Člověk je nevyčerpatelným zdrojem lásky, laskavosti a radosti. Všichni jsme stejní, na celém světě. Nemůžeme omezit své emoce v dojemných okamžicích nebo když je naše duše těžká a bolestivá.
Tyto fotografie ukazují, jak bohatá je duše každého člověka, jak silný je člověk v duchu. Při pohledu na tyto fotografie jste přesvědčeni, že hlavní je pro nás život. A život je láska, teplo našich srdcí, laskavost k bližním a radost z každého dne života.
Osmiletý Christian přijímá vlajku během vzpomínkové akce za svého otce, který byl zabit na hlídce v Iráku.
Otec alkoholik a jeho syn
"Tati, počkej na mě." Před odchodem do války
sovětští vojáci chystat se na Bitva u Kurskačervence 1943
Křesťané chrání muslimy během modliteb na vrcholu povstání v Káhiře v roce 2011
Terry Gurola se setkává s dcerou poté, co sloužil v Iráku po dobu 7 měsíců
Rumunské dávání dětí balón...policistovi během protestů v Bukurešti
Pětileté dítě zachráněné z 8 dnů uvězněných pod sutinami způsobenými zemětřesením na Haiti
Ajim Shalu, 2, je předán přes plot z ostnatého drátu do rukou svých prarodičů v kosovském uprchlickém táboře. 
Plačící muž... Vypadá Rodinné album který byl nalezen v troskách jeho starého domu po zemětřesení v Sichuanu 
Ikonická fotografie neznámého rebela, který stál před kolonou čínských tanků v aktu neposlušnosti během protestů na náměstí Nebeského klidu v roce 1989 
Přátelé v první linii, kteří byli každý rok fotografováni, dokud jeden z nich nezemřel
17letý Jan Rose Kašmír nabízí květinu vojákům během protiválečného protestu v Pentagonu v roce 1967
Afroameričtí sportovci Tommie Smith a John Carlos zvedají pěsti k solidaritě olympijské hry 1968 
Židovští vězni v době jejich osvobození z tábora poblíž Labe v roce 1945
John F. Kennedy Jr. vítá rakev svého otce
Pes se po japonské tsunami v roce 2011 znovu setkal se svým majitelem
Německý zajatec, který byl po druhé světové válce zajat SSSR, poprvé vidí svou dceru, kterou neviděl od jejího 1 roku. 
Pařížan zoufale pláče, když nacisté okupují Paříž během druhé světové války
Tank, na kterém prošel celou válku během Velké vlastenecké války, našel veterán Vlastenecká válka. Tank byl instalován v malém městě jako památník 
Západ slunce na Marsu
Kardiochirurg po 23hodinové (úspěšné) transplantaci srdce. Jeho asistent spí v rohu
Pacient přežil nejen operaci, ale přežil i svého lékaře
Horace Grizzly vzdorně zírá na Heinricha Himmlera, když si prohlíží tábor, ve kterém byl uvězněn. Grizzly utekl z tábora a vrátil se, aby se více než 200krát setkal s místními obyvateli. Německá dívka do kterého byl zamilovaný 
Během silných záplav v Cuttacku v Indii v roce 2011 zachránil hrdinný místní obyvatel toulavé kočky. 
6letý chlapec, který bydlí v sirotčinec v Rakousku se raduje a objímá nový pár boty, které mu dal americký Červený kříž. Foto z roku 1946
Harold Whitles slyší poprvé v životě poté, co mu lékař nainstaloval sluchadlo do levého ucha.
"Ruka naděje" - nenarozené dítě vytáhne ruku z řezu provedeného v matčině děloze během operace a náhle uchopí chirurga za ruku 
Dvanáctiletý Brazilec hraje na housle na pohřbu svého učitele. Učitel mu pomohl uniknout chudobě a násilí prostřednictvím hudby 
Ruský voják hraje na opuštěný klavír v Čečensku v roce 1994.
Treťjakovská galerie je nejvíc velké muzeum Ruská malba ve světě. Jeho historie začala r soukromá sbírka Pavel Treťjakov.
Umělci snili o tom, že je to on, kdo koupí jejich díla, i když Treťjakov nebyl vždy ochoten hodně zaplatit. Mnohé uchvátil tento filantrop svou skromnou povahou a demokratickými názory.
Když Treťjakov daroval svou galerii Moskvě, Alexandr III udělil mu šlechtický titul. Ale Pavel Michajlovič odmítl, protože se považoval za nehodného!
Jeho chuť byla také zvláštní. Chtěl na obrázku vidět pravdivost, upřímnost a upřímnost. Ignoroval akademická a okázalá díla vytvořená s cílem zapůsobit na veřejnost.
Proto mnohá díla, která koupil, obstála ve zkoušce času a jsou uznávána jako mistrovská díla. Řeknu vám o několika z nich.
1. Ivan Šiškin. Žito. 1878.
Ivan Šiškin. Žito. 1878. Státní Treťjakovská galerie, Moskva. Koupil P. Treťjakov. Na obraze „Rye“ vidíme neuvěřitelnou kombinaci nízkého žlutého žita a vysokých starých borovic. A mnohem víc zajímavé detaily. Velmi nízko létající swifty. Lidé s copánky jdou po silnici.
Shishkin byl často obviňován, že je příliš fotografický. A vlastně, když si obrázek přiblížíte, uvidíte skoro každý klásek.
Ale není to tak jednoduché. Mezi majestátními borovicemi stojí borovice, která zemřela, pravděpodobně na zásah bleskem. Co nám chce umělec sdělit? O tom, že každou sílu lze zlomit přes noc?
Shishkin, který přežil smrt své manželky a dvou dětí, mohl takovou náladu přenést na plátno. Ale i tak udělal vše pro to, aby ukázal krásu ruské přírody.
2. Arkhip Kuindzhi. Po dešti. 1879.
Arkhip Kuindzhi. Po dešti. 1879. Státní Treťjakovská galerie, Moskva. Koupil P. Treťjakov. Hlavní postava Všechny Kuindzhiho obrazy jsou světlé. Umělec navíc nepochopitelně proměnil obyčejné světlo v magické světlo a vybral si ty nejbarevnější přírodní jevy. Tak je to na obraze „Po dešti“.
Právě přešla hrozná bouřka. Hnědofialová obloha vypadá děsivě. Krajina je ale již osvětlena prvními paprsky. Duha se chystá dozrát. Tráva po dešti má čistě smaragdovou barvu.
Není jisté, že Kuindzhi maloval pouze ze života. Je nepravděpodobné, že by kůň zůstal v otevřeném prostoru silná bouřka. S největší pravděpodobností byla její postava přidána proto, aby umocnila kontrast mezi rozbouřenou oblohou a sluncem zalitou trávou.
Kuindzhi byl originální nejen jako umělec, ale i jako člověk. Na rozdíl od mnoha svých méně bohatých kolegů zbohatl díky úspěšným transakcím s nemovitostmi. Žil však velmi skromně a všechny své peníze dával potřebným.
3. Viktor Vasněcov. Tři princezny z podsvětí. 1881.
Viktor Vasněcov. Tři princezny podzemní království. 1881. Státní Treťjakovská galerie, Moskva. Vstoupil v roce 1910 podle závěti M. Morozova Obraz „Tři princezny“ objednal Savva Mamontov speciálně pro uhelnou společnost železnice. Vasnetsov vzal jako základ lidová pohádka o zlaté, stříbrné a měděné princezně.
Ale velmi ji změnil a zůstala jen zlatá princezna. Sám jsem přidal dvě další: princeznu vzácné kameny a princezna z uhlí. Všichni tři oslavují bohatství ruské půdy.
Dívka v černém je nejmladší, protože uhlí se začalo těžit později než zlato a drahé kameny. I proto jsou její šaty modernější.
A šaty princezny z uhlí jsou skromnější. Koneckonců, jeho smyslem je prospívat lidem. A ne sloužit lidské chamtivosti, jak to musí dělat obě starší sestry.
Treťjakov rád kupoval díla od Vasnetsova: byli dobrými přáteli. A není divu. Umělec byl extrémně skromný člověk.
Když nastoupil na Akademii umění, dozvěděl se, že zkoušku složil až o rok později. Když jsem si to vzal znovu, byl jsem si jistý, že jsem napoprvé selhal.
Otestujte se: udělejte si online test
4. Ilja Repin. Vážka. 1884.
Ilja Repin. Vážka. 1884. Státní Treťjakovská galerie, Moskva. Koupil P. Treťjakov. „Vážka“ může být nevědomky zaměněna za dílo impresionisty z Paříže. Vždyť je tak veselá a bystrá.
Dítě sedí na hrazdě v pozadí jasná obloha a třese nohou. Můžete slyšet cvrlikání cvrčků a bzučení čmeláků.
Nejpřekvapivější je, že Repin neměl rád impresionisty. Myslel jsem, že jim chybí děj. Ale nemohla jsem si pomoct, když jsem začala kreslit dítě. Jiný styl psaní nijak nevedl k dětské spontánnosti.
Na obraze Repin zobrazil svou nejstarší dceru Veru. Navíc ji sám nazval Vážka. Koneckonců, modré šaty jsou tak podobné barvě vážky, která seděla na kládě na několik sekund a brzy se snadno vznesla k obloze.
Věra žila se svým otcem až do konce jeho života. Nikdy se nevdala. Málokdo o ní mluvil lichotivě. Včetně Čukovského, který rodinu Repinů dobře znal, Korney Čukovského.
Podle jeho vzpomínek Vera Ilyinichna bez váhání prodala obrazy svého otce. A za vydělané peníze jsem si koupil náušnice. Byla "lstivá, zbabělá... a hloupá v mysli i v srdci." To je tak ostrá kritika...
5. Valentin Serov. Dívka osvětlená sluncem. 1888.
Valentin Serov. Dívka osvětlená sluncem. 1888. Státní Treťjakovská galerie, Moskva. Koupil P. Treťjakov. Další obraz, malovaný impresionistickým způsobem, je uložen v Treťjakovské galerii. Ale to už vytvořil Valentin Serov.
Impresionismus se zde projevuje v neuvěřitelná hra světlo a stín. Sluneční záře, jasně osvětlená mýtina jsou v kontrastu s tmavou kůrou stromu a sukní hlubokého modré barvy.
Serov považoval „Girl Illuminated by Sun“ za svůj nejlepší obraz, a to navzdory skutečnosti, že jej namaloval ve věku 23 let. Přátelům se přiznal, že se celý život snažil vytvořit něco podobného, ale nikdy to nevyšlo.
Jeho sestřenice Maria Simonovich pózovala Serovovi. Celé tři měsíce, několik hodin každý den. Umělec na obraze pracoval tak dlouho a pečlivě, že to nevydržela ani velmi trpělivá Maria. Ve čtvrtém měsíci práce uprchla do Petrohradu pod záminkou zahájení výuky.
Nejen proto, že jsem unavený. Pak přiznala, že se bála, aby to bratr nepřehnal. Protože byla sama sochařkou, věděla, že pokud budete dílo donekonečna upravovat, můžete všechno zničit.
Možná udělala správnou věc. A díky ní se obraz stal mistrovským dílem. Druhý v popularitě po Serovově obrazu.
6. Isaac Levitan. Nad věčným mírem. 1894.
Isaac Levitan. Nad věčným mírem. 1894. Státní Treťjakovská galerie, Moskva. Koupil P. Treťjakov. „Nad věčným mírem“ je jednou z nejruských a nejfilozofičtějších krajin Levitanu. Univerzální měřítko říční rozlohy kontrastuje s křehkou lidský život. Jeho symbolem je sotva znatelné světlo hořící v kostele.
Sám Levitan považoval tento obraz za velmi důležitý a viděl v něm odraz svého charakteru a duše. Ale zároveň ho vyděsila. Zdálo se mu, že z ní vyzařuje chlad věčnosti, který „pohltil mnoho generací a ještě více pohltí“.
Levitan byl melancholický člověk, náchylný k černé myšlenky a akce. Rok poté, co namaloval tento obraz, se tedy demonstrativní pokus o sebevraždu pokusil. Být ve sklíčeném stavu kvůli vzestupům a pádům jeho osobního života. Tehdy se do něj zamilovaly dvě ženy najednou: matka a dcera.
Obecně je tento obrázek katalyzátorem vašeho vidění světa. Pokud jste optimistický člověk, je pravděpodobnější, že se budete cítit inspirováni rozjímáním o prostoru. Pokud jste pesimista, pak očekávejte jiné emoce. Pravděpodobně se budete cítit nepříjemně v celém zabírajícím prostoru. Michail Vrubel. Šeřík. 1900. Státní Treťjakovská galerie, Moskva. Převzato z Muzea I. Ostroukhova v roce 1929.
Na Vrubelově obraze vidíme nápadně krásný šeřík. Bylo psáno paletovým nožem*, takže shluky květenství vypadají jako objemné krystaly mimořádné barvy: od světle modré po fialovou. Obecně je těchto květin na obrázku tolik, že je cítit šeřík.
Na pozadí keře se objevují obrysy dívky - duše šeříku. Vidíme jen velké tmavé oči, Husté vlasy a půvabné ruce. Dívka je na rozdíl od šeříku namalována štětcem. To zdůrazňuje jeho nereálnost.
Obraz nás může vrátit do dětství. Koneckonců právě tehdy jsme byli nakloněni vidět nadpozemské. Zde se v pozdním soumraku procházíte po cestě mezi šeříkovými keři a nahlížíte do zeleně. A naše představivost nám přitahuje neznámé: něčí oči nebo siluety.
Na rozdíl od Vrubela běžná osoba uchoval si tuto zvláštní vizi po celý život. Ve svých představách se ponořil do jiných světů a pak nám je ukázal. V podobě démonů, serafínů nebo stromových duší.
Jednoho dne však nemohl najít cestu zpět. Brzy po napsání „Lilac“ začal Vrubel postupovat duševní porucha. Pomalu mizel v zajetí jiných světů a zemřel v roce 1910.
V Treťjakovské galerii je tolik mistrovských děl ruské malby, že pro mě bylo těžké vybrat jen sedm obrazů. Určitě se to někomu nelíbilo. Přeci jen jsem do článku nezahrnul nejoblíbenější mistrovská díla jako. A ještě neřekla o Vereščaginovi a.
Řídil jsem se svým vlastním vkusem a vybíral jsem díla, která na mě opravdu zapůsobila. Pokud jste si jich předtím nevšimli, doufám, že jste pro sebe dokázali udělat nové objevy.
* Tenká špachtle, kterou umělci používají k nanášení základního nátěru na plátno (základ pro vrstvu barvy obrazu). Někdy se tento nástroj používá také k nanášení barvy.
Pro ty, kteří si nechtějí nechat ujít to nejzajímavější o umělcích a obrazech. Zanechte svůj e-mail (ve formuláři pod textem) a o nových článcích na mém blogu se dozvíte jako první.
PS. Otestujte se: udělejte si online test
1. Leonardo da Vinci. Mona Lisa. Nejznámější snímek na světě má fotografy co naučit, ale hlavní je, jaký by měl být vztah k předmětu. Jak už bylo mnohokrát řečeno, její úsměv vypovídá o zvláštním poutu mezi umělcem a modelem. O to by se měl při tvorbě portrétů snažit každý fotograf.
2. Rafael. Athénská škola. Mnoho fotografů dává přednost fotografování jednotlivých objektů. Jedna osoba, jedna věc a jeden okamžik. Toto dílo je z dob, kdy se na jeden obraz dívala půl hodiny. Děje se na něm tucet různé situace a žádný z nich nezasahuje do druhého. Je velmi důležité umět poskládat mnohostrannou scénu v rámci.
3. Jan Vermeer. Dívka s perlovou náušnicí. Vermeer miloval okenní světlo. Toto je nejlepší světlo pro portréty. Když používáme studiové osvětlení nebo blesk, snažíme se alespoň vzdáleně dosáhnout stejného dobré světlo. Stejně jako v portrétu Mony Lisy je zde spojení s umělcem, které je zprostředkováno divákovi.
4. Edward Hopper. Nighthawks. Všichni fotografové hledají ty krátké momenty, které následně diváka „uchytí“. Tento obraz přitahuje pozornost svým klidem. Fotografové by se měli snažit vidět a zachytit takové momenty.
5. M. Escher. Ruka a zrcadlová koule. Jedna z věcí, kterou by měl umět každý fotograf, je ukázat perspektivu ve fotografii.
6. Norman Rockwell. Drby. Vyprávění prostřednictvím výrazu obličeje. Nepotřebujeme znát fámy samotné, abychom pochopili, co se na tomto obrázku děje. Schopnost zachytit „mluvící“ výraz obličeje – důležitá dovednost pro fotografa.
7. Norman Rockwell. Útěk. Norman Rockwell měl talent oslovit diváky, když vidí jeho obrazy. Příběh, který toto dílo vypráví, je mnohem víc, než může někdy vyprávět celá kniha. Vytvořte takovou fotografii a přinese vám úspěch.
8. Andy Warhol. Někteří fotografové mají problém najít motivy k fotografování. Hledají něco vzrušujícího. Mnohem důležitější je umět se transformovat jednoduchá věc do něčeho mimořádného a přesně to Warhol udělal s polévkovými konzervami.
9. Gustav Klimt. Polibek. Mnoho fotografů sleduje nejnovější trendy ve fotografii. Na internetu je milion obrázků využívajících HDR (High Dynamický rozsah), když jsou odebrány tři snímky stejné scény různé expozice a propojeny pomocí editoru. Je omyl si myslet, že stačí novoty, že touto technikou natočíte cokoli a ono to půjde. Dobrá fotka. Klimt byl velmi známý svými stylizovanými obrazy, ale v tomto ukazuje moment hlubokého propojení mezi objekty. To by mělo sloužit jako poučení pro všechny fotografy.
11. Michelangelo. Strop Sixtinská kaple. Dobrou dovedností pro fotografa je dívat se na věci z různých úhlů Nejlepší rána. Nedovolte, aby trapné držení těla překáželo inspiraci. Střílejte, i když se musíte dívat přímo nahoru.
12. Salvador Dalí. Tři sfingy z Bikini Island. Je důležité vidět na fotografii opakující se tvary a textury a na jejich základě vytvořit dobré záběry.
13. Banksyho graffiti. Banksy je mistrem v kombinování neslučitelných věcí. Čekáte, že uvidíte jednu věc, ale on vás překvapí něčím úplně jiným.
14. William Blake. Velký architekt. Blake může naučit fotografy, jak vyvážit inspiraci a techniku.
15. Vincent Van Gogh. Noční kavárna. Měli bychom fotografovat věci, které pro nás něco znamenají. Když se podíváte na tento obrázek, pochopíte, že tato kavárna měla pro Van Gogha určitý význam, byla pro něj důležitá.
16. Katsushika Hokusai. Velká vlna v Kanagawě. Rozhodující okamžiky se v životech lidí nedějí jen tak. Fotografové by měli hledat podobné momenty ve světě kolem sebe.
17. Hiroshige. Žena kráčející po silnici přes pole. Fotograf musí zajistit, aby vše v záběru odpovídalo akcím hlavního objektu. Například zde jsou stromořadí, cesta a lidé paralelní.
18. Díla Edgara Mullera. Müller je mistrem perspektivy. V závislosti na vzdálenosti, ze které se na jeho dílo díváte, se iluze hloubky radikálně mění. To může fotografy naučit nikdy nepřestat hledat správný úhel.
19. Georgia O'Keeffe Existuje celá „subkultura“ fotografování květin.
20. Emily Carr.Kitwancool. Emily Car byla známá svými totemy. Celý život hledala totemy pro svá díla. Fotografové by měli být vždy ve střehu po projektech. Specifický předmět, který lze studovat a ukázat prostřednictvím série fotografií.
21. Pierre Auguste Renoir. Ples v Moulin de la Galette. Toto je skvělý příklad zobrazení více objektů, které nekonkurují hlavnímu předmětu.
22. Grant Wood. Americká gotika. Americká gotika Granta Wooda je skvělým příkladem toho, jak předmět projektuje a odráží prostředí. Grant Wood se pokusil představit si, jací lidé by mohli žít v domě v pozadí. Tento dům a pár mají téměř fyzickou podobnost.
23. Edouard Monet. Chez le père Lathuille. Tato scéna by mohla být pouliční fotografie.
Výtvarné umění může dát celou řadu emocí. Některé obrazy vás nutí zírat na ně celé hodiny, zatímco jiné doslova šokují, ohromijí a explodují váš pohled na svět. Existují taková mistrovská díla, která vás nutí přemýšlet a hledat tajný význam. Některé obrazy jsou zahaleny mystickými záhadami, u jiných je hlavní jejich přemrštěně vysoká cena.
V dějinách světového malířství je mnoho podivných obrazů. V našem hodnocení schválně nebudeme zmiňovat Salvadora Dalího, který byl v tomto žánru mistrem a jehož jméno nás napadne jako první. A přestože je samotný koncept podivnosti subjektivní, můžeme je zdůraznit slavných děl, které z obecné řady jednoznačně vyčnívají.
Edvard Munch "Výkřik". Dílo o rozměrech 91x73,5 cm vzniklo v roce 1893. Munch jej maloval olejem, pastelem a temperou, dnes je obraz uchováván národní galerie Oslo. Umělcova tvorba se stala ikonou pro impresionismus; je obecně jedním z nejslavnějších obrazů dnešního světa. Sám Munch vyprávěl o jeho vzniku: „Šel jsem po stezce se dvěma přáteli. Najednou obloha zčervenala, cítil jsem se vyčerpaný a opřel jsem se o plot krev a plameny nad namodralým - černým fjordem a městem Moji přátelé šli dál, ale já jsem stále stál a třásl se vzrušením a cítil ten nekonečný výkřik pronikající přírodou." Existují dvě verze výkladu nakresleného významu. Můžeme předpokládat, že zobrazená postava je svírána hrůzou a tiše křičí s rukama u uší. Jiná verze říká, že si muž zakrýval uši před křikem kolem. Celkem Munch vytvořil až 4 verze Výkřiku. Někteří odborníci se domnívají, že tento obraz je klasickým projevem maniodepresivní psychózy, kterou umělec trpěl. Když se Munch léčil na klinice, už se k tomuto obrazu nevrátil.
Paul Gauguin "Odkud jsme přišli? Kdo jsme? Kam jdeme?" V Bostonském muzeu výtvarné umění najdete toto impresionistické dílo o rozměrech 139,1 x 374,6 cm. Malováno olejem na plátně v letech 1897-1898. Toto hluboké dílo napsal Gauguin na Tahiti, kde odešel z ruchu Pařížský život. Obraz se pro umělce stal natolik důležitým, že po jeho dokončení chtěl dokonce spáchat sebevraždu. Gauguin věřil, že to byla hlava a ramena nad vším, co předtím vytvořil. Umělec věřil, že nebude schopen vytvořit něco lepšího nebo podobného, o co by se prostě neměl snažit. Gauguin žil dalších 5 let a prokázal pravdivost svých úsudků. Sám řekl, že on hlavní obrázek musí být viděn zprava doleva. Jsou na něm tři hlavní skupiny postav, které zosobňují problematiku, kterou je plátno titulováno. Tři ženy s dítětem ukazují začátek života, uprostřed lidé symbolizují zralost, je zastoupeno stáří stará žena který čeká na její smrt. Zdá se, že se s tím smířila a přemýšlí o něčem vlastním. Nachází se u jejích nohou Bílý pták, symbolizující nesmyslnost slov.
Pablo Picasso "Guernica". Picassovo dílo je uloženo v Muzeu Reiny Sofíi v Madridu. Velký obraz o rozměrech 349 x 776 cm, malovaný olejem na plátně. Tato freska byla vytvořena v roce 1937. Film vypráví o náletu fašistických dobrovolných pilotů na město Guernica. V důsledku těchto událostí bylo město s populací 6 tisíc lidí zcela vymazáno z povrchu zemského. Umělec vytvořil tento obraz doslova za měsíc. V prvních dnech Picasso pracoval 10-12 hodin, na jeho úplně prvních skicách to bylo vidět hlavní myšlenka. V důsledku toho se obrázek stal jedním z nejlepší ilustrace všechny hrůzy fašismu, krutosti a lidského smutku. V Guernici je možné vidět scénu zvěrstva, násilí, smrti, utrpení a bezmoci. I když důvody pro to nejsou výslovně uvedeny, z historie jsou jasné. Říká se, že v roce 1940 byl Pablo Picasso dokonce předvolán na gestapo v Paříži. Okamžitě se ho zeptali: "Udělal jsi to?" Na to umělec odpověděl: "Ne, udělal jsi to."
Jan van Eyck "Portrét manželů Arnolfini." Tento obraz byl namalován v roce 1434 olejem na dřevo. Rozměry mistrovského díla jsou 81,8x59,7 cm a je uloženo v Londýnské národní galerii. Obraz pravděpodobně zobrazuje Giovanniho di Nicolao Arnolfini spolu s jeho manželkou. Dílo je jedním z nejobtížnějších v západní malířské škole doby Severní renesance. V tomhle slavný obraz obrovské množství symbolů, alegorií a různých indicií. Stačí se podívat na umělcův podpis „Byl tu Jan van Eyck“. Výsledkem je, že obraz není jen uměleckým dílem, ale skutečným historickým dokumentem. Koneckonců, zobrazuje skutečná událost, kterou van Eyck zachytil. Tento obrázek v Nedávno se v Rusku stala velmi populární, protože Arnolfiniho podobnost s Vladimirem Putinem je patrná pouhým okem.
Michail Vrubel "Sedící démon". V Treťjakovské galerii se nachází toto mistrovské dílo Michaila Vrubela, namalované oleji v roce 1890. Rozměry plátna jsou 114x211 cm Zde vyobrazený démon je překvapivý. Vystupuje jako smutný mladý muž s dlouhé vlasy. Takto si lidé obvykle zlé duchy nepředstavují. Sám Vrubel o svém nejslavnějším obrazu řekl, že démon v jeho chápání není ani tak zlý duch, jako spíše trpící. Zároveň mu nelze upřít autoritu a majestát. Vrubelův démon je obrazem především lidského ducha, který v nás vládne neustálý boj se sebou samým a pochybnostmi. Toto stvoření, obklopené květinami, tragicky sepnulo ruce a jeho obrovské oči smutně hleděly do dálky. Celá kompozice vyjadřuje omezení postavy démona. Zdá se, že je na tomto obrázku vložen mezi horní a spodní část rámu obrazu.
Vasily Vereshchagin "Apoteóza války". Obraz byl namalován v roce 1871, ale zdálo se, že v něm autor předvídal hrůzy budoucích světových válek. Plátno o rozměrech 127x197 cm je uloženo v Treťjakovské galerii. Vereščagin je považován za jednoho z nejlepších bitevních malířů Ruská malba. Války a bitvy však nepsal proto, že je miloval. Umělec znamená výtvarné umění se snažil lidem zprostředkovat svůj negativní postoj k válce. Jednou Vereščagin dokonce slíbil, že už nebude malovat bitevní obrazy. Umělec si totiž vzal smutek každého zraněného a zabitého vojáka příliš blízko k srdci. Výsledkem takového srdečného přístupu k tomuto tématu byla „Apoteóza války“. Děsivý a uhrančivý obraz zachycuje horu lidských lebek na poli s vránami kolem. Vereščagin vytvořil za každou lebkou emocionální plátno, na obrovské hromadě lze vysledovat historii a osudy jednotlivců a lidí jim blízkých. Sám umělec tento obraz sarkasticky nazval zátiším, protože zobrazuje mrtvou přírodu. Všechny detaily „Apotheosis of War“ křičí o smrti a prázdnotě, to je vidět i na žlutém pozadí země. A modré z nebe jen zdůrazňuje smrt. Myšlenka na hrůzy války je zdůrazněna dírami po kulkách a šavlemi na lebkách.
Grant Wood "Americká gotika" Tento malý obraz měří 74 x 62 cm. Byl vytvořen v roce 1930 a nyní je uložen v Art Institute of Chicago. Obrázek je jeden z nejvíce slavné příklady Americké umění minulého století. Již v naší době jméno " Americká gotika"je často zmiňován v médiích. Obraz zobrazuje poněkud zasmušilého otce a jeho dceru. Četné detaily vypovídají o tvrdosti, puritánství a zkostnatělosti těchto lidí. Mají nespokojené tváře, uprostřed obrazu je agresivní vidle, "vypráví o krutosti, puritánství a zkostnatělosti těchto lidí." a oblečení páru je staromódní i podle tehdejších měřítek Dokonce i šev na farmářských šatech zdvojnásobuje hrozbu pro ty, kteří by zasahovali do jeho způsobu života obraz nekonečně, fyzicky se cítí nepohodlí Je zajímavé, že svého času na soutěži v Chicagském uměleckém institutu byl snímek akceptován porotci jako vtipný, že je umělec urazil Nevzhledný úhel byla pro ženu modelem, ale prototypem rozhněvaného muže se stal malířův zubař.
René Magritte "Milenci". Obraz byl namalován v roce 1928 olejem na plátně. V tomto případě jsou dvě možnosti. V jednom z nich se líbají muž a žena, jen hlavy mají omotané bílou látkou. V jiné verzi obrazu se milenci dívají na diváka. To, co je nakresleno, překvapuje i fascinuje. Postavy bez tváře symbolizují slepotu lásky. Je známo, že milenci kolem nikoho nevidí, ale my je nevidíme skutečné pocity. I jeden pro druhého jsou tito lidé zaslepení citem vlastně záhadou. A ačkoli se hlavní poselství obrázku zdá jasné, „Lovers“ vás stále nutí se na ně dívat a přemýšlet o lásce. Obecně platí, že téměř všechny Magrittovy obrazy jsou hádanky, které je zcela nemožné vyřešit. Tyto obrazy ostatně vyvolávají hlavní otázky o smyslu našeho života. Umělec v nich mluví o iluzornosti toho, co vidíme, o tom, že kolem nás je mnoho tajemných věcí, kterých se snažíme nevnímat.
Marc Chagall "Procházka". Obraz byl namalován olejem na plátně v roce 1917, nyní je uložen ve státě Treťjakovská galerie. Marc Chagall je ve svých dílech většinou vážný, ale zde si dovolil projevit city. Obraz vyjadřuje autorovo osobní štěstí; je plný lásky a alegorií. Jeho "Procházka" je autoportrét, kde Chagall vedle sebe zobrazil svou manželku Bellu. Jeho vyvolená se vznáší na obloze, chystá se tam odtáhnout umělce, který už téměř opustil zem, dotýká se jí jen špičkami bot. V druhé ruce muže je sýkorka. Můžeme říci, že tak Chagall zobrazil své štěstí. Na obloze má koláč v podobě své milované ženy a v rukou ptáka, čímž myslel svou kreativitu.
Hieronymus Bosch "Zahrada pozemských rozkoší". Toto plátno o rozměrech 389x220 cm je uloženo ve Španělském muzeu práva. Bosch maloval olejomalbu na dřevo v letech 1500 až 1510. Toto je Boschův nejznámější triptych, ačkoli obraz má tři části, je pojmenován po té ústřední, věnované smyslnosti. Kolem smyslu zvláštní obrázek Neustále se vedou debaty, neexistuje její výklad, který by byl uznán za jediný správný. Zájem o triptych vzniká kvůli mnoha malé části, které vyjadřují hlavní myšlenku. Jsou zde průsvitné postavy, neobvyklé stavby, příšery, noční můry a vize se stávají skutečností a pekelné variace reality. Umělec se na to všechno dokázal podívat ostrým a zkoumavým pohledem, podařilo se mu spojit nepodobné prvky do jediného plátna. Někteří badatelé se snažili na obrázku vidět odraz lidského života, který autor ukázal jako marný. Jiní našli obrazy lásky, jiní objevili triumf smyslnosti. Je však pochybné, že se autor snažil oslavovat tělesné požitky. Koneckonců, lidské postavy jsou zobrazeny s chladným odstupem a jednoduchostí. A církevní úřady na tento Boschův obraz reagovaly docela příznivě.
Gustav Klimt „Tři věky ženy“. V římské Národní galerii soudobé umění tento obrázek se nachází. Čtvercové plátno o šířce 180 cm bylo namalováno v roce 1905 olejem na plátně. Tento obraz vyjadřuje radost i smutek zároveň. Umělec dokázal ve třech postavách zobrazit celý život ženy. Ten první, ještě dítě, je extrémně bezstarostný. Zralá žena vyjadřuje mír, zatímco poslední věk symbolizuje zoufalství. V čem průměrný věk organicky vetkané do životního vzoru a ten starý znatelně vystupuje na jeho pozadí. Jasný kontrast mezi mladou a starší ženou je symbolický. Je-li rozkvět života doprovázen četnými možnostmi a změnami, pak je poslední fází zakořeněná stálost a rozpor s realitou. Takový obrázek přitahuje pozornost a nutí vás přemýšlet o záměru umělce a jeho hloubce. Obsahuje veškerý život s jeho nevyhnutelností a proměnami.
Egon Schiele "Rodina". Toto plátno o rozměrech 152,5 x 162,5 cm bylo namalováno olejem v roce 1918. Dnes je uložen ve vídeňském Belvederu. Schieleho učitelem byl sám Klimt, ale student se ho nesnažil pilně kopírovat a hledal vlastní způsoby vyjádření. Můžeme s jistotou říci, že Schieleho díla jsou ještě tragičtější, děsivější a podivnější než Klimtova. Některé prvky by se dnes daly nazvat pornografickými, existuje mnoho různých zvráceností, naturalismus je přítomen v celé své kráse. Obrazy jsou přitom doslova prostoupeny jakýmsi bolavým zoufalstvím. Vrchol Schieleho a jeho vlastní kreativity poslední obrázek je "Rodina". V tomto obraze je zoufalství dovedeno na maximum, přičemž jako nejméně zvláštní se autorovi ukázalo samotné dílo. Poté, co Schieleho těhotná manželka zemřela na španělskou chřipku, a krátce před jeho smrtí vzniklo toto mistrovské dílo. Mezi oběma smrtmi uběhly pouhé 3 dny, aby se umělec vyobrazil se svou ženou narozené dítě. V té době bylo Shile pouhých 28 let.
Frida Kahlo "Dvě Fridy". Obraz se narodil v roce 1939. mexický umělec Frida Kahlo se proslavila po uvedení filmu o ní se Salmou Hayek vedoucí role. Práce umělkyně vycházela z jejích autoportrétů. Sama tuto skutečnost vysvětlila takto: „Píšu sama, protože trávím hodně času sama a protože jsem téma, které znám nejlépe.“ Zajímavé je, že Frida se na žádném ze svých obrazů neusmívá. Její tvář je vážná, dokonce poněkud truchlivá. Srostlé husté obočí a sotva znatelný knír nad stlačenými rty vyjadřují maximální vážnost. Myšlenky obrazů spočívají v postavách, pozadí a detailech toho, co Fridu obklopuje. Symbolika obrazů vychází z národní tradice Mexiko, úzce propojené se starou indickou mytologií. "Dvě Fridy" patří k těm nejvíce nejlepší obrazy Mexičané. V něm originálním způsobem Zobrazuje se mužský a ženský princip, který má jeden oběhový systém. Umělec tak ukázal jednotu a integritu těchto dvou protikladů.
Claude Monet "Waterloo Bridge. Efekt mlhy." V petrohradské Ermitáži najdete tento Monetův obraz. Byl namalován olejem na plátně v roce 1899. Při bližším zkoumání malby se jeví jako fialová skvrna s nanesenými silnými tahy. Když se však od plátna vzdálí, divák pochopí celé jeho kouzlo. Nejprve se zviditelní nejasné půlkruhy procházející středem obrazu a objeví se obrysy lodí. A ze vzdálenosti několika metrů již můžete vidět všechny prvky obrázku, které jsou spojeny v logickém řetězci.
Jackson Pollock "Číslo 5, 1948". Pollock je klasikem žánru abstraktního expresionismu. Jeho nejvíc slavný obrázek je zdaleka nejdražší na světě. A umělec to namaloval v roce 1948, jednoduše nalil olejomalba na sololit o rozměrech 240x120 cm na podlaze. V roce 2006 byl tento obraz prodán v Sotheby's za 140 milionů dolarů. Předchozí majitel, sběratel a filmový producent David Giffen, jej prodal mexickému finančníkovi Davidu Martinezovi. Pollock řekl, že se rozhodl odejít od tak známých uměleckých nástrojů, jako je stojan, barvy a štětce. Jeho nástroji byly tyčinky, nože, naběračky a tekoucí barva. Používal také jeho směs s pískem nebo dokonce rozbité sklo. Začíná se tvořit. Pollock se oddává inspiraci, aniž by si uvědomoval, co dělá. Teprve pak přichází uvědomění si toho, co je dokonalé. Umělec se přitom nebojí, že obraz zničí nebo nechtěně změní – obraz začíná žít vlastním životem. Pollockovým úkolem je pomoci tomu zrodit se, vyjít ven. Pokud ale mistr ztratí kontakt se svým výtvorem, pak výsledkem bude chaos a špína. V případě úspěchu bude obraz ztělesňovat čistou harmonii, snadné přijímání a provádění inspirace.
Joan Miró "Muž a žena před hromadou exkrementů." Tento obraz je nyní uložen v umělcově nadaci ve Španělsku. Byl namalován olejem na měděný plech v roce 1935 za pouhý týden od 15. do 22. října. Velikost výtvoru je pouze 23x32 cm I přes tak provokativní název vypovídá obrázek o hororu občanské války. Sám autor tak vylíčil události oněch let odehrávající se ve Španělsku. Miro se snažil ukázat období úzkosti. Na obrázku vidíte nehybného muže a ženu, kteří jsou však k sobě přitahováni. Plátno je prosycené zlověstnými jedovatými květy, spolu se zvětšenými genitáliemi působí záměrně nechutně a nechutně sexy.
Jacek Yerka "Eroze". V dílech tohoto polského neosurrealisty se generují obrazy reality, které se prolínají nová realita. V některých ohledech jsou i dojemné obrazy extrémně detailní. Obsahují ozvěny surrealistů minulosti, od Bosche po Dalího. Yerka vyrostla v atmosféře středověká architektura, která jako zázrakem přežila bombardování druhé světové války. Kreslit začal ještě před nástupem na vysokou školu. Snažili se změnit jeho styl na modernější a méně detailní, ale sám Yerka si zachoval svou osobitost. Dnes je neobvyklé malby vystavoval nejen v Polsku, ale také v Německu, Francii, Monaku a USA. Jsou v řadě sbírek po celém světě.
Ruce Billa Stonehama mu odolávají. Obraz namalovaný v roce 1972 lze jen stěží označit za klasiku malby. Není však pochyb o tom, že jde o jeden z nejpodivnějších výtvorů umělců. Obraz zobrazuje chlapce, vedle něj stojí panenka a na skle za ním jsou přitisknuty četné dlaně. Tento obraz je zvláštní, tajemný a poněkud mystický. Už to zarostlo legendami. Říká se, že kvůli tomuto obrazu někdo zemřel, ale děti na něm žijí. Vypadá opravdu děsivě. Není divu, že obraz vyvolává u lidí s nemocnou psychikou obavy a strašlivé fantazie. Stoneham sám ujistil, že se maloval ve věku 5 let. Dveře za chlapcem jsou bariérou mezi realitou a světem snů. Panenka je průvodce, který může dítě přenést z jednoho světa do druhého. Ruce jsou alternativní životy nebo lidské schopnosti. Snímek se proslavil v únoru 2000. Byla dána k prodeji na eBay s tvrzením, že v ní straší. Výsledkem bylo, že „Hands Resist Him“ zakoupil Kim Smith za 1 025 $. Brzy byl kupec doslova zavalen dopisy od děsivé příběhy spojené s obrazem a požaduje zničení tohoto obrazu.