Flamenko mustlaste esituses. Flamenco žanr ilmus üsna hilja, aastal XVIII lõpp sajandil Andaluusias. See segas kristlaste, mustlaste, araabia ja juudi kultuuride elemente. Kuid mustlased olid põhilised flamenkoesinejad kuni 19. keskpaik sajandil. Üks Hispaania reisija märkis: „Deemon magab mustlase hinges, kuni sarabandi helid ta äratavad.” Esialgu oli flamenko vähetähtis žanr: selle palavikulist rütmi saatis narratiiv elu raskustest ja raskustest. Ja ainult koos XIX lõpus sajandil hakkab ta muutuma värvikaks etenduseks, mille peateemaks on armastuskirg ja sensuaalne nauding. Foto (Creative Commonsi litsents): Patrik Tschudin |
Kust Carmeni kuvand meie kultuuris tekkis ja millega see seostub? Küsisin selle kohta kolleegidelt. "Milline Carmen? Seesama! “Armastus on tasuta!.. tramm-sinna-sinna!” Bizet’ ooper…” vastasid nad mulle. Ärge imestage, need inimesed teavad väga hästi, et ooperi “Carmen” libreto põhineb Prosper Merimee novellil. Muidugi nad lugesid seda, mõned isegi originaalis. Ooper on aga kirjandusteksti meie tajus suuresti nihutanud. Ja ometi, just temaga alustame oma kergelt detektiivilugu Carmeni kuvandist.
Uuenduslik tühisus
Meie kangelanna sündis 1845. aastal Prantsusmaal imelise prosaisti Prosper Mérimée (1803-1870) sulest. Carmenil ei vedanud algusest peale kuigi palju. Nagu sageli juhtub originaalteosed, teda süüdistati... banaalsuses! Prosaist ja kirjanduskriitik Stendhal (Henri-Marie Beyle, 1783–1842) otsustas, et Mérimée novell sarnaneb 18. sajandi kirjaniku Abbe Prévosti (Antoine-François) looga. Prévost d'Exiles, 1697–1783) "Manon Lescaut' ja Chevalier des Grieux' ajalugu". Kuid sellega on raske nõustuda. "Carmen" on kahtlemata uuenduslik teos. Mis on tema uuendus?
Seda mitte süžees, vaid stiilis: sündmusi, mida Merimehe eelkäijad ja kaasaegsed oleksid romantilises võtmes jutustanud, esitas kirjanik realistlikult. Kaasaegsele lugejale, juba realismiga harjunud, on seda uudsust üsna raske tunda, kuid siis tundus see ebatavaline. Ja kaugel Venemaal hindas Lermontov (1814–1841) sellist ebatavalisust ja kasutas Petsorini elust kirjutades sarnast jutuvestmistehnikat.
 Quasimodo koos Esmeraldaga. Illustratsioon filmile "Katedraal" Pariisi Notre Dame" 2006. aastal esitleti Kremli palees Jules Perrot’ balletti Hugo romaanil Andrei Petrovi tõlgenduses. Teatriarvustusest: “Andrei Petrovi väljamõeldud tantsud ja misanstseenid paistsid kindlasti silma musikaalsuse puudumise ja stiilivigadega, eriti autentselt iidsete fragmentide taustal... Õnneks ohjeldas koreograaf omaenda fantaasiat nii. nii palju, et ainult misantroop ei suutnud taluda seda, mida ta lõi Quasimodo tantsu surnud Esmeraldaga, keskaegsete rüütlite käes olevaid kanaarilindudega puure, Juri Grigorovitši koreograafia kajasid monoloogides ja Claude Frollo erootilisi nägemusi ja muid tüütuid pisiasju. massiivne kahevaatuseline etendus. Illustratsioon Victor Hugo Centrali veebisaidilt |
Egiptuse sõjamehed
Aga Carmenis on veel midagi, mis meid huvitab. Selles novellis esmakordselt maailmakirjanduses realistlikult kujutatud mustlane naine. Püüame siiski mõista, kui realistlik on Carmeni kuvand. Vahepeal tekib täiesti loomulik küsimus: kas enne Merimeest ei kirjeldanud keegi mustlasi? Muidugi ta tegi. Pikka aega usuti, et Egiptus on mustlaste kodumaa, versioon nende India juurtest tekkis palju hiljem. Unikaalselt riietatud, originaalse välimusega, äärmiselt musikaalne mustlane, kes tegeles ennustamise musta maagiaga, mille eest ta sai hüüdnime “saatana sulane”, ei saanud kirjanikke meelitada. Juba 16. sajandil kirjutas Cervantes (Miguel de Cervantes Saavedra, 1547–1616) novelli “Mustlastüdruk”. Väga huvitav on aga mustlase kujutise tõlgendus selles. Fakt on see, et “Mustlastüdruku” peategelane, armas Preciosa, ei ole sünnilt mustlane. Seetõttu erineb ta ülejäänud leerist oma moraali poolest - tolleaegse eurooplaste sõnul mustlaste jaoks ebatavaline kaasasündinud omadus.
Partnerite uudised
Georges Bizet’ Carmen on üks silmatorkavamaid ooperikangelannasid. See on kirgliku temperamendi, naiseliku vastupandamatuse ja sõltumatuse kehastus. “Ooper” Carmenil on vähe sarnasust oma kirjandusliku prototüübiga. Helilooja ja libretistid kõrvaldasid tema kavaluse, varguse, kõik väikese, tavalise, mis selle Merimehe tegelaskuju “vähendas”. Lisaks omandas Carmen Bizet’ tõlgenduses traagilise suuruse jooni: ta tõestab oma õigust armastuse vabadusele oma elu hinnaga.
Carmeni esimene iseloomustus on antud juba avamängus, kus ilmneb ooperi peamine juhtmotiiv - “saatusliku kire” teema. Teravas kontrastis kogu varasema muusikaga (teemad rahvuspüha ja Toreadori juhtmotiiv), peetakse seda teemat Carmeni ja Jose armastuse saatusliku ettemääratuse sümboliks. Seda eristab pikendatud sekundite teravus, modaalne toonide ebastabiilsus, intensiivne järjestikune areng ja kadentsi lõpetamise puudumine. Hiljem ilmub kõige enam esile “saatusliku kire” juhtmotiiv olulised punktid draama: stseenis lillega (algus), Carmeni ja Jose duetis II vaatuses (esimene haripunkt), enne "ennustusariosot" (dramaatiline pöördepunkt) ja eriti laialt - ooperi finaalis ( lõpp).
Sama teema saadab Carmeni esmaesinemist ooperis, omandades aga hoopis teise varjundi: elav tempo ja tantsuelemendid annavad talle temperamentse, tulise, suurejoonelise karakteri, mis seostub kangelanna välimusega.
Carmeni esimene soolonumber – kuulus Habanera. Habanera on hispaania tants, kaasaegse tango eelkäija. Võttes aluseks autentse Kuuba meloodia, loob Bizet loid, sensuaalse, kirgliku kujundi, mida soodustab laskuv liikumine mööda kromaatilist skaalat ja rütmi vaba kergus. See pole mitte ainult Carmeni portree, vaid ka tema esitlus elupositsioon, omamoodi vaba armastuse "deklaratsioon".
Kuni kolmanda vaatuseni hoitakse Carmeni iseloomustuses samas žanris ja tantsukavas. Seda esitatakse laulude ja tantsude sarjana, mis on läbi imbunud hispaania ja mustlaste folkloori intonatsioonidest ja rütmidest. Niisiis, sisse ülekuulamise stseen Carmen Zuniga kasutab teist muusikalist tsitaati – kuulsat humoorikat Hispaania laulu. Bizet sidus selle meloodia Merimee tõlgitud Puškini tekstiga (Zemfira laul hirmuäratavast abikaasast luuletusest “Mustlased”). Carmen laulab seda peaaegu saateta, julgelt ja pilkavalt. Vorm on värss, nagu Habaneras.
Carmeni kõige olulisem omadus I vaatuses on: Seguidilla(Hispaania rahvatants-laul). Seguidilla Carmenit eristab ainulaadne Hispaania maitse, kuigi helilooja siin ei kasuta rahvaluule materjali. Virtuoosse oskusega annab ta edasi hispaania keele tüüpilisi jooni rahvamuusika- režiimivärvide mitmekesisus (duuri ja molli tetraakordide võrdlus), iseloomulikud harmoonilised pöörded (S pärast D), “kitarri” saate. See number ei ole puhtalt soolo – tänu Jose ridade kaasamisele areneb see dialoogiliseks stseeniks.
Carmeni järgmine esinemine on käes mustlaste laul ja tants, millega avatakse II seadus. Orkestratsioon (parmupill, taldrikud, kolmnurk) rõhutab muusika rahvalikku maitset. Dünaamika ja tempo pidev tõus, aktiivse neljanda intonatsiooni laialdane areng – kõik see loob väga temperamentse, mängulise, energilise kuvandi.
II vaatuse keskmes - Carmeni ja Jose duetistseen. Sellele eelneb Jose sõdurilaul lava taga, millel põhineb selle aktsiooni vahepala. Duett on üles ehitatud vaba lava vormis, sisaldades retsitatiivseid dialooge, aariaid ja ansamblilaulu.
Dueti algust läbib rõõmus kokkuleppe tunne: Carmen lõbustab Joset laul ja tants kastanjetidega. Väga lihtne, keerukas meloodia sisse rahvavaimüles ehitatud tooniliste vundamentide laulmisele, ümiseb Carmen seda ilma ühegi sõnata. Jose imetleb teda, kuid idüll ei kesta kaua – sõjaväesignaal tuletab Josele meelde sõjaväeteenistus. Helilooja kasutab siin kahekihilisuse tehnikat: kui laulu meloodiat korratakse teist korda, lisatakse sellele kontrapunkt, sõjaväepasuna signaal. Carmeni jaoks ei ole sõjaväeline distsipliin kohting ennetähtaegseks lõpetamiseks nördinud. Vastuseks tema etteheidete ja naeruvääristamise rahele räägib Jose oma armastusest (õrn arioso lillega "Näete, kui püha ma hoian..."). Seejärel läheb duetis peaosa Carmenile, kes püüab Joset köita vaba elu mägedes. Tema suur soolo, koos Jose lakooniliste märkustega, on üles ehitatud kahele teemale – "sinna, sinna oma kodumägedele" (nr 45) ja "jättes oma karmi kohustuse siia" (nr 46). Esimene on laululikum, teine tantsuline, tarantella karakteris (sellele ehitatakse üles kogu II vaatuse lõpetav salakaubavedajate ansambel). Nende kahe teema kõrvutamine moodustab 3-osalise repriisivormi. “Arioso lillega” ja “hümn vabadusele” on kaks täiesti vastandlikku ideed elust ja armastusest.
IN III akt, koos konflikti süvenemisega muutub ka Carmeni iseloomustus. Tema osa erineb žanrilistest vahenditest ja muutub dramatiseerituks. Mida sügavamaks tema draama süveneb, seda rohkem asendub žanrilisi (puhtalt laulu ja tantsu) elemente dramaatilistega. Selle protsessi pöördepunkt on traagiline arioso alates ennustamisstseenid. Varem ainult mänguga hõivatud, püüdes kõiki ümbritsevaid vallutada ja allutada, mõtles Carmen esimest korda oma elule.
Ennustamisstseen on üles ehitatud harmoonilises 3-osalises vormis: välimised osad on rõõmsameelne sõprade duett (F-duur) ja keskosa- arioso Carmen (f-moll). Ekspressiivsed vahendid See arioso erineb järsult kogu eelmisest Carmeni iseloomustusest. Esiteks puuduvad seosed tantsuga. Väike mastaap, orkestripartii madal register ja selle sünge koloriit (tänu tromboonidele), ostinato rütm - kõik see tekitab leinava marsi tunde. Vokaalmeloodiat eristab hingamise laius ja see allub lainearengu põhimõttele. Leinalikku iseloomu suurendab rütmimustri ühtlus (nr 50).
Viimases, IV vaatuses teeb Carmen kaasa kahes duetis. Esimene on Escamilloga, ta on läbi imbunud armastusest ja rõõmsast kokkuleppest. Teine koos Josega - traagiline duell, kogu ooperi haripunkt. See duett on sisuliselt "monoloog": José palved ja meeleheitlikud ähvardused pühib minema Carmeni paindumatusest. Tema fraasid on kuivad ja lakoonilised (vastupidiselt Jose meloodilistele meloodiatele, lähedased tema lillega ariosole). Tohutu roll on saatusliku kire leitmotiivil, mis orkestris ikka ja jälle kõlab. Areng järgib draama pideva kasvu joont, mida võimendab invasioonitehnika: 4 korda puhkeb duett tsirkuse rahvahulga tervitusteks, iga kord rohkem kõrge helikõrgus. Carmen sureb hetkel, kui rahvas kiidab võitjat Escamillot. "Saatuslikku" juhtmotiivi võrreldakse siin otseselt härjavõitleja marsiteema piduliku kõlaga.
Seega saavad ooperi finaalis kõik avamängu teemad tõeliselt sümfoonilise edasiarenduse – saatusliku kire teema (samal ajal viimane kord seda peetakse duuri võtmes), rahvuspüha teema (avamängu esimene teema) ja härjavõitleja teema.
(1838-1875) ja üks kogu ooperimuusika tippe. Sellest ooperist sai viimane töö Bizet: selle esiettekanne toimus 3. märtsil 1875 ja täpselt kolm kuud hiljem helilooja suri. Tema enneaegset surma kiirendas Carmeni ümber lahvatanud hiiglaslik skandaal: soliidne avalikkus leidis, et ooperi süžee on sündsusetu ning muusika liigagi õpitud, imiteeriv (“wagnerlik”).
Krunt laenatud Prosper Merimee samanimelisest novellist või täpsemalt selle viimasest peatükist, mis sisaldab Jose lugu tema eludraamast.
Libreto kirjutasid kogenud näitekirjanikud A. Melyak ja L. Halevi, mõeldes oluliselt ümber algallika:
Peategelaste kujutisi on muudetud. Jose ei ole sünge ja karm röövel, kelle südametunnistusel on palju kuritegusid, kuid tavaline inimene, otsekohene ja aus, veidi tahtejõuetu ja tuline. Ta armastab oma ema väga, unistab rahust perekondlik õnn. Carmen on õilistatud, tema kavalus ja vargus on välistatud, tema vabaduse ja iseseisvuse armastust rõhutatakse aktiivsemalt;
Hispaania maitse muutus teistsuguseks. Tegevus ei toimu metsikutes mäekurudes ja süngetes linnade slummides, vaid Sevilla päikeseküllastel tänavatel ja väljakutel, mäeavarused. Merimee Hispaania on mähitud ööpimedusse, Bizet’ Hispaania on täis tormist ja rõõmsat elukihistamist;
Kontrasti suurendamiseks laiendasid libretistid Merimehes vaevu välja toodud kõrvaltegelaste rolli. Lüüriliseks kontrastiks tulihingelisele ja temperamentsele Carmenile oli õrn ja vaikne Micaela ning Jose vastand rõõmsameelne ja enesekindel härjavõitleja Escamillo;
Rahvastseenide olulisust on suurendatud, avardades narratiivi ulatust. Peategelaste ümber hakkas elu keema, neid ümbritsesid elavad inimmassid - tubakatöölised, draakonid, mustlased, salakaubavedajad jne.
Žanr"Carmen" on väga originaalne. Bizet andis sellele alapealkirja "koomiline ooper", kuigi selle sisu on tõeliselt traagiline. Seda žanri nime seletab pikk traditsioon Prantsuse teater klassifitseerida komöödiaks kõik süžeega seotud teosed igapäevaelu tavalised inimesed. Lisaks valis Bizet oma ooperiks prantsuse koomilise ooperi traditsioonilise struktuuriprintsiibi – lõpetatud vaheldumise. muusikalised numbrid ja räägitud proosa episoodid. Pärast Bizet’ surma asendas tema sõber, helilooja Ernst Guiraud kõnekeele muusikalisega, s.o. retsitatiivid. See aitas kaasa järjepidevusele muusikaline areng, aga side koomilise ooperi žanriga katkes täielikult.
Formaalselt koomilise ooperi raamidesse jäädes avas Bizet prantsuse keelele täiesti uue kontseptsiooni ooperimajažanr - realistlik muusikaline draama, mis sünteesis parimad omadused muud ooperižanrid:
Oma ulatusliku skaala, erksa teatraalsuse ja laialdase tantsunumbritega rahvastseenide kasutamisega on “Carmen” lähedane “suurele prantsuse ooperile”;
Pöörduge armastusdraama, sügava tõepärasuse ja siiruse poole avalikustamises inimsuhted, demokraatia muusikaline keel pärineb lüürilisest ooperist;
Toetumine žanri- ja olmeelementidele ning koomilistele detailidele Zuniga osas on märk koomilisest ooperist.
Ooperi idee on kinnitada inimõigust tundevabadusele. "Carmenis" kaks erinevat eluviisi, kaks maailmavaadet, kaks psühholoogiat, mille “ühildamatus” viib loomulikult traagilise tulemuseni (Jose oma on “patriarhaalne”, Carmen on vaba, ei ole piiratud üldtunnustatud moraalinormidega).
Dramaturgia Ooper põhineb kontrastsel võrdlusel armastusdraamast, mis on täis draamat ja saatuslikku hukatust ning helgeid, pidulikke rahvaelu stseene. See vastasseis areneb kogu teose vältel avamängust kulminatsiooni lõppstseenini.
Avamäng on jagatud kaheks vastandlikuks osaks, mis esindavad teose kaht vastandlikku sfääri: I osa on keerulises kolmeosalises vormis üles ehitatud rahvapeo teemadele ja Escamillo kupleede muusikale (trios); 2. osa on Carmeni saatusliku kire teemal.
1 tegevus algab massikooristseeniga, näidates tausta, mille taustal draama areneb, ja ennetades selle ilmumist peategelane, Carmen. Siin antakse peaaegu kõigi peategelaste (v.a Escamillo) ekspositsioon ja toimub draama algus - stseenis lillega. Selle tegevuse haripunktiks on seguidilla: Kirest tulvil Jose, kes ei suuda enam Carmeni võludele vastu seista, rikub käsku, hõlbustades naise põgenemist.
2. seadus avab ka lärmakas, elav rahvalik stseen Lilas Pastya kõrtsis (salakaubavedajate salajane kohtumispaik). Siin saab Escamillo oma portreekirjelduse. Samas aktsioonis kerkib esimene konflikt Carmeni ja Jose suhetes: tüli varjutab kõige esimese armastuskohtingu. Zuniga ootamatu saabumine otsustab Jose saatuse, kes on sunnitud jääma salakaubavedajate juurde.
IN 3. seadus konflikt eskaleeerub ja välja joonistub traagiline tulemus: Jose kannatab kohusereetmise käes, igatseb koju, armukadedusest ja üha kirglikumast armastusest Carmeni vastu, kuid naine oli tema vastu juba huvi kaotanud. 3. vaatuse keskmes on ennustamisstseen, kus ennustatakse Carmeni saatust ning haripunktiks on Jose ja Escamillo võitlus ning Carmeni lahkuminek temast. Lõpetamine aga viibib: selle aktsiooni finaalis jätab Jose Michaela haigele emale külla. Üldjoontes eristub ooperi dramaturgia pöördepunkt 3. vaatus oma sünge koloriidiga (sündmused toimuvad öösiti mägedes) ja on läbi imbunud ärevast ootusärevusest. Suur roll Tegevuse emotsionaalset värvingut mängib marss ja salakaubavedajate sekstett oma rahutu, ettevaatliku iseloomuga.
IN 4. seadus konflikti areng jõuab lõppfaasi ja jõuab haripunkti. Draama lõpp leiab aset aastal viimane stseen Carmen ja Jose. Selle valmistab ette pidulik folgistseen, mis ootab härjavõitlust. Rahvahulga juubeldavad karjed tsirkusest moodustavad taustaks duetis endas. See. rahvastseene saadavad pidevalt isiklikku draamat paljastavad episoodid.
Carmeni pilt. Georges Bizet’ Carmen on üks silmatorkavamaid ooperikangelannasid. See on kirgliku temperamendi, naiseliku vastupandamatuse ja sõltumatuse kehastus. “Ooper” Carmenil on vähe sarnasust oma kirjandusliku prototüübiga. Helilooja ja libretistid kõrvaldasid tema kavaluse, varguse, kõik väikese, tavalise, mis seda Merimehe tegelaskuju “vähendas”. Lisaks omandas Carmen Bizet’ tõlgenduses traagilise suuruse jooni: ta tõestab oma õigust armastuse vabadusele oma elu hinnaga.
Carmeni esimene iseloomustus on antud juba avamängus, kus ilmneb ooperi peamine juhtmotiiv - “saatusliku kire” teema. Teravas kontrastis kogu varasema muusikaga (riigipüha teemad ja Toreadori juhtmotiiv) tajutakse seda teemat Carmeni ja Jose armastuse saatusliku ettemääratuse sümbolina. Seda eristab pikendatud sekundite teravus, modaalne toonide ebastabiilsus, intensiivne järjestikune areng ja kadentsi lõpetamise puudumine. "Saatusliku kire" juhtmotiiv ilmub hiljem draama olulisematel hetkedel: stseenis lillega (algus), Carmeni ja Jose duetis II vaatuses (esimene haripunkt), enne "ennustuse arioosot". ” (dramaatiline pöördepunkt) ja eriti laialt – ooperi finaalis (denouement).
Sama teema saadab Carmeni esmaesinemist ooperis, omandades aga hoopis teise varjundi: elav tempo ja tantsuelemendid annavad talle temperamentse, tulise, suurejoonelise karakteri, mis seostub kangelanna välimusega.
Carmeni esimene soolonumber – kuulus Habanera. Habanera on hispaania tants, kaasaegse tango eelkäija. Võttes aluseks autentse Kuuba meloodia, loob Bizet loid, sensuaalse, kirgliku kujundi, mida soodustab laskuv liikumine mööda kromaatilist skaalat ja rütmi vaba kergus. See pole mitte ainult Carmeni portree, vaid ka tema elupositsiooni avaldus, omamoodi vaba armastuse "deklaratsioon".
Kuni kolmanda vaatuseni hoitakse Carmeni iseloomustuses samas žanris ja tantsukavas. Seda esitatakse laulude ja tantsude sarjana, mis on läbi imbunud hispaania ja mustlaste folkloori intonatsioonidest ja rütmidest. Niisiis, sisse ülekuulamise stseen Carmen Zuniga kasutab teist muusikalist tsitaati – kuulsat humoorikat Hispaania laulu. Bizet sidus selle meloodia Merimee tõlgitud Puškini tekstiga (Zemfira laul hirmuäratavast abikaasast luuletusest “Mustlased”). Carmen laulab seda peaaegu saateta, julgelt ja pilkavalt. Vorm on värss, nagu Habaneras.
Carmeni kõige olulisem omadus I vaatuses on: Seguidilla(Hispaania rahvatants-laul). Seguidilla Carmenit eristab ainulaadne Hispaania maitse, kuigi helilooja ei kasuta siin folkloorimaterjali. Virtuoosse oskusega annab ta edasi hispaania pärimusmuusika tüüpilisi jooni - modaalvärvide mitmekesisust (duuri ja molli tetraakordide võrdlus), iseloomulikke harmoonilisi pöördeid (S pärast D) ja “kitarrisaadet”. See number ei ole puhtalt soolo – tänu Jose ridade kaasamisele areneb see dialoogiliseks stseeniks.
Carmeni järgmine esinemine on käes mustlaste laul ja tants, millega avatakse II seadus. Orkestratsioon (parmupill, taldrikud, kolmnurk) rõhutab muusika rahvalikku maitset. Dünaamika ja tempo pidev tõus, aktiivse neljanda intonatsiooni laialdane areng – kõik see loob väga temperamentse, mängulise, energilise kuvandi.
II vaatuse keskmes - Carmeni ja Jose duetistseen. Sellele eelneb Jose sõdurilaul lava taga, millel põhineb selle aktsiooni vahepala. Duett on üles ehitatud vaba lava vormis, sisaldades retsitatiivseid dialooge, aariaid ja ansamblilaulu.
Dueti algust läbib rõõmus kokkuleppe tunne: Carmen lõbustab Joset laul ja tants kastanjetidega. Väga lihtne, viimistlemata rahvalikus vaimus meloodia on üles ehitatud tooniliste vundamentide laulmisele, seda ümiseb Carmen ilma sõnadeta. Jose imetleb teda, kuid idüll ei kesta kaua – sõjaväeline signaal tuletab Josele meelde sõjaväeteenistust. Helilooja kasutab siin kahekihilisuse tehnikat: kui laulu meloodiat korratakse teist korda, lisatakse sellele kontrapunkt, sõjaväepasuna signaal. Carmeni jaoks ei ole sõjaväeline distsipliin kohting ennetähtaegseks lõpetamiseks nördinud.
Vastuseks tema etteheidete ja naeruvääristamise rahele räägib Jose oma armastusest (õrn arioso lillega "Näete, kui püha ma hoian..."). Seejärel läheb duetis peaosa Carmenile, kes püüab Joset vaba eluga mägedes meelitada. Tema suur soolo, koos Jose lakooniliste märkustega, on üles ehitatud kahele teemale – "sinna, sinna oma kodumägedele" (nr 45) ja "jättes oma karmi kohustuse siia" (nr 46). Esimene on laululikum, teine tantsuline, tarantella karakteris (sellele ehitatakse üles kogu II vaatuse lõpetav salakaubavedajate ansambel). Nende kahe teema kõrvutamine moodustab 3-osalise repriisivormi. “Arioso lillega” ja “hümn vabadusele” on kaks täiesti vastandlikku ideed elust ja armastusest.
III vaatuses muutub koos konflikti süvenemisega ka Carmeni iseloomustus. Tema osa erineb žanrilistest vahenditest ja muutub dramatiseerituks. Mida sügavamaks tema draama süveneb, seda enam asendub žanrilisi (puhtalt laulu ja tantsu) elemente dramaatilistega. Selle protsessi pöördepunkt on traagiline arioso alates ennustamisstseenid. Varem ainult mänguga hõivatud, püüdes kõiki ümbritsevaid vallutada ja allutada, mõtles Carmen esimest korda oma elule.
Ennustamisstseen on üles ehitatud harmoonilises kolmeosalises vormis: välimised osad on rõõmsameelne sõprade duett (F-duur), keskosas aga Carmeni arioso (F-moll). Selle arioso väljendusvahendid erinevad järsult kogu varasemast Carmeni iseloomustusest. Esiteks puuduvad seosed tantsuga. Minoll skaala, orkestripartii madal register ja selle sünge koloriit (tänu tromboonidele), ostinato rütm - kõik see tekitab leinase marsi tunde. Vokaalmeloodiat eristab hingamise laius ja see allub lainearengu põhimõttele. Leinalikku iseloomu suurendab rütmimustri ühtlus (nr 50).
Viimases, IV vaatuses teeb Carmen kaasa kahes duetis. Esimene on Escamilloga, ta on läbi imbunud armastusest ja rõõmsast kokkuleppest. Teine, Josega, on traagiline duell, kogu ooperi kulminatsioon. See duett on sisuliselt "monoloog": José palved ja meeleheitlikud ähvardused pühib minema Carmeni paindumatusest. Tema fraasid on kuivad ja lakoonilised (vastupidiselt Jose meloodilistele meloodiatele, lähedased tema lillega ariosole). Tohutu roll on saatusliku kire leitmotiivil, mis orkestris ikka ja jälle kõlab. Areng järgib draama pideva suurenemise joont, mida võimendab invasioonitehnika: 4 korda puhkesid duetti tsirkuse rahva tervitushüüded, iga kord kõrgemas võtmes. Carmen sureb hetkel, kui rahvas kiidab võitjat Escamillot. "Saatuslikku" juhtmotiivi võrreldakse siin otseselt härjavõitleja marsiteema piduliku kõlaga.
Nii saavad ooperi finaalis kõik avamängu teemad tõeliselt sümfoonilise edasiarenduse – saatusliku kire teema (viimast korda kantakse seda läbi duuri võtmes), rahvuspüha teema ( avamängu esimene teema) ja härjavõitleja teema.
Wagneri avamäng ooperile Tannhäuser
Ooper Tannhäuser loodi 40ndate alguses Saksamaal revolutsioonilise liikumise tõusu ajal.
Selle süžee tekkis kolme keskaegse legendi kombinatsioonist:
Minnesingeri rüütlist Tannhäuserist, kes lubas pikka aega meelelisi naudinguid jumalanna Veenuse kuningriigis;
Lauluvõistlusest Wartburgis, mille kangelane oli teine Minnesinger Heinrich von Ofterdingen (nagu Tannhäuser, see on tõeline ajalooline isik);
Pühast Elizabethist, kelle saatust Wagner sidus Tannhäuseri saatusega.
Kogu kontseptsioon taandub kahe maailma – vaimse vagaduse, range moraalse kohustuse maailma ja sensuaalsete naudingute maailma – vastandusele. Veenus on sensuaalse, "patuse" maailma kehastus, samas kui ideaalse puhta maailma kehastus ennastsalgav armastus- Tannhäuseri pruut Elizabeth. Kõigi nende piltide ümber on rühmitatud palju teisi tegelasi. Veenusel on mütoloogilised nümfid, bacchantes, sireenid, armunud paarid; Elizabethi puhul – palverändurid, kes lähevad Rooma pühale meeleparandusele.
Veenus ja Elizabeth, patt ja pühadus, liha ja vaim ei osutu mitte ainult Tannhäuseri eest võitlevateks jõududeks, vaid ka teda lõhestavate vastuolude kehastuseks. Kahtlemata peegeldas ooper Wagneri mõtteid kunstniku saatusest aastal igavene vaidlus iseendaga.
Imeline avamäng Tannhäuserile võttis kokku ooperi sisu ja selle põhiidee (mis andis Lisztile põhjuse seda nimetada sümfooniline poeem ooperi süžee põhjal). Kontrast kahe maailma vahel on antud avamängus lähedalt- suurejoonelises Kolmeosalises kompositsioonis, mille keskosaks on sonaadi allegro. Äärmuslikud kooripartiid (“ideaal”) vastanduvad sensuaalsetele, bakhhanaalsetele keskkuju (“patusele”) kujunditele. Avamängu materjal on võetud täielikult ooperist. See on palverändurite koor, bakhhanaalia stseen ja Tannhäuseri hümn Veenuse auks, mis kõlab bakhhanaalia stseenis ja mida seejärel korratakse lauluvõistluse stseenis.
Avamäng algab karmi ja majesteetlikuga koorilaulud palverändurid. Sujuv, mõõdetud liikumine madalate puitsarvede kooristruktuuris annab kõlalisusele oreli iseloomu ja meenutab ka meeskoori laulu. Intonatsiooniliselt on teema lähedane saksa keelele rahvalaulud, mida iseloomustab triaadiline (fanfaar) struktuur. Harmoonias juhitakse tähelepanu VI astme kolmkõlale, mis on iseloomulik ideaalsed pildid Wagner (I-VI kraadide jada duur on Graali kuningriigi "leitharmoonia" "Lohengrinis").
Avamängu 2. teemat, mida kõlasid keelpillid (kõigepealt tšellod, seejärel viiulid ja vioolad), nimetati “Tannhäuseri meeleparanduse teemaks”, kuna ooperis ilmub see esmakordselt siis, kui Tannhäuser ühineb palverändurite lauluga, lausudes meeleparandus . Ta on esimesele igas mõttes kontrastis. Laiade oktaavihüpete ja laskuvate kromaatiliste joontega meloodia on üles ehitatud mööda skaalat tõusvatele jadadele, mis annab sellele sisemise pinge.
Suur kogunemine viib ereda haripunktini, mida rõhutab messingi kaasamine: korratakse koraali teisendatud teemat, mis omandab võimsa, kangelaslik tegelane. See kõlab figuratsiooni taustal (meeleparanduse teema ümberkujundamine). Nii sulavadki avamängu esimese osa mõlemad teemad kokku - impersonaalne ja isiklik moodustavad ühtsuse. Samal ajal kaotavad kujundid ise patukahetsuse teema leinava olemuse. Vastupidi, nad ümbritsevad palverändurite koraali säraga nagu halo. Tasapisi koraal hääbub ja sumbub kaugusesse. Seega on kogu avamängu esimene osa dünaamiline laine - crescendo koos vastupidise diminuendoga. Tekib pilt lähenevast ja taganevast rongkäigust.
Teiseks keskosa kirjutatud avamäng, mis kehastab Veenuse maagilist kuningriiki vabalt tõlgendatuna sonaadi vorm peegelrepriisi ja arenduses oleva episoodiga . Muusika iseloom muutub siin dramaatiliselt, muutub sensuaalseks ja ahvatlevaks, justkui toimuks “maastiku vahetus”. Kerged ja õhulised teemad tormavad kiires tempos läbi, põimudes ja muutudes üksteiseks. Neid ühendab domineeriv scherzo stiil - see on sonaadi allegro (E-dur) peamine ja ühendav osa.
Kõrvalosa (H-dur) teemaks on Tannhäuseri hümn Veenuse auks. Selle esimesel poolel domineerivad marsijooned (tänu vasardatud rütmile ja fanfaarpööretele), teine pool on aga lüürilisem ja laululisem. Järelikult avaneb Tanezeri kuvand kahest küljest - ta on julge rüütel ja armastuse laulja, luuletaja ja muusik.
Arengu alguses arendatakse põhiosa teemasid järjestikku vastavalt vähenenud kolmkõla kõladele. See areng meenutab meeleparanduse teemat I osast. Tekib terviku intonatsiooniline ühtsus. Tasapisi orkestrikangas õheneb, muutub läbipaistvaks ja kõrge registri summutatud viiulite peeneima tremolo taustal laulab klarnet kõige õrnemat mõtisklevat meloodiat, see on episood arengus. Tema muusika loob ettekujutuse Veenusest, kes ilmub enne Tannhäuserit.
Pärast episoodi muusikat jätkub eelmine liikumine. Korduses vahetavad pea- ja kõrvaltegelased kohti ning peategelase tegelane muutub üha kirglikumaks, lämbemaks ja ekstaatilisemaks. Lülitatakse sisse instrumendid, mis olid varem vaiksed - kolmnurk, tamburiin, taldrikud. Üsna avamängu teise osa lõpus kõlab kõrvulukustav löök kogu orkestrilt, misjärel algab kromaatiline laskumine pideva väriseva löökpillide taustal. See hetk tekitab assotsiatsioone Veenuse kuningriigi hävinguga.
Reprise Kogu avamängu märgib palveränduriteema tagasitulek, milles kangelaslikku jaatavat karakterit võimendab. Kolmelöögi suuruselt neljataktiliseks muutmine rõhutab veelgi rahuliku ja rahuliku sammu iseloomu. Koraali kõlalisus kasvab, kandub edasi kogu vaskpillile ja lõpetab avamängu tohutu jõuga majesteetliku apoteoosihümniga.
Georges Bizet’d peetakse "Carmeniks". Tema lugu ei olnud kerge ja see suurepärane teos ei leidnud avalikkuse ja kriitikute seas kohe vastukaja. On ju “Carmen” ooper, kus rikuti tolleaegse süžeeehituse üht aluspõhimõtet. Esimest korda toodi lavale mitte aristokraadid, vaid tavalised inimesed oma pattude, kirgede ja elavate tunnetega.
Näidend esietendus Pariisis Opera Comique'is 1875. aastal. Järgnenud reaktsioon valmistas selle loojale kibeda pettumuse. Üheks peeti ooperi Carmen autorit Georges Bizet’d andekad heliloojad oma ajast. Ta lõi oma ooperi oma karjääri tipus. Libreto kirjutasid P. Mérimée romaani põhjal L. Halévy ja A. Meillac. Esietendusel käinud publiku arvamused olid lahku läinud. Mustlanna Carmeni rolli esimene esitaja oli laulja Celestine Galli-Mathieu. Tal õnnestus kangelanna julgust suurepäraselt edasi anda. Mõned olid sellest rõõmus, teised aga nördinud. Ajalehed nimetasid ooperit inetuks, skandaalseks ja labaseks.
Carmen on aga ooper, mille geniaalsust hinnati palju hiljem ja armastati tõeliselt. Sellest rääkis meie klassikaline helilooja P.I. Tšaikovski, nimetas ta seda meistriteoseks. Üks meeldejäävamaid ooperit täitvaid meloodiaid on kangelanna aaria "Armastusel on tiivad." Helilooja lõi selle P. Merimehe novelli habanera meloodia ja võrgutava mustlanna kirjelduse põhjal. Lisaks sellele aariale said tõeliselt populaarseks “Toreadori marss” ja süit nr 2.
Oma tolle aja ebatüüpilisuse tõttu kujunes ooper populaarseks etenduseks. Carmen kirjeldab tavainimeste elu ja samas ei puudu ooperist ka romantika. Kui kirjeldate kokkuvõte ooper "Carmen", siis saate selle mõne fraasiga kokku võtta. Süžee põhineb P. Merimehe samanimelise romaani kolmandal peatükil ja see räägib armastusest. Näidendi tegevus toimub Hispaanias, mistõttu helilooja täitis ooperi klassikaliste hispaania meloodiatega: flamenco, paso doble, habanera.
Nii novelli kui ka ooperi peategelane on mustlane Carmen. Ooper esitleb teda kui pidurdamatut, vaba ega tunnista seadusi. Mustlane on võimeline muutma kõigi tema lähedase saatusi. Ta köidab meeste tähelepanu, naudib nende armastust, kuid ei arvesta nende tunnetega. Süžee järgi töötab sigaretivabrikus kaunis mustlane. Kaklus viib ta politseijaoskonda. Tema valvur oli seersant Jose. Ta suutis panna ta endasse armuma ja veenda teda lahti laskma. Mustlase nimel kaotas Jose kõik: oma positsiooni, austuse ühiskonnas. Temast sai lihtne sõdur. Carmen tegi koostööd salakaubavedajatega ja flirtis härjavõitleja Escamilloga. Ta oli Josest väsinud. Ta püüdis oma armastatut tagasi saata, kuid naine ütles talle järsku, et kõik on läbi. Siis tappis Jose oma armastatud Carmeni, et keegi teda kätte ei saaks.
J. Bizet oli väga häiritud “Carmeni” esietenduse ebaõnnestumisest. Hiljem meistriteoseks tunnistatud ooper võttis heliloojalt palju energiat. Vahetult pärast esiettekannet, 3 kuud hiljem, suri helilooja 37-aastaselt. Surma äärel ütles J. Bizet: "Jose tappis Carmeni ja Carmen tappis minu!"
Lugu räägib aga vabast elust, ohjeldamatutest kirgedest ja juhuslik surm on kadedusest juba aastaid vaatajaid teatritesse meelitanud. Tänaseni esitavad “Carmenit” kuulsaimad edukalt ooperistseenid rahu.
Pilt on noor hispaania mustlane Algselt kirjeldas Carmenit P. Merimee samanimelises romaanis 1845. aastal. Üldpilt saatusliku kaunitari tegelaskujust kujuneb meesteraamatujutustustest.
Jutustaja kohtub muldkehal mustlannaga. Prantslasel on tumedate jõudude sulast vaadates vastakad tunded. Ta vaatab teda huviga, mis muutub hirmuks ja võõrandumiseks. Sünge valgus, pimeda öise jõe taust lisab traagikat ja sünge atmosfääri, mis kummitab kangelasi kogu loo vältel.
Georges Bizet, ooperi loomine
Bizet alustas ooperi kallal tööd 1874. aastal. Laval "Carmen" toimus hiljem suuri muutusi. Libreto oli rikas draama ja sügavate emotsionaalsete kontrastide poolest, näitlevad kangelased muutus heledamaks. Ooperisse lisandus värvikas rahvalik mustlaste teema. Hispaania naise elu ja armastuse loo esietendus toimus 1875. aastal, kuid see ei õnnestunud täielikult, kuna tollased moraalikontseptsioonid erinesid ooperis omast.
Esimene, kes tüdruku mainet hindas, oli Tšaikovski. Tema sõnul peegeldab see Bidee meistriteos kõiki ajastu muusikalisi eesmärke. 10 aastat hiljem on film “Carmen” muutumas üha populaarsemaks ja võitmas vaatajate südameid.
Bizet’ ooper tõi mustlase välimuse rahvapäraseid jooni iseloomu. Selleks viis helilooja sündmuste stseeni platsile ja kujuteldamatult kaunitele mägistele avarustele. Metsikud kurud ja sünged linnaagulid on asendunud Sevilla päikeseliste tänavatega. Bizet lõi Hispaania täis rõõmsat elu.
Ta paigutas kõikidesse kohtadesse massiliselt inimesi, kes on pidevas liikumises, kujutades õnnelik elu. Ooperi oluliseks aspektiks oli rahvalike episoodide kaasamine. Draama sünged jooned omandasid toimuva optimistliku tragöödia ilme.
Bizet pani ooperi ideesse olulisuse tagama inimeste õigused väljendada tunnete vabadust. Ooper oli inimkonna psühholoogilise arengu kahe vaatenurga kokkupõrge. Kui Jose kaitseb ainult patriarhaalset vaadet, siis mustlane püüab tõestada, et elu vabaduses, mida ühiskonnas aktsepteeritud moraali normid ja dogmad ei piira, on palju parem ja ilusam.
Mustlaskuju Carmenist ooperis "Carmen"
Mustlane on üks säravamaid kangelannasid ooperielu. Kirglik temperament, naiselik vastupandamatus ja iseseisvus – kõik see karjub sõna otseses mõttes Carmeni kuvandis. Tal pole kirjelduses praktiliselt mingit seost oma kirjandusliku kangelannaga. Kõik see tehti tahtlikult, et paljastada kangelannas rohkem kirge ning eemaldada kavalad ja varastavad harjumused raamatu tegelane. Veelgi enam, Bizet andis talle võimaluse taotleda õigust saada vabadus traagilise olukorraga - omaenda elu kaotamisega.
Ooperi avamäng on esialgne kirjeldus muusikaline pilt Carmenist. Mustlanna ja hispaanlase Jose vahel puhkeb saatuslik kirg. Muusika meenutab juhtmotiivi härjavõitlejate festivalilt, on terav ja tuline. Seejärel naaseb see motiiv dramaatilistes stseenides.
Hispaania naise portree
Carmeni tervikkuvand avaldub kuulsa hispaania tantsu habanera kaudu, mis on tango eellane. Bizet lõi Kuuba vabaduse tõelise meloodia saatel terve rea lõdva, sensuaalseid, kirglikke liigutusi. See pole lihtsalt kuuma mustlase portree, vaid ka lugu liigutustes tema soovist olla oma armastuses vaba - see on tema elupositsioon.
Tüdruku iseloomustus jätkub tantsulises variatsioonis kuni kolmanda vaatuseni. See on stseenide seeria laulude ja tantsudega hispaania rütmide järgi. Mustlaste folkloor täiendab pilti, kui tuleb ülekuulamise järjekord. Selles esitab Carmen vallatu mustlaslaulu, ta mõnitab ja trotsib, lauldes üht salmi teise järel.
Hispaania-mustlase tegelane
Rohkem tähendusrikas kirjeldus Carmeni kujutis on hispaania keeles rahvatants Seguidilla. Mustlanna näitab virtuoosse mängu all oma unikaalset hispaanialikku iseloomu ning helilooja võrdleb molli ja duuri skaalasid.
Järgmises toimingus olevad taldrikud, tamburiin ja kolmnurk annavad Carmeni kuvandile mustlase välimuse tagasi. Tempo kasvav dünaamika annab tüdrukule ülemeeliku, energilise ja temperamentse ilme.
Carmeni pilt duetis
Mustlasse armunud sõjaväelane Jose vaatab rõõmuga tema laule ja tantsib kastanjeti abil. Meloodia on piisavalt lihtne, et Carmen laulab seda ilma sõnu kasutamata. Jose imetleb tüdrukut, kuid mäletab oma sõjaväekohustust kohe, kui kuuleb kutset sõjalisele väljaõppele.
Kuid vabadust armastav Carmen ei mõista seda kiindumust isegi pärast seda, kui Jose on oma armastust kuulutanud, ei lakka ta mehele etteheiteid. Hiljem muutub duett soolomustlaseks, kes soovib noore sõjaväelase oma vabadust täis ellu meelitada. Siin on näha väga lihtne ja kergemeelne pilt kirglikust mustlasest.
Suur soolo väljasõit
Tema sooloesinemisel on ooperis suur koht. See on üles ehitatud võlaga hüvasti jätmise ja kodumaale põgenemise teemadele. Teist teemat saadab tarantella tants ja esimest laulumotiivid. Selle tulemusena muutub see kõik omamoodi hümniks vabadusele.
Konflikt aga süveneb ja mida rohkem tüdruku kogemused kasvavad, seda sügavamaks ja dramaatilisemaks muutub Carmeni kuvand. Pöördepunkt saabub alles aaria ajal ennustamise stseenis. Carmen mõistab lõpuks, et eranditult isekatel kavatsustel ümbritsevaid oma tahte järgi valida, kaotab ta omaenda "mina". Mustlanna mõtleb esimest korda sellele, kuidas ta oma elu raiskab.
Ooperi lõpp
Ennustamisstseenis on Carmeni kuvandi iseloomustus kolm vormi. Esimene ja viimane on naljakad laulud sõbrannadega, teine on omaette mustlase aaria. Aaria esituse väljendusrikkus on eristav omadus Carmeni kuvand ooperi selles faasis. Lugu oli algselt mõeldud esitamiseks molli võtmes, ilma tantsulise saateta. Orkestripartii madalad toonid, mille sünge koloriit saavutatakse tänu tromboonide kõlale, toovad kaasa leinahõngu. Vokaali laineprintsiip külgneb muusikalise saate rütmimustriga.
Viimase vaatuse teeb mustlane duettides Escamilloga, kes toob Carmeni kuvandisse armastuse puudutuse. Teine duett on kehastatud Josega, see meenutab traagilist duelli, täis kurbust - see on kogu ooperi "Carmen" kulminatsioon. Carmeni kuvand on José palvete ja ähvarduste ees vankumatu. Ta vastab sõjaväelase meloodilistele lauludele kuivalt ja lakooniliselt. Orkestris kerkib taas esile kireteema.
Sündmuste areng toimub mööda dramaatilist joont kõrvaliste inimeste karjete sissetungiga. Ooperi finaal lõpeb Carmeni surmaga, samal ajal kui Escamillot tähistatakse võitjana. Vabaduses sündinud mustlane otsustab sooritada enesetapu ja tõestada, et ka tema on selles valikus vaba. Härjavõitleja marsi teema pidulik kõla on kõrvutatud saatusliku motiiviga.