Skvělí klavíristé. Hodnocení nejlepších klavíristů. Anton a Nikolai Rubinsteinovi

MSE "Škola umění okresu Shemonaikha Akimat"

Výzkumný projekt

Skvělí klavíristé – interpreti

19., 20., 21. století

Připravil: Tayurskikh Daria 5. třída

Podfatilov Denis 3. tř

Vedoucí týmu:

učitelka umělecké školy

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Úvod………………………………………………………………………...2

XIX století…………………………………………………………………..3

XX století………………………………………………………………………………………………..13

XXI století……………………………………………………………………………………….24

Závěr…………………………………………………..............

... "klavír - je to začátek a konec všeho, ani ne tak hudební nástroj, jako způsob života, a smysl není v hudbě pro hudbu, ale v hudbě pro klavír.“

Herold Schonberg

Pianisté– Tento hudebníci, specializující se na klavírní provedení hudebních děl.

Skvělí klavíristé. Jak se lidé stanou skvělými klavíristy? To je vždy obrovské množství práce. A vše začíná v dětství. Mnoho klavíristů a skladatelů začalo studovat hudbu ve věku 4 nebo dokonce 3 let.Poté, když se vytvoří „široký“ tvar dlaně, který v budoucnu pomůže hrát mistrovsky.

V závislosti na době vývoje klavírní hudby byly někdy kladeny na klavíristy diametrálně odlišné požadavky. Profese hudebníka se navíc nevyhnutelně překrývá s profesí skladatele. Většina klavíristů si skládá vlastní klavírní hudbu. A pouze vzácným virtuosům se podařilo proslavit tím, že předváděli výhradně cizí melodie.
Pro klavíristu je každopádně jako pro každého hudebníka důležité být upřímný a emotivní, umět se ztratit v hudbě, kterou hraje.

Historie klavírní hudby je docela zajímavá. Je v něm několik etap, z nichž každá má své vlastní tradice. Často byly kánony určité doby stanoveny jedním (méně často několika) skladateli, kteří mistrně hráli na nástroj (nejprve to bylo cembalo, později klavír).

Proto jsou zvýrazněny tři éry v historii pianismu a jsou nazývány jmény slavných skladatelů– Mozart, Liszt a Rachmaninov. Použijeme-li tradiční terminologii historiků, jednalo se o období klasicismu, poté romantismu a rané moderny, resp.

Každý z nich zůstal po staletí jako velký skladatel, ale ve své době každý definoval i klíčové směry v pianismu: klasicismus, romantismus a ranou modernu. S každým z nich přitom souběžně účinkovali další skvělí klavíristé. Někteří z nich byli také skvělí skladatelé. Byli to: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann a další.

Pokud se vydáte na výlet do historie klavírní vědy, můžete se dozvědět spoustu zajímavých věcí. Například, že v jiný čas V průběhu staletí byly klíčové tradice ve hře na klavír určovány jedním nebo více velkými skladateli, kteří uměli plynně hrát na cembalo a později, s příchodem klavíru, byli vynikajícími klavíristy.

Mnoho slavných účinkujících klavíristů bavilo a potěšilo posluchače a milovníky hudby v průběhu historie. Klavír se stal od svého vynálezu jedním z nejoblíbenějších nástrojů pro svou všestrannost a příjemný zvuk. Přestože historie uchovala několik jmen skvělých klavíristů, jakékoli hodnocení nejslavnějších klavíristů je velmi subjektivní a jména takových interpretů se jen těžko vejdou do jednoho seznamu.

Stále však existují klavíristé, kteří dokázali vystoupat na vrchol celosvětové slávy a uznání.

XIXstoletí

Ve druhé polovině 19. století vstoupil do hudebního života nový nástroj - klavír. Vynálezcem tohoto „cembala s klavírem a forte“ byl padovský mistr

Bartolomeo Cristofori.

Postupným zdokonalováním klavír zaujal dominantní místo v hudební praxi. Nástroj s kladívkovou mechanikou umožňoval vytvářet zvuky různé síly a aplikovat je postupně crescendoAdiminuendo. Tyto vlastnosti klavíru odpovídaly touze po emocionální expresivitě zvuku, po přenášení v jejich pohybu a rozvíjení obrazů, myšlenek a pocitů, které lidi znepokojovaly.

S nástupem klavíru a jeho zavedením do interpretační praxe se zrodili noví představitelé.

19. století představil plejádu vynikajících skladatelů, kteří výrazně rozšířili hranice technických a výrazových prostředků klavíru. V největších městech, evropských centrech hudební a divadelní kultury, velkých klavírních školách, Tento:

Londýn(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

vídeňský(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg aj.);

Pařížský, později známý jako francouzština(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer aj.);

Němec(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow aj.);

ruština(Alexander Dubuk, Michail Glinka, Anton a Nikolaj Rubinsteinovi atd.).

Styl představení 19. století

Historie vývoje klavírní techniky je historií kultur a stylů. Mezi nepostradatelné dovednosti klavíristy 18. a 19. století měla patřit improvizace, tehdy se klavírista ještě neoddělil od skladatele, a pokud hrál hudbu někoho jiného, ​​pak bylo pravidlo považováno za velmi svobodné, individuálně kreativním zpracováním hudebního textu došlo k nácviku barvení a variací, což je nyní považováno za nepřijatelné.

Styl mistrů 19. století byl naplněn takovou uměleckou zvůlí, že bychom jej považovali za zcela nevkusný a nepřijatelný.

Významnou roli ve vývoji klavírní hudby a pianistické kultury patří londýnské a vídeňské školy.

Zakladatelem londýnské školy byl slavný virtuos, skladatel a učitel

Muzio Clementi (1752-1832)

Muzio Clementi a jeho studenti hráli na anglické piano, které mělo skvělý zvuk a vyžadovalo jasné, silné stisknutí kláves, protože tento nástroj měl velmi těsnou klaviaturu. Vídeňský klavír, navržený mistrem Johannem Steinem a oblíbený u Mozarta, měl melodičtější, i když ne tak silný zvuk, a měl poměrně lehkou klaviaturu. Proto, když se Clementi stal ředitelem a poté spolumajitelem jedné z největších klavírních společností v Anglii, dosáhl vylepšení anglických nástrojů, které jim dodaly větší melodičnost a odlehčily klaviaturu. Impulsem k tomu bylo Clementiho osobní setkání s Mozartem v roce 1781 ve Vídni, kde se na dvoře rakouského císaře konala jejich osobitá soutěž skladatelů a klavíristů. Clementiho zasáhla upřímnost Mozartovy hry a jeho „zpívání na klavír“.

Muzio Clementi - autor četných klavírních děl a významný pedagog, vytvořil vlastní školu klavírní hry. Byl autorem prvních instruktážních technických cvičení a etud v dějinách klavíru, dával představu o jeho metodických principech.

Sám Clementi a jeho žáci (I. Kramer, D. Field – jeden z nejnadanějších žáků E. Brekr) – významní virtuosové počátku 19. století – se vyznačovali vynikající prstovou technikou. Clementi spolu se svými studenty vytvořil progresivní metodiku zaměřenou na vývoj nových způsobů interpretace nástroje, využití plnohodnotného „koncertního“ zvuku a reliéfní perspektivy. Pedagogické dílo M. Clementiho „Krok na Parnas aneb umění hry na klavír, vtělené do 100 cvičení v přísném a elegantním stylu.“ Tato práce je základní školou pro rozvoj klavírních dovedností 100 cvičení ohromí rozmanitostí obsahu a rozsahem zadaných výkonových úkolů. Řada představitelů londýnské školy byla odvážnými inovátory na poli pianismu, kteří ve svých skladbách využívali kromě prstových pasáží i dvojnoty, oktávy, akordové formace, repetice a další techniky dodávající zvuku brilanci a pestrost.

Škola Clementi dala vzniknout určitým tradicím v klavírní pedagogice:

princip mnoha hodin technických cvičení;

hrát si s „izolovanými“ prsty ve tvaru kladiva s nehybnou rukou;

přísnost rytmu a kontrastní dynamika.

Zakladatelé Vídeňská škola byli skvělí skladatelé-pianisté: Haydn, Mozart a Beethoven.

Významný představitel progresivní klavírní pedagogiky se těšil velké slávě

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

Czerného „Teoretická a praktická klavírní škola“ má mnoho podobností s Hummelovým „Manuálem“. Hovoří-li podrobně o technice hry, o způsobech jejího rozvoje a získávání dovedností nezbytných pro klavíristu, ve třetí části své práce zdůrazňuje, že to vše je pouze „prostředek k dosažení skutečného cíle umění. , která má nepochybně vložit duši do představení a ducha a tím ovlivnit pocity a myšlenky posluchačů.“

Je třeba uzavřít, že výukové metody 19. století byly zredukovány na čistě technické úkoly, které vycházely z touhy rozvíjet sílu a plynulost prstů mnohahodinovým tréninkem. Spolu s tím v první polovině 19. století nejnadanější interpreti, většinou studenti Clementiho, Adama, Czerného, ​​Fielda a dalších vynikajících pedagogů, kteří dosahovali vysoké virtuozity, směle rozvíjeli nové techniky klavírní hry a dosahovali síla zvuku nástroje, jas a brilantnost složitých pasáží. Zvláštní význam v textuře jejich děl měly akordové struktury, oktávy, dvojnoty, zkoušky, techniky ručního posunu a další efekty vyžadující účast celé ruky.

Paříž 19. století - je centrem hudební kultury a virtuózní dovednosti. Je považován za zakladatele pařížské školy klavírní hry skladatel, klavírista, pedagog

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Jeho dílo „Metoda pro výuku hry na klavír pomocí násadce“ (1830) doložilo použití technických zařízení pro rozvoj různých druhů techniky (jemné, protahování svalů atd.). Vlastnosti školy tohoto typu jsou společenstvím autoritativní pedagogiky instalací. Výcvik začal správným postavením u nástroje a zvládnutím nejjednodušších motoricko-technických vzorců a teprve mnohem později se žáci začali učit hudební skladby.

Touha po virtuozitě vedla ke zrychlení tempa hodin, zneužívání cvičení mechanického charakteru, což vedlo k nemocem z povolání a snížení kontroly sluchu.

Německo 19. století Významný je vliv literárněkritické a pedagogické činnosti na romantickou estetiku této země

Roberta Schumannová (1810-1856)

Významné místo v díle Roberta Schumanna zaujímal vývoj otázek formování hudebníka - skutečného umělce nového typu, zásadně odlišného od módních virtuózů. Skladatel to považuje za jeden z nejúčinnějších prostředků k povznesení hudební kultury.

Problémy hudební pedagogiky se dotýkají díla R. Schumanna „Domácí a životní pravidla pro hudebníky“, „Příloha k albu pro mládež“, v předmluvě k Etudám podle rozmarů Paganiniho Or.Z z hlavních hudebně pedagogických problémů je následující: interakce etických a estetická výchova, získání hlubokých a všestranných znalostí, které tvoří základ každého tréninku, formulace principů seriózního umění a kritika salonního směřování a vášně pro „techniku ​​pro technologii“ ve skládání a scénickém umění; boj proti amatérismu.

Schumannovy hudební a pedagogické názory sloužily a slouží jako základ vyspělých moderních metod. Klavírní hudba skladatele je stále aktivně využívána ve vzdělávacích programech na všech úrovních.

O tak skvělém skladateli a virtuózním polském pianistovi nelze neříct

Frederic Chopin (1810-1849)

V první polovině 19. století se Frédéric Chopin stal prvním skladatelem, který psal hudbu výhradně pro klavír. Jako nadané dítě napsal Chopin mnoho krásných a složitých klavírních skladeb, které v průběhu let potěšily mnoho studentů a umělců klavíru. Chopin rychle dobyl Paříž. Svým originálním a nevšedním výkonem diváky okamžitě ohromil. V té době byla Paříž zaplavena hudebníky z nej rozdílné země. Nejoblíbenější byli virtuózní klavíristé. Jejich hra se vyznačovala technickou dokonalostí a brilantností, která ohromila publikum. První Chopinovo koncertní vystoupení proto vyznělo tak ostrým kontrastem. Podle vzpomínek současníků byl jeho výkon překvapivě duchovní a poetický. Slavný maďarský hudebník Franz Liszt vzpomíná na první Chopinův koncert. Také začínající svou skvělou kariéru pianisty a skladatele: „Vzpomínáme si na jeho první vystoupení v Pleyel Hall, kdy se zdálo, že potlesk, který sílil s dvojnásobnou silou, nedokázal dostatečně vyjádřit naše nadšení tváří v tvář talentu, který spolu s radostí inovace v oblasti jeho umění otevřely novou etapu ve vývoji básnického cítění.“ Chopin dobyl Paříž, stejně jako kdysi Mozart a Beethoven dobyli Vídeň. Stejně jako Liszt byl uznáván jako nejlepší klavírista na světě.

Maďarský skladatel, klavírista, dirigent, pedagog

Franz Liszt (1811-1886)

Současník a přítel F. Chopina. Ferencovým učitelem klavíru byl K. Czerny.

Liszt vystupoval na koncertech od svých devíti let a nejprve se proslavil jako virtuózní pianista.

V letech 1823-1835. žil a koncertoval v Paříži, kde probíhala i jeho pedagogická a skladatelská činnost. Zde se hudebník setkal a sblížil s G. Berliozem, F. Chopinem, J. Sandem a dalšími významnými osobnostmi umění a literatury.

V letech 1835-1839 Liszt cestoval do Švýcarska a Itálie a během tohoto období dovedl své dovednosti jako pianista k dokonalosti.

Liszt ve své skladatelské práci prosadil myšlenku syntézy několika umění, především hudby a poezie. Jeho hlavní princip je tedy programový (hudba je komponována pro konkrétní děj nebo obrázek). Výsledkem cestování po Itálii a seznamování se s obrazy italských mistrů byl klavírní cyklus „Roky putování“ a fantazijní sonáta „Po přečtení Danteho“.

Franz Liszt také významně přispěl k rozvoji koncertní klavírní hudby.

Hudební kultura Ruska v 19. století. vypadá jako jakýsi „stroj času“. Za sto let prošlo Rusko třísetletou cestu, s níž hladká a postupný vývoj národní skladatelské školy velké země západní Evropy. A teprve v této době byli ruští skladatelé schopni v pravém slova smyslu ovládnout nashromážděné bohatství lidového umění a oživit myšlení lidí v krásných a dokonalých formách vážné hudby.

Koncem 18. - začátkem 19. stol. Hudební pedagogika v Rusku podniká první kroky: vzniká ruská klavírní škola. Vyznačuje se aktivním rozvojem zahraničních vyučovacích metod a zároveň touha pokročilých ruských učitelů vytvořit národní školu klavíru.

Na rozdíl od západní Evropy Rusko neznalo vysoce rozvinutou klavírní kulturu, ačkoli cembalo bylo známé již od 16. století. Ruští posluchači projevovali velký zájem výhradně o vokální hudbu a ke zpěvu a tanci se používaly klávesové nástroje, které existovaly v Rusku. Teprve koncem 18. stol. Zájem o výuku hry na klavír roste. V ruštině byly publikovány Clavichordská škola Simona Leleina a úryvky z „Clavier School“ Daniela Gottlieba Türka.

Počátek 19. století se datuje od vydání pojednání Vincenza Manfrediniho „Harmonická a melodická pravidla pro výuku veškeré hudby“. Spolu s tím v první polovině 19. století vycházely v ruštině různé klavírní školy zahraničních hudebníků: „Škola hry na klavír“ od M. Clementiho (1816), „Úplná praktická škola pro klavír“ od D. Steibelta ( 1830), „Škola“ od F. Guntena (1838) atd.

Mezi významné hudebníky-pedagogy první poloviny 19. stol. byli tam I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

V těchto letech vznikaly v Rusku i školy domácích autorů, jejichž sestavovatelé se snažili přiblížit metody výuky úkolům výchovy ruských hudebníků. Repertoár „Školy“ I. Prachy (Čech, vlastním jménem Jan Bohumír, rok narození neznámý, zemřel 1818; skladatel, který působil dlouhou dobu v Petrohradě jako učitel hudby v různých vzdělávacích institucích) zahrnoval , například mnoho děl ruských autorů.

V originálním návodu I. Praha„Úplná škola pro klavír...“ (1806) zohledňovala specifika ruské interpretační kultury; byly nastoleny otázky hudební výchovy dětí. Prach významně přispěl k rozvoji klavírní pedagogiky. Specifikuje teoretické pozice na základě metodické pokyny, určování různé cesty provedení (harmonické figurace, arpeggia a akordy, lomené oktávy atd.) s příklady ilustrujícími konkrétní techniku ​​nebo pohyb.

Aktivita J. Field jako měl hudebník a učitel velká důležitost pro ruskou klavírní pedagogiku. Vyškolil plejádu slavných hudebníků, jako jsou M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke a mnoho dalších. Polní škola měla samozřejmě velký význam. Lze ho považovat za zakladatele přední klavírní školy. Ve 20-30 letech. 19. století Field se ve studiích snažil podřídit technickou práci uměleckým cílům: expresivní frázování, filigránové doladění zvuku každé noty, odhalení obsahu díla.

A. HenseltAA. Gehrke

Vyučovali ve všeobecně vzdělávacích institucích a na petrohradské konzervatoři. Jejich pedagogická metoda odrážela progresivní směr ruské klavírní školy, a to: rozvoj obzorů založený na použití rozsáhlého repertoáru, touha podporovat samostatnost studentů. Byli horlivými odpůrci metod „školení“ a „vrtání“.

A. Villuan byl pokrokově smýšlející učitel. Jeho historická role spočívá v tom, že v dětství rozpletl hudební talent A. Rubinsteina a dokázal dát správný směr jeho vývoji. Nejlepší aspekty Villouinovy ​​pedagogické metody, projevující se v jeho praktické činnosti, se odrážely v jeho „Škole“ (1863). Způsob zvukové produkce, který objevil – „zpívání“ na klavír – se stal jedním z mocných uměleckých prostředků hry A. Rubinsteina. „Škola“ pokrývá velké množství znalostí souvisejících s technickým školením a hudební výchova klavírista Cenné jsou zejména Villouinovy ​​názory na dosažení melodického zvuku hlubokého klavíru, na rozvíjení legata, k čemuž se používají fundované postupy, které dodnes neztratily svůj význam.

V historii ruského předrevolučního a porevolučního umění patří vedoucí role Petrohradské a moskevské konzervatoře

největší centra hudební kultury v zemi. Činnost obou konzervatoří se vyvíjela v těsném kontaktu, což bylo dáno nejen shodností jejich úkolů, ale i tím, že studenti petrohradské konzervatoře často působili v Moskvě a Moskvané se stali učiteli petrohradské konzervatoře. .

Tak P. I. Čajkovskij vystudoval petrohradskou konzervatoř, poté se stal jedním z prvních profesorů na moskevské konzervatoři; L. Nikolajev (žák V. Safonova na Moskevské konzervatoři) - později jeden z předních představitelů klavírní školy v Leningradu; Nikolajevovi studenti V. Sofronitsky a M. Yudina působili několik let v Moskvě.

Zakladatelé Petrohradské a Moskevské konzervatoře, bratři

Anton a Nikolaj Rubinšteinov,

Za léta vedení konzervatoří položili zásadní základy pro výchovu mladých hudebníků. Jejich studenti (A. Siloti, E. Sauer - studenti Nikolaje; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - studenti Antona) se stali prvorozenými v galaxii mladých umělců, kteří získali uznání od světové hudební komunity.

Snahou bratří Rubinsteinů získala ruská klavírní pedagogika v poslední třetině 19. století. obrovskou autoritu a mezinárodní uznání. Právě jim Rusko vděčí za to, že obsadilo jedno z prvních míst ve výuce hry na klavír.

Můžeme usuzovat, že jak západoevropští, tak ruští vyspělí hudebníci-učitelé 19. století hledali rozumné, originální způsoby, jak na studenta působit. Hledali efektivní způsoby, jak zefektivnit technickou práci. Kreativní využití tradic klavírní hudby a myšlenek, které se rozvinuly v předchozích staletích o podstatě procesu formování klavírní techniky hraní, metodologie 19. století. dospěl k opodstatnění vhodného herního principu – celostního využití klavírního aparátu. Právě v 19. století vznikl vskutku grandiózní základ etud a cvičení, který je dodnes ve výuce hry na klavír nepostradatelný.

Analýza hudebního materiálu ukazuje, že jeho tvůrcům je vlastní touha hledat přirozené herní pohyby, prstokladové principy spojené se strukturálními rysy lidské ruky.

Zároveň je třeba poznamenat, že 19. stol. dal hudební pedagogice a školství systém brilantních nadějných myšlenek a především chuť vychovat vzdělaného hudebníka účelným rozvojem jeho tvůrčí individuality.

XXstoletí

20 století - rozkvět klavírního umění. Toto období je neobyčejně bohaté na mimořádně talentované, vynikající klavíristy.

Na počátku 20. století se proslavili Hoffman A Cortot, Schnabel A Paderewski. a přirozeně, S. Rachmaninov, génia stříbrného věku, který znamenal novou éru nejen v klavírní hudbě, ale i ve světové kultuře jako celku.

Druhá polovina 20. století je dobou tak slavných klavíristů, jako jsou Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimír Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.Seznam pokračuje...

Styl představení 20. století

***

Jde o touhu po hlubokém porozumění hudebnímu textu a po přesném přenosu skladatelova záměru a pochopení stylu a charakteru hudby jako základu pro realistickou interpretaci. umělecké obrazy, vložené do díla.

***

Konec 19. – začátek 20. století. - mimořádně rušné období světových dějin umělecké kultury. Konfrontace mezi demokratickou kulturou mas, které stále více vstupovaly do boje za svá sociální práva, a elitní kulturou buržoazie se extrémně zintenzivnila.

Největší umělci této doby rozpoznali rysy krize ve vývoji nové hudby: „Žijeme v době, kdy základ lidské existence zažívá šok,“ tvrdil I. F. Stravinskij, moderní člověk ztrácí smysl pro hodnotu a stabilitu .... Jelikož je duch sám nemocný, „hudba naší doby a zejména to, co tvoří, co považuje za pravdivé, s sebou nese známky patologické nedostatečnosti.“ Podobná vyznání mohla zaznít z úst nejednou další významní hudebníci.

Ale navzdory krizovým dopadům éry dosáhla hudba nových skvělých výšin. Klavírní pedagogika byla obohacena o mnoho zajímavých děl. Pozornost autorů publikovaných prací byla směřována k otázkám výtvarné dovednosti studentů.

Nejvýznamnější učitelé klavíru G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan vyvinul metody pro úspěšné učení studentů.

Heinrich Gustavovič Neuhaus (1888-1964) - klavírista, pedagog, hudební skladatel. Zakladatel největší sovětské klavírní školy. Vše, o čem píše, je prodchnuto vášnivou láskou k umění, ke klavírní hudbě a performance.

Nejvíce nás zajímá kniha s názvem „O umění hry na klavír“.

Kniha je psána živým, obrazným jazykem, plná soudů o mnoha skladatelích, interpretech a učitelích. Přináší nové problémy a otázky, které trápí každého pianistu. Je v ní mnoho stránek, které mají charakter hudební autobiografie, věnované vzpomínkám na vlastní tvůrčí cestu. V této improvizaci však jasně vyvstávají autorovy názory na klavírní umění a úkoly učitele. Neuhaus ve svých dílech píše o uměleckém obrazu, rytmu, zvuku, práci na technice, prstokladu a šlapání, úkolech učitele a žáka i koncertní činnosti hudebníka.

S velkou přesvědčivostí ukazuje, že tzv. „učebnicová“ metoda, která dává hlavně recept – „tvrdá pravidla“, i když pravdivá a osvědčená, bude vždy jen počáteční, zjednodušenou metodou, neustále potřebující vývoj, upřesňování. , při konfrontaci se skutečným životem, nebo, jak sám říká, „v dialektické transformaci“. Ostře a temperamentně se v pedagogické práci staví proti „koučovací metodě“ a „nekonečnému vysávání stejných děl“ proti falešnému postoji, že „režie dokáže se studenty všechno“. Usiluje o dialektické řešení nejen obecných hudebních a interpretačních problémů, ale i konkrétnějších technických problémů.

Při definování role učitele se Neuhaus domnívá, že učitel by se měl snažit nebýt ani tak učitelem klavíru, jako spíše učitelem hudby.

Ve své pedagogické práci věnoval Neuhaus zvláštní pozornost vztahu „hudebního“ a „technického“. Hledal tedy především překonání technické nejistoty a strnulosti studentových pohybů ve sféře vlivu na psychiku studenta, ve způsobech hudby samotné. Totéž učinil, když svým studentům doporučoval metody pro práci na „obtížných místech“. Podle jeho názoru by vše „obtížné“, „složité“, „neznámé“ mělo být pokud možno redukováno na něco „snadnějšího“, „jednoduchého“, „známého“; zároveň důrazně doporučil neopouštět metodu zvyšování obtížnosti, protože s pomocí této metody hráč získává dovednosti a zkušenosti, které mu umožní problém zcela vyřešit.

Neuhaus se nakonec ve všem snažil přiblížit studentovi hudbu, odhalit mu obsah předváděného díla a vdechnout mu nejen živý básnický obraz, ale také podrobně rozebrat formu a struktura díla - melodie, harmonie, rytmus, polyfonie, textura - jedním slovem odhalit studentovi zákonitosti hudby a způsoby její realizace.

Mluvit o rytmus jako o jednom z podstatné prvky, tvořící proces provedení, Neuhaus zdůrazňuje obrovský význam „smyslu celku“, schopnosti „dlouhého přemýšlení“, bez níž klavírista nemůže uspokojivě zahrát žádné velké dílo z hlediska formy.

Za velkou chybu pianisty považuje autor podcenění. zvuk (nedostatečný poslech zvuku) a jeho přecenění, tedy „vychutnávání si jeho smyslné krásy“. Neuhaus tímto položením této otázky redefinuje pojem krásy zvuku – nikoli abstraktně, bez spojení se stylem a obsahem, ale vyvozuje jej z pochopení stylu a charakteru hrané hudby.

Zároveň zdůrazňuje, že samotná hudební práce a „hudební sebevědomí“ neřeší otázku zvládnutí klavírní techniky. Nezbytná je také fyzická příprava, včetně pomalé a silné hry. „Při této práci,“ dodává, „je třeba dodržovat následující pravidla: ujistěte se, že paže, celá paže, od ruky až po ramenní kloub, je zcela volná, nikde „nemrzne“, neštípe, „netvrdne“, neztrácí svou potenciální (!) pružnost při zachování naprostého klidu a používání pouze těch pohybů, které jsou vyloženě „nezbytné“.

Určení vašeho pohledu na prstoklad, Neuhaus píše, že nejlepší prstoklad je ten, který umožňuje přesněji zprostředkovat význam dané hudby. Za nejkrásnější a esteticky oprávněný označuje prstoklad spojený s duchem, charakterem a hudebním stylem autora.

Neuhaus definuje problém podobným způsobem šlapání. Správně říká, že obecná pravidla, jak sešlápnout pedál, se vztahují k uměleckému šlapání, stejně jako se některá část syntaxe vztahuje k jazyku básníka. V podstatě podle něj neexistuje správný pedál. Umělecký pedál je neoddělitelný od zvukového obrazu. Tyto myšlenky jsou podporovány v knize poblíž zajímavé příklady, z něhož je patrné, jakou důležitost přikládal autor různým technikám šlapání.

Lze jen říci, že Neuhaus pohlížel na klavíristovu techniku ​​jako na něco organicky spojeného s chápáním hudby a uměleckými aspiracemi. To je vlastně základ sovětské interpretační školy obecně a zvláště školy Neuhaus, která vychovala tak skvělé umělce jako S. Richter, E. Gilels, J. Zak a mnoho dalších vynikajících klavíristů.

Články a knihy představují jedinečný příspěvek sovětské klavírní škole

Grigorij Michajlovič Kogan (1901-1979)

V knize „At the Gates of Mastery“ autor hovoří o psychologických předpokladech úspěchu pianistické práce. V této práci identifikuje „tři hlavní vazby“: jasnou vizi cíle, zaměření na tento cíl a vytrvalou vůli jej dosáhnout. Správně poznamenává, že tento závěr není nový a platí nejen pro klavíristy, ale pro jakýkoli obor umění a lidské pracovní činnosti.

V předmluvě ke knize hovoří o důležitosti psychiky klavíristy, o roli správného psychologického naladění, které je nezbytnou podmínkou úspěšné praxe v jeho práci. Toto téma je velmi zajímavé nejen pro účinkující, ale také pro učitele, na kterých hodně závisí formování psychiky studenta a jeho psychologického naladění.

Když mluvíme o cíli, vůli, pozornosti, koncentraci, sebeovládání, představivosti a dalších prvcích, které určují úspěch v práci pianisty, Kogan k nim přidává potřebu vášnivé touhy vyjádřit se v dokonalý tvar vymýšlel a miloval hudební obrazy. Speciální místo zaměřuje se na problematiku „tvůrčího klidu“ a vzrušení interpreta před vystoupením a při hraní na koncertě.

S ohledem na různé fáze práce pianisty na skladbě Kogan podrobně charakterizuje tři fáze tohoto procesu: 1) prohlížení a předběžné přehrávání, 2) učení po částech, 3) „sestavení“ díla jako konečná fáze.

Kogan se podrobně věnoval otázkám frázování, prstokladu, technického přeskupování a mentální reprezentace obtíží. Téměř vše, co analyzoval, je založeno na Busoniho klavírních principech.

Kniha také obsahuje rozbor některých aspektů divadelního umění, které metodologická literatura dostalo poměrně málo pozornosti. Patří mezi ně například otázka slovního podtextu různých epizod v klavírní díla, který může sloužit jako „pomocný intonační průvodce“, umožňující „snadněji najít přirozené rozložení dýchání, přesvědčivou „výslovnost“ jednotlivých intonací.“

Po prostudování Koganova pedagogického dědictví můžeme dojít k závěru, že Koganova díla do značné míry charakterizují základní metodologické pokyny moderní sovětské klavírní školy v klavírním umění.

Jeden z největších pianistů počátku našeho století je slávou divadelního umění dvacátého století

Joseph Hoffman (1876-1957)

Osud zájezdového umělce – fenoménu, který v civilizované podobě uchovává tradice potulných muzikantů – se stal na dlouhou dobu Hoffmannovým údělem. Hoffman se také zabýval pedagogickou činností, ale nebyly tak bystré jako ty předvádějící.

Hoffmann přikládal velký význam období výcviku. Potřeba Učitele, požadavek důvěřovat mu, jeho význam pro formování interpreta – to jsou motivy, které se opakovaně objevují na stránkách Hoffmannových knih. Sám Hoffmann měl štěstí na své učitele - byli jimi slavný klavírista a skladatel Moritz Moszkowski (autor brilantních virtuózních etud a salonních her) a slavný Anton Rubinstein, setkání s nimiž se stalo jednou z hlavních událostí v Hoffmannově tvůrčím životě.

Další důležitou událostí v Hoffmanově životě, která radikálně ovlivnila jeho tvůrčí osud, způsob myšlení a způsob života, byl přesun do Ameriky (a později přijetí amerického občanství). Proto - střízlivý, praktický pohled na život, obchodní přístup k jakýmkoli problémům, včetně kreativních; Tato ryze americká praktičnost je patrná jak v knihách, tak v článcích.

Ve své knize vydané v roce 1914 nazvané „Hra na klavír – odpovědi na otázky o hře na klavír“ je důležité, že Hoffmann identifikoval obecné principy, které přispívají k dobré hře na klavír. Vyzdvihuje výhodu ranního cvičení. Doporučuje se neučit se déle než jednu hodinu, maximálně dvě hodiny v kuse. Vše by mělo záviset na vaší fyzické kondici. Doporučuje také změnit čas a pořadí studovaných děl. Klavírista se zaměřuje na diskuse o „technologii“ klavírní hry, které skvěle rozuměl. Hoffmann považuje práci bez nástroje (také s notami a bez nich) za důležitou.

Zvláště důležité jsou Hoffmannovy úvahy o „mentální technice“ – potřeba začít analýzu hry analýzou formy a struktury; dále, v procesu analýzy, každá pasáž „musí být kompletně připravena mentálně, než je vyzkoušena na klavíru“.

Hoffman je velmi moderní v mnoha rysech svého stylu. Je nám blízká svou praktičností – v podstatě vše, nic nadbytečného.

Génius stříbrný věk, skvělý klavírista, skladatel, dirigent

Sergej Rachmaninov (1873-1943)

Hudbu začal systematicky studovat v pěti letech stáří. V roce 1882 vstoupil Sergej do Petrohradu konzervatoř. V roce 1885 se přestěhoval do Moskvy a stal se studentem Moskevské konzervatoře, kde studoval nejprve u slavného klavíristy-pedagoga N. S. Zvereva (jehož žákem byl i ruský skladatel a klavírista Alexandr Nikolajevič Skrjabin), od roku 1888 u klavíristy a dirigenta Alexander Iljič Ziloti (klavír); skladatel, klavírista a dirigent Anton Stepanovič Arensky (skladba, instrumentace, harmonie); skladatel, pianista a hudební a veřejná osobnost Sergej Ivanovič Taneyev (kontrapunkt k přísnému psaní).

Rachmaninov je jedním z největších hudebníků přelomu 19. a 20. století. Jeho umění se vyznačuje vitální pravdivostí, demokratickou orientací, upřímností a emocionální plností uměleckého projevu. Rachmaninov následoval nejlepší tradice hudební klasiky, především ruské. Byl to oduševnělý zpěvák ruské povahy.

V jeho dílech těsně vedle sebe koexistují vášnivé impulsy nesmiřitelného protestu a tichého rozjímání, chvějící se bdělosti a pevné vůle, ponurá tragédie a nadšená hymna. Rachmaninovova hudba, která má nevyčerpatelnou melodickou a subvokální polyfonní bohatost, absorbovala původ ruských lidových písní a některé rysy chorálu Znamenny. Jedním z původních základů Rachmaninova hudebního stylu je organické spojení šíře a svobody melodického dýchání s rytmickou energií. Téma vlasti, ústřední pro Rachmaninovovo zralé dílo. Jméno Rachmaninova jako klavíristy je na stejné úrovni jako jména F. Liszt a A. G. Rubinstein. Fenomenální technika, melodická hloubka tónu, pružný a panovačný rytmus byly zcela podřízeny Rachmaninovově hře.

Sláva Rachmaninova jako pianisty byla poměrně velká a brzy se stala skutečně legendární. Mimořádný úspěch měly jeho interpretace vlastní hudby a díla romantických skladatelů - Fryderyka Chopina, Roberta Schumanna, Franze Liszta. Koncertní činnost Rachmaninova jako cestujícího virtuózního klavíristy po městech a zemích pokračovala bez přerušení téměř 25 let.

V Americe, kam se shodou okolností přestěhoval, dosáhl ohromujícího úspěchu, jaký sem kdy zahraničního interpreta doprovázel. Posluchače přitahovaly nejen Rachmaninovovy vysoce výkonné schopnosti, ale také jeho styl hry a vnější asketismus, který skrýval jasnou povahu skvělého hudebníka. „Člověk schopný vyjádřit své city takovým způsobem a s takovou silou se musí nejprve naučit je dokonale ovládat, být jejich pánem...“ psalo se v jedné z recenzí.

Gramofonové nahrávky Rachmaninovovy hry dávají představu o jeho fenomenální technice, smyslu pro formu a mimořádně zodpovědném přístupu k detailu. Rachmaninovův klavírismus ovlivnil takové vynikající mistry klavírního projevu jako Vladimir Vladimirovič Sofronitsky, Vladimir Samoilovič Horowitz, Svyatoslav Teofilovič Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Americký pianista - virtuos ukrajinsko-židovského původu, jeden z největších pianistů 20.

Vladimír Samoilovič Horowitz

(1903-1989)

Narozen v Rusku od roku 1928 v USA. Představitel romantického stylu provedení (díla F. Liszta, včetně jeho vlastních přepisů, Fryderyk Chopin, ruští skladatelé aj.).

Vladimir Horowitz studoval u V. Pukhalského, S. V. Tarnovského a F. M. Blumenfelda na Kyjevské hudební škole, která byla v září 1913 přeměněna na Kyjevskou konzervatoř. Po promoci v roce 1920 V. Horowitz nikdy nedostal diplom, protože neměl osvědčení o absolvování gymnázia. Svůj první samostatný koncert odehrál v Charkově v roce 1920 (ale první doložený veřejný koncert se konal v prosinci 1921 v Kyjevě). Poté koncertoval v různých městech Ruska společně s mladým houslistou z Oděsy Nathanem Milsteinem, za což byl kvůli obtížné ekonomické situaci v zemi často placen spíše chlebem než penězi.

Od roku 1922 Horowitz, koncertující ve městech Ruska, Ukrajiny, Gruzie a Arménie, nashromáždil gigantický repertoár. Například během tří měsíců (listopad 1924 - leden 1925) provedl více než 150 děl ve slavné „Leningradské sérii“, skládající se z 20 koncertů. Navzdory svému ranému úspěchu jako pianista Horowitz tvrdil, že chce být skladatelem, ale vybral si kariéru pianisty, aby pomohl své rodině, která v revoluci v roce 1917 přišla o celý majetek. Úspěch „dětí revoluce“ (jak je nazval Lunacharskij v jednom ze svých článků) byl ohromující. V mnoha městech vznikly kluby fanoušků těchto mladých hudebníků.

V září 1925 měl Vladimir Horowitz příležitost odjet do Německa (oficiálně odcházel studovat). Před odjezdem se naučil a odehrál 1. koncert P. I. Čajkovského v Leningradě. Díky této skladbě se proslavil v Evropě. Tento koncert sehrál v životě klavíristy „osudovou“ roli: pokaždé, když Horowitz dosáhl triumfu v Evropě a Americe, provedl Čajkovského 1. koncert. Po klavíristovi odjel v prosinci 1925 do Německa i Milstein. V Evropě se oba hudebníci rychle proslavili jako brilantní virtuosové. Horowitz byl vybrán sovětskými úřady, aby reprezentoval Ukrajinu na inaugurační mezinárodní Chopinově soutěži v roce 1927, ale pianista se rozhodl zůstat na Západě, a proto se soutěže nezúčastnil. Do roku 1940 koncertoval téměř po všech evropských zemích a všude měl ohromující úspěch. V Paříži, když hrál V. Horowitz, byli povoláni četníci, aby uklidnili publikum, které v extázi lámalo židle. V roce 1928 předvedl Vladimir Horowitz skvělý výkon v Carnegie Hall v New Yorku a s obrovským úspěchem procestoval mnoho amerických měst.

Ruský pianista s německými kořeny

Svjatoslav Teofilovič Richter

(1915 – 1997)

Dětství a mládí prožil v Oděse, kde studoval u svého otce, klavíristy a varhaníka vystudovaného ve Vídni, a působil jako korepetitor v opeře. Svůj první koncert absolvoval v roce 1934. Ve věku 22 let, formálně jako samouk, vstoupil na moskevskou konzervatoř, kde studoval u Heinricha Neuhause. V roce 1940 poprvé veřejně vystoupil v Moskvě, kde provedl Prokofjevovu 6. sonátu; následně se stal prvním interpretem jeho 7. a 9. sonáty (poslední věnovaná Richterovi). V roce 1945 vyhrál Všesvazovou soutěž interpretů.

Již od prvních krůčků na profesionálním poli byl vnímán jako virtuos a hudebník výjimečného kalibru.

Po několik generací sovětských a ruští hudebníci a milovníků hudby byl Richter nejen vynikajícím klavíristou, ale také nositelem nejvyšší umělecké a mravní autority, zosobněním moderního univerzálního hudebníka-pedagoga. Richterův obrovský repertoár, který se rozrůstal až do jeho posledních let aktivní život, zapnul hudbu různé éry, od Bachova Dobře temperovaného klavíru a Händelových suit až po Gershwinův koncert, Webernovy variace a Stravinského Pohyby.

Richter se ve všech oblastech repertoáru projevil jako jedinečný umělec, který v sobě spojuje naprostou objektivitu v přístupu k hudebnímu textu (pečlivé dodržování autorových pokynů, sebevědomou kontrolu nad detaily, vyhýbání se rétorické nadsázce) s neobvykle vysokým dramatickým vyzněním a duchovním těžiště výkladu

Richterovo bystré vědomí odpovědnosti k umění a schopnost věnovat se se projevily v jeho zvláštním nasazení pro souborové vystupování. V rané fázi Richterovy kariéry byli jeho hlavními partnery souboru klavírista, student Neuhausu Anatolij Vedernikov, zpěvačka Nina Dorliak (soprán, Richterova manželka), houslistka Galina Barinová, violoncellista Daniil Šafran, Mstislav Rostropovič (jejich dokonalá, vpravdě klasická spolupráce sama o sobě způsobem - všechny Beethovenovy violoncellové sonáty). V roce 1966 začalo partnerství mezi Richterem a Davidem Oistrakhem; v roce 1969 uvedli premiéru Šostakovičovy houslové sonáty. Richter byl častým partnerem kvarteta. Borodin a ochotně spolupracoval s hudebníky více než mladší generace, mimo jiné s Olegem Kaganem, Elizavetou Leonskou, Natalií Gutmanovou, Jurijem Bashmetem, Zoltanem Kocsisem, klavíristy Vasilijem Lobanovem a Andrejem Gavrilovem. Richterovo umění sólisty i souborového hráče je zvěčněno v obrovském množství studiových a koncertních nahrávek.

Sovětský pianista, lidový umělec SSSR

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil začal hrát na klavír v pěti a půl letech, jeho prvním učitelem byl Yakov Tkach. Po rychlém dosažení významného úspěchu se Gilels poprvé objevil na veřejnosti v květnu 1929, kde hrál díla Liszta, Chopina, Scarlattiho a dalších skladatelů. V roce 1930 vstoupil Gilels do Oděského hudebního institutu (nyní Oděská konzervatoř).

A příští rok vyhraje Celoukrajinskou klavírní soutěž a o rok později se seznámí s Arthurem Rubinsteinem, který o jeho výkonu mluví pochvalně.

Sláva hudebníkovi přišla po vítězství v roce 1933 na První celosvazové soutěži interpretů, po níž následovaly četné koncerty po celém SSSR. Po absolvování konzervatoře v Oděse v roce 1935 nastoupil Gilels na postgraduální studium na Moskevské konzervatoři ve třídě Heinricha Neuhause.

Ve druhé polovině 30. let dosáhl klavírista velkého mezinárodního úspěchu: na mezinárodní soutěži ve Vídni (1936) obsadil druhé místo, prohrál pouze s Yakovem Flierem a o dva roky později se mu pomstil, vyhrál soutěž Ysaïe v r. Brusel, kde Flier zůstal na třetím místě. Po návratu do Moskvy začal Gilels učit na konzervatoři jako asistent Neuhause.

Za války se Gilels účastnil vojenské mecenášské práce, na podzim 1943 koncertoval v obleženém Leningradu a po skončení války se vrátil k aktivní koncertní a pedagogické činnosti. Často vystupoval se svou mladší sestrou, houslistkou Elizavetou Gilels, a také s Yakovem Zakem. V roce 1950] založil spolu s Leonidem Koganem (housle) a Mstislavem Rostropovičem (violoncello) klavírní trio a v roce 1945 poprvé koncertoval v zahraničí (stal se jedním z prvních sovětských hudebníků, kterým to bylo povoleno), koncertoval v Itálii, Švýcarsku, Francii a skandinávských zemích. V roce 1954 jako první sovětský hudebník vystoupil v Pleyel Hall v Paříži. V roce 1955 se pianista stal prvním sovětským hudebníkem, který přijel koncertovat do Spojených států, kde provedl Čajkovského První klavírní koncert a Rachmaninovův Třetí koncert s Philadelphia Orchestra pod vedením Eugena Ormandyho a brzy měl sólový koncert v Carnegie Hall, což mělo obrovský úspěch. V letech 1960-1970 byl Gilels jedním z nejvyhledávanějších sovětských hudebníků na světě, vystupoval na koncertech a zahraniční zájezdy asi devět měsíců v roce.

Abych to shrnul, rád bych poznamenal, že metodické zásady a knihy nejvýraznějších představitelů sovětského pianismu ukazují, že názory těchto hudebníků, i přes osobitost jejich přístupu ke klavírnímu výkonu a pedagogice, měly mnoho společného. Jde o touhu po hlubokém porozumění hudebnímu textu a po přesném přenosu skladatelova záměru a pochopení stylu a charakteru hudby jako základu pro realistickou interpretaci uměleckých obrazů vložených do díla.

Typickým výrokem v tomto ohledu je G. G. Neuhaus: "Všichni mluvíme o stejné věci, ale jinými slovy." Tato obecnost určuje principy sovětské klavírní školy, která vychovala skvělé klavíristy a vynikající učitele.

XXIstoletí

Jaké bylo a jaké bylo umění klavírního hraní ve 20. století?

Co je nového v začátek XXI století?

Jak je běžné hrát na klavír nyní, ve druhém desetiletí 21. století?

Styl výkonu 21. století

***

Na počátku 21. století nadále existují dva hlavní směry hudebního umění – transcendentální virtuozita a smysluplná interpretace. Na konci 20. století se tyto směry stále více koncentrovaly, izolovaly se od sebe. Vznikl však nový fenomén, kdy klavíristé mohli současně sloužit oběma proudům scénického umění.

***

Herecké tradice jsou ovlivněny totální soutěžní mánie, in Výjimečná soutěžní úroveň provedení hudebních děl se v tomto případě stává stále běžnějším vzorem, který je nutné dodržovat, a to i na koncertních pódiích.

Ideály zvukového záznamu a soutěžní úroveň provedení, ovlivňující koncertní tradice, si vyžádaly výrazné zvýšení kvality klavírní hry. Každý kus programu, a nejen přídavky, by měl znít na úrovni mistrovského uměleckého díla. To, co bylo možné ve studiu díky zvukovému inženýrství a počítačovému střihu z několika možností vystoupení, by se na pódiu mělo odehrát právě tuto minutu, tady a teď.

Mezinárodní soutěže a festivaly přispívají ke globalizaci klavírního umění.

Jejich jména se nejčastěji dozvídáme po soutěži Čajkovského. Tato soutěž přinesla slávu takovým klavíristům jako: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Michail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolaj Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova...

Americký pianista, který si podmanil ruská srdce

První vítěz Mezinárodní soutěže Čajkovského (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Americký pianista Van Cliburn (alias Harvey Levan Clyburn) je snad nejoblíbenějším zahraničním hudebníkem u nás. Byla to ruská veřejnost, která jako první ocenila Van Cliburnovy interpretační schopnosti a po jeho návštěvě Ruska se stal světově proslulým hudebníkem.

První hodiny klavíru dostal ve třech letech od své matky. Když bylo Cliburnovi šest let, rodina se přestěhovala do Texasu, kde ve třinácti letech vyhrál soutěž a brzy debutoval v Carnegie Hall.

V roce 1951 nastoupil na Juilliard School ve třídě Rosiny Leviny a v následujících letech získal řadu ocenění na prestižních amerických i mezinárodních soutěžích.

Cliburnovo jméno získalo celosvětovou slávu po jeho senzačním vítězství na první Mezinárodní soutěži Čajkovského v Moskvě v roce 1958. Mladý pianista si získal sympatie jak členů poroty, tak veřejnosti. To bylo o to překvapivější, že se akce odehrála na vrcholu studené války. Po svém návratu do vlasti se Cliburnovi dostalo velkolepého, nadšeného přijetí. Hudebník byl prodchnut láskou a respektem k SSSR a po soutěži přišel koncertovat více než jednou.

Van Cliburn koncertoval ve své domovské zemi i v zahraničí. Vystupoval před královskou rodinou a hlavami států a před všemi americkými prezidenty. Stal se prvním interpretem klasické hudby, který měl platinové album. Jeho provedení Čajkovského Prvního klavírního koncertu se prodalo přes milion kopií.

Od roku 1962 se ve Fort Worth v Texasu koná klavírní soutěž Van Cliburna.

Ruský pianista, učitel hudby, veřejná osobnost

Vladimír Vsevolodovič Krainev

(1944-2011)

Hudební talent Vladimira Kraineva se projevil na střední odborné hudební škole v Charkově, do které vstoupil v 5 letech. O dva roky později se uskutečnilo jeho první vystoupení na velkém jevišti – společně s orchestrem provedl Haydnův koncert a Beethovenův První koncert.

S podporou charkovských učitelů vstoupil Krainev do Moskvy Central hudební škola na konzervatoři. Čajkovského do třídy Anaidy Sumbatyanové. V roce 1962 nastoupil na konzervatoř. Čajkovského ve třídě Heinricha Neuhause a po jeho smrti studoval u svého syna Stanislava Neuhause, u kterého v roce 1969 dokončil postgraduální studium.

Světového uznání se Vladimiru Krainevovi dostalo na počátku 60. let, kdy získal hlavní ceny na velkých mezinárodních soutěžích v Leedsu (Velká Británie, 1963) a Lisabonu (Portugalsko, 1964). Po vystoupení v Leedsu dostal mladý pianista pozvání na turné do USA. V roce 1970 získal skvělé vítězství na IV mezinárodní soutěži pojmenované po P.I. Čajkovskij v Moskvě.

Od roku 1966 je Vladimir Krainev sólistou Moskevské státní filharmonie. Od roku 1987 - profesor na Moskevské konzervatoři. Od roku 1992 - profesor na Vyšší hudební a divadelní škole v Hannoveru (Německo).

Vladimir Krainev intenzivně koncertoval po Evropě a USA, vystupoval s takovými vynikajícími dirigenty jako Gennadij Rožděstvenskij, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Jurij Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitrij Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev byl organizátorem festivalu „Vladimir Krainev Invites“ na Ukrajině a Mezinárodní soutěže mladých pianistů v Charkově (od roku 1992), pojmenované po něm.

V roce 1994 založil pianista Mezinárodní charitativní nadaci pro mladé pianisty. Nadace poskytla pomoc a podporu do budoucna profesionální hudebníci, vytvořil podmínky pro jejich kreativitu v Rusku i v zahraničí, pořádá zájezdy a koncerty mladých hudebníků, podporuje vzdělávací instituce kultury a umění.

Slavný dirigent a klavírista, lidový umělec RSFSR, zakladatel a ředitel od roku 1990 do roku 1999 a od roku 2003 do současnosti Ruského národního orchestru. Vítěz zlaté medaile na Mezinárodní soutěži Čajkovského v roce 1978 a ceny Grammy 2004.

Michail Vasilievich Pletnev se narodil v1957

Pletnev prožil dětství v Saratově a Kazani a v 7 letech začal navštěvovat hudební školu na kazaňské konzervatoři, kde studoval hru na klavír. Od 13 let studoval na Střední hudební škole na moskevské Čajkovského konzervatoři. V roce 1973 vyhrál 16letý Pletnev Grand Prix na Mezinárodní soutěži mládeže v Paříži a následující rok vstoupil na moskevskou konzervatoř, kde studoval u profesorů Jakova Fliera a Lva Vlasenka.

V roce 1977 získal Pletnev první cenu na All-Union Piano Competition v Leningradu a v roce 1978 získal zlatou medaili a první cenu na Moskevské mezinárodní soutěži Čajkovského. V roce 1979 Pletnev absolvoval konzervatoř a v roce 1981 absolvoval postgraduální studium, po kterém se stal asistentem Vlasenka a následně začal učit ve své vlastní klavírní třídě.

Pletnev se stal sólistou Státního koncertu v roce 1981 a proslavil se jako virtuózní pianista, tisk zaznamenal jeho interpretace Čajkovského díla, ale také jeho výkony Bacha, Beethovena, Rachmaninova a dalších skladatelů. Pletnev spolupracoval s tak slavnými dirigenty jako Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovič, Valerij Gergiev, Rudolf Barshai a nejslavnějšími symfonickými orchestry na světě, včetně London Symphony a Los Angeles Philharmonic.

V roce 1980 Pletnev debutoval jako dirigent a o deset let později, v roce 1990, vytvořil s pomocí zahraničních darů samostatný Ruský národní symfonický orchestr (později přejmenovaný na Ruský národní orchestr, RNO) a až do roku 1999 byl jeho uměleckým ředitel, šéfdirigent a prezident fondu. V roce 2008 se Pletnev stal hostujícím dirigentem Symfonického orchestru Italského Švýcarska (Orchestra della Svizzera italiana). V roce 2006 Pletnev vytvořil Národní fond na podporu kultury. Od roku 2006 do roku 2010 byl Pletnev členem prezidentské rady Ruská Federace v kultuře a umění a v letech 2007 až 2009 byl členem Komise Ruské federace pro UNESCO.

Kazašský pianista, učitel, profesor a rektor Kazašské národní konzervatoře pojmenované po Kurmangazy,

Lidový umělec Kazachstánu, laureát mezinárodních soutěží, profesor

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova se narodila v roce 1957

Vystudoval Státní konzervatoř Alma-Ata pojmenovanou po. Kurmangazy, Moskevská státní konzervatoř. P. I. Čajkovského a postgraduální studium (u profesora L. N. Vlasenka).

Od roku 1979 - korepetitor Státního akademického divadla opery a baletu pojmenovaného po. Abai a asistent stážisty na Moskevské státní konzervatoři. P.I. 1981 - vrchní učitel, docent, vedoucí katedry speciálního klavíru na Státní konzervatoři Alma-Ata pojmenované po. Kurmangazy. Od roku 1983 - sólista Kazašské státní filharmonie pojmenované po. Džambula. Od roku 1993 - profesor na Státní konzervatoři v Almaty pojmenované po. Kurmangazy. 1994 - byla založena „Autorská škola Zhani Aubakirova“, která pracuje s využitím moderních vzdělávacích metod a technologií. Od roku 1997 - rektor Kazašské národní konzervatoře pojmenované po Kurmangazy. Pod jejím vedením se konzervatoř stala přední hudební univerzitou v zemi a kulturním a vzdělávacím centrem republiky, v roce 2001 získala národní statut.

1998 – Z iniciativy Zhaniy Aubakirovové byla zorganizována hudební agentura „Classics“, která s velkým úspěchem pořádala „Kazachské sezóny ve Francii“, organizovala koncerty ve více než 18 zemích, natočila více než 30 CD a více než 20 hudebních filmy o kazašských interpretech. 2009 - v listopadu Studentský symfonický orchestr Kazašské národní konzervatoře. Kurmangazy procestoval pět velkých amerických měst: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston a New York. Mladí hudebníci společně se svou rektorkou, lidovou umělkyní Republiky Kazachstán Zhaniya Aubakirova, vystoupili v nejslavnějších sálech světa – Kennedy Center a Carnegie Hall.

Sólové koncerty a vystoupení Zhaniya Aubakirova s slavných orchestrů, podporující globální hudební klasiky a díla kazašských skladatelů se pravidelně konají v Kazachstánu, největších koncertních sálech ve Francii, Anglii, Německu, Japonsku, Rusku, Polsku, Itálii, USA, Izraeli, Řecku, Maďarsku. Velké sály moskevské Čajkovského konzervatoře a Petrohradské filharmonie, Moskevský dům hudby.

Vynikající klavírista naší doby

Boris Berezovskýnarozen 1969

Nastupuje na moskevskou konzervatoř ve třídě vynikajícího klavíristy Eliso Virsaladze. Berezovskij se po nějaké době cítí „přeplněný“ ve třídě Eliso Virsaladze, kde se hraje pouze tradiční repertoár, a tak začíná chodit na soukromé lekce od Alexandra Satse. Sats otevírá Borisi Berezovskému nové obzory ruské klasické hudby. S ním Berezovský začíná hrát Medtnera, spoustu Rachmaninova a mnoho dalších. Boris Berezovskij však nikdy nemohl dokončit studium na moskevské konzervatoři, byl vyloučen za účast v Čajkovského soutěži při skládání závěrečných zkoušek. Ale tato okolnost mu vůbec nezabránila v tom, aby se stal nejvirtuóznějším a nejvyhledávanějším interpretem naší doby.

Boris Berezovskij již více než deset let vystupuje s nejslavnějšími světovými orchestry: BBC Orchestra, London and New York Philharmonics, New Japan Philharmonic Orchestra, Birmingham a Philadelphia Symphony Orchestra. Berezovsky se neustále účastní různých festivalů komorní hudby a jeho sólové koncerty lze slyšet v Berlíně a New Yorku, Amsterdamu a Londýně. Hovoří plynně anglicky a francouzština.

Pianista má poměrně rozsáhlou diskografii. Nejnovější nahrávky jeho koncertů získaly nejvyšší hodnocení od kritiků. Německá nahrávací asociace uděluje vysoké ocenění Rachmaninovovým sonátám v interpretaci Borise Berezovského. Nahrávky Ravelových děl byly zařazeny do klasických žebříčků Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine a Independent.

Boris Berezovskij je vítězem zlaté medaile na 9. mezinárodní soutěži Čajkovského, říká se mu „nový Richter“, Berezovského zvuk s transparentním pianissimem a bohatým spektrem dynamických odstínů je mezi klavíristy své generace uznáván jako nejdokonalejší . Borise Berezovského dnes můžete stále častěji slyšet na velkých koncertních pódiích v Rusku.

Jeden z inspirovaných, inteligentních umělců, ruština klavírista , učitel, sólista Moskevská státní filharmonie , Lidový umělec Ruska

NikolačtLev́ hivLouký Angličtina byl narozen v1972

Jeho hra dokázala vstřebat vše nejlepší, co mohla ústřední hudební škola a konzervatoř v Moskvě nabídnout.

Tento inspirovaný interpret, disponující brilantní herní technikou, má nyní vzácný dar pro kreativní přístup k materiálu, jako jeden z mála je schopen vynést na světlo Boží jiskru v dílech Beethovena, odhalit vzácný „inferal sound“ Mozarta, zahrajte jakýkoli hodný materiál, aby unavený divák znovu objevil melodie hrané tisíckrát ve zcela jiném provedení.

Nyní je v Rusku mnoho profesionálů, kteří mohou ukázat vysokou úroveň. Lugansky však není v žádném případě horší než jeho přední kolegové a zůstává jedinečným fenoménem ruská hudba.

Klasiku můžete hrát různými způsoby: každá škola - francouzština, němčina, italština - nabízí vlastní řešení vysokých problémů s jedinečným zvukem.

Ale každý skutečně virtuózní pianista „vytváří svou vlastní klasiku“, což je důkazem geniality. Nikolai Lugansky byl na úsvitu své hudební kariéry nazýván „Richterovým pianistou“, tehdy také přirovnáván k Alfredu Cortotovi.

Nikolaj Luganskij zůstává jedinečným fenoménem ruské hudby.

Slavný ruský pianista, klasický hudebník

Evgeniy Igrevich Kissin se narodil v roce 1971

Ve věku 6 let vstoupil do Gnessin Music School. První a jedinou učitelkou je Anna Pavlovna Kantor.

Zpočátku jako zázračné dítě vystupoval pod jménem Zhenya Kissin. Ve věku 10 let poprvé vystoupil s orchestrem a uvedl Mozartův 20. koncert. O rok později měl svůj první samostatný koncert. V roce 1984 (ve věku 12 let) provedl Chopinův 1. a 2. koncert pro klavír a orchestr ve Velkém sále Moskevské konzervatoře.

V roce 1985 vyjel Evgeny Kissin poprvé s koncerty do zahraničí a v roce 1987 debutoval v západní Evropě na Berlínském festivalu. V roce 1988 vystupoval s Herbertem von Karajanem at Novoroční koncert Berlínská filharmonie, provedení 1. koncertu Čajkovského.

V září 1990 debutoval Kissin v USA, kde provedl Chopinův 1. a 2. koncert s New Yorkem filharmonický orchestr v režii Zubina Mehty. O týden později má hudebník sólový koncert v Carnegie Hall. V únoru 1992 se Kissin zúčastnil slavnostního předávání cen Grammy v New Yorku, které vysílala televize odhadovanému publiku jedné miliardy šest set milionů diváků. V srpnu 1997 přednesl recitál na festivalu Proms v londýnské Albert Hall - první klavírní večer ve více než stoleté historii festivalu.

Kissin provozuje intenzivní koncertní aktivity v Evropě, Americe a Asii a sbírá neustále vyprodané davy; vystupoval s předními světovými orchestry pod taktovkou takových dirigentů jako Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeniy Svetlanov, Jurij Temirkanov, Georg Solti a Maris Jansons; mezi Kissinovými partnery pro komorní hudbu patří Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern a další.

Evgeny Kissin také provádí večery poezie v jidiš a ruštině. V roce 2010 vyšlo CD s nahrávkami děl moderní poezie v jidiš v podání E. Kissina „Af di klavn fun yidisher poetry“ (Na klíčích židovské poezie). Podle samotného Kissina má od dětství silnou židovskou identitu a na svých osobních stránkách zveřejňuje proizraelské materiály.

Ruský pianista, veřejná osobnost, lidový umělec Ruska

Denis Leonidovič Matsuev se narodil v roce 1975

Denis Matsuev prožil dětství v rodném Irkutsku. Chlapec se narodil v kreativní rodině a od raného věku studoval hudbu. Nejprve chodil na městskou střední školu č. 11 pojmenovanou po V. V. Majakovském a zároveň začal navštěvovat místní uměleckou školu. Ve věku šestnácti let vstoupil Denis Matsuev do Irkutska Hudební škola. Rychle si však uvědomil, že jeho talent potřebuje důkladněji vypilovat. Na rodinná rada bylo rozhodnuto o přesunu do hlavního města. Rodiče pochopili, že jejich talentovaný syn by mohl mít velký úspěch tvůrčí biografie. Denis Matsuev se přestěhoval do Moskvy v roce 1990.

V roce 1991 se stal laureátem Mezinárodní veřejné charitativní nadace s názvem „New Names“. Díky této okolnosti již v mládí navštívil s koncertními vystoupeními více než čtyřicet zemí světa. Jeho virtuózní hru si přišli poslechnout ti nejvýznamnější: anglická královna, papež a další. V roce 1993 se Denisu Matsuevovi podařilo vstoupit na Moskevskou státní konzervatoř. Zároveň vystupoval v pořadech veřejné nadace New Names, které se konaly pod vedením Denisova patrona Svyatoslava Belze. V roce 1995 byl umělec přijat jako sólista v Moskvě Státní filharmonie. To umožnilo Denisu Leonidovichovi rozšířit rozsah jeho koncertních aktivit.

Spolu s vítězstvím na jedenácté mezinárodní soutěži Petra Iljiče Čajkovského získal hudebník světovou slávu. Jeho biografie byla ozdobena touto osudovou událostí v roce 1998. Denis Matsuev se stal jedním z nejpopulárnějších klavíristů na světě. Jeho mistrovské výkony vyvolaly ve světě velký ohlas. Umělec začal být zván na nejprestižnější akce. Vystoupil například na závěrečném ceremoniálu olympiády v Soči.

Od roku 2004 Denis Matsuev každoročně představuje své osobní předplatné. Spolu s tamním hudebníkem vystupují nejlepší symfonické orchestry Ruska i zahraničí.

Pro svou zemi dělá hodně. Ve snaze vštípit lidem lásku k hudbě, umělec pořádá nejrůznější festivaly a soutěže. Navíc se je snaží držet v různých regionech Ruska, aby se všichni obyvatelé země mohli dotknout vysokého umění a slyšet brilantní výkon nejlepší hudební díla.

Na závěr shrnujeme hlavní směry a trendy ve vývoji klavírního umění 21. století. Ve virtuózních a smysluplných směrech klavírního umění se nalézají následující faktory, které doprovázejí vývoj: zaměření na kvalitu a estetiku zvukového záznamu, zvýšená expresivita tónové konjugace, rozšířené možnosti v oblasti agogiky a témbru zvuku, zpomalení tempo a snížení průměrné dynamické úrovně výkonu, polyfonizace textury. Tyto faktory přispívají k růstu hloubky a moderní obnově obsahu představení. Souběžně s tím dochází k aktualizaci repertoáru klavírních koncertů kvůli objevování nových vysoce uměleckých děl, která nebyla dříve doceněna.

Přesto právě zobecnění a smysluplnost intonace jsou hlavními trendy ve vývoji klavírního umění 21. století.

Tento seznam účinkujících klavíristů ukazuje, že klavír nabízí prakticky neomezenou inspiraci. Po tři staletí umělci klavírní hudby potěšili posluchače a inspirovali je k jejich vlastním výkonům ve světě hudby.

Bez ohledu na to, do jaké doby hudebník patřil, to, co ho dělalo skvělým, byl nejen jeho talent, ale také jeho naprosté pohlcení hudbou!!!

PSPo prostudování literatury k této problematice jsme došli k závěru, že vývoj klavírních škol od okamžiku jejich vzniku až po naši dobu byl určován duchovní všestranností mistrovy osobnosti a pedagogická pátrání sloužila jako tvůrčí základ a v r. ve skutečnosti podnětem pro kreativitu. Progresivní pedagogičtí hudebníci podporovali vše, co považovali v umění za cenné; vysoké občanské ideály, misijní účel kreativity.

Myšlenky významných účinkujících hudebníků a učitelů vždy směřovaly k rozvoji principů výuky, které odpovídají představám o úkolech představení. To do značné míry určilo obsah vědeckých prací věnovaných hře na nástroj.

Starověká pojednání z éry clavierismu hovořila o skládání hudby, improvizačních technikách a úpravách hudebních děl, sezení u nástroje, prstokladu a pravidlech hry. To vše vysvětluje skutečnost, že v předklavírní éře byl interpret skladatelem seznamujícím posluchače s vlastní díla a svým mistrovstvím v improvizaci. Profese interpreta-interpreta (nikoliv však hudebního skladatele) v těchto letech ještě nebyla identifikována jako zvláštní forma tvůrčí činnosti hudebníka. Teprve v 19. století, spolu s nástupem nového nástroje na koncertní scénu - klavíru - a vášní pro virtuozitu ve hře, docházelo k postupné diferenciaci hudebníků, skladatelů, interpretů a učitelů vyučujících hru na tento nástroj.

V mnohém se změnil i obsah vědeckých prací o hudebním umění. V různých studiích, učebnicích a pracích o výukových metodách se veškerá problematika týká hudební kreativita, performance a pedagogika. Tématem každého díla byla pouze specifická oblast hudební vědy. Autoři knih o klavírním umění se zajímali především o problematiku zvládnutí klavírní techniky a většina metodických prací resp. učební pomůcky. Teoretické práce o klavírním výkonu se tak po mnoho let redukovaly na problémy stanovení racionálních herních technik, které umožňují dosáhnout virtuózní techniky. Teprve na konci 19. a 20. století se vynikající hudebníci obracejí k umělecké problematice interpretačního umění, která určují úkoly interpretace, chápání stylu a obsahu hudebních děl. Tyto problémy souvisely i s otázkami techniky klavírní hry. Nejdůležitějším cílem učitele bylo vychovat hudebníka, jehož herecké umění není ukázkou technické dovednosti, ale schopností přenést živými, figurativními formami vyjádření. skrytý význam práce umění.

Poznat jediného nejlepšího současného pianistu na světě je nemožný úkol. Pro každého kritika a posluchače budou idoly různí mistři. A o to jde silný bod lidstvo: svět obsahuje značné množství hodných a talentovaných pianistů.

Agrerich Marta Archerich

Pianista se narodil v roce 1941 v argentinském městě Buenos Aires. K nástroji se chopila ve třech letech a v osmi letech debutovala na veřejnosti, na níž přednesla koncert samotného Mozarta.

Budoucí virtuózní hvězda studovala u učitelů jako Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy a Stefan Michelangeli – jedni z nejvýraznějších klasických klavíristů 20. století.

Od roku 1957 se Argerich začala účastnit soutěžních aktivit a získala svá první velká vítězství: 1. místo v Ženevské klavírní soutěži a Mezinárodní soutěži Busoni.

Nicméně ten skutečný ohromující úspěch přišla k Martě ve chvíli, kdy ve svých 24 letech dokázala vyhrát mezinárodní Chopinovu soutěž ve Varšavě.

V roce 2005 získala nejvyšší cenu Grammy za provedení komorních děl skladatelů Prokofjeva a Ravela a v roce 2006 za provedení Beethovenova díla s orchestrem.

Také v roce 2005 byl klavírista oceněn imperiální japonskou cenou.

Její horlivá hra a úžasné technické dovednosti, s jejichž pomocí mistrovsky provádí díla ruských skladatelů Rachmaninova a Prokofjeva, nemohou nikoho nechat lhostejným.

Jedním z nejznámějších současných pianistů v Rusku je hudebník Evgeniy Igorevič Kisin.

Narodil se 10. října 1971 v Moskvě a v šesti letech vstoupil do hudební školy Gnessin. Anna Pavlovna Kantor se stala jeho první a jedinou učitelkou na celý život.

Od roku 1985 začal Kissin demonstrovat svůj talent v zahraničí. V roce 1987 debutuje v západní Evropě.

O tři roky později dobývá Spojené státy americké, kde s New York Philharmonic Orchestra provede Chopinův 1. a 2. koncert a o týden později sólově.

Dalším z nejvýraznějších moderních ruských virtuózních klavíristů je slavný Denis Matsuev.

Denis se narodil ve městě Irkutsk v roce 1975 v rodině hudebníků. Rodiče vedli své dítě k umění od malička. První učitelkou chlapce byla jeho babička Vera Rammul.

V roce 1993 vstoupil Matsuev na Moskevskou státní konzervatoř a o 2 roky později se stal předním sólistou Moskevské státní filharmonie.

Celosvětovou slávu získal po vítězství v Mezinárodní soutěži Čajkovského v roce 1998, když mu bylo pouhých 23 let.

Svůj inovativní přístup ke hře nejraději kombinuje s tradicemi ruské klavírní školy.

Od roku 2004 pořádá sérii koncertů „Sólista Denis Matsuev“, na kterých zve ke spolupráci přední domácí i zahraniční orchestry.

Christian Zimmerman

Christian Zimmermann (narozen 1956) - slavný současný pianista Polský původ. Kromě toho, že je instrumentalista, je také dirigentem.

Jeho počáteční hudební lekce ho učil jeho otec, amatérský pianista. Christian poté pokračoval v soukromém studiu u učitele Andrzeje Jasinského a poté přešel na katovickou konzervatoř.

Své první koncerty začal ve věku 6 let a v roce 1975 vyhrál Chopinovu klavírní soutěž, čímž se stal nejmladším vítězem v historii. Během příštího roku zdokonalil své klavírní umění u slavného polského klavíristy Arthura Rubinsteina.

Christian Zimmermann je považován za skvělého interpreta Chopinova díla. Jeho diskografie zahrnuje nahrávky všech klavírních koncertů Ravela, Beethovena, Brahmse a samozřejmě jeho hlavního idolu Chopina a také zvukové nahrávky děl Liszta, Strausse a Respihy.

Od roku 1996 vyučuje na Basel Hochschule für Musik. Získal ceny akademie Chigi a Leonie Sonning.

V roce 1999 vytvořil Polský festivalový orchestr.

Wang Yujia je čínský představitel klavírního umění. Získala slávu díky své virtuózní a neuvěřitelné rychlá hra, za což získala pseudonym „Flying Fingers“.

Rodištěm současné čínské pianistky je Peking, kde strávila dětství v rodině hudebníků. V 6 letech začala se zkouškami na klávesový nástroj ao rok později vstoupila na Ústřední konzervatoř hlavního města. V 11 letech byla zapsána ke studiu v Kanadě a po 3 letech se konečně přestěhovala do cizí země na další studium.

V roce 1998 obdržela cenu Mezinárodní soutěže pro mladé klavíristy ve městě Ettlingen a v roce 2001 kromě výše popsaného ocenění udělili porotci Wangovi cenu udělovanou klavíristům do 20 let ve výši 500 000 jen (v rublech - 300 000).

Klavíristka hraje s úspěchem i ruské skladatele: natočila Rachmaninovův Druhý a Třetí koncert a Prokofjevův Druhý koncert.

Fazil Say je současný turecký pianista a skladatel narozený v roce 1970. Studoval na konzervatoři v Ankaře a poté v německých městech Berlín a Düsseldorf.

Kromě klavírní tvorby stojí za zmínku i jeho skladatelské kvality: v roce 1987 byla na počest 750. výročí města provedena klavíristova skladba „Black Hymns“.

V roce 2006 se ve Vídni uskutečnila premiéra jeho baletu „Patara“, napsaného na Mozartovo téma, tentokrát však klavírní sonáty.

V Saiově interpretačním klavírním repertoáru zaujímají důležité místo dva skladatelé: hudební titáni Bach a Mozart. Na koncertech střídá klasické skladby s vlastními.

V roce 2000 provedl neobvyklý experiment, riskoval, že nahraje balet „Svěcení jara“ pro dva klavíry, přičemž obě části provede vlastníma rukama.

V roce 2013 byl vyšetřován kvůli výrokům na sociální síti na téma islám. Istanbulský soud dospěl k závěru, že slova hudebníka byla namířena proti muslimské víře, a odsoudil Fazila Saye k 10 letům podmíněného vězení.

Téhož roku podal skladatel návrh na obnovu řízení, jehož verdikt byl v září znovu potvrzen.

jiný

Mluvit o všech moderních pianistech v jednom článku prostě není možné. Proto uvádíme ty, jejichž jména jsou dnes ve světě vážné hudby významná:

• Daniel Barenboim z Izraele;
• Yundi Li z Číny;
• Z Ruska;
• Murray Perahia ze Spojených států amerických;
• Mitsuko Uchida z Japonska;
• z Ruska a mnoha dalších mistrů.

Každý milovník klasické hudby si umí vyjmenovat svého oblíbence.

Alfred Brendel nebyl zázračné dítě a jeho rodiče neměli s hudbou nic společného. Jeho kariéra začala bez velkých fanfár a rozvíjela se pomalu. Možná je to tajemství jeho dlouhověkosti? Začátkem letošního roku se Brendel dožil 77 let, nicméně jeho koncertní plán někdy čítá 8-10 vystoupení měsíčně.

Na 30. června je ohlášeno sólové vystoupení Alfreda Brendela koncertní sál Mariinské divadlo. Klavíristu tohoto koncertu se na oficiálních stránkách nepodařilo najít. Existuje ale datum nadcházejícího moskevského koncertu, který se uskuteční 14. listopadu. Gergiev se však vyznačuje schopností řešit neřešitelné problémy.

ČTĚTE TAKÉ:

Dalším uchazečem o první místo v improvizovaném žebříčku je Grigorij Sokolov. Alespoň to budou říkat v Petrohradu. Sokolov zpravidla jednou ročně přijede do svého rodného města a koncertuje ve Velkém sále Petrohradské filharmonie (naposledy v březnu tohoto roku), ale stejně pravidelně ignoruje Moskvu. Letos v létě hraje Sokolov v Itálii, Německu, Švýcarsku, Rakousku, Francii, Portugalsku a Polsku. Na programu jsou sonáty od Mozarta a preludia od Chopina. Nejblíže Rusku budou body na trase Krakov a Varšava, kam Sokolov dorazí v srpnu.
Označíte-li Marthu Argerich za nejlepší pianistku mezi ženami, někdo jistě namítne: i mezi muži. Fanoušci temperamentní Chilanky se nenechají zahanbit ani náhlými výkyvy nálad pianisty nebo častým rušením koncertů. Fráze „koncert je plánovaný, ale není zaručen“ je přesně to, co znamená.

Letošní červen stráví Martha Argerich jako obvykle ve švýcarském městě Lugano, kde se bude konat její vlastní hudební festival. Programy a účastníci se mění, ale jedna věc zůstává nezměněna: každý večer se sama Argerich účastní představení jednoho z děl. V červenci Argerich vystupuje také v Evropě: na Kypru, v Německu a Švýcarsku.

Kanaďan Marc-Andre Hamelin je často nazýván dědicem Glena Goulda. Přirovnání kulhá na obě nohy: Gould byl samotář, Hamelin aktivně cestuje, Gould je proslulý svými matematicky vypočítanými interpretacemi Bacha, Hamelin značí návrat romantického virtuózního stylu.

Marc-Andre Hamelin vystoupil v Moskvě teprve v březnu tohoto roku v rámci stejného předplatného jako Maurizio Pollini. Hamelin jede v červnu po Evropě. Jeho program zahrnuje sólové koncerty v Kodani a Bonnu a festivalové vystoupení v Norsku.

Pokud někdo uvidí Michaila Pletneva hrát na klavír, okamžitě informujte tiskové agentury a stanete se autorem světové senzace. Důvod, proč jeden z nejlepších pianistů v Rusku ukončil svou hereckou kariéru, obyčejná mysl nepochopí - jeho poslední koncerty byly velkolepé jako obvykle. Dnes Pletnevovo jméno najdete na plakátech pouze jako dirigenta. Ale budeme stále doufat.
Vážný chlapec v pionýrské kravatě přesahující jeho roky – takto se Evgeny Kissin stále pamatuje, i když ani pionýři, ani ten chlapec nebyli dlouho spatřeni. Dnes je jedním z nejpopulárnějších klasických hudebníků na světě. Právě jeho kdysi Pollini označil za nejbystřejšího z hudebníků nové generace. Jeho technika je velkolepá, ale často chladná - jako by hudebník spolu s dětstvím něco velmi důležitého ztratil a nikdy to nenašel.

V červnu Evgeny Kissin cestuje po Švýcarsku, Rakousku a Německu s orchestrem Kremerata Baltica, kde hraje Mozartův 20. a 27. koncert. Další turné je naplánováno na říjen: Kissin bude doprovázet Dmitrije Hvorostovského ve Frankfurtu, Mnichově, Paříži a Londýně.

Arkady Volodos je dalším z těch „rozhněvaných mladých lidí“ současného pianismu, kteří z principu odmítají soutěže. Je skutečným světoobčanem: narodil se v Petrohradě, studoval v rodném městě, poté v Moskvě, Paříži a Madridu. Nejprve do Moskvy dorazily nahrávky mladého pianisty vydané společností Sony a teprve poté se objevil on sám. Zdá se, že jeho výroční koncerty v hlavním městě se stávají pravidlem.

Arkady Volodos zahájil červen vystoupením v Paříži, v létě ho můžete slyšet v Salcburku, Rheingau, Bad Kissingenu a Oslu a také v malém polském městě Duszniki na tradičním Chopinově festivalu.

Ivo Pogorelich vyhrál mezinárodní soutěže, ale světová sláva Utrpěl porážku: v roce 1980 nebyl pianista z Jugoslávie vpuštěn do třetího kola Chopinovy ​​soutěže ve Varšavě. Martha Argerich v důsledku toho odstoupila z poroty a sláva padla na mladého klavíristu.

V roce 1999 Pogorelich přestal vystupovat. Říká se, že důvodem toho byly obstrukce, kterým byl klavírista vystaven ve Philadelphii a Londýně nespokojenými posluchači. Podle jiné verze byla příčinou deprese hudebníka smrt jeho manželky. Pogorelich se nedávno vrátil na koncertní pódia, ale málo vystupuje.

Poslední pozice na seznamu je nejobtížnější na obsazení. Vždyť zbylo ještě tolik vynikajících klavíristů: Christian Zimmerman narozený v Polsku, Američan Murray Perahia, Japonec Mitsuko Ushida, Korejec Kun Woo Peck nebo Číňan Lang Lang. Vladimir Ashkenazy a Daniel Barenboim pokračují ve své kariéře. Každý milovník hudby pojmenuje svého favorita. Ať tedy jedno místo v první desítce zůstane volné.

Nejznámějším klavíristou není Mozart

Když si uděláte anketu, kdo je nejslavnějším klavíristou historie, většina lidí pravděpodobně odpoví Mozart. Wolfgang Amadeus však nástroj nejen dokonale ovládal, ale byl i nadaným skladatelem.

Je známo, že jedinečná paměť, neuvěřitelná schopnost improvizace a talent velkého pianisty se rozvinuly jen díky otci malého génia. V důsledku každodenního cvičení pod hrozbou zavření ve skříni dítě již ve 4 letech snadno vykonávalo poměrně složité práce, které překvapily své okolí. Neméně slavný je Salieri, kterému chybí jiskra geniality, Mozartův věčný odpůrce, nespravedlivě obviněný svými potomky z promyšlené vraždy.

Mimochodem, ve většině případů se hudebník stane skladatelem a dosáhne tak slávy. Proto se nemůžete divit, že prakticky každý brilantní hudebník se stane neméně slavným skladatelem. Je velmi vzácné, že se někomu podaří dosáhnout slávy pouze jako interpret.

Domácí klavíristé

Historie hudby zná mnoho příkladů, kdy se slavný pianista stal ve větší míře populární díky neuvěřitelnému úspěchu svých výtvorů. Je hezké vědět, že mnoho takových géniů se narodilo v Rusku. Rimskij-Korsakov, Musorgskij, Čajkovskij, Stravinskij, Šostakovič jsou jen malou částí galaxie velkých ruských hudebníků. Mezi moderní slavných interpretů Zvláštní zmínku si zaslouží Denis Matsuev, důstojný pokračovatel tradic ruské hudební školy.

Každý, kdo se narodil v Sovětském svazu, si pravděpodobně pamatuje úspěchy, které během let získal Studená válka slavný a virtuózní umělec Van Cliburn. Vítěz první Mezinárodní soutěže Čajkovského, ml americký pianista Nebál jsem se přijet do země uzavřené západní společnosti. Čajkovského první klavírní koncert v jeho provedení se stal také prvním platinovým albem mezi klasickými hudebníky.

Mimochodem, v historii pianismu existují tři éry, které jsou pojmenovány po velkých klavíristech: Mozart, Liszt a Rachmaninov. Mozartova éra představuje klasicismus, Lisztova éra se vyznačuje sofistikovaným romantismem a Rachmaninova éra znamenala počátek modernismu. Nezapomeňte, že ve stejné době jako tito slavní hudebníci takové vytvořili největší klavíristé jako Schubert, Bach, Beethoven, Brahms, Chopin.

Moderní klavíristé

Někteří lidé se domnívají, že doba rozkvětu pianismu již skončila a moderní interpreti a skladatelé nemají prakticky co představit rozmazlenému publiku. Génius Svyatoslav Richter však vytvořil na konci minulého století. Obecně je 20. století odborníky považováno za období rozkvětu klavírního umění. Začátek století byl poznamenán nástupem tak skvělých klavíristů jako Schnabel, Hoffmann, Paderewski, Carto a samozřejmě Rachmaninoff. Ve druhé polovině 20. století se objevila taková jména jako Richter, Horowitz, Gilels, Kempff, Rubinstein.

Vladimír Ashkenazy a Denis Matsuev, klavírní virtuosové, těší fanoušky svým talentem i dnes. Je nepravděpodobné, že 21. století bude v budoucnu chudé na hudební talenty.

Hudbou se dá žít, ale svým talentem nikdy nevyděláte jmění. Těmto lidem – nejbohatším klavíristům světa – se ale podařilo proniknout mezi elitu, navíc jejich kapitál čítá miliony dolarů. Jsou to skutečné hvězdy, které samy mistrně hrají na klavír, vystupují v show a velkolepě koncertují psaní hudby nebo jednoduše vložit celou svou duši do nástroje.

Hudebníci a showmani

Brit Jools Holland (celým jménem Julian Miles Holland) dokonale kombinuje svou kariéru hudebníka s prací v televizním průmyslu. Skladatel a showman, když byl ještě chlapec, pracoval v londýnských hospodách a vydělával si vlastní peníze. Navíc objevil dobrý hlas a svůj vlastní pěvecký styl, takže se to pro mladého interpreta stalo další výhodou. Vydal několik alb a spolupracoval se Stingem a Georgem Harrisonem, Davidem Gilmourem a Ericem Claptonem, Bonem a Markem Knopflerem. Vystoupení po celém světě přinesla Julesovi čisté jmění 2 miliony dolarů.

Americký zpěvák a pianista Michael Feinstein má ročně více než dvě stě vystoupení. Jeho vášeň pro klavír se zrodila v dětství – rodiče poslali syna na hodiny hudby a tehdy zjistil, že umí hrát bez not přímo před očima. Ve 20 letech stejně jako Jules bavil lidi v barech a pak měl štěstí, že se dostal do grandiózního projektu. Natočil rozsáhlou sbírku desek (díla Ira Gershwina). Práce trvala 6 let, zároveň hudebník vystupoval na Broadwayi a později se mu podřídila Carnegie Hall, Opera v Sydney, Bílý dům a Buckinghamský palác - Michael dával všude velké koncerty. V důsledku toho je Feinsteinovo čisté jmění 10 milionů dolarů.

Nadaní pianisté pro více hráčů

Na seznamu nejbohatších klavíristů nechybí ani rodačka ze Sovětského svazu Regina Spektor. Narodila se v Moskvě, do hudební rodiny, později se její rodiče (kteří dali dívce první lekce) přestěhovali do Ameriky. Tam začala hrát na klavír v synagoze. Regina studovala u Sonie Vargasové, psala písně a později vystudovala konzervatoř. V roce 2001 vyšlo dívčino první album a o tři roky později již měla smlouvu se Sire Records. Reginy zájmy jsou rozmanité: nejen klasická hudba, ale také folk, punk, hip-hop, rock, jazz, ruská a židovská hudba. Turné a nahrávky přinesly pianistovi 12 milionů dolarů.

Spectorova vrstevnice, 35letá Sara Bareilles, začínala jako členka jejího školního sboru, než se přidala ke skupině a cappella. Jako studentka Sarah pracovala v nočních klubech a barech a později začala vystupovat na festivalech a velkých místech. Debutový disk Bareilles si vysloužil uznání, brzy podepsala smlouvu s Epic Records, její kariéra se rozjela – a nyní Sarah vystupuje na turné po celé Americe. Její styl je klavírní rock s vlivy jazzu a soulu, hraje nejen na klavír, ale také na kytaru, harmonium a ukulele. Koncerty, duety se Sheryl Crow a Norah Jones, vystoupení pro rodinu Obamových, hostování v televizních pořadech, alba a singly umožnily Sarah vydělat 16 milionů dolarů.

Asijský fenomén

A tady je klasický pianista – jeden z nejbohatších pianistů naší „hitparády“ – představitel China Lan Lan. On, nejmladší v žebříčku, dosáhl slávy (a 20 milionů čistého jmění) poměrně brzy. Jeho prvním setkáním se západní hudbou byl fragment z kultovního televizního seriálu „Tom a Jerry“ (kde hrdinové hrají „Hungarian Rhapsody No. 2“) Franze Liszta. Vystudoval konzervatoř a po několika vítězstvích v soutěžích byl považován za nejlepšího klavíristu v zemi. Již ve 14 letech se Lan Lan přestěhoval do Philadelphie a vstoupil do Curtis Institute of Music. Třímilionová smlouva se Sony, koncerty pro světové lídry, turné po Evropě, USA a Asii z něj udělaly oblíbence všech a umožnily mu vstoupit do stovky nejvlivnějších lidí planety podle Forbesu.

Aranžér, improvizátor, producent

Skladatel, performer, hudební producent, aranžér, organizátor kapely vlastním jménem Yanni Chrysomallis se narodil v Řecku, ale nyní žije v USA. Nerozhodl se hned, že hudba je to nejdůležitější v jeho životě. Zpočátku Yanni vstoupil na katedru psychologie na University of Minnesota a tam se začal učit hrát na klávesy. Jeho první uznání přišlo na turné 1988-1989, kdy vystupoval s Dallas Symphony Orchestra. Poté Yanni udělal úžasnou kariéru s velkým množstvím koncertů, hudebních cen a jedinečných nahrávek. Základní kapitál Chrisomallis je dnes 40 milionů dolarů.

Ředitel La Scala

U hudební režisér legendární divadlo La Scala od 72letého Daniela Barenboima má ruské kořeny. Jeho rodiče se přestěhovali ze SSSR do Argentiny, kde Daniel vyrůstal. Nadaný chlapec poprvé koncertoval v 7 letech (jeho otec a matka byli klavíristé a učili svého syna). Tvůrčí cesta hudebníka je úžasná: vedl Chicago Symphony Orchestra, Orchestra of Paris, Berlin Státní opera, je čestným velitelem Řádu britského impéria, Čestné legie, a sedmkrát byl oceněn Grammy. Pianistovo jmění se odhaduje na 50 milionů dolarů.

Nejoceňovanější filmový skladatel

Nejslavnější a cenami ověnčený filmový skladatel John Williams je zároveň jedním z nejbohatších klavíristů na světě. 100 milionů čistého jmění, pět Oscarů (a 49 nominací), 21 Grammy, 4 Zlaté glóby a mnoho dalších cen – to je velmi významné! Williams napsal hudbu pro všechny filmy Stevena Spielberga a mistrovská díla George Lucase, včetně Star Wars a série Indiana Jones. John začínal jako jazzový pianista vystupující v newyorských klubech. Hudbu k filmům začal psát v 60. letech a od té doby si vysloužil titul nejslavnějšího filmového skladatele všech dob.

Hudební legendy

Druhou řadu v našem žebříčku nejbohatších klavíristů právem zaujímá Billy Joel. Jeho „čisté jmění“ je 160 milionů dolarů. Hudebník, zpěvák, skladatel William Martin Joel vyrostl v hudební rodině: jeho otec byl klasickým klavíristou a stal se učitelem svého syna. Billy si vydělával peníze hraním na klavír ještě ve škole, aby pomohl matce s penězi. Později navštěvoval Columbia University. Jeho první sólové album Cold Spring Harbor bylo naprostou katastrofou, ale některé písničky začaly hrát v rádiích a Joelovi se podařilo podepsat smlouvu s Columbia Records, po které to po něm začalo vzhlížet.

Lídr ratingu je pohádkově bohatý – 440 milionů dolarů. O klavír se začal zajímat ve třech letech a v sedmi letech chodil na lekce. Velmi brzy se chlapci podařilo získat stipendium na Royal Academy of Music během studií, vystupoval v nedaleké hospodě; Lidé ze všech okolních ulic sem proudili, aby si chlapce poslechli. Z mladého pianisty se stala rocková hvězda, získal si spoustu fanoušků, dobyl tisíce pódií, nazpíval duety s největšími zpěváky všech dob, nahrál alba a získal mnoho ocenění. Už jste uhodli, kdo to je? Nejbohatším (a nejtalentovanějším) klavíristou na světě je Elton John.