Muusikaline klassitsism ja selle arengu peamised etapid
Klassitsism (ladina keelest classicus - eeskujulik) - stiil sisse kunst XVII- XVIII sajand Nimetus "klassitsism" tuleneb pöördumisest klassikalise antiigi kui esteetilise täiuslikkuse kõrgeima standardi poole. Klassitsismi esindajad ammutasid oma esteetilise ideaali näidetest iidne kunst. Klassitsism põhines usul eksistentsi ratsionaalsusesse, korra ja harmoonia olemasolusse looduses ja inimese sisemaailmas. Klassitsismi esteetika sisaldab kohustuslike rangete reeglite summat, mida tuleb täita kunstiteos. Neist olulisemad on ilu ja tõe tasakaalu, loogilise selguse, kompositsiooni harmoonia ja terviklikkuse, rangete proportsioonide ning žanrite selge eristamise nõue.
Klassitsismi arengus on kaks etappi:
17. sajandi klassitsism, mis arenes välja osalt võitluses barokkkunstiga, osalt sellega koosmõjus.
18. sajandi valgustusklassitsism.
17. sajandi klassitsism on paljuski baroki vastand. Kõige täiuslikuma väljenduse saab see Prantsusmaal. See oli absoluutse monarhia õitseaeg, mis pakkus õukonnakunstile kõrgeimat patrooni ja nõudis sellelt hiilgust ja hiilgust. Ülemine Prantsuse klassitsism piirkonnas teatrikunstid said Corneille'i ja Racine'i tragöödiad, aga ka Moliere'i komöödiad, kelle loomingule Lully toetus. Tema “lüürilised tragöödiad” kannavad endas klassitsismi (range ehitusloogika, kangelaslikkus, püsiv karakter) mõju, kuigi neis on ka barokseid jooni – tema ooperite pompsust, tantsude, rongkäikude ja kooride rohkust.
18. sajandi klassitsism langes kokku valgustusajastuga. Valgustus on lai liikumine filosoofias, kirjanduses, kunstis, mis hõlmab kõike Euroopa riigid. Nimetus "valgustus" on seletatav asjaoluga, et selle ajastu filosoofid (Voltaire, Diderot, Rousseau) püüdsid oma kaaskodanikke valgustada ja püüdsid lahendada struktuuriküsimusi. inimühiskond, inimloomus, tema õigused. Valgustuslased lähtusid kõikvõimsuse ideest inimmõistus. Usk inimesesse, tema mõistusesse, määrab valgustusajastu tegelaste vaadetele omase särava, optimistliku hoiaku.
Ooper on muusikaliste ja esteetiliste vaidluste keskmes. Prantsuse entsüklopedistid pidasid seda žanriks, milles tuleks taastada antiikteatris eksisteerinud kunstide süntees. See idee oli K.V ooperireformi aluseks. Gluck.
Haridusliku klassitsismi suursaavutuseks on sümfooniažanri (sonaat-sümfooniline tsükkel) ja sonaadivormi loomine, mida seostatakse Mannheimi koolkonna heliloojate loominguga. Mannheimi koolkond kujunes Mannheimis (Saksamaa) 18. sajandi keskel õukonnakabeli baasil, milles töötasid peamiselt tšehhi muusikud ( suurim esindaja- Tšehhi Jan Stamitz). Mannheimi koolkonna heliloojate loomingus pandi paika sümfoonia 4-osaline struktuur ja orkestri klassikaline koosseis.
Mannheimi koolkonnast sai Viini koolkonna eelkäija klassikaline kool - muusikaline suund, mis tähistab Haydni, Mozarti, Beethoveni loomingut. Loovuses Viini klassika Lõpuks kujunes välja sonaat-sümfooniline tsükkel, mis kujunes klassikaks, samuti kammeransambli ja kontserdi žanrid.
Instrumentaalžanridest olid eriti populaarsed mitmesugused igapäevase meelelahutusmuusika tüübid - serenaadid, divertismendid, kõlasid vabas õhus. õhtune aeg. Divertimento (prantsuse meelelahutus) - instrumentaalsed mitmeosalised teosed kammeransamblile või orkestrile, mis ühendavad sonaadi ja süidi jooni ning on lähedased serenaadile ja nokturnile.
K. V. Gluck – ooperimaja suur reformija
Christoph Willibald Gluck (1714 - 1787) – sünnilt sakslane (sündinud Erasbachis (Baieri, Saksamaa)), on aga üks silmapaistvad esindajad Viini klassikaline koolkond.
Glucki reformitegevus toimus Viinis ja Pariisis ning toimus kooskõlas klassitsismi esteetikaga. Kokku kirjutas Gluck umbes 40 ooperit – itaalia ja prantsuse, buffa ja seria, traditsioonilist ja uuenduslikku. Just tänu viimasele kindlustas ta endale silmapaistva koha muusikaajaloos.
Glucki reformi põhimõtted on välja toodud tema eessõnas ooperi Alceste partituurile. Need taanduvad järgmisele:
Muusika peaks väljendama poeetiline tekst ooperit, see ei saa eksisteerida iseseisvalt, väljaspool dramaatiline tegevus. Seega suurendab Gluck oluliselt ooperi kirjandusliku ja dramaatilise baasi rolli, allutades muusika draamale.
Ooper peaks avaldama inimesele moraalset mõju, sellest tuleneb pöördumine iidsete subjektide poole nende kõrge paatose ja õilsusega (“Orpheus ja Eurydice”, “Pariis ja Helen”, “Iphigenia Aulises”). G. Berlioz nimetas Glucki muusika Aischyloseks.
Ooper peab järgima "kolme suurt ilu põhimõtet kõigis kunstivormides" - "lihtsus, tõde ja loomulikkus". Ooper on vaja vabastada liigsest virtuoossusest ja vokaalsest ornamentikast (itaalia ooperile omane) ning keerukatest süžeedest.
Aaria ja retsitatiivi vahel ei tohiks olla teravat kontrasti. Gluck asendab secco retsitatiivi saatega, mille tulemusena see läheneb aariale (traditsioonilises ooperiseerias toimisid retsitatiivid vaid ühenduslülina kontserdinumbrite vahel).
Gluck tõlgendab aariaid ka uudsel viisil: ta tutvustab improvisatsioonivabaduse jooni, seob muusikalise materjali arengu muutustega. psühholoogiline seisund kangelane. Aariad, retsitatiivid ja koorid on ühendatud suurteks dramaatilisteks stseenideks.
Avamäng peaks aima ooperi sisu ja tutvustama kuulajatele selle atmosfääri.
Ballett ei tohiks olla vahenumber, mis pole ooperi tegevusega seotud. Selle sissejuhatus peaks sõltuma dramaatilise tegevuse käigust.
Enamik neist põhimõtetest sisaldub ooperis "Orpheus ja Eurydice" (esietendus 1762). See ooper tähistab uue etapi algust mitte ainult Glucki loomingus, vaid ka kogu Euroopa ooperi ajaloos. Orpheusele järgnes teine tema uuenduslik ooper "Alceste" (1767).
Pariisis kirjutas Gluck teisi reformioopereid: Iphigenia in Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia in Tauris (1779). Neist igaühe lavastus kujunes Pariisi elus suurejooneliseks sündmuseks, põhjustades tuliseid poleemika “Gluckistide” ja “Piccinistide” – traditsioonilise itaalia ooperi pooldajate – vahel, mille kehastas Napoli helilooja Nicolo Piccini (1728-1800). ). Glucki võitu selles vaidluses tähistas tema ooperi "Iphigenia" võidukäik Tauris.
Nii muutis Gluck ooperi kõrgete haridusideaalide kunstiks, imbus sellesse sügava moraalse sisuga ja paljastas laval ehtsaid inimlikke tundeid. Ooperi reform Gluck avaldas viljakat mõju nii tema kaasaegsetele kui ka järgnevatele heliloojate põlvkondadele (eriti Viini klassikale).
Barokkmuusika on Euroopa akadeemilise muusika arenguperiood, mis jääb ligikaudu 1600. ja 1750. aasta vahele. Barokkmuusika ilmus renessansi lõpus ja eelnes klassitsismi muusikale. Barokiajastu heliloojad töötasid erinevates muusikažanrites. Hilisrenessansi ajal ilmunud ooperist sai üks peamisi baroki muusikalised vormid. Võib meenutada selliste žanrimeistrite töid nagu Alessandro Scarlatti (1660-1725), Händel, Claudio Monteverdi jt. Oratooriumižanr saavutas haripunkti J. S. Bachi ja Händeli loomingus; ooperites ja oratooriumides kasutati sageli sarnaseid muusikalisi vorme. Näiteks laialt levinud aria da capo. Vaimuliku muusika vormid, nagu missa ja motett, muutusid vähem populaarseks, kuid kantaadivormile pöörasid tähelepanu paljud protestantlikud heliloojad, sealhulgas Johann Bach. Arenesid sellised virtuoossed kompositsioonivormid nagu toccatas ja fuuga.
Instrumentaalsonaate ja süite kirjutati nii üksikutele pillidele kui ka kammerorkestritele. Kontserdižanr esines mõlemas vormis: nii ühele pillile koos orkestriga kui ka concerto grosso, milles väike rühm sooloinstrumente vastandub täiskoosseisule. Prantsuse avamängu vormis teosed oma kontrastsete kiirete ja aeglaste osadega lisasid paljudele kuninglikele õukondadele pompsust ja hiilgust.
Klahvpillidele mõeldud teoseid kirjutasid heliloojad üsna sageli enda meelelahutuseks või õppematerjaliks. Sellised teosed on J. S. Bachi küpsed teosed, barokiajastu üldtunnustatud intellektuaalsed meistriteosed: “Hästitempereeritud klavier”, “Goldbergi variatsioonid” ja “Fuugakunst”.
17. Valgustusajastu muusika (realism, romantism, impressionism).
Valgustusajastul toimub enneolematu tõus muusikaline kunst. Pärast K. V. Glucki (1714–1787) läbiviidud reformi sai ooperist sünteetiline kunst, mis ühendab ühes etenduses muusika, laulmise ja keeruka dramaturgilise tegevuse. F. J. Haydn (1732–1809) tõstis instrumentaalmuusika klassikalise kunsti kõrgeimale tasemele. Valgustusajastu muusikakultuuri tipp on J. S. Bachi (1685–1750) ja W. A. Mozarti (1756–1791) looming. Valgustusideaal tuleb eriti selgelt esile Mozarti ooperis “Võluflööt” (1791), mida eristab mõistuse, valguse kultus ja ettekujutus inimesest kui universumi kroonist. Ooperi kunst 18. sajand 18. sajandi teise poole ooperireform. oli paljuski kirjanduslik liikumine. Selle eelkäija oli prantsuse kirjanik ja filosoof J. J. Rousseau.
18. Renessansi žanriline mitmekesisus (barokk, klassitsism).
Klassitsismi arengus on kaks ajaloolist etappi. Renessansiajastu kunstist välja kasvanud 17. sajandi klassitsism arenes välja samaaegselt barokiga, osalt võitluses, osalt sellega koosmõjus ja sai sel perioodil suurima arengu Prantsusmaal. Valgustusajastuga seotud hilisklassitsism, umbes 18. sajandi keskpaigast kuni XIX algus sajandil, seostatakse eelkõige Viini klassikalise koolkonnaga.
Klassitsismi ja baroki keerukas suhe tekitas 20. sajandi alguses arutelu: paljud muusikateadlased, eelkõige Saksamaal, peavad barokki ühtseks Euroopa muusikastiiliks renessansi ja valgustusajastu vahel – umbes 18. sajandi keskpaigani. sajandil, enne J. S. Bachi ja G. F. Händelit kaasa arvatud. Klassitsismi sünnikohas Prantsusmaal kaldusid mõned muusikateadlased vastupidiselt selle mõiste liiga laiale tõlgendamisele, pidades barokkstiili üheks klassitsismi eriliseks ilminguks.
Ajastute periodiseerimise teeb keeruliseks asjaolu, et erinevates rahvuskultuurides levisid muusikastiilid aastal laialdaselt erinevad ajad; Vaieldamatu on see, et 18. sajandi keskel võitis klassitsism peaaegu kõikjal. Eelkõige kuuluvad sellesse suunda K. V. Glucki reformooperid, varased Viini ja Mannheimi koolkonnad. Klassitsismi kõrgeimad saavutused muusikas on seotud Viini klassikalise koolkonna tegevusega - J. Haydni, W. A. Mozarti ja L. van Beethoveni loominguga.
Klassitsism kui kunstiline liikumine arenes Prantsusmaal välja 17. sajandi esimesel poolel: renessansiajal tekkinud huvi antiikkultuuri vastu andis tõuke. erinevat tüüpi iidsete mudelite jäljendamise kunst muutus absolutistlikul Prantsusmaal normatiivseks esteetikaks, mis põhines Aristotelese “Poeetikal” ja täiendas seda mitmete eriliste rangete nõuetega.
Klassitsismi esteetika põhines usul maailmakorra ratsionaalsusesse ja harmooniasse, mis avaldus tähelepanus teose osade tasakaalule, detailide hoolikas viimistlemises ning muusikalise vormi põhikaanonite väljatöötamises. Just sel perioodil kujunes lõplikult välja sonaadivorm, mis põhines kahe vastandliku teema arendusel ja vastandamisel, ning määrati kindlaks sonaadi ja sümfoonia osade klassikaline kompositsioon.
Muusikakunsti võib asetada samale joonele teatri- ja kirjanduskunstiga. Suurte kirjanike ja näitekirjanike teoste teemadel kirjutati oopereid ja muid muusikateoseid.
Muusikakunsti arengut seostatakse eelkõige selliste suurte heliloojate nimedega nagu J. S. Bach, G. F. Händel, J. Haydn, W. A. Mozart, L. V. Beethoven Osta 200 ml süstal osta meditsiinilisi süstlaid 200 sigma-med.ru.
Ületamatu meister polüfoonia oli saksa helilooja, organist ja klavessinist Johann Sebastian Bach (1685–1750).
Tema teosed olid sügavast läbi imbunud filosoofiline tähendus, kõrge eetika. Ta oskas teha kokkuvõtte eelkäijate saavutustest muusikakunstis. Tema kuulsaimad teosed on “Hästi tempereeritud klaavier” (1722–1744), “Johannese passioon” (1724), “Matteuse passioon” (1727 ja 1729), paljud kontserdid ja kantaaadid ning missa. alaealine (1747–1749) jne.
Erinevalt J. S. Bachist, kes ei kirjutanud ühtegi ooperit, on saksa helilooja ja organist George Frideric Händel (1685–1759)
kuuluvad enam kui neljakümnesse ooperisse. Ja töötab ka edasi piibellikud teemad(oratooriumid "Iisrael Egiptuses" (1739), "Saul" (1739), "Messias" (1742), "Samson" (1743), "Judas Makkabi" (1747) jt), orelikontserdid, sonaadid, süidid jne.
Klassikaliste instrumentaalžanrite, nagu sümfooniad, kvartetid ja ka sonaadivormid, suurmeister Austria helilooja
Joseph Haydn (1732–1809).
Tänu temale kujunes välja orkestri klassikaline koosseis. Talle kuulub mitu oratooriumi (“Aastaajad” (1801), “Maailma loomine” (1798)), 104 sümfooniat, 83 kvartetti, 52 klaverisonaadid, 14mess.d.
Teine Austria helilooja Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791),
oli imelaps, tänu kellele sai ta juba varases lapsepõlves kuulsaks. Ta kirjutas üle 20 ooperi, sealhulgas kuulsad "Figaro abielu" (1786), "Don Giovanni" (1787), "Võluflööt" (1791), rohkem kui 50 sümfooniat, palju kontserte, klaveriteosed(sonaadid, fantaasiad, variatsioonid), lõpetamata “Reekviem” (1791), laulud, missad jne.
Oli raske saatus, mis jättis jälje kogu loovusele Saksa helilooja Ludwig van Beethoven (1770–1827).
Tema geniaalsus avaldus juba lapsepõlves ega jätnud teda isegi ühegi helilooja ja muusiku kohutavasse hädasse - kuulmislangusesse. Tema teostel on filosoofiline iseloom. Paljud teosed olid mõjutatud tema vabariiklikest heliloojavaadetest. Beethovenile kuulub üheksa sümfooniat, instrumentaalsonaati (Moonlight, Pathétique), kuusteist keelpillikvartetti, ansambleid, ooperit Fidelio, avamänge (Egmont, Coriolanus), klaverikontserte ja muid teoseid.
Tema kuulus väljend: "Muusika peaks inimeste südametest tuld lööma." Ta järgis seda ideed kogu oma ülejäänud elu.
Vaata ka
Jaapani keelelisest maailmapildist
Küsimus nn rahvuslike maailmapiltide iseärasustest, nagu nägime eelmises peatükis, ei ole alati õigesti püstitatud ja on sageli seotud ebateaduslike spekulatsioonidega, millest räägiti. ...
Operatiivplaneerimine
Operatiivplaneerimine peab vastama järgmistele nõuetele ja põhimõtetele: põhinema progressiivsetel graafikustandarditel, mis omakorda on kalendrigraafikute aluseks...
Egiptuse ajalugu
Tänapäeval on egüptoloogia populaarsuse tipp. Egiptoloogia osakonnad on paljudes ülikoolides peaaegu kõigis maailma arenenud riikides. Näiteks 1999. aastal toimusid väljakaevamised Egiptuses...
See artikkel võib olla kasulik lisamaterjal klasside muusikatundideks 7-8. See pakub materjali muusika süvaõppeks XVII-XVIII kultuurid sajandite jooksul. Selle ajastu muusikas kujunes keel, mida kogu Euroopa hiljem "rääkis".
Laadi alla:
Eelvaade:
"Valgustusajastu muusika"
Valgustusliikumisel oli oluline mõju muusikaline elu. Muusikas 17. – 18. sajand. tekkimas on muusikakeel, mida kogu Euroopa edaspidi „räägib”. Esimesed olid Johann Sebastian Bach (1685 1750) ja George Frideric Händel (1685 1759). Bach – suurepärane helilooja ja organist, töötas kõikides muusikažanrites peale ooperi. Ta viis täiuseni keskajal Euroopas tekkinud polüfoonilise kunsti. IN organite loovus Täielikult avaldub Bachi mõtete ja tunnete sügavus ning kõlab hingetunnistus. Bachi kuue põlvkonna seas on peaaegu kõik organistid, trompetistid, flöödimängijad, viiuldajad, bändimeistrid ja kantorid. Elutee geniaalne helilooja- See pidev võitlusõiguse eest loovusele. Händel, nagu Bach, kasutas piibli lood teie tööde eest.
Läbi 18. sajandi toimusid mitmetes riikides (Itaalia, Saksamaa, Austria, Prantsusmaa jt) instrumentaalmuusika uute žanrite ja vormide kujunemisprotsessid, mis lõpuks võtsid kuju ja saavutasid oma haripunkti nn. "Viini klassikaline koolkond".Viini klassikaline koolkond, mis orgaaniliselt neelas rahvuslike muusikakultuuride kõrgetasemelisi saavutusi, oli ise sügavalt rahvuslik nähtus, mille juured on Austria rahva demokraatlikus kultuuris. Selle kunstilise liikumise esindajad olid J. Haydn, V.A. Mozart, L. van Beethoven. Igaüks neist oli särav isiksus. Seega eristas Haydni stiili helge maailmavaade ning žanri ja igapäevaste elementide juhtiv roll. Lüürilis-dramaatiline algus oli rohkem omane Mozarti stiilile. Beethoveni stiil on võitluse kangelasliku paatose kehastus. Kuid koos erinevustega, mis määravad iga helilooja unikaalse individuaalsuse, ühendavad neid realism, elujaatavad põhimõtted ja demokraatia. Valgustusajastu ratsionalismile ja abstraktsele üldistusele orienteeritud mõtlemine tõi kaasa uute žanrite tekke: SÜMFOONIA, SONATA, KONTSERT. Need žanrid võtsid sonaadi-sümfoonilise tsükli vormi, mille tuumaks oli sonaat allegro. SONATA ALLEGRO on proportsionaalne ja sümmeetriline struktuur, mis koosneb kolmest põhiosast - ekspositsioon, arendus ja kordus.
Viini klassikalist koolkonda iseloomustas kunstiline stiil klassitsism, mis tekkis Prantsusmaal 17. sajandil.Tuginedes ideedele maailmakorra korrapärasuse ja ratsionaalsuse kohta, püüdlesid selle stiili meistrid selgete ja rangete vormide, harmooniliste mustrite, kõrge kehastuse poole. moraalsed ideaalid. Kõrgeimad, ületamatud näited kunstiline loovus nad pidasid iidseid kunstiteoseid, nii et nad arendasid iidseid teemasid ja kujundeid. Klassitsism vastandus suuresti barokile oma kirglikkuse, muutlikkuse ja ebajärjekindlusega, kinnitades selle põhimõtteid erinevates kunstivormides, sealhulgas muusikas.Viini klassikalise koolkonna heliloojate tegevust valmistasid ette nende eelkäijate ja kaasaegsete kunstikogemused, sh itaalia ja prantsuse ooperi- ja instrumentaalkultuur, ning saksa muusika saavutused. Suurima muusikakeskuse Viini muusikaelu mängis Viini klassikalise koolkonna kujunemisel tohutut rolli. muusikaline folkloori rahvusvaheline Austria. Viini klassikute kunst on tihedalt seotud Austria-Saksa kultuuri üldise tõusuga, valgustusajastuga, mis peegeldas Suure vara eelõhtul kolmanda seisu humanistlikke ideaale. prantsuse revolutsioon. Loovad ideed Viini klassikud puutuvad tihedalt kokku vaadetega G.E. Lessinga, I.G. Herdera, I.V. Goethe, F. Schiller, I. Kant, G. Hegel, koos mõnede Prantsuse entsüklopedistide sätetega.
Viini klassikalise koolkonna esindajate kunsti iseloomustab kunstilise mõtlemise universaalsus, loogika ja selgus. kunstiline vorm. Nende töödes on orgaaniliselt ühendatud tunded ja intellekt, traagiline ja koomiline, täpne kalkulatsioon ja loomulikkus, väljenduskergus.Viini klassikalise koolkonna heliloojate muusika on uus etapp arengus muusikaline mõtlemine. Nende muusikakeelt iseloomustab range korrapärasus, mis on ühendatud sisemise mitmekesisuse ja rikkusega. Igal Viini klassikalise koolkonna meistril oli ainulaadne isiksus. Instrumentaalmuusika sfäär osutus Haydnile kõige lähedasemaks ja Mozart näitas end ühtviisi nii ooperis kui ka sisse instrumentaalžanrid. Haydn kaldus rohkem objektiivsete folkžanri kujundite, huumori, naljade poole, Beethoven - kangelaslikkuse poole, Mozart, olles universaalne kunstnik - lüürilise kogemuse erinevate varjundite poole. Maailma tippu kuuluva Viini klassikalise koolkonna heliloojate looming kunstikultuur, avaldas tohutut mõju edasine areng muusika.
Enamik keeruline kuju instrumentaalmuusika – SÜMFOONIA (kreeka “konsonants”). See on mõeldud esitamiseks sümfooniaorkestri poolt. Selle žanri võimalused on suured: see võimaldab väljendada muusikalised vahendid filosoofiline ja moraalsed ideed, rääkida tunnetest ja kogemustest. Žanr kujunes välja 18. sajandi keskel Viini klassikalise koolkonna esindajate loomingus. Heliloojad töötasid välja neljast osast koosneva sonaat-sümfoonilise tsükli, mis erinevad muusika olemuse, tempo ja teemaarendusmeetodite poolest. Esimene osa, sisse ehitatud sonaadi vorm ja esitatakse tavaliselt kiires tempos, täidetud dramaatilise sisuga. Mõnikord eelneb sellele aeglane sissejuhatus. Teine osa on aeglane ja mõtisklev; see on kompositsiooni lüüriline keskpunkt. Kolmas on teisega võrreldes kontrastne: mobiilne, elav muusika kannab kas tantsu või mänguline tegelane. Kuni 19. sajandi alguseni. heliloojad kasutasid menueti vormi (prantsuse menuet, menüüst - “väike, väike”), levinud salong tants XVIII sajandite jooksul. Hiljem asendati menuett scherzoga (itaalia keelest scherzo - “nali”) - see oli väikeste vokaal- või instrumentaalteoste nimi, tempoga kiire ja sisult humoorikas. Neljas, tavaliselt kiire, osa on sümfoonia finaal; siin võetakse kokku teose teemade ja kujundite areng.Üks keerukamaid ja sisurikkamaid muusikalisi vorme, sonaat, hakkas kujunema 18. sajandi esimesel poolel. ja leidis oma lõpliku vormi sajandi teisel poolel Viini klassikalise koolkonna heliloojate loomingus. SONAADI VORM on muusikalise materjali esitamise põhimõte. See ei hõlma osade ja lõikude mehaanilist vaheldumist, vaid teemade ja kunstiliste kujutiste koosmõju. Teemad – peamised ja sekundaarsed – on kas vastandlikud või täiendavad üksteist. Teemade väljatöötamine läbib kolm etappi – eksponeerimine, arendus ja kokkuvõte. Ekspositsioonis kerkivad esile teemad (ladinakeelsest sõnast expositio - “esitlus, väljapanek”). Peamine kõlab põhiklahvis, mis määrab kogu kompositsiooni klahvi nime. Kõrvalteema esitatakse tavaliselt erinevas toonis – teemade vahel tekib kontrast. Teemade edasiarendus on töös. Need võivad sattuda teravasse vastastikusesse vastuolu. Mõnikord surub üks teise alla või, vastupidi, läheb varju, jättes “rivaalile” täieliku tegutsemisvabaduse. Mõlemad teemad võivad paista erinevas valguses, näiteks esitatakse neid erinevate instrumentide abil või muudavad nad dramaatiliselt iseloomu. Repriisis (prantsuse reprise, sõnast reprendre - "jätkake, korrake") naasevad teemad esmapilgul algsesse olekusse. Teisene teema kõlab aga juba põhivõtmes, jõudes seega ühtsusse põhilisega. Reprise on keerulise tee tulemus, milleni teemad jõuavad rikastatuna eksponeerimise ja arendamise kogemusest. Arendustulemused on mõnikord fikseeritud täiendavas jaotises - kood (itaalia keelest coda - “saba”), kuid see pole kohustuslik. Sonaadivormi kasutatakse tavaliselt sonaadi ja sümfoonia esimeses osas, samuti (väiksemate muudatustega) teises osas ja finaalis.
Üks instrumentaalmuusika põhižanre on SONATA (itaalia sonaat, sonare'ist - "helini"). See on mitmeosaline (tavaliselt kolme- või neljaosaline) töö. Viini klassikalise koolkonna meistrite loomingus saavutas sonaat sarnaselt sümfooniaga haripunkti. Erinevalt sümfooniast on sonaat mõeldud kas ühele instrumendile (tavaliselt klaverile) või kahele (millest üks on klaver). Selle žanri teoste esimene osa on kirjutatud sonaadi kujul. Siin on ära toodud teose peamised muusikalised teemad. Teine osa, tavaliselt rahulik ja aeglane, on esimesega teravas kontrastis. Kolmas on kiires tempos esitatav finaal. Ta teeb tulemused kokku ja lõpuks määrab töö üldise iseloomu.
Joseph Haydnit peetakse Viini klassikalise koolkonna rajajaks. Haydni loomingut seostatakse selliste žanrite õitsenguga nagu sümfoonia (neid oli tal sada neli, ilma kadunuid arvestamata), keelpillikvartett (kaheksakümmend kolm) ja klahvsonaat (viiskümmend kaks). Palju tähelepanu Helilooja pühendas oma aega kontsertidele erinevatele pillidele, kammeransamblitele ja vaimulikule muusikale.
Franz Joseph Haydn sündis Rohrau külas (Austria) perekonnas vankri tegija. Alates kaheksandast eluaastast hakkas ta laulma Viini Püha Stefani kabelis. Tulevane helilooja pidi elatist teenima nootide kopeerimise, oreli, klaveri ja viiulimänguga. Seitsmeteistkümneaastaselt kaotas Haydn hääle ja ta saadeti kabelist välja. Vaid neli aastat hiljem leidis ta alalise töökoha – sai tööd kuulsa itaallase saatjana ooperi helilooja Nicolet Porpore (1686-1768). Ta hindas Haydni muusikalist annet ja hakkas talle kompositsiooni õpetama. Aastal 1761 Haydn astus jõukate Ungari vürstide Esterhazy teenistusse ja veetis ligi kolmkümmend aastat nende õukonnas helilooja ja kabeli juhina. Aastal 1790 kabel saadeti laiali, kuid Haydnile jäi palk ja dirigendi koht. See andis meistrile võimaluse Viinis elama asuda, reisida ja kontserte anda. 90ndatel Haydn elas ja töötas pikka aega viljakalt Londonis. Ta saavutas üleeuroopalise kuulsuse, tema loomingut hindasid tema kaasaegsed – heliloojast sai paljude aukirjade ja tiitlite omanik. Joseph Haydnit nimetatakse sageli sümfoonia "isaks". Just tema loomingus sai sümfoonia instrumentaalmuusika juhtivaks žanriks. Haydni sümfooniates on põhiteemade areng huvitav. Juhtides meloodiat erinevates võtmetes ja registrites, andes sellele üht või teist meeleolu, avastab helilooja seeläbi selle peidetud võimalused, paljastab sisemised vastuolud: meloodia muundub seejärel ja naaseb seejärel algsesse olekusse. Haydnil oli peen huumorimeel ja see isiksuseomadus kajastus tema muusikas. Paljudes sümfooniates on kolmanda osa (menueti) rütm sihilikult kaalukas, justkui üritaks autor kujutada tavainimese kohmakaid katseid korrata galantse tantsu elegantseid liigutusi. Sümfoonia nr 94 (1791) on vaimukas. Teise osa keskel, kui muusika kõlab rahulikult ja vaikselt, kostuvad ootamatult timpanilöökid - et kuulajatel "igav ei hakkaks". Pole juhus, et teos kandis nime “Võitleva Timpaniga ehk üllatusega”. Haydn kasutas sageli onomatopoeesia tehnikat (linnud laulavad, karu rändab läbi metsa jne). Helilooja pöördus oma sümfooniates sageli rahvalike teemade poole.
Stabiilse koosseisu moodustamise eest vastutavad Viini klassikalise koolkonna esindajad ja eelkõige Haydn sümfooniaorkester. Varem olid heliloojad rahul ainult nende instrumentidega, mis hetkel olid saadaval. Stabiilse orkestri ilmumine on selge klassitsismi märk. Heli muusikariistad viidi seega rangesse süsteemi, mis allus mõõteriistade reeglitele. Need reeglid põhinevad teadmistel pillide võimekuse kohta ja eeldavad, et igaühe kõla ei ole eesmärk omaette, vaid vahend teatud idee väljendamiseks. Stabiilne koosseis andis orkestrile kindla, homogeense kõla.
Lisaks instrumentaalmuusikale pööras Haydn tähelepanu ooperile ja vaimulikele teostele (ta lõi Händeli mõjul mitmeid missasid) ning pöördus oratooriumižanri poole ("Maailma loomine", 1798; "Aastaajad", 1801).
Alates selle loomisest pole ooperi arengus katkestusi olnud. 18. sajandi teise poole ooperireform. oli paljuski kirjanduslik liikumine. Selle eelkäija oli prantsuse kirjanik ja filosoof J.J. Rousseau. Rousseau tegeles ka muusikaga ja kui filosoofias kutsus ta üles pöörduma tagasi looduse juurde, siis a. ooperi žanr pooldas naasmist lihtsuse juurde.Reformi idee oli õhus. Üheks sümptomiks oli eri tüüpi koomilise ooperi esiletõus; teised said tantsu- ja balletikirjad Prantsuse koreograaf J. Novera (1727–1810), milles arenes välja idee balletist kui draamast, mitte ainult vaatemängust. Reformi ellu kutsuja oli K.V. Gluck (1714–1787). Nagu paljud revolutsionäärid, alustas Gluck traditsionalistina. Aastaid lavastas ta üksteise järel vanas stiilis tragöödiaid ja pöördus pigem olude sunnil koomilise ooperi poole. Ooper Viinis jagunes kolmeks põhisuunaks. Juhtiv koht võttis tõsiselt Itaalia ooper(itaalia keeles: opera seria), kus klassikalised kangelased ja jumalad elasid ja surid tragöödia õhkkonnas. Vähem formaalne oli koomiline ooper (opera buffa), mis põhineb Arlekiini ja Columbine'i süžeel. Itaalia komöödia(commedia dell" arte), mida ümbritsevad häbitu lakeed, nende vaoshoitud meistrid ja kõikvõimalikud kelmid ja aferistid. Koos nende itaalia vormidega arenes välja ka saksa koomiline ooper (singspiel), mille edu seisnes võib-olla põliskeele kasutamises. üldsusele juurdepääsetav keel. saksa keel. Juba enne Mozarti ooperikarjääri algust propageeris Gluck naasmist 17. sajandi ooperi lihtsuse juurde, mille süžeed ei summutanud pikad sooloaariad, mis lükkasid tegevuse arengut edasi ja olid lauljatele vaid võimaluseks oma jõudu demonstreerida. nende häältest.
Oma talendi jõul ühendas Mozart need kolm suunda. Veel teismelisena kirjutas ta igast tüübist ühe ooperi. Küpse heliloojana jätkas ta tööd kõigis kolmes suunas, kuigi opera seria traditsioon oli hääbumas.Mozarti looming hõivab eriline koht Viini klassikalises koolis. Tema töödes ühendati klassitsistlik rangus ja vormiselgus sügava emotsionaalsusega. Helilooja muusika on lähedal neile 18. sajandi teise poole kultuurisuundadele, mis olid adresseeritud inimlikele tunnetele ("Torm ja tuisk", osalt sentimentalism). See oli Mozart, kes esmakordselt näitas ebakõla sisemaailma isiksus.
Wolfgang Amadeus Mozart sündis Salzburgis (Austria). Omamine fenomenaalne muusikaline kõrv ja mälu, õppis ta juba varases lapsepõlves klavessiini mängima ning viieaastaselt kirjutas ta oma esimesed kompositsioonid. Tulevase helilooja esimene õpetaja oli tema isa Leopold Mozart, Salzburgi peapiiskopi kabeli muusik. Mozart valdas meisterlikult mitte ainult klavessiini, vaid ka orelit ja viiulit; oli kuulus geniaalse improvisaatorina. Alates kuuendast eluaastast tuuritas ta Euroopa riikides. Üheteistkümneselt lõi ta oma esimese ooperi "Apollo ja hüatsint" ning neljateistkümneaastaselt juhatas ta juba omaenda ooperit "Mithridates, Pontuse kuningas" Milano teatris. Umbes sel ajal valiti ta Bologna Filharmoonia Akadeemia liikmeks. Nagu paljud tolle ajastu muusikud, oli ka Mozart õukonnateenistuses (1769-1781) – ta oli Salzburgi peapiiskopi saatja ja organist. Meistri iseseisev iseloom tekitas aga peapiiskopis teravat pahameelt ja Mozart otsustas teenistusest lahkuda. Mineviku silmapaistvatest heliloojatest valis ta esimesena elu vaba kunstnik. Aastal 1781 Mozart kolis Viini ja lõi pere. Ta teenis haruldased väljaanded enda kompositsioonid, klaveritunnid ja esinemised (viimane andis tõuke klaverikontsertide loomisel). Mozart pööras erilist tähelepanu ooperile. Tema teosed esindavad seda tüüpi muusikakunsti arengus tervet ajastut. Ooper meelitas heliloojat võimalusega näidata inimestevahelisi suhteid, nende tundeid ja püüdlusi. Mozart ei püüdnud luua uut ooperivormi – tema muusika ise oli uuenduslik. IN küpsed teosed helilooja loobus tõsise ja koomilise ooperi rangest eristamisest – ilmus muusikaline ja dramaatiline lavastus, milles need elemendid on põimunud. Selle tulemusena pole Mozarti ooperites üheselt positiivseid ja negatiivsed kangelased, tegelased on elulised ja mitmetahulised, ei ole omavahel seotud. Mozart pöördus sageli kirjanduslike allikate poole. Nii on ooper “Figaro abielu” (1786) kirjutatud prantsuse näitekirjaniku P.O. näidendi põhjal. Beaumarchais "Hullu päev ehk Figaro abielu", mille tsensuur keelustas. Peamine teema ooperid on armastus, mida võib aga öelda kogu Mozarti loomingu kohta. Teoses on aga ka sotsiaalne alltekst: Figaro ja tema kallim Suzanne on targad ja energilised, kuid tagasihoidliku päritoluga ning krahv Almaviva majas lihtsalt teenijad. Nende vastuseis peremehele (rumal ja loll aristokraat) äratab autori kaastunnet – on üsna ilmne, et ta on armastajate poolel. Ooperis “Don Juan” (1787) sai keskaegne süžee naiste südamete vallutamisest muusikalise kehastuse. Energiline, temperamentne, isemajandav ja kõigist vaba moraalinormid kangelasele vastandub ülema isikus kõrgem jõud, personifitseerides ratsionaalset korda. Filosoofiline üldistus külgneb siin armusuhted ning žanri- ja igapäevaseid elemente. Traagiline ja koomiline moodustavad lahutamatu ühtsuse. Autor ise rõhutas seda ooperi eripära, andes oma teosele alapealkirja "Rõõmsameelne draama". Näib, et finaalis võidutseb õiglus - pahe (Don Juan) karistatakse. Kuid ooperi muusika on peenem ja keerulisem kui see lihtsustatud arusaam teosest: see tekitab kuulajas kaastunnet kangelase vastu, kes jäi endale truuks ka surma ees. Filosoofiline muinasjutt-mõistusõna “Võluflööt” (1791) on kirjutatud Singspieli žanris. Teose põhiidee on hea võidu paratamatus kurja üle, üleskutse kindlusele, armastusele, selle kõrgeima tähenduse mõistmisele. Ooperi kangelased on allutatud tõsistele katsumustele (vaikus, tuli, vesi), kuid nad saavad neist väärikalt üle ning saavutavad ilu ja harmoonia kuningriigi.
Mozart pidas muusikat peamiseks, kuigi libreto teksti suhtes oli ta väga nõudlik. Tema ooperites suurenes oluliselt orkestri roll. Just orkestripartiis leidub sageli autori suhtumine To tegutsevad isikud: kas vilgub mõni mõnitav motiiv või ilmub ilus poeetiline meloodia. Tähelepanelikule kuulajale ütlevad need detailid rohkem kui tekst. Peamine portree omadused aariad jäävad ja tegelaste omavahelised suhted räägitakse vokaalansamblites. Heliloojal õnnestus ansamblites edasi anda iga tegelase iseloomuomadusi.Mozartist sai ka üks žanri loojaid klassika KONTSERT. Kontserdi aluseks on konkurents solisti ja orkestri vahel ning see protsess allub alati rangele loogikale. Heliloojale kuulub kakskümmend seitse kontserti klaverile ja orkestrile, seitse viiulile ja orkestrile. Mõnes teoses rabab kuulajat virtuoosne oskus ja pidulikkus, mõnes aga draama ja emotsionaalsed kontrastid. Meistri huvid ei piirdunud vaid ooperi ja instrumentaalmuusika. Ta lõi ka vaimulikke teoseid: missasid, kantaate, oratooriume, reekvieme. Solistidele, koorile ja orkestrile mõeldud reekviemi (1791) muusika on sügavalt traagiline (Mozart töötas kompositsiooni kallal juba haigena, tegelikult vahetult enne surma). Teose ooperiaariaid ja ansambleid meenutavad osad muudavad muusika väga emotsionaalseks ning polüfoonilised osad (eelkõige “Issand, halasta!”) isikustavad vaimset printsiipi, kõrgeimat õiglust. Reekviemi põhikuju on kannatav inimene karmi jumaliku õigluse ees. Meistril polnud kunagi aega reekviemi lõpetada, selle vormistas helilooja visandite põhjal tema õpilane F.K. Zyusmayr.
Ajalooliselt hõlmab Viini koolkond Ludwig van Beethoveni (1770-1827) looming, kelle esteetilised ideaalid kujunesid välja Prantsuse ajastul. kodanlik revolutsioon. Sellega seoses hõlmas tema töö kangelaslik teema. "Muusika peaks lööma tuld inimese rinnast" - need on saksa helilooja Ludwig van Beethoveni sõnad, kelle teosed kuuluvad kõrgeimad saavutused muusikaline kultuur.Muusikaliselt jätkas tema looming ühelt poolt traditsioone Viini klassitsism, teisalt tabas uue romantilise kunsti jooni. Klassitsismist Beethoveni teostes - sisu ülevus, muusikaliste vormide suurepärane valdamine, apellatsioon sümfoonia ja sonaadi žanritele. Romantismist - julge eksperiment nende žanrite vallas, huvi vokaali- ja klaveriminiatuuride vastu. Ludwig van Beethoven sündis Bonnis (Saksamaa) õukonnamuusiku perekonnas. Ta alustas muusikaõpinguid juba varasest lapsepõlvest oma isa juhendamisel. Beethoveni tegelik mentor oli aga helilooja, dirigent ja organist K.G. Nefe. Ta õpetas noorele muusikule kompositsiooni põhitõdesid ning õpetas mängima klaverit ja orelit. Alates üheteistkümnendast eluaastast töötas Beethoven kirikus abiorganistina, seejärel õukonnaorganistina, kontsertmeistrina aastal. ooperimaja Bonna. Kaheksateistkümneaastaselt astus ta Bonni ülikooli filosoofiateaduskonda, kuid ei lõpetanud seda ja tegeles seejärel palju eneseharimisega. Aastal 1792 Beethoven kolis Viini. Muusikatunde võttis ta J. Haydnilt, I.G. Albrechtsberger, A. Salieri (selle ajastu suurimad muusikud). Albrechtsberger tutvustas Beethovenile Händeli ja Bachi loomingut. Sellest ka helilooja hiilgavad teadmised muusikavormidest, harmooniast ja polüfooniast. Beethoven hakkas peagi kontserte andma; sai populaarseks. Teda tunti tänavatel ja kutsuti pidulikele vastuvõttudele kõrgete isikute kodudesse. Ta komponeeris palju: kirjutas sonaate, kontserte klaverile ja orkestrile, sümfooniaid.
Pikka aega ei saanud keegi aru, et Beethovenit tabas raske haigus – ta hakkas kuulmist kaotama. Olles veendunud haiguse ravimatus, otsustas helilooja 1802. aastal surra. koostas testamendi, kus selgitas oma otsuse põhjuseid. Beethoven suutis aga meeleheitest üle saada ja leidis endas jõudu muusika kirjutamist jätkata. Väljapääs kriisist oli kolmas ("kangelaslik") sümfoonia. Aastatel 1803-1808 helilooja tegeles ka sonaatide loomisega; eelkõige üheksas viiulile ja klaverile (1803; pühendatud Pariisi viiuldajale Rudolf Kreutzerile ja sai seetõttu nime "Kreutzer"), kahekümne kolmas ("Appassionata") klaverile, viies ja kuues sümfoonia (mõlemad 1808 ). Kuues ("Pastoraalne") sümfoonia kannab alapealkirja "Mälestused maaelust". See teos kujutab inimese hinge erinevaid seisundeid, mis on ajutiselt eemaldunud sisemistest kogemustest ja võitlustest. Sümfoonia annab edasi tundeid, mis tekivad kokkupuutel loodusmaailma ja maaeluga. Selle struktuur on ebatavaline – nelja osa asemel viis. Sümfoonia sisaldab kujundlikkuse ja onomatopoeesia elemente (linnud laulavad, äikesemürin jne). Beethoveni leide kasutasid hiljem paljud romantilised heliloojad. Ülemine sümfooniline loovus Beethoveni üheksas sümfoonia. See loodi 1812. aastal, kuid helilooja töötas selle kallal aastatel 1822–1823. Sümfoonia on suurejooneline; Eriti ebatavaline on finaal, mis kujutab endast J. F. Schilleri oodi “Rõõmule” tekstile kirjutatud suurt kantaati koorile, solistidele ja orkestrile. Sümfoonia esiettekanne toimus 1825. aastal. Viini ooperiteatris. Autori plaani elluviimiseks ei piisanud teatriorkestrist: kakskümmend neli viiulit, kümme vioolat, kaksteist tšellot ja kontrabassi. Viini klassikalise orkestri jaoks oli selline koosseis ebatavaliselt võimas. Lisaks oli igas kooripartiis (bass, tenor, alt ja sopran) kakskümmend neli lauljat, mis ületas samuti tavapäraseid norme. Beethoveni eluajal jäi üheksas sümfoonia paljudele arusaamatuks; seda imetlesid vaid need, kes heliloojat lähedalt tundsid, tema õpilased ja muusikaga valgustatud kuulajad. Aja jooksul hakati sümfooniat nende repertuaari lisama parimad orkestrid rahu ja ta leidis uue elu.
Niisiis, arengu tipp muusikaline klassitsism sai Joseph Haydni, Wolfgang Amadeus Mozarti ja Ludwig van Beethoveni teos. Nad töötasid peamiselt Viinis ja kujundasid suuna 18. sajandi teise poole - alguse muusikakultuuris. XIX sajandil- Viini klassikaline kool. Pange tähele, et klassitsism muusikas erineb paljuski klassitsismist kirjanduses, teatris või maalikunstis. Muusikas on võimatu tugineda iidsetele traditsioonidele, kuna need on peaaegu tundmatud. Lisaks sisu muusikalised kompositsioonid seostatakse sageli inimeste tunnete maailmaga, mis ei allu mõistuse rangele kontrollile. Viini klassikalise koolkonna heliloojad lõid aga teose ülesehitamiseks väga harmoonilise ja loogilise reeglisüsteemi. Tänu sellisele süsteemile riietati kõige keerulisemad tunded selgesse ja täiuslikku vormi. Kannatus ja rõõm said helilooja jaoks pigem mõtiskluse kui kogemuse teemaks. Ja kui teistes kunstiliikides klassitsismi seadused 19. sajandi alguses. tundus paljudele aegunud, siis muusikas säilitab Viini koolkonna väljatöötatud žanrite, vormide ja harmooniareeglite süsteem oma tähenduse tänaseni.