แม้ว่าโดยทั่วไปแล้วญี่ปุ่นจะถือเป็นประเทศแห่งเทคโนโลยีที่กำลังเติบโตไปทั่วโลก แต่ศิลปะร่วมสมัยร่วมสมัยก็ไม่รีบร้อนที่จะทำลายความสัมพันธ์กับประเพณี นิทรรศการ “มโนไม่รู้.. The Charm of Things" เป็นเรื่องราวเศร้าเกี่ยวกับสภาพของมนุษย์ในยุคพลาสติก
โมโน ไม่รู้ - หลักการด้านสุนทรียศาสตร์ลักษณะของ วัฒนธรรมญี่ปุ่นซึ่งเป็นที่มาของชื่อนิทรรศการ หมายถึง เสน่ห์อันน่าเศร้าของสรรพสิ่ง ความรู้สึกหลงใหลในความงามของสรรพสิ่งและปรากฏการณ์ที่ชัดเจนและโดยปริยาย พร้อมด้วยเฉดสีแห่งความโศกเศร้าอันไร้สาเหตุอันเกิดจากความรู้สึกลวงตาและความเปราะบางของทุกสิ่งที่มองเห็นได้ มันเชื่อมโยงกับแบบดั้งเดิมอย่างสมบูรณ์ ศาสนาของญี่ปุ่นศาสนาชินโต นักชินโตเชื่อว่าทุกสิ่งมีแก่นแท้ของจิตวิญญาณคือ "คามิ" มันมีอยู่ในวัตถุใดๆ: ในป่าและในหิน “คามิ” เป็นอมตะและรวมอยู่ในวงจรแห่งชีวิตและความตาย ซึ่งทุกสิ่งในโลกได้รับการต่ออายุใหม่อยู่ตลอดเวลา
แม้ว่าศิลปะร่วมสมัยจะพูดภาษาสากล แต่ก็ควรพิจารณาศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่นำเสนอในนิทรรศการนี้จากมุมมองของประเพณีจะดีกว่า
การจัดวางเบื้องต้นโดยศิลปินฮิรากิ ซาวะกินพื้นที่ทั้งห้องและเป็นโรงละครเงาของนักแสดงพร้อมเครื่องใช้ในครัวเรือน มันถูกสร้างขึ้นบนหลักการของเด็ก ทางรถไฟ- รถไฟที่มีไฟฉายแล่นผ่านภูมิทัศน์ที่สร้างโดยศิลปิน ลำแสงสร้างโลกมาโครจากโลกจุลภาคของสรรพสิ่ง และตอนนี้ก็เป็นเช่นนี้แล้ว ดงเบิร์ชไม่ใช่ดินสอยืนในแนวตั้ง และนี่คือสายไฟในทุ่งนา ไม่ใช่ไม้หนีบผ้า และอ่างพลาสติกคว่ำมีหูจับเป็นอุโมงค์ งานนี้มีชื่อว่า "Inside" ซึ่งจัดแสดงไว้ เวนิส เบียนนาเล่ก่อนหน้านี้.
ภาพวาดของชินิชิโระ คาโนะ เรียกได้ว่าเป็นภาพเหนือจริงแบบดั้งเดิม ในหุ่นนิ่งของคาโนะ มีบาสเก็ตบอล โลก และผลไม้อยู่ในจานเดียว
ภาพวาดนี้ไม่มีตัวภาพวาด แต่มีเพียงกรอบที่ทาสีน้ำมันเท่านั้น บนผืนผ้าใบผืนหนึ่ง รูปเทพในชุดกิโมโนสีแดงรวมกับผ้าเช็ดตัวสีแดงแขวนอยู่บนตะขออีกผืนหนึ่ง ภาพเขียนชุดนี้เกี่ยวกับธรรมชาติลวงตาของโลกหรือไม่ หรือบางทีทุกสิ่งย่อมมี "คามิ"
ในภาพวาดของมาซายะ ชิบะ โดยมีฉากหลังเป็นป่าที่สวยงาม มีร่างอยู่ 2 ร่าง คือ สิ่งมีชีวิตที่เป็นมนุษย์ซึ่งเน่าเปื่อยจากสสารสีขาว แทบจะดูเหมือนชายและหญิง พวกมันติดอยู่กับแท่งไม้เหมือนหุ่นกระบอกละครตะวันออก สสารเน่าเสียง่ายเป็นเพียงเปลือก - ราวกับว่าผู้เขียนต้องการบอกเรา ภาพวาดอีกชิ้นของเขาเรื่อง "Sleeping Man" ก็มีเรื่องเดียวกัน ไม่มีบุคคลในภาพ มีเพียงสิ่งของไม่กี่อย่างบนออตโตมัน: ภาพถ่ายและโปสการ์ดเก่าๆ กระบองเพชรที่โตแล้ว ถุงมือ เทปคาสเซ็ตสุดโปรด ขวดเครื่องเทศ และชุดเครื่องมือ
ศิลปินเทปเป คานูเอจิใช้หลักการเดียวกันนี้ในการ "ปั้น" (วัตถุที่มีสิ่งก่อสร้าง) ให้กับชายของเขา โดยเขาติดกาวขยะในครัวเรือนให้อยู่ในรูปของสิ่งมีชีวิตที่เป็นมนุษย์และทาสีขาวทับ
แมนโดลาขนาดใหญ่เรียงรายไปด้วยเกลือบนพื้น นี่เป็นพิธีกรรมของวัดแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่น ซึ่งดูเหมือนจะมาจากพุทธศาสนา งานจิวเวลรี่ดังกล่าวทำให้คุณแทบหยุดหายใจ ไม่ว่าจะเป็นเขาวงกตหรือแผนที่ ดินแดนลึกลับและดีแค่ไหนที่พิพิธภัณฑ์ไม่มีลม การจัดวางนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว โดยศิลปินสร้างขึ้นภายในกำแพงพิพิธภัณฑ์เป็นเวลาหลายวัน นอกจากนี้ยังมีประเพณีญี่ปุ่นที่น่าสนใจ: ก่อนการต่อสู้ นักมวยปล้ำซูโม่จะโปรยเกลือลงบนพื้น
ผลงานศิลปะจัดวางของฮิโรอากิ โมริตะ “From Evian to Volvik” เผยให้เห็นค่อนข้างมาก หัวข้อที่น่าสนใจทันสมัยสำหรับญี่ปุ่น - การแปรรูปพลาสติก มีขวดน้ำ Evian อยู่บนชั้นวางกระจก เงาของมันตกลงไปที่คอของขวด Volvik อีกขวดที่ยืนอยู่บนพื้นพอดี มีการสร้างภาพลวงตาว่ามีน้ำไหลจากขวดหนึ่งไปอีกขวดหนึ่ง ไร้สาระตั้งแต่แรกเห็น สำหรับชาวญี่ปุ่น งานแนวความคิดนี้ไม่เพียงแต่เป็นสัญลักษณ์ของวัฏจักรของ "คามิ" นั่นคือแก่นแท้ทางจิตวิญญาณ แต่ยังรวมถึงหลักการของการรีไซเคิล - การแปรรูปวัสดุรีไซเคิลในความหมายที่แท้จริงด้วย ญี่ปุ่นเป็นประเทศหมู่เกาะเป็นประเทศแรกๆ ที่เรียนรู้วิธีรวบรวม คัดแยก และรีไซเคิลขยะพลาสติก ไม่เพียงแต่ขวดและรองเท้าผ้าใบใหม่เท่านั้นที่ถูกสร้างขึ้นใหม่จากวัสดุที่ได้ แต่ยังมีการสร้างเกาะเทียมอีกด้วย
เมื่อมองแวบแรก การติดตั้งของ Teppei Kuneuji ก็ดูคล้ายกับสถานีคัดแยกขยะ วัตถุพลาสติกถูกจัดวางตามลำดับต่างๆ กัน เช่น ทัพพี แม่พิมพ์ ของเล่นต่างๆ ไม้แขวนเสื้อ แปรงสีฟันสี สายยาง แก้วน้ำ และอื่นๆ โรยด้วยผงสีขาวดูเหมือนว่าพวกเขาจะนอนอยู่ที่นั่นตลอดไป เมื่อคุณเดินไปท่ามกลางสิ่งของที่คุ้นเคยเหล่านี้แต่ไม่ได้ใช้อีกต่อไป เมื่อใคร่ครวญสิ่งเหล่านั้นจากระยะไกล คุณจะรู้สึกคล้ายกับการทำสมาธิในสวนหิน ในภาพตัดปะของเขา Teppei Kuneuji สร้างหอคอยด้วย "จิตใจ" จากเศษขยะจากการก่อสร้าง แต่สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่โซ่จลนศาสตร์เหมือนกับคู่หูนักศิลปะ Fischli และ Weiss แต่เหมือนกับโครงสร้างศักดิ์สิทธิ์ทางพุทธศาสนาที่ยึดหินไว้บนหินโดยไม่ต้องใช้วัสดุยึด
ศิลปินสุดะ โยชิฮิโระวางไม้ที่ทำขึ้นอย่างชำนาญ ดอกกุหลาบสีชมพูด้วยกลีบดอกที่ร่วงหล่นหนึ่งกลีบ เมื่อพิจารณาถึงการแทรกแซงที่ละเอียดอ่อนและเป็นบทกวีในพิพิธภัณฑ์นี้ ฉันอยากจะเริ่มพูดเป็นบทกวีภาษาญี่ปุ่นประเภทไฮกุ เช่น "ฤดูหนาว" แม้แต่ดอกกุหลาบในพิพิธภัณฑ์ก็เบ่งบานตลอดไป”
งานกวีที่เท่าเทียมกันอีกงานหนึ่ง “The Opposite of Volume” โดย Onishi Yasuaki กล่าวถึงผลงานของจิตรกรยุคกลางและพระนิกายเซน Toyo Sesshu คลาสสิกของญี่ปุ่นนี้มีชื่อเสียงในการนำภาพวาดหมึกขาวดำแบบจีนมาสู่ดินแดนอาทิตย์อุทัย
การติดตั้งของ Yasuaki แสดงถึงภาพเงาโพลีเอทิลีนสีเทาเชิงปริมาตรของภูเขา โดยมีกระแส (เช่น ฝน) ของพลาสติกเหลวแช่แข็งตกลงมาจากเพดาน มีข่าวลือว่าเพื่อสร้างภูเขา "ว่างเปล่า" ภายใต้ฝนที่ตกลงมา ราวกับว่ามาจากภาพวาดเอกรงค์ของ Toyo Sesshu ศิลปินจะต้องสร้างภูเขาจากกล่อง คลุมด้วยโพลีเอทิลีนบาง ๆ แล้วหยดพลาสติกร้อนจาก เพดาน
สุดท้าย ผลงานจัดวางโดย Kengo Kito: มาลัยห่วงพลาสติกหลากสีห้อยลงมาราวกับนำ “คำทักทายแบบญี่ปุ่น” มาสู่รัสเซีย กีฬาโอลิมปิก- เป็นที่น่าแปลกใจว่าในนิทรรศการ “The Charm of Things” พลาสติกถูกนำมาใช้เป็นวัสดุด้วย ศิลปินญี่ปุ่นไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับสิ่งแวดล้อมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเด็นทางจิตวิญญาณด้วย
โพสต์นี้เป็นการโฆษณา แต่ความประทับใจ ข้อความ และรูปถ่ายเป็นของคุณเองศิลปะร่วมสมัยเป็นเรื่องยากที่จะตัดสินหรือประเมินผล เนื่องจากในช่วงแรกนั้นงานศิลปะเกินขอบเขตของความเป็นไปได้ดังกล่าว เป็นเรื่องดีที่มี อเล็กเซย์ ลิฟานอฟ
ผู้ซึ่งแม้จะไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญชาวญี่ปุ่น แต่ก็เข้าใจศิลปะดีกว่าฉัน ถ้าไม่ใช่ Alexey ใครจะช่วยให้ฉันเข้าใจสิ่งที่ฉันเห็น?
ใช่แล้ว คนญี่ปุ่นเป็นคนแปลกหน้า ความประทับใจจากนิทรรศการบนถนน Gogolevsky Boulevard
นิทรรศการในนิทรรศการ " มุมมองคู่“สามารถแบ่งออกเป็นสามส่วน (ตามหัวข้อที่ผู้เขียนยกขึ้น) ส่วนแรกอุทิศให้กับมนุษย์และรัฐบทบาทของอุดมการณ์ใน ความเป็นส่วนตัว, บงการของสังคมเหนือปัจเจกบุคคล หัวข้อที่สองเกี่ยวข้องกัน: มนุษย์และอิทธิพลของเขาต่อธรรมชาติ (แม้จะอยู่ในกรอบของนิทรรศการเดียวก็ตาม ศิลปินต่างๆแสดงความเห็นที่ขัดแย้งกัน) หัวข้อที่สามเป็นภาษาญี่ปุ่นล้วนๆ และเน้นไปที่อุดมการณ์ของ "โลลิ" และสิ่งที่น่ารังเกียจอื่นๆ ที่เจริญรุ่งเรืองในสังคมญี่ปุ่น
1. ผลงานของ Kenji Yanobe ผสมผสานกับสุนทรียภาพหลังโลกแตก และควรสังเกตว่าไม่มี "การสะกดรอยตาม" เลย งานของเขาไร้เดียงสามากในระดับวิธีการ "บุตรแห่งดวงอาทิตย์" เป็นงานประติมากรรมขนาดใหญ่และน่าสัมผัส บุคคลประเภทใดที่ควรต่อต้านโลกแห่งเทคโนโลยี - กล้าหาญ เด็ดขาด หรือเป็นธรรมชาติและไร้เดียงสา?
3. ความต่อเนื่องของธีมในสไตล์ไร้เดียงสาที่เกินจริง
4. โมโตฮิโกะ โอดานิ พูดคุยถึงวัยแรกรุ่น เรื่องเพศ และจิตวิทยา ตรงข้ามกับประติมากรรมชิ้นนี้คือการจัดวางวิดีโอที่สื่ออารมณ์ได้มากกว่ามาก แต่ต้องขอชมด้วยตนเอง
5. Makoto Aida เป็นผู้พัฒนาธีม ต้นบอนไซที่มีหัวหญิงสาวเป็นสัญลักษณ์ของความรักในทางที่ผิดที่เกินจริง สัญลักษณ์มีความโปร่งใสและแทบไม่ต้องการคำอธิบาย
6. ผลงานอีกชิ้นของเขาคือ “ลูกศิษย์โรงเรียนฮาราคีรี” กราฟิกมันน่าทึ่งมาก
7. ความต่อเนื่องของธีม "เด็ก" จาก Yoshimoto Naro ใบหน้าของเด็กและอารมณ์ที่ไม่เด็ก
8. ทาคาฮิโระ อิวาซากิสร้างไดอาราแบบธรรมดาของเมืองหนึ่งจากขยะทุกชนิด สุนทรียศาสตร์ของเมืองที่เป็นกองขยะจริงๆ ไม่ใช่แนวคิดใหม่ แต่มีการนำไปปฏิบัติอย่างน่าสนใจ
10. ภาพวาดโดย Tadanori Yokoo - ภาพต่อกันของการพาดพิง คำพูด และต้นแบบ ในขณะเดียวกันโทนสีก็น่าทึ่งมาก
11. Yayoi Kusama หันไปหาสุนทรียศาสตร์ที่มีอยู่ทั้งความเป็นอยู่และไม่มีตัวตน สร้างห้องที่พื้นที่แตกสลายและสลายตัว
12. Yasumasa Morimura ทำเรื่องล้อเลียน เขาไม่ได้พรรณนาถึงอดอล์ฟ ฮิตเลอร์ แต่อย่างใด แต่เป็น Adenoid ของ Ginkel ซึ่งเป็นตัวละครจากภาพยนตร์เรื่อง "The Great Dictator" ของแชปลิน ผลงานที่เหลือของเขาอุทิศให้กับผู้ปกครองและเผด็จการในทันที แต่สาระสำคัญนั้นชัดเจน - การคุกคามของอุดมการณ์โดยรวม
13. ผู้ชมมีน้อย แต่คนที่มีอยู่ก็พูดคุยถึงสิ่งที่พวกเขาเห็นอย่างกระตือรือร้น โดยทั่วไปแล้วดูเหมือนว่าผู้เยี่ยมชมจะชอบสิ่งที่เกิดขึ้นมาก
14. นี่คือหัวหน้าของจอร์จ บุช จอร์จ บุช ร้องเพลงชาติสหรัฐฯ แนวคิดนี้เข้าใจง่าย - เกี่ยวกับการบุกรุกของอุดมการณ์และรัฐแม้กระทั่งในพื้นที่ส่วนตัวของบุคคล
15. โปเกมอนหนู ส่วนที่ฉันชอบ
16. ส่วนหนึ่งของนิทรรศการคือภาพถ่าย ในบางสถานที่ก็น่าสนใจ บางแห่งก็ใกล้ชิดเกินกว่าจะเข้าใจ
18. ภาพถ่ายโดย โทชิโอะ ชิบาตะ ที่นี่แนวคิดของการอยู่ร่วมกันอย่างกลมกลืนของมนุษย์และธรรมชาติได้รับการแก้ไขในรูปแบบของภาพถ่ายซึ่งสุนทรียภาพนั้นใกล้เคียงกับนามธรรมมากกว่าความสมจริงมาก - นั่นคือเรขาคณิตและองค์ประกอบที่แม่นยำ
19. หนึ่งในคำทักทายถึงเลนิน
ไม่ว่าในกรณีใด นิทรรศการได้รับการออกแบบมาให้เข้าชมด้วยตนเอง และไม่ต้องดูรายงานภาพถ่ายในบล็อก งานจำนวนมากเป็นไปไม่ได้เลยที่จะประเมินในรูปแบบคงที่และขนาดของภาพถ่ายหน้าจอ ดังนั้นจึงควรไปชมนิทรรศการ “Double Perspective” ด้วยตัวเองจะดีกว่า
พันธมิตรโปรเจ็กต์ Sony จัดการแข่งขันแจกแล็ปท็อปและรางวัลอื่นๆ อีกมากมาย! หากคุณไปนิทรรศการ อย่าลืมถ่ายรูปนิทรรศการและเขียนด้วยตัวเอง ความประทับใจสั้นๆ- เพื่อเข้าร่วมการแข่งขันแบ่งปัน
โพสต์โดย: เชอร์นอฟ_วลาด ใน
ทาดาสุ ทาคามิเนะ. "God Bless America", 2002. วีดีโอ (8 นาที 18 วินาที)
มุมมองสองด้าน: ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น
ภัณฑารักษ์ Elena Yaichnikova และ Kenjiro Hosaka
ส่วนที่หนึ่ง: "ความจริง/โลกธรรมดา"พิพิธภัณฑ์มอสโก ศิลปะร่วมสมัย, ภูเขา มอสโก, Ermolaevsky lane, 17
ส่วนที่สอง: “โลกแห่งจินตนาการ/จินตนาการ”พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโก, ภูเขา มอสโก, Gogolevsky Boulevard, 10
พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่มอสโกร่วมกับเจแปนฟาวน์เดชั่นนำเสนอนิทรรศการ “มุมมองคู่: ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น” ซึ่งออกแบบมาเพื่อแนะนำประชาชนทั่วไปให้รู้จักกับศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย
มุมมองแบบคู่คือภัณฑารักษ์สองคนจาก ประเทศต่างๆที่ตั้งพิพิธภัณฑ์สองแห่งและโครงสร้างโครงการสองส่วน นิทรรศการนี้ดูแลจัดการโดย Elena Yaichnikova และ Kenjiro Hosaka โดยรวบรวมผลงานของศิลปินมากกว่า 30 คนจากหลากหลายทิศทาง ซึ่งทำงานตั้งแต่ยุค 70 ของศตวรรษที่ 20 จนถึงปัจจุบัน โครงการประกอบด้วยสองส่วน - "โลกแห่งความเป็นจริง/ชีวิตประจำวัน" และ "โลกแห่งจินตนาการ/แฟนตาซี" ซึ่งตั้งอยู่ในบริเวณพิพิธภัณฑ์ที่ 17 Ermolaevsky Lane และ 10 Gogolevsky Boulevard
ฮิรากิ ซาวะ. "ที่อยู่อาศัย", 2545 วีดิทัศน์ช่องเดียว (เสียงสเตอริโอ) 9 นาที 20 วินาที
ที่มา: โอตะวิจิตรศิลป์ โตเกียว
ตอนที่หนึ่ง: “ความจริง/โลกธรรมดา”
ส่วนแรกของนิทรรศการ “Real World/Everyday” นำเสนอมุมมองของศิลปินชาวญี่ปุ่นในโลกรอบตัวเราผ่านการดึงดูดไปยังประวัติศาสตร์โลกของศตวรรษที่ 20 (ยาสุมาสะ โมริมูระ, โยชิโนริ นิวะ และ ยูเคน เทรุยะ) ภาพสะท้อนบนโครงสร้าง สังคมสมัยใหม่(ประเภทใบ้และทาดาสุ ทาคามิเนะ) ปฏิสัมพันธ์กับพื้นที่เมือง (ติดต่อกอนโซและชิมปอม) และการค้นหาบทกวีในชีวิตประจำวัน (ชิมาบุคุ, สึโยชิโอซาวะ, โคเฮอิโคบายาชิ และเท็ตสึยะ อุเมดะ) ในซีรีส์ผลงานวิดีโอเรื่อง “Requiem” ยาสุมาสะ โมริมูระสวมบทบาทเป็นตัวละครในประวัติศาสตร์ต่างๆ เช่น แชปลิน นักเขียน ยูกิโอะ มิชิมะ และแม้แต่เลนิน และสร้างตอนต่างๆ จากชีวิตของพวกเขาขึ้นมาใหม่ ผู้เข้าร่วมโครงการอีกคนคือ Tetsuya Umeda สร้างสรรค์งานศิลปะจัดวางจากวิธีการด้นสดและสิ่งธรรมดาๆ ดังนั้นชีวิตประจำวันที่ซ้ำซากจำเจที่สุดจึงกลายเป็นงานศิลปะ นิทรรศการจะจัดแสดงผลงานของโยโกะ โอโนะ - "Cut Piece" อันโด่งดังในเวอร์ชันปี 1965 และ 2003 และการติดตั้งเสียง "Cough Piece" (1961) นิทรรศการจะนำเสนอผลงานของ Kishio Suga หนึ่งในตัวแทนศูนย์กลางของขบวนการ Mono-Ha (แปลว่า "School of Things") ซึ่งเสนอทางเลือกของญี่ปุ่นแทนสมัยใหม่แบบตะวันตก ส่วนภาพถ่ายจะนำเสนอผลงานของ Toshio Shibata, Takashi Homma และ Lieko Shiga
ยาโยอิ คุซามะ. “ฉันอยู่ที่นี่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย”, พ.ศ. 2543. สื่อผสม. การติดตั้งที่ Maison de la Culture du Japon ปารีส
คอลเลกชันของผู้แต่ง
ผลงานที่ประกอบเป็นส่วนที่สองของโครงการจะนำเสนอต่อสาธารณชนสู่โลกแห่งจินตนาการที่เสรีซึ่งทุกสิ่งที่เราไม่สามารถมองเห็นได้ ชีวิตจริง,ทุกสิ่งที่อยู่ภายนอกมัน ผลงานของศิลปินในนิทรรศการในส่วนนี้กล่าวถึงวัฒนธรรมป๊อปของญี่ปุ่น โลกแห่งจินตนาการ ความไร้เดียงสา ตำนาน และการสะท้อนถึงโครงสร้างจักรวาลของโลก ผู้แสดงสินค้าแต่ละรายใส่ความหมายของตนเองลงในแนวคิดเรื่อง "จินตนาการ" นี่คือสิ่งที่ศิลปิน Tadanori Yokoo ทำในความสัมพันธ์ของเขากับโลกแห่งจินตนาการ ธีมหลักผลงานของพวกเขาหายไปหรือ "หายไปเอง" แนวคิดที่คล้ายกันนี้สามารถเห็นได้ในผลงานของ Yayoi Kusama: ด้วยการฉายภาพจินตนาการของเธอสู่ความเป็นจริง เธอสร้างโลกที่เต็มไปด้วยรูปแบบที่แปลกประหลาด ประติมากรรมขนาดยักษ์ “Child of the Sun” (2011) โดย Kenji Yanobe ถูกสร้างขึ้นใน เวลาที่น่ากลัวเมื่อเกิดการระเบิด โรงไฟฟ้านิวเคลียร์"ฟูกูชิม่า-1" วัตถุที่ยิ่งใหญ่ของเขากลายเป็นจุดตัดของจินตนาการ ศิลปินเข้าใจดีว่าประสบการณ์ที่ได้รับบนขอบเขตของความเป็นจริงจะกลายเป็นแรงผลักดันให้เกิดการสร้างโลกใหม่ ส่วนโลกจินตนาการ/แฟนตาซียังมีผลงานของ Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa และอื่นๆ อีกมากมาย
ผลงานบางชิ้นจัดทำขึ้นเพื่อนิทรรศการโดยเฉพาะ ศิลปิน Yoshinori Niwa สำหรับโครงการของเขา "Vladimir Lenin เป็นที่ต้องการในอพาร์ตเมนต์ในมอสโก" (2012) มาที่มอสโกเพื่อค้นหาสิ่งประดิษฐ์ที่เกี่ยวข้องกับบุคลิกภาพของนักปฏิวัติในอพาร์ตเมนต์ของ Muscovites งานของเขาเป็นเอกสารวิดีโอเกี่ยวกับการค้นหาและการเดินทางรอบมอสโกว ศิลปินเท็ตสึยะ อุเมดะ ซึ่งจะนำเสนอผลงานพร้อมกันที่สถานที่สองแห่ง จะมาที่มอสโกเพื่อจัดแสดงผลงานของเขาที่สถานที่จัดงาน
เมื่อมองแวบแรก ทั้งสองส่วนที่แตกต่างกันของนิทรรศการมีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงศิลปะญี่ปุ่นสองขั้ว ซึ่งในความเป็นจริงกลับแยกออกจากกันไม่ได้
ในส่วนหนึ่งของนิทรรศการนี้ มีการวางแผนที่จะจัดคลาสมาสเตอร์แบบเปิดและด้วย การประชุมที่สร้างสรรค์พร้อมด้วยผู้เข้าร่วมโครงการ จะมีการบรรยายโดยภัณฑารักษ์ชาวญี่ปุ่น Kenjiro Hosaka และศิลปิน Kenji Yanobe สำหรับรัสเซีย นิทรรศการครั้งนี้นับเป็นครั้งแรกที่มีการนำเสนอศิลปะญี่ปุ่นร่วมสมัยในระดับดังกล่าว
โยชิโทโมะ นารา. "แคนดี้บลูไนท์", 2544. 1166.5 x 100 ซม. สีอะคริลิคบนผ้าใบ
ภาพถ่าย: “Yoshitaka Uchida”
Kishio Suga "ช่องว่างแห่งการแยก", 1975. กิ่งก้านและบล็อกคอนกรีต 184 x 240 x 460 ซม
ภาพถ่าย: “Yoshitaka Uchida”
เคนจิ ยาโนเบะ. "บุตรแห่งตะวัน", 2554. ไฟเบอร์กลาส เหล็ก นีออน ฯลฯ 620 x 444 x 263 ซม. การติดตั้งในสวนอนุสรณ์ Ezpo"70
ภาพถ่าย: “Thomas Swab”
ตั้งแต่วันที่ 16 พฤศจิกายน 2556 นิทรรศการ “โมโน ไม่รับรู้ เสน่ห์แห่งศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น” ได้เปิดแสดงแล้วที่อาศรม นิทรรศการแห่งนี้ตั้งอยู่ในอาคารปีกตะวันออกของเสนาธิการทั่วไป จัดทำโดย State Hermitage โดยได้รับการสนับสนุนจากสถานทูตญี่ปุ่นในรัสเซีย และนำเสนอผลงานจัดวาง ประติมากรรม วิดีโออาร์ต ภาพถ่ายที่สร้างขึ้นในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาโดยชาวญี่ปุ่น ศิลปินและได้รับการออกแบบเพื่อเติมเต็มหน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ศิลปะที่มีอายุหลายศตวรรษในดินแดนอาทิตย์อุทัย ชื่อของพวกเขาซึ่งเป็นที่รู้จักในบ้านเกิดของพวกเขายังไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนชาวรัสเซียและชาวยุโรป: Kanauji Teppei, Kengo Kito, Kuvakubo Ryota, Masaya Chiba, Motoi Yamamoto, Onishi Yasuaki, Rieko Shiga, Suda Yoshihiro, Shinishiro Kano, Hiroaki Morita, Hiraki ซาวะ และคนอื่นๆ.
มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 คำว่า "โมโนไม่รู้ตัว" สามารถแปลได้ว่า "เสน่ห์ของสิ่งของ" หรือ "ความยินดีในสิ่งใดสิ่งหนึ่ง" และมีความเกี่ยวข้องกับแนวความคิดทางพุทธศาสนาเกี่ยวกับความชั่วคราวและความไร้ประโยชน์ของ การดำรงอยู่. วัตถุและวัตถุทางจิตวิญญาณที่อยู่รอบตัวบุคคลนั้นเต็มไปด้วยเสน่ห์อันเป็นเอกลักษณ์ (avare) ที่หายวับไปซึ่งมีลักษณะเฉพาะของเขาเท่านั้น บุคคล - และเหนือสิ่งอื่นใดคือศิลปิน - ต้องมีหัวใจที่ตอบสนองเพื่อค้นหาและสัมผัสถึงเสน่ห์นี้และตอบสนองต่อมันภายใน ศิลปินร่วมสมัยพวกเขามีความรู้สึกเฉียบแหลมในการใช้วัสดุซึ่งความเรียบง่ายของความหมายภายในส่องประกาย จงใจจำกัดตัวเอง บางหัวข้อและลวดลายต่างๆ พวกเขาใช้เทคนิคศิลปะญี่ปุ่นโบราณในรูปแบบใหม่
ในญี่ปุ่น เช่นเดียวกับในรัสเซีย ศิลปะร่วมสมัยเป็นปรากฏการณ์ที่นำมาจากภายนอก จากตะวันตก ซึ่งไม่สามารถเข้าใจได้เสมอไปและทำให้เกิดการปฏิเสธ ทั้งสองวัฒนธรรมยอมรับคำว่าศิลปะร่วมสมัยแองโกล-อเมริกันว่าเป็นสัญลักษณ์ของการยืมวัฒนธรรมแบบใหม่ ในญี่ปุ่นในทศวรรษ 1970 เช่นเดียวกับในรัสเซียในทศวรรษ 1990 ศิลปินรู้สึกเหมือนเป็นคนนอก พวกเขาไปทำงานในฝั่งตะวันตก แต่ในทศวรรษ 1970 คำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ยังอยู่ในญี่ปุ่นซึ่งฟังดูเป็นไปในทางบวก สู่คนรุ่นใหม่ลืมคำจำกัดความของ "ศิลปะหลังสงคราม" ที่เกี่ยวข้องกับโศกนาฏกรรมและความเสื่อมถอย
ความเจริญรุ่งเรืองที่แท้จริงของศิลปะสมัยใหม่ในความหมายแบบตะวันตกเกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1980 เท่านั้น เมื่อแกลเลอรีต่างๆ เปิดไม่เพียงแต่ในกินซ่าเท่านั้น แต่ยังเปิดในพื้นที่อื่นๆ ของโตเกียวด้วย ในปีพ.ศ. 2532 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งแรกได้ก่อตั้งขึ้นในฮิโรชิมะ และในไม่ช้าก็มีพิพิธภัณฑ์ในโตเกียวตามมาในทศวรรษที่ 1990 ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา การรับรู้ปรากฏการณ์ของศิลปะร่วมสมัยในระดับชาติและการเข้าสู่ชีวิตประจำวันทางวัฒนธรรมก็เริ่มขึ้นอย่างค่อยเป็นค่อยไป ขั้นตอนต่อไปคือการจัดงาน Biennales และ Triennials ระดับชาติ
ในยุคแห่งการครอบงำเทคโนโลยีสื่อโดยสมบูรณ์ ศิลปินญี่ปุ่นมุ่งความสนใจไปที่สื่อพื้นเมือง การสัมผัส และการฟัง ผลงานจัดวางในนิทรรศการเป็นที่สนใจอย่างมาก รวมถึงผลงานของเรียวตะ คุวาคุโบะ (เกิดปี 1971) ซึ่งมีการออกแบบที่เรียบง่าย แต่มีความซับซ้อนในการดำเนินงาน โดยที่ บทบาทหลักเงาเล่น ศิลปินร่างเค้าโครงวัตถุและสร้างลานตาเคลื่อนไหวที่น่าทึ่ง Kaneuji Teppei (เกิดปี 1978) นำเสนอการออกแบบที่คาดไม่ถึงจากวัสดุในครัวเรือนในชีวิตประจำวัน วัตถุที่เขารวบรวมซึ่งมีสีและวัตถุประสงค์ต่างกัน มีรูปร่างแปลกประหลาดจนกลายเป็นประติมากรรมสมัยใหม่หรือทิวทัศน์ที่ปกคลุมไปด้วยหิมะด้วย ภาพวาดญี่ปุ่นบนผ้าไหม
“การเลือกวัสดุ” ในงานวิดีโอและประเภท “found object” สร้างสรรค์โดย Hiroaki Morita (เกิดปี 1973) และในภาพวาดโดย Shinishiro Kano (เกิดปี 1982) และ Masaya Chiba (เกิดปี 1980) ศักยภาพของ "การเลือกสรร" ที่เรียบง่ายซึ่งรวบรวมโดยศิลปินกลับไปสู่การสร้างจิตวิญญาณของทุกสิ่งและทุกคน ซึ่งเป็นแบบดั้งเดิมสำหรับพุทธศาสนา โดยมีแนวคิดที่ว่าในสิ่งมีชีวิตทุกชนิดและในทุกวัตถุ - จากคนไปจนถึงใบหญ้าเล็ก ๆ - โกหก ธรรมชาติของพระพุทธเจ้า พวกเขายังให้ความสนใจ สาระสำคัญภายในสิ่งที่มองว่าเป็นความงามและเสน่ห์
ผลงานศิลปะจัดวางโดย Kengo Kito (เกิดปี 1977) ซึ่งประกอบด้วยห่วง เป็นทั้งงานประติมากรรมและ ภาพใหญ่ด้วยระนาบที่ขาดการเชื่อมต่อ สีเบื้องต้น และเปอร์สเปคทีฟ พื้นที่ในนั้นกลายเป็นระนาบต่อหน้าต่อตาเราซึ่งทำให้สามารถคัดลอกสัญลักษณ์และสัญลักษณ์ทางศิลปะเหล่านี้ได้อย่างไม่มีที่สิ้นสุดซึ่งสูญเสียความเชื่อมโยงกับความเป็นจริง
Yasuaki Onishi (เกิดปี 1979) และ Motoi Yamamoto (เกิดปี 1966) ทำงานกับพื้นที่ที่แตกต่างกันบ้างในการจัดวาง ราวกับจะรวมแนวทางต่างๆ เหล่านี้เข้ากับความเรียบง่ายที่น่าดึงดูด Yoshihiro Suda (เกิดปี 1969) เริ่มต้นการบุกรุกพื้นที่นิทรรศการน้อยที่สุดโดยการวางต้นไม้ไม้ที่ดูเหมือนของจริงอย่างรอบคอบ
นิทรรศการ “โมโน ไม่รับรู้ เสน่ห์ของสรรพสิ่ง ศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่น” จัดทำโดยกรมศิลปะร่วมสมัยซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของโครงการ Hermitage 20/21 ตามคำกล่าวของ M.B. Piotrovsky ผู้อำนวยการทั่วไป อาศรมรัฐ: “วัตถุประสงค์ของโครงการคือเพื่อรวบรวม จัดแสดง และศึกษาศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20-21 “อาศรม 20/21” จัดทำขึ้นสำหรับผู้ที่ต้องการตามทันยุคสมัย ทั้งมือสมัครเล่นและมืออาชีพ ผู้ชำนาญการ และ ผู้ชมที่อายุน้อยที่สุด”
ภัณฑารักษ์ของนิทรรศการคือ Dmitry Yuryevich Ozerkov หัวหน้าภาควิชาศิลปะร่วมสมัยของ State Hermitage ผู้สมัคร วิทยาศาสตร์เชิงปรัชญาและ Ekaterina Vladimirovna Lopatkina รองหัวหน้าภาควิชาศิลปะร่วมสมัย ที่ปรึกษาทางวิทยาศาสตร์ของนิทรรศการ - Anna Vasilyevna Savelyeva นักวิจัยกรมอาศรมรัฐด้านตะวันออก นิทรรศการได้เตรียมโบรชัวร์ภาพประกอบ ผู้เขียนข้อความคือ D.Yu. โอเซอร์คอฟ.
ศิลปะญี่ปุ่นครอบครองสถานที่สำคัญในการสะสมของ State Hermitage และมีผลงานประมาณ 10,000 ชิ้น พิพิธภัณฑ์จัดเก็บแผ่นไม้แกะสลักสี 1,500 แผ่น รวมถึงผลงานของปรมาจารย์ด้านการแกะสลักชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ถึง 20; คอลเลกชันเครื่องลายครามและเซรามิก (นิทรรศการมากกว่า 2,000 รายการ) สารเคลือบเงาของศตวรรษที่ 16-20 ตัวอย่างผ้าและเครื่องแต่งกาย ส่วนที่มีค่าที่สุดในคอลเล็กชั่นงานศิลปะญี่ปุ่นของ Hermitage คือคอลเลกชั่น netsuke ซึ่งเป็นงานประติมากรรมขนาดจิ๋วของศตวรรษที่ 17-19 ซึ่งมีผลงานมากกว่า 1,000 ชิ้น
อะนิเมะและมังงะคืออะไร? คำจำกัดความที่ง่ายที่สุดมีลักษณะดังนี้:
มังงะเป็นการ์ตูนญี่ปุ่น
อนิเมะเป็นแอนิเมชั่นของญี่ปุ่น
มักเชื่อกันว่าคำว่า "มังงะ" และ "อะนิเมะ" จำกัดอยู่เพียงบางประเภท (นิยายวิทยาศาสตร์ แฟนตาซี) และรูปแบบกราฟิก (ความสมจริง " ตาโต") สิ่งนี้ไม่เป็นความจริง คำว่า "มังงะ" และ "อะนิเมะ" กำหนดเฉพาะวัฒนธรรมพื้นฐานบนพื้นฐานของการสร้างผลงานที่เกี่ยวข้องเท่านั้น
ไม่มีประเทศอื่นใดในโลกที่ให้ความสนใจกับการ์ตูนและแอนิเมชั่นเช่นนี้ ผู้สร้างการ์ตูนยอดนิยมของญี่ปุ่นเป็นคนที่ร่ำรวยมาก (Takahashi Rumikom เป็นหนึ่งในผู้หญิงที่ร่ำรวยที่สุดในญี่ปุ่น) ผู้ที่มีชื่อเสียงมากที่สุดคือคนดังระดับชาติ มังงะคิดเป็นประมาณหนึ่งในสี่ของสิ่งพิมพ์ทั้งหมดที่ผลิตในญี่ปุ่นและถูกอ่านโดยไม่คำนึงถึง อายุและเพศ ตำแหน่งของอนิเมะนั้นค่อนข้างเรียบง่ายกว่า แต่ก็น่าอิจฉาเช่นกัน สมมติว่าไม่มีประเทศใดในโลกที่นักพากย์สำหรับแอนิเมชั่น (seiyuu) เพลิดเพลินไปกับการได้รับการยอมรับ ความเคารพ และความรักเช่นนี้ ญี่ปุ่นเป็นประเทศเดียวในโลกที่ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงภาพยนตร์แอนิเมชันขนาดยาวเข้าชิงรางวัลออสการ์สาขาภาพยนตร์ต่างประเทศยอดเยี่ยม
เหนือสิ่งอื่นใด อะนิเมะและมังงะเป็นช่องทางที่ดีเยี่ยมในการชื่นชมไม่เพียงแต่ว่าชาวญี่ปุ่นยุคใหม่สะท้อนและสัมผัสประเพณีของบรรพบุรุษของพวกเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวิธีที่ผลงานของญี่ปุ่นสะท้อนถึงลวดลายและโครงเรื่องของผู้อื่นด้วย และไม่ใช่ความจริงที่ว่าอันแรกน่าสนใจกว่าอันที่สองเสมอไป คุณจำเป็นต้องรู้เป็นอย่างดี ญี่ปุ่นและทฤษฎีวรรณกรรมเพื่อให้เข้าใจอย่างแท้จริงว่าความรอบรู้ของญี่ปุ่น (และความคิดของญี่ปุ่น) แตกต่างจากของยุโรปอย่างไร และเพื่อทำความเข้าใจว่าเอลฟ์ญี่ปุ่นแตกต่างจากเอลฟ์ของโทลคีนอย่างไร เพียงแค่ดูละครโทรทัศน์สักหนึ่งหรือสองเรื่อง
ดังนั้นอะนิเมะและมังงะจึงเป็น "ประตูหลัง" เข้าสู่โลกแห่งจิตสำนึกของญี่ปุ่น และโดยการผ่านข้อความนี้ คุณไม่เพียงแต่จะทำให้เส้นทางสั้นลงโดยไม่ต้องลุยผ่านรั้วและป้อมปราการทั้งหมดที่สร้างขึ้นเมื่อกว่าหนึ่งพันห้าพันปีก่อน” วัฒนธรรมชั้นสูง"ญี่ปุ่น (ศิลปะของอะนิเมะและมังงะยังอายุน้อยกว่ามากและมีประเพณีน้อยกว่า) แต่ก็ได้รับความเพลิดเพลินอย่างมาก การผสมผสานธุรกิจเข้ากับความสุข - อะไรจะดีไปกว่านี้?
ตอนนี้มีหมายเหตุเฉพาะบางประการเกี่ยวกับมังงะและอนิเมะแยกกัน
มังงะ
"Picture Stories" เป็นที่รู้จักในญี่ปุ่นมาตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง ประวัติศาสตร์วัฒนธรรม- แม้แต่ในเนินโคฟุน (สุสานของผู้ปกครองในสมัยโบราณ) นักโบราณคดียังพบภาพวาดที่ค่อนข้างชวนให้นึกถึงหนังสือการ์ตูนในด้านอุดมการณ์และโครงสร้าง
การเผยแพร่ "เรื่องราวด้วยภาพ" ได้รับการอำนวยความสะดวกเสมอโดยความซับซ้อนและความคลุมเครือของงานเขียนภาษาญี่ปุ่น แม้กระทั่งในปัจจุบัน เด็กชาวญี่ปุ่นก็สามารถอ่านหนังสือและหนังสือพิมพ์ "สำหรับผู้ใหญ่" ได้หลังจากอ่านจบเท่านั้น โรงเรียนประถมศึกษา(ตอนอายุ 12 ปี!). เกือบจะในทันทีหลังจากการปรากฏตัวของร้อยแก้วของญี่ปุ่น การเล่าเรื่องที่มีภาพประกอบก็ปรากฏขึ้นซึ่งมีข้อความเพียงเล็กน้อยและมีบทบาทหลักด้วยภาพประกอบ
การ์ตูนญี่ปุ่นเรื่องแรกถือเป็น "ภาพตลกจากชีวิตของสัตว์" ที่สร้างขึ้นในศตวรรษที่ 12 โดยนักบวชและศิลปิน Kakuyu (อีกชื่อหนึ่งคือ Toba ปีแห่งชีวิต - 1,053-1140) เหล่านี้เป็นม้วนกระดาษสี่ม้วนที่แสดงลำดับของภาพที่วาดด้วยหมึกขาวดำพร้อมคำบรรยาย รูปภาพบอกเล่าถึงสัตว์ที่เป็นตัวแทนของคน และพระสงฆ์ที่ฝ่าฝืนกฎเกณฑ์ ตอนนี้ม้วนหนังสือเหล่านี้ถือเป็นโบราณวัตถุอันศักดิ์สิทธิ์และถูกเก็บไว้ในอารามที่นักพรต Kakuyu อาศัยอยู่
ตลอดระยะเวลาเกือบพันปีของประวัติศาสตร์ “เรื่องราวในภาพ” มีรูปลักษณ์และถูกเรียกแตกต่างออกไป คำว่า "มังงะ" (แปลว่า "รูปภาพแปลก ๆ (หรือตลก) พิสดาร") ได้รับการประกาศเกียรติคุณจากศิลปินกราฟิกชื่อดัง Katsushika Hokusai ในปี 1814 และแม้ว่าตัวศิลปินเองจะใช้คำนี้ในซีรีส์ภาพวาด "ชีวิต" แต่คำนี้ก็ติดอยู่ที่ อ้างถึงหนังสือการ์ตูน
การพัฒนามังงะได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการ์ตูนล้อเลียนของยุโรปและการ์ตูนอเมริกัน ซึ่งโด่งดังในญี่ปุ่นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาแห่งการค้นหาสถานที่แห่งการ์ตูนในระบบวัฒนธรรมญี่ปุ่นในยุคปัจจุบัน บทบาทที่ยิ่งใหญ่รัฐบาลทหารเล่นที่นี่โดยใช้ วัฒนธรรมสมัยนิยมเพื่อมีอิทธิพลต่อประชากร กองทัพสนับสนุนมังงะที่ "ถูกต้อง" (เริ่มปรากฏเป็นสีในช่วงเวลาสั้น ๆ ด้วยซ้ำ) และห้ามมังงะที่มีการวิจารณ์ทางการเมือง บังคับให้อดีตนักเขียนการ์ตูนเชี่ยวชาญเรื่องการผจญภัยและแฟนตาซี (เช่น แนวคิดของ "หุ่นยนต์ยักษ์" ปรากฏตัวครั้งแรกในมังงะการแก้แค้นในปี 1943 ซึ่งหุ่นยนต์ดังกล่าวได้ทุบทำลายสหรัฐอเมริกาที่เกลียดชัง) ในที่สุด.ใน ช่วงหลังสงครามเทซึกะ โอซามุผู้ยิ่งใหญ่ประสบความสำเร็จด้วยผลงานของเขา การปฏิวัติที่แท้จริงในโลกของมังงะ และร่วมกับนักเรียนและผู้ติดตามของเขา ทำให้มังงะเป็นจุดสนใจหลักของวัฒนธรรมสมัยนิยม
มังงะมักเป็นภาพขาวดำ มีเพียงปกและภาพประกอบแต่ละภาพเท่านั้นที่วาดด้วยสี มังงะส่วนใหญ่เป็นซีรีส์ที่ตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์หรือนิตยสารรายสัปดาห์หรือรายเดือน (บ่อยกว่านั้น) ขนาดการให้บริการตามปกติสำหรับซีรีส์ในนิตยสารรายสัปดาห์คือ 15-20 หน้า มังงะที่ได้รับความนิยมในหมู่ผู้อ่านได้รับการตีพิมพ์ซ้ำในรูปแบบของเล่มแยก - Tankobons แน่นอนว่ามีมังงะเรื่องสั้นและมังงะที่ตีพิมพ์ทันทีในรูปแบบของ Tankobon
มีนิตยสารมังงะมากมายในญี่ปุ่น แต่ละรายการมุ่งเป้าไปที่ผู้ชมเฉพาะกลุ่ม เช่น เด็กวัยรุ่นที่สนใจเรื่องแฟนตาซี หรือเด็กวัยรุ่นหญิงที่สนใจบัลเล่ต์ ความแตกต่างที่ชัดเจนที่สุดคือระหว่างผู้หญิงกับ นิตยสารผู้ชาย- ผู้ชมนิตยสารดังกล่าวมีตั้งแต่เด็ก (ซึ่งตีพิมพ์มังงะโดยไม่มีคำบรรยาย) ไปจนถึงชายและหญิงวัยกลางคน มีการทดลองเกี่ยวกับมังงะสำหรับผู้สูงอายุอยู่แล้ว แน่นอนว่าผู้ชมที่หลากหลายดังกล่าวก่อให้เกิดสไตล์และประเภทที่หลากหลาย: ตั้งแต่สัญลักษณ์ไปจนถึงภาพเสมือนจริง และจากเทพนิยายไปจนถึง งานปรัชญาและหนังสือเรียนของโรงเรียน
ผู้สร้างการ์ตูนมีชื่อว่า "มังงะ" โดยปกติแล้วคน ๆ หนึ่ง (มักจะมีผู้ช่วยฝึกหัด) ต่างก็วาดการ์ตูนและเขียนข้อความ แต่ความคิดสร้างสรรค์ของกลุ่มก็เกิดขึ้นเช่นกัน อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่เรื่องปกติที่คนมากกว่าสามหรือสี่คนจะเขียนมังงะเรื่องเดียว สิ่งนี้จะเพิ่มความสมบูรณ์ทางศิลปะและรายได้ส่วนบุคคลก็เพิ่มขึ้น นอกจากมังงะมืออาชีพแล้ว ยังมีมังงะสมัครเล่น - "โดจินชิ" อีกด้วย ศิลปินมังงะหลายคนเริ่มต้นจากการเป็นผู้สร้างโดจินชิ ("โดจินชิกะ") ใน เมืองใหญ่ๆมีตลาดพิเศษที่โดจินชิจำหน่ายผลิตภัณฑ์ของตน และบางครั้งก็พบผู้จัดพิมพ์ที่จริงจังสำหรับผลงานของตน
อะนิเมะ
คำว่า "อะนิเมะ" เริ่มมีขึ้นในช่วงกลางทศวรรษ 1970 เท่านั้น ก่อนหน้านั้นผู้คนมักจะพูดว่า "มังงะเอกะ" ("การ์ตูนภาพยนตร์") ชาวญี่ปุ่นเริ่มทดลองสร้างแอนิเมชั่นครั้งแรกในช่วงกลางทศวรรษ 1910 และอนิเมะเรื่องแรกปรากฏในปี 1917 เป็นเวลานานแล้วที่อนิเมะอยู่นอกโรงภาพยนตร์ แต่ที่นี่เช่นกัน เหล่าทหารก็มีบทบาทที่เป็นประโยชน์ในการสนับสนุนงานศิลปะที่ "ถูกต้อง" ดังนั้น ภาพยนตร์อนิเมะหลักสองเรื่องแรกจึงออกฉายในปี 1943 และ 1945 ตามลำดับ และเป็นการโฆษณาชวนเชื่อแบบ "เกม" ที่เชิดชูพลังของกองทัพญี่ปุ่น เช่นเดียวกับในกรณีของมังงะ Tezuka Osamu มีบทบาทชี้ขาดในประวัติศาสตร์ของอนิเมะซึ่งเสนอให้ละทิ้งการแข่งขันที่ไร้ความหมายกับ ภาพยนตร์ความยาวเต็มวอลต์ ดิสนีย์ เดินหน้าสร้างซีรีส์ทีวีที่เหนือกว่าซีรีส์อเมริกัน แม้จะไม่ได้เน้นเรื่องคุณภาพของภาพ แต่มีเสน่ห์ดึงดูดใจผู้ชมชาวญี่ปุ่น
อะนิเมะส่วนใหญ่เป็นละครโทรทัศน์และซีรีส์ที่ผลิตเพื่อจำหน่ายในรูปแบบวิดีโอ (ซีรีส์ OAV) อย่างไรก็ตามยังมีภาพยนตร์โทรทัศน์หลายเรื่องและ อะนิเมะเรื่องยาว- ในแง่ของความหลากหลายของสไตล์ ประเภท และผู้ชม มังงะมีความเหนือกว่าอนิเมะอย่างมาก แต่อย่างหลังกลับแซงหน้าคู่แข่งทุกปี ในทางกลับกัน อนิเมะหลายเรื่องเป็นการดัดแปลงจากมังงะยอดนิยม และไม่มีการแข่งขันกัน แต่สนับสนุนซึ่งกันและกันในเชิงพาณิชย์ แต่ถึงอย่างไร, ที่สุดอนิเมะสำหรับเด็กและวัยรุ่น แม้ว่าจะมีอนิเมะสำหรับคนหนุ่มสาวด้วยก็ตาม ผู้ชมวัยกลางคนจะถูกจับภาพโดย "อนิเมะสำหรับครอบครัว" ซึ่งเด็กๆ ดูร่วมกับผู้ปกครอง ความต่อเนื่องเป็นตัวกำหนดกฎเกณฑ์ของตัวเอง - ผู้สร้างอนิเมะมีแนวโน้มที่จะทดลองทางเทคนิคน้อยกว่าผู้สร้างแอนิเมชั่นในประเทศอื่น ๆ แต่พวกเขาให้ความสนใจอย่างมากกับการสร้างสรรค์ที่น่าดึงดูดและ ภาพที่น่าสนใจตัวละคร (ดังนั้นความสำคัญของการแสดงเสียงที่มีคุณภาพ) และการพัฒนาโครงเรื่อง นักออกแบบในอนิเมะมีความสำคัญมากกว่านักสร้างแอนิเมชั่น
อนิเมะถูกสร้างขึ้นโดยสตูดิโออนิเมะ ซึ่งมักจะมีขนาดค่อนข้างเล็กและทำงานร่วมกับเงินทุนภายนอกจากผู้สนับสนุนหลายราย (ช่องทีวี บริษัทของเล่น ผู้จัดพิมพ์มังงะ) โดยทั่วไปแล้ว สตูดิโอประเภทนี้เกิดขึ้นจากผู้สร้างที่โดดเด่นเพียงไม่กี่ราย ดังนั้นสตูดิโอจึงมักจะมี "สไตล์สตูดิโอ" ที่กำหนดโดยนักออกแบบชั้นนำ