Existuje celá hromada článků o subtilní povaze umělce. Autoři říkají, že umělci vidí a cítí vše zvláštním způsobem, že mají jedinečný způsob myšlení, a proto je velmi snadné se jich rychle dotknout. Sám jsem umělec a nevím proč, ale je pro mě legrační číst takové věci.
Faktem je, že v tom všem je samozřejmě kus pravdy, ale úplně stejné množství, jako kdyby se tohle všechno říkalo o programátorovi, astronautovi nebo ženě v domácnosti. Umělci jsou stejní lidé. Nemají žádné nadpřirozené smysly ani superschopnosti a také nemají žádné mentální abnormality (samozřejmě, pokud mluvíme o tom ne o ojedinělých případech).
Stačí jednoduše pochopit, co se děje v hlavě umělce, pokud s ním strávíte několik dní a děláte jednu věc, tedy kreslení.
Boris Jegorovič, můj učitel, má ve svém ateliéru naprostý nepořádek. Jeho žena se mu laskavě směje, protože nechápe, jak takový úhledný chlap může každodenní životčlověk, který si neustále pere ponožky a spodní prádlo, který jí nedovolí žehlit košile, který si ustele do dokonalé hladkosti, může strčit špinavé kartáče do kapsy, tahat mokré naplavené dříví z ulice do studia a předvádět to samé manipulace s vraním peřím. Ale vše je velmi jasné. Peří a naplavené dříví jsou předměty, které se určitě někdy budou hodit pro zátiší. A nikdy jich není příliš mnoho. Mnohem pohodlnější je ukládat štětce do kapsy, než je pokládat na zem nebo stůl. A jsou špinavé, protože proč umývat všechny štětce, když vám čisté pořád leží před nosem? Myslíte si, že si Boris Jegorovič strčí špinavý kartáč do kapsy z nepřítomnosti? Protože jeho myšlenky jsou pod vlivem návalu inspirace v oblacích? Spíš ne. Jaký má smysl se starat o svůj pracovní oblek? Proto ho nosí, protože se nebojí ušpinit. A nezáleží na tom, že si manželka Madame myslí, že je stále nositelný, Boris Yegorovich opravdu lépe ví, kde bude produktivnější přizpůsobit položky svého šatníku. A přátelé a příbuzní si z něj stále dělají legraci a dělají si z něj legraci a říkají mu Plyushkin. Je to opravdu možné, když je vše racionální!
A Jevgenij Danilovič také není ze zlomyslnosti ve srovnání s trpaslíkem těžícím diamanty na dně dolu. Proč? Protože to se mu běžně stává. Posadí se do nejvzdálenějšího rohu, přikryje se novinami a kousky papíru, zapne rádio na plnou hlasitost, popadne dřevo a řezbářské potřeby, roztočí se nad tím vším dobrým kolem a pojď, Jevgenij Daniloviči, uvidíme se na povrch.
Ach, co vy, přátelé? Pracovali byste s polenem bez novin? Takže ty piliny padají na všechno kolem? Rád bych vám popřál hodně štěstí, když to budete dál čistit. Noviny jsou Nejlepší rozhodnutí: rozložil to, pracoval na tom, všechno to sroloval, hodil do koše a je hotovo. Prostředí čisté, noviny neporušené, připravené k opětovnému použití a dokonce i k miliontému použití. Proč je tak nutné se skrývat v koutě? Protože je tam okno, je světlo. Ráno je to dobré. V jasném přirozeném světle uvidíte mnohem více než v umělém světle. Ale kam jít, když se venku setmí? Bez rádia je to nuda. Nechat minulé století, ale neměli byste se dívat na televizi, když musíte dělat šperky na stromě. A kolo je spíše vážným důsledkem práce. Řezbáři a sochaři mají často problémy s držením těla a často se jim vytvoří hrb. Vždyť s tímto hrbem vznikají taková mistrovská díla! A to vše proto, že se nakloní blíž, aby se zbavili každého milimetru navíc. A oni: "Gnome." Tady máš! Jako by ho někdo praštil do nosu.
A zároveň mě poslouchejte, i když v tom nejsem tak zkušený umělecky, stejně jako moji mentoři, Boris Egorovič a Jevgenij Danilovič. Bez malého zázemí se neobejdu.
Moje kamarádka si „nechává dělat nehty“. A to je také do jisté míry umění. Například si za to účtuje šest set rublů. Jednou jsem ji požádal, aby na mně předvedla svůj talent (samozřejmě za peníze). Souhlasila. A co víc, nabídla jako přítel slevu sto rublů. Stalo se to tak příjemné, strašně jednoduché. A naši další přátelé jsou tím velmi dotčeni. Takže teď k věci!
Přinesu svou práci do pokoje. Přicházejí obyvatelé sousední. Vidí je, obdivují je a říkají: "Ach, Aline, nakreslíš naše portréty stejným způsobem?" Při vzpomínce na svého přítele odpovídám: „Samozřejmě! A dokonce vám dám slevu sto rublů!" Ale víte co! Po této větě nenásledovaly žádné emoce. A je samozřejmě hezké, že ani sousedé se necítili lépe. Hlasitě se zasmáli a řekli: "Vezmeš si od nás peníze za nějakou kresbu?"
Boris Egorovič a Evgeny Danilovič, jako muži, ve svých situacích neprolévali slzy. A já, jako žena, jsem se rozhodla, že si to po odchodu hostů dovolím. Dělat nehty je obtížný úkol a ne každý to dokáže. Ale když malujete, nepřidáváte pouze vrstvu po vrstvě barvy, vkládáte do ní svou náladu, svůj postoj k předmětu, který je vaším modelem, váš čas, který, věřte mi, nejsou tři hodiny (mnohem více). Dílo umělce, stejně jako dílo sochaře, je jeho dítětem, je mučeno, trpí, je milováno, protože je jako vytržené ze srdce. Ale v očích lidí nestojí za nic. Umělec se nebojí, když jeho racionalita není pochopena. Jeho duše pláče jen tehdy, když je jeho dřina znehodnocena, když se jeho dílu nebo procesu jeho vzniku vysmívá, i když ne ze zlomyslnosti.
Postarejte se o umělcovy pocity. Ostatně pláče v úplně stejných situacích, ve kterých pláčou pracovníci jiných profesí. Jen umělci jsou odsouzeni setkávat se s takovými situacemi mnohem častěji. Mnoho z nich je proto nešťastných.
Život kreativních lidí je vždy, tak či onak, obklopen nejen závojem tajemství, ale také různými druhy pověstí. Která z nich je pravdivá a která je fikce pěstovaná po staletí?
Mýtus 1. Všichni umělci pijí alkohol
Proč ne kuchaři, prodavači, učitelé matematiky nebo školníci? Ano, protože někteří lidé potřebují natankovat „pro inspiraci“. Není pochyb o tom, že někteří malíři skutečně vyvolávají múzu pomocí čtyřicetistupňových metod, nebo dokonce drog. Zelenému hadovi se nevyhýbalo mnoho skvělých lidí: Modigliani, Savrasov (a zde jsou dva stereotypy najednou: nejenže je umělec, je také Rus!), Van Gogh, Gauguin a další. No a co? Opravdu nebylo mezi zástupci jiných oborů dost pijáků? Jelcin, Stalin, Petr Veliký, Alexandr Veliký nebyli ve své vášni pro malování zaznamenáni, ale jejich vášeň pro alkohol je vítána.
Mýtus 2. Všichni umělci jsou chudí
Mýtus 3. Všichni umělci jsou bohatí
A zase ne! Zdá se, že historie zná takových příkladů méně. Statistiky hovoří ve prospěch portrétistů, kteří preferovali realismus nebo zobrazované přikrášlili. Portréty bohatých (od šlechticů po císaře) jsou chladnější než zlatý důl. Oblíbenci Kateřiny II. nervózně kouří na vedlejší koleji. A přesto příklady z předchozího odstavce přivádějí moderní snílkové umělce zpět na zem ze světa růžových slonů. Jak prodat dílo za adekvátní cenu pojednává můj článek „Za kolik prodám obrazy? »
Mýtus 4. Umělci šetří na darech
Dal obraz a vše bylo v pořádku. Nebudu hovořit o oportunitních nákladech (tedy o čase, který mohl malíř věnovat tomu, aby obraz prodal). Bavíme se o materiální stránce problému. Barvy, štětce a další spotřební materiál stojí peníze, zejména plátna na nosítkách jsou drahé: cena jednoduchého plátna 40x50 je v průměru 500–700 rublů. Nyní přidejte vlastní bagetu v ceně několika tisíc rublů a podložku, pokud mluvíme o vodových barvách! „Domácí“ mě stojí několikanásobně více než koupený dárek.
Mýtus 5. Všichni velcí umělci jsou muži
Ach ne, vůbec nejsem feministka, právě naopak. Ale stále konstatuji fakt: ženám nebylo po staletí zvláště dovoleno věnovat se kreativitě. A jakmile bylo dáno povolení, Zinaida Serebryakova, Frida Kahlo, Natalya Goncharova, Mary Cassette a Berthe Morisot vystoupily na malebný Olymp. Psali na stejné úrovni jako muži, o nic horší! Nyní jděte do jakéhokoli uměleckého studia - publikum je jako v kadeřnickém salonu (na deset dívek připadají dva chlapi). Přečtěte si více o slavných umělcích v článku “
Jsou všechny obrazy zarámované?
Piet Mondrian. Složení se žlutou, červenou, modrou, černou a šedou. 1920
1 ze 2Georges Seurat. Nedělní odpoledne na jezeře La Grande Jatte. 1884
2 ze 2Citát z knihy
„Obvykle jsou obrazy umístěny v rámech pro vystavení. Rámy přitahují pozornost k obrazu a chrání jeho okraje. Některé rámy jsou zdobené, zejména starožitná díla, která kdysi visela v sídlech. Ostatní rámy jsou velmi jednoduché; Účelem rámů je doplnit obrazy obsažené uvnitř, ukázat je z jejich nejlepší stránky.
Piet Mondrian věřil, že rámy jsou jako stěny. Někdy se zdá, jako by stáli mezi publikem a uměním, jako by vytvářeli překážku, oddělující malbu od zbytku světa. Mondrian chtěl, aby se jeho práce všem líbila a nikdo se od ní necítil oddělen. Psal na okraje plátna. A někdy i po stranách.
Zbořil tyto zdi!
Georgesi Seuratovi se nelíbilo, že rámy vrhají stíny na okraje obrazu. A rám si nakreslil sám. Skládá se z tisíců drobných teček ve více než 25 různých barvách.
Věděli jste, že obraz na televizní obrazovce se skládá z bodů, kterým se říká pixely? Tento obraz byl namalován více než 50 let předtím, než byla vynalezena barevná televize!
Komentář
Může se zdát směšné věnovat rámům celou kapitolu, natož tím, že prakticky začínáte knihu. Ale má to své důvody. Za prvé, nikdy se nedíváme na obraz prázdný. Světlo, výška, ve které se nachází, sousední díla, anotace – to vše vytváří kolem sebe prostor. Když se mluví o moderní soše, určitě se mluví o „poetickém prostoru“, který ji obklopuje: smysl nějaké abstraktní sochy se rodí, až když se na ni divák dívá. Za druhé, rám se skutečně často stává zápletkou samotného obrazu - jak dokazují vtipné příklady výše. A konečně, rám je základním článkem v řetězci otázek a odpovědí, který pomůže práci lépe porozumět. Poté, co zjistíte, kdo je autorem a zda ovlivnil dějiny umění, můžete se rychle podívat na rám. Mimochodem, v roce 1990 měl New York Metropolitan jakousi výstavu obrácenou: muzeum vystavovalo mnoho prázdných rámů, aby upozornilo na často ignorovanou realitu.
Proč je všechno ploché?
Nebamon loví v bažinách. Hrob Nebamon, ca. 1350 před naším letopočtem E.
1 ze 2Jean Metzinger. Stůl u okna. 1917
2 ze 2Citát z knihy
„Ne všechny umělecké předměty vypadají trojrozměrně.
Dvourozměrné neboli 2D obrázky jsou ploché, jako tato stránka. Trojrozměrné nebo 3D - mají výšku, šířku a hloubku jako míč.
V různé časy umění bylo buď ploché jako povrch, na který umělci malovali, nebo trojrozměrné, jako skutečné věci.
Hodně starověké umění, jako jsou egyptské nástěnné malby, vypadají plochě. Vypadá spíš jako diagramy a je úplně jiný než život.
Už v dávných dobách umělci uměli přenést objem a záměrně malovali ploché obrazy.
V Starověký Egyptšlechtici byli pohřbíváni v malovaných hrobkách spolu se svými poklady. Stěny hrobky byly zdobeny kresbami, které nebyly určeny pro živé. Ukázali bohům, co lidé dělali za svého života.
Obraz se zdá být plochý, aby byl pro bohy jasnější.
<…>Co je na stole? Vidíš vázu s květinami, sklenici, hrací karta a okno vedle?
Jean Metzinger se neřídí zákony perspektivy, přesto chce ukázat, že objekty na obraze jsou trojrozměrné. Proto je zobrazuje současně z různých úhlů. Tato technika se nazývá kubismus."
Komentář
Tento bod odráží všeobecnou skepsi, že umělci zapomněli, jak spolehlivě zobrazit trojrozměrnou realitu – zhruba řečeno „vypadá to jako kresba“. Autorka Nahých lidí Susie Hodge si žádá o pomoc starověké mistry, abstraktní umělce a kubisty. Jejich shromažďování pod fixem „ploché“ je docela legrační – kubisté ve své malbě vytvářejí přinejmenším více než tři roviny a někdy dokonce zobrazují stejný objekt v různých okamžicích, takže jejich dílo nelze nazvat plochým. Na tuto dětskou otázku však neexistuje jednoznačná odpověď a pokaždé je třeba přemýšlet o tom, proč se umělec rozhodl udělat vše ploché. Hodge zapomíná na kulturní specifika: perspektiva je evropský vynález a v umění mnoha zemí ji v zásadě nelze nalézt. Úvaha, že plochý obraz se stává dekorativnějším a abstraktnějším, je docela rozumná – stejně jako spojení „plochého“ a „starověkého“. Hodge se ale zároveň z nějakého důvodu vyhýbá velmi jednoduchému a zřejmému závěru: odstraněním některých detailů ze snímku se autor zaměřuje na jiné. Zhruba řečeno, zjednodušením (a zploštěním) může umělec učinit obraz výraznějším a v mnoha případech mu zjednodušením bude snazší tuto expresivnost ovládat.
Proč je v umění tolik nahých lidí?
Sandro Botticelli. Zrození Venuše. 1486
1 ze 2Yves Klein. Antropometrie beze jména. 1960
2 ze 2Citát z knihy
„V malbě, sochařství a fotografii jsou nazí lidé velmi běžní.
To vše pochází od starých Řeků, kteří věřili, že nahé tělo je krásné a hodné studia. I dnes se umělci učí kreslit nazí lidé lépe porozumět tvaru těla. Tomu se říká kreslení ze života.
Nahá Venuše, římská bohyně lásky a krásy, se vznáší ve skořápce mušle. Podle starověká legenda, Venuše se narodila jako dospělá a přestěhovala se přes moře. Botticelli namaloval svůj obraz mnoho let poté, co tato legenda vznikla.
V umění nahota často znamená nový život. V Botticelliho době si ženy pečlivě zakrývaly svá těla. Ale Venuše je nahá, protože je bohyně, ne obyčejná žena!
Mnoho umělců věří, že ženské tělo je krásnější než mužské, a proto jsou nahé ženy v umění běžnější než nazí muži.
V roce 1960 přišel Yves Klein s nová cesta zobrazují ženská těla. Nahé ženy pokryl modrou barvou a položil je na obří plátno na podlaze. Sloužily jako „živé štětce“.
Komentář
Nejzajímavější kapitola knihy je v názvu - což je obecně docela pochopitelné. Ale ani zde nenajdeme jasnou odpověď na otázku - mezi navrhovanými možnostmi je několik najednou: studium plasticity těla a jeho krásy, symbol života a plácnutí do tváře veřejný názor. Není zde ovšem žádná záhada: jen málo věcí na světě vyvolá v člověku tak silnou reakci - zájem a trapnost, stud a touhu, obdiv nebo naopak znechucení - jako nahota. Nahé lidské tělo v umění - a podle různé důvody, je to žena, která je nejmocnějším symbolem života a smrti. V tomto smyslu je nahé tělo umělcovým nástrojem, který může buď ztvárnit na obraze, nebo ukázat v životě. V druhém případě mluvíme o výkonu. Nahé představení bude napínavější, někdy křehké, někdy nepříjemné. Nahé tělo je navíc také povinným symbolem upřímnosti, který s oblibou používal Lucian Freud, ukazující bezmocnost člověka. Přitom nahé tělo dovnitř evropské tradice je tak úzce spjata s myšlenkou krásy, že předvádění zbytečně nepříjemného těla, jak to s oblibou dělal Freud, není o nic méně šokující a nutí člověka přemýšlet o stárnutí a rozkladu. S argumentem o převaze nahých žen nad muži také není vše tak jednoduché: in carské Rusko, například bylo možné kreslit pouze mužské akty, a umělkyně tradičně zamířil do Itálie.
Potřebujete znát zápletku obrazů?
John Everett Millais. Ofélie. 1851–1852
1 ze 2Cornelia Parkerová. Studená temná hmota: pozorování narušení. 1991
2 ze 2Citát z knihy
„Příběhy se vyprávějí ve všech formách umění – od malby a sochařství až po kino.
Umělecké dílo je oknem do fantazie jiného člověka. Vidíme fakta a příběhy očima někoho jiného.
Asi před 160 lety existovalo hnutí zvané Prerafaelské bratrstvo. Umělci tohoto hnutí malovali náměty, často čerpané z historie. Jejich obrazům se někdy říkalo „rámované romány“. Millais byla prerafaelita.
<…>Krásná Ofélie se utopila a umělec si představuje, jak se to mohlo stát. Aby byl obraz zajímavější, zdobí jej četnými symboly. Například červené vlčí máky a modré pomněnky znamenají památku nebo památku zesnulých.
To je dobré slavný příběh a lidé se hrnuli do Královské akademie v Londýně, kde byl obraz v roce 1852 poprvé vystaven.
Za tímto uměleckým dílem se skrývá příběh. Cornelia Parker chtěla vytvořit náladu, atmosféru, abychom se zamysleli nad našimi životy a nad tím, co za sebou zanecháme.
O zahradním domku moc neuvažujeme. Ukládáme do ní nepotřebné věci, na které rychle zapomeneme. Parker se rozhodl to vyhodit do povětří!
Potom posbírala kusy ohořelého dřeva a pokrouceného kovu a pověsila je ze stropu pomocí vlasce. Doprostřed umístila lampu, aby vrhala na stěny zlověstné stíny.“
Komentář
V této kapitole autor udělá mazaný tah a snaží se ztotožnit historii vzniku obrazu s jeho dějem. Proč je to nutné? Ve 20. století se umění z velké části stalo bezzápletkovým, a pokud dříve nebylo možné porozumět umění bez porozumění dějinám (například číst klasické ikonopisecké zápletky – a díky tomu pochopit, zda umělec udělal či neudělal revoluci v daném díle), nyní nabyly mnohem větší důležitosti dějiny umělce a dějiny vzniku konkrétního obrazu. Sledování autorovy biografie se stalo stejně vzrušujícím jako následující série dlouhotrvajících televizních seriálů: přestěhoval se do Evropy, začal se více zajímat o migranty, ale kvůli tomu se najednou stal méně zajímavým, nebo, řekněme, Cai Guoqiang - přeškolil se na mistrem velkých technologických ohňostrojů a ztratil veškeré své konceptuální kouzlo. Ale Richard Long: celý život šlapal cestičky po celém světě, nezpronevěřil se svým myšlenkám, za což byl zařazen do všech učebnic land artu.
Kdo jsou všichni tito lidé?
Edward Hopper. Chop suey. 1929
1 ze 2Mark Quinn. Y. 2006
2 ze 2Citát z knihy
„Mnoho obrazů je plných lidí, ale kdo to je?
V minulosti, ještě před vynálezem fotografie, zadávali své portréty šlechtici. Umělci museli ukázat, jak mocní, krásní a bohatí klienti byli. Na skupinové portréty umělci často pózovaly celé rodiny.
<…>Portrét Edwarda Hoppera ukazuje dvě módní ženy u stolu v restauraci. Na rozdíl od portrétů minulosti nejsou tyto ženy důležitými lidmi. Jsou nejobyčejnější a neliší se od náhodných návštěvníků. V davu vidíme mnoho pro nás neznámých lidí a přesně toho chtěl Hopper ztvárnit.
A přestože ukazuje dva neznámé lidi, oba měli za vzor Hopperovu ženu!
<…>Marc Quinn použil vlastní krev, aby odlil hlavu. Socha se udržuje v chladu, jinak se roztaví.
Je to připomínka toho, jak je život křehký, řekl Quinn. Každých pět let sochař vytvoří novou hlavu, takže můžete vidět, jak stárne.“
Komentář
Když přemýšlíte o tom, kdo je na obrázku zobrazen, musíte myslet především na toho, kdo si dílo objednal. Porovnáním doby psaní a hlavní postavy lze dokonce předložit hypotézu o tom, jak úspěšný byl umělec. biblické příběhyČasto byly psány na objednávku církve, i když existovaly samozřejmě i soukromé zakázky. Před impresionisty se portréty malovaly hlavně na zakázku pro bohaté lidi, takže francouzští umělci Udělali revoluci, když začali malovat obyčejné lidi, ale pak museli přemýšlet, jak všechny tyto obrazy prodat. A z díla Marca Quinna lze snadno usoudit, že umělec nehladoví a nezažívá problémy impresionistů: jeho práce nevyžaduje ani tak odvahu, jako solidní rozpočty.
Proč jsou na obrazech ovoce?
Paul Cezanne. Jablka a pomeranče. 1899
1 ze 3Jan van Kessel. Zátiší "Vanitas". 1665–1670
2 ze 3John Lorbeer. Tarzan/Stojící noha. 2002
3 ze 3Citát z knihy
„Umělci často malují jablka a pomeranče, ale proč?
Za prvé, ovoce je spolehlivé. Na rozdíl od lidských modelů nemrkají, necukají se a nevyžadují čaj.
Zobrazení ovoce pomáhá umělcům zkoumat tvary, barvy a tóny přírody.
Takové obrazy se nazývají zátiší. Před vynálezem fotografie umělci prokazovali svůj talent vytvářením realistických zátiší. Ale pak se vše změnilo...
Paul Cézanne namaloval tento obraz po vynálezu fotoaparátu a neměl pocit, že jeho úkolem je kopírovat realitu. Tohle by zvládl i fotograf!
Napsal kulaté ovoce na plochém plátně, ale novým způsobem. Aby ukázal tvary ovoce, zobrazil každé jablko současně z mnoha úhlů, z různých perspektiv. Vypadá to, jako by jablka měla spadnout ze stolu.
<…>Tento obrázek má dvojí smysl. Vedle květin Jan van Kessel zobrazil lebku – symbol smrti. Toto je varování, které nám připomíná křehkost života. Nesmíme zapomínat, že nakonec zemřeme!
Zátiší je francouzské slovo, které znamená „mrtvá příroda“. Na plátně vypadají květiny jako živé, ale uvnitř reálný život obracejí se na hnis.
<…>John Lorbeer je optický iluzionista známý svými zmrzlými postavami.
Všechno je tu dost zmatené. Je to stejný předmět jako ovoce zachycené v zátiší, ale zároveň je živý a nenamalovaný. Čas plyne, ale on zůstává nehybný a visí na zdi jako obraz.
Komentář
Dobrá odpověď na otázku, ale chybí důležitý bod. Zátiší je především studiem čisté formy. A pokud umělec maluje zátiší jen zřídka – jako to dělali například mnozí impresionisté –, znamená to, že mu nejde o formální kvality obrazu, ale o momentální vjem, který zprostředkovává. Zátiší skutečně vyjadřují myšlenku křehkosti existence - ale nelze to brát jako absolutní: koneckonců mnoho hrdinů v portrétech je také smrtelných. Představa, že se někdy z performance může stát zátiší, je také docela zábavná – ale je třeba si uvědomit, že je to velmi vzácné.
Biologové a kognitivní vědci věří, že myšlenky o harmonii jsou pevně zabudovány do našeho mozku, což nám umožňuje citlivě reagovat na krásu forem v přírodě. Pravděpodobně máme rádi jasné barvy, protože schopnost je rozlišovat je jedním z adaptivních mechanismů, které umožnily našemu druhu přežít. Intuitivně nás těší symetrické tváře a harmonické vzory a zobrazování radostných, pozitivních předmětů způsobuje přirozené potěšení.
Zároveň od umělce nepožadujeme, že nás musí „dělat krásnými“ svou kreativitou.
Na umělecké předměty jsou aplikována širší kritéria a samotný koncept krásy jako hodnotící kategorie v soudobé umění dekonstruováno. Je "Černé náměstí" krásné? A „Fontána“ od Marcela Duchampa? A výkon Mariny Abramovic „Rhythm 0“? Každé z těchto uměleckých děl je myšlenkou vtělenou do materiálu nebo akce a v žádném případě se umělec nesnažil potěšit chuťové buňky ostatních.
Umělci měli vždy důvody pro zobrazení složitého, ošklivého nebo bizarního. Současně populární názor říká, že „před“ (v podmíněném klasická éra) umělci ještě nezkreslili podstatu umění a raději „malovali krásně“. Nicméně, v evropská kultura Umělecké pojetí ošklivého se objevilo mnohem dříve než moderní umění.
Filosofové a teologové o ošklivých
Vedle teorie krásy, odrážející se ve filozofických koncepcích a uměleckých dílech, vždy existovala i teorie ošklivosti, v jejímž rámci mohlo být ošklivé a ošklivé námětem hodným zobrazení. Ošklivý jako umělecký předmět vzbuzuje zájem již mezi středověkých lidí- pokud mluvíme o talentovaném obrazu, který plně vyjadřuje myšlenku ošklivosti. V tomto případě nebude předmětem obdivu samotný hrozný nebo odpudivý obraz, ale dovednost, se kterou je vyroben.
Johan Huizinga poznamenává, že teprve v roce 1400 dosáhlo malířství úrovně dovednosti plně zprostředkovat taková témata. S tím spojuje zejména poměrně pozdní uvedení do malby tak rozšířených témat jako „Triumf smrti“ a „ Poslední soud" Totéž se stalo s obrazy utrpení mučedníků.
Muka svatých: Bolest a krása
„Estetika mučednictví“, nejjasněji demonstrovaná na zobrazeních Kristova umučení, vzkvétala ve zralém středověku a přešla do renesančního umění. V éře raného středověkučlověk se spíše setkal se zjednodušenými vyobrazeními ukřižování než detailní malby. Totéž platí pro obrazy mučení mučedníků.
Antropocentrický model však poskytoval zájem o člověka, a tedy i osobní zkušenost utrpení.
Jestliže se ve středověku na otázku nahlíželo z povznášející stránky, pak se umělci renesance začali zajímat o čistě obrazové aspekty: správné ztvárnění anatomie, perspektiva. Zvýšený důraz na tělesnost se projevoval v obrazech trpících světců – šlo o legální způsob malování aktů lidská těla a věnovat pozornost fyzickým zážitkům.
To vysvětluje tendenci k určité estetizaci tělesných muk svatých. Kalibrované kompozice, půvabné pózy mučedníků - to jsou znaky takových obrazů. Tělesná krása se stala předmětem pečlivého zvažování. Výtvarná kultura Tato doba odráží zájem o člověka v nejrůznějších projevech, včetně utrpení.
Úžasné a svérázné
Existuje další oblast estetického zážitku, částečně sousedící s ošklivým - ale bez takového ponurého zbarvení. Tento zážitek byl žádaný i ve středověku, kdy byly všechny předměty ukryty symbolické významy, a v kultuře renesance se zájmem o různé fenomény hmotného světa. Hovoříme o kategorii úžasných, bizarních a výstředních.
Lidé minulosti málo rozlišovali mezi „zázraky“ podle původu – mystické obrazy a výstřednosti přírody byly vnímány jako homogenní jevy.
Vášeň pro sbírání kuriozit, která vyznamenala přírodovědce i panovníky, dokládá touhu dotknout se tajemství vesmíru. Například sbírka císaře Rudolfa II. obsahovala jak umělecká díla, tak fragmenty těl legendárních zvířat. Magické a vědecké, symbolické a estetické – v kabinetech kuriozit se tyto pojmy úzce prolínaly.
Dnes máme přístup k jakémukoli obrazovému materiálu, ale lidé z minulých ep ho měli mnohem méně. Nízká sociální mobilita, sedavý způsob života většiny lidí a negramotnost neumožňovaly rozšířit obraz světa. Proto byly nové obrázky - v obrazech nebo příbězích - velmi žádané a udělaly úžasný dojem.
Příběhy o cestách do dalekých zemí byly velmi oblíbeným středověkým žánrem. Příběhy o cestování na východ představují mnoho fiktivních bytostí, které, i když nejsou přímo děsivé a ošklivé, zůstávají legendární a porušují obvyklé kánony. Příběhy byly doprovázeny odpovídajícími obrázky vytvořenými v souladu se slyšeným. Obdiv, který tyto obrazy vyvolávají, je estetického rázu – navzdory tomu, že mnoho zobrazených tvorů či jevů není vůbec krásných. Zábavní síla, která je provází, nabídka podívané, legendární status – to je to, co na nich diváka přitahuje.
Vztahující se století XII„The Epistle of Prester John“, který měl velký vliv na mysl jeho současníků – jak v estetickém smyslu, tak v politickém smyslu. Vzdáleným toulkám je věnována slavná kniha Marca Pola. Kromě údajů, které lze zaměnit za skutečné historické informace, existuje spousta nadsázek a podivností. Například v popisu Java Minor (Sumatra) Polo tvrdí, že viděl jednorožce, ale ukázalo se, že to není tak krásné a jemné, jak se o něm říkalo, a proto přineslo zklamání.
Jsou zde divocí sloni a jednorožci, ne méně než sloni; jejich vlasy jsou jako buvolí a nohy slona, uprostřed čela je tlustý a černý roh; koušou, pravím vám, jazykem svým; Na jazyku mají dlouhé ostny a koušou jazykem. Šelma je ošklivého vzhledu. Nejsou takové, jak je popisujeme; nepodlehnou panně: to o nich vůbec neříkáme.
Marco Polo Kniha divů světa
V výtvarné umění Příkladem rozmarnosti jsou ilustrace ke knize římského autora Julia Obsequenta, pocházející z 15. století. Mistr, který je vytvořil, se jmenuje Mistr Boucicaut – podle další řady děl, kterou vytvořil („Kniha hodin maršála Boucicauta“). Pro lidi renesance se pojednání četlo jako směs učebnice dějepisu a fantasy románu – i když někteří z nich pochybovali, že nad některou z provincií skutečně prší kameny, bylo zajímavé si o tom přečíst. Co můžeme říci o obrazech monstrózních tvorů!
Miniatury v knihách o zeměpisu a historii znázorňovaly legendární tvory - jednorožce, okřídlené a bezkřídlé draky, cynocephalus (psiglaviáni), kyklopy, jednonohé heschiapody. Klasický estetický kánon v obrazech tvorů je nepochybně zkreslený: těžko by někoho napadlo označit postavy s tváří umístěnou na hrudi za atraktivní.
Zároveň nenesou hrozbu, která je vlastní obrazům pekelných muk, a vzbuzují zájem. Je snadné si představit renesančního školáka, který s otevřenou pusou dychtivě prohlíží takové obrazy.
Víme víc komplexní způsoby estetické dojmy než jen „krásné“. Fádní, „zaprášené barvy“ považujeme za sofistikované a oceňujeme radikální černou. Naši představivost vzrušují kontrasty – půvabné a drsné, vznešené a nízké. Víme, jak vidět krásu v nedostatcích a nedostatcích a věřit, že někdy udělají z něčeho ideálního skutečně jedinečný. Vidíme to vzrušující v děsivém a rádi lechtáme naše nervy. Připadají nám krásné podzimní deště a žhavá láva vulkánů.
Estetické cítění bylo složité a nejednoznačné různé éry- včetně těch, kdy vznikaly knižní miniatury a klasické malby.
Při pohledu na věci očima lidí jiné doby si všimneme, že i oni byli velmi dobře obeznámeni se složitými zážitky na pokraji odmítnutí a zájmu, zvědavostí badatele a obdivem k uměleckému talentu mistra, bez ohledu na to, jaký zobrazoval.
Kreativní lidé jsou talentovaní jedinci, kteří rádi jsou užiteční a dělají dobro druhým. Mají rádi svobodu, a tak jakákoliv omezení budou vnímat jako zásah do práv. Mnoho lidí tomu věří kreativní lidé osamělý, nešťastný a nežijí dlouho. Naštěstí tomu tak není vždy. Talent je člověku dán od Boha, jen je potřeba se chopit okamžiku a začít včas rozvíjet své schopnosti.
Stojí za zmínku, že mezi zázračnými dětmi je skutečně mnoho nešťastných lidí, protože jejich kreativita není pro ostatní vždy srozumitelná. Typicky průměrný člověk mozková činnost se vyskytuje v určitých mezích a vše, co tyto meze přesahuje, je vnímáno jako něco nepřirozeného a abnormálního. Z tohoto důvodu je pro kreativní lidi velmi obtížné přežít v tomto krutém světě, ve kterém je tolik přetrvávající stereotypy a neochota se vyvíjet.
Neurověda potvrzuje, že talentovaní jedinci myslí a jednají jinak. Mysl kreativních lidí je doslova navržena tak, aby myslela jedinečně, jinak než většina. Takový dar přírody však může výrazně zkomplikovat život a narušit vztahy s ostatními. Pokud znáte kreativního člověka, pravděpodobně vás nejednou napadlo, že žije v nějakém úplně jiném světě. Ve většině případů je snaha porozumět takové osobnosti stejně marná jako snaha ji změnit. Abyste se takovému člověku dokázali přizpůsobit, musíte se naučit dívat se na svět jeho očima.
Nepřetržitá mozková činnost
Kreativní mysl je nepřetržitý stroj poháněný nadměrnou zvědavostí. Neexistuje žádné speciální tlačítko, které by se dalo pozastavit a nasměrovat myšlenky klidným směrem. Kreativní lidé neustále přicházejí s různými nápady, které se mnohým mohou zdát nereálné. Talentovaný člověk ve svém zběsilém životním tempu čerpá stále více síly k realizaci vtipných a někdy i bláznivých nápadů.
Talent lháře
Je třeba poznamenat, že kreativní lidé jsou vynikající lháři. Řada experimentů ukázala, že takoví jedinci inklinují ke složitějším a složitějším lžím. Sami navíc snadno identifikují podvodníka. Jedním z projevů kreativity je nepřijatelnost existujících vzorců a rozbíjení zažitých stereotypů. Talentovaní lidé snadno vnímají neetickou povahu svého vlastního chování a také se klidně vztahují k podobným činům ostatních.
Vysoká míra nedůvěry
Nadaný člověk má tendenci nedůvěřovat ani blízkým lidem. I když rychle rozpoznává lži, je také podezřívavý vůči ostatním charakteristický rys talent. A to není překvapivé, protože abyste mohli udělat nový objev, musíte se naučit dívat se na elementární věci z jiného úhlu. Proto talentovaný člověk vše zpochybňuje, protože je mnohem snazší vytvořit něco nového od začátku.
Drzost
V průběhu různých experimentů se zjistilo, že skromnost není údělem talentovaných lidí. Mnozí z nich jsou zpravidla hrdí na své schopnosti a dovedně je využívají, což jim umožňuje stanovit si pro sebe přehnaně vysokou cenu. Navíc nadaný člověk velmi rád ukáže, jak je ovlivnitelný a jak moc si umí dělat starosti. 
Deprese
Často talentovaní lidé upadnout do deprese. Mnoho takových géniů má různé fobie: někteří se bojí onemocnět nevyléčitelnou nemocí, jiní se bojí, že zemřou mladí, jiní dokonce omdlí při pohledu na pavouka nebo švába. Psychologové v mnoha zemích se snažili zjistit, zda deprese skutečně souvisí s talentem. Po prostudování dat získaných z psychiatrických klinik to zjistili kreativní osobnostiČastěji se rozvíjejí těžké formy duševních onemocnění. Navíc je dokázáno, že nejen talent, ale i podobné poruchy se dají dědit.
Je těžké věřit v sebe sama
I když si je člověk jistý svými schopnostmi, časem si začne klást otázky: „Jsem dost dobrý? Dělám všechno správně? Kreativní lidé neustále porovnávají svou práci s výtvory jiných mistrů a nevšímají si vlastní brilantnosti, která může být každému zřejmá. V tomto ohledu je často pozorována tvůrčí stagnace, kdy se člověk jednoduše vzdá a myslí si, že všechny jeho předchozí nápady byly marné a nesmyslné. V takové chvíli je velmi důležité mít někoho nablízku opravdový přítel, která by mistrovi pomohla toto těžké období přežít.
Čas snít
Kreativní lidé jsou snílci, to jim pomáhá v jejich práci. Toho si mnozí z nás všimli nejvíce nejlepší nápady přijít k nám, když jsme mentálně přeneseni daleko od reality. Neurovědci dokázali, že představivost aktivuje mozkové procesy, které úzce souvisejí s kreativitou a fantazií.
Závislé na čase
Většina velkých mistrů přiznává, že svá nejlepší díla tvořili buď v noci, nebo za úsvitu. Například V. Nabokov si vzal pero v 6 hodin ráno, jakmile se probudil, a Frank Lloyd Wright měl ve zvyku začít pracovat ve 3 hodiny ráno a vrátit se do postele o několik hodin později. Zpravidla lidé s velkým kreativní potenciál zřídka se drží standardního denního režimu.
Soukromí
Abyste byli co nejvíce otevření kreativitě, musíte se naučit konstruktivně využívat samotu. Aby toho dosáhli, mnoho talentovaných lidí překonává svůj strach ze samoty. Lidé často vnímají kreativce a umělce jako samotáře, i když ve skutečnosti nejsou. Tato touha po samotě může být důležitý bod při vytváření toho nejlepšího díla.
Překonávání životních překážek
Mnoho kultovních děl bylo vydáno v důsledku toho, že jejich tvůrce prožíval srdcervoucí bolest a silné emoce. Různé problémy se často stávají katalyzátorem, který pomáhá vytvářet jedinečná a vynikající mistrovská díla. Psychologie dala tomuto fenoménu vědecký název – posttraumatický růst. Vědci zjistili, že často silný šok pomáhá člověku uspět v konkrétní činnosti a také v sobě objevit nové příležitosti. 
Hledejte nové zážitky
Mnoho kreativních lidí neustále hledá nové emoce a dojmy. Bohužel, někteří z nich se k dosažení tohoto efektu uchýlí k alkoholu a drogám. Je třeba poznamenat, že talentovaná osoba je vždy otevřena novým znalostem, je docela inteligentní a zvídavá. Přechod z jednoho emočního stavu do druhého je jakýmsi motorem pro zkoumání a pochopení dvou světů, vnitřního a vnějšího.
Krása zachrání svět!
Kreativní lidé bývají jiní vynikající chuť, takže se neustále snaží obklopovat krásnými věcmi. Mohou to být nejen oděvy, ale také interiérové prvky, obrazy, knihy a šperky. Některé studie zjistily, že zpěváci a hudebníci vykazují zvýšenou vnímavost a citlivost k umělecké kráse.
Spojování teček
Kreativní jedinci dokážou najít příležitost tam, kde si jí ostatní prostě nevšimnou. Mnoho slavných spisovatelů a umělci věří, že kreativita je schopnost spojovat to obyčejný člověk Nenapadlo by mě je dát dohromady v tomto pořadí. Pokud se génia zeptáte, jak dal tyto věci dohromady, bude se cítit trapně, protože na tuto otázku nebude mít odpověď. Co je těžké pro ostatní, je těžké pro kreativní člověk není obtížné.