(!KEEL: kuulus vene pianist. Suurepärased pianistid minevikust ja olevikust. Kõige tituleeritum filmihelilooja

Kõige kuulsam pianist pole Mozart

Kui teha küsitlus selle kohta, kes on ajaloo kuulsaim pianist, vastab enamik inimesi ilmselt Mozartile. Kuid Wolfgang Amadeus mitte ainult ei valdanud suurepäraselt pilli, vaid oli ka andekas helilooja.

Teatavasti arenesid suurepärase pianisti ainulaadne mälu, uskumatu improviseerimisvõime ja anne ainult tänu väikese geeniuse isale. Igapäevase harjutamise tulemusena kappi lukustamise ähvardusel tegi laps juba 4-aastaselt kergesti üsna keerulisi töid, üllatades ümbritsevaid. Mitte vähem kuulus pole Salieri, kellel puudub geniaalsuse säde, Mozarti igavene vastane, keda tema järeltulijad süüdistavad ebaõiglaselt tema ettekavatsetud mõrvas.

Muide, enamasti saab muusikust helilooja ja saavutab seeläbi kuulsuse. Seetõttu ei tasu imestada, et peaaegu igast säravast muusikust saab sama kuulus helilooja. Väga harva õnnestub kellelgi kuulsust saavutada ainult esinejana.

Kodumaised pianistid

Muusikaajalugu teab palju näiteid, kui kuulus pianist sai oma loomingu uskumatu edu tõttu populaarsemaks. Tore teada, et Venemaal sündis palju selliseid geeniusi. Rimski-Korsakov, Mussorgski, Tšaikovski, Stravinski, Šostakovitš – vaid väike osa suurkujude galaktikast Vene muusikud. Kaasaegsete kuulsate esinejate seas võib eriti esile tõsta Denis Matsuevit - vene muusikakooli traditsioonide väärilist jätkajat.

Kõik, kes on sündinud Nõukogude Liidus, mäletavad ilmselt edu, mida kuulus ja virtuoosne esineja Van Cliburn külma sõja ajal saavutas. Esimese võitja Rahvusvaheline võistlus Tšaikovski järgi nime saanud noor Ameerika pianist ei kartnud tulla lääne ühiskonnale suletud riiki. Tšaikovski esimene klaverikontsert tema esituses sai ühtlasi esimeseks plaatinaalbumiks klassikaliste muusikute seas.

Muide, pianismi ajaloos on kolm ajastut, mis on saanud nime suurte pianistide järgi: Mozart, Liszt ja Rahmaninov. Mozarti ajastu esindab klassitsismi, Liszti ajastut iseloomustab rafineeritud romantism ja Rahmaninovi ajastust sai vastavalt modernismi algus. Me ei tohiks unustada, et nende kuulsate muusikutega samal ajal töötasid sellised suured pianistid nagu Schubert, Bach, Beethoven, Brahms ja Chopin.

Kaasaegsed pianistid

Mõned inimesed usuvad, et pianismi õitseaeg on juba lõppenud ning kaasaegsetel interpreetidel ja heliloojatel pole rikutud avalikkusele praktiliselt midagi esitada. Geniaalne Svjatoslav Richter lõi aga eelmise sajandi lõpus. Üldiselt peavad asjatundjad 20. sajandit klaverikunsti kõrgajaks. Sajandi algust iseloomustas selliste suurejooneliste pianistide nagu Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Carto ja loomulikult Rahmaninovi ilmumine. 20. sajandi teisel poolel ilmusid sellised nimed nagu Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein.

Klaverivirtuoosid Vladimir Ashkenazy ja Denis Matsuev rõõmustavad fänne oma andega ka tänapäeval. Vaevalt, et 21. sajand on tulevikus muusikaliste annete poolest vaene.

1. Jamie Cullum (Jamie Cullum) Populaarsus - 1,95 miljonit | Sündinud 20.08.1979 | Ühendkuningriik Tuntud oma karisma ja kõrgeim oskus jazzpianist ja vokalist. Teda esitletakse peamiselt kui “esinejat”, st kui inimest, kes teeb eelkõige kontsertidel show’d. Tunnustatud mitmel korral erinevate väljaannete poolt aasta parimaks jazziesinejaks. Ja lihtsalt mu lemmikmuusik :)

Tema lemmik “nipid” on ronida jalgadega klaverile ja sealt edasi laulda, klaveril rütme koputades, segades kõike beatboxinguga. Peamiselt kirjutab ja esitab stiilis muusikat popdžäss, mängib imelisi ja originaalseid kavereid nii 30ndate lugudest kui ka viimaste aastate lugudest, näiteks Rihanna loost "Please Don"t Stop The Music". Samuti leiate palju salvestusi jazzi standardid tema esituses, näiteks "I"ve Got You Under My Skin" või "Devil May Care".

Plaatina album Jamie Cullum"Twentysomething" sai (ja jääb) 2003. aastal enimmüüdud albumiks. jazzi album Suurbritannia läbi aegade. Viimased albumid "The Pursuit" ja "Momentum" (muide, paar kuud tagasi viibisin selle albumi esitlusel Londonis tema maailmaturnee ajal) tõmbuvad pigem popmuusika kui klassikalise jazzi poole. Pange tähele, kui meloodilised ja terviklikud on kõik tema improvisatsioonid, aga ka funky riffe, mida ta üksi mängides kasutab.

2. Keith Jarrett Populaarsus - 3,55 miljonit | Sündinud 08.05.1945 | USA Keith on kuulus mitte ainult kui üks meie aja parimaid jazzpianiste ja improvisaatoreid, vaid ka kui klassikalise klaverirepertuaari esitaja. Ta on ka helilooja: juba 7-aastaselt andis ta oma esimese kontserdi, kus esitas 2 omaloomingut, ja 17-aastaselt kontserdi, mis koosnes täielikult tema enda teostest.

Keith Jarretti jazzimprovisatsioonid on ühed äratuntavamad. Tema meloodiad on orgaanilised ja hingestatud, mis on väärt mängu ajal “virisemist” (tavaliselt paigaldavad nad talle heli lisamiseks isegi mikrofonid). Emotsionaalsemate hetkede esituse ajal tõuseb ta püsti ja on liigutavalt raputatud. Nooruses kandis ta afrosoengut ja mängis koos Miles Davisega. Paljude rahvusvaheliste jazziauhindade võitja.

3. Bill Evans (Bill Evans)Populaarsus - 97,70 miljonit | Sündis 16.08.1929 | USAÜks olulisemaid jazzmuusikud 20. sajandil. Ta andis tohutu panuse jazzi arengusse. Tema harmooniad ja soolod on äärmuseni väljapeetud, kuid samas kergesti tajutavad ja kuulatavad. Ta kandideeris Grammy auhinnale rohkem kui 30 korda ja sai 7 korda. Ühe autasu sai ta postuumselt.

See džässiesineja kuulub jazzi kuulsuse panteoni. Tema kunsti geenius. Kui ta mängib, on tunne, et ta sulandub pilliga. Mida ma saan öelda? Vaata ja kuula ise:

4. Herbie Hancock (Herbie Hancock) Populaarsus - 4,79 miljonit | Sündis 12.04.1940 | USA Herbie - jazzpianist, keda tänapäeval peetakse õigustatult meie aja mõjukaimaks jazzpianistiks. Ta on võitnud 14 Grammy auhinda, salvestanud enam kui 45 stuudioalbumit ning on tuntud süntesaatorite ja klahvpillide (kitarrikujuline süntesaator) kasutamise poolest.

See pianist oli üks esimesi, kes kasutas sooloesinemisel süntesaatorit. Tema klaveririfid on nii pumpavad, et mõnda neist oleks tore kuulda motiveeriva muusikana, kui raskekaalu poksijad ringi astuvad. Stiiliks, milles Herbie mängib, on džäss fusioni, roki ja souli elementidega. Peetakse üheks post-bebopi asutajaks. Ta mängis koos Miles Davise, Marcus Milleriga ja üldiselt on raske nimetada maailmatasemel muusikut, kellega Herbie Hancockil ühiseid projekte poleks olnud. Muusik on nii mitmekülgne, et paljusid tema salvestusi tunduvad esmapilgul mänginud mingid eksperimentalistid, osa aga romantilised pianistid. Soovitan kõigil muusikutel tema loomingut hoolikalt uurida. Kunagi laadisin alla kõik tema albumid, alates 60ndatest, ja jälgisin kogu tema muusikalist karjääri. See lähenemine võimaldab teil näha muusiku loomingu arengut, mis on väga informatiivne ja huvitav. Kuulamise ajal pöörake tähelepanu hulludele helidele, mida ta süntesaatoris valib. Minu jaoks on Herbie üks mu lemmikklahvpillimängijaid.

5. Ray Charles Populaarsus - 170 miljonit | Sündinud 23.10.1930 | Suri 2010 | USAÜks kõigi aegade kuulsamaid ja märkimisväärsemaid muusikuid. 17 Grammy auhinna võitja. Loovuse põhisuunad on soul, R"n B, jazz. 7-aastase poisina jäi ta pimedaks ja polnud terve elu näinud. Ta andis üle 10 tuhande kontserdi, kus laulis ja mängis klaverit Legendi mees.

Omades erakordset vokaalpartiide esitamismaneeri, muutes karjed, oigamised, hüüatused ja itsitused muusikaks, rõhutades kõike rütmilise džässklaveri ja meeldejäävate kehaliigutustega, on Ray Charles 20. sajandi muusika üks märkimisväärsemaid tegelasi. Rohkem kui 70 albumi autor. Olles multiinstrumentalist, eelistab Ray endiselt klaverit teistele pillidele. Tema osad on nii läbimõeldud ja orgaanilised, et tundub võimatu eemaldada või lisada ühtki nooti. Seda peetakse õigustatult üheks parimad jazzpianistid ja vokalistid eelmisel sajandil.

6. Bob JamesPopulaarsus - 447,00 miljonit | Sündis 25.12.1939 | USA Selle kollektsiooni populaarseim pianist. Grupi Fourplay liige, 2 Grammy auhinna võitja. Helilooja, pianist, arranžeerija, muusikaprodutsent. üks kõigi aegade kuulsamaid jazzmuusikuid.

Tema muusika on nii mitmekesine, et tema loominguga tutvumiseks tasub võtta paar nädalat.

7. Chick Corea ( Chick Corea) Populaarsus - 2,38 miljonit | Sündinud 12.06.1941 | USA Klassikalise ja Ladina-Ameerika jazzi motiivide geenius. Paljude rahvusvaheliste auhindade võitja, sealhulgas Grammy. Chick Corea heliloomingut peetakse muusikute seas väga tõsiseks ja raskesti esitatavaks. Paljud nimetavad tema muusikat kõrgemaks matemaatikaks. Talle meeldivad lahtised värvilised särgid.

Chick Corea muusika jaoks peate olema vaimselt ja intellektuaalselt valmis. Tema meloodiad on meloodilised, kohati dramaatilised ja alguses raskesti mõistetavad. Mängides kasutab ta ebastandardseid intervalle (näiteks sekundeid), mis teiste muusikute poolt mängides sageli kõrva valutavad. Kui aga Chick on pilli juures, on tema muusika oma meloodia, keerukuse ja samas erakordse “õhulisusega” nii kaasahaarav, et kuulaja unustab lihtsalt kõik ja läheb suurepärase pianisti käe järgi omamoodi transsi. .

8. Norah JonesPopulaarsus - 7,0 miljonit | Sündinud 30.03.1979 | USAÕrn ja samas väga tõsine jazzpianist ja vokalist, näitleja. Ta esitab oma laule ja tal on meeldejääv hääl.

See laulja ja pianist on välimuselt habras tüdruk, kuid sisimas on tal tõelise jazzimängija kindel tuum. Märka esinemise ajal tema armsat nägu. Mulle meeldib tema kontserte kuulates joonistada ja mõelda.

P.S. Kui teile meeldib Norah Jones, siis ma arvan, et teile meeldib ilmselt Ketie Melua, ta laulab ka väga hingestatult.

9. Krahv BasiePopulaarsus - 2,41 miljonit | Sündis 21.08.1904 | USA Bigbändi juht, virtuoosne pianist, organist. Ta andis olulise panuse svingi ja bluusi arengusse. Ta lasi oma orkestri muusikutel vabalt improviseerida, mis oli tema orkestri üks tõsiseid trumpe.

Kuulake seda kuuekümnendate džässorkestrit, sukelduge tolleaegsesse jazzi.

10. Oscar Peterson (Oscar Peterson) Populaarsus - 18,5 miljonit | Sündis 15.08.1925 | Suri 2007 | Kanada Oscar Peterson on maailma jazzi legend. Virtuoosne pianist, helilooja ja õpetaja mängis koos selliste maailma jazzilegendidega nagu Ella Fitzgerald ja Louis Armstrong. Üks Toronto linnaväljakutest on saanud Petersoni nime.

Fenomenaalne mängukiirus, virtuoossed originaalsed bebopi lõigud, harmoonilised akordid, tohutu sõrmede pikkus ja torso suurus teevad Oscar Petersonist maailma jazzi ühe meeldejäävama kuju. Kaasaegsete smooth-jazz muusikute suust võib sageli kuulda, et pole vaja “nootidele kasta”, piisab ühe noodi mängimisest ja kui see on õigesti valitud ja kus vaja, siis sellest piisab muusikalise meistriteose jaoks. Oscar Petersoni puhul saab ilmselgeks, et 10-15 nooti, ​​mis mängitakse 1 sekundi jooksul, kuid mängitakse nii, nagu Oscar teeb, on samuti muusikaline meistriteos. Arvukad jazziväljaanded kirjutavad siiani, et Oscar Peterson on parim jazzpianist 20. sajandil.

11. Lennie Tristano (Lenny Tristano)Populaarsus - 349 tuhat | Sündis 19.03.1919 | USA Kuulus pime pianist, kes andis märkimisväärse panuse arengusse jazzmuusika. Ta salvestas koos paljude auhindade võitnud Charlie Parkeriga ning mitmed ajakirjad tunnistasid teda mitu korda aasta parimaks pianistiks. Elu lõpupoole keskendus ta täielikult muusika õpetamisele.

Kahjuks pole Lenny Tristano kontserte nii lihtne leida, kuid pärast tema mängu kuulamist saab sinust tema fänn. Lisaks suurepärasele kõlale hämmastab mind ka tema mängu ilu. Jah, jah, täpselt ilu! Jälgige tema pikki sõrmi, kui ta mängib, need tantsivad üle klahvide nagu elusolendid!

12. Michel Petrucciani (Michelle Petrucciani)Populaarsus - 1,42 miljonit | Sündinud 28.12.1962 | Prantsusmaa Kuulus jazzpianist. Tema diskograafia sisaldab rohkem kui 30 albumit. Ta suri 37-aastaselt kaasasündinud haiguse tõttu.

Armastan tema improvisatsioone, mille intensiivsus kasvab iga minutiga ja areneb energilisteks lõikudeks tõsiste harmooniahälvetega.

13. Brian Cullbertson Populaarsus - 1,66 miljonit | Sündinud 12.01.1973 | USAÜks parimaid smooth jazz pianiste, mängib ka trombooni. Arvukate auhindade võitja, enam kui 13 albumi autor.

Ausalt öeldes suutsin tema loomingut ümber mõelda alles paar aastat tagasi, kui kuulasin mitmeid tema funk-plaate. Enne seda olin seda kuulnud vaid smooth-jazz stiilis ja vaatamata kõrgele esitustasemele pidasin jazzi kõla veidi kommertslikuks. Hiljem otsustasin selle džässpianistiga lähemalt tuttavaks saada ning kuulasin tähelepanelikumalt mitmeid tema kontserte ja albumeid. Kompositsioonid So Good ja Back In The Day, aga ka pianisti viis segada kergeid sujuvaid meloodiaid funky agressiivsete lõikudega, jätsid mulle nii tugeva mulje, et Brian Culbertson on täna minu jaoks üks parimaid jazzpianiste. Märka alloleval salvestusel, kui harmooniliselt tema bänd mängib. Kuulasin seda videot kümneid kordi ja iga kord avastasin seades ja soolos midagi uut. Muide, see jazzpianist mängib peaaegu alati seistes, näoga publiku poole.

14. Theloniuse munk (Thelonius Monk)Populaarsus - 1,95 miljonit | Sündis 10.10.1917 | USAÜks bebopi asutajatest, helilooja ja pianist. Tal on ülioriginaalne mängustiil. Ilma selle muusikuta poleks moodsat jazzi võib-olla juhtunud. Omal ajal peeti teda avangardkunstnikuks, primitivistiks ja uute eksperimentaalsete jazzistiilide loojaks.

Pöörake tähelepanu tema sõrmedele - need ei paista painduvat! Kuulake tema noote, hoolimata esmapilgul arusaamatute intervallide suurest rohkusest saate jälgida selget meloodiat, mida ta juhib. See pianist avaldas mulle märkimisväärset mõju. Muide, talle meeldis mütsiga mängida, see näeb hea välja.

15. Diana Krall (Diana Krall)Populaarsus - 3,4 miljonit | Sündinud 16.11.1964 | Kanada Professionaalne jazzpianist, kaasaegse jazzmuusika tunnustatud vanaajaja. Peamiselt esitab ta klassikalist džässi, pälvinud 3 Grammy auhinda ning erinevatel aastatel tunnistatud parimaks džässiesinejaks.

See jazzi esineja aastal sündinud ja kasvanud muusikaline perekond, tema vanemad ja vanaema olid muusikud ja loomulikult oli Dianasse lapsepõlvest peale sisendatud armastus muusika, eriti jazzi vastu. Tema häälel on keerdkäik, kuulake seda ja saate aru, mida ma mõtlen.

Tahan veel kord märkida, et see valik ei pretendeeri täielikkusele, kuna ühe artikli raames on lihtsalt võimatu rääkida kõigist kaasaegse jazzklaveri olulistest kujudest. Sellegipoolest loodan, et õnnestus põhiaktsendid paigutada.

Palun kirjutage kommentaaridesse, millistel muudel teemadel tasub sarnaseid sissejuhatavaid arvustusi teha, kas selline ülevaatevorm sobib?

MSE "Shemonaikha ringkonna Akimati kunstikool"

Uurimisprojekt

Suurepärased pianistid – interpreedid

19., 20., 21. sajand

Koostanud: Tayurskikh Daria 5. klass

Podfatilov Denis 3. klass

Grupi juht:

kunstikooli õpetaja

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Sissejuhatus…………………………………………………………………2

XIX sajand………………………………………………………………..3

XX sajand……………………………………………………………………………………..13

XXI sajand…………………………………………………………………………………….24

Järeldus ……………………………………………………..

... "klaver - see on kõige algus ja lõpp, mitte niivõrd muusikainstrument, sama palju kui elustiil, ja mõte pole muusikas muusika pärast, vaid muusikas klaveri pärast."

Herold Schonberg

Pianistid– See muusikud, spetsialiseerunud muusikateoste klaveri esitamisele.

Suurepärased pianistid. Kuidas saavad inimestest suurepärased pianistid? See on alati tohutu töömaht. Ja kõik saab alguse lapsepõlvest. Paljud pianistid ja heliloojad hakkasid muusikat õppima 4- või isegi 3-aastaselt.Siis, kui moodustub “lai” peopesa kuju, mis aitab edaspidi meisterlikult mängida.

Sõltuvalt klaverimuusika arenguajastust esitati pianistidele mõnikord diametraalselt vastupidiseid nõudmisi. Lisaks kattub muusiku elukutse paratamatult helilooja ametiga. Enamik pianiste komponeerib oma klaverimuusikat. Ja ainult harvadel virtuoosidel õnnestus kuulsaks saada ainult teiste inimeste meloodiaid esitades.
Igal juhul, nagu iga muusiku jaoks, on ka pianisti jaoks oluline olla siiras ja emotsionaalne, et ta oskaks end esitatavasse muusikasse ära kaotada.

Klaverimuusika ajalugu on päris huvitav. Selles on mitu etappi, millest igaühel on oma traditsioonid. Tihti pani ajastu kaanonid paika üks (harvemini mitu) heliloojat, kes mängis meisterlikult mõnda pilli (algul klavessiini, hiljem klaverit).

Seetõttu, tuues esile kolm ajastut pianismi ajaloos, kutsutakse neid nimede järgi kuulsad heliloojad– Mozart, Liszt ja Rahmaninov. Kui kasutada ajaloolaste traditsioonilist terminoloogiat, siis olid need vastavalt klassitsismi, siis romantismi ja varamodernismi ajastud.

Igaüks neist on püsinud sajandeid kui suurepärane helilooja, kuid igaüks määratles omal ajal ka pianismi põhisuunad: klassitsism, romantism ja varamodernism. Samal ajal tegutsesid igaühega samaaegselt teised suurepärased pianistid. Mõned neist olid ka suurepärased heliloojad. Need olid: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann jt.

Kui teete reisi klaveriteaduse ajalukku, võite õppida palju huvitavat. Näiteks, et erinevatel aegadel, eri ajastutel määrasid klaverimängu võtmetraditsioonid üks või mitu suurt heliloojat, kes oskasid vabalt klavessiini mängida ja hiljem klaveri tulekuga olid suurepärased pianistid.

Paljud kuulsad esinevad pianistid on kuulajaid ja muusikasõpru läbi ajaloo lõbustanud ja rõõmustanud. Klaverist on oma mitmekülgsuse ja meeldiva kõla tõttu saanud üks populaarsemaid instrumente alates selle leiutamisest. Kuigi ajalugu on säilitanud mitmeid suurejooneliste pianistide nimesid, on igasugune arvustus kuulsamatest pianistidest väga subjektiivne ja selliste esinejate nimesid on raske ühte nimekirja mahutada.

Siiski on veel pianiste, kes suutsid tõusta ülemaailmse kuulsuse ja tunnustuse tippu.

XIXsajandil

19. sajandi teisel poolel tuli muusikaellu uus instrument - klaver. Selle klavessiini klaveri ja fortega leiutaja oli Padua meister

Bartolomeo Cristofori.

Järk-järgult paranedes võttis klaver domineeriva koha muusikaline praktika. Haamermehaanikaga instrument võimaldas tekitada erineva tugevusega helisid ja rakendada järk-järgult crescendoJadiminuendo. Need klaveri omadused vastasid soovile heli emotsionaalse ekspressiivsuse järele, inimestes muret tekitavate piltide, mõtete ja tunnete edasikandumise ja arengu kaudu.

Klaveri tulekuga ja esituspraktikasse jõudmisega sündisid uued esindajad.

19. sajandil esitas terve galaktika silmapaistvaid heliloojaid, kes laiendasid oluliselt klaveri tehniliste ja väljendusvahendite piire. Suuremates linnades, Euroopa muusika- ja esituskultuuri keskustes, suuremates klaverikoolides, See:

London(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

viinlane(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg jt);

pariislane, hiljem tuntud kui prantsuse keel(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer jt);

saksa keel(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow jt);

vene keel(Aleksander Dubuk, Mihhail Glinka, Anton ja Nikolai Rubinstein jt).

19. sajandi esitusstiil

Pianistliku tehnika arengulugu on kultuuride ja stiilide ajalugu. 18. ja 19. sajandi pianisti asendamatute oskuste hulka pidi kuuluma improvisatsioon, siis ei olnud pianist veel heliloojast eraldunud ja kui ta esitas kellegi teise muusikat, siis peeti reegliks väga vaba, individuaalselt. muusikalise teksti loominguline käsitlemine, esines värvimis- ja variatsioonipraktika, mida praegu peetakse vastuvõetamatuks.

Meistrite stiil XIX sajandil oli täidetud sellise juhitahtega, et me peaksime seda täiesti maitsetuks ja vastuvõetamatuks.

Omab silmapaistvat rolli klaverimuusika ja pianistliku kultuuri arendamisel Londoni ja Viini koolid.

Londoni kooli asutaja oli kuulus virtuoos, helilooja ja õpetaja

Muzio Clementi (1752–1832)

Muuseum Clementi ja tema õpilased mängisid inglise klaveril, millel oli suurepärane heli ja mis nõudis selget ja tugevat klahvivajutust, kuna sellel pillil oli väga tihe klaviatuur. Meister Johann Steini disainitud ja Mozarti soositud Viini klaver oli meloodilisema, kuigi mitte nii tugeva kõlaga ja suhteliselt kerge klaviatuuriga. Seetõttu saavutas Clementi, olles Inglismaa ühe suurima klaverifirma direktor ja seejärel kaasomanik, ingliskeelsete instrumentide osas täiustusi, andes neile suurema meloodilisuse ja muutes klahvpillid kergemaks. Selle ajendiks oli Clementi isiklik kohtumine Mozartiga 1781. aastal Viinis, kus Austria keisri õukonnas toimus nende omapärane heliloojate ja pianistide võistlus. Clementi rabas Mozarti mängu siirus ja "klaveril laulmine".

Muuseum Clementi - arvukate klaveriteoste autor ja suurõpetaja, lõi oma klaverimängukooli. Ta oli klaveriajaloo esimeste õpetlike tehniliste harjutuste ja etüüdide autor, andes aimu oma metoodilistest põhimõtetest.

Clementi ise ja tema õpilased (I. Kramer, D. Field – üks andekamaid õpilasi E. Brekr) – 19. sajandi alguse suured virtuoosid – paistsid silma suurepärase sõrmetehnikaga. Clementi lõi koos oma õpilastega progressiivse metoodika, mis keskendus pilli uute tõlgendamisviiside väljatöötamisele, täieliku "kontserdi" heli ja reljeefse perspektiivi kasutamisele. M. Clementi pedagoogiline teos “Samm Parnassusele ehk klaverimängu kunst, mis on kehastatud 100 ranges ja elegantses stiilis harjutuses”. See töö on põhikool pianistlike oskuste arendamiseks. Paljud Londoni koolkonna esindajad olid pianismi vallas julged uuendajad, kes kasutasid oma kompositsioonides lisaks sõrmelõikudele ka topeltnoote, oktave, akordiformatsioone, proove ja muid võtteid, mis andsid kõlale sära ja vaheldusrikkuse.

Clementi koolkond tekitas klaveripedagoogikas teatud traditsioonid:

paljude tundide tehniliste harjutuste põhimõte;

"isoleeritud", haamrikujuliste sõrmedega mängimine liikumatu käega;

rütmi rangus ja kontrastne dünaamika.

Viini koolkonna rajajad olid suured pianistist heliloojad: Haydn, Mozart ja Beethoven.

Nautis suurt kuulsust peamine esindaja progressiivne klaveripedagoogika

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Czerny "Teoreetilisel ja praktilisel klaverikoolil" on palju sarnasusi Hummeli "Manualiga". Rääkides üksikasjalikult mängutehnikast, selle arendamise viisidest ja pianistile vajalike oskuste omandamisest, rõhutab ta oma töö kolmandas osas, et see kõik on vaid „vahend kunsti tõelise eesmärgi saavutamiseks. , mis kahtlemata on panna esitusele ja vaimule hing ning seeläbi mõjutada kuulajate tundeid ja mõtteid.

Tuleb järeldada, et 19. sajandi õppemeetodid taandusid puhttehnilistele ülesannetele, mille aluseks oli soov arendada näpujõudu ja sujuvust läbi paljude tundide treeningu. Koos sellega arendasid 19. sajandi esimesel poolel kõrge virtuoossuse saavutanud andekamad interpreedid, kellest enamik olid Clementi, Adami, Czerny, Fieldi ja teiste silmapaistvate õpetajate õpilased, julgelt uusi klaverimängu tehnikaid, saavutades pilli heli võimsus, keeruliste lõikude heledus ja sära. Nende teoste faktuuris olid erilise tähtsusega akordistruktuurid, oktavid, topeltnoodid, proovid, käevahetustehnikad ja muud kogu käe osalust nõudvad efektid.

Pariis 19. sajand - on muusikakultuuri ja virtuoossete oskuste keskus. Peetakse Pariisi klaverikooli rajajaks helilooja, pianist, õpetaja

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Tema töö “Meetod klaveri õppimiseks käsiinstrumendi abil” (1830) põhjendas arenduseks tehniliste vahendite kasutamist. erinevat tüüpi tehnikad (peen, lihaste venitus jne). Funktsioon seda tüüpi koolid on autoritaarse pedagoogika kogukond installatsioonid. Koolitus algas pilli õige asendi väljatöötamisest ja lihtsamate mototehniliste valemite valdamisest ning alles palju hiljem hakkasid õpilased muusikapalasid õppima.

Virtuoossuse soov tõi kaasa tundide tempo kiirenemise, mehaanilise iseloomuga harjutuste kuritarvitamise, mis tõi kaasa kutsehaigused ja kuulmiskontrolli vähenemise.

Saksamaa 19. sajand Kirjanduskriitilise ja pedagoogilise tegevuse mõju selle maa romantilisele esteetikale on märkimisväärne

Roberta Schumann (1810-1856)

Märkimisväärse koha Robert Schumanni loomingus hõivas muusiku kujunemise küsimuste väljatöötamine - tõeline uut tüüpi kunstnik, kes erineb põhimõtteliselt moekatest virtuoosidest. Helilooja peab seda üheks tõhusamaks vahendiks muusikakultuuri kasvatamisel.

Muusikapedagoogika probleeme puudutavad R. Schumanni teosed „Kodu ja elureeglid muusikutele", "Lisa Albumile noortele", eessõnas Paganini etüüdidele kapriiside järel op.Z. Muusikaliste ja pedagoogiliste põhiküsimuste sisu on järgmine: eetilise ja esteetilise kasvatuse koosmõju, sügavate ja mitmekülgsete teadmiste omandamine, mis on igasuguse hariduse aluseks, tõsise kunsti põhimõtete sõnastamine ja salongisuuna kriitika. ja kirg "tehnika pärast tehnoloogia" vastu kompositsiooni- ja etenduskunstis; võitlus amatöörluse vastu.

Schumanni muusikalised ja pedagoogilised vaated olid ja on jätkuvalt arenenud kaasaegsete meetodite aluseks. Helilooja klaverimuusikat kasutatakse endiselt aktiivselt kõikide tasandite haridusprogrammides.

Sellise suurepärase helilooja ja virtuoosse poola pianisti kohta on võimatu mitte öelda

Frederic Chopin (1810-1849)

19. sajandi esimesel poolel sai Frédéric Chopinist esimene helilooja, kes kirjutas muusikat ainult klaverile. Olles andekas laps, kirjutas Chopin palju ilusaid ja keerulisi klaveripalad, mille üle on aastate jooksul rõõmustanud paljud klaveriõpilased ja interpreedid. Chopin vallutas kiiresti Pariisi. Ta hämmastas publikut kohe oma originaalse ja ebatavalise esitusega. Pariis oli sel ajal üle ujutatud muusikutest kõige rohkem erinevad riigid. Kõige populaarsemad olid virtuoossed pianistid. Nende mängu eristas tehniline täiuslikkus ja sära, mis jahmatas publikut. Seetõttu kõlas Chopini esimene kontsertettekanne nii terava kontrastina. Kaasaegsete mälestuste järgi oli tema esitus üllatavalt hingeline ja poeetiline. Kuulus Ungari muusik Franz Liszt mäletab Chopini esimest kontserti. Alustades ka oma säravat pianisti ja heliloojakarjääri: “Meenutame tema esimest esinemist Pleyeli saalis, kui kahekordistunud jõuga kasvav aplaus ei suutnud andekusega silmitsi seistes piisavalt väljendada meie entusiasmi, mis koos rõõmuga uuendused tema kunsti vallas, avasid uue etapi poeetilise tunnetuse arengus. Chopin vallutas Pariisi, täpselt nagu Mozart ja Beethoven vallutasid kunagi Viini. Sarnaselt Lisztiga tunnistati teda maailma parimaks pianistiks.

Ungari helilooja, pianist, dirigent, õpetaja

Franz Liszt (1811-1886)

F. Chopini kaasaegne ja sõber. Ferenci klaveriõpetaja oli K. Czerny.

Alates üheksa-aastasest kontsertidel esinedes sai Liszt esmakordselt tuntuks virtuoosse pianistina.

Aastatel 1823-1835. ta elas ja andis kontserte Pariisis, kus toimus ka tema õppe- ja helilooming. Siin kohtus muusik ja sai lähedaseks G. Berliozi, F. Chopini, J. Sandi ja teiste silmapaistvate kunsti- ja kirjandustegelastega.

Aastatel 1835-1839 Liszt reisis Šveitsi ja Itaaliasse ning viis sel perioodil oma pianisti oskused täiuslikkuseni.

Liszt esitas oma komponeerimistöös idee mitme kunsti, eelkõige muusika ja luule sünteesist. Seetõttu on selle põhiprintsiip programmiline (muusika on loodud konkreetse süžee või pildi jaoks). Itaalias ringi reisimise ja itaalia meistrite maalidega tutvumise tulemus oli klaveritsükkel“Rännakute aastad”, aga ka fantaasiasonaat “Pärast Dante lugemist”.

Franz Liszt andis tohutu panuse ka kontsertklaverimuusika arengusse.

Venemaa muusikakultuur 19. sajandil. tundub omamoodi "ajamasinana". Saja aastaga on Venemaa läbinud kolme sajandi pikkuse teekonna, millega sujuvad ja järkjärguline areng rahvuslikud kompositsioonikoolid suured riigid Lääne-Euroopa. Ja alles sel ajal suutsid vene heliloojad selle sõna tõelises tähenduses omandada kogunenud rahvakunsti rikkust ja taaselustada inimeste mõtteid kaunites ja täiuslikes vormides. klassikaline muusika.

18. sajandi lõpus - 19. sajandi alguses. Muusikapedagoogika Venemaal teeb esimesi samme: moodustatakse vene klaverikool. Seda iseloomustab välismaiste õppemeetodite aktiivne arendamine ja samas edasijõudnud vene keele õpetajate soov luua rahvuskool pianism.

Erinevalt Lääne-Euroopast ei tundnud Venemaal kõrgelt arenenud klaverikultuuri, kuigi klavessiini oli tuntud juba 16. sajandist. Vene kuulajad näitasid üles suurt huvi eranditult vokaalmuusika, A klahvpillid, mis eksisteerisid Venemaal, kasutati laulu ja tantsu saateks. Alles 18. sajandi lõpus. Huvi klaverimängu õppimise vastu kasvab. Vene keeles avaldati Simon Leleini Klavikordi koolkond ja katkendid Daniel Gottlieb Türki “Clavier Schoolist”.

19. sajandi algus pärineb Vincenzo Manfredini traktaadi "Harmoonilised ja meloodilised reeglid kogu muusika õpetamiseks" avaldamisest. Koos sellega ilmusid 19. sajandi esimesel poolel vene keeles erinevad välismaiste muusikute klaverikoolkonnad: M. Clementi “Klaverimängukool” (1816), D. Steibelti “Täielik praktiline klaverikool” ( 1830), F. Gunteni “Kool” (1838) jne.

19. sajandi esimese poole silmapaistvate muusikute-õpetajate hulgas. olid I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Nendel aastatel tekkis ka Venemaal kodumaiste autorite koolkondi, mille koostajad püüdsid viia õppemeetodid lähemale vene muusikute kasvatamise ülesannetele. I. Pracha (tšehhi, pärisnimi Jan Bohumir, sünniaasta teadmata, suri 1818; helilooja, kes töötas pikka aega Peterburis erinevates õppeasutustes muusikaõpetajana) repertuaari kuulus. , näiteks paljud vene autorite teosed.

Algses juhendis I. Pracha“Täielik klaverikool...” (1806) arvestas vene esinemiskultuuri eripäradega; tõstatati laste muusikalise kasvatuse küsimused. Prach andis olulise panuse klaveripedagoogika arengusse. See täpsustab teoreetilised sätted metoodiliste juhiste alusel, mis määravad kindlaks erinevad täitmisviisid (harmoonilised figuratsioonid, arpedžod ja akordid, katkised oktaavid jne) koos näidetega, mis illustreerivad konkreetset tehnikat või liikumist.

Tegevus J. Väli muusiku ja õpetajana oli vene klaveripedagoogikas suur tähtsus. Ta koolitas välja kuulsate muusikute galaktika, nagu M. Glinka, A. Verstovski, A. Gurilev, A. Gerke ja paljud teised. Põllukoolil oli muidugi suur tähtsus. Teda võib pidada juhtiva klaverikooli rajajaks. 20-30ndatel. 19. sajandil Oma õpingutes püüdis Field allutada tehniline töö kunstilistele eesmärkidele: väljendusrikas fraseerimine, iga noodi kõla filigraanne viimistlus, teose sisu paljastamine.

A. HenseltJaA. Gehrke

Nad õpetasid üldharidusasutustes ja Peterburi konservatooriumis. Nende pedagoogiline meetod peegeldas vene klaverikooli progressiivset suunda, nimelt: silmaringi arendamine, mis põhineb ulatusliku repertuaari kasutamisel, soov edendada õpilaste iseseisvust. Nad olid "treeningu" ja "puurimise" meetodite tulihingelised vastased.

A. Villuan oli edumeelne õpetaja. Tema ajalooline roll on selles, et ta harutas lapsepõlves lahti A. Rubinsteini muusikalise ande ja suutis anda oma arengule õige suuna. Parimad küljed Villouini pedagoogiline meetod, mis väljendus tema praktilises tegevuses, kajastus tema “Koolis” (1863). Tema avastatud heliloomingu meetodist – klaveril laulmisest – sai A. Rubinsteini üks võimsamaid kunstilisi mänguvahendeid. "Kool" hõlmab suurt hulka teadmisi, mis on seotud pianisti tehnilise ettevalmistuse ja muusikalise haridusega. Eriti väärtuslikud on Villouini seisukohad meloodilise sügava klaveriheli saavutamisel, legato arendamisel, milleks kasutatakse hästi põhjendatud võtteid, mis pole oma tähtsust kaotanud tänaseni.

Vene revolutsioonieelse ja revolutsioonijärgse kunsti ajaloos on juhtiv roll Peterburi ja Moskva talveaiad

riigi suurimad muusikakultuuri keskused. Mõlema konservatooriumi tegevus arenes tihedas kontaktis, mille ei määranud mitte ainult nende ülesannete ühtsus, vaid ka asjaolu, et Peterburi konservatooriumi üliõpilased töötasid sageli Moskvas ning Moskva konservatooriumi õppejõududeks said moskvalased. .

Nii lõpetas P. I. Tšaikovski Peterburi konservatooriumi, temast sai seejärel üks esimesi Moskva konservatooriumi professoreid; L. Nikolajev (V. Safonovi õpilane Moskva konservatooriumis) - hilisem Leningradi klaverikooli üks juhtivaid esindajaid; Nikolajevi õpilased V. Sofronitski ja M. Judina töötasid mitu aastat Moskvas.

Peterburi ja Moskva konservatooriumi asutajad, vennad

Anton ja Nikolai Rubinstein,

Konservatooriumide juhtimise aastatel panid nad aluse noorte muusikute koolitamisele. Nende õpilased (A. Ziloti, E. Sauer - Nikolai õpilased; G. Cross, S. Poznanskaja, S. Drukker, I. Hoffman - Antoni õpilased) said noorte esinejate galaktikas esmasündinuteks, kes pälvisid tunnustuse maailma muusikakogukond.

Vendade Rubinsteinide jõupingutustega omandas vene klaveripedagoogika 19. sajandi viimasel kolmandikul. tohutu autoriteet ja rahvusvaheline tunnustus. Just neile võlgneb Venemaa, et on võtnud ühe esikoha klaverimängu õpetamisel.

Võib järeldada, et nii Lääne-Euroopa kui ka Venemaa 19. sajandi edasijõudnud muusikud-õpetajad otsisid mõistlikke, originaalseid viise õpilase mõjutamiseks. Nad otsisid tõhusaid viise tehnilise töö sujuvamaks muutmiseks. Kasutades loovalt klaverimuusika traditsioone ja eelmistel sajanditel kujunenud ideid pianisti esitustehnika kujunemisprotsessi olemusest, 19. sajandi metoodikast. jõudis sobiva mänguprintsiibi õigustamiseni – pianistliku aparaadi tervikliku kasutamiseni. Just 19. sajandil loodi tõeliselt suurejooneline etüüdide ja harjutuste baas, mis on tänaseni klaveriõpetuses asendamatu.

Muusikalise materjali analüüs näitab, et selle loojatele on omane soov otsida loomulikke mänguliigutusi, sõrmitsemisprintsiipe, mis on seotud inimese käe ehituslike iseärasustega.

Samas tuleb märkida, et 19. saj. andis muusikapedagoogikale ja haridusele hiilgava süsteemi paljutõotavad ideed ja eelkõige soov kasvatada haritud muusikut tema loomingulise individuaalsuse otstarbeka arendamise kaudu.

XXsajandil

20 sajand – klaverikunsti kõrgaeg. See periood on ebatavaliselt rikas erakordselt andekate, silmapaistvate pianistide poolest.

20. sajandi alguses said nad kuulsaks Hoffman Ja Cortot, Šnabel Ja Paderewski. Ja loomulikult, KOOS. Rahmaninov, geenius Hõbedaaeg, mis tähistas uus ajastu mitte ainult sisse klaverimuusikat, aga ka maailmakultuuris tervikuna.

20. sajandi teine ​​pool on selliste kuulsate pianistide ajastu nagu Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Nimekiri jätkub...

20. sajandi esitusstiil

***

See on soov muusikateksti sügavale mõistmisele ja helilooja kavatsuste täpsele edasiandmisele ning muusika stiili ja iseloomu mõistmisele, mis on teosesse põimitud kunstipiltide realistliku tõlgendamise alus.

***

19. sajandi lõpp - 20. sajandi algus. - äärmiselt sündmusterohke periood maailma kunstikultuuri ajaloos. Äärmiselt teravnes vastasseis üha enam oma sotsiaalsete õiguste eest võitlema asunud masside demokraatliku kultuuri ja kodanluse eliitkultuuri vahel.

Selle aja suurimad kunstnikud tunnistasid evolutsiooni kriisi tunnuseid uus muusika: "Me elame ajal, mil inimeksistentsi alus kogeb šokki," väitis I. F. Stravinski, et tänapäeva inimene on kaotamas väärtustunnet ja stabiilsust... Kuna vaim ise on haige, siis meie aja muusika. ja eriti see, mida see loob, kannab endas patoloogilise puudulikkuse märke.” Sarnaseid ülestunnistusi võis kuulda ka teiste suurte muusikute suust.

Kuid hoolimata ajastu kriisimõjudest saavutas muusika uued hiilgavad kõrgused. Klaveripedagoogika on rikastatud paljude huvitavate teostega. Avaldatud teoste autorite tähelepanu oli suunatud õpilaste kunstioskuste küsimustele.

Silmapaistvamad pianistiõpetajad G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan välja töötatud meetodid õpilaste edukaks õppimiseks.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianist, õpetaja, muusikakirjanik. Nõukogude suurima pianistide kooli asutaja. Kõik, millest ta kirjutab, on läbi imbunud kirglikust armastusest kunsti, klaverimuusika ja esituse vastu.

Meile pakub suurimat huvi raamat “Klaverimängukunstist”.

Raamat on kirjutatud elavas, kujundlikus keeles, täis hinnanguid paljude heliloojate, interpreetide ja õpetajate kohta. See tekitab uusi probleeme ja küsimusi, mis puudutavad iga pianisti. Selles on palju lehekülgi, millel on muusikalise autobiograafia iseloom, mis on pühendatud mälestustele oma loomingulisest teest. Ent selles improvisatsioonis tulevad selgelt esile autori vaated klaverikunstile ja õpetaja ülesannetele. Neuhaus kirjutab oma teostes kunstilisest pildist, rütmist, helist, tehnikatööst, sõrmitsemisest ja pedaalimisest, õpetaja ja õpilase ülesannetest ning muusiku kontserttegevusest.

Suure veenvusega näitab ta, et nn õpikumeetod, mis annab peamiselt retsepti - "karmid reeglid", isegi kui need on tõesed ja tõestatud, on alati ainult esialgne, lihtsustatud meetod, mis vajab pidevalt arendamist, täpsustamist. , kui puutub kokku reaalse eluga, või, nagu ta ise ütleb, "dialektilises transformatsioonis". Ta astub teravalt ja temperamentselt vastu pedagoogilises töös “coaching-meetodile” ja “samade teoste lõputule imemisele”, vastu valele seisukohale, et “lavastamine võib õpilastega kõike teha”. Ta püüab dialektiliselt lahendada mitte ainult üldisi muusikalisi ja esituslikke probleeme, vaid ka spetsiifilisemaid tehnilisi küsimusi.

Defineerides õpetaja rolli, leiab Neuhaus, et õpetaja peaks püüdlema selle poole, et olla mitte niivõrd klaveri- kuivõrd muusikaõpetaja.

Oma pedagoogitöös pööras Neuhaus erilist tähelepanu “muusikalise” ja “tehnilise” suhetele. Seega otsis ta ennekõike tehnilise ebakindluse ja piirangu ületamist õpilase liigutustes õpilase psüühika mõjusfääris, muusika enda viisides. Ta tegi sama, kui soovitas oma õpilastele meetodeid, kuidas töötada "rasketel kohtadel". Tema arvates tuleks kõik “raske”, “keeruline”, “harjumatu” võimalusel taandada millekski “lihtsamaks”, “lihtsamaks”, “tuttavamaks”; samal ajal soovitas ta tungivalt mitte loobuda raskuste suurendamise meetodist, kuna selle meetodi abil omandab mängija oskused ja kogemused, mis võimaldavad tal probleemi täielikult lahendada.

Lõpuks püüdis Neuhaus kõiges selle nimel, et tuua õpilast muusikale lähemale, paljastada talle näidatava teose sisu ja mitte ainult inspireerida teda elava poeetilise kujundiga, vaid anda talle ka üksikasjalik vormi- ja vormianalüüs. teose struktuur - meloodia, harmoonia, rütm, polüfoonia, tekstuur - ühesõnaga paljastage õpilasele muusika seaduspärasused ja selle teostamise viisid.

Rääkides sellest rütm Ühe olulisema esitusprotsessi moodustava elemendina rõhutab Neuhaus “terviku tunde”, “pika mõtlemise” võime tohutut tähtsust, ilma milleta ei saa pianist ühtki suuremat teost rahuldavalt esitada. vaade vormile.

Suur viga Autor peab pianisti alahinnanguks heli (heli ebapiisav kuulamine) ja selle ümberhindamine, st "selle sensuaalse ilu maitsestamine". Seda küsimust niiviisi püstitades defineerib Neuhaus uuesti heli ilu mõiste – mitte abstraktselt, ilma seoseta stiili ja sisuga, vaid tuletades selle esitatava muusika stiili ja iseloomu mõistmisest.

Samas rõhutab ta seda muusikaline teos ja “muusikaline enesekindlus” ei lahenda klaveritehnika valdamise küsimust. Vajalik on ka füüsiline ettevalmistus, sealhulgas aeglane ja tugev mängimine. "Sellise töö tegemisel tuleb järgida järgmisi reegleid," lisab ta, "jälgida, et käsi, kogu käsivars, alates käest kuni õlaliigeseni, oleks täiesti vaba, ei "külmuks" kuhugi, ei jääks. näpistatud, ei “kõvene”, ei kaota oma potentsiaalset (!) painduvust, säilitades samas täieliku rahu ja kasutades ainult neid liigutusi, mis on rangelt “vajalikud”.

Teie vaate kindlaksmääramine sõrmitsemine, Neuhaus kirjutab, et kõige parem sõrmitsemine on see, mis võimaldab antud muusika mõtet täpsemalt edasi anda. Kõige ilusamaks ja esteetiliselt õigustatumaks nimetab ta autori vaimu, iseloomu ja muusikastiiliga seotud sõrmitsemist.

Neuhaus määratleb probleemi sarnaselt pedaalimine. Ta ütleb õigesti, et üldreeglid pedaali võtmise kohta on seotud kunstilise pedaalimisega, kuna mõni süntaksi osa on seotud luuletaja keelega. Sisuliselt pole tema arvates õiget pedaali olemas. Kunstipedaal on helipildist lahutamatu. Neid mõtteid toetavad raamatus mitmed huvitavad näited, millest selgub, millist tähtsust autor erinevatele pedaalimistehnikatele pidas.

Võib vaid öelda, et Neuhaus käsitles pianisti tehnikat kui midagi orgaaniliselt seotud muusika mõistmise ja kunstiliste püüdlustega. See on tegelikult Nõukogude lavakooli laiemalt ja eriti Neuhausi koolkonna alus, mis koolitas selliseid suurepäraseid interpreete nagu S. Richter, E. Gilels, J. Zak ja paljud teised silmapaistvad pianistid.

Artiklid ja raamatud on ainulaadne panus Nõukogude klaverikooli

Grigori Mihhailovitš Kogan (1901-1979)

Raamatus “Meisterlikkuse väravates” räägib autor pianistitöö õnnestumise psühholoogilistest eeldustest. Selles töös identifitseerib ta “kolm peamist lüli”: selge nägemus eesmärgist, sellele eesmärgile keskendumine ja püsiv tahe seda saavutada. Ta märgib õigesti, et see järeldus ei ole uus ja kehtib mitte ainult pianistide, vaid iga kunstivaldkonna ja töötegevus isik.

Raamatu eessõnas räägib ta pianisti psüühika tähtsusest, õige psühholoogilise häälestuse rollist tema töös, mis on vajalik tingimus klasside õnnestumiseks. See teema pakub suurt huvi mitte ainult esinejatele, vaid ka õpetajatele, kellest sõltub palju õpilase psüühika kujunemises ja tema psühholoogilises häälestuses.

Rääkides eesmärgist, tahtest, tähelepanust, keskendumisest, enesekontrollist, kujutlusvõimest ja muudest pianisti töös edu määravatest elementidest, lisab Kogan neile vajaduse kirgliku soovi järele väljendada eostatud ja armastatud muusikapilte ideaalses vormis. Eriline koht ta keskendub "loomingulise rahu" ja esineja põnevuse teemale enne esinemist ja kontserdil mängimise ajal.

Võttes arvesse pianisti teose töö erinevaid etappe, iseloomustab Kogan üksikasjalikult selle protsessi kolme etappi: 1) vaatamine ja eelmängimine, 2) tükkidena õppimine, 3) teose "kokkupanek" kui viimane etapp.

Kogan käsitles eriti üksikasjalikult fraseerimist, sõrmitsemist, tehnilist ümberrühmitamist ja raskuste vaimset esitamist. Peaaegu kõik, mida ta analüüsis, lähtub Busoni pianistlikest põhimõtetest.

Raamat sisaldab ka etenduskunstide mõningate aspektide analüüsi, mis metoodilist kirjandust sai suhteliselt vähe tähelepanu. Nende hulka kuulub näiteks erinevate episoodide verbaalse allteksti küsimus klaveriteosed, mis võib olla "abiintonatsioonijuhiks", mis võimaldab "lihtsamalt leida hingamise loomulikku jaotust, üksikute intonatsioonide veenvat "hääldust".

Olles uurinud Kogani pedagoogilist pärandit, võime järeldada, et Kogani teosed iseloomustavad suuresti kaasaegse nõukogude pianistliku koolkonna fundamentaalseid metodoloogilisi juhtnööre klaverimängukunstis.

Üks meie sajandi alguse suurimaid pianiste on 20. sajandi etenduskunstide hiilgus

Joseph Hoffman (1876-1957)

Ringreisikunstniku saatus - nähtus, mis tsiviliseeritud kujul säilitab rändmuusikute traditsioone - sai Hoffmanni osaks pikka aega. Hoffman tegeles ka õppetööga, kuid see polnud nii särav kui esinemine.

Hoffmann pidas koolitusperioodi väga tähtsaks. Vajadus õpetaja järele, nõue teda usaldada, tema tähtsus interpreedi kujunemisel – need on motiivid, mis Hoffmanni raamatute lehekülgedel korduvalt esile kerkivad. Hoffmannil endal vedas oma õpetajatega – need olid kuulus pianist ja helilooja Moritz Moszkowski (säravate virtuoossete etüüdide ja salonginäidendite autor) ning kuulus Anton Rubinstein, kellega kohtumine sai Hoffmanni loomingulise elu üheks peamiseks sündmuseks.

Veel üks oluline sündmus Hoffmanni elus, mis tema elu radikaalselt mõjutas loominguline saatus, mõtteviisist, eluviisist sai Ameerikasse kolimine (ja hiljem Ameerika kodakondsuse omandamine). Seega - kaine, praktiline ellusuhtumine, asjalik lähenemine mis tahes, sealhulgas loomingulistele probleemidele; Seda puhtalt ameerikalikku praktilisust on märgata nii raamatutes kui artiklites.

Oma 1914. aastal ilmunud raamatus “Klaverimängu vastused klaverimängu küsimustele” on oluline, et Hoffmann tuvastas üldpõhimõtted, mis aitavad kaasa heale klaverimängule. Ta toob välja hommikuse harjutamise eelise. Soovitatav on mitte õppida korraga üle ühe tunni või maksimaalselt kahe tunni. Kõik peaks sõltuma teie füüsilisest seisundist. Samuti soovitab ta muuta õpitavate tööde aega ja järjekorda. Pianisti fookuses on arutelud klaverimängu “tehnoloogia” üle, millest ta sai suurepäraselt aru. Hoffmann peab oluliseks tööd ilma pillita (ka nootidega ja ilma).

Eriti olulised on Hoffmanni mõtted "mentaaltehnikast" - vajadusest alustada näidendi analüüsi vormi ja faktuuri analüüsiga; Lisaks tuleb analüüsi käigus iga lõik enne klaveril proovimist olla vaimselt täielikult ette valmistatud.

Hoffman on oma stiili paljudes tunnustes väga kaasaegne. See on meile lähedane oma praktilisuses – kõik on sisuliselt, ei midagi üleliigset.

Hõbedaajastu geenius, suurepärane pianist, helilooja, dirigent

Sergei Rahmaninov (1873-1943)

Alustas süstemaatiliselt muusikaõpinguid viieaastaselt vanus. 1882. aastal astus Sergei Peterburi talveaed. 1885. aastal kolis ta Moskvasse ja õppis Moskva konservatooriumis, kus õppis algul kuulsa pianist-õpetaja N. S. Zverevi (kelle õpilane oli ka vene helilooja ja pianist Aleksandr Nikolajevitš Skrjabin) ning 1888. aastast pianisti ja dirigendi juures. Aleksander Iljitš Ziloti (klaver); helilooja, pianist ja dirigent Anton Stepanovitš Arenski (kompositsioon, instrumentatsioon, harmoonia); helilooja, pianist ning muusika- ja ühiskonnategelane Sergei Ivanovitš Tanejev (vastupunkt rangele kirjutamisele).

Rahmaninov on 19. ja 20. sajandi vahetuse üks suurimaid muusikuid. Tema kunsti eristab eluline tõepärasus, demokraatlik orienteeritus, siirus ja kunstilise väljenduse emotsionaalne täius. Rahmaninov järgis muusikaklassika, eelkõige vene muusika parimaid traditsioone. Ta oli vene loomuga hingestatud laulja.

Tema teostes eksisteerivad tihedalt kõrvuti leppimatu protesti ja vaikse mõtisklemise kirglikud impulsid, värisev erksus ja tahtejõuline sihikindlus, sünge traagika ja entusiastlik hümnism. Rahmaninovi muusika, milles on ammendamatu meloodiline ja subvokaalne polüfooniline rikkus, neelas vene rahvalaulu päritolu ja mõningaid Znamennõi laulu jooni. Rahmaninovi muusikalise stiili üks algupäraseid aluseid on meloodilise hingamise laiuse ja vabaduse orgaaniline kombinatsioon rütmilise energiaga. Kodumaa teema, Rahmaninovi küpses loomingus kesksel kohal. Rahmaninovi kui pianisti nimi on samal tasemel F. Liszti ja A. G. Rubinsteini nimedega. Fenomenaalne tehnika, meloodiline toonisügavus, paindlik ja imperatiivne rütm allusid täielikult Rahmaninovi mängule.

Rahmaninovi kui pianisti kuulsus oli üsna suur ja sai peagi tõeliselt legendaarseks. Erilist edu saavutasid tema tõlgendused tema enda muusikast ja romantiliste heliloojate – Fryderyk Chopini, Robert Schumanni, Franz Liszti – teostest. Rahmaninovi kontserttegevus rändava virtuoospianistina linnades ja riikides jätkus katkematult ligi 25 aastat.

Ameerikas, kuhu ta juhuse läbi elama kolis, saavutas ta vapustava edu, mis siin kunagi saatnud on välisesinejale. Kuulajaid ei köitnud mitte ainult Rahmaninovi kõrge esinemisoskus, vaid ka mängumaneeri ja väline askeetlikkus, mille taga peitus särava muusiku särav olemus. "Inimene, kes suudab oma tundeid sellisel viisil ja jõuga väljendada, peab kõigepealt õppima neid täiuslikult valdama, olema oma peremees..." kirjutati ühes arvustusest.

Gramofonisalvestused Rahmaninovi mängust annavad aimu tema fenomenaalsest tehnikast, vormitajust ja erakordselt vastutustundlikust suhtumisest detaili. Rahmaninovi pianism mõjutas selliseid silmapaistvaid klaverimängu meistreid nagu Vladimir Vladimirovitš Sofronitski, Vladimir Samoilovitš Horowitz, Svjatoslav Teofilovitš Richter, Emil Grigorjevitš Gilels.

Ameerika pianist-Ukraina-juudi päritolu virtuoos, üks suurimad pianistid kahekümnendal sajandil

Vladimir Samoilovitš Horowitz

(1903-1989)

Sündinud Venemaal alates 1928. aastast USA-s. Romantilise esituslaadi esindaja (F. Liszti teosed, sh tema enda transkriptsioonides, Fryderyk Chopin, vene heliloojad jne).

Vladimir Horowitz õppis V. Pukhalski, S. V. Tarnovski ja F. M. Blumenfeldi juures Kiievi muusikakoolis, mis muudeti 1913. aasta septembris Kiievi konservatooriumiks. Pärast kooli lõpetamist 1920. aastal ei saanud V. Horowitz kunagi diplomit, kuna tal puudus gümnaasiumi lõpetamise tunnistus. Oma esimese soolokontserdi andis ta 1920. aastal Harkovis (kuid esimene dokumenteeritud avalik kontsert toimus detsembris 1921 Kiievis). Seejärel andis ta koos Odessa noore viiuldaja Nathan Milsteiniga kontserte Venemaa erinevates linnades, mille eest maksti talle riigi keerulise majandusolukorra tõttu sageli pigem leivas kui rahas.

Alates 1922. aastast on Horowitz, kes annab kontserte Venemaa, Ukraina, Gruusia ja Armeenia linnades, kogunud hiiglasliku repertuaari. Näiteks esitas ta kolme kuu jooksul (november 1924 – jaanuar 1925) enam kui 150 teost kuulsas “Leningradi sarjas”, mis koosnes 20 kontserdist. Hoolimata oma varasest edust pianistina väitis Horowitz, et tahtis saada heliloojaks, kuid valis pianisti karjääri, et aidata oma perekonda, kes oli 1917. aasta revolutsioonis kogu varanduse kaotanud. “Revolutsiooni laste” (nagu Lunacharsky neid ühes oma artiklis nimetas) edu oli vapustav. Paljudes linnades tekkisid nende noorte muusikute fännide klubid.

Septembris 1925 avanes Vladimir Horowitzil võimalus minna Saksamaale (ametlikult lahkus ta õppima). Enne lahkumist õppis ja mängis Leningradis P. I. Tšaikovski I kontserdi. Tänu sellele kompositsioonile sai ta Euroopas kuulsaks. Sellel kontserdil oli pianisti elus "saatuslik" roll: Euroopas ja Ameerikas triumfi saavutades esitas Horowitz iga kord Tšaikovski 1. kontserdi. Pianisti järel lahkus 1925. aasta detsembris Saksamaale ka Milstein. Euroopas saavutasid mõlemad muusikud kiiresti kuulsuse säravate virtuoosidena. Valituks osutus Horowitz Nõukogude võimud esindavad Ukrainat avamisel rahvusvahelisel Chopini konkursil 1927. aastal, kuid pianist otsustas läände jääda ja seetõttu konkursil ei osalenud. Kuni 1940. aastani tuuritas ta kontsertidega peaaegu kõigis Euroopa riikides ja saavutas kõikjal vapustava edu. Pariisis, kui V. Horowitz mängis, kutsuti sandarmid rahustama publikut, kes ekstaasis toole lõhkus. 1928. aastal esines Vladimir Horowitz New Yorgi Carnegie Hallis hiilgava etteaste ja tuuritas suure eduga paljudes Ameerika linnades.

Saksa juurtega vene pianist

Svjatoslav Teofilovitš Richter

(1915 – 1997)

Lapse- ja noorpõlve veetis ta Odessas, kus õppis koos Viinis õppinud pianistist ja organistist isa juures ning töötas ooperiteatris saatjana. Ta andis oma esimese kontserdi 1934. aastal. 22-aastaselt, olles ametlikult iseõppinud, astus ta Moskva konservatooriumi, kus õppis Heinrich Neuhausi juures. 1940. aastal esines ta esimest korda avalikult Moskvas, esitades Prokofjevi 6. sonaadi; hiljem sai tema 7. ja 9. sonaadi (viimane pühendatud Richterile) esmaesitaja. 1945. aastal võitis ta üleliidulise näitemuusikute konkursi.

Juba esimestest sammudest professionaalsel alal tajuti teda kui erakordse kaliibriga virtuoosi ja muusikut.

Mitme põlvkonna nõukogude ja vene muusikute ja melomaanide jaoks oli Richter mitte ainult silmapaistev pianist, vaid ka kõrgeima kunstilise ja moraalse autoriteedi kandja, kaasaegse universaalse muusiku-pedagoogi kehastus. Richteri tohutu repertuaar, mis laienes kuni tema aktiivse elu viimaste aastateni, hõlmas muusikat erinevatest ajastutest Bachi hästitempereeritud klavierist ja Händeli süitidest Gershwini kontserdi, Weberni variatsioonide ja Stravinski liigutusteni.

Kõigis repertuaari valdkondades tõestas Richter end ainulaadse artistina, ühendades muusikalise teksti käsitluses absoluutse objektiivsuse (hoolsalt autori juhiste järgimine, enesekindel kontroll detailide üle, retoorilise liialduse vältimine) ebatavaliselt kõrge dramaturgilise tooni ja spirituaalse tooniga. tõlgendamise fookus

Richteri terav vastutustunne kunsti ees ja oskus pühenduda avaldus tema erilises pühendumises ansamblimängule. Richteri karjääri algfaasis olid tema peamised ansamblipartnerid pianist, Neuhausi õpilane Anatoli Vedernikov, laulja Nina Dorliak (sopran, Richteri abikaasa), viiuldaja Galina Barinova, tšellist Daniil Šafran, Mstislav Rostropovitš (nende täiuslik, tõeliselt klassikaline koostöö omaette viis – kõik Beethoveni tšellosonaadid). 1966. aastal sai alguse Richteri ja David Oistrahhi partnerlus; 1969. aastal esitasid nad Šostakovitši viiulisonaadi. Richter oli kvarteti sage partner. Borodin ja tegi muusikutega meelsasti koostööd rohkem kui noorem põlvkond, sealhulgas koos Oleg Kagani, Elizaveta Leonskaja, Natalia Gutmani, Juri Bašmeti, Zoltan Kocsise, pianistide Vassili Lobanovi ja Andrei Gavriloviga. Richteri kunst solisti ja ansamblimängijana on jäädvustatud tohutul hulgal stuudio- ja kontsertsalvestustel.

Nõukogude pianist Rahvakunstnik NSVL

Emil Grigorjevitš Gilels (1916-1985)

Emil hakkas klaverit mängima viie ja poole aastaselt, tema esimene õpetaja oli Jakov Tkach. Olles kiiresti saavutanud märkimisväärset edu, astus Gilels esmakordselt avalikult üles 1929. aasta mais, esitades Liszti, Chopini, Scarlatti ja teiste heliloojate teoseid. 1930. aastal astus Gilels Odessa Muusikainstituuti (praegu Odessa Konservatoorium).

Ja järgmisel aastal võidab ta Üle-Ukraina pianistide konkursi ja aasta hiljem kohtub ta Arthur Rubinsteiniga, kes räägib tema esinemisest tunnustavalt.

Kuulsus tuli muusikule pärast võitu 1933. aastal Esimesel üleliidulisel lavamuusikute konkursil, millele järgnes arvukalt kontserte üle NSV Liidu. Pärast Odessa konservatooriumi lõpetamist 1935. aastal astus Gilels aspirantuuri Moskva konservatooriumi Heinrich Neuhausi klassi.

1930. aastate teisel poolel saavutas pianist suurt rahvusvahelist edu: ta saavutas rahvusvahelisel konkursil Viinis (1936) teise koha, kaotades vaid Yakov Flierile ja kaks aastat hiljem maksis talle kätte, võites Ysaïe konkursi aastal. Brüssel, kus Flier jäi kolmandaks. Naastes Moskvasse, asus Gilels õpetama konservatooriumis Neuhausi assistendina.

Sõja ajal osales Gilels sõjaväe patroonitöös, 1943. aasta sügisel andis ta kontserte piiras Leningradi, pärast sõja lõppu naasis aktiivsele kontserdile ja õppetegevus. Ta esines sageli koos oma noorema õe, viiuldaja Elizaveta Gilelsi, aga ka Yakov Zakiga. Aastal 1950] moodustas ta koos Leonid Kogani (viiul) ja Mstislav Rostropovitšiga (tšello) klaveritrio ning 1945. aastal andis esimest korda välismaal kontserte (saates ühena esimestest nõukogude muusikutest, kellel see lubati), tuuritas. Itaalias, Šveitsis, Prantsusmaal ja Skandinaavia riikides. 1954. aastal oli ta esimene Nõukogude muusik, kes esines Pariisis Pleyeli saalis. 1955. aastal sai pianist esimene Nõukogude muusik, kes tuli kontserte andma USA-sse, kus ta esitas Philadelphia orkestriga Eugene Ormandy juhatusel Tšaikovski esimese klaverikontserdi ja Rahmaninovi kolmanda kontserdi ning andis peagi soolokontserdi Carnegie Hallis. mis oli suur edu. 1960.-1970. aastatel oli Gilels üks nõutumaid nõukogude muusikuid maailmas, esinedes kontsertidel ja välisreisid umbes üheksa kuud aastas.

Kokkuvõtteks märgin, et nõukogude pianismi silmapaistvamate esindajate metodoloogilised põhimõtted ja raamatud näitavad, et nende muusikute seisukohtadel oli vaatamata klaverimängu ja pedagoogika käsitluse individuaalsusele palju ühist. See on soov muusikateksti sügavale mõistmisele ja helilooja kavatsuste täpsele edasiandmisele ning muusika stiili ja iseloomu mõistmisele, mis on teosesse põimitud kunstipiltide realistliku tõlgendamise alus.

Tüüpiline väide selles osas on G. G. Neuhaus: "Me kõik räägime samast asjast, kuid erinevate sõnadega." See üldsõnalisus määrab nõukogude pianistide kooli põhimõtted, kus koolitati suurepäraseid pianiste ja silmapaistvaid õpetajaid.

XXIsajandil

Milline oli ja milline oli klaveri esituskunst 20. sajandil?

Mida uut on XXI algus sajandeid?

Kuidas on tavaline, et praegu, 21. sajandi teisel kümnendil mängitakse klaverit?

21. sajandi esinemisstiil

***

21. sajandi alguses eksisteerivad jätkuvalt kaks muusikalise etenduskunsti põhisuunda - transtsendentaalne virtuoossus ja mõtestatud interpretatsioon. 20. sajandi lõpus koondusid need suunad järjest enam, eraldusid üksteisest. Tekkis aga uus nähtus, kui pianistid said korraga teenindada mõlemat etenduskunsti voolu.

***

Esinemistraditsioonid on mõjutatud totaalne võistlusmaania, sisse Sel juhul on muusikateoste esituse erakordne võistlustase muutumas üha tavalisemaks mustriks, mida tuleb järgida ka kontserdilaval.

Kontserditraditsioone mõjutav helisalvestuse ideaalid ja võistluslik esitustase nõudsid klaverimängu kvaliteedi olulist tõusu. Kava iga pala, mitte ainult lisalaulud, peaks kõlama etenduskunsti meistriteose tasemel. See, mis oli stuudios võimalik tänu helitehnikale ja arvutitöötlusele mitmest esitusvõimalusest, peaks laval juhtuma just sellel minutil, siin ja praegu.

Rahvusvahelised konkursid ja festivalid aitavad kaasa klaverikunsti globaliseerumisele.

Kõige sagedamini saame nende nimed teada pärast Tšaikovski konkurssi. See konkurss tõi kuulsuse sellistele pianistidele nagu: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mihhail Pletnev, Boriss Berezovski, Nikolai Luganski, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova...

Ameerika pianist, kes võitis Venemaa südamed

Rahvusvahelise Tšaikovski konkursi esimene võitja (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Ameerika pianist Van Cliburn (alias Harvey Levan Clyburn) on võib-olla meie riigi armastatuim välismuusik. Vene avalikkus oli esimene, kes hindas Van Cliburni esinemisoskusi, pärast tema visiiti Venemaale sai temast maailmakuulus muusik.

Esimesed klaveritunnid sai ta ema käest kolmeaastaselt. Kui Cliburn oli kuueaastane, kolis perekond Texasesse, kus ta võitis kolmeteistkümneaastaselt konkursi ja tegi peagi Carnegie Hallis debüüdi.

1951. aastal astus ta Juilliardi kooli Rosina Levina klassi ja pälvis järgnevatel aastatel mitmeid auhindu mainekatel Ameerika ja rahvusvahelistel konkurssidel.

Cliburni nimi saavutas ülemaailmse kuulsuse pärast sensatsioonilist võitu esimesel rahvusvahelisel Tšaikovski konkursil Moskvas 1958. aastal. Noor pianist pälvis nii žüriiliikmete kui ka avalikkuse sümpaatia. See oli seda üllatavam, et tegevus leidis aset keset Külm sõda. Kodumaale naastes sai Cliburn suurepärase ja entusiastliku vastuvõtu osaliseks. Muusik oli läbi imbunud armastusest ja austusest NSV Liidu vastu ning pärast võistlust tuli ta rohkem kui korra kontserte andma.

Van Cliburn tuuritas nii kodumaal kui ka välismaal. Ta on esinenud kuninglike ja riigipeade ees ning kõigi USA presidentide ees. Temast sai esimene klassikalise muusika esineja, kellel on plaatinaalbum. Tema esituses Tšaikovski esimene klaverikontsert on müüdud üle miljoni eksemplari.

Alates 1962. aastast on Van Cliburni pianistide konkurss toimunud Fort Worthis, Texases.

Vene pianist, muusikaõpetaja, avaliku elu tegelane

Vladimir Vsevolodovitš Krainev

(1944-2011)

Vladimir Krainevi muusikaline anne avaldus Harkovi keskkoolis spetsialiseeritud muusikakoolis, kuhu ta astus 5-aastaselt. Kaks aastat hiljem toimus tema esimene esinemine kl suur lava- koos orkestriga esitas Haydni kontserdi ja Beethoveni esimese kontserdi.

Harkovi õpetajate toel astus Krainev konservatooriumi Moskva keskmuusikakooli. Tšaikovski Anaida Sumbatyani klassi. 1962. aastal astus ta konservatooriumi. Tšaikovski Heinrich Neuhausi klassis ja pärast surma õppis ta poja Stanislav Neuhausi juures, kelle juures lõpetas aspirantuuri 1969. aastal.

Ülemaailmne tunnustus saavutas Vladimir Krainevi 1960. aastate alguses, kui ta võitis peaauhindu suurtel rahvusvahelistel konkurssidel Leedsis (Suurbritannia, 1963) ja Lissabonis (Portugal, 1964). Pärast esinemist Leedsis sai noor pianist kutse tuurile USA-s. 1970. aastal saavutas ta hiilgava võidu IV rahvusvahelisel P.I nimelisel konkursil. Tšaikovski Moskvas.

Alates 1966. aastast on Vladimir Krainev Moskva Riikliku Filharmoonia solist. Alates 1987. aastast - Moskva konservatooriumi professor. Alates 1992. aastast - Hannoveri (Saksamaa) Kõrgema Muusika- ja Teatrikooli professor.

Vladimir Krainev tuuritas intensiivselt Euroopas ja USA-s, esinedes koos selliste silmapaistvate dirigentidega nagu Gennadi Roždestvenski, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Juri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitri Kitajenko, Saulius Sondeckis.

Krainev oli temanimelise festivali “Vladimir Krainev kutsub” Ukrainas ja Harkovis toimunud rahvusvahelise noorte pianistide konkursi korraldaja (alates 1992).

1994. aastal lõi pianist Rahvusvahelise Heategevusliku Noorte Pianistide Fondi. Sihtasutus pakkus abi ja tuge tulevikule professionaalsed muusikud, loonud tingimused nende loovuseks Venemaal ja välismaal, korraldab noorte muusikute ringreise ja kontserte, toetab haridusasutused kultuur ja kunst.

Kuulus dirigent ja pianist, RSFSRi rahvakunstnik, Venemaa Rahvusorkestri asutaja ja juht aastatel 1990–1999 ning 2003. aastast kuni tänapäevani. Kuldmedali 1978. aasta rahvusvahelisel Tšaikovski konkursil ja 2004. aasta Grammy auhinna võitja.

Mihhail Vasiljevitš Pletnev sündis aastal1957. aastal

Pletnev veetis oma lapsepõlve Saratovis ja Kaasanis ning 7-aastaselt hakkas ta käima muusikakoolis Kaasani konservatooriumis, et õppida klaverit. Alates 13. eluaastast õppis ta Moskva Tšaikovski konservatooriumi keskses muusikakoolis. 1973. aastal võitis 16-aastane Pletnev Pariisis toimunud rahvusvahelisel noortekonkursil Grand Prix ja järgmisel aastal astus ta Moskva konservatooriumi, kus õppis professorite Yakov Flieri ja Lev Vlasenko käe all.

1977. aastal võitis Pletnev I preemia üleliidulisel pianistide konkursil Leningradis ning 1978. aastal Moskva rahvusvahelisel Tšaikovski konkursil kuldmedali ja I preemia. 1979. aastal lõpetas Pletnev konservatooriumi ja 1981. aastal aspirantuuri, mille järel sai temast Vlasenko assistent ja hakkas seejärel õpetama oma klaveriklassis.

Olles 1981. aastal Riigikontserdi solist, kogus Pletnev tuntust kui virtuoosne pianist, aga ka tema tõlgendusi Tšaikovski loomingust, aga ka Bachi, Beethoveni, Rahmaninovi ja teiste heliloojate etteasteid. Pletnev tegi koostööd selliste kuulsate dirigentidega nagu Vladimir Aškenazy, Aleksandr Vedernikov, Mstislav Rostropovitš, Valeri Gergiev, Rudolf Barshai ja maailma tuntuimate sümfooniaorkestritega, sealhulgas Londoni Sümfooniaorkestriga ja Los Angelese Filharmoonikutega.

1980. aastal debüteeris Pletnev dirigendina ja kümme aastat hiljem, 1990. aastal, lõi ta välisannetuste toel iseseisva Venemaa Riikliku Sümfooniaorkestri (hiljem nimetati ümber Venemaa Rahvusorkestriks, RNO) ja oli kuni 1999. aastani selle kunstiline. direktor, peadirigent ja president fond. 2008. aastal sai Pletnevist külalisdirigent Itaalia Šveitsi Sümfooniaorkestris (Orchestra della Svizzera italiana). 2006. aastal lõi Pletnev Toetusfondi rahvuskultuur. Aastatel 2006–2010 oli Pletnev presidendinõukogu liige Venemaa Föderatsioon kultuuri ja kunsti erialal ning aastatel 2007–2009 oli ta Vene Föderatsiooni UNESCO komisjoni liige.

Kasahstani pianist, õpetaja, professor ja Kurmangazy nimelise Kasahstani riikliku konservatooriumi rektor,

Kasahstani rahvakunstnik, rahvusvaheliste konkursside laureaat, professor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova sündis 1957. aastal

Lõpetanud nimelise Alma-Ata riikliku konservatooriumi. Kurmangazy, Moskva Riiklik Konservatoorium. P. I. Tšaikovski ja aspirantuur (koos professor L. N. Vlasenkoga).

Alates 1979. aastast - nimelise Riikliku Akadeemilise Ooperi- ja Balletiteatri saatja. Abai ja Moskva Riikliku Konservatooriumi assistent praktikant. P.I. Tšaikovski. 1981 - vanemõpetaja, dotsent, nimelise Alma-Ata riikliku konservatooriumi eriklaveri osakonna juhataja. Kurmangazy. Alates 1983. aastast - nimelise Kasahstani Riikliku Filharmoonia solist. Džambula. Alates 1993. aastast - professor Almatõ Riiklikus Konservatooriumis. Kurmangazy. 1994 - asutati "Žania Aubakirova autorikool", mis töötab kaasaegsete haridusmeetodite ja -tehnoloogiate abil. Alates 1997. aastast Kurmangazy nimelise Kasahstani riikliku konservatooriumi rektor. Tema juhtimisel sai konservatooriumist 2001. aastal riigi juhtiv muusikaülikool ning vabariigi kultuuri- ja hariduskeskus.

1998 - Zhania Aubakirova algatusel korraldati muusikaagentuur “Classics”, mis korraldas suure eduga “Kasahstani aastaajad Prantsusmaal”, korraldas kontserte enam kui 18 riigis, salvestas enam kui 30 CD-d ja üle 20 muusikali. filmid Kasahstani esinejatest. 2009 - novembris Kasahstani riikliku konservatooriumi üliõpilaste sümfooniaorkester. Kurmangazy tuuritas viies USA suurlinnas: Los Angeleses, San Franciscos, Washingtonis, Bostonis ja New Yorgis. Noored muusikud koos oma rektoriga Rahvakunstnik RK Zhaniya Aubakirova esines maailma kuulsaimates saalides - Kennedy keskuses ja Carnegie Hallis.

Kasahstanis ning suurimates kontserdisaalides Prantsusmaal, Inglismaal, Saksamaal, Jaapanis, Venemaal, Poolas, Itaalias, USAs toimuvad regulaarselt Zhania Aubakirova soolokontserdid ja esinemised kuulsate orkestritega, mis propageerivad maailma muusikaklassikat ja Kasahstani heliloojate loomingut. Iisrael, Kreeka ja Ungari. Moskva Tšaikovski Konservatooriumi ja Peterburi Filharmoonia suured saalid, Moskva Muusikamaja.

Meie aja silmapaistev pianist

Boriss Berezovskisündinud 1969

Ta astub Moskva konservatooriumi väljapaistva pianisti Eliso Virsaladze klassi. Mõne aja pärast tunneb Berezovski end Eliso Virsaladze klassis, kus mängitakse ainult traditsioonilist repertuaari, "rahvarohkena", mistõttu hakkab ta Aleksandr Satsi juures eratunde võtma. Sats avab Boriss Berezovskile vene klassikalise muusika uusi horisonte. Temaga koos hakkab Berezovski mängima Medtnerit, palju Rahmaninovit ja paljusid teisi. Kuid Boriss Berezovskil ei õnnestunud kunagi lõpetada õpinguid Moskva konservatooriumis, sest ta eksmatrikuleeriti Tšaikovski konkursil. Kuid see asjaolu ei takistanud teda saamast meie aja virtuoosseimaks ja nõutuimaks esinejaks.

Boriss Berezovski on üle kümne aasta esinenud koos maailma tuntuimate orkestritega: BBC Orchestra, Londoni ja New Yorgi Filharmoonikute, New Japan Philharmonic Orchestra, Birminghami ja Philadelphia Sümfooniaorkestritega. Berezovski osaleb pidevalt erinevatel kammermuusika festivalidel ning tema soolokontserte saab kuulata Berliinis ja New Yorgis, Amsterdamis ja Londonis. Räägib vabalt inglise ja prantsuse keelt.

Pianistil on üsna ulatuslik diskograafia. Tema kontsertide viimased salvestused on pälvinud kriitikute kõrgeimad hinnangud. Saksa Helisalvestuste Liit annab kõrge autasu Rahmaninovi sonaatidele Boriss Berezovski interpretatsioonis. Raveli teoste salvestused lisati Le Monde de la Musique'i, Diapasoni, BBC Music Magazine'i ja Independenti klassikalistesse edetabelitesse.

Boriss Berezovski on IX rahvusvahelise Tšaikovski konkursi kuldmedali võitja, teda kutsutakse “uueks Richteriks”, läbipaistva pianissimo ja rikkaliku dünaamiliste varjundite spektriga Berezovski kõla on tunnistatud tema põlvkonna pianistide seas kõige täiuslikumaks. . Tänapäeval kuuleb Boriss Berezovskit üha enam Venemaa suurematel kontserdilavadel.

Üks inspireeritud, intelligentsemaid esinejaid, vene keel pianist , õpetaja, solist Moskva Riiklik Filharmoonia , Venemaa rahvakunstnik

NikolathLeó hivNiidud́ inglise keel aastal sündinud1972. aastal

Tema mäng suutis endasse haarata kõik parima, mida Moskva keskne muusikakool ja konservatoorium pakkuda suutis.

See inspireeritud tõlk, kellel on suurepärane mängutehnika, on nüüd seda teinud haruldane kingitus materjalile loominguliselt lähenedes suudab ta ühena vähestest tuua päevavalgele Jumala sädeme Beethoveni teostes, paljastada Mozarti haruldase “põrguliku heli”, mängida mis tahes väärilist materjali, et tüdinenud vaataja taasavastaks. tuhandeid kordi mängitud meloodiaid täiesti erinevas kehastuses.

Nüüd on Venemaal palju professionaale, kes suudavad näidata kõrget klassi. Oma silmapaistvatele kolleegidele mitte kuidagi alla jääv Lugansky jääb aga vene muusikas ainulaadseks nähtuseks.

Klassikat saab mängida erineval viisil: iga kool – prantsuse, saksa, itaalia – pakub kõrgetele probleemidele oma lahendust ainulaadse kõlaga.

Kuid iga tõeliselt virtuoosne pianist "loob oma klassikat", mis annab tunnistust geniaalsusest. Nikolai Luganskit kutsuti juba oma muusikukarjääri alguses "Richteri pianistiks", siis võrreldi seda ka Alfred Cortot'ga.

Nikolai Luganski jääb vene muusikas ainulaadseks nähtuseks.

Kuulus vene pianist, klassikaline muusik

Jevgeni Igrevitš Kissin sündis 1971. aastal

6-aastaselt astus ta Gnessini muusikakooli. Esimene ja ainus õpetaja on Anna Pavlovna Kantor.

Esialgu imelapsena esines ta nime all Zhenya Kissin. 10-aastaselt esines ta esimest korda orkestriga, esitades Mozarti 20. kontserdi. Aasta hiljem andis ta oma esimese soolokontserdi. 1984. aastal (12-aastaselt) esitas ta Chopini 1. ja 2. kontserdi klaverile ja orkestrile. Suur saal Moskva konservatoorium.

1985. aastal käis Jevgeni Kissin esimest korda kontsertidega välismaal ning 1987. aastal debüteeris ta Lääne-Euroopas Berliini festivalil. 1988. aastal esines ta koos Herbert von Karajaniga Berliini Filharmooniaorkestri uusaastakontserdil, esitades Tšaikovski 1. kontserdi.

1990. aasta septembris debüteeris Kissin USA-s, kus ta esitas koos New Yorgi ansambliga Chopini 1. ja 2. kontserdi. Filharmoonia orkester režissöör Zubin Mehta. Nädal hiljem annab muusik Carnegie Hallis soolokontserdi. 1992. aasta veebruaris osales Kissin New Yorgis Grammy auhindade jagamise tseremoonial, mida televisioonis edastati hinnanguliselt miljard kuussada miljonit vaatajat. 1997. aasta augustis andis ta soolokontserdi Proms festivalil Londoni Albert Hallis – oma esimese klaveriõhtu enam kui 100 aastat festivali ajalugu.

Kissin viib läbi intensiivset kontserttegevust Euroopas, Ameerikas ja Aasias, kogudes pidevalt väljamüüdud rahvahulki; esinenud maailma juhtivate orkestritega selliste dirigentide juhatusel nagu Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valeri Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovitš, Jevgeni Svetlanov, Juri Temirkanov , Georg Solti ja Maris Jansons; Kissini kammermuusika partnerite hulgas on Martha Argerich, Juri Bashmet, Natalja Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Aleksander Knjazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern jt.

Jevgeni Kissin esineb ka jidiši- ja venekeelsete luuleõhtutega. 2010. aastal ilmus CD jidišikeelsete moodsate luuleteoste salvestistega E. Kissini esituses “Af di klavn fun yidisher poetry” (Juudi luule võtmetel). Kissini enda sõnul on tal lapsepõlvest saati tugev juudi identiteet ja ta postitab oma isiklikule veebisaidile Iisraeli-meelseid materjale.

Vene pianist, ühiskonnategelane, Venemaa rahvakunstnik

Denis Leonidovitš Matsuev sündis 1975. aastal

Denis Matsuev veetis oma lapsepõlve kodumaal Irkutskis. Loomeperre sündinud poiss õppis muusikat varakult. Kõigepealt läks ta V. V. Majakovski nimelisesse linna 11. keskkooli ja hakkas samal ajal käima kohalikus kunstikoolis. Kuueteistkümneaastaselt astus Denis Matsuev Irkutski muusikakolledžisse. Siiski mõistis ta kiiresti, et tema talent vajab põhjalikumat lihvimist. Sees perenõukogu otsustati kolida pealinna. Vanemad mõistsid, et nende andekal pojal võib olla väga edukas karjäär. loominguline elulugu. Denis Matsuev kolis Moskvasse 1990. aastal.

1991. aastal sai temast Rahvusvahelise Heategevusfondi "Uued nimed" laureaat. Tänu sellele asjaolule külastas ta juba nooruses kontsertetendustega enam kui neljakümnes maailma riigis. Tema virtuoosset mängu tulid kuulama tähtsamad inimesed: Inglismaa kuninganna, paavst jt. 1993. aastal õnnestus Denis Matsuevil astuda Moskva Riiklikku Konservatooriumi. Samal ajal esines ta avalik-õigusliku sihtasutuse New Names programmides, mis toimusid Denise patrooni Svjatoslav Belzi juhtimisel. 1995. aastal võeti kunstnik vastu Moskva Riikliku Filharmoonia solistiks. See võimaldas Denis Leonidovitšil oma kontserttegevuse ulatust laiendada.

Koos võiduga üheteistkümnendal rahvusvahelisel Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski konkursil saavutas muusik maailmakuulsuse. Tema elulugu kaunistas see saatuslik sündmus 1998. aastal. Denis Matsuevist on saanud üks populaarsemaid pianiste maailmas. Tema meisterlikud esitused tekitasid maailmas suurt vastukaja. Kunstnikku hakati kutsuma kõige prestiižsematele üritustele. Näiteks esines ta Sotši olümpiamängude lõputseremoonial.

Alates 2004. aastast esitleb Denis Matsuev igal aastal oma isiklikku tellimust. Selles esinevad koos muusikuga parimad sümfooniaorkestrid Venemaal ja välismaal.

Ta teeb oma riigi heaks palju. Püüdes sisendada inimestesse armastust muusika vastu, korraldab artist kõikvõimalikke festivale ja konkursse. Pealegi püüab ta neid ellu viia erinevad piirkonnad Venemaa, et kõik riigi elanikud saaksid puudutada kõrget kunsti ja kuulda parimate muusikateoste säravaid esitusi.

Kokkuvõtteks võtame kokku 21. sajandi klaverikunsti arengu põhisuunad ja suundumused. Klaverikunsti virtuoossetel ja tähendusrikastel suundadel leitakse arenguga kaasas käivad tegurid: keskendumine helisalvestuse kvaliteedile ja esteetikale, toonikonjugatsiooni väljendusrikkuse suurenemine, laienenud võimalused agogia ja helitämbri vallas, helisalvestuse pidurdamine. tempo ja keskmise dünaamilise esituse taseme langetamine, tekstuuri polüfoonilisus. Need tegurid aitavad kaasa etenduse sisu sügavuse kasvule ja kaasaegsele uuenemisele. Koos sellega uuendatakse ka klaverikontserdi repertuaari uute kõrgelt kunstiliste teoste avastamise tõttu, mida varem ei hinnatud.

Sellegipoolest on just intonatsiooni üldistus ja mõtestatus 21. sajandi klaverikunsti arengu peamised suundumused.

See esinevate pianistide nimekiri näitab, et klaver pakub praktiliselt piiramatult inspiratsiooni. Kolm sajandit on klaverimuusika esitajad kuulajaid rõõmustanud ja inspireerinud neid enda vägitegudele muusikamaailmas.

Ükskõik, millisesse aega muusik kuulus, ei teinud ta suurepäraseks ainult tema anne, vaid ka täielik muusikasse sisseelamine!!!

PSOlles uurinud selleteemalist kirjandust, jõudsime järeldusele, et klaverikoolide arengu alates nende loomise hetkest kuni meie ajani määras meistri isiksuse vaimne mitmekülgsus ning pedagoogilised otsingud olid loomingulise alusena. tegelikult stiimul loovusele. Progressiivse haridusega muusikud toetasid kõike, mida nad kunstis väärtuslikuks pidasid; kõrged kodanikuideaalid, loovuse misjonärieesmärk.

Suuremate esinevate muusikute ja õpetajate mõtted on alati olnud suunatud selliste õpetamispõhimõtete väljatöötamisele, mis vastavad ettekujutustele esinemisülesannetest. See määras suuresti pillimängule pühendatud teadustööde sisu.

Klavierismi ajastu muistsed traktaadid rääkisid muusika loomisest, improvisatsioonitehnikatest ja muusikateoste paigutusest, pilli taga istumisest, sõrmitsemisest ja mängureeglitest. Kõik see on seletatav asjaoluga, et klaverieelsel ajastul oli interpreet helilooja, kes tutvustas kuulajatele oma loomingut ja improvisatsioonioskusi. Interpreedi-tõlgi (aga mitte helilooja) elukutset ei olnud neil aastatel veel määratletud kui muusiku loomingulise tegevuse erivormi. Alles 19. sajandil, koos uue instrumendi – klaveri – esiletõusuga kontserdilaval ja kirglikkusega mänguvirtuoossuse vastu, hakati seda pilli mängima õpetavate muusikute, heliloojate, interpreetide ja õpetajate vahel järk-järgult eristuma.

Ka sisu on palju muutunud teaduslikud tööd muusikakunstis. Erinevad uurimused, õpikud ja õpetamismeetodit käsitlevad tööd ei käsitlenud enam kõiki muusikalise loovuse, esituse ja pedagoogikaga seotud küsimusi. Iga töö teemaks oli ainult konkreetne muusikateaduse valdkond. Klaverikunsti raamatute autoreid huvitasid peamiselt pianistliku tehnika valdamise küsimused ja enamik neist oli pühendatud just neile teemadele. metoodilised tööd Ja õppevahendid. Nii taandusid klaverimängu teoreetilised tööd paljudeks aastateks virtuoosse tehnika saavutamist võimaldavate ratsionaalsete mängutehnikate kehtestamise probleemidele. Alles 19. ja 20. sajandi lõpul pöördusid silmapaistvad muusikud etenduskunsti kunstiliste küsimuste poole, mis määrasid interpretatsiooniülesanded, muusikateoste stiili ja sisu mõistmise. Need probleemid olid seotud ka klaverimängutehnika küsimustega. Õpetaja tähtsaimaks eesmärgiks oli kasvatada muusik, kelle esituskunst ei ole tehniliste oskuste demonstreerimine, vaid oskus edasi anda elus, kujundlikes väljendusvormides. varjatud tähendus kunstiteos.

Iga klassikalise muusika austaja võib nimetada oma lemmiku.

Alfred Brendel ei olnud imelaps ja tema vanematel polnud muusikaga mingit pistmist. Tema karjäär algas ilma suurema kärata ja arenes aeglaselt. Võib-olla on see tema pikaealisuse saladus? Selle aasta alguses sai Brendel 77-aastaseks, kuid tema kontserdikavas on vahel 8-10 esinemist kuus.

30. juuniks on Mariinski teatri kontserdisaalis välja kuulutatud Alfred Brendeli monoetendus. Selle kontserdi pianisti ametlikult veebisaidilt ei leitud. Kuid 14. novembril toimuva Moskva kontserdi kuupäev on olemas. Gergievit eristab aga võime lahendada lahendamatuid probleeme.

LOE KA:

Teine improviseeritud edetabeli esikoha pretendent on Grigori Sokolov. Vähemalt nii öeldakse Peterburis. Reeglina tuleb Sokolov kord aastas kodulinna ja annab kontserdi Peterburi Filharmoonia suures saalis (viimane oli selle aasta märtsis), kuid sama regulaarselt ignoreerib ta Moskvat. Sel suvel mängib Sokolov Itaalias, Saksamaal, Šveitsis, Austrias, Prantsusmaal, Portugalis ja Poolas. Kavas Mozarti sonaadid ja Chopini prelüüdid. Venemaale lähimad liinipunktid on Krakov ja Varssavi, kuhu Sokolov jõuab augustis.
Kui nimetada Martha Argerichit naiste seas parimaks pianistiks, siis keegi kindlasti vastu: ka meeste seas. Temperamentse tšiillase austajaid ei häbene pianisti äkilised meeleolumuutused ega sagedased kontsertide ärajäämised. Fraas "kontsert on planeeritud, kuid pole garanteeritud" on täpselt see, mida see tähendab.

Martha Argerich veedab selle juuni, nagu ikka, Šveitsi linnas Luganos, kus toimub tema enda muusikafestival. Programmid ja osalejad muutuvad, kuid üks asi jääb muutumatuks: igal õhtul osaleb Argerich ise ühe teose esituses. Juulis esineb Argerich ka Euroopas: Küprosel, Saksamaal ja Šveitsis.

Kanadalast Marc-Andre Hamelini nimetatakse sageli Glen Gouldi pärijaks. Võrdlus lonkab mõlemal jalal: Gould oli erak, Hamelin tuuritab aktiivselt, Gould on kuulus oma matemaatiliselt arvutatud Bachi tõlgenduste poolest, Hamelin tähistab romantilise virtuoosse stiili naasmist.

Marc-Andre Hamelin esines Moskvas alles selle aasta märtsis Maurizio Polliniga sama tellimuse raames. Hamelin tuuritab juunis Euroopas. Tema kavas on soolokontserdid Kopenhaagenis ja Bonnis ning festivalil esinemine Norras.

Kui keegi näeb Mihhail Pletnevit klaverit mängimas, teavitage sellest kohe uudisteagentuure ja teist saab maailmasensatsiooni autor. Põhjus, miks üks parimad pianistid Venemaa lõpetas tema esinejakarjääri, mida tavamõistus ei mõista – tema viimased kontserdid olid suurejoonelised nagu tavaliselt. Tänapäeval võib Pletnevi nime plakatitelt leida vaid dirigendina. Aga me ikka loodame.
Üle tema aastate tõsine poiss pioneerilipsus - nii mäletatakse Jevgeni Kissinit siiani, kuigi ei pioneerid ega too poiss pole ammu silmapiiril olnud. Täna on ta üks populaarsemaid klassikalisi muusikuid maailmas. Just teda nimetas Pollini kunagi uue põlvkonna muusikutest säravaimaks. Tema tehnika on suurepärane, kuid sageli külm – justkui kaotaks muusik koos lapsepõlvega midagi väga olulist ega leia seda kunagi.

Juunis tuuritab Evgeny Kissin koos Kremerata Baltica orkestriga Šveitsis, Austrias ja Saksamaal, mängides Mozarti 20. ja 27. kontserte. Järgmine ringreis on kavas oktoobris: Kissin saadab Dmitri Hvorostovskit Frankfurdis, Münchenis, Pariisis ja Londonis.

Arkadi Volodos on veel üks praeguse pianismi “vihastest noortest”, kes keeldub konkurssidest põhimõtteliselt. Ta on tõeline ilmakodanik: ta on sündinud Peterburis, õppinud aastal kodulinn, seejärel Moskvas, Pariisis ja Madridis. Kõigepealt jõudsid Moskvasse Sony välja antud noore pianisti salvestised ja alles siis ilmus ta ise. Tundub, et tema iga-aastased kontserdid pealinnas on muutumas reegliks.

Arkady Volodos alustas juunit esinemisega Pariisis, suvel saab teda kuulda Salzburgis, Rheingaus, Bad Kissingenis ja Oslos, aga ka väikeses Poola linnas Dusznikis traditsioonilisel Chopini festivalil.

Ivo Pogorelich võitis rahvusvahelisi konkursse, kuid kaotus tõi talle maailmakuulsuse: 1980. aastal ei lubatud Jugoslaaviast pärit pianisti Varssavis Chopini konkursi kolmandasse vooru. Selle tulemusena astus Martha Argerich žüriist tagasi ja kuulsus langes noorele pianistile.

1999. aastal lõpetas Pogorelich esinemise. Nad ütlevad, et selle põhjuseks oli takistus, mille pianistile Philadelphias ja Londonis tekitasid rahulolematud kuulajad. Teise versiooni kohaselt oli muusiku depressiooni põhjuseks tema naise surm. Pogorelich naasis hiljuti kontserdilavale, kuid esineb vähe.

Nimekirja viimast kohta on kõige raskem täita. On ju alles nii mõnigi suurepärane pianist: Poola päritolu Christian Zimmerman, ameeriklane Murray Perahia, jaapanlane Mitsuko Ushida, korealane Kun Woo Peck või hiinlane Lang Lang. Vladimir Ashkenazy ja Daniel Barenboim jätkavad karjääri. Iga muusikasõber nimetab oma lemmiku. Nii et jäägu üks koht esikümnes vabaks.

Spetsialiseerumine muusikateoste klaverimängule.

Huvitav fakt on see, et pianisti elukutse jaoks on eriti oluline alustada muusikaga väga varakult. varases eas, umbes kolm kuni neli aastat. Seejärel moodustub “lai” peopesa kuju, mis aitab edaspidi meisterlikult mängida.

Sõltuvalt klaverimuusika arenguajastust esitati pianistidele mõnikord diametraalselt vastupidiseid nõudmisi. Lisaks ristub paratamatult muusiku elukutse. Enamik pianiste komponeerib oma klaverimuusikat. Ja ainult harvadel virtuoosidel õnnestus kuulsaks saada ainult teiste inimeste meloodiaid esitades.

Igal juhul, nagu iga muusiku jaoks, on ka pianisti jaoks oluline olla siiras ja emotsionaalne, et ta oskaks end esitatavasse muusikasse ära kaotada. Harold Schonbergi järgi kuulus muusikakriitik, ei ole lihtsalt pill, see on elustiil, mis tähendab, et pianisti elu mõte ei ole ainult muusika, vaid muusika klaveri pärast.

Mozart, Liszt ja Rahmaninov - klaverikunsti klassikud

Klaverimuusika ajalugu on päris huvitav. Selles on mitu etappi, millest igaühel on oma traditsioonid. Sageli pani ajastu kaanonid paika üks (harvemini mitu), kes mängis meisterlikult mõnda pilli (algul klavessiini, hiljem klaverit).

Seetõttu, tuues esile kolm ajastut pianismi ajaloos, on need nime saanud tuntuimate heliloojate - Mozarti, Liszti ja Rahmaninovi järgi. Kui kasutada ajaloolaste traditsioonilist terminoloogiat, siis olid need vastavalt klassitsismi, siis romantismi ja varamodernismi ajastud.

18. ja 19. sajandi kuulsad pianistid

Kõigil neil perioodidel töötasid ka teised pianistid, kellest paljud olid samaaegselt muusikateoste heliloojad ja jätsid klaverimuusika ajalukku kustumatu jälje. Need on kaks kolmest "Viini klassikust": Schubert ja Beethoven, sakslased Brahms ja Schumann, poolakas Chopin ja prantslane Charles Valentin Alkan.

Johannes Brahms

Sel perioodil nõuti pianistidelt eelkõige improviseerimisoskust. Pianisti elukutse oli tihedalt seotud komponeerimisega. Ja isegi teiste inimeste teoste esitamisel peeti õigeks tema enda tõlgendust, vaba tõlgendust. Tänapäeval peetaks sellist esitust maitsetuks, ebakorrektseks, isegi saamatuks.

20. ja 21. sajandi kuulsad pianistid

20. sajand on klaverikunsti kõrgaeg. See periood on ebatavaliselt rikas erakordselt andekate, silmapaistvate pianistide poolest.

20. sajandi alguses said tuntuks Hoffmann ja Cortot, Schnabel ja Paderewski. Ja loomulikult Rahmaninov, hõbeajastu geenius, kes tähistas uut ajastut mitte ainult klaverimuusikas, vaid ka maailmakultuuris tervikuna.

20. sajandi teine ​​pool on selliste kuulsate pianistide nagu Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff...

Svjatoslav Richter

Sellised silmapaistvad pianistid nagu ameeriklane Van Cliburn, kes sai juba 1958. aastal rahvusvahelise Tšaikovski konkursi esimeseks laureaadiks, jätkavad oma muusikalist loomingut 21. sajandi alguses. Märkimist väärib järgmisel aastal sama konkursi võitnud muusik – populaarseim poppianist Vladimir Ashkenazy.