Rokotov, Fedor Stepanovich. Πορτρέτο του Α.Π. Struyskoy. 1772. Πινακοθήκη Τρετιακόφ
Καμβάς, λάδι. 59,8 x 47,5

Η γυναίκα στο πορτρέτο φαίνεται να αναδύεται από το σκοτάδι. Μόνο τα εκφραστικά μάτια είναι σαφώς καθορισμένα - φωτεινά, εντυπωσιακά. Ιδιαίτερα επιτυχημένο στο πορτρέτο της Struyskaya, τα μάτια είναι πάντα ενδιαφέροντα στα πορτρέτα του Rokotov. Εκφράζουν μια σειρά συναισθημάτων, είναι πάντα ιδιαίτερα φωτεινά και αποτελούν το κέντρο του πορτρέτου. Μιλούν ακόμη και για τα «μάτια του Rokotov» ως ειδική «τεχνογνωσία».
Το πορτρέτο ζωγραφίστηκε με παραγγελία του Νικολάι Στρουίσκι, συζύγου της Αλεξάνδρα Πετρόβνα. Ταυτόχρονα, ο Rokotov ζωγράφισε επίσης ένα πορτρέτο του ίδιου του Nikolai Struisky. Εκτελεσμένος με τον ίδιο τρόπο, ο Nikolai Struisky είναι ακόμα πολύ λιγότερο γνωστός. Αυτό το πορτρέτο μπορεί να δει κανείς και στην Πινακοθήκη Tretyakov, σε άλλο δωμάτιο.
Πιθανώς, τα πορτρέτα του ζευγαριού παραγγέλθηκαν για γάμο και σε αυτή την περίπτωση, η Alexandra Struyskaya δεν είναι πάνω από 18 ετών στο πορτρέτο.
Ο Rokotov παρέμεινε φίλος της οικογένειας Struisky για πολλά χρόνια και ο Nikolai Struisky ήταν σχεδόν ο μόνος θαυμαστής του ταλέντου του Rokotov και ήταν ο πρώτος που συγκέντρωσε μια συλλογή από τα έργα του.
Πολλές αντιφατικές ιστορίες λέγονται για τον Νικολάι Στρουίσκι. Παθιασμένος με τη ζωγραφική και τη λογοτεχνία, και ασχολούμενος με τις εκδόσεις, παρέμεινε τύραννος στο σπίτι του και για τους δουλοπάροικους - τύραννος.
Ο «παράξενος κύριος», παρεμπιπτόντως, φανταζόταν τον εαυτό του ποιητή και αφιέρωσε παρτίδες αδέξια, ογκώδη ποιήματα στην λατρεμένη σύζυγό του. Κατά ειρωνικό τρόπο, κανένα από αυτά δεν έμεινε στην ιστορία, αλλά ένα ποίημα αφιερωμένο όχι στην ίδια την ομορφιά, αλλά στο πορτρέτο του Rokotov, έγινε εγχειρίδιο.
Αυτό είναι το περίφημο «Πορτρέτο» του Νικολάι Ζαμπολότσκι, που γράφτηκε τον 20ό αιώνα, μετά το θάνατο και των τριών χαρακτήρων: του καλλιτέχνη και των δύο μοντέλων του.
Αγαπάτε τη ζωγραφική, ποιητές!
Μόνο αυτή, η μόνη, δίνεται
Ψυχές μεταβλητών ζωδίων
Μεταφορά σε καμβά.
Θυμάσαι πώς, από το σκοτάδι του παρελθόντος,
Μόλις τυλιγμένο σε σατέν,
Από το πορτρέτο του Ροκότοφ ξανά
Μας κοιτούσε η Στρουίσκαγια;
Τα μάτια της είναι σαν δύο ομίχλες,
Μισό χαμόγελο, μισό κλάμα,
Τα μάτια της είναι σαν δύο απάτες,
Αποτυχίες καλυμμένες στο σκοτάδι.
Ένας συνδυασμός δύο μυστηρίων
Μισή απόλαυση, μισός φόβος,
Μια έκρηξη τρελής τρυφερότητας,
Προσδοκία θανάσιμου πόνου.
Όταν έρχεται το σκοτάδι
Και η καταιγίδα πλησιάζει
Από τα βάθη της ψυχής μου τρεμοπαίζουν
Τα όμορφα μάτια της.

Borovikovsky Vladimir Lukich
Πορτρέτο του M.I Lopukhina
1797
Καμβάς, λάδι
72 x 53,5

«Πέρασε πολύ καιρό πριν, και αυτά τα μάτια δεν είναι πια εκεί
Κι εκείνο το χαμόγελο που εκφράστηκε σιωπηλά
Τα βάσανα είναι η σκιά της αγάπης και οι σκέψεις είναι η σκιά της θλίψης,
Όμως ο Μποροβικόφσκι έσωσε την ομορφιά της.
Έτσι μέρος της ψυχής της δεν πέταξε μακριά μας,
Και θα υπάρχει αυτό το βλέμμα και αυτή η ομορφιά του σώματος
Για να προσελκύσει αδιάφορους απογόνους σε αυτήν,
Μαθαίνοντάς του να αγαπά, να υποφέρει, να συγχωρεί, να σιωπά»
(Για. Πολόνσκι)

Ο Borovikovsky έχει ένα μυστηριώδες πράγμα - ένα πορτρέτο του M. I. Lopukhina, αναμφίβολα το καλύτερο του έργο, το αριστούργημά του. Πρώτα απ 'όλα, το φως με το οποίο πλημμυρίζει η φιγούρα της γυναίκας είναι εντυπωσιακό, όπως σημείωσε με ακρίβεια η Τ. Αλεξέεβα, «απορροφά τη φωτεινότητα του χρώματος» και τις χρωματικές κηλίδες (ας χρησιμοποιήσουμε την παρατήρησή της, η οποία, ωστόσο, αφορά. ένα άλλο πορτρέτο του Borovikovsky) προκύπτουν «σαν από τα βάθη του αέρα». Η Lopukhina είναι βυθισμένη σε αυτή τη ροή αέρα.
Όπως πάντα με τον Borovikovsky, είναι με λευκό φόρεμα και χρωματιστό κασκόλ, όπως πάντα, μετακινήθηκε λίγο δεξιά για να δούμε το τοπίο. Είναι λίγο φλερτ με τη σειρά της, εξαιρετικά ανεξάρτητη και κυρίαρχη και δείχνει με κάποια πρόκληση. Αλλά αυτό το φως που γλιστράει στο νεανικό πρόσωπο, αυτές οι ιπτάμενες μπούκλες, αυτά τα χείλη τόσο τρυφερά (απλώς δεν τρέμουν) - τα πάντα σε αυτό το σαγηνευτικό πρόσωπο είναι γεμάτα απαλότητα και λυρισμό - η ίδια η ευπιστία που προκαλεί απόλυτη εμπιστοσύνη. Αλλά το αίσθημα της ελαφρότητας, του λυρισμού και της εμπιστοσύνης εξαφανίζεται αμέσως, μόλις την κοιτάξεις στα μάτια - περιέχουν το σταθερό πράσινο ενός σταφυλιού. Όχι, ακόμη περισσότερο: είναι αλλοτριωμένοι, σχεδόν εχθρικοί. Σε κάθε περίπτωση, το φράγμα είναι ακόμη πιο ευδιάκριτο και οξύ από αυτό των μοντέλων του Rokotov. Το πρόσωπο της Lopukhina απεικονίζεται με τέτοια ρεαλιστική δεξιοτεχνία, και όμως η υψηλότερη πραγματικότητα αποδεικνύεται μια άγνωστη βαθιά εμπειρία, την οποία υποθέτουμε (την οποία, πιο συγκεκριμένα, προσπαθούμε να ξετυλίξουμε). Ανεξάρτητα από το πόσο διαφορετικοί μπορεί να είναι και οι δύο καλλιτέχνες, έστω και πολικοί, στον τρόπο ζωγραφικής τους, στο στυλ, σε σχέση με το μοντέλο, στη στάση τους. το καλύτερο πράγμαΟ Μποροβικόφσκι πλησιάζει τον Ροκότοφ και το κοινό έδαφος για προσέγγιση αποδεικνύεται ότι είναι η εγγύτητα στο άγνωστο και η αίσθηση ενός πέπλου.
Τσαϊκόφσκαγια Ο.Γ. «Σαν περίεργος Σκύθας...»: Ρωσικό πορτρέτο και απομνημονεύματα του δεύτερου μισού του 18ου αιώνα. - Μ.: Βιβλίο, 1990. Σ.267.
(

Βαλεντίν Αλεξάντροβιτς Σέροφ
Κορίτσι που φωτίζεται από τον ήλιο (Πορτρέτο του M.Ya. Simonovich)
Καμβάς, λάδι. 89,5x71 εκ.
κατάσταση Γκαλερί Tretyakov, Μόσχα.

Η Maria Yakovlevna Simonovich (1864-1955), ξαδέρφη του, πόζαρε στον καλλιτέχνη. Η πρωτοτυπία της σύνθεσης εκφράζεται στο γεγονός ότι η μακέτα τοποθετείται κάτω από τον θόλο των δέντρων. Ο Σερόφ μεταφέρει το παιχνίδι με κλασματικές πινελιές ΑΚΤΙΝΕΣ του ΗΛΙΟΥ, χρωματιστές σκιές που τρεμοπαίζουν. Οι ζεστές, απαλές ακτίνες δεν διαταράσσουν τη μαγεμένη κατάσταση της νεαρής ηρωίδας. Η χαλαρή της πόζα ενισχύει την εντύπωση της διάλυσης στην ελαφριά λάμψη και τις λάμψεις του ουράνιου τόξου. Μόνο το πρόσωπο, η λευκή μπλούζα και τα χέρια του κοριτσιού είναι καλυμμένα με χρωματιστά ιμπρεσιονιστικά αντανακλαστικά και οι λεπτομέρειες που πλαισιώνουν τη φιγούρα της είναι βαμμένες με σκούρα χρώματα. Η ικανότητα του καλλιτέχνη να απεικονίζει τα μάτια του μοντέλου είναι εκπληκτική, από τα οποία φαίνεται να ρέει ένα ήσυχο φως. Έτσι προκύπτει η εικόνα της αλληλοδιείσδυσης του ηλιακού φωτός και του φωτός της ανθρώπινης ψυχής.

Somov Konstantin Andreevich
(1869-1939)
Πορτρέτο της Ε.Π. 1911
Καμβάς, λάδι. 138,5 x 88 εκ
Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Το 1910, τις μέρες που ο Somov έφτασε στη Μόσχα και άρχισε να εργάζεται για το πορτρέτο της Euphemia Pavlovna Nosova, έγραψε με γράμματα: «Ξανθός, αδύνατος, με χλωμό πρόσωπο, περήφανο βλέμμα και πολύ κομψό, ωραία γεύσηεν".
Είναι γνωστό ότι η Evfemia Pavlovna ήταν κόρη ενός από τους Ryabushinsky, διάσημους εμπόρουςκαι βιομήχανοι τρίτης γενιάς, άμεσοι συμμετέχοντες με επικεφαλής τον αρχιτέκτονα Shekhtel στην ανάπτυξη της ρωσικής Art Nouveau. Γεννήθηκε το 1883 (αναφέρεται και το 1881, αλλά αμφισβητείται το έτος θανάτου). Σε κάθε περίπτωση, στο βιβλίο «K.A. Ο κόσμος του καλλιτέχνη. Γράμματα. Ημερολόγια. Κρίσεις συγχρόνων». Μόσχα, 1979, την οποία κράτησα στα χέρια μου το ίδιο 1979, αναφέρθηκε ότι η E.P. Nosova ζει στη Ρώμη.
Το πορτρέτο ανατέθηκε στον Somov, ο οποίος ήρθε στη Μόσχα για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του G.L. Girshman, προφανώς σε σχέση με τον γάμο, επερχόμενο ή παρελθόν, το ίδιο 1910. Υπάρχει ακόμη πλήρης διαφωνία με την ημερομηνία γέννησης και θανάτου. Αν η Evfemia Pavlovna (όνομα από μια γιαγιά από μια οικογένεια Παλαιοπιστών) γεννήθηκε το 1883, είναι περίεργο ότι παντρεύτηκε μόλις στα 27 της. Σπούδασε μουσική και ζωγραφική, ενδιαφερόταν για το θέατρο και ίσως ονειρευόταν τη σκηνή; Σύμφωνα όμως με άλλες πηγές, γεννήθηκε το 1881 και πέθανε το 1970. Δηλαδή, παντρεύτηκε μόλις στα 29 της; Είναι αυτή μια όμορφη και πλούσια νύφη;
Υπάρχουν επίσης στοιχεία για γεννήσεις και θανάτους: 1886-1976. Αναφέρονται ακόμη και οι μέρες και οι μήνες. Αυτοί φαίνονται να είναι οι πιο πιστοί. Παντρεύεται στα 24 της και βλέπουμε μια νεαρή γυναίκα σε μια καμπή της ζωής της, περήφανη και πεισματάρα στα νιάτα της. Το βιβλίο που ανέφερα ήταν έτοιμο για εκτύπωση δύο-τρία χρόνια πριν από τη δημοσίευση, αν όχι νωρίτερα, σύμφωνα με το σχέδιο, τότε εκδόθηκαν βιβλία και η Evfemia Pavlovna μπορούσε ακόμα να ζήσει στη Ρώμη.
Και το πορτρέτο της από τον Somov κατέληξε στην γκαλερί Tretyakov μαζί με τη συλλογή της, όπου το μετέφερε για αποθήκευση το 1917. Η συλλογή της περιελάμβανε πίνακες του Ροκότοφ, που εκείνη την εποχή είχε ξεχαστεί εντελώς από όλους, τον Μποροβικόφσκι, τον Κιπρένσκι, τον Βενετσιάνοφ. Παράξενο, δεν θυμάμαι αν είδα το πορτρέτο του E.P Nosova στους τοίχους της γκαλερί Tretyakov; Μπορεί να μην ξέρω ακόμα τίποτα για τον καλλιτέχνη, αλλά το είδος της ομορφιάς του μοντέλου του σίγουρα θα τραβούσε την προσοχή μου.
Ο Somov έγραψε: «Κάθεται με ένα λευκό σατέν φόρεμα, διακοσμημένο με μαύρες δαντέλες και κοράλλια, είναι από τη Lamanova, έχει 4 κορδόνια από μαργαριτάρια στο λαιμό της, τα μαλλιά της κόβουν την ανάσα... σαν να υπάρχει κάτι τεράστιο σκαθάρι στο κεφάλι της». Μπορεί να φανεί από την αναπαραγωγή στο βιβλίο: Η Evfemia Pavlovna είναι πραγματικά ένα εξαιρετικό μοντέλο. Και αυτό δεν είναι μόνο στον πλούτο, αλλά και στο στυλ, ένα παιδί της ρωσικής Art Nouveau, του ζωντανού της μοντέλου, και όχι μια σκιά της παρακμής, αλλά η ομορφιά και η δύναμη της επιβεβαίωσης της ζωής.
Ο Somov έγραψε: «Υπήρχε η Nosova στο κουτί, η οποία ήταν ντυμένη εκπληκτικά, ένα φωτεινό μπλε σατέν φόρεμα, κεντημένο με μετάξια από λουλούδια από φίλντισι με ροζ ώμους από τούλι, στο λαιμό μιας ριβιέρας με μακριές κρεμαστά άκρα από μεγάλο διαμάντι τρούφες, που συνδέονται με διαμάντια...”
Ευφημία Παβλόβνα, κυρία της κοινωνίας και συλλέκτης ρωσικών έργων ζωγραφικής καλλιτέχνες XVIII - αρχές XIXαιώνες, 27 ετών. Ας εξετάσουμε τα 24. Η καλύτερη ηλικία γυναικείας ομορφιάς, όταν η νεότητα είναι ακόμα ορατή με ώριμη θηλυκότητα, αλλά όχι μια σκιά επιπολαιότητας ή ματαιοδοξίας, αλλά στοχαστική σοβαρότητα και η πιο φυσική υπερηφάνεια μιας εξαιρετικής προσωπικότητας.
"Είναι πολύ όμορφη. Μα τι μαρτύριο είναι το φόρεμά της, δεν βγαίνει τίποτα...» - η καλλιτέχνις πέφτει κατευθείαν σε απόγνωση. Αλλά το να ποζάρεις για μια λαμπρή ομορφιά μέρα με τη μέρα δεν είναι εύκολη υπόθεση. Να σημειωθεί επίσης ότι το φόρεμα από τη Λαμάνοβα δεν της ήταν εύκολο. Όχι λόγω της τιμής. Η Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) δημιούργησε φορέματα ως έργο τέχνης και όχι γενικά, αλλά για το μοντέλο, μεταβαίνοντας από ένα μανεκέν στο ζωντανό μοντέλο, αλλοιώσεις και επεξεργασίες, σαν ζωγράφος, την φέρνουν συχνά σε λιποθυμία. Οι κυρίες το άντεξαν γιατί ήξεραν: θα φθαρεί, αλλά το φόρεμα θα έβγαινε σαν να ήρθε από το Παρίσι. ΣΕ ιστορική προοπτικήσαφώς - καλύτερα από το Παρίσι.
Ο Somov σημειώνει: «Εξομολογήθηκα στη Nose για την αποτυχία μου, με τονώνει, λέει ότι είναι πεισματάρα και υπομονετική».
Διαθέτοντας καλλιτεχνικό γούστο, ήξερε: τόσο το φόρεμα της Lamanova όσο και το πορτρέτο της από τον Somov θα ήταν αριστουργήματα, και με πείσμα και υπομονή πέτυχε από την πλευρά της το ίδιο πράγμα με αυτούς τους καλλιτέχνες, ο καθένας στη δική του σφαίρα, και η σφαίρα της ήταν η ίδια η ζωή. τις υψηλότερες εκφάνσεις του.
Ο Somov, πάντα δυσαρεστημένος με τον εαυτό του, πάντα απελπισμένος κατά τη διάρκεια της δουλειάς του, δούλευε με κόπο εκεί που οι άλλοι δεν θα είχαν βρει τι άλλο θα μπορούσαν να κάνουν και δημιούργησε κάτι μοναδικό. Το πορτρέτο ολοκληρώθηκε το 1911. Μια ενδιαφέρουσα εκτίμηση κάνει ο Μιχαήλ Νεστέροφ, ο οποίος έδειχνε να μην έχει δει τη γνωστή καλλονή στη Μόσχα, συμμετέχουσα στις συναντήσεις της Εταιρείας Ελεύθερης Αισθητικής.
Από επιστολή του Μ. Νεστέροφ με ημερομηνία 3 Μαρτίου 1911 (Μόσχα):
«Λοιπόν, για να τελειώσω τη γραφή μου με αξιοπρέπεια, θα σας πω για το νέο μεγάλο πορτρέτο του Somov με έναν συγκεκριμένο Nosova που εκτίθεται εδώ στον Κόσμο της Τέχνης - εδώ, αδελφέ, είναι ένα πραγματικό αριστούργημα! - ένα πολυαναμενόμενο έργο στο οποίο χαλαρώνετε. Είναι τόσο έμψυχο, συγκρατημένο και ευγενές, αριστοτεχνικά τελειωμένο. Αυτό δεν είναι Levitsky ή Kramskoy, αλλά κάτι κοντά σε ομορφιά με το πρώτο και σε σοβαρότητα με το δεύτερο. Ο άνθρωπος μεγάλωσε αμέσως για να γίνει ένας πολύ μεγάλος δάσκαλος».
Η καλλιτέχνης βλέπει πρώτα απ 'όλα το έργο του καλλιτέχνη, αλλά είναι σαφές: η βάση της επιτυχίας είναι ένα εξαιρετικό μοντέλο με το ενδιαφέρον της για την τέχνη, ειδικά τη ρωσική ζωγραφική XVIII- αρχές 19ου αιώνα. Και στην Αναγέννηση στην Ιταλία.
Η Evfemia Pavlovna, έχοντας παντρευτεί τον V.V Nosov, τον γιο ενός κατασκευαστή κλωστοϋφαντουργικών προϊόντων, εγκαταστάθηκε σε ένα αρχοντικό στην πλατεία Vvedenskaya, το εσωτερικό του οποίου άλλαξε αμέσως σύμφωνα με το γούστο της. Προσέλκυσε διάσημους αρχιτέκτονες και καλλιτέχνες στην ιδέα της, ακόμη και τον Valentin Serov, με τον οποίο, λένε, δεν τα πήγε καλά, και πιθανότατα πέθανε σύντομα, και μάλιστα έστειλε τον Mstislav Dobuzhinsky στην Ιταλία, πιθανότατα για να επισκεφτεί εκεί που είχε ήδη πάει. , και αυτός Κατά την επιστροφή του, δημιούργησε μια τοιχογραφία στο πνεύμα αυτών που φαίνονται στο παλάτι του Cosimo de Medici: σε φόντο κοβαλτίου με τη χρήση επιχρύσωσης, μια μυθολογική πλοκή αναπαράγεται με τη συμπερίληψη πορτρέτων των ιδιοκτητών του αρχοντικό. Μιλούν για νεοκλασικισμό όταν εδώ είναι εμφανής η ίδια αναγεννησιακή αισθητική, όπως ο Σάντρο Μποτιτσέλι.
Οι αλλαγές στο εσωτερικό του αρχοντικού, η δημιουργία μιας τοιχογραφίας στο πνεύμα της Αναγέννησης πήγαν παράλληλα με το έργο του Somov στο πορτρέτο του E.P Nosova με ένα φόρεμα από τη Lamanova, το οποίο ώθησε τον καλλιτέχνη στην κλασική σαφήνεια του σχεδίου και του χρώματος. όλη τη συγκίνηση της ρομαντικής αγαλλίασης του μοντέλου του και της εποχής της Art Nouveau. Πράγματι, ένα αριστούργημα, ένα παγκόσμιο αριστούργημα της ρωσικής τέχνης. Ο Somov δεν έχει τίποτα τέτοιο. Ένα καθαρό κλασικό ανάμεσα στις ρομαντικές του φαντασιώσεις.
Peter Kiele

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Πίσω από την τουαλέτα. Αυτοπροσωπογραφία. 1909.
Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov, Μόσχα
Καμβάς σε χαρτόνι, λάδι.
75x65 εκ

Η σύνθεση παρουσιάζεται ως αντανάκλαση σε έναν καθρέφτη, κάτι που είναι παραδοσιακό για το είδος της αυτοπροσωπογραφίας. Αυτή η τεχνική φέρνει μια πινελιά οικειότητας και ταυτόχρονα δημιουργεί την απαραίτητη αποκόλληση. Η καλλιτέχνις στην πρωινή της τουαλέτα φαίνεται να κοιτάζει τον εαυτό της απ' έξω, σαν μοντέλο που ποζάρει. Το μοτίβο «through the looking glass» δεν προκαλεί μια αίσθηση μυστηρίου. Ακόμη και τα κεριά, που συνήθως συμβολίζουν την παροδικότητα του χρόνου στη ζωγραφική, φαίνεται να ξεχνούν τη σημασία τους στη φωτεινή ατμόσφαιρα της εικόνας. Ο χώρος του δωματίου είναι γεμάτος αποχρώσεις άσπρο. Η ζεστασιά πηγάζει από τα τεράστια λαμπερά καστανά μάτια και το φιλικό πρόσωπο της ηρωίδας. Χέρια και μαλλιά πλαισιώνουν το πρόσωπο. Αντί για τις ιδιότητες της ζωγραφικής, υπάρχουν χαρακτηριστικά γυναικείας ομορφιάς στο τραπέζι τουαλέτας. Η Serebryakova δεν αποδεικνύει με κανέναν τρόπο ότι ανήκει στους συναδέλφους της καλλιτέχνες. Υπάρχει η αίσθηση ότι η αυτοπροσωπογραφία γράφτηκε για στενούς ανθρώπους στον οικογενειακό κύκλο.

ALTMAN Nathan Isaevich (1889-1970)

«...Η Άλτμαν εντυπωσιάστηκε από την εμφάνισή της, τη θαυμάσια ικανότητά της να αντέχει το βάρος της ξαφνικής φήμης της, που ήδη έδωσε σε αυτή τη νεαρή γυναίκα, τη συνομήλική του, κάτι βασιλικό. Όταν ο Άλτμαν ζήτησε από την Αχμάτοβα να του ποζάρει, εκείνη συμφώνησε, αν και εκείνη ήταν ήδη ο ιδιοκτήτης ενός εκπληκτικού σχεδίου Modigliani, το οποίο, ωστόσο, ο Altman δεν μπορούσε να δει: η Anna Andreevna, η νεαρή σύζυγος του Lev Gumilyov, δεν μπορούσε να το δείξει σε κανέναν Στην αρχή, ο N. Altman έκανε ένα φιλικό καρτούν με ένα χτύπημα. Το διάσημο πορτρέτο εμφανίστηκε αργότερα, όταν ξεκίνησαν μεγάλες συνεδρίες στο εργαστήριο της σοφίτας στο νησί Βασιλιέφσκι, όπου η Άννα Αχμάτοβα ζούσε σε έναν φοιτητικό κοιτώνα, είτε σε ένα «επιπλωμένο σπίτι στη Νέα Υόρκη», όπως θυμάται αργότερα η Αχμάτοβα. στα επιπλωμένα δωμάτια «Prince's Court», όπως θυμόταν ο ίδιος ο Άλτμαν. φουτουριστική εποχή, που μοιάζει με τον αστικό ρυθμό. έγραψε στην αυτοπεποίθησή της, υγεία, σχεδόν ακροβατική ευελιξία της φιγούρας. Οποιοδήποτε πορτρέτο έχει το δικό του υποκείμενο και κρυφό δράμα. Και μπορεί κανείς μόνο να μαντέψει για τα κίνητρα που ανάγκασαν τον Άλτμαν να ξανασκεφτεί την εικόνα της Αχμάτοβα. Όταν ζωγραφίστηκε αυτό το πορτρέτο, η Άννα Αντρέεβνα ζούσε μόνη στην Αγία Πετρούπολη, έχοντας φύγει από το σπίτι του Τσάρσκοε Σέλο και του Γκουμιλιόφ. Ήρθε το τελευταίο της διάλειμμα με τον Gumilyov και ήταν σαν να ξεκινούσε μια άλλη ζωή, βίωσε μια αίσθηση νέας γέννησης και, πιθανότατα, η ίδια δεν είχε ιδέα πώς θα ήταν. Τουλάχιστον αυτό το συμπέρασμα μπορεί να εξαχθεί από τα ποιήματα του Akhmatova σχετικά με αυτό το πορτρέτο του:

Σαν σε καθρέφτη, κοίταξα ανήσυχη
Σε έναν γκρίζο καμβά, και με κάθε εβδομάδα
Η ομοιότητα γινόταν όλο και πιο πικρή και περίεργη
Η δική μου με τη νέα μου εικόνα...

Αυτό είναι ένα από καλύτερα πορτρέταΟ Άλτμαν, ένας από αυτούς που το πάθος του να συνδυάζει το ασυμβίβαστο προκάλεσε ένα απροσδόκητο αποτέλεσμα. Αν παραλείψουμε το λυρικό υποκείμενο, τότε το πορτρέτο της Αχμάτοβα είναι ένα τυπικά κοσμικό πορτρέτο και ταυτόχρονα ένα πορτρέτο πρωτοπορίας. Υπάρχει και ηλιθιότητα και η αισθητική δικαίωση σε ένα τέτοιο μείγμα στυλ. Το πορτρέτο της Αχμάτοβα έγινε αίσθηση σε μια από τις εκθέσεις τέχνης στην Αγία Πετρούπολη το 1915. Διάσημος κριτικόςΟ Λ. Μπρούνι έγραψε ότι «αυτό δεν είναι ένα πράγμα, αλλά ένα ορόσημο στην τέχνη»... Η δύναμη του πορτρέτου του Άλτμαν όχι μόνο εδραίωσε την εικόνα της Αχμάτοβα στο μυαλό των συγχρόνων της, αλλά αποδείχτηκε υπνωτική πολλά χρόνια αργότερα, όταν υπήρχαν ήδη άλλα πορτρέτα της και η ίδια η Αχμάτοβα ήταν ήδη άλλη. Το πορτρέτο θυμήθηκε ακόμη και πέντε χρόνια μετά την εμφάνισή του: «Σε ξέρω και σε αγαπώ από την ημέρα που είδα το πορτρέτο σου της Αχμάτοβα», έγραψε ο Βιάτς. Ο Ιβάνοφ στο άλμπουμ του καλλιτέχνη το 1920. Το θυμήθηκαν ακόμη και είκοσι χρόνια μετά. M.V. Ο Αλπάτοφ, ο οποίος είδε για πρώτη φορά την Αχμάτοβα στη δεκαετία του '30, θυμήθηκε το ίδιο πορτρέτο: «Εκείνη τη στιγμή η πόρτα άνοιξε και η ίδια μπήκε στο δωμάτιο, σιωπηλά και εύκολα, σαν να είχε βγει από το πορτρέτο του Άλτμαν». Είναι ενδιαφέρον ότι η ίδια η Αχμάτοβα δεν άρεσε ποτέ το πορτρέτο του Άλτμαν, επαναλαμβάνοντας ξανά και ξανά ότι δεν της αρέσει το πορτρέτο του Άλτμαν «όπως κάθε στυλιζάρισμα στην τέχνη». Ήταν μισαλλόδοξη μυθολογική εικόνα", που διαμορφώθηκε στη δεκαετία του 1910 και ακολούθησε την Αχμάτοβα σε όλη της τη ζωή, αν και η δική της μοίρα δεν αναπτύχθηκε καθόλου σύμφωνα με αυτό το πορτρέτο."
(

Μαρίνα Τσβετάεβα «Άννα Αχμάτοβα»
Στενό, μη ρωσικό στρατόπεδο -
Πάνω από τους τόμους.
Σάλι από τουρκικές χώρες
Έπεσε σαν μανδύας.

Θα παραδοθείτε σε έναν
Σπασμένη μαύρη γραμμή.
Κρύο - σε διασκέδαση, ζέστη -
Στην απελπισία σου.

Όλη σου η ζωή είναι μια ψυχραιμία,
Και πώς θα τελειώσει;
Συννεφιασμένο - σκοτεινό - μέτωπο
Νεαρός δαίμονας.

Κάθε ένα από τα γήινα
Είναι ασήμαντο να παίζεις!
Και άοπλος στίχος
Στοχεύει στην καρδιά μας.

Την πρωινή ώρα υπνηλίας,
- Φαίνεται σαν πέντε παρά τέταρτο, -
σε αγάπησα
Άννα Αχμάτοβα.

Η ρωσική ζωγραφική δικαίως διακρίνεται από τον κόσμο καλλιτεχνικές τέχνες. Το γεγονός είναι ότι μέχρι τον δέκατο έβδομο αιώνα, οικιακή ζωγραφικήσυνδεόταν αποκλειστικά με θρησκευτικό θέμα. Η κατάσταση άλλαξε με την άνοδο στην εξουσία του μεταρρυθμιστικού τσάρου, του Μεγάλου Πέτρου. Χάρη στις μεταρρυθμίσεις του, οι Ρώσοι δάσκαλοι άρχισαν να ασχολούνται με την κοσμική ζωγραφική και η ζωγραφική των εικόνων διαχωρίστηκε ως ξεχωριστή κατεύθυνση. Ο δέκατος έβδομος αιώνας είναι η εποχή τέτοιων καλλιτεχνών όπως ο Simon Ushakov και ο Joseph Vladimirov. Στη συνέχεια, στον κόσμο της ρωσικής τέχνης, προέκυψε η προσωπογραφία και έγινε γρήγορα δημοφιλής. Τον δέκατο όγδοο αιώνα, εμφανίστηκαν οι πρώτοι καλλιτέχνες, μετακινούμενοι από ζωγραφική πορτρέτουστο τοπίο. Η έντονη συμπάθεια των καλλιτεχνών για τα χειμερινά πανοράματα είναι αισθητή. Ο δέκατος όγδοος αιώνας θυμήθηκε επίσης για την εμφάνιση της καθημερινής ζωγραφικής. Τον δέκατο ένατο αιώνα, τρία κινήματα κέρδισαν δημοτικότητα στη Ρωσία: ο ρομαντισμός, ο ρεαλισμός και ο κλασικισμός. Όπως και πριν, οι Ρώσοι καλλιτέχνες συνέχισαν να στρέφονται στο είδος του πορτρέτου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν τα παγκοσμίου φήμης πορτρέτα και αυτοπροσωπογραφίες των O. Kiprensky και V. Tropinin. Στο δεύτερο μισό του δέκατου ένατου αιώνα, οι καλλιτέχνες απεικόνιζαν όλο και περισσότερο τον απλό ρωσικό λαό στην καταπιεσμένη του κατάσταση. Ο ρεαλισμός γίνεται το κεντρικό κίνημα της ζωγραφικής αυτής της περιόδου. Τότε ήταν που εμφανίστηκαν οι Πλανόδιοι καλλιτέχνες, οι οποίοι απεικόνιζαν μόνο την πραγματική, πραγματική ζωή. Λοιπόν, ο εικοστός αιώνας είναι, φυσικά, η πρωτοπορία. Οι καλλιτέχνες εκείνης της εποχής επηρέασαν σημαντικά τόσο τους οπαδούς τους στη Ρωσία όσο και σε όλο τον κόσμο. Οι πίνακές τους έγιναν οι πρόδρομοι της αφηρημένης τέχνης. Η ρωσική ζωγραφική είναι ένας τεράστιος υπέροχος κόσμος ταλαντούχους καλλιτέχνεςπου δόξασαν τη Ρωσία με τα δημιουργήματά τους

Δημοσιεύσεις στην ενότητα Μουσεία

Οι μοίρες των καλλονών διάσημα πορτρέτα

Τους γνωρίζουμε από τη θέα και θαυμάζουμε την ομορφιά τους στην ακμή της νιότης. Πώς ζούσαν όμως αυτές οι γυναίκες μετά την ολοκλήρωση του πίνακα; Μερικές φορές η μοίρα τους αποδεικνύεται έκπληξη. Αναμνήσεις με τη Σοφία Bagdasarova.

Σάρα Φέρμορ

ΚΑΙ ΕΓΩ. Βισνιάκοφ. Πορτρέτο της Sarah Eleanor Fermor. Περί το 1749–1750. Ρωσικό Μουσείο

Ο πίνακας του Vishnyakov είναι ένα από τα πιο όμορφα δείγματα του ρωσικού ροκοκό και ένα από τα πιο διάσημα πορτρέτα της εποχής της αυτοκράτειρας Elizabeth Petrovna. Ιδιαίτερα εντυπωσιακή είναι η αντίθεση μεταξύ της παιδικής γοητείας ενός 10χρονου κοριτσιού και του γεγονότος ότι προσπαθεί να κάνει τα πάντα «σαν ενήλικας»: παίρνει τη σωστή στάση, κρατά μια βεντάλια σύμφωνα με την εθιμοτυπία, διατηρεί προσεκτικά τη στάση της. τον κορσέ ενός δικαστικού φορέματος.

Η Σάρα είναι κόρη του στρατηγού Γουίλιμ Φέρμορ, Ρωσοποιημένου Σκωτσέζου στη ρωσική υπηρεσία. Ήταν αυτός που πήρε το Königsberg και όλη την Ανατολική Πρωσία για εμάς, και στη δημόσια διοίκηση μετά την πυρκαγιά έφτιαξε ξανά το κλασικό Tver με τη μορφή που μας ευχαριστεί τώρα. Η μητέρα της Σάρα ήταν επίσης από μια σκωτσέζικη οικογένεια - από τους Μπρους, και ήταν ανιψιά του διάσημου Τζέικομπ Μπρους, «του μάγου από τον Πύργο Σουχάρεφ».

Η Sarah παντρεύτηκε αργά εκείνη την εποχή, σε ηλικία 20 ετών, με τον συνομήλικό της Jacob Pontus Stenbock, εκπρόσωπο μιας σουηδικής οικογένειας κόμης (μία σουηδική βασίλισσα μάλιστα προερχόταν από αυτήν). Οι Στένμποκ είχαν μετακομίσει μέχρι τότε στη Ρωσική Εστία. Το ζευγάρι έζησε, ειλικρινά, αρκετά καλά: αρκεί να πούμε ότι το παλάτι τους στο Ταλίν στεγάζει τώρα τις εγκαταστάσεις του Εσθονού πρωθυπουργού και την αίθουσα συνεδριάσεων της κυβέρνησης. Η Σάρα, σύμφωνα με ορισμένες ενδείξεις, έγινε μητέρα εννέα παιδιών και πέθανε υπό τον αυτοκράτορα Αλέξανδρο Α΄ - είτε το 1805 είτε ακόμη και το 1824.

Μαρία Λοπουχίνα

V.L. Μποροβικόφσκι. Πορτρέτο του Μ.Ι. Λοπούχινα. 1797. Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Ο Borovikovsky ζωγράφισε πολλά πορτρέτα Ρωσίδων ευγενών γυναικών, αλλά αυτό είναι το πιο γοητευτικό. Σε αυτό, όλες οι τεχνικές του πλοιάρχου εφαρμόζονται τόσο επιδέξια που δεν παρατηρούμε καν πώς ακριβώς μας μαγεύουν, πώς δημιουργείται η γοητεία αυτής της νεαρής κοπέλας, στην οποία σχεδόν εκατό χρόνια αργότερα αφιέρωσε ποιήματα ο Yakov Polonsky ("... αλλά ο Μποροβικόφσκι έσωσε την ομορφιά της»).

Η Lopukhina είναι 18 ετών στο πορτρέτο. Η ευκολία και η ελαφρώς αλαζονική της εμφάνιση μοιάζουν είτε να είναι μια συνηθισμένη πόζα για ένα τέτοιο πορτρέτο της εποχής του συναισθηματισμού, είτε σημάδια μελαγχολικής και ποιητικής διάθεσης. Αλλά δεν ξέρουμε ποιος ήταν πραγματικά ο χαρακτήρας της. Επιπλέον, η Μαρία, όπως αποδεικνύεται, ήταν η αδερφή του Φιοντόρ Τολστόι (Αμερικανός), γνωστού για την προκλητική του συμπεριφορά. Παραδόξως, αν κοιτάξετε το πορτρέτο του αδερφού της στα νιάτα του (L.N. Tolstoy State Museum), θα δούμε τον ίδιο επιβλητικό και χαλαρό τρόπο.

Το πορτρέτο παραγγέλθηκε από τον σύζυγό της, Στέπαν Λοπουχίν, λίγο μετά το γάμο. Ο Lopukhin ήταν 10 χρόνια μεγαλύτερος από τη Μαρία και καταγόταν από μια πλούσια και ευγενή οικογένεια. Έξι χρόνια μετά τη ζωγραφική της εικόνας, το κορίτσι πέθανε από κατανάλωση. Δέκα χρόνια αργότερα πέθανε και ο σύζυγός της. Δεδομένου ότι ήταν άτεκνοι, ο πίνακας κληρονόμησε η μοναδική κόρη του Φιοντόρ Τολστόι που επέζησε, από τον οποίο τον αγόρασε ο Τρετιακόφ τη δεκαετία του 1880.

Giovannina Pacini

Κ.Π. Bryullov. Καβαλάρης. 1832. Πινακοθήκη Τρετιακόφ

Η «Ιππέα» του Bryullov είναι ένα λαμπρό τελετουργικό πορτρέτο στο οποίο όλα είναι πολυτελή - η φωτεινότητα των χρωμάτων, η λαμπρότητα των κουρτινών και η ομορφιά των μοντέλων. Ο ρωσικός ακαδημαϊσμός έχει κάτι για το οποίο πρέπει να υπερηφανεύεται.

Πάνω του είναι γραμμένα δύο κορίτσια που έφεραν το επίθετο Pacini: η μεγαλύτερη Giovannina κάθεται σε ένα άλογο, η μικρότερη Amatzilia την κοιτάζει από τη βεράντα. Αλλά αν είχαν το δικαίωμα σε αυτό το επώνυμο δεν είναι ακόμα σαφές. Ο πίνακας παραγγέλθηκε στον Karl Bryullov, τον επί χρόνια εραστή της, από την θετή μητέρα τους, την κόμισσα Yulia Samoilova, μία από τις οι πιο όμορφες γυναίκεςΡωσία και κληρονόμος της κολοσσιαίας περιουσίας των Skavronsky, Litt και Potemkin. Έχοντας αφήσει τον πρώτο της σύζυγο, η Samoilova πήγε να ζήσει στην Ιταλία, όπου τόσο ο Rossini όσο και ο Bellini επισκέφτηκαν το σαλόνι της. Η κόμισσα δεν απέκτησε δικά της παιδιά, αν και παντρεύτηκε άλλες δύο φορές, μια φορά με έναν νέο και όμορφο Ιταλός τραγουδιστήςΔαιμόνιο των πέρσω.

Με επίσημη έκδοση, η Giovannina και η Amazilia ήταν αδερφές - οι κόρες του συγγραφέα της όπερας "The Last Day of Pompeii", συνθέτη Giovanni Pacini, φίλος (και, σύμφωνα με φήμες, εραστής) της κόμισσας. Τους πήρε στο σπίτι της μετά τον θάνατό του. Ωστόσο, αν κρίνουμε από τα έγγραφα, ο Pacini είχε μόνο μία κόρη, τη μικρότερη από τα κορίτσια. Ποιος ήταν ο μεγαλύτερος; Υπάρχει μια εκδοχή ότι γεννήθηκε εκτός γάμου από την αδερφή του ίδιου τενόρου Peri, του δεύτερου συζύγου της Samoilova. Ή μήπως η κόμισσα και το κορίτσι είχαν μια πιο στενή σχέση οικογενειακή σύνδεση... Δεν είναι τυχαίο που η «Ιππέας» θεωρήθηκε για πρώτη φορά πορτρέτο της ίδιας της Κοντέσας. Έχοντας μεγαλώσει, η Giovannina παντρεύτηκε έναν Αυστριακό αξιωματικό, καπετάνιο σύνταγμα ουσάρ Ludwig Aschbach, και πήγε μαζί του στην Πράγα. Η Σαμοΐλοβα της εγγυήθηκε μεγάλη προίκα. Ωστόσο, δεδομένου ότι η κόμισσα χρεοκόπησε σε μεγάλη ηλικία (έπρεπε να πληρώσει τεράστια διατροφή στον τρίτο σύζυγό της, έναν Γάλλο αριστοκράτη), και οι δύο «κόρες» εισέπραξαν τα χρήματα που είχαν υποσχεθεί από τη γριά «μητέρα» μέσω δικηγόρου. Η Samoilova πέθανε στη φτώχεια στο Παρίσι, αλλά η περαιτέρω τύχη των μαθητών της είναι άγνωστη.

Ελισαβέτα Μαρτίνοβα

Κ.Α. Somov. Κυρία στα μπλε. 1897–1900. Γκαλερί Tretyakov

"Lady in Blue" του Somov - ένα από τα σύμβολα της ζωγραφικής Ασημένια Εποχή, σύμφωνα με τα λόγια του κριτικού τέχνης Igor Grabar - «La Gioconda of our time». Όπως και στους πίνακες του Μπορίσοφ-Μουσάτοφ, δεν υπάρχει μόνο η απόλαυση της ομορφιάς, αλλά και ο θαυμασμός της εξασθενημένης γοητείας του γαιοκτήμονα Ρωσίας.

Η Elizaveta Martynova, η οποία πόζαρε για τον Somov στο πορτρέτο, ήταν προφανώς μια από τις λίγες γυναικείες συναρπασίες του καλλιτέχνη. Ο καλλιτέχνης τη γνώρισε, την κόρη ενός γιατρού, ενώ σπούδαζε στην Αυτοκρατορική Ακαδημία Τεχνών - ήταν μεταξύ των φοιτητών που εγγράφηκαν το 1890, όταν επετράπη για πρώτη φορά στις γυναίκες να εισέλθουν σε αυτό το εκπαιδευτικό ίδρυμα. Παραδόξως, φαίνεται ότι τα έργα της Martynova δεν έχουν διασωθεί. Ωστόσο, τα πορτρέτα της ζωγράφισαν όχι μόνο ο Somov, αλλά και ο Philip Malyavin και ο Osip Braz. Η Άννα Οστρούμοβα-Λεμπέντεβα σπούδασε μαζί της, η οποία στα απομνημονεύματά της σημείωσε επιπόλαια ότι, αν και η Μαρτίνοβα περιγράφονταν πάντα ως μια ψηλή, αρχοντική ομορφιά, στην πραγματικότητα ήταν κάθετα αμφισβητείται. Ο χαρακτήρας του καλλιτέχνη ήταν συναισθηματικός, περήφανος και εύκολα ευάλωτος.

Ο Somov τη ζωγράφισε πολλές φορές: το 1893 με ακουαρέλα σε προφίλ, δύο χρόνια αργότερα με μολύβι, και το 1897 δημιούργησε ένα μικρό πορτρέτο της σε λάδι με φόντο ανοιξιάτικο τοπίο(Πινακοθήκη Αστραχάν). Δημιούργησε την ίδια εικόνα κατά διαστήματα για τρία χρόνια: ο καλλιτέχνης πέρασε δύο από αυτά στο Παρίσι και ο Martynova εγκαταστάθηκε στο Τιρόλο για μεγάλο χρονικό διάστημα για να θεραπεύσει μια ασθένεια των πνευμόνων. Η θεραπεία δεν βοήθησε: περίπου τέσσερα χρόνια μετά την ολοκλήρωση του πίνακα, πέθανε από κατανάλωση σε ηλικία περίπου 36 ετών. Προφανώς δεν είχε οικογένεια

Γκαλίνα Αδέρκα

Β.Μ. Κουστόντιεφ. Η γυναίκα του εμπόρου πίνει τσάι. 1918. Ρωσικό Μουσείο

Αν και η «Γυναίκα του εμπόρου στο τσάι» του Κουστόντιεφ γράφτηκε το μεταεπαναστατικό έτος του 1918, για εμάς είναι μια πραγματική απεικόνιση αυτής της λαμπερής και καλοφαγωμένης Ρωσίας, όπου υπάρχουν πανηγύρια, καρουζέλ και «τραγανά γαλλικό ψωμί». Ωστόσο, μετά την επανάσταση, ο Kustodiev δεν άλλαξε τα αγαπημένα του θέματα: για ένα άτομο αλυσοδεμένο μέχρι το τέλος της ζωής του ΑΝΑΠΗΡΙΚΟ ΚΑΡΟΤΣΑΚΙ, έγινε μια μορφή φυγής.

Η Galina Aderkas, μια φυσική βαρόνη από μια οικογένεια που ανιχνεύει την ιστορία της σε έναν Λιβονικό ιππότη του 13ου αιώνα, πόζαρε για τη σύζυγο του εμπόρου σε αυτήν την πορτραίτο-εικόνα. Μία από τις βαρονέσσες φον Αντέρκας ήταν ακόμη και η δασκάλα της Άννας Λεοπόλντοβνα.

Στο Αστραχάν, η Galya Aderkas ήταν η συγκάτοικος των Kustodievs, από τον έκτο όροφο. Η σύζυγος του καλλιτέχνη έφερε το κορίτσι στο στούντιο αφού παρατήρησε το πολύχρωμο μοντέλο. Την περίοδο αυτή ο Αδέρκας ήταν πολύ νέος, πρωτοετής φοιτητής Ιατρικής. Και για να είμαι ειλικρινής, στα σκίτσα η σιλουέτα της φαίνεται πολύ πιο λεπτή και όχι τόσο εντυπωσιακή. Σπούδασε, όπως λένε, χειρουργική, αλλά το πάθος της για τη μουσική την πήγε σε άλλο χώρο. Ο ιδιοκτήτης μιας ενδιαφέρουσας mezzo-soprano, in Σοβιετικά χρόνιαΟ Αδέρκας τραγούδησε ως μέρος της ρωσικής χορωδίας στη Διεύθυνση Μουσικής Ραδιοφωνίας της Πανενωσιακής Ραδιοφωνικής Επιτροπής, συμμετείχε σε μεταγλώττιση ταινιών, αλλά δεν σημείωσε μεγάλη επιτυχία. Παντρεύτηκε, προφανώς, κάποιον Μπογκουσλάβσκι και, πιθανώς, άρχισε να παίζει στο τσίρκο. Το Τμήμα Χειρογράφων του Οίκου Πούσκιν περιέχει ακόμη και χειρόγραφα απομνημονεύματα που έχουν συγγραφεί από τον G.V. Aderkas, με τίτλο “Circus is my world...”. Το πώς ήταν η μοίρα της στις δεκαετίες του '30 και του '40 είναι άγνωστο.

Η ακρίβεια στη γραφή μεμονωμένων λεπτομερειών και μοτίβων μοτίβων υφασμένων από τα χέρια Ρώσων κεντητών ή διαφανών στολιδιών σε σκαλιστά κύπελλα και μπολ εκπλήσσει και γοητεύει τους θεατές του παρελθόντος και του παρόντος.

Πολυτελή ρούχα κεντημένα με μαργαριτάρια, εκπληκτικά όμορφα καλύμματα κεφαλής εκείνης της εποχής, όμορφα αγόρια διακοσμημένα με πολύτιμα περιδέραια, μπόγιαρ με μπροκάρ καφτάνια - σε ό,τι μπορείς να νιώσεις με τι αγάπη για την εθνική ομορφιά και τον πολιτισμό της Ρωσίας, για την πλούσια κληρονομιά των προγόνων μας, αυτές οι εικόνες βάφτηκαν. Μπορείτε να σταθείτε κοντά σε καθένα από αυτά για μεγάλο χρονικό διάστημα - θαυμάστε τα ρωσικά μοτίβα και αισθανθείτε περηφάνια και ταυτόχρονα θλίψη, θλίψη που πολλά έχουν χαθεί, δεν έχουν διατηρηθεί και δεν διατηρούνται σήμερα. Επομένως, τέτοιοι πίνακες, οι οποίοι περιέχουν μοναδικά στοιχεία του πολιτισμού της ρωσικής γης, είναι ιδιαίτερα πολύτιμοι για εμάς.

Βιογραφία του καλλιτέχνη Konstantin Makovsky

Και ο Konstantin Egorovich, έχοντας κληρονομήσει το πάθος του πατέρα του, συγκέντρωσε όλα τα αριστουργήματα της ρωσικής αρχαίας χειροτεχνίας, αλλά αυτά ήταν "όμορφες αρχαιότητες". Τακτοποίησε επιδέξια κάποια πράγματα σε σαλόνια και εργαστήρια, και μετά τα χρησιμοποίησε στους πίνακές του, ενώ άλλα τα έδειξε απλώς στο μεγάλο παλιό του εβένινο ντουλάπι, για να μπορεί στη συνέχεια να θαυμάσει και να θαυμάσει την ομορφιά και την ικανότητα των Ρώσων δασκάλων.

Στο γείσο του τζακιού στέκονταν αρχαία οικιακά σκεύη: ασημένιες κουτάλες, κύπελλα, νιπτήρες, βεντάλιες - αντικείμενα από την εποχή των Βογιαρών. Αρχαία μπροκάρ κοστούμια boyar, πολύχρωμα σαλαμάκια, περιβραχιόνια με μαργαριτάρια, κεντημένα με μαργαριταρένια δαντέλα - όλα αυτά φαίνονται στους πίνακες του καλλιτέχνη. Και εκτός από τα πράγματα που συνέλεξε με αγάπη ο Konstantin Yegorovich, στους πίνακές του συμμετείχαν και άνθρωποι που συγκεντρώθηκαν γύρω του. Μερικές φορές παίζονταν σκηνές από τη ζωή των βογιάρων, οι οποίες στη συνέχεια μεταφέρονταν σε καμβά. Και αυτό προκάλεσε αναμφίβολα το έντονο ενδιαφέρον του κοινού, γιατί μέσα από τους πίνακες του Μακόφσκι εξοικειώθηκαν με την ιστορία της Ρωσίας και τον πολιτισμό των προγόνων τους.

Η κόρη του καλλιτέχνη στα απομνημονεύματά της είπε πώς "... σκηνοθετήθηκαν πολυτελείς "ζωντανές εικόνες" της ζωής των μπογιάρ...". Μερικές φορές υπήρχαν μέχρι και 150 άτομα καλεσμένα σε αυτές τις βραδιές, μεταξύ των οποίων ήταν εκπρόσωποι αρχαίων οικογενειών, απόγονοι εκείνων που απεικόνιζε ο καλλιτέχνης. Ντύθηκαν έξυπνα και όμορφα με μπροκάρ και βελούδινα ρούχα...» για να αναπαράγουν μέσα τους τη σκηνή που συνέλαβε ο καλλιτέχνης. Έτσι εμφανίστηκαν οι πίνακες - "The Wedding Feast", "The Bride's Choice" και πολλοί άλλοι πίνακες.

Πίνακες του Konstantin Makovsky

Συλλογή ρωσικών αρχαιοτήτων Κ.Ε. Ο Μακόφσκι συνέχισε να σπουδάζει σε όλη του τη ζωή. Συλλέγοντας αριστουργήματα Ρώσων δασκάλων, ο καλλιτέχνης εξοικειώθηκε με την ιστορία της Ρωσίας και, θαυμάζοντας τα, εμπνεύστηκε από νέες ιδέες. Τώρα οι πίνακές του προκαλούν μέσα μας όχι μόνο θαυμασμό για την πλούσια κληρονομιά των προγόνων μας, αλλά και την επιθυμία να μάθουμε όλο και περισσότερα για την πατρίδα μας.

Ο συγγραφέας E.I μίλησε για το πώς ο K.E Makovsky χρησιμοποίησε τη συλλογή του στο έργο του. Ο Φορτουνάτο, που είχε την τύχη να γίνει το μοντέλο του.

Ο K.E Makovsky δεν ήταν μόνο καλλιτέχνης. Επικοινωνώντας με σημαντικούς ιστορικούς, ο ίδιος έγινε σπουδαίος ειδικός στον τομέα της ρωσικής αρχαιότητας. Κ.Ε. Ο Μακόφσκι προσπάθησε να διατηρήσει την καλλιτεχνική κληρονομιά της Ρωσίας. Επομένως, δεν είναι τυχαίο ότι το 1915 έγινε μέλος της Αναγεννησιακής Εταιρείας καλλιτεχνική Ρωσία, του οποίου κύριο έργο ήταν η διατήρηση, μελέτη και ανάδειξη της ρωσικής αρχαιότητας.

Είναι πικρό και λυπηρό το γεγονός ότι η συλλογή, που συγκεντρώθηκε πάνω από μισό αιώνα, η οποία κατέλαβε τόσο σημαντική θέση στη ζωή του καλλιτέχνη, η οποία έγινε αντανάκλαση μιας ολόκληρης εποχής στη ρωσική κουλτούρα, θα βγει σε δημοπρασία μόλις έξι μήνες μετά τον θάνατό του . Τον Σεπτέμβριο του 1915, ο K.E Makovsky χτυπήθηκε από ένα αυτοκίνητο του δρόμου σε έναν από τους δρόμους της Πετρούπολης. Έχοντας υποστεί σοβαρό τραυματισμό στο κεφάλι, ο καλλιτέχνης πέθανε δύο ημέρες αργότερα. Αιφνίδιος θάνατοςκατέστρεψε όλα μου τα σχέδια...

Περισσότερα από 1.000 αντικείμενα καταγράφηκαν στη δημοπρασία, μερικά από αυτά πήγαν στα μουσεία της πρωτεύουσας: το Ρωσικό Μουσείο, το Ερμιτάζ, το Μουσείο της Σχολής Τεχνικού Σχεδίου Baron Stieglitz και τα μουσεία της Μόσχας. Πολλά αντικείμενα αγοράστηκαν από εκπροσώπους εταιρειών αντίκες της Μόσχας. Αυθεντικά κοστούμια, ασημένια κύπελλα, κουτάλες, ποτήρια πέρασαν στα χέρια επιφανών συλλεκτών της Μόσχας.

Αλλά δεν θαύμαζαν όλοι τους πίνακες του K. Makovsky και το στυλ δουλειάς του.

Στην αρχή του δημιουργική διαδρομήΟ Κ. Μακόφσκι μοιράστηκε τις απόψεις των πλανόδιων καλλιτεχνών ζωγράφισε παιδιά αγροτών («Παιδιά που τρέχουν από μια καταιγίδα», «Ραντεβού»), αλλά ήδη από τη δεκαετία του 1880 ο καλλιτέχνης απομακρύνθηκε αμετάκλητα από αυτούς και άρχισε να οργανώνει προσωπικές εκθέσεις.

Το 1883 δημιούργησε τον πίνακα «Boyarsky γαμήλια γιορτή V XVII αιώνα», ακολουθούν τα «Η επιλογή της νύφης από τον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς» (1886), «Ο θάνατος του Ιβάν του Τρομερού» (1888), «Ντύσιμο της νύφης για το στέμμα» (1890), «Η ιεροτελεστία του φιλιού» (1895). ,). Οι πίνακες είχαν επιτυχία τόσο στη Ρωσία όσο και σε διεθνείς εκθέσεις. Για κάποιους από αυτούς, στην Παγκόσμια Έκθεση του 1889 στο Παρίσι, ο Κ. Μακόφσκι βραβεύτηκε με χρυσό μετάλλιο.

Οι τιμές για τους πίνακές του ήταν πάντα υψηλές. ΜΕΤΑ ΜΕΣΗΜΒΡΙΑΣ. Ο Τρετιακόφ μερικές φορές δεν μπορούσε να τα αποκτήσει. Αλλά οι ξένοι συλλέκτες αγόρασαν πρόθυμα έργα ζωγραφικής από τον κύκλο "boyar", έτσι τα περισσότερα από τα έργα του καλλιτέχνη έφυγαν από τη Ρωσία.

Χάρη σε αυτή την επιτυχία, ο K.E Makovsky έγινε ένας από τους πλουσιότερους ανθρώπους. Σε όλη του τη ζωή περιβαλλόταν από πολυτέλεια που κανένας Ρώσος καλλιτέχνης δεν είχε ονειρευτεί ποτέ. Ο Μακόφσκι εκπλήρωσε κάθε εντολή για οποιοδήποτε θέμα με την ίδια λαμπρότητα. Ήταν το τελευταίο που προκάλεσε παρεξήγηση, ακόμη και καταδίκη σε πολλούς. Κάποιοι, προφανώς, ζήλεψαν την επιτυχία, άλλοι πίστευαν ότι στους πίνακες έπρεπε να υπάρχουν άνθρωποι με την καθημερινότητά τους. Αλλά τέτοιοι πίνακες δεν πωλούνταν τόσο εύκολα και πολλοί πίστευαν ότι ο Μακόφσκι έγραφε για θέματα που είχαν ζήτηση, δηλαδή για χάρη του εμπλουτισμού του.

Ωστόσο, πάντα ζούσε όπως ήθελε και έγραφε ό,τι ήθελε. Το όραμά του για την ομορφιά απλώς συνέπεσε με τις απαιτήσεις και τις απαιτήσεις εκείνων των ανθρώπων που ήταν πρόθυμοι να πληρώσουν πολλά χρήματα για τους πίνακές του. Η εύκολη επιτυχία του έγινε η κύρια αιτία της αρνητικής στάσης των Πλανόδιων καλλιτεχνών απέναντί ​​του και το έργο του. Κατηγορήθηκε ότι χρησιμοποιεί την τέχνη και το ταλέντο του για υλικά οφέλη.

Κ.Ε. Ο Μακόφσκι ξεκίνησε το καλλιτεχνικό του ταξίδι μαζί με τους πλανόδιους καλλιτέχνες, εκθέτοντας πίνακες ζωγραφικής με θέμα τη ζωή του λαού. Ωστόσο, με την πάροδο του χρόνου, τα ενδιαφέροντά του άλλαξαν και από τη δεκαετία του 1880 έγινε ένας επιτυχημένος ζωγράφος πορτραίτων σαλονιών. Το γεγονός ότι αυτό συνέβη για χάρη του υλικού πλούτου δεν μπορεί να γίνει πιστευτό. Άλλωστε, οι πολυάριθμες συλλογές του και το πολύπλευρο ταλέντο του μιλούν γι' αυτό. Αλλά δεν μπορεί να αρνηθεί κανείς ότι ο Μακόφσκι δεν επιδίωξε την αναγνώριση στο εξωτερικό. Επιπλέον, οι Ευρωπαίοι ενδιαφέρθηκαν για τη ρωσική ιστορία, έτσι τα έργα του πουλήθηκαν γρήγορα.

Στην προσωπική του ζωή, ο Μακόφσκι ήταν επίσης χαρούμενος. Η ευχάριστη εμφάνισή του, η κοινωνικότητα, το πάντα ανοιχτό και χαμογελαστό βλέμμα με καθαρά μάτια έκαναν τον Κωνσταντίνο Εγκόροβιτς πάντα έναν ευπρόσδεκτο επισκέπτη. Παντρεύτηκε τρεις φορές. Η πρώτη του σύζυγος Lenochka Burkova, ηθοποιός στο θέατρο Alexandrinsky, έζησε μια σύντομη ζωή μαζί του. Ένα γοητευτικό και ευγενικό κορίτσι έφερε πολλή χαρά και ζεστασιά στη ζωή του. Όμως η αρρώστια την πήρε νωρίς από την επίγεια ζωή.

Ξένοιαστος και άπληστος για τις χαρές της ζωής, ο Konstantin Yegorovich παρηγορήθηκε γρήγορα όταν είδε ένα κορίτσι εξαιρετικής ομορφιάς στην μπάλα - τη Yulenka Letkova. Το κορίτσι ήταν μόλις δεκαέξι ετών και ο γοητευτικός ζωγράφος τριάντα έξι. Σύντομα έγινε ο γάμος. Έχοντας ζήσει είκοσι χρόνια ευτυχισμένης οικογενειακής ζωής, ο Konstantin Yegorovich ζωγράφισε πολλούς πίνακες, οι περισσότεροι από τους οποίους περιέχουν μια γλυκιά εικόνα της νεαρής συζύγου του. Για για πολλά χρόνιαΗ Yulia Pavlovna Makovskaya ήταν η μούσα του και το μοντέλο του για πορτρέτα.

Το 1889, ο Konstantin Makovsky πήγε στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι, όπου εξέθεσε αρκετούς από τους πίνακές του. Εκεί ενδιαφέρθηκε για τη νεαρή Maria Alekseevna Matavtina (1869-1919). Γεννημένος το 1891 νόθος γιοςΚωνσταντίνου. Έπρεπε να ομολογήσω τα πάντα στη γυναίκα μου. Η Γιούλια Παβλόβνα δεν συγχώρεσε την προδοσία. Λίγα χρόνια αργότερα, κατατέθηκε διαζύγιο. Και ο Konstantin Egorovich συνέχισε την ευτυχισμένη οικογενειακή του ζωή με την τρίτη σύζυγό του, την οποία χρησιμοποίησε επίσης ως μοντέλο. Επίσης, συχνά απεικόνιζε τα παιδιά του από τον δεύτερο και τον τρίτο γάμο του στους καμβάδες του.