Narozen 14.5.1944 ve Stalinsku (Novokuzněck) v evakuaci. Jeho otec byl geolog, matka pracovala jako dětská lékařka. V rodině byly tři děti.
Od dětství (13 let) Lev studoval v Leningradském divadle kreativity mládeže, které režíroval Matvey Dubrovin, student inovativního režiséra Vsevoloda Meyerholda.
V roce 1966 absolvoval Leningrad státní ústav divadlo, hudba a kinematografie (LGITMiK, nyní RGISI - Ruský státní institut múzických umění), kde studoval u režiséra a pedagoga Borise Zone.
V roce 1966 Dodin debutoval televizní hrou „První láska“ podle příběhu Ivana Turgeneva.
Jedním z jeho nejstarších a nejvýznamnějších děl byla hra na motivy hry Alexandra Ostrovského „Náš lid – nechme se počítat“ (1973) v Leningradském divadle mládeže, díky níž Dodinovo jméno zaznělo skutečně poprvé v divadelním Leningradu (sv. Petrohrad).
V letech 1975-1979 působil režisér v Leningradském oblastním činoherním a komediálním divadle (nyní Státní činoherní divadlo na Liteiny).
V roce 1974 začala spolupráce Lva Dodina s Malým činoherním divadlem (MDT) hrou Karla Čapka „Loupežník“.
Inscenace „Home“ podle románu Fjodora Abramova na MDT v roce 1980 předurčila další tvůrčí osudředitel.
Od roku 1983 je Dodin uměleckým šéfem akademického Malého činoherního divadla a od roku 2002 ředitelem
.
V září 1998 získalo divadlo statut Divadla Evropy - třetí po divadle Odeon v Paříži a Divadle Piccolo v Miláně. Lev Dodin je členem valného shromáždění Unie evropských divadel. V roce 2012 byl zvolen čestným prezidentem Unie evropských divadel.
Představení Lva Dodina byla uvedena v mnoha zemích světa - Austrálie, Velká Británie, Německo, Itálie, USA, Finsko, Francie, Česká republika, Švýcarsko, Japonsko atd. Na podzim roku 1999 se konal festival Dodinových představení v Itálie.
Celkem je Lev Dodin autorem 70 dramatických a operní inscenace. Mezi jeho tvůrčí zásluhy patří představení „Golovlevovci“ (1984) podle románu Michaila Saltykova-Ščedrina v Moskvě. umělecké divadlo s Innokentym Smoktunovským vedoucí role, „Krotký“ podle příběhu Fjodora Dostojevského s Olegem Borisovem v titulní roli na jevištích Velkého činoherního divadla v Petrohradě (1981) a Moskevského uměleckého divadla (1985), „Bratři a sestry“ (1985 ) na motivy trilogie Fjodora Abramova „Démoni“ (1991) podle románu Dostojevského a „Král Lear“ (2006) Williama Shakespeara v Maly Drama Theatre v Petrohradě.
Mezi jeho nejnovější inscenace na MDT patří „Tři sestry“ (2010) od Antona Čechova, „Portrét s deštěm“ (2011) od Alexandra Volodina, „Prohnanost a láska“ (2012) od Friedricha Schillera, „Nepřítel lidu“ ( 2013) od Henrika Ibsena, „GAUDEAMUS“ (2014) na základě příběhu S. Kaledina, „Hamlet“ (2016) podle S. Grammar, R. Holinshed, W. Shakespeare, B. Pasternak, „Strach. Milovat. Zoufalství“ (2017) na motivy her B. Brechta.
V prosinci 2014 v Moskvě v Moskevském uměleckém divadle. První turné A.P. Čechova po hře Lva Dodina " Višňový sad" Na tři večery po sobě se hlediště divadla zaplnilo do posledního místa. Výkon se ukázal uvnitř divadelní festival"Stanislavského sezóna".
Dodin je umělecký ředitel hru „Je v Argentině“ (2013) podle hry Ljudmily Petruševské v režii Taťány Šestakové.
Lev Dodin nastudoval v Salcburském muzikálu operu Elektra od Richarda Strausse velikonoční festival(Rakousko, 1995) a na festivalu Florence Musical May (Itálie, 1996), „Lady Macbeth okres Mtsensk"Dmitrij Šostakovič na festivalu "Florentinský hudební máj" (1998), " Piková dáma»Pyotr Čajkovskij v Nizozemské opeře v Amsterdamu (1998) a Paříži národní opery(1999, 2005, 2012), ve Velkém divadle (2015), opera Mazepa Petra Čajkovského v La Scale (1999), opera Salome Richarda Strausse v Opéra de Bastille v Paříži (2003), opera Khovanshchina » ve Vídni Státní opera(2014) a další.
Od roku 1967 Dodin vyučuje herectví a režii na LGITMiK (nyní Ruský státní institut múzických umění) a vychoval více než jednu generaci herců a režisérů. Dnes je profesorem, vedoucím katedry režie v Petrohradě státní akademii divadelní umění.
Dodin je čestný akademik Ruské akademie umění, čestný doktor Petrohradské humanitní univerzity odborů.
Lev Dodin je autorem knih „Rehearsals of an Untitled Play“ (2004), „Book of Reflections“ (2004) a vícesvazkové publikace „Cesta bez konce“ (2009-2011). Vydal také několik knih o cizí jazyky. Dodin je stálým členem poroty odborné soutěže literární práce"Severní Palmýra". Je uměleckým ředitelem Zimního mezinárodního divadelního festivalu.
Divadelní činnost Lva Dodina a jeho představení zaznamenalo mnoho státních i mezinárodních ceny a ocenění. V roce 1993 mu byl udělen titul Lidový umělec Ruské federace. Je laureátem Státní ceny SSSR (1986), Státní ceny Ruské federace (1993, 2003), Ceny prezidenta Ruské federace (2001), Ceny vlády Petrohradu v oboru kultury, literatury a architektury (2004). Vyznamenán Řádem za zásluhy o vlast, IV (2004) a III stupně (2009).
Režisér je také laureátem Ceny Laurence Oliviera (1988), Francouzského divadla a hudební kritiky(1992), regionální anglická divadelní cena (1992), italská cena UBU (1994), italská cena kritiků Abbiati „Za nejlepší operní představení“ (1998). V roce 2000 byl Lev Dodin oceněn nejvyšší evropskou divadelní cenou „Evropa – divadlo“.
V roce 1994 byl Dodin vyznamenán francouzským Řádem umění a dopisů důstojnosti „Za obrovský přínos ke spolupráci ruské a francouzské kultury“.
Mezi ruská ocenění režisér - "Triumf" (1992), "Zlatá maska" (1997, 1999 a 2004), "Racek" (2003), "Golden Spotlight" (1996, 2007, 2008, 2011, 2013, 2014), "2014, "2014 Průlom "(2011), Cena Andreje Mironova "Figaro" (2013), Umělecká cena Tsarskoye Selo (2013).
V roce 1996 se stal laureátem ceny Nadace K. S. Stanislavského „Za vynikající výsledky v pedagogice“, v roce 2008 - „Za přínos k rozvoji ruského divadla“.
Lev Dodin je ženatý Lidový umělec Rusko Tatyana Shestakova, herečka a ředitelka MDT. Jeho první manželkou byla herečka Natalya Tenyakova. Bratr ředitele je doktor geologických a mineralogických věd, člen korespondent Ruská akademie Věda David Dodin.
Režisér a umělecký ředitel petrohradského činoherního divadla Lev Dodin vystudoval herectví a své povolání našel v režii. Kreativní biografie Mistr má více než 50 inscenací. Lidovému umělci Ruské federace se podařilo dosáhnout celosvětového uznání. Svá díla představil divadelním divákům v USA, Německu, Velké Británii, Austrálii a dalších dvou desítkách zemí. V roce 1998 získalo MDT v jeho čele status „Theater of Europe“ a vstoupilo do uzavřené prestižní asociace.
Životopis Lva Dodina
Lev Abramovič se narodil 14. května 1944 ve Stalinsku (od roku 1961 - Novokuzněck). Jeho rodiče byli evakuováni z Leningradu ještě před začátkem blokády. Ihned po skončení války se rodina vrátila do rodné město. Drama chlapce přitahovalo raného dětství. Během studia na škole začal navštěvovat Divadlo kreativity mládeže. Po obdržení certifikátu vstoupil mladý muž do LGITMiK ke studiu herectví. Po ukončení studia zůstal certifikovaný herec v ústavu další rok a přešel na oddělení režie.
V roce 1966 absolvoval Lev Abramovich svůj profesionální debut. Nastudoval televizní hru „První láska“ podle Turgeněva. O rok později získal absolvent práci v divadle Mladý divák v Leningradu. Spojil to s postem učitele v tomtéž vzdělávací instituce, ze kterého vystudoval. Během 6 let v Divadle mladých odehrál maestro pět představení a aktivně se podílel na práci na pěti vedlejších projektech.
Od roku 1974 se Leningradské MDK stalo domácím kinem Lva Dodina. V něm inscenoval téměř 40 děl za 40 let. V roce 1983 získal režisér místo uměleckého šéfa divadla a v roce 2002 se stal jeho ředitelem. Během tohoto období se Lvu Abramovičovi podařilo spolupracovat s Činoherním a komediálním divadlem a Velkým činoherním divadlem Petrohradu. Svá představení uvedl na scéně Moskevského uměleckého divadla.
V roce 1986 Národní divadlo Helsinky byly jeho „bankrotem“. V 90. letech divadelních děl Dodin byl oceněn v divadlech ve Florencii, Salcburku a Amsterodamu. Za své služby byl režisér oceněn dvěma desítkami cen. Tento seznam obsahuje státní vyznamenání, řády a tituly Lidový umělec Rusko.
V roce 2005 L.A. Dodin začal psát knihy. Vydal šest děl, které byly spojeny do série „Baltic Seasons“. Některé byly přeloženy do angličtiny a dalších evropských jazyků.
Osobní život Lva Dodina
Lev Abramovič byl ženatý s herečkou Natalyou Tenyakovou, ale nikdy nemluvil o podrobnostech jejich vztahu.
Nyní je režisér ženatý s herečkou Tatyanou Shestakovou. Nemají žádné děti.
Divadlo Evropy, známější jako Dodinského divadlo, nebo Malé činoherní divadlo z Petrohradu, zažívá další krizi. Zatím nedošlo k žádnému úmrtí. Přední divadelní herečka Taťána Šestaková, manželka Lva Dodina, vyskočila na konci prosince loňského roku v Paříži z okna. Přežila se zlomenýma rukama a nohama.
Sám režisér byl několik měsíců v depresi, nedostavil se na kurz do divadelního ústavu a přerušil zkoušky na „Mistr a Margarita“.
Tatyana Shestakova podle zaměstnanců divadla má Nedávno byl kreativní krize, neboť byla převedena z hlavních rolí do věkových.
O Dodinském divadle se odedávna tradují temné legendy. Největší šok mezi divadelními fanoušky byl po sebevraždě slavný umělec Vladimir Osipchuk, který následoval před několika lety.
Pro herce to byla vleklá tvůrčí krize, možnost žít bez divadla, konfrontován s nemožností v něm dál žít. Přesné důvody však nikdo nezná. ano, na tom nezáleží.
Osipčukova smrt upevnila ponurou pověst divadla jako domu, ze kterého není možné odejít.
Stát se Dodinovým žákem pro herce znamenalo vstoupit do dobrovolného otroctví, vzdát se své duše pro úspěch. Všichni stáli u Dodina velké hvězdy- ne na hodinu, na celý život. K tomu však bylo nutné zříci se sebe sama a položit svůj život k nohám Mistra. To je jeho způsob kreativní metoda a nedá se s tím nic dělat.
U mnohých nastoupil pud sebezáchovy na poslední chvíli jako Maxim Leonidov - cítil, že musí utéct...
"- Maxime, ty jsi jednou absolvoval Leningrad." Divadelní ústav. Mezi vašimi učiteli byl Lev Dodin, který je dnes považován za jednoho z nejlepších divadelní ředitelé. Chtěli jste někdy pracovat ve stejném týmu se svým slavným učitelem?
Bylo to tak. Když jsem opustil skupinu "Secret" a neměl jsem zatím v plánu odejít do Izraele, měl jsem a vážný rozhovor s Lvem Abramovičem. Dokonce jsme se rozhodli, že asi přijdu pracovat do jeho divadla. Pak jsem se ale vyděsil a bál jsem se zcela přirozeně. Protože při studiu u Lva Dodina jsem dokonale chápal, co je jeho divadlo. To je v divadle naprosto stoprocentní a nikde jinde. Je třeba odevzdat se celý nejen divadlu, ale i přímo Lvu Abramovičovi. Faktem je, že jde o zvláštní režii, zvláštní divadelní vztah. Obecně to pro mě není. Jsem docela svobodomyslný chlap a je pro mě těžké se tak bezpodmínečně svěřit do rukou i svému oblíbenému učiteli."
Mnozí si ale zvolili jinou cestu a Osipčuk byl jedním z nich.
Dodinského divadlo vytrhává z diváka daleko skryté zážitky, apeluje na atavismy vědomí, probouzí reflexy na úrovni sympatického nervový systém. Ale to je dáno hercům na vlastní náklady. kolosální dílo, za cenu života v jiném souřadnicovém systému. Za cenu toho, že se vzdají denního světla – jak víte, v divadelním sále nejsou okna a tráví tam skoro všechen čas.
O souřadnicovém systému - svět Dodinského divadla má svůj vlastní jazyk a své postavy. O Dodinovi se již psalo jako o Mistrovi, který vytvořil divadelní školu a metodu. O obětech metody se zatím nepsalo, pravděpodobně proto, že jsou dobrovolné a ve jménu umění. V překladu z divadla to znamená svatí.
„Dodin slovo „plánovat“ nepoužívá, zejména jeho redukované varianty jako notoricky známé „plánovat“, je nahrazeno pro neznalce podivným podstatným jménem konspirace a od něj odvozenými slovesy: konspirovat, konspirovat znamená úroveň vzájemného porozumění dosaženého účastníky práce, na rozdíl od jediné, osobní představy režiséra vycházejícího ze zbytku účastníků zkušební proces se záměrem.
Slovo „zkouška“ se používá v rozhovorech s administrativou, uměleckým a produkčním oddělením, na tiskových konferencích atd. Umělci a účastníci znají slovo sample obecně, což odpovídá německému „die Probe“ (zkouška, zkušenost, test, vzorek, zkouška). Francouzské „la repetition“ (opakování, zkouška) zásadně odporuje Dodinově tvůrčí filozofii, to se ukáže později. V Dodinově slovníku není místo pro „proběhnutí“, jedno z nejběžnějších slov v divadelním argotu. Pokud se během produkce představení hraje hra nebo jakákoli její velká část bez přerušení, nazývá se to průběžný test. Slovo sample také znamená „etuda“ – zkušební skladba umělců. Často přitom můžete slyšet etudové pocity pohody, ne vždy v pozitivním slova smyslu, podle situace.
Ve zkušebně a vzdělávací práce neexistují žádné „přestávky“ nebo „přestávky“ - vždy pauzy. Pauza je smysluplným strukturálním okamžikem, kdy se hromadí nové myšlenky, nápady, vize, nebo v Dodinově terminologii vnitřní texty. V autorově paměti nebylo na konci zkoušky nebo lekce nikdy slyšet „dokončeno“ nebo „to je pro dnešek vše“ atd. Místo toho říká „tam se zastavíme“, což samozřejmě není třeba komentovat.
Z nějakého důvodu Dodin nemá rád sloveso „opustit“ v jeho doslovném významu, což znamená směr pohybu. Dává přednost slovesu rozptýlit, zřejmě kvůli tomu, že není tak úplné.
V Dodinově tvůrčí laboratoři téměř dominuje sféra slov. Všechny jeho základní myšlenky, záměry, podněty jsou vyjádřeny především slovem, vždy originálním a výrazným. Šestihodinový monolog není v biografii učitele a režiséra Dodina takovou vzácností. Autor měl možnost být svědkem této formy komunikace se studenty a umělci minimálně třikrát. A pokaždé měl Dodin co říct.
Dodinův postoj ke slovům je přitom přinejmenším ambivalentní. Ve své práci nemá rád akademické termíny. Většina divadelních slov z jeho pohledu plesnivá a jiná jsou vykládána tak subjektivně, že je bezpečnější použít vlastní. Absence speciální terminologie v její obecně přijímané podobě je také vysvětlena jednou z Dodinových osobních fobií: strachem ze zotročení slovy na podvědomé úrovni. Jejich beznadějná síla byla prozkoumána v představeních „Lord of the Flies“, „Demons“, „Claustrofobie“, „Chevengur“ a částečně v „Gaudeamus“.
Obecně by lingvistická analýza Dodinovy režijní a pedagogické metody mohla přinést zajímavé výsledky. Změny v kreativní psychologie postřehnutelné již na úrovni slovníku. Zde jsou výroky z doby před patnácti lety: „... Jsem si jist: dnešního diváka je třeba vytrhnout z obvyklého proudu života na dlouhou dobu a důkladně... Diváka, který vstoupil do divadla, je třeba přimět, aby pochopil ... Pro mě dnes není ideál divadla ten, který snadno zapadne do mého obvyklého běhu života, a ten, který mě z něj vytrhne, zpochybňuje, vyžaduje, abych něco přehodnotil.“
Sláva je téměř prorocká. A termín se naplnil. Musíme něco přehodnotit. Naléhavě, protože Shestakova čin je ostrým signálem k přehodnocení.
Herci jsou Dodinovi obětavě oddáni jako dítě, absorbovali jeho úctu k procesu zrodu divadla a ztotožňovali režiséra s tvůrcem divadla.
„- Teď si vzpomínám, že před premiérou „Racek“ v Petrohradském činoherním divadle měl herec Pjotr Semak vážné zranění krku. Trval na tom, že premiéra se neodkládá, hrál v sádrovém límci, protože on nechtěl zklamat své divadlo, svého režiséra... .
To znamená, že Lev Dodin vytvořil tým v divadle a vytvořil určité hodnoty.“
Není to tak úplně pravda. Protože to nejsou hodnoty, které se vytvořily, ale superhodnoty, a pokud v systému dojde k druhému hroznému selhání, nastal čas tyto superhodnoty změnit, jinak se zhroutí celý svět. Jak se hroutí divadelní budova Divadlo Evropy na Rubinshteina ulici v Petrohradě: „Navštívili jsme mnohé divadelní školy Evropu, odtud se na nás obracejí s prosbou o pomoc, o radu, s žádostmi o nejrůznější stáže a kurzy, ale kolegy sem přijímat nemůžeme, protože když je budu vést po našich schodech, budou z toho nemocní. Kdysi bylo toto schodiště neméně ošklivé, nechtěli ho opravovat. Najednou se však, naštěstí pro nás, rozšířila fáma, že tehdejší první tajemník krajského výboru, zdá se, přijde na hru „Bratři a sestry“. Natěšený ředitel okamžitě svolal okresní stranický výbor, ti vyslali tým dělníků a celé schodiště zakryli železem a zakryli staletou hnilobu. První tajemník krajského výboru nedorazil, ale dlouhá léta Schodiště vypadalo, i když architektonicky divně, ale přinejmenším slušně. Dnes je vše vytrháno a znovu vystrkuje staletá hniloba. Uprostřed toho všeho chodíme a zkoušíme. Samozřejmě, že tam prostě nemůžu pustit nikoho mladého, stydím se,“ říká Lev Dodin o budově divadla...
Ale Dodinského divadlo žije ne schodištěm, ale zákulisím – duchem zákulisí, atmosférou, kterou Dodin vytváří. Když mluvíme o úspěchu, je trochu falešný.
„V zahraničí, stejně jako u nás, veřejnost láká setkání s skutečné umění, říká Lev Dodin. - Nikoho nelze zlákat a donutit, aby trpělivě seděl hlediště dlouho(ale naše představení ve třech částech podle Dostojevského románu „Démoni“ trvá asi 10 hodin!), pokud to, co se děje na jevišti, neodpovídá myšlenkám a zkušenostem diváků. Herci s největší upřímností a vášní sdílejí své myšlenky na moderní morální a duchovní otázky, které se týkají každého. Věřím, že právě tuto upřímnost a aktuálnost divák oceňuje, ať už v Paříži, Londýně, Bruselu, Amsterdamu nebo Petrohradu.“
Divák si neváží upřímnosti, divák cítí, jak na Dodinově scéně umělec prosakuje reálný život jak se na něj, na diváka, utrácí krev a maso, a proto je Dodinovo divadlo skutečné.
“- Nelze se vyhnout pocitu uměleckého zmatku, protože jste neustále ve stavu zmatku před tím, co byste chtěli vyjádřit. Umělecký zmatek je nedílnou vlastností člověka, který by rád něco řekl není co říct, pak není hloupost, je dost slov, ale když chcete hodně říct a pochopit, přemůže vás hloupost, kterou je velmi těžké překonat, ale myslím, že to není proto, že jste pozadu rytmu dnešního života, jak se můžeš dostat za hlavu s jejím postojem ke kultuře protože neumíš vyprávět příběh o mrakodrapu ?Ale nemusíš ho vyprávět, jen to, co děláš, ukazuje tvé nervy, které jsi prožil, když děláš své nervy. pak se chtě nechtě tento mrakodrap ve vašem výkonu zhroutí. Pokud děláte představení s něčím jiným, nezažijete žádný zmatek, protože všechny recepty jsou jasné a srozumitelné."
Dodinského mrakodrap se zřítil. Z okna v Paříži. Nyní potřebujeme mistra, abychom přežili. Protože všechny životy herců v Dodinském divadle jsou jako struny sevřeny v jeho ruce. Nemohou bez něj žít, nechtějí, nevědí jak. Rozhodli se sami a bylo nejnovější rozhodnutí. Nebo - ten předposlední, což je nejhorší.
Lev Dodin nejen režíruje Petrohradské MDT, které nese titul Divadlo Evropy, ale také je již více než 20 let vedoucím oddělení režie ve SPGATI a za tuto dobu absolvoval dva režijní kurzy. Výsledek byl zvláštní. Žádný z ředitelů uvolněných v roce 1994 se ani nepřiblížil úrovni učitele. A absolventům roku 2007 magistr vůbec nepodepisoval ředitelské diplomy. Divadlo. Rozhodl jsem se zeptat Lva Dodina, zda je vůbec možné režii vyučovat a zda má cenu to zkoušet.
JZ: Proslýchá se, že jste byl zklamán možností vyučovat režii a rozhodl jste se zcela opustit sadu kurzů režie. Jak moc je to pravda?
LD: Pravděpodobně to bylo řečeno v srdcích. Ale myslím, že naučit režii je doslova nemožné, můžete se zkusit naučit režii. V v tomto případě Záleží na žákovi, možná ještě víc než na mistrovi. Protože jádrem režie – bojím se říci „umění“ – je osobní začátek. Vše se měří měřítkem jednotlivce. Další věc je, že, jak se mi zdá správně, poznamenal Kama Ginkas ve svém rozhovoru pro Izvestija, gramotný malicherný člověk je lepší než negramotný malicherný člověk. Rád bych mohl těm, kteří přijdou studovat režii, zprostředkovat řadu technologických dovedností a neměnných zákonitostí. Literární kompozice, prostorová kompozice, hudební kompozice, zákon kontrapunktu - obvykle se to ředitelé neučí. Tyto předměty jsem představil ve svém kurzu. Meyerhold kdysi slíbil, že napíše učebnici režie, která bude velmi krátká a celá bude vycházet z hudební teorie. To je pravda, protože skutečné divadlo je vždy hudební kompozice, bez ohledu na to, zda je v něm hudba nebo ne. Můžete se také pokusit naučit zákony vyplývající ze Stanislavského systému. Samozřejmě, že „Stanislavského systém“ je v tomto případě podmíněná definice, protože jeho doslovné pokyny jsou zjevně zastaralé, a pak je ne vždy úspěšně vyjádřil pomocí vzorců své doby. Takže je dnes docela těžké číst „Dílo herce na sobě“ na rozdíl od „Můj život v umění“. Ale kromě „Můj život v umění“ si můžete přečíst Stanislavského umělecké poznámky a jeho deníky. To je úžasná lekce, protože Stanislavskij neustále analyzuje svou technologii a stěžuje si na její nedokonalosti. Boris Vulfovich Zon nám řekl, že když vyšla kniha „Můj život v umění“, jeden z nepříliš nadaných umělců spokojeně zvolal: „Takže K.S. Stanislavskij opravdu dělá obrovské množství výtek pro každou ze svých rolí. Ale Boris Vulfovich, který našel Stanislavského na jevišti, tvrdil, že je to prostě úžasný umělec. Jak stejného Salieriho, kterého proklíná, tak stejného Othella zahrál bravurně. Stanislavskij vždy snil o dosažení dokonalosti. Možná je tato kvalita hlavní věcí v tom, co nazýváme „Stanislavského systému“.
JZ: Perfekcionismus?
LD: Neustále usilovat o dokonalost a zároveň si uvědomovat, že je nedosažitelná. A neustálá živá reakce na to, co se v životě děje, a na to, co se děje vám. Poznání života není mentální, ne na úrovni teorie, ale prostřednictvím osobní zkušenosti a představivosti. Můžete to zkusit naučit i vy. To ale bude dávat smysl jen tehdy, bude-li studentem člověk s velkým osobním začátkem. Často jsem se setkal s brilantními mladými lidmi, kteří zpočátku hodně slibovali, ale pak rychle vyhořeli. Režie je běh na dlouhou trať. Víc než maraton. Vyžaduje to mocné životní otužování – musí to někam vést velká skupina umělci, vedení divadla jako celku, všichni zaměstnanci, utrácení spousty peněz za rozhodování... Pamatuji si, že když jsem byl mladý, prostě mě zabíjelo, že musím říct, udělej to či ono a ta částka, která bude na tom závisely výdaje. První úspěchy by tedy neměly klamat. Brook začal skvěle a pokračoval mocně po mnoho let, stejně jako Strehler. Proto jsou skvělé. Ale mnozí, kteří začínali vedle nich, velmi rychle přestali. První představení člověk odehraje přibližně ve 25 letech, to znamená, že vyjádří zkušenost z 25 let svého života a další představení je uvedeno zpravidla nejpozději za rok - to znamená, že nová zkušenost je pouze let starý. A vše záleží na intenzitě, s jakou dokáže režisér tento zážitek osvěžit a obohatit a jak moc ho přijímání dojmů zajímá.
JZ: Jaké dojmy by se měl snažit získat?
LD: V první řadě by to měly být zážitky, které zvednou úroveň kultury. Když jsme začínali s režijním kurzem, snažil jsem se zavést všechny ty předměty, které jsem se neučil a jejichž nedostatek jsem pociťoval celý život. Obecně jsem si jist, že režie školství není ústav, ústav je jen první krok, učňovství vždy hrálo obrovskou roli. Divadlo je řemeslo vytvořené člověkem. A jako v jiných řemeslech, i zde se zkušenosti předávají z generace na generaci, z mistra na studenta. Tak to bylo s umělci raná renesance- když příslušnost k určité dílně určovala hodně v umělcově osudu. Pak se osamostatnil, ale pobyt v dílně, kde už byl polosamostatný, ale dál pracoval vedle mistra, je, zdá se mi, nádherná scéna, která je dnes prakticky vymazána z divadelního zážitku.
ZhZ: No, samotný model divadla v čele s mistrem se stává minulostí.
LD: A zároveň je tu spousta divadel a spousta představení se hraje. Mladí režiséři jsou žádaní. A proto potřeba získat zkušenosti, inteligenci a umělecké dojmy příliš mnoho neznamená. Recenze jsou zveřejňovány na jakékoli představení, jedna z nich bude vždy pochvalná – a to je pro režiséra právě důležité, vše ostatní lze vysvětlit tím, že autoři jsou hloupí nebo zaujatí. Peněz na poplatky je také dost pro všechny. Můžete tak v klidu přejít na další představení. Za mých časů byl problém přesně opačný: pro mladého režiséra bylo těžké prorazit, protože režie byla považována za ideologickou profesi. Na svá mladá léta v divadle vzpomínám většinou bez radosti, ale jsem vděčný osudu, že mi dal možnost pracovat poměrně dlouho jako druhý režisér v Divadle mladých a hodně se toho od Zinových přiučit. Jakovlevič Korogodskij. Včetně toho, co nedělat. To znamená, že se tam formovala i moje, dá se říct, profesní a morální pozice. Pro režiséra je to velmi důležitá otázka, protože naše profese není jen o sebevyjádření jako umělec nebo skladatel. V divadle jsou barvy umělci, jsou objekty a subjekty režisérova vlivu. Musíte se umět chovat důstojně, nebýt na úrovni nižší než oni a zároveň je mít jistotu, že je někam dovedete. Ne nadarmo je režisér přirovnáván ke kapitánovi, který vede loď a říká posádce, že jedeme správným kursem, i když si vůbec není jistý, že tam bude pevnina. Nezáleží na tom, že Kolumbus hledal zkratku do Indie, ale objevil Ameriku. Je důležité, že doplul k některým břehům a udržel posádku v přesvědčení, že plují na správné místo. To, že po cestě můžete objevit něco nečekaného, je úžasné a radostné, ale nejdůležitější je zkusit plavat a hledat. Zdá se mi, že největším problémem dnešní režie je kupodivu zkostnatění v určitých vkusových hranicích, které nejsou podporovány ani kulturou, ani živými životními zkušenostmi, ale představují jakousi realitu, v níž je vše převráceno a jen proto má právo na existenci. A také se mi zdá, že jak kritici, tak starší generace režiséři, když to všechno vidí, se bojí říct, že král je nahý, bojí se být v menšině, být obviněn z hlouposti a senilního reptání. Zdá se, že propadají zvláštní víře, že když je vše obráceno, znamená to, že to tak má být a něco to znamená, ale ve skutečnosti je to jen známka naprosté nepřipravenosti a neschopnosti. To, že taková neschopnost je dnes v celé Evropě čím dál častější, je krize divadla. O jakési naší divokosti vypovídá fakt, že dnes divadlo vysoké literatury stále více mizí v zapomnění a je nahrazováno vizuálními akcemi. Protože právě archaika byla ve svých projevech vizuální: divoch tančil před a po honu nějaký tanec, protože se tehdy ještě neuměl vyjadřovat ani pomocí kreseb, o psaní nemluvě. A nyní se k této archaické, ne-li superdivokosti často vracíme. Přitom každý moderní divadelní, takříkajíc „tanec“, který ve skutečnosti nemá žádný význam, najde vysvětlení, protože vysvětlit lze cokoliv. A tato situace samozřejmě velmi ovlivňuje růst neslušnosti v divadle.
JZ: Ale vizuální divadlo není nutně synonymem pro divadlo bez kultury?
LD: Ne nutně. Například Pina Bausch měla nádherné vizuální divadlo, ale vzniklo v době, kdy bylo poblíž také velmi silné divadlo skvělá literatura, ale dnes je toho divadla čím dál tím méně, už je skoro nežádané - kritikou, každopádně. Mezi publikem je velmi žádaný: hodně cestujeme po světě a po Rusku – a vidíme, že od světových metropolí až po periferie publikum mimořádně živě reaguje na živé divadlo velké literatury. Podívejte se, co se stalo v Paříži na „Démonech“ – devítihodinovém představení v cizím jazyce. Divák po tomto druhu umění touží, protože jediné mu dává možnost se do něčeho kolektivně vcítit a i když na chvíli se dostat ze své samoty, slyšet, že někdo netrpí o nic méně než on, protože velká literatura je popisem trpícího lidstva.
ZhZ: Takže podle vás obrázky nikdy nebudou moci plnit takovou funkci?
LD: Nemyslím si, že mohou. Opět platí, že hodnota obrazu závisí na tom, jak hlubokou myšlenku vyjadřuje. Často vidíme zajímavé obrázky a metafory, které vyjadřují velmi primitivní myšlenku. Dokážete si představit velmi metaforického „Hamleta“, ale pokud je v něm Hamlet a priori dobrý a Claudius a priori špatný, pak mi metafory nic nového neřeknou. A takového divadla – prý metaforického – je spousta. Napodobuje díla mistrů metaforického divadla, které obsahuje velmi důležité nové významy. Například v Nyakrosiově „Hamletovi“ jsou objevy související s duchem jeho otce, je tam jeho poslední zoufalý výkřik, protože chápe, že zplodil další vraždu a způsobil smrt svého vlastního syna. Když dochází k intelektuálnímu a smyslovému objevu, metafora dává hodně. Ale dnes se s imitací metafory nejčastěji setkáváme, když buď vyjadřuje ploché myšlenky, nebo neobsahuje vůbec žádné myšlenky. Takový režisér většinou nechává umělce dělat, co chtějí – dovnitř nejlepší scénář Roztáhne je od sebe, aby se nesrazily.
ZhZ: Není to tak dávno, co váš student Dmitrij Volkostrelov, který nezískal diplom režie, nastudoval hru „Zamčené dveře“ podle hry Pavla Prjažka. Existuje tedy velmi jasně vyjádřená myšlenka, že napodobování je diagnóza moderní společnost. Napodobování všeho: činností, pocitů, života jako takového.
LD: Ano, slyšel jsem to zajímavý výkon, ale ještě jsem to neviděl. Je to pořad pro mládež?
ZhZ: Pracují tam všichni vaši studenti – spolužáci Volkostrelové: Alena Starostina, Ivan Nikolaev, Pavel Chinarev, Dmitrij Lugovkin a další. Nadále drží spolu – a evidentně si rozumí.
LD: Díky bohu. Jsem rád. Myslím, že myšlenka, o které mluvíte, není bezvýznamná. Stanislavskij velmi ostře rozlišuje mezi pojmy „rytmus“ a „tempo“. Proto vzniká pojem „tempový rytmus“. Často může být tempo velmi rychlé, ale rytmus je nulový. A naopak, tempo může být velmi pomalé, ale rytmus – tedy napětí duchovního života, tlukot srdce – může být velmi vysoký. Nechci působit jako falešný patriot z Petrohradu, ale kdysi jsem dva roky pracoval v Moskvě, kterou jsem vždy velmi miloval a stále miluji, a najednou jsem zjistil, že je tam zběsilé tempo života s velmi nízký rytmus. Navíc to lze pochopit pouze zevnitř, protože navenek se zdá, že vše aktivně žije, pohybuje se, hádají se spolu. Ale ukázalo se, že vnitřně všechno stojí na místě. To je problém dnešní kultury obecně – když se sociální témata nahrazují umělecké problémy. Například v Anglii (nebo ve Francii - to je jedno) je mnohem snazší získat grant na hru, kde jsou zapojeni dva Afričané, dva Japonci a dva Židé, než na hru, kde jsou zapojeni všichni Angličané a oni inscenují Shakespeara nebo Čechova.
ZhZ: Existují další kritéria: například filmoví režiséři ujišťují, že je docela snadné získat peníze od producentů, když je přesvědčíte, že natočíte artový film.
LD: Ale musíte uznat, že je docela zvláštní vědomě říkat, že dělám arthouse. Dělám co dělám. něco se učím. K čemu to povede, je nepředvídatelné. Jak víte, vůně růže je popsána na tisíc způsobů. Chcete-li najít nový, existují dvě možnosti: buď najít těchto tisíc způsobů a najít tisíc a první, nebo neznáte žádný z nich a náhodou vyhrnete něco dosud nevídaného. Myslím, že druhý trend nyní výrazně potlačuje ten první.
JZ: Lev Abramoviči, plyne z toho, co jste právě řekl, že by se režiséři měli vzdělávat v divadle slova - a pokud dokážou profesionálně vykonávat tuto, relativně vzato, tradiční práci, pak mohou jít v klidu hledat něco jiného, nového? ?
LD: Řekl bych ne divadlu slov, ale divadlu velké literatury, velké téma. Ostatně ne nadarmo vznikala literatura po staletí a ne nadarmo dala světu tolik myšlenkových titánů. Dnes mám tu čest být členem poroty Velké knihy. Téměř za sebou vítězí kniha Dmitrije Bykova o Pasternakovi a kniha Pavla Basinského o Lvu Tolstém. Zdá se, že se nejedná o moderní postavy, které je velmi obtížné analyzovat z pohledu dnešního života. Ale díky tomu, že je tam mocný hrdina, jeho osobnost povznáší i samotné autory. Dokonce bych to řekl: existují tři hypostázy Velké divadlo- skvělá literatura, skvělá malba a skvělá hudba. Proto musíme studovat. Už samotná potřeba učit se naznačuje přítomnost osobního začátku. Drobná osobnost je většinou spokojená sama se sebou. Kdo není spokojen sám se sebou, kdo chápe, že kolem něj je svět, který nezná, je připraven být učedníkem, být druhým. Koneckonců, k učednictví dochází v podstatě po celý život. Stejně jako Cvetajevová: „Hodina učení je v životě každého vážně nevyhnutelná.“
ZhZ: Proč vás vaši studenti tak naštvali, že jste se dokonce rozhodl opustit myšlenku školit režiséry?
LD: Ne, nerozhodl jsem se odmítnout. Dokonce o tom přemýšlím příští rok absolvovat kurz režie. Protože jak jedna, tak i druhá generace mých absolventů nyní objevila některé nedostatky, které jsem nemohl předvídat.
JZ: Jsou to generační nedostatky?
LD: Ne, osobně. Ve výsledku se ukázalo, že to bylo osobní. Protože lidé velmi rychle asimilují vnější věci a technologie, ale s velkými obtížemi nacházejí vnitřní. Řekl to i Tovstonogov, který věděl, jak učit režiséry. V každém kurzu měl několik pozoruhodných postav a dnes jeho studenti ještě hodně určují moderní divadlo. Ale i Tovstonogov si mi několikrát stěžoval, že nemůže chodit na představení svých žáků, protože nikdy nečekal, že takhle vyroste. Možná se někdy mýlil – skutečně, žák je důležitý jen tehdy, když učiteli v něčem vyvrací. Můj učitel Boris Vulfovič Zon také nikdy nechodil na představení za účasti svých slavných žáků. A chápu, čeho se bál: ztráty energie klamu – myslí si, že se poučil, a pak uvidí čerta. Jednou šel, protože to bylo osobní pozvání - umělec Leonid Dyachkov udělal nezávislé představení založené na „ Mrtvé duše" Pamatuji si, že druhý den přišel Boris Vulfovič k publiku šokovaný. "Ukazuje se, že je to dobrá věc," řekl. "Nikdy jsem to nečekal." Tato zdravá skepse učitele je nesmírně potřebná, chybí mi.
JZ: Máte rádi své studenty?
LD: Mám rád herce. Ano, a režiséři se vyvíjejí. Musíme jen počkat. Takže říkáte, Dima Volkostrelov předvedl dobrý výkon. Celých pět let toužil po režii – na kurzu se sice jako režisér opravdu neprojevil, ale pilně studoval, to je pravda. A jsem rád, když to teď roste. Mám radost z každého úspěchu mých studentů.
ZhZ: Dima, na rozdíl od mnoha mladých režisérů, pravidelně navštěvuje knihovnu.
LD: Zdá se mi, že přesně tohle se naučili – číst knihy: o životě ao umění. To samo o sobě není tak málo, ale chci víc.
ZhZ: Lišily se vaše dva režijní kurzy principy nebo formami školení?
LD: Prvním kurzem byla režie a herectví: nejprve jsme přijali skupinu režisérů o 9 lidech a další rok jsme nabrali umělce a letos poslední kurz Existovala hodina herectví a režie, to znamená, že všichni studenti byli přijati najednou a studovali pět let, ale někteří se přihlásili na režii. A tady je to zajímavé: v kurzu, kde nabírali nejprve režiséry a potom herce, se jako poněkud poškozená strana vyklubala umělci, protože režisérům bylo věnováno hodně úsilí a mezi mnou a studentem byl takový spojovací článek. herci - kurz režie. V důsledku toho herci, zdá se mi, něco ztratili. Ale v kurzu herectví a režie ti, kteří se snažili naučit režii, hodně ztratili, protože jsem s nimi moc nepracoval, myslel jsem si, že když rozumí všemu, co s umělci při psaní hry děláme, tak to pochopí, chtě nechtě se něco naučit. Takhle jsem se učil u Borise Vulfoviče Zona: nedal mi jedinou lekci režie. Nastoupil jsem do hereckého kurzu, od prvního ročníku jsem začal dělat samostatné zkoušky a někde na konci druhého mě Boris Vulfovich převedl na režii. Byl jsem samozřejmě rád, že jsem měl k dispozici celý herecký kurz: mohl jsem si s nimi vyzkoušet cokoli a asistovat Borisi Vulfovičovi v absolventských představeních. Ale Boris Vulfovich byl velmi ironický o profesi režiséra, kupodivu. Ostatně on sám byl svého času geniálním režisérem, hereckému umění podle Stanislavského však natolik věřil, že režii považoval za hluboce podružnou. Utěšoval mou matku a řekl jí o mně: „No, když neuspěje s režií, umělecké čtení vždy může studovat."
ZhZ: Chápu správně, že od nejnovější problém Nedal jsi nikomu diplom režiséra?
LD: Vydali jsme diplom Sergeji Shchipitsinovi poté, co nastudoval tři představení. Ale každý má právo na to. Tady Lena Solomonova projevuje režijní sklony a já bych jí chtěl nějak pomoci v postupu.
JZ: Jsou nějaká díla vašich prvních vystudovaných režisérů, která na vás zapůsobila?
LD: No, například vidím, jak Igor Konyaev roste - ano, ve skutečnosti už vyrostl. Velmi energicky se snažil režírovat, byl velmi pracovitý - Igor psal ohromně semestrální práce. Poté jsme pracovali na „Hra bez názvu“ a studenti měli za úkol: najít materiály o životě statkáře, o životě panství. konec XIX století. Konyaev tedy napsal celou disertační práci. Je to velmi pečlivý člověk. Nyní vede ruské divadlo v Rize a myslím, že je to spravedlivé. Jsem potěšen tím, jak Oleg Dmitriev roste: šťastně, jak se mi zdá, kombinuje svůj herecký růst (na jevišti hrál mnoho vážných rolí) se svým režijním růstem. Oleg založil jeho malé divadlo, což mu nebrání v práci na MDT. Oleg Dmitriev má určitý vkus, umělecké preference, je velmi vzdělaný - a stejně jako Konyaev pracovitý a pedantský. Zdá se mi, že výkon od výkonu to přináší stále více ovoce. Velmi mě zajímá vývoj Yury Kordonského, který se podle mého názoru již stal profesorem na plný úvazek (a to je velmi vážná pozice) na Stanfordské univerzitě. Yuri pořádá představení po celém světě, v Rumunsku ho prostě nosí v náručí. Ale zároveň zůstal velmi měkkým, subtilním a navenek diskrétním člověkem. Yura s námi velmi zajímavě pracoval na „Dům Bernardy Alby“. Stačí tedy vydržet – režisérův talent se projevuje postupně.
ruština divadelní režisér Lev Dodin. Známý jako režisér a umělecký ředitel Malého činoherního divadla v Petrohradě, vedoucí oddělení režie v SPGATI. Dodin je vlastníkem Zlaté masky, stejně jako titulů Lidového umělce Ruska a Ctěného umělce RSFSR.
Lev Dodin se narodil v roce 1944 ve městě Stalinsk (Novokuzněck), odkud jeho rodiče uprchli při evakuaci z Leningradská blokáda. Po skončení války se s nimi Lev vrátil do města na Něvě, kde zůstal žít mnoho let.
Již od raného dětství malý lev začal se zajímat o divadlo a byl častým štamgastem Leningradské scény pro mladé diváky. Jako školák začal chodit do Divadla tvořivosti mládeže v Paláci pionýrů a tam poprvé pocítil sílu umění a uvědomění, že by měl patřit do tohoto světa.
Ihned po absolvování školy Lev úspěšně vstoupil do Leningradského institutu divadla, hudby a kinematografie na kurzu slavného Borise Zona, který hodně absolvoval. talentovaní herci. Poté, co Dodin vystudoval požadovaný počet let, pokračoval ve studiu další rok v režii Zone a absolvoval tento institut až v roce 1966.
Pouhý rok po absolvování institutu se sám Dodin stal učitelem na LGITMiK, kde vyučoval studenty režii a herectví. Tento příspěvek v něm zůstane ještě dlouho.
Lev Dodin: „Nejsem ani tak režisér, jako učitel. Alespoň pro mě to první bez druhého neexistuje. A už dávno bych přestal režírovat, kdyby to nezahrnovalo pedagogiku.“
Tvůrčí cesta Lva Dodina / Lev Dodina
První nezávislý kreativní práce Premiérou se stala televizní hra Lva Dodina „První láska“, založená na Turgenevově příběhu.
Od roku 1967 přichází Dodin do Leningradského divadla mladých diváků, kde během šesti let inscenuje asi 10 představení.
V roce 1974 odešel do Malého činoherního divadla v Petrohradě. Pod jeho vedením se MDT stalo součástí Unie evropských divadel a poté získalo status „Divadlo Evropy“.
Lev Dodin je nositelem mnoha divadelních a státních cen. Mezi ně patří Cena Georgy Tovstonogova, Divadelní cena„Golden Sofit“, Řád za zásluhy o vlast, Prezidentská cena Ruská Federace v oblasti literatury a umění, Státní cena SSSR, Státní cena Ruské federace, Evropská divadelní cena.
V roce 1983 byl Dodin jmenován uměleckým ředitelem MDT a v roce 2002 souhlasil s přijetím funkce divadelního ředitele.
Lev Dodin: „Když mi byl nabídnut tento post, moje první myšlenka byla odmítnout. Ale v té době už byli v družině moji studenti, kteří mi napsali dopis, abych přišel do divadla. Pak k nim byly přidány další problémy a další. S mnoha z nich spolupracujeme již více než čtvrt století. A zatím – pah-pah – nejenže nejsme jeden druhého unavení, ale zdá se mi, že si teprve začínáme skutečně rozumět.“
Souběžně se svou prací na MDT Dodin příležitostně spolupracuje s dalšími divadly, včetně Leningradského oblastní divadlo drama a komedie, Leningradské divadlo komedie, Moskevské umělecké divadlo. M. Gorkij, Leningradské Velké činoherní divadlo. M. Gorkij. Své hry inscenuje také na scénách v Amsterdamu, Florencii, Helsinkách a Salcburku.
Dodinův repertoár zahrnuje díla založená na dílech klasiků jako Anton Čechov, William Shakespeare, Fjodor Dostojevskij, Dmitrij Šostakovič a další.
Lev Dodin: „Režie je běh na dlouhou trať. Víc než maraton. Vyžaduje to silný životní trénink – potřebujete někam vést velkou skupinu umělců, vést divadlo jako celek, všechny zaměstnance, utrácet spoustu peněz za rozhodování...“
Dodin raději nemluví o svém osobním životě. Je známo pouze to, že je ženatý s Tatyanou Shestakovou, a toto je jeho druhé manželství po rozvodu s Natalyou Tenyakovou.
Filmografie Lva Dodina / Lev Dodin
- 2009 Chevengur (filmová hra)
- 2009 Hra bez názvu (filmová hra)
- 2009 Moskevský sbor (filmová hra)
- 2008 Demons (filmová hra)
- 1989 Hvězdy na ranní obloze (filmová hra)
- 1987 Meek (filmová hra)
- 1983 Ach, tyhle hvězdy... (filmová hra)
- 1982 House (filmová hra)
- 1966 První láska (filmová hra)