus plastilised kujutised kombineerituna muusikaga. Ooperi elemendid
Ettekande koostasid 9.a klassi õpilased Ilyukhina Anastasia ja Egorova Tatyana AOU 9. Dolgoprudnõi koolis Õpetaja Teplykh T.N. Täname tähelepanu eest!
Slaid 1
Slaid 2
Slaid 3
Slaid 4
Slaid 5
Slaid 6
Slaid 7
Slaid 8
Slaid 9
Slaid 10
Ettekande teemal “Ooperi kujunemine” saab meie veebisaidilt alla laadida täiesti tasuta. Projekti teema: MHC. Värvilised slaidid ja illustratsioonid aitavad kaasata klassikaaslasi või publikut. Sisu vaatamiseks kasutage pleierit või kui soovite aruannet alla laadida, klõpsake pleieri all vastavat teksti. Esitlus sisaldab 10 slaidi.
Esitluse slaidid
Slaid 1
Ooperi kujunemine
Esitab Svetlana Kutjajeva
Slaid 2
Ooper (itaalia ooper, sõna-sõnalt - kompositsioon, ladina ooperist - teos, toode, töö), muusikalise ja draamakunsti žanr. Ooperi kirjanduslik alus (libreto) on kehastatud muusikalise dramaturgia abil ja ennekõike vormides. vokaalmuusika. O. - sünteetiline žanr, mis ühineb üheks teatritegevuseks erinevat tüüpi kunst: draama, muusika, kaunid kunstid(lavastused, kostüümid), koreograafia (ballett). Ajalooliselt on välja kujunenud teatud ooperimuusika vormid. Kuigi on olemas mõned ooperidramaturgia üldpõhimõtted, tõlgendatakse kõiki selle komponente olenevalt ooperitüüpidest erinevalt. Klassikalise muusika vokaalvormid on mitmekesised. Tegelaste karakterid avalduvad kõige paremini soolonumbrites (aaria, arioso, arietta, cavatina, monoloog, ballaad, laul).
Slaid 3
). Retsitatiiv – inimkõne muusikaline, intonatsioon ja rütmiline taasesitamine – täidab kõnes erinevaid funktsioone. Sageli ühendab ta (süžeeliselt ja muusikaliselt) üksikuid lõpetatud numbreid; on muusikalises dramaturgias sageli tõhus tegur. Mõnes luuležanris, peamiselt komöödias, kasutatakse retsitatiivi asemel kõnekeelt, tavaliselt dialoogides. Lavadialoog ja draamalavastuse lava teatris vastavad muusikalisele kooslusele (duett, trio, kvartett, kvintett jne), mille eripära võimaldab luua konfliktsituatsioone ja näidata mitte ainult tegevuse arengut, vaid ka tegelaste ja ideede kokkupõrge. Seetõttu ilmuvad ansamblid sageli ooperitegevuse kulminatsiooni- või lõpuhetkedel. Koori tõlgendatakse erinevalt O.
Slaid 4
O. muusikalises dramaturgias on suur roll sümfoonilistel väljendusvahenditel, mis aitavad kujundeid paremini paljastada. Ettekandele tulevad ka iseseisvad orkestriepisoodid - avamäng, vahepala (üksikteoste tutvustus). Teine ooperilavastuse komponent on ballett, koreograafilised stseenid, kus plastilised kujundid on kombineeritud muusikalistega. O. ajalugu on tihedalt seotud kultuuri ja ajaloo arenguga inimühiskond. Sageli toimis O. omamoodi ideoloogilise eelpostina muusikaline kunst, mis peegeldab meie aja teravaid probleeme - sotsiaalne ebavõrdsus, võitlus riikliku iseseisvuse eest, patriotism.
Slaid 6
Muusikateatri päritolu on rahvapidudel ja -mängudes. Juba Vana-Kreeka Dionysose mängudes Kreeka tragöödia muusika roll on suur. Sellel oli märkimisväärne koht ka keskaegsetes rahvakultuse (“püha”) etendustes. Kuidas iseseisev žanr O. tekkis 16.-17. sajandi vahetusel. Selle mitme sajandi pikkuse eksisteerimise jooksul on tekkinud palju rahvusooperikoolkondi, -stiile ja -tüüpe. Paljudes Euroopa rahvuskultuurides töötati kooskõlas renessansi humanistlike ideedega välja uut tüüpi muusikalise ja draamalavastuse põhimõtted. Neid ülesandeid kroonis varem edu klassikalises renessansiriigis - Itaalias. Grupp filosoofe, luuletajaid, muusikuid ja kunstnikke (nn Firenze Camerata, 1580) jutlustas iidse tragöödia taaselustamist. Firenzelaste ideaal muusikas oli lihtsus, väljenduse loomulikkus; Nad allutasid oma esinemistel muusika luulele. Esimesed O. - "Daphne" (1597-98) ja "Eurydice" (1600), muusika J. Peri, tekst O. Rinuccini - on kirjutatud selles vaimus. Järgmine verstapost O. ajaloos on C. Monteverdi “Orpheus” (1607).