Výstava s tímto názvem, která byla zahájena v Moskvě v Muzeu naivního umění, se stala příležitostí k rozhovoru se sběratelem Vladimírem Temkinem. Do hlavního města přivezl 16 děl chorvatští umělci, zástupci čtyř generací následovníků slavné Khlebinského školy.
Zvuk: K přehrávání tohoto zvuku je vyžadován Adobe Flash Player (verze 9 nebo vyšší). Stažení Nejnovější verze. Kromě toho musí být ve vašem prohlížeči povolen JavaScript.Čas pro kulturu na rádiu „Blago“ - 102,3 FM
„Naivní malba Podravka se vyznačuje motivy z každodenního vesnického života, poklidné krajiny a také živou místní barevností, charakteristickou zejména pro unikátní technologie malování na sklo. Motivy, barvy a technika jsou tak typické, že malbu Khlebinského školy uznávají stejně světoví odborníci, kritici i obyčejní amatéři,“ čte Vladimír svůj vlastní citát v jednom z katalogů. S chorvatskými umělci se přátelí poměrně dlouho a jsou to přesně přátelé - Vladimir Temkin osobně znal 13 ze 16 autorů děl na výstavě v Moskvě. Sběratel přiznává, že to pro něj není jen nákup uměleckých děl, ale příležitost k přátelství, komunikaci a tvoření.
Hlebinská škola v Chorvatsku nikdy nevypadala jako klasická vzdělávací instituce s programy, stoly a studenty. Tento termín se běžně používá k popisu procesu předávání znalostí a tradic z generace na generaci chorvatských samouků. U zrodu tohoto procesu stál ve 30. letech minulého století akademický umělec, rodák z vesnice Hlebine v Chorvatsku, Krsto Hegedusic. Po studiích v Paříži se mladý umělec vrátil do své vlasti a intuitivně hledal příležitost k sebevyjádření pro sebe a své lidi. „Chlebinská škola byla v době svého vzniku současně ovlivněna sociokulturním kontextem a myšlenkami inspirovanými profesionální malbou a tehdejším lidovým cítěním a náladou,“ píše zástupkyně ředitele Muzea naivního umění Alexandra Volodina. , v katalogu k výstavě „Prostředky zvolené hegedusskou expresivitou – malba na sklo a jasné barvy – jsou nyní vizitka Khlebinská škola."
Přibližně v 90 % případů malují chorvatští naivní umělci obrazy na sklo tzv. reverzní metodou. Podle Vladimíra Temkina jde o velmi pracnou techniku, protože autor ukládá olejomalba na obrázek v opačném pořadí - nejprve nakreslí zvýraznění a malé části a poté je vzor aplikován vrstvu po vrstvě. Při práci s touto technikou nelze nic korigovat, protože úplně první vrstva, kterou diváci vidí přes sklo, pro autora zůstává jakoby na „spodu“ díla, ke kterému se již nelze dostat. vrátit se. Chcete-li vytvořit obrazy pomocí této techniky, musíte mít vynikající prostorové myšlení a horlivou pozornost. Při pohledu na pečlivě nakreslené obrazy stoupenců Khlebinského školy si diváci často všimnou, že „to naivní chorvatská malba není tak naivní“.
Scény z rolnického života, vytvořené složitými technikami malby na sklo, získaly uznání po celém světě. Jak řekl Vladimir Tiomkin, umělci Khlebinovy školy navštívili výstavy na všech kontinentech a účastnili se recepcí pro prezidenty a členy královských rodin.
Když však zakladatel hlebinské školy Krsto Hegedusic poprvé ukázal práci svých žáků, mladých rolníků, široké veřejnosti, vypukl v Záhřebu skandál. Obrazy Ivana Generaliće, Franja Mraze a dalších Hegedusićových studentů, kteří neměli klasické výtvarné vzdělání, nejprve nechtěli uznat jako umění. Jak zdůrazňuje Temkin, Hegedusic aktivně podporoval kreativitu rolníků a snažil se dokázat, že talent nesouvisí s původem a není výsadou. vysoká třída, jak tomu bylo v akademickém umění. Hegedusic naléhavě požádal své studenty, aby nic nevymýšleli a nefantazírovali, kreslili jen to, co je obklopuje, život prostého rolníka.
A tak se stalo, že naivní chorvatští malíři ve svých dílech nejen reprezentovali každodenní život vesnice Hlebine, ale sami zůstali rolníky. „Všichni, o kterých mluvíme, navzdory skutečnosti, že jsou mezinárodně uznávanými umělci, stále zůstávají rolníky. Například Mijo Kovacic stále žije na jeho farmě. Každý den tráví čas na vinicích, seje kukuřici, sází brambory, vozí med, stará se o včely. To vše pokračuje, navzdory skutečnosti, že člověk je uznáván po celém světě jako umělec,“ říká Vladimir Tiomkin.
Náš partner uvedl příklad ze života naivního malíře Ivana Vechenaya. Jednou v 70. letech se umělec setkal Hollywoodský herec Yul Brynner, který byl v době natáčení filmu v Jugoslávii. Yul se doslova zamiloval do kreativity chorvatštiny naivní umělci, s potěšením si obrazy prohlížel a diskutoval o nich. A nakonec pozval Ivana Vechenaye a jeho manželku na dovolenou do Ameriky. Když dvoutýdenní dovolená skončila, bylo páru nabídnuto, aby pokračovali v cestě a vydali se k oceánu na Floridu. Na což Vechenayaova žena odpověděla, že je čas, aby se vrátili, protože kukuřice je zralá a je třeba sklízet.
Výstava představuje díla malířů z přibližně 80 let existence fenoménu Khlebinské školy. Oceňována je i autorská litografie Ivana Generaliće (první generace), obrazy Mijo Kovacic, Ivana Lackoviće, Josipa Generaliće, Martina Mehkeka a malířů, kteří stojí na prahu historie, jejich díla. Mezi nimi jsou Nikola Vechenay Leportinov, Martin Koprichanets (druhá generace).
Třetí generace naivních umělců v Chorvatsku je nejpočetnější. Stepan Ivanets, Nada Svegovich Budaj jsou autoři, jejichž díla jsou in stálá expozice Muzeum naivního umění v Záhřebu. Je psáno ve stopách jejich kreativity velký početčlánky a monografie. Kromě toho do třetí generace patří Vladimir Ivanchan, Mirko Horvat, Ivan Andrasic, Biserka Zlatar.
Podle Vladimira Tiomkina lze mezi čtvrtou generaci následovníků Khlebinovy školy počítat doslova pět umělců. Nejtalentovanějším z nich, jak uznává mnoho kritiků a historiků umění, je mimochodem Drazen Tetets, účastník trienále Festnaive 2013 v Moskvě.
Za dobu své existence zažila škola naivních malířů Khlebinského jak naprosté popření a pronásledování, tak všeobecné uznání a lásku. Období rozvoje fenoménu Khlebinské školy podle historiků umění skončilo. Ale na naši otázku, co čeká světové naivní umění v budoucnu, Vladimir Tyomkin odpovídá s optimismem: „Myslím, že naivní umění má velmi velkou budoucnost. Vnímání se mění. Všechno více lidí Sami se věnují malbě, snaží se vyjadřovat a tím poznávat a lépe rozumět lidem kolem sebe. Probíhá výměna. Člověk, který je schopen porozumět a přijmout, i akademické nebo neakademické akademické umění, možná si zítra bude moci koupit a pověsit doma dílo naivního umělce. Jaký je rozdíl mezi naivním/nenaivním umělcem? Je to tvůrce, a pokud je to skutečné umělecké dílo, pak se to dotkne duše, ne?"
Výstava „Kouzelný svět chorvatské naivní“ potrvá do 6. července v Muzeu naivního umění na adrese: Moskva, Izmailovsky Boulevard, 30. Více informací na webu muzea http://naive-museum.ru/
Matija Skurjeni je klasika chorvatského naivního umění, jedna z nej prominentní představitelé„nezávislý“ (spolu s Rabuzinem a Feishem), umělcem, jehož tvorba si vysloužila velké mezinárodní uznání.
Svět zvířat, olej/plátno. 1961
Matia Skurjeni se narodila 14. prosince 1898 ve vesnici Veternice nedaleko města Zlatar v chorvatském Zagorje jako sedmé dítě v rodině. Otec a matka pracovali, ale byli tak chudí, že nemohli poslat malou Matiu ani do školy. Číst a psát jsem se naučil od svých starších bratrů a číst a psát mnohem později, v armádě. Do dvanácti let pracoval ve své vesnici jako pastýř, pak šel stavět železnici a stal se železničářem. Také v roce 1911 začal trochu studovat umělecká umění(nebo jednoduše malířské řemeslo) - nástěnná malba. Za první světové války byl v roce 1917 poslán do východní fronta, do Besarábie (dnes Moldavsko), na začátku roku 1918 byl v boji zraněn a poslán do vojenské nemocnice.
Koncem roku 1918 se v rámci chorvatských dobrovolnických oddílů podílel na osvobození Međimurja. Po demobilizaci se vrátil do rodného Veternitsy a začal pracovat jako horník.
V roce 1923 se vrátil do města Metlika, kde dokončil své „umělecké“ vzdělání a poté začal malovat své první akvarely. Během druhé světové války pracoval pro vládu železnice, jako designér - maluje kočáry. V roce 1946 se podílel na založení uměleckého oddílu železničářů RKUD „Vinko Jedut“ v Záhřebu a tehdy začalo skutečné „školení“. umělecké dovednosti. Mezi mentory byli slavní akademičtí umělci a sochaři.
V roce 1948 se Matia poprvé zúčastnila jedné z kolektivních výstav v Záhřebu. Teprve v roce 1956, po svém odchodu do důchodu, se Skurjeni plně věnoval kreativitě a teprve tehdy začala jeho skutečná umělecká kariéra. V roce 1958 jeho první samostatná výstava v Galerii primitivní umění (budoucí muzeum naivní umění) v Záhřebu. V roce 1959 získal první ocenění na 4. mezinárodní Umělecká výstava v Mnichově, v roce 1960 vystavena v Římě.
Nezávislá výstava v Paříži v galerii Mona Lisa v roce 1962 se stala významným mezníkem v jeho životě. Poté - řada výstav a velké množství ocenění v mnoha zemích. V roce 1964 se podílel na založení Společnosti naivních umělců Chorvatska.
V roce 1975 Matia Skurjeni vážně onemocněl (apoplexie), v důsledku čehož přestal pracovat. pravá ruka, ale kreativita se nevzdává – úspěšně kreslí levou rukou. V roce 1984 daroval sbírku svých obrazů k založení galerie Matia Skurjeni v Zaprešići (předměstí Záhřebu) a v roce 1987 byla otevřena.
Jednou začne, nikdy nekončí, olej/plátno. 910x1315 mm. 1973
Angel of War, olej/plátno, 700x905mm. 1959
Hudební sekce, olej/plátno, 530x690 mm. 1959
Cikánský svátek, olej/plátno, 700x900 mm. 1960
První kosmonautský pár, olej/plátno, 490x550 mm. 1960-1963
Stará Paříž, olej/plátno, 800x1300 mm. 1964
Tři bratři hráli na atomovou dýmku, olej/plátno, 730x1000 mm. 1964
Gypsy Love, 1966. Olej na plátně
Gorgon, olej/plátno, 700x560 mm. 1968
Zdálo se mi, že plavu přes tuto bouřlivou Sávu, olej/plátno, 710x530 mm. 1969
Třetí Světová válka, olej/plátno, 940x1380 mm. 1969
Akt s květinami, olej/plátno, 700x1300 mm. 1970
Marseille, olej/plátno, 1300x800 mm. 1971
Pohled na město a most, olej/plátno. 1969
Zamyšlené molo, olej/plátno
Akt, olej/plátno, 650x850 mm. 1973
Pevnost, olej/plátno, 744x926 mm. 1973
Sen, kde jsem nahý před dílnou I. Meštroviće, olej/plátno. 950x1370 mm. 1974
Zoo, olej/plátno, 550x720 mm. 1974
Apoštol, olej/plátno, 800x650 mm. 1975
Matia Skurjeni. 1927
Matia Skurjeni. 1988 Foto M. Lenkovich
Příběh o období, ve kterém se objevila a volala první Generalichevskaya „klasika“.
výtvarní kritici té doby "bel canto" (v překladu z italštiny - "krásný zpěv").
Historikové umění a badatelé díla Iv. Generalicha připisují toto období
1937/38 až do počátku padesátých let.
Pod hrušní. olej/sklo. 564x470 mm. 1943
Na konci třicátých let se umělec odklonil od zobrazování zjevných společenských témat,
změny se projevují ve všem – motivech, poetice i technice. Generalich
se zaměřuje na krajinu, v obrazech je stále více vzduchu a to je vše
méně lidské tváře a čísel, existuje méně existenčních problémů.
Zvláštní pozornost je věnována vyobrazení lesa, jednotlivých stromů, bylin a rostlin,
pole, přetékající řeky a obloha s mraky.
Generalich pro sebe definuje motiv krajiny jako hlavní a někdy i jediný
prostředek k dosažení expresivity v malbě. Vlastnit a používat
realistické zobrazení detailů, ale jejich libovolná interpretace
a umístění, čímž se zdánlivě narušuje realistická struktura plátna,
Generalich doslova nevykresluje skutečnou krajinu - to je jen zobecnění a zároveň
Umělec si přitom vytváří svůj naprosto individuální, jedinečný
styl.
Venkovský dvůr. Podzim. tempera/sklo. 395x545 mm. 1938
Hlavními postavami jsou stále rolníci při svých každodenních pracích: kombajny,
ženci, pastýři, vepřové, motivy venkovských dvorů - podzim, zima atd. nejsou neobvyklé.
V námětech obrazů už nejsou žádné příběhy nebo příběhy, vyprávění ustoupilo
popis nálady a atmosféry – krajiny jsou často zobrazovány na pozadí západů slunce
a časné svítání.
Krávy v lese. Z Belogorye. olej/sklo. 443 x 343 mm. 1938
Umělec se často uchýlí k zobrazení „korálové“ vegetace - holých stromů.
Ivan Generalich místo oleje na plátně, kartonu a kartonu začíná hlavně kreslit
tempera a olej na skle a samotné malby vznikají v malých formátech.
Ženci. Poledne. olej/sklo. 409 x 415 mm. 1939
V březnu 1938 Generalić samostatně vystavoval v Záhřebu v umění
salon "Ulrich" (otevřen v roce 1909 a stále otevřený, nyní galerie
"Ulrich/Likum", nachází se v centru Záhřebu, na adrese Ilica, 40.)
Kritici ve svých recenzích této výstavy jednomyslně zaznamenali profesní růst
umělce, sofistikované malířské techniky a místo toho se objevil zájem o krajinu
sociální témata.
Džurinovy dvory. Zemědělství. olej/sklo. 420x435 mm. 1939
V lednu 1939 se Generalic zúčastnil XV výstavy chorvatských umělců v
Osijek a v únoru spolu s Viriusem, Mrazem a Cacem vystavovali podruhé
v Bělehradě. Bělehradské noviny reagovaly na výstavu poměrně kriticky.
V listopadu a prosinci 1939 byla Generalićova díla vystavena na XVI. výstavě chorvatštiny
umělci v Záhřebu. V září 1939 začala druhá světová válka.
V roce 1940 byl namalován „Ostrov“, obraz v ponurých tónech, který dokonale vyjadřuje
předbouřková atmosféra, jedno z jeho „klasických“ děl.
Ostrov. olej/sklo. 260x440 mm. 1940
Místní dovolená. Vesnické tance. olej/plátno 900x670 mm. 1940
Přes noc. olej/sklo. 1941
V roce 1941 přišla na území Království Jugoslávie světová válka
. Po jeho kapitulaci a kolapsu Independent
Chorvatský stát.
O životě Generalicha v těch válečných letech, badatele jeho díla
Vladimir Crnkovic napsal následující:
„V těchto těžkých a dramatických dobách obrovských politických a společenských
krize světového vojenského kataklyzmatu, je naladěn do krásy a
Krásou bojuje proti Zlu."
Ženy vyrábějí sladinu. olej/sklo. 310x400 mm. 1941
Tvoří, žije v krajním ústraní, v Khlebinského „izolaci“, v hluboké kontemplaci
jeden z nejlepší obrazy v chorvatském umění té doby...“
V roce 1942 byla Generalichova díla vystavena na
Druhá výstava chorvatských umělců NGH v Záhřebu.
Odstraňování hnoje. olej/sklo. 190x280 mm. 1942
Zima. olej/sklo. 300x400 mm. 1942
Vesnický dvůr. olej/sklo. 280x340 mm. 1943
Hrabání listí. olej/sklo. 405x350 mm. 1943
V roce 1943 se Generalićova díla zúčastnila chorvatských výstav
umělci v Berlíně, Vídni a Bratislavě.
Ve stejném roce začaly restaurátorské práce ve svatyni Marija Bistrica,
v chorvatském Zagorje, kde Ivan Generalich spolu se skupinou dalších
Umělce zařídil Krsto Hegedusic, aby jim pomohl vyhnout se odvodu na frontu.
Přeprava sena. olej/sklo. 270x330 mm. 1943
V roce 1943 byly namalovány obrazy „Pod hrušní“ a „Hrabání listí“ - klasické příklady
mistrovství, které Generalich v té době ovládal v technice oleje na skle.
V roce 1944 umělec pokračoval v práci na freskách v kostele Marija Bistrica.
Fresky byly pojaty na téma biblický příběh Let do Egypta, ale nebyl nikdy dokončen.
Zima. olej/sklo. 350x380 mm. 1944
Zimní krajina. olej/sklo. 350x450 mm. 1944
Zemědělství. olej/sklo. 400x470 mm. 1944
V roce 1945 končí druhá světová válka a Independent mizí z mapy.
Chorvatský stát. Založena Demokratická federální Jugoslávie
později přejmenován na Federativní lidová republika Jugoslávie, v
mezi které patřilo i Chorvatsko.
Podzimní I. olej/sklo. 310x390 mm. 1944
Ivan Generalich se letos zúčastnil výstavy v salonu Ulrich v Záhřebu.
Přibližně v této době začal dávat pokyny v malování Franjovi
Filipović a brzy poté Franjo Dolenc a Dragan Gaži, jeho
patnáctiletí sousedé, kteří zůstali v paměti jako první generace
Generálovi studenti.
Tím Generalich vlastně zopakoval to, co pro něj udělal Krsto Hegedusic.
Scenérie. Kachny. olej/sklo. 335x244 mm. 1945
V naší zemi se snad nenajde člověk znalý malby, který by neznal jména nejslavnějších primitivistických umělců 20. století: Niko Pirosmani (Gruzie) a Henri Rousseau (Francie). A jen málokdo znal lidi jako Generalich Ivan, Kovačic Mijo, Lackovich Ivan, Svegovič Nada. Tito primitivističtí umělci z Chorvatska se dočkali uznání o půl století později než Pirosmani, Rousseau, Matisse, Goncharova a další primitivisté a neoprimitivisté z počátku minulého století. Sláva v Rusku, na rozdíl od jiných zemí, k nim přišla v posledních pěti letech, kdy několik měst země hostilo výstavy primitivistických umělců ze slavné Khlebinského školy z Chorvatska.
Přiznám se, sám jsem ten chorvatský viděl naivní malba právě před rokem. Na výstavě sbírek slavný houslista a dirigentem Vladimirem Spivakovem, který se konal v roce 2017 v Moskvě, upozornil na neobvyklé ikony malované olejem nikoli na dřevě, ale na skle. Jednalo se o ikony z Chorvatska, které vytvořili neprofesionální umělci. Na dílech mě přitahovala jednoduchost obrazů spojená s fantazií umělců. Z katalogu jsem se dozvěděl, že ikony na skle byly považovány za dostupnější než připravené desky nebo plátno a byly velmi běžné ve Slovinsku, Chorvatsku, Rumunsku a alpských oblastech. západní Evropa.
Letos v létě nemusí obyvatelé Jaroslavle jezdit do Moskvy, Záhřebu, Nice, aby se seznámili s jedním z nich nejlepší školy lidová malba - chorvatská. Přijďte do Muzea zahraniční umění na náměstí Sovětskaja, 2. Právě tam byla 7. července zahájena výstava „Zázrak naivního umění“ ze sbírky slavného sběratele Vladimira Tyomkina.
Vladimír Tyomkin
se začal zajímat o naivní chorvatské umění před více než deseti lety, poté, co viděl dílo lidových umělců v jedné z monografií. Cesta do Chorvatska vedla k seznámení s moderní mistři malování a touhu sbírat vlastní sbírku. První osobní výstava se konala v roce 2014 v Kostromě (sběratel žije v Nerekhtě, Kostromská oblast). Dále to byla Moskva (v několika muzeích), Brusel, Petrohrad, Tokio, Mytišči (moskevská oblast). Po Jaroslavli zamíří výstava do Jekatěrinburgu.
V. Temkina o technice malby na sklo:
„Mnoho chorvatských umělců pracuje s plátnem a kartonem, v kvaších a akvarelech, spousta řezbářů atd. Ale hlavní směr v technologii, všeobecně uznávaná značka chorvatského naivního umění, je samozřejmě malba na skle. Obrázek je malován obráceně. Tedy ne na přední, ale na zadní strana sklenka Náčrt tužkou, často velmi útržkovitý, je umístěn pod sklem, naznačující obecné složení malby, pak se zapsalo popředí a všechny drobné detaily a tak dále vrstva po vrstvě. Každá vrstva barvy musí zaschnout, takže práce trvá minimálně několik dní. Pozadí se zaznamenává jako poslední. Umělec pracující s plátnem používá poslední tahy k malování malých detailů a odlesků. Zde je vše přesně naopak. Pak to nemůžete opravit, nemůžete to přepsat. Samozřejmě potřebujete určité prostorové myšlení a zkušenosti. Dokončení dobrých a velkých obrazů trvá měsíce. Tato technika, která do značné míry určila originalitu chorvatské naivity, sahá až k lidovým ikonám na skle, které jsou běžné v mnoha centrálních oblastech Evropy. V Chorvatsku se jim říkalo „glazhi“ nebo „glazma“, „malerai“ - odvozenina z německého „hinterglasmalerei“ (malba na sklo). V minulém století byly takové ikony předmětem výměny nebo prodeje na vesnických a městských jarmarcích.
Výstava v Jaroslavli představuje několik takových ikon od neznámých mistrů.
Trojice. Sklo, olej. Neznámý umělec.
Eliáš prorok. Sklo, olej. Neznámý umělec.
Muž, který sehrál jednu z hlavních rolí ve vzniku a rozvoji chorvatského naivního umění, které se později proslavilo po celém světě, byl akademický umělec Krsto Hegedusic.
Prožil část svého dětství ve vesnici Khlebin, ve vlasti jeho otce. Pak tu byl Záhřeb, kde získal vysokoškolské vzdělání výtvarná výchova PROTI Střední škola a na malířské akademii, kde se po absolutoriu stal učitelem a poté profesorem. K. Hegedusic byl mimořádný a talentovaný člověk. Hledal vlastní národní a originální příchuť v zobrazování společenských témat. Při hledání nových témat se umělec čas od času dostává do míst svého dětství. Jednoho dne, když šel do vesnického obchodu, uviděl kresby na balicím papíru. Líbily se mu a Hegedusic se zeptal na jejich autora. Prodejce odpověděl, že to maloval jeho 15letý synovec. Ivan Generalich. V roce 1930 tedy došlo k seznámení učitele-akademika a studenta - rolníka. Brzy se k nim přidal mladý Franjo Mraz a poté Mirko Virius. Jsou první generací umělců slavné Khlebinského školy.
Vášnivý pro hledání nových nápadů v umění, Hegedusic se rozhodl provést experiment, který potvrdil, že talent nezávisí na původu. Začal pracovat se samouky, učil je malířské techniky, ukazoval jim a pomáhal jim zvládnout různé techniky dopisy, včetně oleje na skle. A co je nejdůležitější, naučil nenapodobovat, ale nacházet svůj vlastní pohled svět, v první řadě zobrazující vesnický život, který byl mladým mužům blízký a srozumitelný. O rok později se studenti zúčastnili jedné z výstav v Záhřebu, kterou pořádal K. Hegedusic. Kreativita rolníků vyvolala smíšené reakce diváků a kritiků, ale zároveň vyvolala zájem neobvyklé malby. I. Generalich se stal pro své spoluobčany tím, čím byl Hegedusic pro první tři umělce. Mnoho rolníků se začalo věnovat kreativitě. Bohužel druhá světová válka a následná nestabilní situace zpozdily proces vstupu a prosazení Khlebinského školy do světové kultury na dvě desetiletí. Teprve na počátku padesátých let získali umělci naivního umění z Chlebinska a dalších okolních vesnic celosvětovou slávu.
Stalo se to v Paříž v roce 1953 , kde byla vystavena Galerie Jugoslávie 36 děl Ivana Generalicha.
Předmluvu k výstavnímu katalogu napsal slavný Francouzský spisovatel Marcel Arlan , který ocenil umělcovu práci:
"V těchto třiceti dílech, která Ivan Generalić ukazuje v Jugoslávské galerii, není nic vlezlého, nic šokujícího a nikdo nemůže říct, že chorvatský umělec přijel dobýt Paříž. Ale překvapuje a odzbrojuje nás. Protože Ivan Generalić zůstal věrný svým kořenům a protože tento malý svět, který nám přinesl, je skutečně jeho. Malý svět, bezpochyby, ale jemné a ctnostné kvality, vytříbeného a vážného ducha, kde naivita a sofistikovanost úzce souvisí. Diskrétní melodie, která zní z jeho obrazů, v v současné době- to je melodie jednoho člověka, jednoho lidu a jednoho kraje. Tato dekorace, tyto krajiny, venkovské scény. A vždy existuje nějaký druh intimního dialogu mezi lidmi, zvířaty a přírodou: žlutá kráva, kůň pod modrou přikrývkou jsou stejně účastníci jako tyto kopce, rolníci a stromy. Ano, ten muž je ten Generalich, který od svého dětství, ze země těch krav a koní, pod těmito stromy, mezi těmito rolníky, z jejich obecné dějiny vytvořil vlastní vlastní příběh a sní o tom, že to ukážu ostatním...“
Výstava měla takový úspěch, že byla prodloužena téměř o měsíc. Všechny obrazy byly vyprodány ještě před dokončením, což bylo pro Paříž velmi vzácné, a objednávky na díla I. Generalicha stále přicházely. Paříž a za ní celý svět byla dobyta.
Na výstavě v Jaroslavli divák uvidí produkty ze čtyř generace chorvatských umělců. Klasika Khlebinského školy a naivní umění prvních dvou generací: Ivan Generalic, Ivan Vecenaj, Mijo Kovačic, Martin Mehkek. Jeden z nejlepší grafy ve světě naivní umění – Ivan Latkovič. Ve třetí generaci kritici vyzdvihují zejména takové umělce, jako např Nada Svegovič Budaj, Štěpán Ivanec, Nikola Vechenay Leportinov, Martin Kopřichanec. Dnešní generace umělců je malá: kreativita si zaslouží nejvyšší známky Drazhena Tetets.
Před vchodem do sálu umístili organizátoři výstavy velké stojany s informacemi o historii chorvatského naiva a také plátno, kde jsou k vidění fotografie umělců a krajin země, které inspirovaly jejich tvorbu.
Každý obraz má stručné informace o umělci a díle samotném. Výrazně to pomůže těm, kteří výstavu navštíví sami, bez průvodce. Připomínám, že každou neděli v 15:00 se můžete zúčastnit bezplatné exkurze pracovníků muzea (pokud máte vstupenku na výstavu).
Něco málo o obrazech:
Tvorba umělců je často rozdělena do různých období. Například Vasilij Vereščagin měl turkestánské, palestinské, indické, ruské a japonské období. Pablo Picasso má modrou a růžovou barvu. V určitém okamžiku kreativity Ivana Generalicha nastal fantazijní, pohádkový, magický okamžik. Toto období je na výstavě zastoupeno obrazem "Les snů"
.
Ivan Generalich. "Les snů" Sklo, olej.
Obraz byl předchůdcem jeho slavného díla "Bílý jelen"
.
Kouzelně fantazie a zároveň reálný svět vytvořil ve svých dílech Vladimír Ivančan.
Vladimír Ivančan. "Velká modrá noc" 2008
Zjevná zralá dovednost se projevila Nada Svegovich Budaj v sérii obrazů „Mummers“.
Naďa Svegovič Budaj. "Mummers" II. Sklo, olej. 1983
Naďa Svegovič Budaj. "Mummers" V. Sklo, olej 1989.
V nich ukázala jasný odklon od tradiční „Khlebinského“ školy. Do této doby umělkyně výrazně zlepšila svou techniku psaní na sklo, včetně tzv. „ala prima“ („syrové na mokré“). Obraz se nemaluje vrstva po vrstvě, přičemž každá vrstva zasychá, ale okamžitě, jako skica, bez jakékoli předběžné přípravy.
Sklenice "Propped Jesus", olej 2014. Série "Apocalypse".
Drazen Tetets.
Obraz se zúčastnil několika výstav v Chorvatsku a Rusku, včetně velké výstavní projekt "Stvoření světa" v rámci V Moskvě mezinárodní festival"Festnaive" na MMOMA, v roce 2017.
Klíčovým bodem je jasné, velkolepé dílo představitele poslední vlny Khlebinského školy (chorvatského naivního) Drazena Tetetse „Propped up Jesus“. To je na jednu stranu v chápání Evropy naivní, na druhou stranu samotné dílo, jeho obsah je filozofický pohled k ideologické krizi nejširšího pokrytí světa křesťanské civilizace. Výstražný obrázek a obrázek alarmu. Ukazuje také, jak naivní může být naivní, bez ohledu na to, co tím slovem myslíme.“
Sergei Belov, kurátor projektu "Stvoření světa".
Název obrazu „Podepřený Ježíš“ není náhodný. I když „Propped Cross“, „Curcified Jesus“ nebo „Cross on Props“ by asi znělo eufoničtěji. Ve skutečnosti se tato jména objevila ve zprávách médií.
Drazen se záměrně vzdaluje důrazu na neživý předmět, i když velmi symbolický jako kříž je. Tedy přenesení naší pozornosti na úplně jinou, metafyzickou úroveň. Jméno „škrábe“ v uchu a okamžitě vás přiměje přemýšlet o něčem lidském, psychologicky hlubším (v životě jsme vždy připraveni použít „rekvizity“, víra není výjimkou, spíše naopak).
Obyvatelé Jaroslavle a hosté města:
Připomínám, že každou neděli v 15:00 můžete navštívit bezplatnou exkurzi vedenou pracovníky muzea.
Výstava potrvá do 9. září.
Volný den je pondělí.
Ivan Latkovič. Obec Podravsko. Sklo, olej. 1978.
Mijo Kovačič. Portrét rolníka. Sklo, olej. 1985.
Rád bych čtenářům obce trochu přiblížil chorvatskou malbu. A povídejte si o jednom z nejznámějších chorvatských umělců a největším akvarelovém umělci této země - Slavu Raskaj.
Její tvorba je neodmyslitelně spjata s tragický příběh její život.
Slava se narodil v roce 1877 ve městě Ozal, bohatém na chorvatskou historii. Město, které bylo v držení nejvlivnějších šlechtických rodů, ve kterém měl sídlo ban Petar Zrinski a které bylo v 17. století literární a Kulturní centrum. Sláva od narození hluchá a němá byla introvertní dítě a nedostatek komunikace s lidmi kompenzovala komunikací s přírodou, která jí pomohla hluboce porozumět a ocenit přírodu a dokonale ji ztvárnit ve svých obrazech.
První kresby tužkou květiny se již objevily Vídeňská škola pro hluchoněmé děti, kde studovala od 7 do 15 let. Slavina uměleckého talentu si poprvé všimla učitelka z jejího rodného města, která přijela do Záhřebu na post vedoucí Institutu pro výuku dětí se sluchovým a řečovým postižením. Vzal Slávu k tehdy slavnému umělci Bela Cikos-Sesiy (jeden ze zakladatelů Akademie umění v Záhřebu), u kterého začala studovat malbu. Po odmítnutí uměleckého vlivu Csikose, který spočíval v použití převážně tmavých tónů, se Rashkai ocitla v akvarelu, který se stal její oblíbenou formou uměleckého vyjádření.
Dílo S. Rashkai je obvykle rozděleno do 2 fází, z nichž v první je kresba a barva výsledkem čistého pozorování, křišťálově čisté vize krásy přírody. Druhá fáze je charakteristická vyjádřením vlastních dojmů (imprese) a v tomto období byla napsána nejlepší akvarely. Poté byl napsán slavný Rashkaiův cyklus „Lekníny“, který se zrodil pod dojmem malého jezírka v Botanická zahrada Záhřeb.
V roce 1898 se zúčastnila výstavy chorvatských umělců v Záhřebu, v letech 1899-1900 vystavovala v Moskvě a Petrohradu.
Slava Rashkai je někdy nazýván Ofélie chorvatská malba. Nejen pro neobvyklou, zvláštní krásu tónů a zvláštnosti zážitků vyjádřených v jejích obrazech, ale také pro její romantickou, ale tragický osud mladá dívka. Byla nešťastně zamilovaná do svého učitele a tyto pocity se podle některých autorů promítly i do portrétu Bély, který namalovala (jak jsem se snažila, bohužel jsem tento portrét nenašla). Existují dvě verze o tom, jaký byl vztah mezi Rashkai a Cikos. Podle jedné to byli jen blízcí kolegové a spolupracovali pouze v oblasti malby. Podle jiného to bylo stále milostný příběh, tajné, protože Chikosh byl nejen mnohem starší než Slava, ale byl také ženatý. Zjistit pravdu o tomto vztahu už zřejmě nebude možné. Předpokládá se, že Slava podrobně vyprávěla o svém životě v dopisech matce, které odkázala, aby byly pohřbeny s ní v rakvi, ale byly spáleny při požáru v domě její sestry v Budapešti. K tragickým okolnostem jejího života patří zničení jejího domu v rodném městě a asi 40 ztracených děl.
Krátce před svým duševním onemocněním namalovala Autoportrét a poté se v jejích dílech objevovalo stále více výrazů, mísících vizuální a fantastické. Stav hluboké deprese, kvůli kterému byla v roce 1902 umístěna do psychiatrické léčebny, se jistě promítl i do maleb, do výběru tónů a vyobrazených motivů - ruiny, opuštěné mlýny...
Zemřela na tuberkulózu v roce 1906 ve věku pouhých 29 let v Záhřebu a ostatky byly převezeny do rodné město Sláva Rashkay - Ozal.
Slava Rashkai byla za svého života uznávána jako umělec jen částečně. Účastnila se výstav, některá její díla se prodala, ale za částky neuvěřitelně malé v porovnání s cenou obrazů jiných umělců té doby. Částečně proto, že byla umělkyně a ženská práce kritici byli často vnímáni spíše jako rozmar a zábava než skutečné umění, částečně proto, že akvarel a jeho malé formáty se vůbec nepoužívaly, žánr byl považován za poněkud lehkovážný a bohatí kupci hledali velká, masivní plátna zmatená také Slávovou láskou k plenéru, neboť své krajiny malovala zcela v plenéru a nedotvářela je v ateliéru, jak bylo tehdy zvykem. Kritik V. Lunacek však připustil, že nedokázal vyčlenit více než jednoho umělce té doby, kromě Slávy Rashkai, která by se podle něj stala populární už za svého života, kdyby vydržela déle.