Üks Manchesteri paljudest vaatamisväärsustest on kesklinnas asuv iidne hoone. On küll silmapaistev esindaja Victoria ajastu hooned. Esialgu tegutses siin puuvilla müügibörs. Teise maailmasõja ajal sai hoone kõvasti kannatada, selle taastamine kestis mitu aastat. Selle tulemusena muutus kauplemispind palju väiksemaks ja kellatorni tasandid olid palju lihtsamad. Kui 1968. aastal kauplemine börsil peatati, ähvardas hoonet lammutamine. See seisis tühjana kuni 1973. aastani, mil teatriselts selle rendile andis.
1976. aastal moodustati hoones kuninglik teater. Teatri sissepääsu esindab poolringikujuline kaar korintose sammaste ja pilastritega, mille nišis kõrgub William Shakespeare'i marmorkuju. Hoone sisemuses võluvad rikkalikult kaunistatud laed oma iluga.
Linnateater
Manchesteri üks peamisi vaatamisväärsusi on Oxford Streetil asuv Civic Theatre. Algselt nimetati seda Grand Old Ladyks ja selle pidulik avamine toimus 18. mail 1891. aastal. Ehitustööde maksumuseks hinnati 40 000 naela. Esimestel tegevusaastatel töötas asutus kahjumiga, kuna ei saavutanud laiema avalikkuse seas populaarsust. Peagi laiendas teater oma etenduste valikut, balletilavastustele lisandusid kuulsate esinejate programmid ja asutus saavutas peagi kolossaalse edu. 20. sajandi alguses esinesid siin sellised inimesed kuulsad isiksused, nagu Danny Kaye, Gracie Fields, Charles Lawton ja Judy Garland.
Septembris 1940 sai teater tugevalt kannatada sakslaste pommitamises. Hoone lagunes järk-järgult, kuna restaureerimiseks ei jätkunud vahendeid. 1970. aastal ähvardas teatrit sulgemine. 1980. aastal viidi kohaliku kunstinõukogu initsiatiivil ja rahaliste vahenditega läbi hoone kapitaalrestaureerimine.
Praegu toimuvad teatris muusikalid, ooperid ja balletid maailmakuulsate kunstnike osalusel. Teatri algne maht oli 3675 pealtvaatajat, kuid nüüdseks on see vähenenud 1955-le.
Teater Dancehouse
Manchesteri üks peamisi kultuurilisi vaatamisväärsusi on Oxford Roadil asuv Dancehouse. Sellel on imeline lava, mis on varustatud uusimate valgus- ja heliseadmetega, samuti ultramoodne saal, mille istmed asetsevad kolme kaskaadi kujul, langedes üsna suure nurga all.
Asutuse siseviimistlus on tehtud pastelsetes toonides, kus on ülekaalus virsik ja pehme roosa. Valgustus saalis oleneb lavastuse iseloomust, kui paast tuline tants– põlevad kõik lambid ja lühtrid ning kui laval näidatakse liigutavat armastusstseeni, on saalis hämarus. Asutuse kogumahutavus on koos rõdudega ca 700 inimest.
Tantsumaja infrastruktuuri kuuluvad esimesel korrusel asuv puhvet ja suur avar saal täispikkade peeglitega. Põhimõtteliselt toimuvad siin kõik linna tantsuüritused. Siin külastades saate palju positiivseid emotsioone ja tõstate oluliselt oma kultuuritaset.
Yorki kuninglik teater
Yorki üks olulisemaid vaatamisväärsusi on Theatre Royal. Hoone ehitati 1744. aastal keskaegse Püha Leonardi haigla kohale. 19. sajandi lõpus renoveeriti teater viktoriaanlikus stiilis. Uut gooti stiilis fassaadi kaunistavad Elizabeth I skulptuur ja Shakespeare'i näidendite tegelaskujud.
Luksuslik fuajee renoveeriti modernistlikus stiilis 1967. aastal, viimase suurema remondi käigus. Kaks suurt treppi ühendavad selle kahetasandilise auditooriumiga, mis mahutab 847 pealtvaatajat. Teatri repertuaar on väga mitmekesine, seal toimuvad klassikalise muusika kontserdid, teatrietendused, džässi- ja folkloorifestivalid, erinevad meelelahutusüritused, kus osalevad briti ja välisesinejad. Lisaks korraldatakse siin iga-aastaseid noorte talentide konkursse, sealhulgas teatri-, tantsu-, muusika- ja luulevõistlusi. Kõik huvitavad ja originaalsed ideed on toetatud kuulsad tegelased art.
Maja teisel korrusel asuvad hubane restoran ja kohvik. Kuninglik teater on ajalooline monument, mis on populaarne kohalike ja turistide seas.
Aylesbury Waterside teater
Üks Aylesbury olulisi vaatamisväärsusi on Aylesbury Waterside Theatre. See asutati 2010. aastal meelelahutuskeskuse Civic Hall ümberkujundamise tulemusena. Teatrihoone on elegantse disainiga kaasaegne hoone. Teatri interjöör sisaldab valdavalt Gruusia stiili elemente. Hoone massiivsed puitsambad ja paneelid on kaunistatud läbimõeldud nikerdustega.
Teatri peasaal koosneb kolmest tasapinnast ja on mõeldud 1200 vaatajale. See kasutab kaasaegset elektroakustilist süsteemi, mis reguleerib sümfooniliste ja kooriettekannete helikvaliteeti. Teatris toimuvad Briti ja rahvusvaheliste esinejate ringreisietendused, sealhulgas teater, ooper, ballett, muusikalid ja muud muusikalised üritused. Siin on väga populaarsed lastesaated, mis viivad väikesed vaatajad muinasjuttude ja seikluste maailma.
Teatri teises saalis on 220 istekohta ja see on mõeldud kammerliku klassikalise muusika kontsertide, ärikohtumiste, seminaride ja konverentside pidamiseks.
Aylesbury Waterside Theater on kohalike ja turistide seas populaarne koht.
Liverpooli draamateater
Liverpooli draamateater on läbinud pika tee kontserdisaalist ja muusikasaalist rikkaliku ja kohati ebatavalise repertuaariga kaasaegse teatrini. Selle ajalugu algas 1866. aastal Edward Davise kujundatud Star Music Hallina. Muusikamaja eelkäija oli Star Concert Hall, mis lammutati uueks ehitamiseks. 1895. aastal muutis teater oma fookust ja nimetati ümber tähevarieteetriks.
Teatri kaasaegne ehitus kannab jälgi arvukatest modifikatsioonidest ja taastamistest. Globaalsed muutused said alguse 1898. aastal, kui Harry Percival ehitas uue auditooriumi ja luksusliku fuajee. Kuid juba 1911. aastal said teater uued omanikud, kes kujundasid ümber auditooriumi ja keldri fuajee ning nimetasid teatri uuesti Liverpooli repertuaariteatriks. Lõpuks saavutas viimane tänapäevase külastaja jaoks kättesaadav globaalsete muudatuste laine teatri 1968. aastal, kui põhjaossa tehti suur laiendus, et korraldada uusi fuajeesid, baare ja riietusruume.
Draamateatrit juhib nüüd Liverpooli linnavolikogu ja see on ühendatud Everymani teatriga. Teater pakub publikule originaalseid ja kohati julgeid lavastusi suurtest näidenditest kolmetasandilises peamajas, aga ka miniatuurseid intiimseid näidendeid väikeses 70-kohalises Stuudioruumis.
Kuninglik Shakespeare'i teater
Kuninglik Shakespeare'i teater lavastab William Shakespeare'i näidendeid ja korraldab ka iga-aastaseid festivale, mis on pühendatud suurele näitekirjanikule. Teatrit eristab tugev dramaturgia, aga ka näitlejatöö kõrgel tasemel, mis muudab selle professionaalsemaks ja külastatavamaks.
Teater avati vaatajatele 1879. aastal. Teatriprojekti kallal töötas naisarhitekt Elizabeth Scott. Kuni 1961. aastani nimetati seda Shakespeare'i mälestusteatriks. Aastate jooksul töötasid teatris järgmised lavastajad: Benson, Payne, Quayle, Nunn, Richardson jt. Teatrit haldab nüüd Royal Shakespeare Company.
Pärast restaureerimist 2010. aastal muutus teater veelgi mugavamaks ja ilusamaks. See asub Avoni jõe vastas ja on ümbritsetud aedadega. Selle katusel on vaateplatvorm restorani ja baariga.
Mayfloweri teater
Üks Southamptoni vaatamisväärsusi on Mayfloweri teater, mis asub kesklinnas ja avati 1928. aastal. See on üks Inglismaa lõunaranniku suurimaid teatreid. 1995. aastal viidi läbi teatri täielik rekonstrueerimine ja kaasajastamine, mille tulemusena laiendati oluliselt auditooriumi. Rohkem ameerikalikule stiilile vastavas teatri interjööris domineerib kombinatsioon valgest ja sinised lilled. Luksuslik fuajee on kujundatud ookeanilaeva stiilis ja vooderdatud marmoriga. Mitmed suurejoonelised trepid ühendavad selle kolmetasandilise auditooriumiga, mis mahutab 2300 istekohta.
Teater on ainulaadne kultuurikompleks, kus toimuvad klassikalise muusika kontserdid, teatrietendused, džässi- ja folkkontserdid ning erinevad meelelahutusüritused, kus esinevad Briti ja rahvusvahelised esinejad. Teatri fuajees toimuvad vahel heal professionaalsel tasemel kammeransamblite, pärimus- ja jazzmuusika esitajate, poeetide ja draamanäitlejate tasuta kontserdid. Hubase restorani ja kohviku uksed on külastajatele alati avatud maja teisel korrusel. Mayfloweri teater on kahtlemata üks Ühendkuningriigi parimaid provintsiteatreid.
Kuninglik teater
Üle 200 aasta eksisteerinud Theatre Royal on üks Inglismaa tähtsamaid teatreid. See avati 1805. aastal. Mahutab publikut 900 inimest. Teater pakub aastaringset lavastuste programmi kõrge klass ooper, tants, komöödia. Praegu on Kuningliku Teatri osa teater noor vaataja"Muna".
Theatre Royal asub Bathi keskuse lähedal. Hoone on Gruusia arhitektuuri musternäide. Ruumi interjöör on osavalt kaunistatud krohv, punased ja kullatud detailid ning auditooriumi kõrged laed annavad sellele majesteetlikkust ja salapära.
Teatrit on ajaloo jooksul korduvalt rekonstrueeritud, kuid selle algupärane hiilgus on hoolikalt säilinud tänapäevani. Noorte vaatajate teater avati 2005. aastal ja asub Kuningliku Teatri hoone kõrval ning pakub rikkalikku professionaalsete etenduste ja kultuuriürituste programmi lastele ja noortele vanuses 1–18 aastat.
Kuninglik Exchange'i teater
Suur osa Manchesteri ajaloost keerleb tööstusrevolutsiooni aegse tekstiilitootmise ümber. Kunagise linna "puuvillase" suursugususe vaikivaks tunnistajaks jääb kuningliku börsi hoone. Kunagi kaubeldi siin ligikaudu 80% kogu maailma puuvillast.
Victoria ajastul kutsuti Manchesteri sageli "puuvillapealinnaks" ja "laolinnaks". Austraalias, Uus-Meremaal ja Lõuna-Aafrikas kasutatakse mõistet "Manchester" endiselt voodipesu kohta: linad, padjapüürid, rätikud. Vahetushoone ehitati aastatel 1867–1874, seejärel rekonstrueeriti seda mitu korda, mille tulemusena sai operatsioonisaal Inglismaa suurimaks. Kuninglik börs sai Teise maailmasõja ajal tõsiselt kannatada, kuid kauplemine peatus alles 1968. aastal.
Alates 1976. aastast on selles tegutsenud Royal Exchange Theatre. Selle auditoorium on huvitav selle poolest, et ümmargune lava asub selle keskel ja sealt tõusevad pealtvaatajate istmed, mis meenutab väga Vana-Kreeka teatrit. Osa hoonest on hõivatud ostupaviljonide ja arvukate kohvikutega.
Ooperimaja
Ooperimaja ehitati 1912. aastal ja selle kujundasid arhitektid Farquharson, Richardson ja Gill. Tegelikult sai ooperiteater oma staatuse alles 1920. aastal. Sellel ei olnud alalist näitetruppi ja selle laval lavastasid reeglina etendused ringreisirühmad. 1979. aastal ehitati hoone ümber mängusaaliks, kuid õnneks muudeti see ekslik otsus viie aasta pärast tagasi. Sellest ajast peale on ooperimaja rõõmustanud publikut ooperi- ja uuslavastustega balleti etendused, muusikalid, lastesaated.
Ooperiteatri hoone on tehtud klassikalises stiilis: fassaad on jaotatud joonia sammastega ainulaadseteks niššideks, frontoonil on poolringikujuline reljeef, mis kujutab iidset hobuvankrit. Mööda frontooni alumist osa on raiutud kivist dekoratiivne riba.
Teatri saal on ooperimajadele ebatavalise poolringikujulise kujuga - mõnevõrra piklik, kioskite kohal ripub kaks avarat konsoolrõdu. Mõlemal pool lava on luksuslikult kaunistatud kolmes astmes karbid. Saali dekoratsioonis domineerivad kuldsed, rohelised seinad ja punased samettoolid. See mahutab 1920 pealtvaatajat ja peab tõdema, et peaaegu kõik teatri etendused on välja müüdud.
Tegelege mõne kunsti, muusika, laulmise, tantsimise, näitlemise, joonistamise, lava, luule, ilukirjanduse, esseega, reportaažiga, olenemata sellest, kas see on edukas või ebaõnnestunud, mitte raha või kuulsuse pärast, vaid selleks, et tunda kujunemist, leida üles see, mis sinu sees on, panna hing kasvama.
Romaanikirjanik Kurt Vonneguti kirjast Xavieri keskkooli õpilastele
Kas olete kunagi pärast hiilgava esituse vaatamist tundnud, et süda on tühi? Kas tead, kui hull tunne on, kui su lemmikkangelane otsustab teha midagi uskumatut ja võidab? Kui kogesid pärast teatrikülastust vähemalt korra sarnaseid asju, siis teadke, et just siis kasvas teie hing. Seda ei pane tundma luksuslikud kostüümid ega pompoossed dekoratsioonid, vaid inimese talent. See on kunst, mida ei saa mõõta sissetuleku ega eduga – vaataja kas usub seda või mitte.
Oleme koondanud Londoni teatrid, mida peaksite külastama, et kogeda talentide ainulaadset jõudu. Lisage neist vähemalt üks oma soovide nimekirja ja te ei kahetse seda kindlasti. Võib-olla muudab saatuslik etendus kogu teie elu ja paljastab teie hinge need küljed, mille olemasolust te ise ei teadnud.
Royal Court Theatre (allikas – PhotosForClass)
Uuenduslik Royal Court Theater
Royal Court on üks Londoni kuulsamaid teatreid. Publik ja kriitikud armastasid teda oma uuendusliku stiili tõttu. Teater töötab pidevalt noorte stsenaristidega ja korraldab kirjanikele koolitusi. Igal aastal töötleb asutuse kontor umbes 2,5 tuhat skripti. Parimad neist esitatakse laval. Royal Court on juba tutvustanud maailmale filmi “Neoondeemon” stsenarist Polly Stenham ja BBC kuulsa draama “Doctor Foster” stsenarist Mike Bartlett. Võib-olla osalete ka teie tulevase Tarantino või Coppola esilinastusel.
Aadress: Sloane Square, Chelsea, London
Lyric Hammersmithi noorteteater
See Londoni teater ei ole lihtsalt kunstiinstitutsioon, millel on värske suhtumine lavastustesse, vaid ka vaateplatvorm. See loob võimalused vähekindlustatud lastele ja noortele, kes soovivad oma elu lavaga siduda. Teatrimeeskond usub, et kunst aitab koguda enesekindlust ja avastada oma potentsiaali. Seetõttu töötab Lyric Hammersmithis nii palju noori inimesi. Siin saate veeta aega mitte ainult etendust vaadates, vaid ka perepuhkuse ajal. Pärast 2015. aasta renoveerimist sai teater avatud avalikuks ruumiks, kus ka lapsed saavad õppetöös osaleda ja laval esineda.
Aadress: The Lyric Centre, King Street, Hammersmith, London
Old Vic Theater (allikas – PhotosForClass) Teater Old Vici ajalooga
Oma 200 aasta jooksul on Old Vic olnud kõrts, kolledž ja kohvik. Omal ajal asus selles Rahvusteater ja Rahvusooper. See on arenenud eklektilisest ettevõttest kaasaegseks noorteplatvormiks. Teater on avatud kõigile huvilistele: koolitusprogrammid noortele talentidele, eelarveshowd huvilistele, perekondlik lõbu ja õhtud sõpradega kohalikus pubis. Old Vic’i laval saab näha maailma kuulsamaid näitlejaid, kelle hulka kuuluvad Daniel Radcliffe, Ralph Fiennes ja Kevin Spacey. Viimane, muide, jõudis töötada teatri kunstilise juhina.
Aadress: The Cut, Lambeth, London
Ebatraditsiooniline teater ilma stereotüüpideta Young Vic
Londoni Old Vici teatri noor pärija sai alguse eksperimentaalsest projektist. Vana Vici tollane juht Laurence Olivier soovis luua ruumi, kus arendataks uute autorite näidendeid ning kus saaks kokku noor publik ja noored teatrikollektiivid. Kuigi asutuse kunstilised juhid vahetusid, jäid ambitsioonid alles. Oma ligi 50 aasta jooksul hoiab teater uuenduslikkuse ja unikaalsuse õhkkonda. Lambethi kogukonna seas peetakse seda "koduks, mille olemasolust te ei teadnud". Tundub, et seepärast armastavad kohalikud seda nii väga külastada. Siin võib tõesti kohata palju noori, kes arutlevad aktiivselt järgmise sündmuse üle või ootavad kohvitassi taga esilinastust.
Aadress: 66 The Cut, Waterloo, London
Londoni Palladiumi teater (allikas – PhotosForClass) West Endi muusikateatrid LW
Üks Londoni kuulsamaid teatrikette on endiselt LW Theatres. See ühendab 7 asutust, mille laval lavastatakse peamiselt muusikale. LW sisaldab: Adelphi Theatre London, Cambridge, Gillian Lynne Theatre, Her Majesty's Theatre, Palladium London, Theatre Royal Drury Lane ja The Other Palace. Enamik neist on eksisteerinud palju aastakümneid ja hämmastab külastajaid oma hiilguse ja rikkusega. Kullatud rõdud ja boksid, antiiksed kandelinad ja maalitud seinad – seda kõike tasub vaadata, et tunda vana Inglismaa hõngu. Other Palace on neist noorim teater. See on suur noorteruum meelelahutuse, ürituste ning salvestus- ja proovistuudiotega. "Põnevustunne, spontaansus, pidev energiavahetus publiku ja esineja vahel." – seda pakub LW Teatrite grupp oma külalistele. Londoni Broadway ootab teid.
Barbicani teatri- ja kunstikeskus
See koht ühendab endas kino, raamatukogu, konverentsiruumid, restoranid ja teatri. Viimase lõi Royal Shakespeare Company oma Londoni elukohaks. Just selle koostöö kaudu saavad külastajad kogeda klassikaliste Shakespeare'i näidendite kaasaegseid kehastusi. Lisaks saab keskuses vaadata Londoni Kuningliku Rahvusteatri ja Globe teatri etenduste ülekandeid. “Barbican” on segu uuendustest ja traditsioonidest, klassika, mis on toodud väljakutsete ja probleemidega tänapäeva reaalsusesse kaasaegne maailm. Ärge jätke kasutamata võimalust külastada Euroopa suurimat kunstikeskust.
Aadress: Barbican Centre, Silk Street, London
Kuninglik ooper (allikas – PhotosForClass) Londoni klassikaline pärl Royal Opera House
Londoni ooperi- ja balletiteater on üks linna suurimaid ja luksuslikumaid lavasid. Sellest sai kuningliku ooperi, kuningliku balleti ja orkestri kodu. Tema Majesteet kuninganna Elizabeth on Londoni balletiteatri patroon ja Walesi prints Charles on ooperi patroon. Viimane on ka teise pika traditsiooniga asutuse – Londoni Coliseumi teatri – omanik. Selles suurepärases saalis esineb ringreiside vahel Inglismaa rahvusballett. Muide, linna suurimat teatrit saab külastada mitte ainult etenduse ajal. Siin korraldatakse ekskursioone külalistele, kes unistavad kõige rohkem õppida loomise saladusi kuulsad lavastused.
Kuninglik ooperimaja aadress: Bow Street, London
Pealinna muusikaline ime, Piccadilly teater
Londoni teatrid pakuvad igat tüüpi kunsti tundjatele tohutut etenduste nimekirja. Muusikalifännid jäävad Londoni Piccadilly teatri lavastustest lihtsalt lumma. Tema meeskond võtab arvesse kõiki külastajate kommentaare ja on avatud kriitikale: kõik kommentaarid ja muljed võib saidile jätta. Kuid olgem ausad, selle koha kohta on äärmiselt raske negatiivseid hinnanguid leida. Londonlased on kirglikud selle kõigi aspektide vastu, alates vapustavatest etendustest kuni sõbraliku personalini. Hele maastik, andekad näitlejad, tõeline muusikaline mullivann, mis aitab mõtted igapäevaelu asjadest kõrvale juhtida ja inspiratsiooni ammutada.
Aadress: 16 Denman St, Soho, London
Lütseumi teater (allikas – PhotosForClass) Kontserdipaik ja Lütseumi teater
Kas sa armastad müstikat ja kõike sellega seonduvat? Siis hakkab teid huvitama koht, kus sündis üks maailma kuulsamaid gooti romaane "Dracula". Autor Bram Stoker töötas Londonis Lyceumi teatris ärijuhina. Kuulsa kirjaniku kutsus ametisse kunstiline juht ja näitleja Henry Irving. Lütseumi ajalooga seotud kuulsuste nimekiri sellega aga ei lõpe. Siin mängisid laval Sarah Bernhardt, Eleanor Duse ja proua Patrick Campbell. Pärast II maailmasõda sai hoonest ballisaal, kus esinesid Led Zeppelin, Queen ja Bob Marley. Ja alles 1996. aastal sai sellest taas muusikalide ja ooperi teater. Seni on “Litsuem” üks parimaid teatreid ja kontserdisaalid London.
Aadress: Wellington Street, London
Dominioni hittide muusikateater
Dominioni teater (allikas – PhotosForClass) “Luikede järv”, Disney "Kaunitar ja koletis", "Notre Dame de Paris" - see nimekiri jätkub igavesti. Võib-olla ei saa ükski teine teater Londonis kiidelda nii kuulsate lavastuste repertuaariga. 80ndatel sai sellest asukohast üks linna populaarsemaid kohti. Siin toimuvad Duran Durani, Bon Jovi ja David Bowie kontserdid. Kuid Londonis asuv Dominioni teater on kuulus rohkem kui lihtsalt oma etenduste poolest. Siin on mitmel korral peetud iga-aastast Royal Variety heategevusüritust. See ühendab populaarsete muusikute, tantsijate ja koomikute esinemised üheks telekontserdiks. See kuninglikule heategevusfondile annetuste kogumine toimub Tema Majesteedi patrooni all. Kuninganna Elizabeth ise käib sageli kontserdil, nagu ka teised kuningliku pere liikmed.
Aadress: 268-269 Tottenham Court Road, London
Londoni teater on uskumatult mitmekesine, uuenduslikust klassikalisest, draamast muusikali ja komöödiani. Killukese kodust saab tunda ka erinevate rahvuste teatreid külastades. Näiteks üks suuremaid kogukondi esindab mitut Londoni vene teatrit.
Isegi kui sa varem tundsid, et auditoorium pole sinu jaoks, murrab pealinn need mõtted. Puudub jaotus klassidesse ega sotsiaalsetesse tingimustesse, sest Londoni teatrite ja muuseumide kunst on kõigile kättesaadav.
Loomulikult ei lõpe teie tähelepanu väärivate teatrite nimekiri selle top 10-ga. Neid on kümme korda rohkem: Almeida, Novello, Palace. Me ei tohi unustada kuulus teater Shakespeare Londonis ja Kuninglik Rahvusteater. Kõigi Londoni teatrite, nimekirjade ja piletite vaatamiseks kasutage Londoni teatrite veebisaiti.
Ganna Koval
Jaga:Draamakunst ilmus Suurbritannias üsna kaua aega tagasi. See pärineb tänavaetendustest, mida peeti kirikupühadel ja mis toimisid omamoodi moraaliõpetusena. Renessansiajal muutusid kõik kunstivaldkonnad oma olemuselt ilmalikumaks ja eemaldusid religioossetest teemadest. Just sel ajal tekkis toonane revolutsiooniline teater, kus nüüdseks maailmakuulus W. Shakespeare näidendeid lavastas.
Teatri kaasaegne areng püüdleb äärmusliku realismi poole kõigis selle sfäärides, mõeldes ümber ka klassikalisi süžeesid. Tänapäeval hämmastab Inglismaa teatrid mitte ainult huvitavate etendustega, vaid ka originaalse arhitektuuriga, aga ka ebatavaliste lavastajaotsustega.
Kui plaanite reisi Londonisse, külastage kindlasti Piccadilly teatrit. See on eksisteerinud enam kui kaheksa aastakümmet ja rõõmustab teatrikunsti tundjaid mitte ainult kaasaegse, vaid ka traditsiooniliste klassikaliste lavastustega.
Üks Londoni vanimaid teatreid on Aldwychi teater, mis on kogu linna koondanud juba üle sajandi. Kunagi astusid selle laval üles sellised kuulsad näitlejad nagu Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone jt.
Elujõuliste muusikalavastuste fännid peaksid külastama New Londoni teatrit. Just muusikalid tõid piisavalt noorele teatrile eelmise sajandi 70-80ndatel tõeline kuulsus noorte seas. Siiani rõõmustab see publikut maailmatasemel lavastustega, särtsakate lavaesinemiste ja hea muusikaga.
Teine Londoni teater, mis on tuntud muusikastiilis etenduste ja komöödianäidendite poolest, on Shaftesbury teater. Mitte kaua aega tagasi tähistas see oma sajandat sünnipäeva – teatri töö ei katkenud isegi Teise maailmasõja ajal. Selle teatri hoone väärib erilist tähelepanu oma ebatavalise antiikse disaini tõttu.
hulgas kaasaegsed teatrid Londoni Pincocki teater paistab silma. Oma uuendusliku lähenemise tõttu klassikalisele draamale konkureerib see piisavalt vanade teatritega. Laval kasutatakse sageli kaasaegseid elemente. tänavatantsu ja isegi akrobaatilisi etteasteid, et suurendada näidendi mõju.
Suure ooperiteatri hoone Belfastis avaldab muljet oma iluga. 19. sajandil ehitatud see pole mitte ainult arhitektuuriline maamärk idamaine stiil, vaid rõõmustab teatrisõpru ka klassikalise repertuaari ja suurepärase akustikaga.
Kuninglikku Drury Lane'i teatrit nimetatakse Suurbritannia peamiseks dramaatilise kunsti keskuseks. See asub Londonis ja mängis olulist rolli teatri arengus riigis. Selle eksisteerimise ajal õnnestus selle lava külastada paljudel kuulsatel näitlejatel.
Teine Suurbritannia arhitektuurimälestis on Tema Majesteedi teater. Teater loodi 18. sajandi alguses ja 19. sajandi lõpuks kolis suurde uude majja, kus asub siiani. See kujutab endast tohutut ajaloolist ja kultuuriväärtus, ja klassikaline repertuaar meeldib kõigile selle kunstivormi austajatele. See teater asub Londonis, Westminsteri lääneosas.
Esimese teatri Londonis, mis kandis nime Theatre, avas 1577. aastal näitleja James Burbage Shoreditchis. Mõni kuu hiljem avati lähedal teine teater nimega Eesriie. Peagi korraldasid Burbage ja tema isast kuulsamaks saanud poeg Thomas dominiiklaste kloostriordu auks Mustade Vendade Teatri, kuna lava püstitati vana kloostri sööklasse. Kõik teatrid olid aga pidevalt Londoni võimude rünnaku all, kes kirusid neid asutusi kui kuradit ja ebaõnne allikat, jõudeoleku ja lootusetuse paika, tigedate inimeste kogunemist, keda erutab naisteriietes poisse - teisisõnu, koht neile, kes pigem tormavad etendust vaatama, kui kellahelina ajal jutlust kuulama.
Southwarkis oli näitlejatel rohkem vabadust kui linnas, kus teatrielu oli võimude kehtestatud reeglitega kõvasti piiratud. Lisaks pääses Tulale hõlpsasti paadi või sillaga. Kloostrite sulgemise ajal läks osa Southwarkist, mis varem kuulus Bermondsey kloostrile ja Õnnistatud Neitsi Maarja kloostrile, kuninga omandisse. 1550. aastal müüdi see linnale umbes tuhande naela eest. Müümata jäi vaid kaks krunti, mis jäid väljapoole linna jurisdiktsiooni. Ühel oli vangla, teist kutsuti (“Pariisi aed”); Just neil kahel saidil ilmusid kuninganna Elizabethi valitsusajal teatrid, mis olid vabad Londoni keeldudest ja tsensuurist. 1587. aastal ehitatud Rose teater oli koht, kus Marlowe näidendid esmakordselt lavastati ja sellel laval õitses Edward Alleyni anne. Seejärel ilmusid teatrid “Luik” (1596), “Globe” (1599; kümnendik sellest kuulus Shakespeare’ile) ja 1613. aastal “Lootus”.
Neisse ja teistesse teatritesse meelitati londonlasi valju trompeti ja lippude lehvimisega. Külastajate raha koguti otse teatris ja paigutati spetsiaalsesse kasti, mis seejärel lukustati väikesesse ruumi - kassasse ("kassa kassasse"). Publik istus lava ümber astmetesse paigutatud toolidele või otse lavale pinkidele ja etendus algas nende valju hõiskamise saatel. Näitlejad täitsid oma rolle ja publik katkestas neid nördinud või heakskiitvate hüüete, solvangute või kiitustega. Seda jätkus kuni aktuse lõpuni, misjärel täitus lava tantsijate, žonglööride ja akrobaatidega; pealtvaatajate istmete vahelist vahekäikudest läbi pressitud kandikute ja korvidega kaubitsejad, kes müüvad pirukaid, puuvilju, ravimtaimi ja voldikuid; mehed olid naiste vastu kenad. Teatritöötajad suitsetasid sageli, õhk täitus tubakasuitsuga, puidust toolid läksid sageli põlema ja publik tormas uste juurde. põles Nadežda avamise aastal maha; Vigastada sai vaid üks inimene – tema püksid läksid põlema, kuid ta kustutas need pudelist õlut valades kiiresti.
Teatrite lähedal olid aiad karudega, areenid koertega seotud härja peibutussöögiks, väljakud kukevõitlusteks, mis meelitas kohale mitmepalgelist publikut – rikkaid ja vaeseid, aadlikke ja lihtrahvast. Nautinud "Othello" või "Edward II" esitust, läks avalikkus järgmisel päeval vaatama Pariisi aias koertest mürgitatud karu võitluskukke, kes kannu vabastades liiva katsid. areenil vere ja sulgedega, hullunud pullide löökidest kaugele lendavate koerte juures (koerad püüti vitstest lõksudesse, et nad kukkudes viga ei saaks ja saaks jätkata võitlust), mõõkadega häkkimine, mahalõikamine. üksteise kõrvad ja sõrmed rahva valju heakskiidu saatel.
West Endi teatrid
West Endi tänavate välimus muutus dramaatiliselt. Paljud hooned 18. sajandist. rekonstrueeriti nii väljast kui seest vastavalt ajastu maitsele. Nii näitas proua Arthur James Grafton Streetil (praegu Elena Rubinsteini salong) oma jõukust 1750. aastatel projekteeritud maja muljetavaldava renoveerimisega. Sir Robert Taylor.
Erinevates Georgia, Regency ja Victoria ajastu hoonetes asusid uued teatrid, nagu Yorki hertsogi teater, Uus teater, "Kalju", "Palladium", "Gagety", Tema Kõrguse Teater, "Londoni paviljon", "Palee", "Apollo", "Windhams", "Hippolrom", "Strand", "Aldwych", "Globe" ", "Kuningannad" ja "Coliseum". Kõik need on ehitatud kuninganna Victoria valitsemisaja viimase kümne aasta jooksul ja Edwardi enda valitsemisaja üheksa aasta jooksul.
Sajad vanad hooned lammutati, et teha teed kauplustele, uhketele plaatklaasist vitriinidele ja messingist inkrusteeritud mahagonist ustele uhketele ostusaalidele. 1901. aastal hakkasid Brompton Roadil asuva Harrodsi kaubamaja terrakotaseinad tõusma. Tema järel hakati tänavale kiiresti ehitama liialdatud barokkstiilis uusi poode, näiteks Wearing ja Gillows (1906), kolossaalse suurusega, nagu eriti suursugune hoone, mida kaupmees 1909. aastal ehitama hakkas. Wisconsin Harry Selfridge.
Selfridge'i kaupluse valmimise ajaks oli Regent Street täielikult muutunud; Aldwych Loop ületas Somerseti maja vastas Strandist põhja pool tänavate labürindi, mille peale kerkisid ridamisi monumentaalseid hooneid, ja Kingsway ulatus põhja poole Holborni poole.
Inglise renessansi teater sündis ja arenes turuplatsil, mis määras selle rahvusliku Briti maitse ja demokraatia. Kõige populaarsemad žanrid avalikel lavadel olid moraalinäidendid ja farsid. Elizabeth Tudori valitsusajal olid müsteeriumid keelatud. Alates 16. sajandi algusest lähenes inglise teatrikunst uuele etapile – humanistliku draama arengu algusele, mis hakkas kujunema kuningliku võimu ja katoliku kiriku vahelise poliitilise võitluse taustal.
Teatrilavalt kostis varjamatut teravat kriitikat ja uue humanistliku ideoloogia propagandat, mis oli riietatud tuttavate vahepalade ja moraalinäidendite rüüsse. Humanist John Rastelli näidendis “Vahemäng nelja elemendi olemusest” (1519) on lisaks moraalinäidendite traditsioonilistele tegelastele järgmised tegelased: teadmistejanu, leedi loodus, kogemus ja vastupidiselt. neile, kurat Teadmatus ja hoora Naudingujanu. Nende tegelaste lepitamatu võitlus näidendis lõpeb valgustatuse võiduga obskurantismi ja teadmatuse üle.
John Bale oli Inglise reformatsiooni silmapaistev tegelane ja kuulus kirjanik, näidendi King John autor. Lisades moraalinäidendile sotsiaalseid teemasid, pani ta aluse dramaturgiale ajalookroonika žanris.
Uus teater sündis keskaegsest farsist. Õukonnaluuletaja, muusik ja värviliste vaatemängude korraldaja John Gaywood arendas farsi satiiriliste vahepalade kirjutamisega. Neis naeruvääristas ta munkade ja indulgentsimüüjate pettusi, kasumiahnete vaimulike intriige ja preestrite kavalaid nippe, kes varjasid oma patte edev vagadusega. Lisaks peategelasele - kelmile - ja negatiivsetele tegelastele - vaimulikele - osalesid lühikestes igapäevastseenides lihtsameelsed ja heatujulised lihtinimesed. 16. sajandi alguse satiirilistest vahepaladest sai ühenduslüli keskaegse farsiteatri ja tärkava draamateatri vahel.
armulaud inglased To Itaalia kultuur ja kunst aitas kaasa iidse kultuuri ja iidse tsivilisatsiooni saavutuste aktiivsele tajumisele ja populariseerimisele. Tugevdatud uuring ladina keel ning Seneca ja Plautuse teosed viisid iidsete tragöödiate ja komöödiate tõlkimiseni inglise keelde. Nendel tõlgetel põhinevad etendused said aristokraatlikus ja ülikoolikeskkonnas väga populaarseks.
Samal ajal imetlesid aristokraadid ja valgustatud avalikkus Petrarka sonette ja Ariosto luuletusi. Boccaccio ja Bandello novellid olid mitmekesise ühiskonna seas tuntud. Kuninglikus õukonnas tutvustati meelelahutus- ja meelelahutusüritustena maskeraadi, kus mängiti läbi stseene Itaalia pastoraalidest.
Esimesed näited rahvuslikust komöödiast ja tragöödiast teatrilaval ilmusid 16. sajandi keskel. Esimese inglise komöödia Ralph Royster Doyster (umbes 1551) autor Nicholas Udall oli haritud õukonna meelelahutuse korraldaja ja püüdis oma teoste kaudu inimestele "häid elureegleid" õpetada.
Thomas Nortoni ja Thomas Sequile'i näidendit "Horboduc" (1562) mängiti esmakordselt kuninganna Elizabethi õukonnas ja seda peetakse esimeseks Inglismaa tragöödiaks. See demonstreerib ilmekalt Rooma tragöödia matkimist: näidendi jagamine 5 vaatuseks, koorilaul ja sõnumitoojate monoloogid, verised kuriteod, kuid süžee põhineb ajaloolisel faktil keskaegsest ajaloost. Tragöödia moraal seisnes allegoorilises pantomiimis ja vahepalades, mida kunstnikud esitasid vaatuste vahel, selgitades süžee ootamatuid pöördeid.
Pärast farsilist müsteeriumi ja primitiivseid farsse tekkis antiik- ja itaalia draama põhjal uus inglise draama, milles oli kompositsiooniline alus, osade proportsionaalsus, loogika tegevuse ja tegelaste arengus.
Peaaegu kõik uue põlvkonna näitekirjanikud olid ülikooliharidusega ja pärit demokraatlikust keskkonnast. Olles ühinenud loominguliseks rühmaks nimega “Ülikoolimeeled”, püüdsid nad oma töödes sünteesida aristokraatide kõrghumanistlikku kultuuri ja rahvatarkust koos selle folklooriga.
William Shakespeare'i eelkäija, kuulus inglise näitekirjanik John Lyly (umbes 1554-1606) oli õukonnaluuletaja. Oma huvitavaimas komöödias "Aleksander ja Campaspe" (1584), mis on kirjutatud kreeka ajaloolase Pliniuse jutustuse põhjal, näitas ta Aleksander Suure suuremeelsust, kes nähes oma sõbra, kunstnik Apellese armastust. vangistuses Campaspe, loovutas ta oma sõbrale. Seega võitis kohuse ja tunde võitluses kohusetunne. Etenduse idealiseeritud kujund Aleksandrist vastandub filosoof Diogenese skeptilisele kujundile, kelle rahvatarkus ja terve mõistus võidavad monarhi ja tema saatjaskonna enesekindluse ja kõrkuse.
John Lily pani aluse nn romantilisele komöödiale. Ta tutvustas lüürilist elementi dramaatiline tegevus, andes proosakõnele ereda poeetilise maitse. Ta osutas tee kahe komöödiažanri – romantilise ja farsi – edaspidiseks ühinemiseks.
Inglise renessansi draama tõeline rajaja oli Christopher Marlowe (1564-1593), kuulus näitekirjanik, filosoofilise ja ateistliku sisuga teoste autor. Kingsepa poeg, kes oma visadusega saavutas teadusmagistri akadeemilise kraadi, paistis silma julguse ja vabamõtlemisega. K. Marlowe eelistas näitlejatööd teatritrupis preestrikarjäärile, mis avanes tema ees pärast Cambridge'i ülikooli lõpetamist. Tema esimene dramaatiline teos Tamerlane Suur oli täis ateistlikke ideid. See monumentaalne kaheosaline teos on kirjutatud kahe aasta jooksul (I osa 1587 ja II osa 1588). "Tamerlane Suur" on dramatiseeritud elulugu kuulsast 14. sajandi lõpu idavallutajast Timurist. Marlowe andis oma kangelasele legendaarse kangelase jõu ja välimuse. Ja mis eriti oluline, tegi ta aatelisest feodaalist, nagu Timur tegelikult oli, "madala sünniga karjase", kes ainult oma tahte, energia ja mõistuse jõul tõusis seaduslikest valitsejatest kõrgemale.
K. Marlowe näidend “Doktor Faustuse traagiline ajalugu” (1588) ( riis. 22) paljastab inimese elu teise külje. Askeetlike põhimõtete tagasilükkamine ja tingimusteta allumine kõrgemale võimule teadmistejanu ja elurõõmu nimel on riietatud ateistliku doktor Faustuse kujuga. Doktor Faustuse vabanenud teadvuse ja sellele järgnenud üksinduse draama viib ta meeleparandusele, vabastades samas tohutu energia võitluses mõttevabaduse eest.
C. Marlowe viimane tragöödia, ajalooliste kroonikate ainetel kirjutatud Edward II, sai aluseks inglise draamale, mida W. Shakespeare oma teostes edukalt edasi arendas.
Kuningas ja tema saatjaskond uskusid, et C. Marlowe ja tema teosed kujutavad endast tõsist ohtu võimule. Sellega seoses anti korraldus dramaturg füüsiliselt kõrvaldada. 30. mail 1593 mõrvas Marlowe kuninga salanõukogu agent.
Riis. 22. Graveering trükisest “ Traagiline lugu Doktor Faustus", 1636
Samaaegselt C. Marlowe näidenditega tulid lavale ka teiste näitekirjanike näitemängud rühmast “University Minds”: Thomas Kyd – “Hispaania tragöödia” (1587) ja Robert Greene – “Munk Bacon ja vend Bongay”, “ James IV" ja "George Greene", Wakefieldi välivaht" (1592).
"Ülikoolimeeled" rühma näitekirjanike loominguline kogukond eelnes rahvusdraama arengu uuele etapile – renessansiaegse tragöödia ja komöödia esilekerkimisele. Järk-järgult tekkis kuvand uuest kangelasest - julge ja julge, pühendunud humanistlikule ideaalile.
16. sajandi lõpul inglise keel rahvateater meelitas oma etendustele tohutuid rahvahulki, neelates endasse kõik revolutsioonilised ideed ja jäljendades vapraid kangelasi, kes võitluses omasid kaitsesid. inimväärikust. Pidevalt kasvas teatritruppide arv hotelliõuelt ja linnaväljakutelt spetsiaalselt selleks ehitatud teatritesse.
1576. aastal ehitas James Burbage Londonisse esimese teatri, mida kutsuti "Teatriks". Sellele järgnes mitme teatrihoone ehitamine: Curtain, Blackfriars, Rose ja Swan ( riis. 23). Hoolimata asjaolust, et linnavolikogu keelas oma korraldusega 1576. aastal teatrietenduste lavastamise Londonis endas, asusid teatrid Thamesi lõunakaldal, alal, mis ei kuulunud ühismajandite nõukogu pädevusse.
Riis. 23. Teater "Luik"Suured puidust avalikud teatrihooned olid erineva kujuga: ümmargused, kandilised või kaheksanurksed. Hoonel polnud katust, vaid väike varikatus lava kohal. Need teatrid mahutasid kuni 2000 pealtvaatajat. Suurem osa publikust, mis koosneb tavalised inimesed, vaatas etendust seistes. Rikkad linlased võtsid istet galeriides, mis paiknesid teatri ümmarguste seinte vahel kolmel korrusel.
1599. aastal ehitati teater Globe, kus töötas W. Shakespeare. Hoone oli kaheksanurkse kujuga, lava trapetsikujuline, selle alus ulatus auditooriumi sisse. Funktsionaalne ruum jagunes kolmeks osaks: lava esiosa – prostseen; tagakülg, mis oli eraldatud kahe rookatusega varikatust toetava sambaga; ülemine on rõdu tagalava kohal. Selle keeruka ehitise lõpetas väike torn, millele etenduse ajal riputati lipp. Lava kaunistati tavaliselt vaipade ja mattidega ning kardin võis olenevalt žanrist (komöödia või tragöödia) olla sinine või must. Esimese Globe'i teatri hoone hävis 1613. aastal tulekahjus. Pärast taastamist eksisteeris see kuni 1645. riis. 24).
Riis. 24. Globuse teaterEnamik Londoni teatrite näitlejaid, kui mitte arvestada kuulsaid, kes nautisid aadlike patrooni, olid madala sissetulekuga ja jõuetud inimesed. Kuninglik dekreet võrdsustas kunstnikud kodutute trampidega ja nägi ette karistada truppe, kellel polnud jõukaid patroone. Vaatamata võimude karmile suhtumisele teatritesse, kasvas nende populaarsus aasta-aastalt ja nende arv kasvas.
Teatritruppide organiseerimise vorm oli tollal kahte tüüpi: näitlejate omavaheline partnerlus omavalitsusega ja eraettevõte, mille eesotsas oli ettevõtja, kes omas rekvisiite ja ostis näidendi lavastamise õigused dramaturgidelt. Eraettevõtja võiks palgata ükskõik millise trupi, pannes näitlejad oma kapriiside orjusesse.
Riis. 25. William Shakespeare
Riis. 26. Richard BurbageTrupp, mille juhatas W. Shakespeare ( riis. 25) ja tema sõber, kuulus näitleja Richard Burbage ( riis. 26), kandis nime "Lord Chamberlaini mehed". Trupi tulu jagati dramaturgi ja teatri peanäitlejate vahel vastavalt nende osakaalule.
Trupi kvantitatiivne koosseis ei olnud suurem kui 10-14 inimest, kes pidid teatri repertuaaris täitma mitmeid rolle. Naisrolle mängisid kenad noored mehed, saavutades oma liigutuste plastilisuse ja hääle lüürilisuse kaudu autentsed esitused. Näitlejate üldine mängumaneeris oli üleminekuetapp eepilisest stiilist ja ülevast paatosest sisemise draama vaoshoitud vormile. W. Shakespeare’i ajastu traagilise žanri peaosatäitjad olid Richard Burbage ja Edward Alleyn ( riis. 27).
Riis. 27. Edward AlleyW. Shakespeare usaldas oma tragöödiates peamised rollid oma lähedasele sõbrale ja assistendile Richard Burbage’ile. Suurepärase häälevaldamisega Burbage mitte ainult ei esitanud meisterlikult oma monolooge, vaid võimendas pilkude ja žestidega ka rolli emotsionaalset värvingut. Komöödiažanris näitlejad Robert Armin ja William Kemp ( riis. 28) ja Richard Tarleton. Iseloomulikumaks koomikuks oli Robert Armin, kes mängis Shakespeare'i näidendis "As You Like It" ja "Kuningas Lear" filosoofilise tähenduse ja dramaatilise sisuga narri rolli.
Riis. 28. William KempNäitekirjaniku ja lavastajana sünteesis W. Shakespeare oma loomingus kõik enne teda loodud teatrikunsti saavutused ja viis selle kunsti täiuslikkuseni. Ta määratles selle peamise suuna, milleks oli inimloomuse olemuse peegelpildi saavutamine, mis tahes kujul see ka ei ilmneks.
Selle perioodi etenduskunste iseloomustab näitlemise märkimisväärne emotsionaalne intensiivsus. Lavastuse tooni ei andnud valjuhäälne retsiteerimine ja aktiivsed žestid, vaid näitleja rikas kujutlusvõime ja võime edasi anda oma kogetavat seisundit. Nõuanded näitlejatele, mida W. Shakespeare oma tragöödias Hamleti suu läbi väljendas, on igavene teejuht kõikidele kunstnike põlvkondadele, kuni realistlik teatrikunst elus püsib. Suure inglise näitekirjaniku loomingus jõudis Euroopa renessansi dramaatiline teater oma arengu tippu. Shakespeare'i looming laiendas tavapäraseid piire ja näitas järgmistele näitlejapõlvedele võimalusi draamakunsti arendamiseks ja täiustamiseks inimese vaimse maailma paljastamise suunas.
17. sajandi keskel lõppes Inglismaal pikk kodanlik-puritaanlik revolutsioon, mis viis puritaanluse kinnistumiseni ühiskonnas. Tema ideoloogiliseks lipukirjaks sai üks puritaanlikest dogmadest, mis väitis, et inimene ei tohi fatalistlikult oma saatusele alluda. Kaasaegsete sõnul valitses maal tol ajal kõlvatus ja moraalne allakäik. Sõprus, südametunnistus ja avalik kohustus on täielikult kaotanud oma mõtte. 17. sajandi lõpus – 18. sajandi alguses sai inglise filosoofia juhtivaks suunaks libertineism ehk vabamõtlemine, mis suuresti mõjutas draamat ja teatrit. Hiljem läks see suund konkreetne vorm ja teda hakati kutsuma teravmeelseks. Pärast Stuarti monarhia taastamist Inglismaal austati vaimukust aristokraatliku kogukonna seas üsna kõrgelt. Järk-järgult, vastavalt uue kodanliku ideoloogia kujunemisele, muutus ka suhtumine teravmeelsusesse, muutus üha kriitilisemaks. See ei saanud muud kui kunsti mõjutada. Vaimukuse järgijate seisukohalt on elu keeruline kunst, mis nõuab inimeselt ettevaatlikkust ja taiplikkust. Valed tuleb oskuslikult ühendada tõega ning ausus ja otsekohesus kavaluse ja pettusega. Kirikuabielu peeti köidikuks, mis andis tunnistust mehe orjusest.
Ebamoraalsed põhimõtted põhjustasid auväärsete kodanlaste, aga ka kirjanike ja filosoofide õiglast nördimust. Kodanluse võimu tugevnedes ja mõju suurenedes asus ta aktiivselt ründama “vaimukaid” inimesi. See väljendus eelkõige tema võitluses inglise teatriga.
Enne monarhia taastamist Inglismaal, Cromwelli valitsusajal, keelati teater parlamendi erimäärusega. Puritaanlik valitsus pidas teatrit ebamoraalsuse, patuse ja pahede kasvulavaks. Vallavolikogud esitasid teatrifirmadele arvukalt süüdistusi, mis mõnikord ei olnud seotud ei näitlejate ega näidendiga. Teatrite maine oli nii madal, et linnarahvas lõpetas nende külastamise. Nälgimise vältimiseks olid näitlejad sunnitud lahkuma linnadest kaugetesse provintsidesse, kus nad saaksid midagi teenida. Teatritrupid ja koolid lagunesid, oratooriumi õpetajad ja etenduskunstid, muusika ja tants. Provintsivõimud olid lojaalsed lossiomanike korraldatud amatööretendustele. Ja linnades taaselustati teater muusikaliste ja draamaetendustega (maskeraadidega).
Pärast Stuarti monarhia taastamist Inglismaal algas teatri taaselustamiseks soodne periood. Linnateatrite publik koosnes eranditult aristokraatiast ja linnaaadlist. Draamakunst väljendas puritaan- ja kodanlusevastast vaimu, mis murdis läbi pärast pikki aastaid kestnud tagakiusamist ja sunnitud vaikimist. Paljudes satiirilised komöödiad rumala lihtlabase või käbuga abikaasa roll määrati alati õnnetutele kodanlastele.
Restaureerimisaegne teater taastati pika aja jooksul ja sellel perioodil toimunud muutused olid märkimisväärsed. Inglismaal tekkis teatrimonopol. Teatritrupi korraldamise ja teatri loomise õigusele anti välja kuninglik patent. Ja Lord Chamberlain juhtis tsensuuri, mis ulatus teatritrupi tegevuseni. Näitlejaseltside ja teatripaikade arvu Londonis kontrollis ja reguleeris Inglismaa valitsus. Erilist tähelepanu pöörati teatri repertuaarile.
Restaureerimisperioodil Inglismaal ehitati spetsiaalne hoone etenduste ja teatritruppide ja rekvisiitide demonstreerimiseks. Tegemist oli arvestatava suurusega ristkülikukujulise siseruumiga, milles vaatajad olid taastamiseelse ajaga võrreldes mugavamates tingimustes. Teatril oli nüüd lavatagune ja prostseen, mis ulatus kioskitesse ja mida ümbritses kahekordne kastide rida. Algul istutati sellistes teatrites eriti õilsad vaatajad toolidele otse lavale, näitlejate vahetusse lähedusse. See tekitas esinejatele mõningaid ebamugavusi.
Riis. 29. Nell GuinEtenduste lavaletoomiseks tehti spetsiaalselt komplekte, aga ka erinevaid seadmeid, mis võimaldasid simuleerida lende ja erinevaid transformatsioone. Naisrollides astusid lavale näitlejannad, kes asendasid Shakespeare’i teatri poisse. Taastamisperioodi andekaimate naisnäitlejate hulgas on Nell Guinn ( riis. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Joonis 30), Elinor Lee ja teised revolutsioonilised näitlejannad. Laiemaks on läinud ka teatrietenduse enda haare. Lisaks traditsioonilisele draamale võiks etendusse tuua pantomiimi või farssi. Muusikalised tantsuvahetunnid olid väga populaarsed. Hiljem võeti teatri repertuaari ballaadiooperid. Klassikalised tragöödiad nautisid sel perioodil suurt edu.
Riis. 30. Elizabeth BarryErinevad muutused poliitilises ja ühiskondlikus elus, mida Inglismaa sel ajastul koges, kajastusid omakorda Londoni teatrite repertuaaris. Kodanlus pääses enesekindlalt võimule ja teatrisse tuli kolmanda võimu publik. See publik, kes hõivas enamiku saali odavatest kohtadest, võis otsustavalt ja valjuhäälselt etenduse kohta oma arvamust avaldada, seda heaks kiites või hõisata.
Ühiskonnas hakkas üha sagedamini pahameelt tekkima etenduste üle, mis esitasid inimlikke pahesid ja ebamoraalsust ahvatlevas valguses. Tagurliku jutlustaja Jeremy Collieri raamat „Lühike sketš Inglise lava ebamoraalsusest ja jumalakartlikkusest” tekitas teatriringkondades vastukaja ja nördimust. Hoolimata sellest, et raamat sai teatritöötajate terava kriitika osaliseks, andis see käegakatsutavaid positiivseid tulemusi. Muutunud on repertuaar, mis hõlmab nüüd dramaturgilisi teoseid, mille teemad kinnitavad kodanlikke voorusi: vagadus, kokkuhoidlikkus ja terviklikkus.
Kodanikuühiskonnad moraali korrigeerimiseks jälgisid rangelt Londoni teatrite lavastatud teoste sisu. Etendustel viibisid eriagendid, kes jälgisid etendust ja fikseerisid kõik moraalivastased rünnakud. Tsensorid andsid ettevõtjad ja näitlejad nende rikkumiste eest kohtu ette. Näidendi tekstidest lõigati halastamatult välja mitte ainult tsensorite umbusku tekitanud osad, vaid ka terved aktid. Taastamisaja Inglise lava peanäitleja Thomas Betterton ( riis. 31), keda ähvardati amoraalse mängu eest surmaga, oli sunnitud oma tõlgendust paljudele rollidele ümber vaatama, et need vastaksid uus süsteem väärtusi.
Riis. 31. Thomas Betterton18. sajandi alguseks oli inglise teater muutunud, revideerides oma moraalseid ja eetilisi väärtusi. Suurimat tähelepanu ei pööratud mitte ainult inimlikele pahedele, vaid ka katsetele mõista nende päritolu ja sotsiaalset tausta. Teatris sai naerda kleepuvate aristokraatide ja kodanlike tõusjate, õukonna silmakirjatsejate ja uusrikaste kaupmeeste üle. Vaadates laval kellegi teise elu, mõtles vaataja enda oma ning seejärel leiti vajalikud vastused paljudele eluküsimustele.
Teater oli omamoodi kool, kus vaataja õppis ära tundma tõelist voorust ja pahe. Draamakangelaste näiteid kasutades arendas ta välja oma elupositsiooni ja käitumismaneeri. Selle ajastu teater oli Inglismaa rahvuskultuuri lahutamatu osa. Traditsiooniks on saanud sotsiaalse teema käsitlemine, inimeste ja riigi pahede peensusteni paljastamine Inglise teater, mis on säilinud tänapäevani. Just selles traditsioonis nägid suured inglise näitekirjanikud ja teatritöötajad oma päritolu ja geneetilisi juuri.
Inglismaal arenes Stuarti monarhia taastamise järgsel perioodil teater ja dramaturgide looming mitmes suunas, millest peamine oli klassitsism. Vaid formaalselt iidseid teoseid jäljendades iseloomustasid inglise näitekirjanikud tegevust emotsionaalsemalt, immutasid näidenditesse olmepeensusi, rõhutades rahvuslikke iseloomujooni ja nende näidendite kangelaste päritolu tarbetuid detaile. Mõtiskleti ka nende eesmärkide, soovide ja meeleolude muutlikkuse üle.
Riis. 32. John DrydenSelle perioodi silmapaistvamaks klassikuks võib nimetada John Drydenit (1631-1700) - luuletajat, näitekirjanikut ja kirjanduskriitikut ( riis. 32). Ta kirjutas 27 näidendit, sealhulgas tragöödiaid, komöödiad ja tragikomöödiad. Teda peetakse ka kangelasdraama žanri loojaks. Nende kriitilised seisukohad seoses draamaga väljendas ta end peamiselt poeetilistes proloogides ja järelsõnades enda ja teiste näidenditele.
Drydeni näidendid kütsid tormilistest kirgedest, hingasid vabadusearmastusest ja kõrgetest püüdlustest. Ta võrdles dramaturgiat iidse skulptuuriga. Tema arvates peab dramaturgiline loovus, peegeldades loodust, siiski ületama, et vaataja seda lavaperspektiivist õigesti tajuks.
Ajavahemikul 1664-1675 kirjutas ta parimad näited inglise kangelasdraamast: "Indiaanlaste kuninganna", "Indiaanlaste keiser ehk Mehhiko vallutamine hispaanlaste poolt", "Tyranniline armastus" ja "Vallutamine". hispaanlaste Granadast” teksti vermitud poeetilise vormiga ning tema kontseptsioonide väljaütlemisega aust ja kohustusest. Mitmed näitekirjaniku tragöödiad puudutavad eksistentsi edevuse ja maise õnne illusiooni teemat.
Üks tema parimatest näidenditest "Don Sebastian" paljastab armuõnne illusoorse olemuse ja armastuse õndsuse petlikkuse teema. Vangi võetud noor Portugali kuningas Sebastian armus barbarist kuningannasse Almeidasse. Armastus pani ta kõik unustama. Sebastian sai peagi teada, et see, kes andis talle armastuse õnne ja vabastas vangistuse, osutus tema õeks. Õnne illusioon kadus ja õnnetud armastajad läksid vabatahtlikult kloostrisse.
Lisaks Drydeni näidenditele kuulusid iga inglise teatri repertuaaris tingimata veel kahe kuulsa näitleja ja näitekirjaniku – Nathaniel Lee (1653-1692) ja Thomas Otway (1652-1685) teosed. N. Lee näidend “Rivaal Queens ehk Aleksander Suure surm” jättis Venemaa keisrile Peeter I-le tema Londonis viibimise ajal 1698. aastal tugeva mulje. Populaarsed olid ka tema draamad Mithridates ja Theodosius.
Thomas Otway on inglise teatriajaloos tuntud keskklassi elu käsitlevate “kodumaiste tragöödiate” autorina. Tuntuimad neist on “Vaeslaps ehk õnnetu abielu” ja “Päästetud Veneetsia või Paljatu vandenõu" Otway oskus seisnes kirgede hävitava jõu ja tunnete pimeduse kujutamises inimese jaoks.
Väga populaarsed olid loomingulise duo John Fletcheri (1579-1625) ja Francis Beaumonti (1584-1616) näidendid. Nende näidendite kogumiku esimene trükk, mis sisaldab 34 teost, pärineb 1647. aastast. Näidendid “Philastre”, “Kuningas ja mitte kuningas”, “Tüdruku tragöödia” ilmusid korduvalt uuesti välja. Need näidendid kujutasid meisterlikult armastust ja kõiki sellega kaasnevaid inimlikke kirgi. Nende autorite komöödiad olid tõeliselt naljakad ning tragöödiad panid sind koos kangelastega kurvastama ja muretsema.
Inglise keel Beaumonti ja Fletcheri teostes viidi täiuslikkuseni. Seda arutati hiljem korduvalt kirjanduskriitikud, kes uskus, et kõik sõnad, mis pärast nende näitekirjanike surma igapäevakõnesse tulid, olid tarbetud. Nende näidendeid on Inglismaa teatrite lavadel mängitud juba 40 aastat pideva eduga. Veelgi enam, igal uuel teatrihooajal olid nende repertuaaris kindlasti näidendid “Teelik sadakond”, “Kuidas saada naist”, “Jahimees”, “Kuningas ja mitte kuningas”, “Philastre”. originaalis, ilma igasuguste vähenduste ja muudatusteta.
Riis. 33. Joseph Addison18. sajandil Inglismaal kujunes W. Shakespeare’i suhtes mitmetähenduslik suhtumine. Silmapaistvad pedagoogid Joseph Addison ( riis. 33) ja Richard Steele ( riis. 34), kes võitles rahvusliku inglise teatri loomise eest ja välismaise, eriti itaalia ooperi domineerimise vastu ning võttis sõna selle loomingulise pärandi kaitseks. Kuid mõned kriitikud, nagu Thomas Rymer, nimetasid tema tragöödiaid "farsiks, millel puudub igasugune maitseelamus".
Riis. 34. Richard SteeleSeetõttu tegid paljud Shakespeare’i näidendid autorite poolt tänapäeva maitsele vastavaks ümber. T. Otway tegi ümber W. Shakespeare'i näidendi "Romeo ja Julia", muutes pealkirjaks "Caius Maria elu ja langemine" ning D. Dryden - "Antony ja Cleopatra" ("Kõik armastuseks"). Ja kuigi plakatitel esines jätkuvalt Shakespeare’i nimi, oli näidendi teksti muutmine sedavõrd märkimisväärne, et etendusel polnud originaaliga midagi ühist. Paljud kuulsa näitekirjaniku näidendid mängiti Londoni lavadel samal hooajal nii originaalis kui ka ümbertehtud kujul ning publikule meeldis vaadata näidendi “Romeo ja Julia” mõlemat versiooni: traagilise lõpuga W. Shakespeare’i ja James Howardi õnnelik.
Sotsiaalne, teravalt satiiriline komöödiakoomika leidis aset ka inglise teatri repertuaaris. Selle loovuse varaseks esindajaks võib nimetada George Etheridge'i (1634-1691), keda peeti sajandi moraali mõnitajaks ja kes lõi mitu näidendit, mis läksid Inglismaa teatrikunsti ajalukku: „Koomiline kättemaks, või Armastus tünnis”, “Ta oleks, kui” võiks” ja “Moe ori”. Hiljem nimetati seda tüüpi komöödiat teatriteaduses "taastamise ajastu komöödiaks".
Riis. 35. William WycherleyKomöödiad olid sel perioodil väga populaarsed. Eriti armastasid näitlejad mängida William Wycherley (1640-1716) näidendites ( riis. 35), mida eristasid huumor ja särav lavaline olek. Mõnel teatrihooajal lavastas tema näidendi “Maanaine” korraga mitu teatrit ja siis lahvatas teatriomanike vahel tõeline võistlusvõitlus publiku pärast. William Congreve'i komöödiatest ( riis. 36), kes nautis avalikkuse ees pidevat edu, lihvisid oma lavaoskusi mitu põlvkonda inglise näitlejaid. Lavastustes “Vana poissmees”, “Kaksikmäng” ja “Armastus armastuse vastu” on esikohal sotsiaalne analüüs, mis põhineb tabavatel igapäevaomadustel.
Joonis 36 William CongreveCongreve'i uusim komöödia "See on see, mida te maailmas teete" paljastab portree tänapäeva mehest - Mirabellast. Kangelase eeliseks on tema kõla, loogiline arutluskäik ja vaimne lahkus. Näidendi keel on väga elegantne, tühja sõnamängu ja pompoossete fraasideta.
18. sajandil laienes repertuaar oluliselt draamateatrid. Etendused koosnesid mitmest vaatusest ning peale etendust lisandusid farss, pantomiim, muusikaline divertisment või klounide ja akrobaatide etteasted. Etenduse lõppu võiks kaunistada ka mõne populaarse näidendi või ooperi paroodia. Aastaid mängiti samu kuulsaid farsse, sõltumata terve õhtu programmist. Teatrirepertuaaris olid populaarseimad muusikalised divertisendid ehk vahepalad. Need võisid olla instrumentaalkontserdid või vokaaletendused, mis olid muusikasse seatud ja humoorikaid nimesid kandvad humoorika sisuga süžeed “Armastus ja õllekann”, “The. Shamed Dandy”, “Professori” naljateadused” jne.
Lisaks ballaadiooperile, farsidele ja vahepaladele ilmusid 18. sajandil teatrietendused nagu “elusad pildid” ja “tseremoniaalsed rongkäigud”. , nägi publik seda esimest korda,“ mis kujutas kuningas Henry VIII teise naise Anne Boleyni pidulikku kroonimistseremooniat. See saavutas publiku seas tohutu populaarsuse ja lavastati sõltumata sel päeval toimuvate etenduste teemast.
Mitmetunni keskne tuum teatrietendus Alati oli mõni näidend, mille valis enamasti teatritrupp ja mida prooviti pikka aega. Suurenenud konkurentsi tõttu püüdsid teatripidajad arvestada massilise publiku nõudmistega. Kuni 1868. aastani jagas repertuaari teatrite vahel Lord Chamberlain, kes juhtis kuninglikku majapidamist ja andis loa näidendi lavaletoomiseks. See süsteem võimaldas teatritel välja töötada individuaalse stiili. Londoni Duke'i teater oli kuulus oma segarepertuaari poolest, kuninglikus teatris eelistati W. Shakespeare'i ja B. Johnsonit ( riis. 3 7). Uute näidendite autoriteks olid nii elukutselised näitekirjanikud kui ka amatöörid, kes kirjutasid näidendeid mitte ainult raha pärast, vaid ka teatriarmastusest. Härrasmees näitekirjanik, kes teatris ei teeninud ehk teisisõnu “välisautor”, teatriga kokkuleppel ümber tehtud kuulsad näidendid või koostanud etendustele prolooge ja epilooge. Igal teatril olid oma näitekirjanikud ja "välised autorid". Paljud kuulsad näitlejad koostasid ka uusi etendusi, millest trupp meelsasti kaasa lõi.
Riis. 37. Ben JonsonMonarhid tellisid sageli näidendeid, pakkudes välja oma süžeed, mis mõnikord sündisid eksprompt ja mõnikord õukonnaaadlike nõuandel. Koos andekate ja tõsiste näidenditega toodi teatritesse tohutul hulgal ebakvaliteetse draama käsikirju, mis läbisid range valiku, põhjustades paljude autorite rahulolematust.
Teatrirühma heakskiidu saanud näidend pidi teatris lavastuseks saama kuningliku tsensori loa. Kuninglikus õukonnas määrati peatsensori ülesanded Lord Chamberlainile ja peatseremooniameistrile, kes juhtis riikliku tsensuuri institutsiooni. Näidendid võidakse keelata, kui need kujutasid monarhide vägivaldset surma või kasutasid sobimatult tsitaate Piiblist. Stseen, mis käsitles kuninglikus õukonnas õitsenud altkäemaksu võtmist, võib juhul, kui tsensuur seda lubab, äratada kuninga viha ja viia tsensori vangistamiseni, kes mässu vahele jäi. Inglise näitekirjanduse ajaloos on selliseid juhtumeid olnud.
Kui 17. sajandi lõpus hoogustus arvukate moraaliparandusühingute tegevus, karmistus ka teatritsensuur, mis vigide ja toorite poliitilise võitluse ägenemise perioodil riigis võttis äärmuslikke vorme. . 1737. aastal andis valitsus välja tsensuuriseaduse. Sellest sai teatrilubade seadus, mille alusel võisid eksisteerida ainult need teatrid, millel oli kuninglik tegevusluba. Kõik näidendid, eranditult, pidid olema tsenseeritud Lord Chamberlaini poolt. Näidendides oli autoritel keelatud puudutada poliitilisi küsimusi ja kritiseerida riigiametnikke.
Selle seaduse tulemusena tekkis teatritele riiklik monopol, st Londonis suleti kõik teatrid, välja arvatud kesksed - Covent Garden ja Drury Lane. Aktuaalset ja kriitilist laadi repertuaar kadus lavalt, puudusid välis- või sisepoliitilisi probleeme puudutavad improvisatsioonilised näidendid. Kuid vaatamata kõikidele tsensuurimeetmetele edastasid dramaturgid ja näitlejad konkreetseid teatrivõtteid ja allegooriaid kasutades publikule seda, mida nad avalikult väljendada ei saanud.
Kaks kuningas George II kunstilist konsultanti, kuulsad näitekirjanikud ja ettevõtjad William Davenant (1606-1683) ja Thomas Killigrew (1612-1683), kes said 1660. aastal kuningliku patendi teatrite avamise monopoolse õiguse eest, jagasid Londoni näitlejad omavahel. Killigrewi trupp sai tuntuks kui Kuninga trupp ja Davenanti trupist sai Yorki hertsogi trupp. Nendel truppidel ei olnud oma hooneid ja nad asusid erinevatesse etenduste jaoks kohandatud ruumidesse.
17. sajandi alguses ehitati Red Bulli teater Londoni kaguservale St. John Streetile. Tegemist oli avatud tüüpi ilma katuseta teatriga, mis muutis trupi töö sõltuvaks ilmastikuoludest. Neid ruume rentisid erinevad trupid, mõnel neist puudus tegevusluba ning teater suleti perioodiliselt seaduserikkumiste tõttu. Red Bulli teatrikeskkonnas valitses korralagedus ja rivid ning saali ei kogunenud isegi sadu pealtvaatajaid. Kehvades kostüümides näitlejad mängisid keskpäraselt ja kohati täiesti oskamatult. 70ndatel lõpetas Red Bull eksisteerimise ja hoone võttis üle vehklemisklubi.
Ka Cockpit Theateri ehitamine pärineb 17. sajandi algusest. See oli üsna avar telliskivihoone, mis asus Drury Lane'i keskosas. Teater sai oma teise nime - "Phoenix" - pärast 1617. aasta tulekahju ja kiiret taastamist. Teater eksisteeris umbes 60 aastat ja lammutati, kuna see ei vastanud enam tänapäevastele nõuetele.
Restaureerimise esimestel aastatel, nimelt 1629. aastal, ehitati Londonis kolmas teater – Salisbury Court. 1652. aastal sai selle omanikuks Inglismaa silmapaistev teatritegelane William Beeston, kes sai rangest keelust hoolimata Oliver Cromwelli karmi režiimi ajal lavastada mitmeid etendusi ja keda peeti üheks parimaks teatriõpetajaks. Ta alustas revolutsiooni ajal haletsusväärsesse seisukorda viidud teatrihoone rekonstrueerimist. Tema kavandi järgi tõsteti katust 30 jalga, lava kohal olevasse ruumi paigaldati tantsuklass. Oluliselt laiendati bokse ja bokse, mida ümbritsesid galeriid. Teatrihoone ei elanud üle 1666. aasta Londoni tulekahju.
7. mail 1663 avati kuulus Inglise Drury Lane'i teater, mis on tänaseni Londoni juhtiv teater. Esimene etendus, mis selle laval toimus, oli F. Beaumonti ja D. Fletcheri näidend “The Wayward Centurion”. Teater ehitati Drury Lane'i ja Bridges Streeti vahele.
Hoone oli ümara kujuga. Teatris olid avarad müügiletid ja luksuslikult kaunistatud boksid. Prostseenikaar oli kaunistatud peene kaunistusega. Hoolimata liiga suurest kaugusest lavalt kastideni, kitsastest käikudest kioskites ja orkestri kahetsusväärsest asukohast oli sellel teatril oma eelkäijate ees olulisi eeliseid. Kioskites olid pingid paigutatud kontsentriliste poolringidena, moodustades amfiteatri. Kioskeid ümbritsesid kaks kastitasandit, mis olid eraldatud vaheseintega ja sisaldasid mitut rida mugavaid toole. Selleks ajaks lubati naistel olla koos meestega boksides.
Suurem osa publikust istus kioskites, mida valgustati päeval läbi tohutu klaaskupli, mis kroonis hoone tippu. Ühe tugeva vihmasaju ajal langesid pealtvaatajatele pähe veejoad, mis tekitasid avalikkuses ägedat nördimust. Õhtul olid müügiletid küünaldega valgustatud. Bokside pingid olid kaetud rohelise riidega.
Kioskite alumise astme keskel oli kuninglik kast, mida kaunistas kullatud Apollo ja riigi embleem Inglismaa. Kui kuningliku pere liikmed esinemisel ei viibinud, müüdi kuningliku boksi piletid kõigile.
25. novembril 1672. aastal puhkes teatris tulekahju, mis hävitas täielikult nii teatri ruumid kui ka kõrvalhooned. Kuninglik teater, kes oli sunnitud mitu aastat uute ruumide jaoks raha koguma, sai alles 1674. aastal kuulsa arhitekti Christopher Wreni projekteeritud hoone. Tuba ei paistnud millegi erilisega silma ning oli lihtne ja kunstitu. Kioskid olid amfiteatri kujulised, kus pealtvaatajad istusid riidega polsterdatud ja seljatoeta pinkidel. Inimesed istusid kõik koos: õilsad daamid ja härrad, aga ka kerge voorusega daamid, kes esinemise ajal flirtisid ja juttu ajasid; mõned mängisid kaarte, ei pööranud näitlejatele tähelepanu. Otse lava ees, alumise galerii varikatuse all, asusid kõige kallimad istmed ning ülemisse galeriisse tunglesid kõige vaesemad pealtvaatajad.
Yorki hertsogi trupi jaoks ehitati 1671. aastal sama Christopher Wreni kavandi järgi Londoni Dorset Gardeni linnaossa teater, kus asus draama- ja ooperimaja. Seda eristas arhitektuur ja kaunistuste luksus. Teatri fassaad oli vaatega Thamesile ja seda kaunistas Yorki hertsogi vapp. Ülemine korrus oli mõeldud kuulsate inglise näitlejate korteriteks.
Teater mahutas umbes 1200 pealtvaatajat ja hämmastas oma interjööri ilu. Prostseenikaare nikerdas barokkstiilis tuntud puunikerdaja Grinling Gibbons ja see kullas rikkalikult. Auditooriumi interjöör oli Prantsusmaa parimatest teatriinterjööridest palju ilusam ja mugavama planeeringuga. Amfiteatri kujuga kioskites ei olnud peaaegu mingit müra kuulda. Parter oli ümbritsetud seitsme kastiga, mis mahutasid 20 inimest, millele järgnesid 7 esimese astme kasti ja veelgi kõrgemal - nagid.
Riis. 38. John VanbrughPäris 18. sajandi alguses, 1705. aastal, mängis Londonis näitekirjanik John Vanbrugh ( riis. 38) ehitati esimene ooperimaja, mis sai kuninganna Anne auks tuntuks kui Kuninganna ooperimaja. Nende etenduste hiiglaslik lava ja spetsiifiline akustika ei sobinud dramaatilistele etendustele, mistõttu lauljad ja muusikud asusid teatrisse elama. See teater eksisteeris peaaegu 85 aastat. Vältimata paljude Londoni teatrite saatust, hävis see 17. juunil 1789 selle ladudes puhkenud tulekahjus.
Inglismaa taastamise ja kultuuri edasise arengu perioodil XVIII alguses sajandite jooksul on teatrid oluliselt muutunud. Nende arhitektuur on muutunud keerukamaks vastavalt suurenenud nõuetele. Teatrite interjöör ja siseviimistlus peegeldas nende omanike jõukust. Lavakujundus ühendas Shakespeare'i platvormi lava ja boksilava portaaliga, mis eraldas seda publikust. Lava esiosa, mis ulatus auditooriumi, muutus ovaalseks. Ilmusid lavatagune ja kunstnike maalitud maastik.
Etenduse põhiosa toimus prostseenil. Lõpu poole pidid näitlejad tulema ette lava ovaalsesse ossa, mis oli vaatajale lähemal ja palju paremini valgustatud. Lava sisemus, kus asus dekoratsioon, oli hämaruses, mis tekitas kogu etenduse vältel müstika tunde. Küünlad, mis nõudsid piisava valgustuse jaoks väga suurt arvu, olid kallid ja olid luksus, mida teatriomanikud lubasid endale ainult kuningliku perekonna liikmete huvides. Nõrk värelev valgus ja õõtsuvad varjud seintel tekitasid teatrietenduses tunde millegi üleloomulikust. Lava enda tasapind oli kerge kaldega prostseeni poole, mida kaunistas pidulik nikerdatud kaar, kuhu olid paigaldatud bareljeefid ja skulptuurid ning osavad käsitöölised nikerdasid keerukaid ornamente ning see kõik kaeti kullastusega. Taastamise ajal peeti inglise näitlejaid ametlikult kuninglikus teenistuses. Kuningliku teatri näitlejad kandsid punasest riidest punase sametiga kaunistatud kuninglike teenijate mundrit, kuid tegelikult peeti neid ühiskonnas madalaima klassi esindajateks. Nad said väikest palka, mille nimel tuli kõvasti tööd teha.
Näitlejatel pidi olema füüsiline vastupidavus, et taluda pikki tunde proove ja etendusi. Ruume, kus esinemiste vahel viibis mitu inimest, ei köetud. Eraldi ruumi kaminaga võimaldati vaid erandjuhtudel. Tihti pidi näitlejatrupp kohe pärast edukat esietendust hilisõhtul etendust kordama kuningalossi õukonnateatris. Vaid suurepärase mäluga võiks näitleja lühikese aja jooksul pähe õppida ühes etenduses mitme rolli tekstid või mitme etenduse erinevad rollid.
Teatrihooajal, mis suvel kuningliku perekonna Londonist lahkudes katkes, raha teenida polnud võimalik. Töö katkes epideemiate, tulekahjude, üleujutuste, usupühade või kuningliku perekonna leina tõttu. Tsensuuri või lihtsalt kuninga või kammerhärra märkuse tõttu suleti ka teater määramata ajaks.
Enamik näitlejaid üüris teatri lähedal eluasemeid, et mitte kulutada raha reisimisele. Rikkad näitlejad võiksid endale lubada elada Londoni mainekates piirkondades. Kui teatriomanikud olid huvitatud teatud näitlejast (ja enamasti olid nad näitlejad), siis asusid nende korterid teatrimajas endas või selle kõrval asuvates hoonetes.
Inglise seadused seisid alati rikaste inimeste poolel nende kaklustes või duellides näitlejatega, kuigi kohtus käsitletud juhtumid tekkisid nende süül. Näitleja solvamine või alandamine ei maksa midagi. Seda peeti aadliklassi seas normaalseks.
Restaureerimise ajal astusid Inglise teatri lavale näitlejannad, kes asendasid naiselikke naisterõivastesse riietatud noormehi. Et mängida naisrollid, pidid noormehed seda mitu aastat õppima. Esimestel naisnäitlejatel pidi olema piisavalt tahtejõudu ja kodanikujulgust, et minna lavale sellises puritaanlikus riigis nagu Inglismaa ja praegu. naise pilt kogu oma võlus.
Esimesed näitlejannad tulid teatrisse erapansionaatidest. Kõik nad olid tagasihoidlikku päritolu ja õppisid internaatkoolides kirjaoskust, diktsiooni, muusikat ja tantsu. Kodanliku klassi tüdrukud tulid teatrisse tantsuõpetajate ja erakoorijuhtide soovitustega. Näitlemiskeskkonnast tuli palju imelisi näitlejannasid. Ajal, mil naiste haridus oli väga madalal tasemel, hakkas näitlejanna elukutse paljudele tüdrukutele paljutõotav ja ahvatlev tunduma.
Teater avas neile tee kodumaisest türanniast vabasse maailma, mis andis märkimisväärseid võimalusi isiklikuks arenguks. Kuid samal ajal langesid noored talendid, kes ei suutnud endale minimaalset elatusressurssi tagada, jõukate härrasmeeste mõju alla ja neist said nende hoitud naised. Rikka härrasmehe palgal näitleja – see nähtus oli väga levinud ja täiesti seaduslik. Noored näitlejannad ise ihkasid saada hoitud naisteks ja sageli lahkusid mitu aastat teatris näitlemist õppinud tüdrukud teatrist 1-2 aastaks sellise hoolduse pärast, misjärel leidsid nad enamasti peavarju Londoni bordellides. Lavale jäid vaid need, kes kogu hingest näitlejaametile pühendusid. Enamasti olid need näitlejate naised.
Inglise näitlejad pidid elatise teenimiseks sageli reisima teistesse riikidesse. Kohati olid need reisid väga eluohtlikud. Näitlejad pidid sageli nälga ja kogema igasuguseid raskusi. Nad esinesid reeglina väljakutel ja vabaõhuturgudel. Vaatamata keeleerinevusele võeti inglise näitlejad erinevates Euroopa riikides väga hästi vastu, nende klassikaline näitlemismaneeri ja näitlejaoskused äratasid nende kaasaegsete seas imetlust. Renessansiajal demonstreerisid inglise näitlejad oma oskusi Saksamaal, Hollandis, Taanis ja Prantsusmaal.
Lisaks dramaatiliste näitlejatele käisid Prantsusmaal ringreisil inglise akrobaadid, miimid ja tantsijad. Vennad Wooltonid avasid Prantsuse valitsuse loal Dijonis tsirkuse. Kuulus näitleja Thomas Betterton külastas Inglismaa valitsuse nimel Prantsusmaad. Ta pidi end kurssi viima teatrite repertuaari ja ülesehitusega.
Prantsuse näitlejad tulid ringreisile ka Inglismaale, kuid Londoni kogenud publik suhtus nende etteastesse põlgusega. Teatrirekvisiit ja külalisesinejate saatjaskond oli pretensioonitu ning etendused kujunesid tuimaks ja ebahuvitavaks. See oli tingitud asjaolust, et ringreisidel käisid peamiselt madala sissetulekuga näitlejad.
Esimesena jõudsid kunstnikud Itaaliast Inglismaale nukuteater. Nende esitus avaldas kuningale suurt muljet ning ta autasustas nukutrupi peaosatäitjat medali ja kuldketiga. Ringreisile tulnud Itaalia näitlejad nautisid kuninga erilist soosingut. Etendusteks anti neile kuningalossis Whitehall. 18. sajandil juurdus Itaalia ooper Londonis ja seda külastas peamiselt Londoni aadel. Tema inglise aristokraatia rafineeritud maitse järgi loodud repertuaar võlus Londoni suhtlusringkondi.
Ooperid esitati esmalt inglise keeles, kuid see muutis nende esitamise keeruliseks, põhjustades lahknevusi muusikalise teema ja itaaliakeelse teksti ingliskeelse tõlke vahel. Hiljem laulsid inglise ja itaalia esitajad aariaid omas keeles, veel hiljem esitati kõik aariad itaalia keeles. Publik sai sisust vähe aru ja tajus laval toimuvat vaid mehaanilise lõbuna, mis ei tekitanud ei kaastunnet ega järelemõtlemist. Paljud Inglismaa silmapaistvad pedagoogid pidasid itaalia ooperit rahvuskultuuri invasiooniks, põhjustades sellele olulist kahju.
Käsikirjalises vormis uued näidendid toodi ülevaatamiseks ja kinnitamiseks otse teatrisse. Tavaliselt esitas esimesed lugemised autor. See, kuidas näitlejad uuest näidendist tajuvad, sõltus suuresti tema dramaatilistest võimetest. Mõnda näidendit pidi autor mitu korda läbi lugema, et anda näitlejatele edasi oma ideed ja paatos teosest. Pärast autori ettelugemisi vajasid paljud näidendid montaaži ja revideerimist kuulsate näitlejate poolt, kes kirjutasid rollid meelevaldselt ümber, kohandades neid kaaslaste kommete või iseloomudega. Mõnikord parandasid sellised toimetused näidendeid märkimisväärselt ja mõnikord kirjutati näidendid peaaegu täielikult ümber, et täita need "elava sisuga".
Rollid jagati teatriomaniku otsesel osalusel, kes ise oli tavaliselt üks peaosatäitjaid. Sel perioodil populaarne näitlejanna määrati peaossa, olenemata sellest, kas ta sai rolliga hakkama või mitte. Mõnikord rikkus populaarse näitlejanna esinemine tema rollile mitteiseloomulikus rollis etenduse mulje täielikult. Kuid juhtus, et kuningas ise osales rollide jagamisel.
Tunnustatud andekatel dramaturgidel oli õigus valida oma etendustes osalema näitlejaid. Ja nad kirjutasid näidendid, võttes arvesse, kes täpselt seda rolli mängiks. Kuid näitleja peamine roll oli selles küsimuses ikkagi määrav. Publikul kujunes tegelaskujust välja teatav stereotüüp ja publik võis teatris mässu tekitada, kui etenduses poleks mitte peaosatäitja, vaid tema alamõpilane. Siis tuli etendus pooleli jätta, sest lavale lendas igasuguseid esemeid, sealhulgas põlevaid küünlaid.
Esietenduse ettevalmistamine võttis aega vähemalt kuu. Lavastamist kui sellist tollal veel ei eksisteerinud ning proovide käigus võis tekstis teha mitmesuguseid volitamata muudatusi. Pärast selliste etenduste vaatamist kurtsid näitekirjanikud, et neilt on röövitud vähemalt tuhat rida. Sageli võttis dramaturg etenduse lavastaja rolli. Ta hoolitses rollide tootmise ja töö korraldamise eest. Samuti arendas ta misanstseeni ja tegelaste liikumist lavaruumis kuni žestide ja plastilisuseni välja.
Proovid algasid hommikul ja lõppesid enne esinemist. Need toimusid erineval moel, sageli lärmakad ja segased, kuid mõnikord osutusid need üsna professionaalseteks. Õhtune aeg pärast etendusi oli eraldatud uute tekstide päheõppimiseks ja tantsude õppimiseks. Märksa vähem kulus näitlejate aega ja vaeva varem mängitud näidendi taastamisele teatri repertuaari. Selleks ei kulunud rohkem kui kaks nädalat.
Mõnikord viis liiga rutakas etenduste ettevalmistamine selleni, et näitlejad ei tundnud teksti hästi. Siis kandsid nad lavale sellist kääksatust, et seltsimehed ei pidanud valju naeru vastu ja iseloomust välja minnes segasid etendust. Sageli puudus teatritruppides range distsipliin ja mõne näitleja vastumeelsus oma diktsiooni kallal töötada. Selle tulemusel tekitas nende esinemine publiku seas ärritust ja rahulolematust, sest publiku hulgas oli võimatu välja mõelda ühtegi sõna, mida selline näitleja lausus.
Mõned näitlejad lubasid end rafineeritult kaunistada autori tekste oma kompositsiooni helgete väljenditega. Selliste amatöörautorite terved lõigud põhjustasid etendustele korvamatut kahju ja rikkusid näitekirjaniku mainet. Üks neist innukatest näitlejatest, John Lacy, arreteeriti kuninga käsul. Seda seetõttu, et ta pidas spontaanselt suure paatosega kõnesid ja laiendas linnapahede registrit näidendis "Kroonide vahetus", millest võttis osa Karl II. Mõned koomiksinäitlejad lasid endale mitu minutit publikuga vestelda. Oli asjatu keelata neil seda teha ja autorid kirjutasid selliste näitlejate omadusi arvesse võttes autori märkmetesse: "Jätkake samas vaimus" või "Esineja äranägemisel".
Pikkadeks aastakümneteks jäi etenduse ettevalmistamine inglise draama nõrgaks kohaks. Tasulisi näidendite peaproove pealtvaatajate kutsel hakati harrastama 18. sajandil. Kõigepealt tutvustati neid kodus ooperimajad, ja hiljem - dramaatilisi.
Etenduse saatus sõltus paljudest asjaoludest, kuid selle edu määras täielikult esietenduse päev. Kõige rikkalikumad honorarid sai teater ajavahemikus novembrist veebruarini. Esilinastuse päev valiti konkreetselt. Vaatasime, kas Londonis ei toimu sel päeval muid massiüritusi, mis võiksid teatri hukutada saalis vaatajate täielikule puudumisele. Laupäeva peeti esilinastuse parimaks päevaks.
Suflöörile anti etenduse ettevalmistamisel üsna oluline koht. Ta kirjutas iga rolli näitlejatele eraldi loetavalt ümber ja tasu eest köitis poognad kaanega raamatuks. Nende raamatute lehtedele tegid suflöörid näitlejatele märkmeid ja kommentaare, tehes etenduse kulgu omapoolseid korrektiive. Lisaks paberile, pastakatele ja tindile olid suflööri inventaris alati ka kell ja vile. Vilehelin pani maastiku liikuma ja liikuma ning kell andis orkestrile teada muusikalisest sissejuhatusest.
Muusika oli etenduse oluline struktuurielement. Ta lõi erilise emotsionaalse õhkkonna, ühendades esinejad publikuga. Muutuv muusikaline teema teoseid etenduse ajal, sellele oli võimalik anda erinevaid tähendusvarjundeid. Paljud näitekirjanikud töötasid spetsiaalselt koos heliloojatega, et luua nende näidendite jaoks muusikalisi numbreid, mõistes, kui oluline on muusika ja üksikute muusikariistade kõla.
Dramaturgid armastasid eriti viiulit, flööti ja oboed. Londoni aristokraatia eelistas kitarri, mida mängisid ilmalikud nautlejad ja daamid. Teatriorkestrite viiulite arv ulatus mõnikord 24-ni. Klavessiin oli alati kohal.
Orkestri asukoht teatris muutus mitu korda. Algul asus see lava kohal, lavaruumi sügavuses. Publik muusikuid näha ei saanud. Kohta, kus muusikud olid, kutsuti "muusikaliseks pööninguks". Hiljem liikus ta alla ja sättis end lava ja bokside vahele ning veel hiljem vajus madalamale, lava alla. Orkestri positsioon teatris muutus mitu korda, liikudes madalamalt tasemelt ülemisse ja uuesti tagasi.
Kuid ükski etendus ei toimunud ilma muusikalise saateta. Seal, kus esinemine andis vähimagi võimaluse muusikaliseks numbriks, kasutati seda kindlasti ära. Shakespeare'i ja teiste varasemate autorite näidendites ilmusid muusikalised vahetükid, vokaalaariad ja tantsustseenid. Muusika kasutamine elavdas lavastust. Etenduse kaunistamiseks kirjutasid dramaturgid spetsiaalselt mustlaste, rändlauljate või rõõmsate külaliste rollid, kes laulsid ja tantsisid, põhjustades publiku rõõmsat elavdamist.
Enne etenduste algust kõlas alati meeldiv muusika, mis vabastas publiku ootamise igavusest. Paljud pealtvaatajad tulid spetsiaalselt ette, et nautida muusikateoste suurepärast esitust.
Etenduse proloogile eelnes muusikaline avamäng (tingimata “prantsuse stiilis”). “Eesriidemeloodia” lõpetas iga vaatuse. See meloodia sai alguse tegelaste viimaste ridade ajal. Järgmine vaatus algas muusikalise sissejuhatusega. Etenduse lõppu tähistati sageli üldtants näitlejad, kes tantsisid Inglismaal populaarset chaconne'i tantsu. Muusika saatis näitlejate ja lahkuvate pealtvaatajate kummardusi, kuni saalis enam kedagi polnud.
Muusikaliste numbrite arv näidendis varieerus olenevalt näidendi žanrist. Tragöödia sisaldas mitte rohkem kui kahte laulu, komöödias võis olla rohkem kui viis. Muusikat tuli mängida pidusöökide, pulmade ja matuste stseenides. Thomas Durfey komöödias oli üle kahekümne muusikalise numbri. Sel ajastul tekkis uut tüüpi draamalavastus, mida meie ajal nimetatakse operetiks.
Armastajad kannatasid serenaadide all, teenijad koostasid oma isandatest satiirilisi kupleid, eepilised kangelased nad laulsid ballaade ja tänavapoisid laulsid rikaste paroodiaid. Kõik see avardas žanri piire, rikastas etendust uute detailidega, lisades näitlejate esitustele värvi. Tegelaste dialoogidega funktsionaalselt põimunud muusika mängis etenduse psühholoogilise haripunkti rolli. Selline esitus ei saanud muud kui puudutada inimese sügavaimaid tundeid, äratades samal ajal tema mõtteid.
Tantsuminiatuurid olid draamalavastuse lahutamatuks osaks nagu muusika. Ja pole vahet, kas see oli tragöödia või komöödia, tavaline farss või paroodianäidend. Need tantsuminiatuurid arendati hiljem balletiks, millest sai iseseisev draamakunsti vorm.
Dramaturgid ja teatriomanikud pidasid suure tähtsusega tantsurepertuaari mitte ainult etendustel, vaid ka vahetundidel. Vahetundidel, meelitades publikut tuliste meloodiatega, hoidis administratsioon teatris rahulikku õhkkonda, tõmmates sellega kõige tulihingelisemate vaatajate tähelepanu kõrvale vältimatutest kaklustest.
Londoni plakatitel märgiti koos näidendi nimega ka tantsude nimed, mida avalikkusele pakutakse. Populaarsed olid rahvustantsud, nende hulgas pälvisid erilist tähelepanu Šoti, Hispaania, Iiri jigi ja koomilised tantsud. Koreograafia oli dramaatilise näitleja oskuste lahutamatu osa. Ja vaataja eelistas üha enam vaadata lõbusat muusikalist etendust koos laulude ja tantsudega, pööramata tähelepanu näidendi süžeele. Teatri põhieesmärk – harida tundeid ja arendada mõtlemist – andis teed lõbule ja meelelahutusele.
Keskajal jooksid mõned päevad enne etenduse algust lipuloojad ehk heeroldid mööda linna identifitseerimislippudega ringi, hüüdes imenäidendi nime, mida pidi esitama rändteatri trupp. Pikka aega säilis kutseliste teadaannete suuline vorm, mille tekste riimiti ja hääldati muusikariistade saatel. Londonis oli teatriteadetega kaasnev valju müra keelatud, kuid provintsilinnades tõmbasid trompeti- ja trummiheeroldid oma teatritesse alati palju rohkem vaatajaid kui kirikukell kirikusse. Rändnäitlejate etendusele võis mõne minutiga koguneda üle tuhande vaataja.
Eelseisva teatrietenduse väljakuulutamise iidsed traditsioonid jätkusid 18. sajandi lõpuni. Trummar ja hüüdja olid selle ajastu Inglismaa maapiirkonna maitse lahutamatu osa. Kui trummar tõmbas linnaelanike tähelepanu oma keeruka trummimänguga, siis heerold hõikas välja kogu info eelseisva etenduse kohta ning jagas saateid, mis näitasid näidendi nime ja etenduse algusaega.
Londonis heisati teatrihoone kohale lipp päeval, mil pidi toimuma etendus. Selle alguse aega teatati trompeti saatel ning teatri pööninguaknast puhus trompetist teatud ajavahemike järel kolm trompetit.
Esimene teatriplakat ilmus Prantsusmaal 16. sajandi teisel poolel. Inglismaal ilmusid plakatid palju hiljem, alles 1564. aastal. Käsitsi kirjutatud plakatid riputati tavaliselt postidele teatri lähedal, kõrgkoolide väravate ja haridusasutused, tiheasustusaladel. Plakatil paistis suurte tähtedega silma teatri ja etenduse nimi. Selle ülaosas oli riigivapp ladinakeelse kirjaga "Elagu kuningas!" 18. sajandil hakati plakatile näitama etenduses osalenud näitlejate koosseisu ja etenduse algusaega. Näitekirjaniku nimi ilmus esmakordselt 1699. aastal näitekirjale. See oli komöödia Topeltmäng autori William Congreve'i nimi. 1700. aastal keelas Londoni Suur Kohus teatritel oma plakateid linnas ja selle lähiümbruses üles riputada.
Ajalehed hakkasid avaldama teateid eelseisvate etenduste, nende autorite ja näitlejate kohta. Sealt võis koos reklaaminfoga leida raamatupoe aadressi, kus näidendi teksti müüdi. Daily Courant avaldas selliseid reklaame regulaarselt 1702. aastal, millele järgnesid 1920. aastatel Daily Post ja Daily Journal. Sel ajal sisaldasid teatriteated lisaks teabele etenduse enda kohta selliseid üksikasju, kelle palvel (üks kuninglikest isikutest või aadlidaam) etendus toimus, kohtade hindu kioskites, boksides ja galeriides, jne. Mõnel juhul palusid omanikeatrid kirjastajatel lisada paar rida, mis iseloomustavad näitlejate etendusi või on seotud näidendi sisuga.
1702. aastal postitamise keeld teatri plakatid Londonis tühistati. Linna tänavatele hakkasid taas ilmuma mustad ja punased plakatid. Punased olid kallimad ja trükiti reeglina esilinastuse või kasuetenduse päeval.
Tänavatel sai oranži müüja käest osta väikese plakati ja väikese altkäemaksu eest teatas ta viimastest teatriuudistest või viis mõnele näitlejannale kirja. Teatriomanikud palkasid need kauplejad spetsiaalselt vahetundide ajal puuvilju ja maiustusi müüma ning nõudsid neilt selle eest teatud tasu. Sellised kauplejad olid kõige väärtuslikumad teabeallikad teatri telgitaguse elu kohta, osavamad ja leidlikumad neist suutsid kaubavahetuse ja ajalehemeestega tehingute kaudu endale märkimisväärse varanduse teenida.
Londoni teatrite teatriprogrammid ilmusid 18. sajandi 60. aastatel pärast regulaarseid prantsuse näitlejate ringreise. Nende värvikalt kujundatud programm 18 leheküljel kirjeldas üksikasjalikult masinavärki, millega näidendi kangelane Orpheus põrgusse laskub. Kaanel olev tekst näitas, kust süžee on võetud, samuti kes ja kus seda etendust täpselt esitab. Ingliskeelsetes saadetes võidi aja kokkuhoiu mõttes anda pikkade tähtede tekste, mida publik sai ette lugeda ja lavastuse tegevus seega publikut pealesunnitud igavate stseenidega ei häirinud. Mõnikord trükiti näidendi proloog ja järelsõna eraldi lehtedele ja müüdi enne etenduse algust maha. Iga etenduse lõpus tehti teade järgmise esinemise kohta. Avalikkuse reaktsioon (heakskiit või nördimus) teatri juhtkonna ettepanekule määras eelseisva etenduse saatuse.
Teatrilehtede kroonikad kirjeldasid peensusteni kõike, mis teatrilavadel ja lava taga toimus. Tähelepanu keskmes olid ka sündmused, mis auditooriumis lahti rullusid, sealhulgas kaklused jõhkrate nautlejate vahel. See sisaldas ka lord Chamberlaini dekreete ja kuningliku tsensuuri kommentaare ning kajastas ka kõrgete välismaa kõrgete aukandjate teatrikülastusi, kes olid Londoni teatrite sagedased külalised.
Rahvast täis teatrisaal oli peegelpilt Inglise ühiskond. See oli koht ärikohtumisteks ja armusuheteks. Noored said kiidelda oma teenete ja annetega ning vanemad võisid näidata oma tütreid abielukõlblike tüdrukutena. Külalised maarahva rikkad, olles näinud piisavalt pealinna moetegijaid, tõid oma kodudesse uusi muljeid ja moekaid rõivaid.
Teatrisse kogunesid inimesed erinevatest klassidest, mõnikord kõige ootamatumates ja värvikamates kombinatsioonides, kes olid tulihingeliselt ja siiralt kirglikud dramaatiline kunst. Parimad kohad kioskites olid alati hõivatud õilsate inimeste ja kriitikute poolt. Publik kioskites oli segane ja seetõttu said kioskid sageli lärmakate vaidluste ja kakluste kohaks, mis sageli läksid duellideks.
Keskmine galerii oli ette nähtud kergete voorustega naistele, kes ilmusid teatrisse maskidega varjates. Ülemises galeriis asusid teenijad, kes saatsid härrasid ja vabasid pealtvaatajaid.
Nii eriilmelise publiku reaktsiooni etendusele oli raske ennustada ja seda keerulisem oli näitlejate ülesanne publiku tähelepanu allutada. Aga see on ilmselt teatrikunsti maagiline mõju, kui näitlejate oskused ja emotsioonid köidavad ja kannavad endaga etenduse ruumi selle kirgedes vahel ohjeldamatu parteri ja rafineeritud tunnetest kauge galerii.