Jeho vlast byla Itálie, která na konci středověku dala vzniknout nejrozvinutější kultuře v Evropě.

Svou polohou byla Itálie přímým dědicem starověké římské kultury, jejíž dopady byly pociťovány v celé její historii. Od antiky byl ovlivněn i její duchovní život Řecká kultura, zejména po pádu Konstantinopole v roce 1453, kdy se lidé stěhovali do Itálie velký počet byzantští vědci.

Renesance však nebyla redukována na pouhé kopírování antických tradic; šlo o složitější a hlubší fenomén světových dějin, nový svým rozsahem a světonázorem. Vytříbená a komplexní kultura středověku hrála v jejím vzniku neméně roli než kultura starověku, proto byla renesance v mnoha ohledech přímým pokračováním středověku.

Itálie zůstala politicky roztříštěna do několika konkurenčních států, ale ekonomicky mnohé z nich byly nejvyspělejšími zeměmi v Evropě. Italské státy zaujímaly po dlouhou dobu přední pozice v obchodu mezi Východem a Západem. Právě ve městech severní Itálie vznikaly nové formy průmyslové výroby a bankovnictví, politické aktivity a diplomatické umění. Vysoká úroveň hospodářského rozvoje na jedné straně a bohatý intelektuální život na straně druhé proměnily tato města v centra formování nového evropská kultura. italština městská kultura se stal živnou půdou, v níž se předpoklady renesance mohly stát skutečností.

Prvním hlavním městem italské renesance bylo hlavní město Toskánsko Florencie, kde se vyvinula jedinečná souhra okolností, která přispěla k rychlému vzestupu kultury. Na vrcholu renesance se přestěhovalo centrum renesančního umění Řím. Papež Julius II. a Lev X. pak vynaložili velké úsilí na obnovení bývalé slávy Věčné město, díky čemuž se skutečně proměnilo v centrum světového umění. Třetí největší centrum Italská renesance se stal Benátky, kde renesanční umění získalo jedinečné zabarvení, určené místními charakteristikami.

výtvarné umění

Jednou z nejvýraznějších postav italské renesance byl Leonardo da Vinci(1452-1519). Spojil mnoho talentů - malíř, sochař, architekt, inženýr, originální myslitel. Jeho malba představuje jeden z vrcholů ve vývoji světového umění. S mými experimentálními pozorováními velký Leonardo obohatil téměř všechny oblasti vědy své doby.

Neméně soutěžil s géniem Leonarda da Vinciho velký umělec Michelangelo(1475-1564), který se vyznačoval i rozmanitostí nadání. Michelangelo se proslavil jako sochař a architekt, malíř a básník. Fresky mu přinesly věčnou slávu Sixtinská kaple ve Vatikánu, kde Michelangelo namaloval 600 čtverečních metrů. m výjevy ze Starého zákona. Podle jeho návrhu byla postavena grandiózní kopule katedrály svatého Petra, kterou dodnes nepřekonala velikostí ani majestátností. Architektonický vzhled všeho historické centrumŘím je stále nerozlučně spjat se jménem Michelangelo.

Zvláštní roli ve vývoji renesančního malířství patřilo Sandro Botticelli(1445-1510). Do dějin světové kultury se zapsal jako tvůrce jemných, zduchovněných obrazů, spojujících vznešenost pozdně středověkého malířství s pečlivou pozorností k lidské osobnosti, která charakterizovala moderní dobu.

Vrchol italské umění tou dobou je kreativita Raphael(1483-1520). V jeho dílech dosáhly vrcholu obrazové kánony vrcholné renesance.

Čestné místo v dějinách renesančního umění zaujímá také benátská malířská škola, jejímž nejvýraznějším představitelem je Tizian(1470/80 - 1576). Tizian dovedl k dokonalosti vše, co se naučil od svých předchůdců, a volný styl malby, který vytvořil, měl velký vliv na následný vývoj světového malířství. Materiál z webu

Architektura

Architektura také zažila skutečnou revoluci během renesance. Zdokonalení stavební technologie umožnilo mistrům renesance řešit architektonické problémy, které byly architektům dřívějších dob nedostupné. Zakladatelé nového architektonický styl se stal především vynikajícími mistry Florencie F. Brunelleschi, který vytvořil monumentální kopuli katedrály Santa Maria del Fiore. Ale hlavní typ architektonická struktura V tomto období se již nejedná o církevní stavbu, ale o světskou - palazzo(hrad). Renesanční styl v architektuře se vyznačuje monumentalitou a zdůrazněnou jednoduchostí fasád a pohodlím prostorných interiérů.

Renesanční umění

renesance- byla to doba rozkvětu všech umění, včetně divadla, literatury a hudby, ale nepochybně tím hlavním z nich, které nejúplněji vyjadřovalo ducha své doby, bylo výtvarné umění.

Není náhodou, že existuje teorie, že renesance začala tím, že se umělci přestali spokojovat s rámcem dominantního „byzantského“ stylu a při hledání vzorů pro svou kreativitu se jako první obraceli k do starověku. Termín „renesance“ zavedl myslitel a umělec té doby Giorgio Vasari („Životopisy slavných malířů, sochařů a architektů“). Takto pojmenoval dobu od roku 1250 do roku 1550. Z jeho pohledu to byla doba obrození antiky. Pro Vasariho se antika jeví jako ideální obraz.

Následně se obsah pojmu vyvíjel. Oživení začalo znamenat emancipaci vědy a umění od teologie, ochlazení směrem ke křesťanské etice, vznik národních literatur, touhu člověka po osvobození od omezení. katolická církev. To znamená, že renesance v podstatě začala znamenat humanismus.

REVIVAL, RENESANCE(francouzsky renais sance - renaissance) - jedna z největších epoch, bod obratu ve vývoji světového umění mezi středověkem a novověkem. Renesance pokrývá XIV-XVI století. v Itálii, XV-XVI století. v jiných evropských zemích. Toto období ve vývoji kultury dostalo svůj název – renesance (neboli renesance) v souvislosti s oživením zájmu o antické umění. Umělci této doby však nejen kopírovali staré modely, ale vkládali do nich i kvalitativně nový obsah. Renesance by neměla být považována za umělecký styl nebo hnutí, protože během této éry existovaly různé umělecké styly, směry, trendy. Estetický ideál renesance se formoval na základě nového progresivního světového názoru – humanismu. Skutečný svět a člověk byli prohlášeni za nejvyšší hodnotu: Člověk je mírou všech věcí. Zvláště vzrostla role tvůrčí osobnosti.

Humanistický patos doby tím nejlepším možným způsobem ztělesněný v umění, jehož cílem bylo stejně jako v předchozích staletích poskytnout obraz vesmíru. Nové bylo, že se snažili spojit materiální a duchovní do jednoho celku. Bylo těžké najít člověka lhostejného k umění, ale přednost byla dána výtvarnému umění a architektuře.

Italské malířství 15. století. většinou monumentální (fresky). Malba zaujímá přední místo mezi druhy výtvarného umění. Nejvíce to odpovídá renesančnímu principu „napodobování přírody“. Vyvíjí se nový obrázkový systém založený na studiu přírody. Umělec Masaccio důstojně přispěl k rozvoji chápání objemu a jeho přenosu pomocí šerosvitu. Objev a vědecké zdůvodnění zákonitostí lineární a letecké perspektivy významně ovlivnily budoucí osudy evropského malířství. Formuje se nový plastický jazyk sochařství, jeho zakladatelem byl Donatello. Oživil volně stojící kulatou sochu. Jeho nejlepším dílem je socha Davida (Florencie).

V architektuře dochází ke vzkříšení principů starověkého řádu, pozvedá se význam proporcí, formují se nové typy staveb (městský palác, venkovská vila atd.), rozvíjí se teorie architektury a koncept ideálního města. . Architekt Brunelleschi stavěl budovy, ve kterých spojil starověké chápání architektury a tradice pozdní gotiky, čímž dosáhl nové imaginativní spirituality architektury, kterou starověcí neznali. Během vrcholná renesance nový pohled na svět se nejlépe zhmotnil v dílech umělců, kteří jsou právem nazýváni géniové: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione a Titian. Poslední dvě třetiny 16. stol. volal pozdní renesance. V této době umění zachvátí krize. Stává se poslušným, dvorným a ztrácí svou vřelost a přirozenost. Někteří velcí umělci - Tizian, Tintoretto - však v tomto období nadále vytvářejí mistrovská díla.

Italská renesance měla obrovský vliv na umění Francie, Španělska, Německa, Anglie a Ruska.

Vzestup vývoje umění v Nizozemsku, Francii a Německu (XV-XVI. století) se nazývá severní renesance. Díla malířů Jana van Eycka a P. Bruegela staršího jsou vrcholy tohoto období vývoje umění. Největší německý umělec Německá renesance byl A. Durer.

Objevy učiněné během renesance v oblasti duchovní kultury a umění měly velký historický význam pro vývoj evropského umění v následujících staletích. Zájem o ně trvá i v naší době.

Renesance v Itálii prošla několika etapami: raná renesance, vrcholná renesance, pozdní renesance. Florencie se stala kolébkou renesance. Základy nového umění vytvořili malíř Masaccio, sochař Donatello a architekt F. Brunelleschi.

Největší mistr protorenesance jako první vytvořil obrazy místo ikon Giotto. Jako první se snažil zprostředkovat křesťanské etické myšlenky prostřednictvím zobrazení skutečných lidských pocitů a zkušeností, nahradil symboliku obrazem skutečného prostoru a konkrétní položky. Na slavných Giottových freskách Kaple del Arena v Padově Vedle svatých můžete vidět velmi neobvyklé postavy: pastýře nebo přadleny. Každý jednotlivý člověk v Giotto vyjadřuje velmi specifické zážitky, specifický charakter.

Během rané renesance bylo v umění zvládnuto staré umělecké dědictví a formovalo se nové. etické ideály, umělci se obracejí k výdobytkům vědy (matematika, geometrie, optika, anatomie). Vedoucí roli ve formování ideových a stylových principů raně renesančního umění hraje Florencie. Na obrazech vytvořených takovými mistry jako Donatello, Verrocchio dominují jezdecké soše Davida kondotiéra Gattamelaty Donatellovy hrdinské a vlastenecké principy („Sv. Jiří“ a „David“ od Donatella a „David“ od Verrocchia).

Zakladatelem renesančního malířství je Masaccio(obrazy kaple Brancacci, „Trojice“), Masaccio věděl, jak zprostředkovat hloubku prostoru, propojil postavu a krajinu do jediného kompozičního konceptu a dodal portrétní expresivitu jednotlivcům.

Ale vznik a vývoj obrazového portrétu, který odrážel zájem renesanční kultury o člověka, je spojen se jmény umělců školy Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Umělcovo dílo vyniká v rané renesanci Sandro Botticelli. Obrazy, které vytvořil, jsou duchovní a poetické. Badatelé si všímají abstrakce a rafinovaného intelektualismu v umělcových dílech, jeho touhy vytvářet mytologické kompozice s komplikovaným a zašifrovaným obsahem („Jaro“, „Zrození Venuše“) Jeden ze spisovatelů Botticelliho života řekl, že jeho Madony a Venuše působí dojmem ztrátu, vyvolávající v nás pocit nesmazatelného smutku... Někteří ztratili nebe, jiní zemi.

"Jaro" "Zrození Venuše"

Vrcholem ve vývoji ideových a uměleckých principů italské renesance je Vrcholná renesance. Leonardo da Vinci, velký umělec a vědec, je považován za zakladatele umění vrcholné renesance.

On vytvořil celou sérii mistrovská díla: „Mona Lisa“ („La Gioconda“) Přísně vzato, samotná tvář Giocondy se vyznačuje zdrženlivostí a klidem, úsměv, který vytvořil její světovou slávu a který se později stal nepostradatelnou součástí děl Leonardovy školy, je sotva patrný v něm. Ale v jemně tajícím oparu zahalujícím tvář a postavu se Leonardovi podařilo dát pocítit neomezenou variabilitu výrazů lidské tváře. Oči Giocondy se sice pozorně a klidně dívají na diváka, ale díky zastínění očních důlků by si někdo mohl myslet, že se mírně mračí; její rty jsou stlačené, ale poblíž jejich koutků jsou jemné stíny, díky nimž věříte, že se každou minutu otevřou, usmějí a promluví. Samotný kontrast mezi jejím pohledem a poloúsměvem na jejích rtech dává tušit rozporuplnost jejích zážitků. Ne nadarmo Leonardo svou modelku mučil dlouhými sezeními. Jako nikdo jiný dokázal na tomto obrázku přenést stíny, odstíny a polotóny, které dávají vzniknout pocitu živého života. Ne nadarmo si Vasari myslel, že Giocondě na krku tepe žíla.

V portrétu Giocondy Leonardo nejen dokonale přenesl tělo a vzduch, který ho obklopuje. Vložil do něj také pochopení toho, co oko potřebuje, aby obraz působil harmonickým dojmem, a proto vše vypadá, jako by se formy přirozeně rodily jedna z druhé, jak se to stává v hudbě, kdy se napjatá disonance řeší eufonickým akord. Gioconda je dokonale vepsána do přísně proporčního obdélníku, její poloviční postava tvoří cosi celistvého, sepjaté ruce dodávají jejímu obrazu úplnost. Nyní samozřejmě nemohla být řeč o fantazijních kadeřích raného „Zvěstování“. Ať už jsou však všechny kontury zjemněné, vlnitý pramen vlasů Mony Lisy ladí s průhledným závojem a visící látka přehozená přes rameno nachází ozvěnu v hladkých vinutích vzdálené cesty. V tom všem Leonardo prokazuje svou schopnost tvořit podle zákonů rytmu a harmonie. „Z hlediska techniky provedení byla Mona Lisa vždy považována za něco nevysvětlitelného. Teď si myslím, že dokážu odpovědět na tuto hádanku,“ říká Frank. Leonardo podle něj použil techniku ​​„sfumato“, kterou vyvinul (italsky „sfumato“, doslova „zmizel jako kouř“). Technika spočívá v tom, že objekty na obrazech by neměly mít jasné hranice, vše by mělo plynule přecházet do sebe, obrysy objektů by měly být zjemněny pomocí světelného oparu, který je obklopuje. Hlavní úskalí této techniky spočívá v nejmenších šmouhách (asi čtvrt milimetru), které nejsou rozpoznatelné ani pod mikroskopem, ani pomocí rentgenu. Malování Da Vinciho obrazu tedy trvalo několik set sezení. Obraz Mony Lisy se skládá z přibližně 30 vrstev tekuté, téměř průhledné olejové barvy. Na takovou šperkařskou práci musel umělec zřejmě použít lupu. Možná použití takové pracné techniky vysvětluje dlouhou dobu, kterou trvalo dokončení portrétu – téměř 4 roky.

, "Poslední večeře" dělá trvalý dojem. Na stěně, jako by ji překonával a uváděl diváka do světa harmonie a majestátních vizí, se odehrává starověké evangelijní drama zrazené důvěry. A toto drama nachází své rozuzlení v obecném impulsu směřujícím k hlavní postavě – manželovi se zarmoucenou tváří, který přijímá to, co se děje, jako nevyhnutelné. Kristus právě řekl svým učedníkům: "Jeden z vás mě zradí." Zrádce sedí s ostatními; staří mistři zobrazovali Jidáše sedícího odděleně, ale Leonardo svou chmurnou izolaci vyzdvihl mnohem přesvědčivěji a zahalil jeho rysy do stínu. Kristus je podřízen svému osudu, naplněn vědomím oběti svého činu. Jeho skloněná hlava se sklopenýma očima a gesto rukou jsou nekonečně krásné a majestátní. Oknem za jeho postavou se otevírá nádherná krajina. Kristus je středem celé kompozice, veškerého víru vášní, které zuří kolem. Jeho smutek a klid se zdají být věčné, přirozené – a to je hluboký smysl zobrazeného dramatu Hledal zdroje dokonalých forem umění v přírodě, ale N. Berďajev pokládá za zodpovědného za nadcházející proces mechanizace. a mechanizace lidského života, která oddělovala člověka od přírody.

Malba dosahuje klasické harmonie v kreativitě Raphael. Jeho umění se vyvíjí od raných chladně rezervovaných umbrijských obrazů Madon (“Madonna Conestabile”) ke světu “šťastného křesťanství” florentských a římských děl. „Madonna se stehlíkem“ a „Madonna v křesle“ jsou měkké, humánní a dokonce obyčejné ve své lidskosti.

Ale obraz „Sixtinské Madony“ je majestátní a symbolicky spojuje nebeský a pozemský svět. Raphael je známý především jako tvůrce jemných obrazů Madon. Ale v malbě ztělesňoval jak ideál renesančního univerzálního člověka (portrét Castiglione), tak drama historických událostí. „Sixtinská madona“ (kolem roku 1513, Drážďany, Obrazárna) je jedním z umělcových nejvíce inspirovaných děl. Namalován jako oltářní obraz pro kostel kláštera sv. Sixta v Piacenze, tento obraz v pojetí, kompozici a interpretaci obrazu se výrazně liší od „Madon“ Florentské období. Namísto intimního a pozemského obrazu krásné mladé dívky, která blahosklonně sleduje zábavu dvou dětí, zde vidíme nádhernou vizi, která se náhle zjevuje na nebi zpoza někým odtažené opony. Obklopena zlatou září, vážná a majestátní Marie prochází oblaky a drží před sebou malého Krista. Vlevo a vpravo před ní klečí sv. Sixta a sv. Varvara. Symetrická, přísně vyvážená kompozice, jasnost siluety a monumentální zobecnění forem dodávají „Sixtinské madoně“ zvláštní vznešenost.

V tomto obraze se Raphaelovi snad více než kde jinde podařilo spojit vitální pravdivost obrazu s rysy ideální dokonalosti. Obraz Madony je složitý. Dojemná čistota a naivita velmi mladé ženy se v něm snoubí s pevným odhodláním a hrdinskou připraveností k oběti. Toto hrdinství spojuje obraz Madony s nejlepšími tradicemi italského humanismu. Kombinace ideálního a skutečného na tomto obrázku nás nutí vzpomínat slavná slova Raphael z dopisu svému příteli B. Castiglioneovi. "A řeknu vám," napsal Raphael, "že abych namaloval krásu, musím vidět mnoho krás... ale kvůli nedostatku... krásné ženy, používám nějaký nápad, který mě napadá. Nevím, jestli má nějakou dokonalost, ale velmi se snažím, abych toho dosáhl." Tato slova vrhají světlo kreativní metoda umělec. Vychází z reality a spoléhá na ni a zároveň se snaží povýšit obraz nad vše náhodné a pomíjivé.

Michelangelo(1475-1564) je bezpochyby jedním z nejinspirovanějších umělců v dějinách umění a spolu s Leonardem Da Vincim nejmocnější postavou italské vrcholné renesance. Jako sochař, architekt, malíř a básník měl Michelangelo obrovský vliv na své současníky a na následné západní umění obecně.

Považoval se za Florenťana – ačkoli se narodil 6. března 1475 v malé vesničce Caprese nedaleko města Arezzo. Michelangelo hluboce miloval své město, jeho umění, kulturu a tuto lásku přenesl až do konce svých dnů. Většinu svých dospělých let strávil v Římě, kde pracoval na příkazy papežů; zanechal však závěť, v souladu s níž bylo jeho tělo pohřbeno ve Florencii, v krásné hrobce v kostele Santa Croce.

Michelangelo vystoupil mramorová socha Pieta( Oplakávání Krista ) (1498-1500), který se dodnes nachází na svém původním místě – bazilice svatého Petra. Toto je jedna z nejvíce slavných děl v dějinách světového umění. Pietu pravděpodobně dokončil Michelangelo dříve, než mu bylo 25 let. Toto je jediné dílo, které podepsal. Mladá Marie je zobrazena s mrtvým Kristem na kolenou, obraz vypůjčený ze severoevropského umění. Maryin pohled není tak smutný, jako vážný. To je nejvyšší bod díla mladého Michelangela.

Nic méně smysluplná práce z mladého Michelangela se stal obří (4,34 m) mramorový obraz Davide(Accademia, Florencie), popravený v letech 1501 až 1504, po návratu do Florencie.

Hrdinu Starého zákona Michelangelo zobrazuje jako pohledného, ​​svalnatého, nahého mladíka, který se úzkostlivě dívá do dálky, jako by hodnotil svého nepřítele – Goliáše, se kterým musí bojovat. Živý, intenzivní výraz v Davidově tváři je charakteristický pro mnohá Michelangelova díla – to je známka jeho individuálního sochařského stylu. David, nejslavnější Michelangelova socha, se stal symbolem Florencie a byl původně umístěn na náměstí Piazza della Signoria před Palazzo Vecchio, florentskou radnicí. Michelangelo touto sochou dokázal svým současníkům, že předčil nejen všechny současné umělce, ale i mistry starověku. Výmalba klenby Sixtinské kaple

V roce 1505 byl Michelangelo povolán do Říma papežem Juliem II., aby provedl dva rozkazy. Nejvýznamnější byla fresková výmalba klenby Sixtinské kaple. Michelangelo, když ležel na vysokém lešení přímo pod stropem, vytvořil v letech 1508 až 1512 nejkrásnější ilustrace k některým biblickým příběhům. Na klenbě papežské kaple zobrazil devět scén z Knihy Genesis, počínaje oddělením světla od temnoty a včetně stvoření Adama, stvoření Evy, pokušení a pádu Adama a Evy a potopy. Kolem hlavních maleb se střídají obrazy proroků a sibyl na mramorových trůnech, dalších starozákonních postav a Kristových předků.

Aby se Michelangelo připravil na toto velké dílo, dokončil obrovské množství náčrtů a kartonů, na kterých zobrazoval postavy sedících v různých pózách. Tyto královské, silné obrazy demonstrují umělcovo mistrovské porozumění lidské anatomii a pohybu, které dalo impuls novému pohybu v západoevropském umění. Dvě další vynikající sochy,(oba cca 1510-13) jsou v pařížském Louvru. Demonstrují Michelangelův přístup k sochařství. Podle jeho názoru jsou postavy jednoduše uzavřeny v bloku mramoru a úkolem umělce je osvobodit je odstraněním přebytečného kamene. Michelangelo často nechával sochy nedokončené – buď proto, že se staly nepotřebnými, nebo jednoduše proto, že o umělce ztratily zájem.

Knihovna San Lorenzo Projekt hrobky Julia II. vyžadoval architektonické zpracování, ale Michelangelova vážná práce na architektonickém poli začala až v roce 1519, kdy byl pověřen výstavbou průčelí Knihovny svatého Vavřince ve Florencii, kam se umělec opět vrátil (tento projekt nebyl nikdy realizován). Ve 20. letech 16. století také navrhl elegantní vstupní halu knihovny přiléhající ke kostelu San Lorenzo. Tyto stavby byly dokončeny až několik desetiletí po smrti autora.

Michelangelo, přívrženec republikánské frakce, se účastnil války proti Medicejským v letech 1527-29. Mezi jeho povinnosti patřila výstavba a rekonstrukce opevnění ve Florencii.

Medicejské kaple. Michelangelo, který žil poměrně dlouhou dobu ve Florencii, realizoval v letech 1519 až 1534 zakázku rodiny Medici na stavbu dvou hrobek v nové sakristii kostela San Lorenzo. V sále s vysokou klenutou klenbou postavil umělec u stěn dvě nádherné hrobky určené pro Lorenza De' Medici, vévodu z Urbina a pro Giuliana De' Medici, vévodu z Nemours. Dva složité hroby byly koncipovány jako reprezentace protichůdných typů: Lorenzo - člověk uzavřený do sebe, přemýšlivý, uzavřený člověk; Giuliano je naopak aktivní a otevřený. Sochař umístil nad Lorenzův hrob alegorické sochy Ráno a Večer a nad Giulianův hrob alegorie Dne a noci. Práce na hrobkách Medicejských pokračovaly poté, co se Michelangelo vrátil do Říma v roce 1534. Své milované město už nikdy nenavštívil.

Poslední soud

V letech 1536 až 1541 pracoval Michelangelo v Římě na výmalbě oltářní stěny Sixtinské kaple ve Vatikánu. Největší renesanční freska zachycuje den posledního soudu Kristus s ohnivým bleskem v ruce neúprosně rozděluje všechny obyvatele země na spasené spravedlivé, vyobrazené na levé straně kompozice, a hříšníky sestupující do Dantova. peklo (levá strana fresky). Michelangelo, striktně podle své vlastní tradice, původně maloval všechny postavy nahé, ale o deset let později je puritánský umělec „oblékl“, když se kulturní klima stalo konzervativnějším. Michelangelo zanechal na fresce svůj vlastní autoportrét - jeho tvář lze snadno vidět na kůži odtržené od svatého mučedníka apoštola Bartoloměje.

Přestože měl v tomto období Michelangelo i další malířské zakázky, např. malbu kaple sv. Pavla apoštola (1940), snažil se především veškerou energii věnovat architektuře.

Kopule katedrály svatého Petra. V roce 1546 byl Michelangelo jmenován hlavním architektem stavby baziliky svatého Petra ve Vatikánu. Budova byla postavena podle plánů Donata Bramanteho, ale Michelangelo se nakonec stal zodpovědným za stavbu oltářní apsidy a za vývoj inženýrského a uměleckého návrhu kopule katedrály. Dokončení stavby katedrály svatého Petra bylo nejvyšším úspěchem florentského mistra v oblasti architektury. Během svého dlouhého života byl Michelangelo blízkým přítelem princů a papežů, od Lorenza De' Medici po Lva X., Klementa VIII. a Pia III., stejně jako mnoha kardinálů, malířů a básníků. Povahu umělce a jeho životní pozici je obtížné jasně pochopit prostřednictvím jeho děl - jsou tak rozmanité. Pouze v poezii, ve svých vlastních básních, se Michelangelo častěji a hlouběji zabýval otázkami kreativity a svého místa v umění. Velké místo v jeho básních je věnováno problémům a těžkostem, kterým musel čelit ve své tvorbě, a osobním vztahům s nejvýznamnějšími představiteli té doby slavných básníků Renesanční Ludovico Ariosto k tomu napsal epitaf slavný umělec: "Michele je víc než smrtelník, je to božský anděl."

Historie renesance začíná v roce Toto období se také nazývá renesance. Renesance se změnila v kulturu a stala se předchůdkyní kultury New Age. A renesance skončila v 16.–17. století, protože v každém státě má své vlastní datum začátku a konce.

Nějaké obecné informace

Představiteli renesance jsou Francesco Petrarca a Giovanni Boccaccio. Stali se prvními básníky vznešené obrazy a začali vyjadřovat své myšlenky upřímným, společným jazykem. Tato inovace byla přijata s třeskem a rozšířila se v dalších zemích.

Renesance a umění

Zvláštností renesance je, že lidské tělo se stalo hlavním zdrojem inspirace a předmětem studia umělců této doby. Důraz byl tedy kladen na podobnost sochy a malby se skutečností. Mezi hlavní rysy umění období renesance patří zářivost, rafinované použití štětce, hra stínu a světla, pečlivost v pracovním procesu a složité kompozice. Pro renesanční umělce byly hlavní obrazy z Bible a mýtů.

V podobnosti skutečná osoba s jeho obrazem na tom či onom plátně byl tak blízko, že fiktivní postava zdálo se živé. To se o umění dvacátého století říci nedá.

Renesance (její hlavní trendy jsou stručně nastíněny výše) vnímala lidské tělo jako nekonečný začátek. Vědci a umělci pravidelně zdokonalovali své dovednosti a znalosti studiem těl jednotlivců. Tehdy převládal názor, že člověk byl stvořen k Boží podobě a obrazu. Toto prohlášení odráželo fyzickou dokonalost. Hlavními a důležitými předměty renesančního umění byli bohové.

Přirozenost a krása lidského těla

Renesanční umění velká pozornost oddaný přírodě. Charakteristický prvek Krajina měla rozmanitou a bujnou vegetaci. Obloha modrého odstínu, kterou protínaly sluneční paprsky, které pronikaly mezi mraky bílý, byly nádhernou kulisou pro plovoucí tvory. Renesanční umění uctívalo krásu lidské tělo. Tato vlastnost se projevila v rafinovaných prvcích svalů a těla. Obtížné držení těla, mimika a gesta, souvislá a jasná barevná paleta charakteristické pro tvorbu sochařů a sochařů období renesance. Patří mezi ně Tizian, Leonardo da Vinci, Rembrandt a další.

Renesance nebo renesance (italsky Rinascimento, francouzská renesance) - restaurování, antická vzdělanost, obrození klasická literatura, umění, filozofie, ideály starověký svět, zkreslené nebo zapomenuté na "temné" a "zpětné" pro západní Evropa období středověku. Právě podobu kulturního hnutí známého pod názvem humanismus nabývalo od poloviny 14. do počátku 16. století (viz brief a články o něm). Od renesance je třeba odlišit humanismus, což je pouze nejcharakterističtější rys humanismu, který pro svůj světonázor hledal oporu v klasické antice. Rodištěm renesance je Itálie, kde starověká klasická (řecko-římská) tradice, která se nesla pro Italy, nikdy nevybledla. národní charakter. V Itálii nebyl středověký útlak nikdy zvlášť silně pociťován. Italové si říkali „Latinci“ a považovali se za potomky starých Římanů. I když prvotní impuls k renesanci vzešel částečně z Byzance, účast byzantských Řeků na ní byla mizivá.

Renesance. Video

Ve Francii a Německu se antický styl mísil s národní prvky který v prvním období renesance, Raná renesance, jednal ostřeji než v následujících dobách. Pozdní renesance rozvinula antické příklady do luxusnějších a mohutnějších forem, z nichž se postupně vyvinulo baroko. Zatímco v Itálii pronikl duch renesance téměř jednotně do všech umění, v jiných zemích byla antickými vzory ovlivněna pouze architektura a sochařství. Renesance prošla národním zpracováním také v Nizozemsku, Anglii a Španělsku. Poté, co se renesance zvrhla v rokoko, přišla reakce, vyjádřená v nejpřísnějším lpění na starověkém umění, řeckých a římských vzorech v celé jejich primitivní čistotě. Ale toto napodobování (zejména v Německu) nakonec vedlo k nadměrné suchosti, která na počátku 60. let XIX. se ji pokusil překonat návratem k renesanci. Tato nová vláda renesance v architektuře a umění však trvala jen do roku 1880. Od té doby začalo vedle ní znovu vzkvétat baroko a rokoko.

Itálie – rodiště renesance

Rodištěm renesance byl Florencie, který ve 13. stol. bylo městem bohatých obchodníků, majitelů továren a velkého množství řemeslníků organizovaných do cechů. Kromě toho byly na tehdejší dobu velmi početné cechy lékařů, lékárníků a hudebníků. Bylo zde také mnoho advokátů – advokátů, advokátů, notářů. Právě mezi zástupci této třídy se začaly tvořit kruhy vzdělaní lidé kteří si udělali předmět svých zájmů osoba a vše, co souvisí s jeho životem. Obrátili se k umělecké dědictví starověký svět, k dílům Řeků a Římanů, kteří ve své době vytvořili obraz člověka neomezeného dogmatem, krásného duší i tělem. Proto nová éra ve vývoji evropské kultury a byl nazýván „renesance“, odrážející touhu oživit obrazy a hodnoty starověké kultury v nových historických podmínkách.

Téměř do konce 15. stol. Renesance byla do značné míry pouze italským fenoménem. Do jisté míry to bylo usnadněno vysoká úroveň urbanizace severní a střední Itálie, podřízení venkova městu, široký záběrřemeslná výroba, obchod a finance. Bohatý, prosperující italské město se stal hlavním základem pro formování kultury renesance, plněji vyhovující jejím potřebám sociální rozvoj. Ale postupně nové myšlenky pronikají do jiných evropské země, tvořící fenomén Severní renesance (Renesance v zemích severně od Itálie).

Oživení antického dědictví začalo studiem řeckého a latinské jazyky, Ale pozdější jazyk Renesance se stala Latinský. Zakladatelé nového kulturní éra byli historikové, filologové, knihovníci, rádi se ponořili do starých rukopisů a knih a sestavovali sbírky starožitností. Začali restaurovat zapomenutá díla řeckých a římských autorů, znovu překládat vědecké texty, ve středověku pokřivené. Tyto texty byly nejen památkami jiné kulturní éry, ale také „učiteli“, kteří jim pomohli objevit sami sebe a utvářet jejich osobnost.

Tuto situaci velmi dobře popsal Francesco Petrarca:

Právníci zapomněli na Justiniána, lékaři - Aesculapius.

Byli ohromeni jmény Homer a Virgil.

Tesaři a rolníci opouštěli práci

A mluví o múzách a Apollovi.

Zakladatelé renesance zahájili svou činnost přepisováním a studiem literárních textů, postupně se však do okruhu jejich zájmů dostaly i další památky umělecké kultury starověku, především sochy. Navíc se ve Florencii, Římě, Ravenně, Neapoli a Benátkách dochovalo poměrně hodně řeckých a římských soch, malovaných nádob a architektonických staveb. Poprvé za tisíc let křesťanské nadvlády nebyly antické sochy považovány za pohanské modly, ale za umělecká díla.

Následně bylo starověké dědictví zahrnuto do vzdělávacího systému a s starověká literatura, sochařství, filozofie se seznámili široký kruh lidé. Básníci a umělci se snažili napodobovat antické autory a celkově oživovat antické umění. Ale jak se v kultuře často stává, touha oživit některé staré principy a formy vede k vytvoření něčeho zcela nového. Kultura renesance nebyla jednoduchým návratem do starověku. Rozvinula ho a interpretovala novým způsobem, na základě změněného historické podmínky. Proto byla kultura renesance výsledkem syntézy starého a nového.

Od samého počátku se lidé renesance snažili dělat lépe než mistři starověku. Cílem éry je inspirovat se ve starověku a vytvořit něco nového. Je zajímavé, že zároveň mistři neopustili zkušenost středověku, i když s ní nahlas zacházeli s despektem. V první řadě byly využity zkušenosti z románské a gotické architektury – při stavbě hradů a katedrál. Novostavby proto často připomínají řecko-římskou dobu jen povrchně. Totéž se děje v malbě, protože renesanční umělci měli vyšší techniku olejomalba a také perspektivní, starověku neznámé. Současně byly v některých zemích široce používány místní tradice - byzantské, v jiné - románské, ve třetí - gotické a například v Portugalsku - námořní a exotické. Půjčováno převážně ze starověku dekorativní prvky. Vážný vliv antiky je spojen s hledáním matematického vzorce krásy, o který se ucházeli umělci vrcholné renesance, v jejichž dílech triumfovala zdrženlivá, jasná, harmonická estetika. Ale to je spíše oživení ducha starověku než jeho techniky. A když renesanční umělci začali hledat své vlastní techniky a způsoby vyjádření, což se stalo v 16. století, což dalo vzniknout hnutí manýrismus, to vedlo k triumfu protiklasického směru, estetiky manýrismu, který se stal bezprostředním předchůdcem baroka.