Kunstniku peenest olemusest räägib terve hunnik artikleid. Autorid ütlevad, et kunstnikud näevad ja tunnetavad kõike erilisel viisil, et neil on ainulaadne mõtteviis ja see teeb nende puudutamise väga lihtsaks. Olen ise kunstnik ja ma ei tea, miks, aga mul on selliseid asju naljakas lugeda.
Fakt on see, et selles kõiges on muidugi omajagu tõde, aga täpselt sama palju, kui seda kõike räägitaks programmeerija, astronaudi või koduperenaise kohta. Kunstnikud on samad inimesed. Neil ei ole mingeid üleloomulikke meeli ega ülivõimeid, samuti pole neil mingeid vaimseid kõrvalekaldeid (muidugi, kui me räägime mitte üksikjuhtumite kohta).
Piisab lihtsalt mõista, mis kunstniku peas toimub, kui veedate temaga mitu päeva, tehes ühte asja, see tähendab joonistades.
Minu õpetaja Boriss Jegorovitšil on stuudios täielik segadus. Tema naine naerab tema üle sõbralikult, sest ta ei saa aru, kuidas nii kena mees saab igapäevaelu inimene, kes peseb alati ise sokke ja aluspesu, kes ei luba särke triikida, teeb oma voodi täiuslikult siledaks, võib määrdunud harjad tasku pista, märga triivipuitu tänavalt stuudiosse tirida ja sama teha manipulatsioonid varese sulgedega. Aga kõik on väga selge. Suled ja triivpuit on esemed, mis kunagi natüürmordiks kindlasti kasuks tulevad. Ja neid pole kunagi liiga palju. Pintsleid on palju mugavam hoida taskus, kui neid põrandale või lauale panna. Ja need on määrdunud, sest milleks pesta kõiki harju, kui puhtad veel nina ees lebavad? Kas arvate, et Boriss Jegorovitš pistab hajameelsusest määrdunud harja tasku? Sest tema mõtted on inspiratsioonitulva mõjul pilvedes? Tegelikult mitte. Mis mõtet on oma tööülikonna pärast muretseda? Sellepärast nad kannavad seda, sest nad ei karda seda määrida. Ja pole tähtis, et proua naine arvab, et ta on endiselt kantav, Boriss Jegorovitš teab tõesti paremini, kus on tema riidekapi esemeid produktiivsem kohandada. Ja sõbrad ja sugulased muudkui irvitavad teda ja teevad nalja, kutsudes teda Pljuškiniks. Kas seda on tõesti võimalik teha, kui kõik on ratsionaalne!
Ja Jevgeni Danilovitšit võrreldakse ka mitte pahatahtlikult päkapikuga, kes kaevandas kaevanduse põhjas teemante. Miks? Sest nii temaga tavaliselt juhtub. Ta istub kõige kaugemasse nurka, katab end ajalehtede ja paberitükkidega, lülitab raadio täisvõimsusel sisse, haarab puidu ja nikerdamise tarvikud, keerutab kogu selle hea ratta ümber ja tule, Jevgeni Danilovitš, näeme pinnale.
Aga teie, sõbrad? Kas töötaksite palgiga ilma ajalehtedeta? Nii et saepuru langeb kõigele ümberringi? Soovin teile selle puhastamise jätkamisel õnne. Ajaleht on parim lahendus: panin selle paika, töötasin selle kallal, rullisin kõik kokku, viskasin prügikasti ja ongi tehtud. Ümbrus on puhas, ajaleht terve, taaskasutusvalmis ja isegi miljones kasutuses. Miks on nii vaja nurka peita? Kuna on aken, on valgust. Hommikul on hea. Eredas loomulikus valguses näete palju rohkem kui tehisvalguses. Aga kuhu sa lähed, kui väljas läheb pimedaks? Ilma raadiota on igav. Lase eelmisel sajandil, kuid te ei tohiks telekat vaadata, kui peate puu otsas ehtetööd tegema. Ja ratas on pigem töö tõsine tagajärg. Puunikerdajatel ja skulptoritel on sageli probleeme kehahoiakuga ja neil tekib sageli küür. Selle küüruga sünnivad ju sellised meistriteosed! Ja seda kõike sellepärast, et nad kalduvad lähemale, et vabaneda igast lisamillimeetrist. Ja nad: "Gnome." Olgu siin! Tundus, nagu oleks keegi talle rusikaga vastu nina löönud.
Ja samal ajal kuulake mind, kuigi ma pole selles nii kogenud kunstiliselt, nagu minu mentorid Boriss Egorovitš ja Jevgeni Danilovitš. Ma ei saa hakkama ilma väikese taustata.
Mu sõber "saab oma küüned korda teha". Ja see on ka mingil määral kunst. Näiteks küsib ta selle eest kuussada rubla. Kord palusin tal oma annet enda peal demonstreerida (muidugi raha eest). Ta nõustus. Ja veel enam, ta pakkus sõbrana sada rubla allahindlust. See muutus nii meeldivaks, kohutavalt lihtsaks. Ja meie teised sõbrad on sellest väga liigutatud. Nii et nüüd asja juurde!
Toon oma tööd tuppa. Sisse tulevad naabermaja elanikud. Nad näevad neid, imetlevad neid ja ütlevad: "Oh, Alin, kas sa joonistad meie portreed samamoodi?" Sõpra meenutades vastan: “Muidugi! Ja ma annan sulle isegi sada rubla allahindlust! Aga tead mida! Sellele lausele ei järgnenud mingeid emotsioone. Ja ilmselgelt on tore, et ka naabrid ei tundnud end paremini. Nad naersid valjusti ja küsisid: "Kas sa võtad meilt raha joonistamise eest?"
Boriss Egorovitš ja Jevgeni Danilovitš, olles mehed, oma olukordades pisaraid ei valanud. Ja mina, olles naine, otsustasin pärast külaliste lahkumist endale seda lubada. Küünte tegemine on raske ülesanne ja mitte igaüks ei saa sellega hakkama. Kuid värvides ei lisa te lihtsalt värvikihti kihi järel, vaid paned sinna oma meeleolu, suhtumise objektisse, mis on teie eeskuju, oma aja, mis, uskuge mind, ei ole kolm tundi (palju rohkem). Kunstniku töö, nagu ka skulptori töö, on tema laps, seda piinatakse, kannatatakse, armastatakse, sest see on justkui südamest rebitud. Kuid inimeste silmis pole ta midagi väärt. Kunstnik ei karda, kui tema ratsionaalsust ei mõisteta. Tema hing nutab vaid siis, kui tema raske töö on devalveerunud, kui tema töö või selle loomise protsessi üle naerdakse, isegi kui mitte pahatahtlikkusest.
Hoolitsege kunstniku tunnete eest. Nutab ta ju täpselt samades olukordades, kus nutavad teiste ametite töötajad. Ainult kunstnikud on määratud selliste olukordadega palju sagedamini kokku puutuma. Seetõttu on paljud neist õnnetud.
Loomeinimeste elu ümbritseb alati ühel või teisel viisil mitte ainult salapära, vaid ka mitmesugused kuulujutud. Milline neist on tõsi ja milline on sajandeid kultiveeritud väljamõeldis?
Müüt 1. Kõik artistid on joodikud
Miks mitte kokad, müüjad, matemaatikaõpetajad või korrapidajad? Jah, sest mõned inimesed peavad "inspiratsiooni saamiseks" tankima. Pole kahtlust, et mõned maalijad kutsuvad tõesti muusat neljakümnekraadiseid meetodeid või isegi narkootikume kasutades. Rohelisest maost ei kohkunud eemale paljud suured inimesed: Modigliani, Savrasov (ja siin on kaks stereotüüpi korraga: ta pole mitte ainult kunstnik, vaid ka venelane!), Van Gogh, Gauguin jt. Mis siis? Kas tõesti ei olnud teiste tegevusalade esindajate hulgas piisavalt joojaid? Jeltsinit, Stalinit, Peeter Suurt, Aleksander Suurt maalikirest ei märgatud, kuid kirg alkoholi vastu on teretulnud.
Müüt 2. Kõik kunstnikud on vaesed
Müüt 3. Kõik kunstnikud on rikkad
Ja jälle ei! Tundub, et ajalugu teab vähem selliseid näiteid. Statistika räägib portreemaalijate kasuks, kes eelistasid realismi või kaunistasid kujutatut. Rikaste portreed (aadlikest keisrini) on lahedamad kui kullakaevandus. Katariina II lemmikud suitsetavad närviliselt kõrvalt. Ja ometi toovad näited eelmisest lõigust tänapäeva unistajad kunstnikud roosade elevantide maailmast tagasi maa peale. Sellest, kuidas teost adekvaatse hinnaga müüa, käsitletakse minu artiklis “Kui palju peaksin maalid müüma? »
Müüt 4. Kunstnikud säästavad kingituste pealt
Ta andis maali ja kõik oli korras. Ma ei räägi alternatiivkuludest (st ajast, mille maalikunstnik oleks võinud kulutada maali müümiseks). Räägime teema materiaalsest küljest. Värvid, pintslid ja muud kulumaterjalid maksavad, eriti kanderaamidel olevad lõuendid on kallid: lihtsa 40x50 lõuendi hind on keskmiselt 500-700 rubla. Nüüd lisage kohandatud baguette, mis maksab mitu tuhat rubla, ja matt, kui me räägime akvarellidest! “Isetehtud” maksab mulle mitu korda rohkem kui ostetud kingitus.
Müüt 5. Kõik suured kunstnikud on mehed
Oh ei, ma pole üldse feminist, pigem vastupidi. Kuid siiski kinnitan tõsiasja: naistel ei lubatud sajandeid eriti loominguga tegeleda. Ja niipea, kui luba anti, tõusid Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalja Gontšarova, Mary Cassette ja Berthe Morisot maalilisele Olümposele. Nad kirjutasid meestega võrdselt, mitte halvemini! Minge nüüd suvalisse kunstistuudiosse - publik on nagu juuksurisalongis (iga kümne tüdruku kohta on kaks kutti). Loe kuulsate artistide kohta lähemalt artiklist “
Kas kõik maalid on raamitud?
Piet Mondrian. Koostis kollase, punase, sinise, musta ja halliga. 1920. aasta
1 2-stGeorges Seurat. Pühapäeva pärastlõunal La Grande Jatte järvel. 1884
2 2-stTsitaat raamatust
«Tavaliselt pannakse maalid eksponeerimiseks raamidesse. Raamid juhivad maalile tähelepanu ja kaitsevad selle servi. Mõned raamid on ehitud, eriti antiiktööd, mis kunagi mõisates rippusid. Teised raamid on väga lihtsad, need ei tõmba tähelepanu kunstile. Raamide eesmärk on täiendada sees olevaid maale, näidata neid nende parimast küljest.
Piet Mondrian uskus, et raamid on nagu seinad. Mõnikord tundub, et nad seisavad publiku ja kunsti vahel, tekitades justkui takistuse, eraldades maalikunsti muust maailmast. Mondrian soovis, et kõik naudiksid tema tööd ja et keegi ei tunneks end sellest eraldatuna. Ta kirjutas lõuendi servadele. Ja mõnikord isegi külgedelt.
Ta lõhkus need seinad maha!
Georges Seuratile ei meeldinud, et raamid tekitavad maali servadele varje. Ja raami joonistas ta ise. See koosneb tuhandetest pisikestest täppidest enam kui 25 erinevas värvitoonis.
Kas teadsite, et teleriekraanil olev pilt koosneb punktidest, mida nimetatakse piksliteks? See maal on maalitud rohkem kui 50 aastat enne värvitelevisiooni leiutamist!
Kommenteeri
Terve peatüki raamidele pühendamine võib tunduda naeruväärne, veel vähem sellega raamatut praktiliselt alustada. Kuid sellel on põhjused. Esiteks, me ei vaata kunagi pilti tühjuses. Valgus, kõrgus, millel see asub, naabertööd, annotatsioonid - kõik see loob selle ümber ruumi. Kaasaegsest skulptuurist rääkides räägitakse kindlasti seda ümbritsevast “poeetilisest ruumist”: mõne abstraktse skulptuuri tähendus sünnib alles siis, kui vaataja seda vaatab. Teiseks, tõepoolest, raamist saab sageli maali enda süžee – nagu on tõestatud ülaltoodud naljakates näidetes. Lõpuks on raam oluline lüli küsimuste ja vastuste ahelas, mis aitab teost paremini mõista. Kui olete aru saanud, kes on autor ja kas ta mõjutas kunstiajalugu, võite heita kiire pilgu raamile. Muide, 1990. aastal oli New York Metropolitanil omamoodi näitus tagurpidi: muuseumis eksponeeriti palju tühje raame, et juhtida tähelepanu sageli tähelepanuta jäetud reaalsusele.
Miks on kõik tasane?
Nebamon jahib soodes. Nebamoni haud, ca. 1350 eKr e.
1 2-stJean Metzinger. Laud akna ääres. 1917. aastal
2 2-stTsitaat raamatust
“Kõik kunstiobjektid ei näe välja kolmemõõtmelised.
Kahemõõtmelised ehk 2D-kujutised on lamedad, nagu see leht. Kolmemõõtmeline ehk 3D - omab kõrgust, laiust ja sügavust nagu pall.
IN erinevad ajad kunst oli kas sama tasane kui pind, millele kunstnikud maalisid, või kolmemõõtmeline, nagu päris asjad.
palju iidne kunst, nagu Egiptuse seinamaalingud, näevad tasased välja. See näeb välja rohkem nagu diagrammid ja on täiesti erinev elust.
Isegi iidsetel aegadel teadsid kunstnikud, kuidas helitugevust edasi anda, ja maalisid meelega tasaseid pilte.
IN Vana-Egiptus aadlikud inimesed maeti maalitud hauakambritesse koos nende aaretega. Haua seinu kaunistasid joonistused, mis polnud mõeldud elavatele. Nad näitasid jumalatele, mida inimesed oma elu jooksul tegid.
Pilt näib olevat lame, et see jumalatele selgem oleks.
<…>Mis on laual? Kas sa näed lillevaasi, klaasi, mängukaart ja aken selle kõrval?
Jean Metzinger ei järgi perspektiiviseadusi, kuid soovib siiski näidata, et maalil olevad objektid on kolmemõõtmelised. Seetõttu kujutab ta neid üheaegselt erinevate nurkade alt. Seda tehnikat nimetatakse kubismiks."
Kommenteeri
See punkt peegeldab üldist skeptitsismi, et kunstnikud on unustanud, kuidas kolmemõõtmelist reaalsust usaldusväärselt kujutada – jämedalt öeldes "joonistada sarnast". Alasti inimeste autor Susie Hodge palub appi iidseid meistreid, abstraktseid kunstnikke ja kubiste. Nende kokku kogumine markeri “tasane” alla on üsna naljakas - kubistid loovad oma maalil vähemalt kolm tasapinda ja mõnikord isegi kujutavad sama objekti erinevatel ajahetkedel, nii et nende tööd ei saa nimetada tasaseks. Sellele lapsikule küsimusele pole aga selget vastust ja iga kord tuleb mõelda, miks kunstnik otsustas kõik tasaseks teha. Hodge unustab kultuurilise eripära: perspektiiv on Euroopa leiutis ja paljude riikide kunstis võib seda põhimõtteliselt mitte leida. Põhjendus, et tasane pilt muutub dekoratiivsemaks ja abstraktsemaks, on üsna mõistlik - nagu ka "lame" ja "iidse" seos. Kuid samas väldib Hodge millegipärast väga lihtsat ja ilmselget järeldust: eemaldades pildilt mõned detailid, keskendub autor teistele. Jämedalt öeldes saab kunstnik pilti lihtsustades (ja lamedamaks) muuta selle väljendusrikkamaks ja paljudel juhtudel on lihtsustamise abil tal lihtsam seda väljendusrikkust kontrollida.
Miks on kunstis nii palju alasti inimesi?
Sandro Botticelli. Veenuse sünd. 1486
1 2-stYves Klein. Antropomeetria ilma nimeta. 1960. aasta
2 2-stTsitaat raamatust
«Maalis, skulptuuris ja fotograafias on alasti inimesed väga levinud.
See kõik pärineb vanadelt kreeklastelt, kes uskusid, et alasti keha on ilus ja väärt uurimist. Ka tänapäeval õpivad kunstnikud joonistama alasti inimesi kehakuju paremaks mõistmiseks. Seda nimetatakse elust joonistamiseks.
Alasti Veenus, Rooma armastuse ja ilu jumalanna, hõljub kesta kestas seistes. Vastavalt iidne legend, Veenus sündis täiskasvanuna ja kolis üle mere. Botticelli maalis oma maali palju aastaid pärast selle legendi tekkimist.
Kunstis tähistab alastus sageli uus elu. Botticelli ajal katsid naised oma keha hoolikalt. Kuid Veenus on alasti, sest ta on jumalanna, mitte tavaline naine!
Paljud kunstnikud usuvad, et naise keha on ilusam kui mehe keha, mistõttu on alasti naised kunstis rohkem levinud kui alasti mehed.
1960. aastal tuli Yves Klein välja uus viis kujutavad naiste kehasid. Ta kattis alasti naised sinise värviga ja asetas nad põrandale hiiglaslikule lõuendile. Need olid "elusad pintslid".
Kommenteeri
Raamatu kõige intrigeerivam peatükk on pealkirjas – mis on üldiselt üsna arusaadav. Kuid ka siin ei leia me küsimusele selget vastust - pakutud võimaluste hulgast on korraga kogutud mitu: keha plastilisuse ja selle ilu uurimine, elu sümbol ja löök näkku avalik arvamus. Siin pole aga mingit müsteeriumi: vähesed asjad maailmas tekitavad inimeses nii tugeva reaktsiooni – huvi ja kohmetust, häbi ja iha, imetlust või, vastupidi, jälestust – nagu alastus. Alasti inimkeha kunstis – ja vastavalt erinevatel põhjustel, just naiselik on elu ja surma võimsaim sümbol. Selles mõttes on alasti keha kunstniku tööriist, mida ta saab kas maalil kujutada või elus näidata. Viimasel juhul räägime jõudlusest. Alasti esinemine on põnevam, mõnikord habras, mõnikord ebameeldiv. Lisaks on alasti keha ka kohustuslik siiruse sümbol, mida Lucian Freudile meeldis kasutada, näidates inimese abitust. Samal ajal alasti keha sisse Euroopa traditsioon on nii tihedalt seotud ilu ideega, et tarbetult ebameeldiva keha näitamine, nagu Freudile meeldis, pole vähem šokeeriv ja paneb mõtlema vananemise ja lagunemise üle. Argumendiga alasti naiste ülekaalu üle meeste üle pole samuti kõik nii lihtne: sisse Tsaari-Venemaa, näiteks oli võimalik joonistada ainult meesakte ja naiskunstnikud traditsiooniliselt läks Itaaliasse.
Kas peate teadma maalide süžeed?
John Everett Millais. Ophelia. 1851–1852
1 2-stCornelia Parker. Külm tumeaine: häirete jälgimine. 1991. aastal
2 2-stTsitaat raamatust
“Lugusid räägitakse kõigis kunstiliikides – maalist ja skulptuurist kuni kinoni.
Kunstiteos on aken teise inimese kujutlusvõimesse. Me näeme fakte ja lugusid läbi kellegi teise silmade.
Umbes 160 aastat tagasi oli liikumine nimega Prerafaeliitide vennaskond. Selle liikumise kunstnikud maalisid sageli ajaloost ammutatud teemasid. Nende maale nimetati mõnikord "raamitud romaanideks". Millais oli prerafaeliit.
<…>Kaunis Ophelia uppus ennast ja kunstnik kujutab ette, kuidas see juhtuda võis. Pildi huvitavamaks muutmiseks kaunistab ta selle arvukate sümbolitega. Näiteks punased moonid ja sinised unustajad tähistavad mälestust või surnute mäletamist.
See on hea kuulus lugu, ja inimesed kogunesid Londoni Kuninglikku Akadeemiasse, kus maali esmakordselt eksponeeriti 1852. aastal.
Selle kunstiteose taga on lugu. Cornelia Parker tahtis luua meeleolu, atmosfääri, panna meid mõtlema oma elu ja selle üle, mida me endast maha jätame.
Aiakurist me eriti ei mõtle. Hoidame sinna mittevajalikke asju, mille unustame kiiresti. Parker otsustas selle õhku lasta!
Seejärel kogus ta kokku söestunud puidu- ja metallitükke ning riputas need õngenööriga lakke. Ta asetas keskele lambi, et heita seintele kurjakuulutavaid varje.
Kommenteeri
Selles peatükis teeb autor kavala käigu ja püüab pildi tekkelugu samastada selle süžeega. Miks see vajalik on? 20. sajandil muutus kunst suures osas süžeevabaks ja kui varem oli kunstist võimatu aru saada ilma ajalugu mõistmata (näiteks lugeda klassikalisi ikoonimaali süžeesid – ja tänu sellele mõista, kas kunstnik tegi või ei teinud revolutsiooni konkreetses teoses), nüüd on nad omandanud palju suurema tähtsuse kunstniku ajalugu ja konkreetse maali loomise ajalugu. Autori eluloo jälgimine on muutunud sama põnevaks kui pikkade teleseriaalide hooaegade vaatamine: ta kolis Euroopasse, hakkas rohkem migrantidest hoolima, kuid seetõttu muutus ta ühtäkki vähem huvitavaks või näiteks Cai Guoqiangiks – ta õppis ümber suurte tehnoloogiliste ilutulestike meister ja kaotas kõik, mis tal kontseptuaalne võlu oli. Kuid Richard Long: kogu oma elu tallas radu kõikjal maailmas, ei reetnud oma ideid, mille jaoks ta kanti kõigisse maakunsti õpikutesse.
Kes kõik need inimesed on?
Edward Hopper. Haki suey. 1929
1 2-stMark Quinn. Y. 2006
2 2-stTsitaat raamatust
“Paljud maalid on inimestega täidetud, aga kes nad on?
Varem, isegi enne fotograafia leiutamist, tellisid aadlikud inimesed oma portreesid. Kunstnikud pidid näitama, kui võimsad, kaunid ja rikkad olid kliendid. Sageli poseerisid kunstnikule grupiportreed terved pered.
<…>Edward Hopperi portreel on kaks moekat naist restoranilauas. Erinevalt mineviku portreedest pole need naised olulised inimesed. Need on kõige tavalisemad ega erine juhuslikest külastajatest. Rahva hulgas näeme palju meile tundmatuid inimesi ja just neid tahtis Hopper kujutada.
Ja kuigi ta näitab kahte võõrast inimest, olid mõlemad tehtud Hopperi naise eeskujul!
<…>Marc Quinn kasutas pea valamiseks oma verd. Skulptuuri hoitakse külmas, muidu see sulab.
See tuletab meelde, kui habras elu on, ütles Quinn. Iga viie aasta tagant teeb skulptor uue pea, et saaksite näha, kuidas ta vananeb.
Kommenteeri
Tõepoolest, mõeldes sellele, keda pildil kujutatakse, peate kõigepealt mõtlema inimesele, kes töö tellis. Kirjutamise aega ja peategelast kõrvutades võib püstitada isegi hüpoteesi, kui edukas kunstnik oli. Piibli lood Sageli kirjutati need kiriku korraldusel, kuigi loomulikult oli ka eratellimusi. Enne impressioniste maaliti portreesid peamiselt rikaste inimeste tellimusel, nii et Prantsuse kunstnikud Nad tegid revolutsiooni, kui hakkasid maalima tavalisi inimesi, kuid siis tuli mõelda, kuidas kõik need maalid maha müüa. Ja Marc Quinni loomingust on lihtne järeldada, et kunstnik ei nälgi ega koge impressionistide probleeme: tema töö ei nõua mitte niivõrd julgust, kuivõrd kindlaid eelarveid.
Miks on maalidel puuviljad?
Paul Cezanne. Õunad ja apelsinid. 1899
1/3Jan van Kessel. Natüürmort "Vanitas". 1665–1670
2/3John Lorbeer. Tarzan / seisev jalg. 2002
3 3-stTsitaat raamatust
“Kunstnikud maalivad sageli õunu ja apelsine, aga miks?
Esiteks on puuvili usaldusväärne. Erinevalt inimmudelitest ei pilguta nad silmi, ei tõmble ega nõua teed.
Puuviljade kujutamine aitab kunstnikel uurida looduse kujusid, värve ja toone.
Selliseid maale nimetatakse natüürmortideks. Enne fotograafia leiutamist demonstreerisid kunstnikud oma andeid, luues realistlikke natüürmorte. Siis aga muutus kõik...
Paul Cezanne maalis selle pildi pärast kaamera leiutamist ja ta ei tundnud, et tema ülesanne on kopeerida tegelikkust. Seda võiks teha ka fotograaf!
Ta kirjutas ümarad viljad tasasel lõuendil, kuid uudsel viisil. Vilja kujude näitamiseks kujutas ta iga õuna korraga mitme nurga alt, erinevatest vaatenurkadest. Tundub, et õunad kukuvad laualt maha.
<…>Sellel pildil on kahekordne tähendus. Lillede kõrval kujutas Jan van Kessel kolju – surma sümbolit. See on hoiatus, mis tuletab meile meelde elu nõrkust. Me ei tohi unustada, et me sureme lõpuks!
Natüürmort on prantsusekeelne sõna, mis tähendab "surnud loodust". Lõuendil näevad lilled välja nagu elusad, kuid sees päris elu muutuvad mädaseks.
<…>John Lorbeer on optiline illusionist, kes on kuulus oma külmunud figuuride poolest.
Siin on kõik üsna segane. See on sama objekt nagu natüürmorti jäädvustatud vili, kuid samas on see elus ja maalimata. Aeg läheb, kuid ta jääb liikumatuks ja ripub seinal nagu maal.
Kommenteeri
Hea vastus küsimusele, kuid üks oluline punkt on puudu. Natüürmort on eelkõige puhta vormi uurimine. Ja kui kunstnik maalib natüürmorti harva – nagu näiteks paljud impressionistid –, tähendab see, et teda ei huvita pildi vormilised omadused, vaid hetketunne, mida see edasi annab. Natüürmordid annavad tõepoolest edasi ideed eksistentsi haprusest – aga seda ei saa võtta absoluutsena: paljud portreede kangelased on ju ka surelikud. Mõte, et esitustükk võib mõnikord osutuda natüürmortiks, on samuti üsna lõbus – aga tuleb meeles pidada, et seda juhtub väga harva.
Bioloogid ja kognitiivteadlased usuvad, et ideed harmooniast on meie ajju juurdunud, võimaldades meil tundlikult reageerida looduse vormide ilule. Arvatavasti meeldivad meile erksad värvid, sest nende eristamise võime on üks kohanemismehhanismidest, mis võimaldas meie liigil ellu jääda. Oleme intuitiivselt rahul sümmeetriliste nägude ja harmooniliste mustritega ning rõõmsate, positiivsete teemade kujutamine tekitab loomulikku naudingut.
Samas ei nõua me kunstnikult, et ta peab meid oma loominguga „ilusaks tegema“.
Kunstiobjektidele rakendatakse laiemaid kriteeriume ja ilu mõistet kui hindavat kategooriat kaasaegne kunst dekonstrueeritud. Kas “Must ruut” on ilus? Ja Marcel Duchampi "Purskkaev"? Ja Marina Abramovici etendus “Rütm 0”? Kõik need kunstiteosed on idee, mis kehastub materjalis või tegevuses ning kunstnik ei püüdnud mitte mingil juhul meeldida teiste maitsemeeltele.
Kunstnikel on alati olnud põhjust kujutada keerulist, inetut või veidrat. Samal ajal ütleb levinud arvamus, et "enne" (tingimuses klassikaline ajastu) kunstnikud ei olnud veel kunsti olemust moonutanud ja eelistasid "kaunilt maalida". Siiski sisse Euroopa kultuur Inetu kunstiline kontseptsioon tekkis palju varem kui moodne kunst.
Filosoofid ja teoloogid inetust
Filosoofilistes kontseptsioonides ja kunstiteostes peegelduva iluteooria kõrval on läbi aegade jätkunud ka inetuse teooria, mille raames võiks inetu ja inetu olla kujutamist vääriv teema. Inetu kui kunstiobjekt äratab huvi juba hulgas keskaegsed inimesed- kui me räägime andekast pildist, mis annab täielikult edasi inetuse idee. Sel juhul ei saa imetluse objektiks mitte kohutav või eemaletõukav pilt ise, vaid oskus, millega see on tehtud.
Johan Huizinga märgib, et alles 1400. aastaks oli maalikunst saavutanud selliste teemade täieliku edasiandmise oskuse. Eelkõige seostab ta sellega suhteliselt hilist selliste laialt levinud teemade maalikunsti juurutamist nagu "Surma triumf" ja " Viimane kohtuotsus" Paljuski sama juhtus piltidega märtrite kannatustest.
Pühakute piin: valu ja ilu
"Märtrisurma esteetika", mis ilmnes kõige selgemini Kristuse kannatuse kujutamisel, õitses küpsel keskajal ja läks üle renessansi kunstiks. Ajastul varakeskaeg tõenäolisemalt kohtas ristilöömise lihtsustatud kujutisi kui üksikasjalikud maalid. Sama kehtib ka märtrite piinamise maalide kohta.
Antropotsentriline mudel nägi aga ette huvi inimese vastu ja vastavalt ka isiklikku kannatuskogemust.
Kui keskajal vaadati küsimust arendava poole pealt, siis renessansiajastu kunstnikke hakkasid huvitama puhtpildilised aspektid: õige anatoomia, perspektiivi esitamine. Suurem rõhk kehalisusele avaldus kannatavate pühakute kujutistes – see oli seaduslik viis aktide maalimiseks inimkehad ja pöörake tähelepanu füüsilistele kogemustele.
See seletab kalduvust pühakute kehapiinamise mõningasele estetiseerimisele. Kalibreeritud kompositsioonid, märtrite graatsilised poosid - need on selliste kujutiste märgid. Keha ilu on saanud hoolika kaalumise objektiks. Kunstikultuur See ajastu peegeldab huvi inimese vastu mitmesuguste ilmingute, sealhulgas kannatuste vastu.
Hämmastav ja veider
On veel üks esteetilise kogemuse valdkond, mis osaliselt külgneb inetuga - kuid ilma sellise sünge värvinguta. See kogemus oli nõutud ka keskajal, mil kõik esemed olid peidetud sümboolsed tähendused ja renessansiajastu kultuuris, kus on huvi materiaalse maailma erinevate nähtuste vastu. Me räägime hämmastavate, veidrate ja võõraste kategooriast.
Mineviku inimesed tegid päritolu järgi “imedel” vähe vahet – müstilisi kujundeid ja looduse veidrusi tajuti homogeensete nähtustena.
Uudishimude kogumise kirg, mis eristas nii loodusteadlasi kui ka monarhe, näitab soovi puudutada universumi saladusi. Näiteks keiser Rudolf II kogus oli nii kunstiteoseid kui ka fragmente legendaarsete loomade surnukehadest. Maagiline ja teaduslik, sümboolne ja esteetiline - kurioosumite kappides olid need mõisted tihedalt läbi põimunud.
Tänapäeval on meil juurdepääs igasugusele visuaalsele materjalile, kuid möödunud ajastute inimestel oli seda palju vähem. Madal sotsiaalne mobiilsus, enamiku inimeste istuv eluviis ja kirjaoskamatus ei võimaldanud maailmapilti avardada. Seetõttu olid uued pildid - piltides või lugudes - väga nõutud ja jätsid hämmastava mulje.
Lood rännakutest kaugetele maadele olid keskaja väga populaarne žanr. Idareiside lugudes on palju väljamõeldud olendeid, kes pole küll otseselt hirmutavad ja koledad, kuid jäävad legendaarseks ja rikuvad tavalisi kaanoneid. Lugudele kaasnesid vastavad, vastavalt kuuldule tehtud pildid. Nende piltide tekitatud imetlus on esteetilist laadi – hoolimata sellest, et paljud kujutatud olendid või nähtused pole sugugi ilusad. Neid saadav meelelahutusjõud, vaatemängu pakkumine, legendaarne staatus – see on see, mis vaataja nende poole tõmbab.
Seotud XII sajand"Prester Johni kiri", millel oli suur mõju tema kaasaegsete meeltele - nii esteetilises kui ka poliitilises mõttes. Kuulus Marco Polo raamat on pühendatud kaugetele rännakutele. Lisaks andmetele, mida võib segi ajada tõelise ajalooteabega, leidub rohkelt liialdusi ja veidrusi. Näiteks Väikse Java (Sumatra) kirjelduses väidab Polo, et nägi ükssarvikut, kuid see ei osutus nii ilusaks ja õrnaks, kui selle kohta öeldi, ning tõi seetõttu pettumuse.
Siin on metsikuid elevante ja ükssarvikuid, mitte vähem kui elevante; Neil on pühvli moodi karv ja elevandi jalad, otsmiku keskel on paks ja must sarv; nad hammustavad, ma ütlen teile, keelega; Neil on keelel pikad ogad ja nad hammustavad keelega. Metsaline on välimuselt kole. Need ei ole sellised, nagu me neid kirjeldame; nad ei alistu neitsile: see pole sugugi see, mida me nende kohta ütleme.
Marco Polo Maailma imede raamat
IN kaunid kunstid Kapriisne näide on illustratsioonid Rooma autori Julius Obsequentuse raamatule, mis pärineb 15. sajandist. Meistrit, kes need lõi, kutsutakse meister Boucicaut’ nimeks – pärast järjekordset tema loodud teoste seeriat (“Marssal Boucicaut’ tundide raamat”). Renessansiajastu inimeste jaoks luges traktaat nagu segu ajalooõpikust ja fantaasiaromaanist – isegi kui mõni kahtles, et mõnes provintsis tõesti sadas kive, oli sellest huvitav lugeda. Mida me saame öelda koletiste olendite piltide kohta!
Geograafia- ja ajalooraamatute miniatuurid kujutasid legendaarseid olendeid – ükssarvikuid, tiivulisi ja tiibadeta draakoneid, künotsefaaliaid (psiglaviaid), kükloope, ühejalgseid heschiapode. Klassikaline esteetiline kaanon olendikujutistes on kahtlemata moonutatud: vaevalt, et kellelgi tuleks pähe rinnal paikneva näoga tegelasi atraktiivseks nimetada.
Samal ajal ei kanna nad endas põrguliku piina piltidele omast ohtu ja äratavad huvi. Lihtne on ette kujutada renessansiajastu koolipoissi, kes, suu lahti, innukalt selliseid pilte vaatab.
Me teame rohkem keerulised viisid esteetilised muljed kui lihtsalt "ilusad". Leiame tuhmid, “tolmused värvid” keerukad ja hindame radikaalset musta. Meie kujutlusvõimet erutavad kontrastid – graatsiline ja konarlik, ülev ja madal. Me teame, kuidas näha ilu puudustes ja puudustes, uskudes, et need muudavad mõnikord midagi ideaalset tõeliselt ainulaadseks. Näeme jubedas põnevat ja armastame närve kõditada. Need tunduvad meile ilusad sügisvihmad ja vulkaanide kuum laava.
Esteetiline tunne oli keeruline ja mitmetähenduslik erinevad ajastud- sealhulgas raamatuminiatuuride ja klassikaliste maalide loomisel.
Vaadates asju teise aja inimeste pilguga, märkame, et ka nemad olid väga kursis keeruliste kogemustega, mis olid tõrjumise ja huvi piiril, uurija uudishimu ja imetlemine meistri kunstilise ande vastu, ükskõik mida. ta kujutas.
Loomingulised inimesed on andekad inimesed, kes armastavad olla kasulikud ja teha teistele head. Neile meeldib vabadus, seega tajuvad nad kõiki piiranguid õiguste rikkumisena. Paljud inimesed usuvad seda loomingulised inimesedüksildane, õnnetu ja ei ela kaua. Õnneks pole see alati nii. Andekus on inimesele Jumala poolt antud, tuleb vaid hetkest kinni haarata ja õigel ajal oma võimeid arendama hakata.
Väärib märkimist, et imelaste seas on tõepoolest palju õnnetuid inimesi, kuna nende loovus pole alati teistele arusaadav. Tavaliselt keskmine inimene ajutegevus toimub teatud piirides ja kõike, mis nendest piiridest välja läheb, tajutakse millegi ebaloomuliku ja ebanormaalsena. Sel põhjusel on loomeinimestel väga raske selles julmas maailmas, kus neid on nii palju, ellu jääda püsivad stereotüübid ja soovimatus areneda.
Neuroteadus kinnitab, et andekad inimesed mõtlevad ja tegutsevad erinevalt. Loominguliste inimeste meel on sõna otseses mõttes loodud mõtlema ainulaadselt, teistmoodi kui enamik. Selline looduse kingitus võib aga elu oluliselt keerulisemaks muuta ja suhteid teistega pingestada. Kui tead loomingulist inimest, siis on sul ilmselt rohkem kui korra tekkinud mõte, et ta elab mingis hoopis teises maailmas. Enamasti on sellise isiksuse mõistmine sama mõttetu kui katse seda muuta. Selleks, et sellise inimesega kohaneda, tuleb õppida maailma vaatama läbi tema silmade.
Pidev ajutegevus
Loov meel on pidev masin, mida toidab liigne uudishimu. Puudub spetsiaalne nupp, mis võiks pausi teha ja mõtteid rahulikule suunale suunata. Loomingulised inimesed tulevad pidevalt välja erinevate ideedega, mis võivad paljudele tunduda ebareaalsed. Andekas inimene ammutab oma meeletu elutempo juures aina rohkem jõudu naljakate ja kohati pööraste ideede elluviimiseks.
Valetaja talent
Tuleb märkida, et loomingulised inimesed on suurepärased valetajad. Mitmed katsed on näidanud, et sellised isikud kalduvad keerulisematele ja keerukamatele valedele. Lisaks saavad nad ise petturi hõlpsalt tuvastada. Loovuse üheks ilminguks on olemasolevate mustrite vastuvõetamatus ja väljakujunenud stereotüüpide murdmine. Andekad inimesed tajuvad kergesti oma käitumise ebaeetilisust ja suhtuvad rahulikult ka teiste sarnaste tegudega.
Kõrge usaldamatuse määr
Andekas inimene ei kipu isegi lähedasi inimesi usaldama. Kuigi ta tunneb valesid kiiresti ära, on ka teiste suhtes kahtlustav eristav omadus talent. Ja see pole üllatav, sest uue avastuse tegemiseks tuleb õppida elementaarseid asju teise nurga alt vaatama. Seetõttu seab andekas inimene kõik kahtluse alla, sest palju lihtsam on nullist uut luua.
Julgus
Erinevate katsete käigus selgus, et tagasihoidlikkus pole andekate inimeste asi. Paljud neist on reeglina uhked oma võimete üle ja kasutavad neid oskuslikult, mis võimaldab neil nõuda üüratult kõrget hinda. Lisaks soovib andekas inimene väga näidata, kui muljetavaldav ta on ja kui palju ta oskab muretseda. 
Depressioon
Sageli andekad inimesed langeda depressiooni. Paljudel sellistel geeniustel on erinevad foobiad: mõned kardavad haigestuda mõnda ravimatusse haigusse, teised kardavad noorelt surra, teised minestavad isegi ämblikku või prussakat nähes. Paljude riikide psühholoogid on püüdnud välja selgitada, kas depressioon on tõesti seotud andekusega. Pärast psühhiaatriakliinikutelt saadud andmete uurimist leidsid nad selle loomingulised isiksused Vaimse haiguse rasked vormid arenevad sagedamini. Lisaks on tõestatud, et mitte ainult andekus, vaid ka sarnased häired võivad olla päritud.
Raske on endasse uskuda
Isegi kui inimene on oma võimetes kindel, hakkab ta aja jooksul küsimusi esitama: “Kas ma olen piisavalt hea? Kas ma teen kõike õigesti? Loomingulised inimesed võrdlevad oma töid pidevalt teiste meistrite loominguga ega märka enda sära, mis võib kõigile teistelegi silma jääda. Sellega seoses täheldatakse sageli loomingulist stagnatsiooni, kui inimene lihtsalt loobub, arvates, et kõik tema varasemad ideed olid asjatud ja mõttetud. Sellisel hetkel on väga oluline, et keegi oleks läheduses tõeline sõber, mis aitaks meistril selle raske perioodi üle elada.
Aeg unistada
Loomingulised inimesed on unistajad, see aitab neid nende töös. Paljud meist on seda kõige rohkem märganud parimad ideed tulevad meie juurde, kui oleme vaimselt reaalsusest kaugel. Neuroteadlased on tõestanud, et kujutlusvõime aktiveerib ajuprotsesse, mis on tihedalt seotud loovuse ja fantaasiaga.
Ajast sõltuv
Enamik suuri meistreid tunnistab, et lõi oma parimad tööd kas öösel või koidikul. Näiteks V. Nabokov võttis oma pastaka kätte kell 6 hommikul kohe, kui ärkas, ja Frank Lloyd Wrightil oli kombeks alustada tööd kell 3 öösel ja minna mõne tunni pärast uuesti magama. Reeglina on inimesed suurepärase loominguline potentsiaal harva kinni tavalisest igapäevarutiinist.
Privaatsus
Et olla loovusele võimalikult avatud, peate õppima, kuidas üksindust konstruktiivselt kasutada. Selle saavutamiseks saavad paljud andekad inimesed üle oma hirmust üksinduse ees. Inimesed tajuvad loovisikuid ja kunstnikke sageli üksikisikutena, kuigi tegelikult nad seda ei ole. See üksinduse soov võib olla oluline punkt parima teose loomisel.
Elu takistuste ületamine
Paljud kultusteosed ilmusid seetõttu, et nende looja koges südantlõhestavat valu ja tugevaid emotsioone. Sageli saavad erinevad probleemid katalüsaatoriks, mis aitab luua ainulaadseid ja silmapaistvaid meistriteoseid. Psühholoogia on andnud sellele nähtusele teadusliku nimetuse – posttraumaatiline kasv. Teadlased on avastanud, et sageli aitab tugev šokk inimesel mõnes konkreetses tegevuses edu saavutada, aga ka avastada endas uusi võimalusi. 
Otsige uusi kogemusi
Paljud loomeinimesed otsivad pidevalt uusi emotsioone ja muljeid. Kahjuks kasutavad mõned neist selle efekti saavutamiseks alkoholi ja narkootikume. Tuleb märkida, et andekas inimene on alati avatud uutele teadmistele, ta on üsna intelligentne ja uudishimulik. Üleminek ühest emotsionaalsest seisundist teise on omamoodi mootor kahe sisemise ja välise maailma uurimiseks ja mõistmiseks.
Ilu päästab maailma!
Loomingulised inimesed kipuvad olema erinevad suurepärane maitse, seega püüavad nad end pidevalt kaunite asjadega ümbritseda. Need võivad olla mitte ainult rõivaesemed, vaid ka sisustuselemendid, maalid, raamatud, ehted. Mõned uuringud on leidnud, et lauljad ja muusikud näitavad üles suurenenud vastuvõtlikkust ja tundlikkust kunstilise ilu suhtes.
Punktide ühendamine
Loomingulised inimesed suudavad leida võimalusi seal, kus teised seda lihtsalt ei märka. Paljud kuulsad kirjanikud ja kunstnikud usuvad, et loovus on võime ühendada punktid, mis tavaline inimene Ma poleks mõelnudki neid sellises järjekorras kokku panna. Kui küsida geeniuselt, kuidas ta need asjad kokku pani, tunneb ta end kohmetult, sest tal pole sellele küsimusele vastust. Mis on teistele raske, on raske ka teistele loominguline inimene ei ole raske.