ภาพวาดคลาสสิกที่ตรงไปตรงมาเกินไปจนอาจทำให้ใครต้องอับอาย ทำไมคุณต้องวาดภาพจากชีวิต ไม่ใช่จากภาพถ่ายเปลือยในการวาดภาพโลก

ความเป็นธรรมชาติคืออะไร? (ลักษณะเฉพาะ)

ความแตกต่างระหว่างธรรมชาติและบรรยากาศคืออะไร?

ความแตกต่างที่สำคัญอีกประการหนึ่งคือความแตกต่างระหว่างธรรมชาตินิยมและบรรยากาศนิยม การวาดภาพทิวทัศน์สามารถสร้างบรรยากาศได้มากโดยไม่ดูเป็นธรรมชาติ สิ่งนี้มักเกิดขึ้นเนื่องจากศิลปินมุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดอารมณ์มากกว่ารายละเอียดภาพ ตัวอย่างที่ดี: Nocturne สีฟ้าและสีเงิน – Chelsea(1871, Tate Collection, London) โดยวิสต์เลอร์และ ความประทับใจพระอาทิตย์ขึ้น(ค.ศ. 1873, พิพิธภัณฑ์ Marmottan, ปารีส) โดย Claude Monet ภาพวาดเหล่านี้ไม่มีรายละเอียดเพียงพอที่จะทำให้ดูเป็นธรรมชาติ เปรียบเทียบกับรูปภาพ: เวิร์คช็อปของศิลปิน(1870, Musée d'Orsay) โดย Frédéric Bazille; แม็กซ์ ชมิดต์ในกะโหลกเดียว(พ.ศ. 2414 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน) โดย Thomas Eakins; บทเรียนดนตรี (พ.ศ. 2420, หอศิลป์ศาลากลาง ลอนดอน) โดยเฟรเดอริก เลห์ตัน; Tepidarium (1881, Lever Art Gallery, สหราชอาณาจักร) โดย Lawrence Alma-Tadema; สาวป่วย (2424, หอศิลป์แห่งชาติ, ออสโล) โดย Christian Krogh: ทั้งหมดนี้เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของลัทธิธรรมชาตินิยม โดยไม่มีบรรยากาศใดๆ เลย

สำหรับคำอธิบายเกี่ยวกับอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส โปรดดูที่ "ลักษณะของจิตรกรรมอิมเพรสชั่นนิสต์ ค.ศ. 1870-1910"

ความแตกต่างระหว่างธรรมชาตินิยมและอุดมคตินิยมคืออะไร?

ในการวาดภาพ ความเพ้อฝันเป็นแนวคิดที่สามารถใช้ได้กับการวาดภาพบุคคลมากที่สุด และหมายถึงประเพณีของการสร้างรูปร่างที่ "ในอุดมคติ" โดยมีใบหน้าที่น่าดึงดูด ผมที่สมบูรณ์แบบ รูปร่างที่ดี และไม่มีข้อบกพร่องภายนอกใดๆ หากจะวาดหรือระบายสีจากชีวิต แทบจะไม่มีโอกาสเลยที่ภาพในอุดมคติประเภทนี้จะเหมาะกับแท่นบูชาและงานศิลปะทางศาสนาขนาดใหญ่รูปแบบอื่น ๆ ซึ่งคิดเป็นส่วนใหญ่ของค่าคอมมิชชันส่วนใหญ่ที่ได้รับจากการประชุมเชิงปฏิบัติการและสตูดิโอใน ยุโรปเก่า- โดยพื้นฐานแล้วเป็นสไตล์การวาดภาพ "เทียม" จึงไม่มีความคล้ายคลึงกับธรรมชาตินิยมของคาราวัจโจ กล่าวซึ่งโดยทั่วไปจะใช้คนข้างถนนธรรมดาเป็นแบบจำลองสำหรับงานศิลปะในพระคัมภีร์โดยเฉพาะของเขา ความเพ้อฝันยังคงเป็นรูปแบบที่สั่งสอนในสถาบันการศึกษาหลักๆ วิจิตรศิลป์อย่างน้อยก็จนถึงศตวรรษที่ 19 เมื่อในที่สุดก็ถูกแทนที่ด้วยรูปแบบที่เป็นธรรมชาติมากขึ้นโดยอิงจากแบบจำลองจริงและการทาสีกลางแจ้ง

นิยมสองประเภท: ภูมิทัศน์และเป็นรูปเป็นร่าง

ดังที่คุณเห็นจากตัวอย่างข้างต้น ไม่เพียงแต่ฉากกลางแจ้งในชนบทเท่านั้นที่แสดงให้เห็นถึงความเป็นธรรมชาติ แต่ภาพบุคคลและภาพวาดประเภทผู้คนก็สามารถเป็นตัวอย่างที่ดีเยี่ยมได้เช่นกัน

อย่างไรก็ตาม คำว่า ธรรมชาตินิยม มาจากคำว่า "ธรรมชาติ" ดังนั้นประเภทที่ใช้กันทั่วไปสำหรับลัทธินิยมนิยมก็คือการวาดภาพทิวทัศน์ ซึ่งเป็นประเภทที่แสดงเป็นตัวอย่างโดยผลงานของจอห์น คอนสเตเบิล ซึ่งเฮนรี ฟูเซลี ศิลปินแองโกล-สวิส มองว่ามีความสมจริงมากจนเมื่อใดก็ตามที่เขาเห็น เธอรู้สึกว่าเสื้อคลุมและร่มของเขากำลังเรียกเขาให้ออกไปเดินเล่น

อย่างไรก็ตามไม่ใช่ทั้งหมด ภาพวาดทิวทัศน์เป็นธรรมชาติ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อความเป็นตัวตนของศิลปินก้าวก่าย ตัวอย่างเช่น จอห์น มาร์ติน ศิลปินผู้เคร่งศาสนาผู้น่ากลัวได้สร้างภูมิทัศน์ที่ล่มสลายของเขาเพื่อแสดงให้เห็นพลังอำนาจของพระเจ้า ศิลปินชาวเยอรมันผู้โรแมนติก แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช เติมเต็มภาพวาดของเขาด้วยสัญลักษณ์และความโรแมนติกทางอารมณ์ ภูมิทัศน์หลายแห่งของเทิร์นเนอร์เป็นมากกว่าการทดลองเกี่ยวกับการแสดงออกในการพรรณนาแสง ในขณะที่เซซานวาดภาพทิวทัศน์หลายสิบจุดของมงตาญ แซงต์-วิกตัวร์ โดยเสียสละความแม่นยำตามธรรมชาติให้กับรูปทรงเรขาคณิตที่เขาชื่นชอบและความสมดุลของภาพ ไม่มีศิลปินคนใดที่อยู่ในกลุ่มลัทธิธรรมชาตินิยม เพราะพวกเขาให้ความสำคัญกับการเป็นตัวแทนของธรรมชาติน้อยลง และกังวลกับการแสดงออกมากกว่า

ความเป็นธรรมชาติในการวาดภาพ

นับตั้งแต่สมัยโบราณคลาสสิก ประวัติศาสตร์ศิลปะได้เห็นการพัฒนาที่สำคัญหลายประการในการวาดภาพเหมือนจริงและการวาดภาพสีน้ำมัน Giotto หนึ่งในผู้บุกเบิกลัทธินิยมนิยมกลุ่มแรกๆ ได้สร้างกลุ่มการปฏิวัติขึ้นมา ตัวเลขปริมาตรสำหรับจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ Scrovegni ในปาดัว ดูตัวอย่าง The Betrayal of Christ (Kiss of Judas) (1305) และ Lamentation of Christ (1305) เลโอนาร์โด ดาวินชีเชี่ยวชาญศิลปะของสฟูมาโต เพื่อสร้างใบหน้าที่สมจริงอย่างน่าทึ่งในผลงานต่างๆ เช่น โมนาลิซา (ค.ศ. 1506, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์, ปารีส) ไมเคิลแองเจโลใช้พรสวรรค์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในฐานะประติมากรเพื่อสร้างรูปปั้นจำนวนมากบนจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ซิสทีนของเขา (ค.ศ. 1508-12; และ 1536-41) คาราวัจโจทำให้โรมตะลึงด้วยภาพวาดที่เป็นธรรมชาติของเขา โดยใช้ภาพที่จำลองมาจากผู้คนที่คัดเลือกมาจากถนนโดยตรง รูปร่างที่แท้จริงของเขาเหมาะอย่างยิ่งสำหรับศิลปะคาทอลิกในยุคต่อต้านการปฏิรูปในยุคบาโรก ในช่วงยุคทองของการวาดภาพประเภทสัจนิยมของชาวดัตช์ ศิลปินเช่น Jan Vermeer (ภาพวาดประเภทในประเทศ ภาพภายในและภายนอก), Pieter de Hooch (ลานบ้าน), Samuel van Hoogstraten (ภาพตกแต่งภายในในประเทศ) และ Emanuel de Witte ( การตกแต่งภายในทางสถาปัตยกรรม) เป็นผู้นำรูปแบบหนึ่งของลัทธิธรรมชาตินิยมที่ชัดเจน ซึ่งรวมถึงวัตถุที่เป็นอุปมาอุปไมย ในชีวิตประจำวัน และทางสังคม เมื่อไม่นานมานี้ในศตวรรษที่ 19 ศิลปินชาวรัสเซียได้สร้างผลงานชิ้นเอกที่เน้นความเป็นธรรมชาตินิยมในเกือบทุกประเภท ตัวอย่างของงานเหล่านี้: “การจับคู่ของผู้พัน” (1848, หอศิลป์ Tretyakov, มอสโก) พาเวล เฟโดตอฟ; ซ่อมแซม ทางรถไฟ (2417, Tretyakov) โดย Konstantin Savitsky; "ภาพเหมือนของเจ้าหญิงโซเฟีย Alekseevna ใน คอนแวนต์โนโวเดวิชี"(พ.ศ. 2422, Tretyakov) และ "คำตอบ ซาโปโรเชีย คอสแซคถึงสุลต่านมะห์มุดที่ 4" (พ.ศ. 2434 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) โดย Ilya Repin; เสียงหัวเราะ (“สวัสดี กษัตริย์แห่งชาวยิว!”)(พ.ศ. 2425 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) โดย Ivan Kramskoy; พระคริสต์และคนบาป(พ.ศ. 2430 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) โดย Vasily Polenov

ประวัติศาสตร์และพัฒนาการของลัทธิธรรมชาตินิยม (ประมาณ 500 ปีก่อนคริสตกาล – 1800)

มีการสร้างตัวอย่างที่มีเสน่ห์ของธรรมชาตินิยมสองตัวอย่าง ศิลปินชาวเยอรมัน Dürer: "The Young Hare" (1502) และ "A Large Piece of Turf" (1503) ทั้งคู่ในเมือง Albertina กรุงเวียนนา

รัสเซีย Peredvizhniki (Peredvizhniki - พเนจร) (ค.ศ. 1863-90)
Peredvizhniki ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2406 โดยกลุ่มศิลปินรุ่นใหม่จาก Imperial Academy of Arts ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เดินทางไปทั่วรัสเซียเพื่อวาดภาพทิวทัศน์และภาพวาดประเภทต่างๆ ผู้เข้าร่วมชั้นนำ ได้แก่ Ivan Kramskoy (1837–1887), Nikolai Ge (1831–1894)

ตรงกันข้ามกับแบบแผนบางอย่าง ศิลปะโซเวียตไม่เคยเป็นคนเคร่งครัดเป็นพิเศษ แม้จะเปรียบเทียบกับคนส่วนใหญ่ก็ตาม ประเทศตะวันตก- เด็กผู้หญิงคนหนึ่งไม่ขี้เกียจเกินไปที่จะรวบรวมตัวอย่างภาพเปลือยของโซเวียตในภาพวาดและกราฟิกตั้งแต่ปี 1918 ถึง 1969 ในนิตยสารของเธอ คอลเลกชั่นที่คล้ายกันโดยประมาณนี้สามารถสร้างขึ้นเพื่อการถ่ายภาพของโซเวียต ภาพยนตร์ ประติมากรรม และงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่

ต้นฉบับนำมาจาก catrina_burana ในภาพเปลือยในวิจิตรศิลป์ของสหภาพโซเวียต ส่วนที่ 3 พ.ศ. 2493-2512

ในช่วงทศวรรษที่ 1950 และ 60 สัจนิยมสังคมนิยมยังคงเป็นทิศทางหลักในศิลปะโซเวียต และเช่นเดียวกับในยุค 30 และ 40 การแสดงภาพเปลือยจะต้องสอดคล้องกับหลักการ ชุดของสถานการณ์ที่อาจปรากฏโดยธรรมชาตินั้นมีจำกัด: ริมฝั่งแม่น้ำหรือทะเล โรงอาบน้ำ ฝักบัว อ่างอาบน้ำ และแน่นอนว่า สตูดิโอของศิลปิน แต่ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 40 มีหัวข้อที่หลากหลายเริ่มปรากฏในธีมเปลือย ซึ่งเห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้นในภาพวาดและกราฟิกของทศวรรษที่ 50 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในทศวรรษที่ 1960 เช่น หัวข้อ "เช้า" เห็นได้ชัดว่าเชื่อกันว่าเด็กหญิงหรือผู้หญิงชาวโซเวียตค่อนข้างสบายใจ ตื่นขึ้นมาในตอนเช้า อวดเปลือยท่อนบน หรือแม้แต่สวมชุดอะไรก็ตามที่แม่ของเธอให้กำเนิด

พ.ศ. 2493 N. Sergeeva สวัสดีตอนเช้า

พ.ศ. 2493 ซาเวียลอฟ แบบจำลองกับพื้นหลังของผ้าม่าน

พ.ศ. 2493 ในอารัคชีฟ ผู้หญิงที่นั่ง.

2493 Vl Lebedev นางแบบนู๊ด

ทศวรรษ 1950 ในมิทรีเยฟสกี เปลือย

พ.ศ. 2496 (ค.ศ. 1953) วเซโวโลด โซโลดอฟ แบบอย่าง

และตอนนี้ - ขั้นตอนการใช้น้ำ! ชายหาด โรงอาบน้ำ นักว่ายน้ำ นักอาบแดด
1950. เอ็น เอเรเมนโก บนผืนทราย

ทศวรรษ 1950 บี โชโลคอฟ. อาบน้ำ

ทศวรรษ 1950 ที เอเรมิน่า. นักว่ายน้ำ
ภาพแปลกๆหรือค่อนข้างจะเป็นชื่อของมัน ด้านขวาเป็นนักว่ายน้ำแน่นอน มีข้อสงสัยว่าใครอยู่ตรงกลางสำหรับฉันยังคงดูเหมือนว่าเป็นนักว่ายน้ำ และทางซ้ายในสายทองและด้วย ด้านล่างเปลือย- คือไม่ใช่นักว่ายน้ำแน่นอน...

และ Alexander Deineka ก็มาถึง พร้อมด้วยนางแบบสุดเซ็กซี่ของเขา เราจะไปอยู่ที่ไหนไม่ได้ถ้าไม่มีพวกเขา!
พ.ศ. 2494 A. Deineka ร่างสำหรับการวาดภาพ "Bather"

2495. A. Deineka. คนอาบน้ำ

พ.ศ. 2494 A. Deineka แบบอย่าง

2495. A. Deineka. แบบอย่าง

2496. ดีเนกา. โมเดลเอนนอน

2496. ดีเนกา. นอนกับลูกบอล
สองตัวหลังโดยเฉพาะที่ไม่มีบอลไม่ค่อยโล่งใจนัก แล้วเจ้าตัวเล็กก็ไม่มีอะไรเลย แค่ขาสั้นนิดหน่อย
2498. ดีเนกา. พี่เลี้ยงเปลือย
ภาพวาดหลายชิ้นโดยศิลปิน Andrei Goncharov
1952. อันเดรย์ กอนชารอฟ เปลือยบนพื้นหลังสีม่วง

1952. อันเดรย์ กอนชารอฟ นั่งเปลือย

พ.ศ. 2497 (ค.ศ. 1954) อ. กอนชารอฟ นอนเปลือยกับทิวลิป

พ.ศ. 2498 A. Goncharov นอนเปลือยบนสีแดง

พ.ศ. 2499 A. Goncharov เปลือยบนลายทาง

พ.ศ. 2501 อ. กอนชารอฟ นางแบบนู๊ด
และตอนนี้ก็มีแปลงต่างๆ มากมายปรากฏขึ้น โครงเรื่องของ Pimenov แม้ว่าจะเกี่ยวข้องกับการว่ายน้ำ แต่ก็ไม่ได้มาตรฐานทั้งหมด ในขณะที่ของ Glazunov เต็มไปด้วยเรื่องกามารมณ์
พ.ศ. 2498 ยูริ ปิเมนอฟ วันฤดูหนาว

พ.ศ. 2499 (ค.ศ. 1956) อิลยา กลาซูนอฟ เช้า
สตูดิโออีกสองสามรุ่นตั้งแต่ปี 1957-58 ที่หนึ่งและสามเป็นที่อิจฉาของ Deineka!
พ.ศ. 2500 อ. โอลโควิช เปลือย

2500 ไมเคิลของพระเจ้า เปลือย

พ.ศ. 2501 A. Samokhvalov เปลือย

พ.ศ. 2501 ร. โปโดเบดอฟ รุ่นนั่ง
A. Sukhorukikh นำเสนอเรื่องราวเปลือยที่หลากหลายมากยิ่งขึ้น ทั้ง "พระอาทิตย์เที่ยงคืน" และ "ยามเช้า" เต็มไปด้วยความโรแมนติก...
2501. อ. สุโขรุกข์. พระอาทิตย์เที่ยงวัน

2503. อ. สุโขรุกข์. เช้า
ฉากอาบน้ำก็ไม่ธรรมดาเช่นกัน ตรงกลางขององค์ประกอบ - ผู้หญิงหรือเด็กผู้หญิง - ไม่สามารถมองเห็นได้ด้านหลังแผ่น - ด้วยเหตุผลบางอย่างแผ่นนี้จึงปิดกั้นเด็กผู้หญิงที่ยื่นมือออกไปเพื่อเสื้อผ้า เช่น ฉันจะบล็อกคุณในขณะที่คุณแต่งตัว แต่นี่คือปริศนา: จากใคร! จากฝั่งคุณสามารถเห็นทุกสิ่งศิลปินได้แอบดู! และจากริมทะเลสาบ - เห็นได้ชัดว่าไม่มีใคร และคนอื่นๆ ก็ไม่เขินอายมากนัก คนทางขวากำลังนั่งละเลยเต็มที่... ภาพลึกลับ.
พ.ศ. 2501 เชอร์นิเชฟ ว่ายน้ำในทะเลสาบ
เช้าอีกแล้ว ใช่มันเป็นไปไม่ได้ที่จะเรียกภาพนี้ว่า "นางแบบโกหก" เธอนอนอยู่ในท่าที่ไม่สำคัญอย่างเจ็บปวดและผู้หญิงคนนั้นก็ตื่นขึ้นมาเธอก็ยืดตัว - เกิดอะไรขึ้น?
พ.ศ. 2502 แอล. แอสตาเฟียฟ เช้า

ธีมทะเลอีกแล้ว รูปทรงของ Deinekin ไม่ใช่รูปทรงของ Deinekin ที่จะมาเป็นแฟชั่นอีกต่อไป...
ภาพวาดสองภาพโดยศิลปิน Grigory Gordon การอ่านหนังสือของเด็กผู้หญิงก็เป็นโครงเรื่องยอดนิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา คุณสามารถอ่านได้ในแบบฟอร์มนี้ถ้ามันร้อน เป็นต้น
พ.ศ. 2503 ก. กอร์ดอน ผู้หญิงกับหนังสือ

พ.ศ. 2502 ก. กอร์ดอน ผู้หญิงกำลังนั่ง
ภาพวาดแนวน้ำอีกสามภาพ
พ.ศ. 2503 วลาดิมีร์ สโตซารอฟ โรงอาบน้ำ. ผู้หญิงซักผ้า

ทศวรรษ 1960 เฟดอร์ ซามูเซฟ. หลังอาบน้ำ
สตูดิโอเปลือยหลายอัน นางแบบของ Urusevsky และ Reznikova ค่อนข้างผอมอยู่แล้ว...
พ.ศ. 2503 เกนนาดี ทรอชกิน เปลือย

พ.ศ. 2503 ร. โปโดเบดอฟ นางแบบสาว

พ.ศ. 2503. อูรูเซฟสกี้ นางแบบนู๊ด

พ.ศ. 2504 Evgenia Reznikova นางแบบลิซ่า
ภาพวาดของวีรบุรุษของ V. Kholuev นั้นจดจำได้ง่าย มีบางอย่างที่เหมือนตุ๊กตาเกี่ยวกับพวกเขา เซ็ตฉากเป็นมาตรฐาน: เปลือยในสตูดิโอ ทะเล ยามเช้า
ทศวรรษ 1960 V. Kholuev. นอนเปลือย

ทศวรรษ 1960 V. Kholuev. เปลือย

ทศวรรษ 1960 V. Kholuev. กำเนิดจากท้องทะเล

ทศวรรษ 1960 V. Kholuev. เช้า

พ.ศ. 2505 V. Kholuev เปลือย
“ Spring Morning” โดย A. Sukhorukykh แม้ว่าจะรวมพล็อตทั่วไปสองเรื่องเข้าด้วยกัน - เช้าและการอาบน้ำ แต่ที่นี่ภาพเปลือยของนางเอกเป็นเรื่องรอง นี่คือ "ภาพเปลือย" ไม่ใช่เพื่อประโยชน์ของ "ภาพเปลือย" แต่เพื่อตัวมันเอง บทสนทนา.
2505. อ. สุโขรุกข์. เช้าฤดูใบไม้ผลิ
ถ้าอย่างนั้นเรามาดูกัน: สตูดิโอ ชายหาด และเด็กผู้หญิงอีกคนที่มีหนังสือ... ยุค 60 สะท้อนถึงอิสรภาพ การละทิ้งข้อห้ามมากมาย และยิ่งเราไปไกลเท่าไรก็ยิ่งรู้สึกถึงอิสรภาพมากขึ้นทั้งในแผนการและการประหารชีวิต . นอกจากนี้ยังสังเกตได้ง่ายว่าแทบจะไม่พบรูปแบบที่น่าประทับใจอีกต่อไป
พ.ศ. 2505 วลาดิเมียร์ ลาโปวอค ในการประชุมเชิงปฏิบัติการ

พ.ศ. 2505 ม. แซมสันอฟ เปลือย

พ.ศ. 2506 ส. โซโลวีฟ สาวเปลือย

พ.ศ. 2507 A. Samokhvalov บนชายหาด

พ.ศ. 2507. V. Scriabin. เปลือย

2508. อ. สุโขรุกข์. ผู้หญิงกับหนังสือ

2509. อ. สุโขรุกข์. ในสตูดิโอของศิลปิน

พ.ศ. 2508 เอ็น. ออฟชินนิคอฟ ทำนองยามเย็น

พ.ศ. 2509 โทนอฟ โรงอาบน้ำในหมู่บ้าน Titovo พี่สาวน้องสาว

1966. เทเทริน. เปลือย

พ.ศ. 2510 คาปารัชกิน ไซบีเรียน

พ.ศ. 2510 A. Sukhanov ในการประชุมเชิงปฏิบัติการ
นี่เป็นโครงเรื่องไร้สาระโดยสิ้นเชิง ซาโดมาโซคิสม์ชัดๆ ผู้ชายถูกจับได้ว่าแอบดู...
พ.ศ. 2510 A. Tarasenko การลงโทษ
ไม่ว่ายน้ำนะ แต่แค่ผ่อนคลาย เด็กผู้หญิงสวมหมวกกำลังเดินอยู่บนภูเขาและเหนื่อยล้า เปลื้องผ้าแล้วนั่งลงบนก้อนหิน...
พ.ศ. 2510 V. Chaus พักผ่อน

พ.ศ. 2511 วลาดิเมียร์ ลาโปวอค นอนหลับ

1968. เมย์ มิทูริช. เปลือย
และภาพนี้โดยทั่วไปใกล้จะถึงแล้ว ไม่ว่าจะเป็นเด็กนักเรียนหรือนักเรียนก็มาที่ธนาคารได้อย่างง่ายดายโดยที่เมื่อตัดสินจากการมีสะพานไม่เพียง แต่พวกเขาเดินเท่านั้น แต่ยังไม่ได้แต่งตัวเลยหยิบสีด้วยขาตั้งออกมา - และก็ทาสีกัน!
พ.ศ. 2512 M. Tolokonnikova บนภาพร่าง

พ.ศ. 2512 ย. รักษาชา สิงหาคม

พ.ศ. 2512 ย. รักษาชา ฝัน
ไม่ใช่ที่สุด เวลาที่เลวร้ายสำหรับฉันแล้ว ดูเหมือนว่านี่คือช่วงปี 1960...

ตลอดระยะเวลาที่วิจิตรศิลป์ดำรงอยู่ ภาพเปลือยก็เป็นสถานที่พิเศษในนั้น สิ่งนี้เกิดขึ้นได้จากหลายสาเหตุ ซึ่งเราจะระบุในบทความต่อไป เป็นการเน้นย้ำทันทีว่าภาพวาดที่มีชื่อเสียง ศิลปินโซเวียต- ชื่อของศิลปินบางคนอาจคุ้นเคยกับคุณ แต่คนอื่นๆ อาจกลายเป็นชื่อที่คุณค้นพบอย่างแท้จริง และคุณจะต้องการรู้จักผลงานของพวกเขาให้ดียิ่งขึ้น

ยูริ Raksha - ความฝัน

ภาพเขียนเปลือยก็เหมือนกับงานประติมากรรมที่มีอยู่ตลอดเวลาและในเกือบทุกประเทศ เนื่องจากรูปภาพประเภทนี้เป็นพื้นฐานในทางปฏิบัติ ศิลปินคนใดย่อมรู้ดีว่าภาพนั้น ภาพเปลือยเป็นพื้นฐานในการศึกษาโครงสร้างของมนุษย์ ก่อนที่จะเรียนรู้วิธีวาดภาพบุคคลในเสื้อผ้าอย่างถูกต้อง ในรูปแบบ ท่าทาง และฉากใด ๆ คุณต้องเรียนรู้วิธีการวาดภาพเขาให้เปลือยเปล่าโดยสมบูรณ์ ในระหว่างกระบวนการนี้ ศิลปินผู้มุ่งมั่นจะเรียนรู้ที่จะพรรณนาสัดส่วนของร่างกายมนุษย์อย่างถูกต้อง รวมถึงส่วนต่างๆ และความแตกต่างเล็กๆ น้อยๆ ของมัน

Zinaida Serebryakova - อาบน้ำ

ตรงกันข้ามกับคำตัดสินของผู้ที่วาดภาพไว้เท่านั้น ภาพที่สวยงามภาพเปลือยไม่ได้ถูกสร้างขึ้นเลยเพื่อกระตุ้นความปรารถนาอันต่ำต้อยของบุคคล ภาพวาดดังกล่าวเป็นตัวแทนหรือเชิดชูความงาม ร่างกายมนุษย์, ความสมบูรณ์แบบ , การสร้างสรรค์ที่ไม่ธรรมดาของธรรมชาติหรือ พลังที่สูงกว่า- บ่อยครั้งที่ศิลปินพรรณนาตัวละครของตนเปลือยเปล่าเพื่อแสดงความเป็นธรรมชาติและความเป็นธรรมชาติ ความเป็นธรรมชาติ หรือแม้แต่โลกอันศักดิ์สิทธิ์ จะสังเกตเห็นเอฟเฟกต์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งมีนัยสำคัญน้อยกว่าหากสวมตัวละครตัวเดียวกัน เสื้อผ้าสวย ๆเนื่องจากวัตถุที่ถูกสร้างขึ้นด้วยมือของมนุษย์ฉีกตัวละครออกจากความเป็นธรรมชาติ

อเล็กซานเดอร์ ดีเนกา - บาเทอร์ส

ภาพเปลือยก็มีอยู่ในศิลปินเช่นกัน ยุคโซเวียต- ในช่วงสหภาพโซเวียต ศิลปินยังสร้างภาพวาดกับผู้หญิงเปลือยและไม่เคยถือว่าหยาบคายเนื่องจากในระดับมืออาชีพจริงจังและ ศิลปะชั้นสูงนี่เป็นที่ยอมรับได้ยาก เมื่อสร้างภาพ ศิลปินจะกำหนดแนวคิดที่บริสุทธิ์และลึกซึ้งมากกว่าการสนองความปรารถนาของผู้ชมที่จะเห็นสิ่งที่ต้องห้าม ที่นี่ คุณจะเห็นชุดผลงานของศิลปินโซเวียตเพื่อชื่นชมความสามารถและความเป็นมืออาชีพของจิตรกรในอดีตที่ผ่านมา

อเล็กซานเดอร์ เกราซิมอฟ - โซเวียต ห้องอาบน้ำสาธารณะ A. Zavyalov - แบบจำลองกับพื้นหลังของผ้าม่าน
A. Olkhovich - เปลือย Alexander Samokhvalov - เปลือย

อเล็กซานเดอร์ ดีเนกา – นางแบบ V. Arakcheev - ผู้หญิงนั่ง Vladimir Stozharov - โรงอาบน้ำ ผู้หญิงซักผ้า ไมเคิล โบจี – เปลือย อิลยา มาชคอฟ - เปลือย

มันกลายเป็นสิ่งใหม่พร้อมรูปภาพ:

ความคิดเห็น
"ฉันจะติดยาเสพติด:
*นักจินตนาการสามารถเป็นช่างฝีมือที่มีจิตวิญญาณและสมบูรณ์แบบได้ เช่น นกแก้ว แต่ทั้งสองก็ไม่สามารถนามธรรมตัวเองจากธรรมชาติได้*
สำหรับฉันที่นี่ดูเหมือนว่ามีจุดละเอียดอ่อนจุดหนึ่ง... อะไรที่เรียกว่า "ใจดี"?
ฉันจำคำกล่าวของ Nabokov ได้ (ฉันจะไม่อ้างอิงตอนนี้ แต่ ความหมายทั่วไป)... ลองจินตนาการว่ามีคนสามคนสังเกตเห็น "ธรรมชาติ" บางอย่าง - เช่นภูมิทัศน์ในชนบท - ชาวเมืองที่มาเยือนซึ่งเกือบจะได้เห็นหญ้าและต้นไม้ที่มีชีวิตเป็นครั้งแรกชาวนาในท้องถิ่นที่เติบโตมา สถานที่เหล่านี้ ทำงานบนบก เก็บเห็ดในป่าที่เขารู้จัก เป็นต้น
และนักวิทยาศาสตร์ธรรมชาติวิทยาผู้ชำนาญเรื่องธรรมชาติซึ่งทุ่งหญ้าหรือป่าไม้เป็นชุมชนทางชีววิทยาที่แตกต่างกันมากโดยเขาเห็นพืช แมลง สัตว์เฉพาะต่าง ๆ มากมาย แต่เขาไม่เพียงมองเห็นพวกมันเท่านั้น แต่ยังมองเห็นอีกมากมาย การเชื่อมต่อที่ซับซ้อนมากชาวเมืองหรือชาวนาไม่รู้จัก...
ดูเหมือนว่าเรามีความจริงธรรมชาติธรรมชาติเดียวกันต่อหน้าเรา แต่ในความเป็นจริง "ความจริง" ดังกล่าวเป็นสิ่งที่เป็นนามธรรม... ขึ้นอยู่กับระดับของการดื่มด่ำความเอาใจใส่ความรู้ - สำหรับแต่ละคนสิ่งเหล่านี้เป็นความเป็นจริงที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงและความเหมือนกันของพวกเขา ไม่ขยายความแบบเดิมๆ ออกไปอีก เช่น “หญ้ายังเขียว” “มีใบไม้อยู่บนต้นไม้”...
และศิลปินยังมองเห็น "ธรรมชาติ" ด้วยสายตาที่แตกต่างไปจากคนทั่วไปอย่างสิ้นเชิง (ในที่นี้ ฉันจะเขียนตัวเองอย่างใจเย็นว่าเป็นหนึ่งในนั้น - ฉันต้องจัดการกับสิ่งนี้มากกว่าหนึ่งครั้ง ประสบการณ์ส่วนตัวศิลปินมองเห็นรายละเอียดและละเอียดอ่อนได้มากเพียงใด) - เขาสังเกตเห็นและเน้นย้ำอย่างมากในรูปแบบและสี และอย่างแม่นยำในการหักเหของแสง ที่เป็นรูปธรรมและเฉพาะบุคคล ซึ่งจำเป็นสำหรับงานศิลปะของเขา...
เหล่านั้น. แนวคิดเรื่อง "ธรรมชาติ" สำหรับฉันดูเหมือนเปราะบางมากในความหมายปกติที่ใส่เข้าไป..."

คำตอบ.
I. ศิลปินวิจิตรศิลป์
พิจารณาตัวอย่างของ Nabokov ตัวเลือกต่างๆการตีความธรรมชาติขึ้นอยู่กับชนิดของการสังเกตและความคิดที่เกิดขึ้นในบุคคลใดบุคคลหนึ่ง
หากเรามองให้กว้างมากขึ้น การตีความธรรมชาติก็คือการสะท้อนของศิลปินในผลงานของเขา ภาพสะท้อนในที่ บทบาทหลักอารมณ์ การสังเกต และแนวคิดในการเล่นของศิลปิน แต่บทบาทนี้สามารถเล่นได้ในสองทิศทางที่ตรงกันข้ามกัน
สิ่งที่ดีที่สุดของพวกเขาเกิดขึ้น การตอบสนองทางอารมณ์เกี่ยวกับธรรมชาติบางอย่างหรือการสังเกตคุณสมบัติบางอย่างอย่างเฉียบแหลม และที่นี่ เราได้รับการตีความธรรมชาติที่มีชีวิต (อิมเพรสชั่นนิสต์ และอีกนัยหนึ่งก็คือ จิตรกรสัตว์ดีๆ)
ในอีกแง่หนึ่ง ที่แย่กว่านั้น การตีความกลายเป็นการตอบสนองต่อแรงจูงใจตามธรรมชาติต่ออารมณ์บางอย่างหรือต่อความคิดที่มีอยู่ในหัวของศิลปิน พวกเขาพูดเกี่ยวกับภาพวาดดังกล่าว: "พวกเขาไม่ได้วาดภาพ แต่มาจากความคิด" หรือพวกเขาเรียกมันว่าเป็นการเลียนแบบ เป็นตัวอย่าง หรือวรรณกรรม ตัวอย่าง: โรแมนติกเยอรมัน, รัสเซีย Peredvizhniki, นักสัญลักษณ์ชาวฝรั่งเศส ฯลฯ อย่างไรก็ตาม ในบางกรณี การวาดภาพ "โดยการเป็นตัวแทน" อาจไม่สามารถอธิบายได้ แต่มีความโน้มเอียงอยู่ในตัวมันเอง ซึ่งเป็นเทคนิคบางอย่างทั้งหมด ตัวอย่างเช่น pointillists (Seurat, Signac) ซึ่งต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เริ่มการทดลองโดยบันทึกช่วงเวลาที่มีชีวิตของการรับรู้ทางแสงของธรรมชาติในไม่ช้าก็กลายเป็นตัวประกันของวิธีการที่พัฒนาขึ้น

เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะทราบว่าภาพประกอบมีความเหมาะสมและสมเหตุสมผลอย่างสมบูรณ์ภายในประเภทของภาพประกอบ ซึ่งเรายินดีที่ได้เห็นในโพสต์จำนวนหนึ่งจากเรือนเพาะชำ กราฟิกหนังสือ- แต่ศิลปินบางคนที่มีแนวโน้มจะเพิ่มความคมชัดในคุณภาพการตกแต่งในการจัดองค์ประกอบภาพ ก็ได้เขย่าขอบเขตของแนวเพลงและนำการจัดองค์ประกอบภาพบางส่วนเข้าสู่ขอบเขตของงานภาพนามธรรมและงานพลาสติก ซึ่งอยู่นอกเหนือการตีความจากธรรมชาติใดๆ
สองตัวอย่างนี้:

ทาเทียนา มาฟรินา. รอสตอฟ. 1965
(ทำซ้ำจากบันทึกสดของ O. Bukharov)

เลฟ บัคสท์. ภาพเหมือนของ Vaslav Nijinsky ในบทบาทของ faun (ในภาพยนตร์ออกแบบท่าเต้น " พักผ่อนยามบ่าย Faun" กับเพลงของ Claude Debussy) พ.ศ. 2455
Wadsworth Atheneum, ฮาร์ตฟอร์ด

แม้ว่าพูดอย่างเคร่งครัดทั้ง Mavrina และ Bakst ไม่เคยย้ายเข้าสู่สาขาการวาดภาพด้วยขาตั้งเช่นนี้ การเปลี่ยนแปลงนี้อาจไม่สอดคล้องกับพรสวรรค์ของพวกเขาสำหรับความคิดสร้างสรรค์ประยุกต์

ครั้งที่สอง
แต่ลองกลับไปที่จุดเริ่มต้นกัน ศิลปินเป็นได้มากกว่าแค่ “นักวาดภาพ” ไม่เพียงสะท้อน (ตีความ) ธรรมชาติไม่ทางใดก็ทางหนึ่งเท่านั้น บางคนสามารถจัดการได้อย่างอิสระและทำให้ธีมของงานไม่ใช่ธรรมชาติ แต่เป็นสิ่งที่สำคัญกว่า ผ่านการเสียรูปและการเปลี่ยนแปลงของรูปแบบวัตถุที่มองเห็นได้ตามธรรมชาติ

การเสียรูปของรูปร่างของวัตถุไม่ใช่วิธีการตีความหรือทำให้ข้อมูลจำเพาะของวัตถุคมขึ้น แต่เป็นเครื่องมือในการแสดงเนื้อหาที่เป็นธรรมชาติเป็นพิเศษผ่านธรรมชาติ ซึ่งเป็นสิ่งที่ไม่สามารถถ่ายทอดได้ด้วยวิถีทางธรรมชาติเลย โดยพื้นฐานแล้วเนื้อหาเหล่านี้เป็นสิ่งที่มีลำดับทางปรัชญา: ธรรมชาติและการกระทำ จิตสำนึกของมนุษย์กระแสแห่งชีวิตที่ไม่ธรรมดา ซึ่งเรียกว่าการเป็น... ศิลปินบางคน "ประสบความสำเร็จ" อย่างมาก แสดงให้เห็นสิ่งเหล่านี้ทั้งหมดในภาษาของรูปแบบวัตถุประสงค์ ศิลปินคนอื่นๆ ที่มีความยากลำบากมากกว่ามาก พยายามสร้างสิ่งเหล่านี้ขึ้นมาใหม่ทุกครั้งโดยใช้ภาษาที่เกือบจะเหมือนกันของรูปแบบวัตถุประสงค์

เรื่องราว จิตรกรรมยุโรปมี อาจกล่าวได้ว่า โรงเรียนคลาสสิกการสร้างปรัชญาดังกล่าวใน ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ: ศิลปะแห่งไอคอน โรงเรียนแห่งนี้ได้พัฒนาหลักการจัดองค์ประกอบฉากในพันธสัญญาใหม่และพันธสัญญาเดิม ซึ่งโดยทั่วไปแล้ว รูปแบบที่เป็นรูปธรรม ผ่านการดัดแปลงและการเปลี่ยนแปลงบางส่วน (ไม่บังคับเหมือนของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม) กลายเป็นการแสดงออกของทั้งสิ่งที่มองเห็นและมองไม่เห็น โลกสัญลักษณ์ แต่โรงเรียนที่ยอดเยี่ยมแห่งนี้ไม่ได้หนีจาก “บาปแห่งการวาดภาพประกอบ” ยิ่งมีการนำหลักปฏิบัติมาปฏิบัติอย่างมั่นคงมากขึ้น แนวทางปฏิบัตินี้มีแนวโน้มที่จะเลียนแบบภายนอกตัวอย่างเฉพาะของการแสดงหลักปฏิบัตินี้มากขึ้นเท่านั้น (นี่ก็เหมือนกับว่านักดนตรีได้รับคำสั่งให้เล่น เช่น Bach เฉพาะในการตีความของ Gould และ โชแปง - ในการตีความของ Horowitz แม้ว่าจะเป็นที่เข้าใจได้ว่าหลักการเป็นเพียงโน้ตและดนตรีทั้งหมดก็อยู่ที่ไหนสักแห่ง "ระหว่างโน้ต") นอกจากนี้พล็อตของไอคอนใด ๆ ใน จิตสำนึกธรรมดาถูกมองว่าเป็นตัวอย่างของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ และแม้แต่นักบวชเองก็ไม่รังเกียจที่จะเรียกไอคอนเหล่านี้ว่า "หนังสือสำหรับผู้ไม่รู้หนังสือ" ดังนั้นการวาดภาพ "เหมือน Rublev" หรือ "เหมือน Dionysius" มีแต่ทำให้ทัศนคติเชิงอธิบายต่อรูปแบบบัญญัติแย่ลงเท่านั้นและมีส่วนทำให้การวาดภาพไอคอนเสื่อมลง

อย่างไรก็ตามก็มี จุดที่ทราบมองว่าไอคอนไม่ใช่งานศิลปะเลย ดังนั้นให้พิจารณาตัวอย่าง งานสร้างสรรค์สำหรับจิตรกรที่มีรูปแบบวัตถุประสงค์ อย่าเริ่มต้นด้วยไอคอน แต่เริ่มต้นที่ผลงานของปรมาจารย์ที่ใกล้ชิดกับงานศิลปะชิ้นนี้อย่าง El Greco

เอล เกรโก. ยอห์นผู้ให้บัพติศมา ตกลง. 1600
พิพิธภัณฑ์พุชกิน

เมื่อข้าพเจ้าบรรยายงานนี้ครั้งหนึ่ง ข้าพเจ้าสนใจขาของยอห์นผู้ให้บัพติศมา หากมองดูจะเห็นว่าขาเหล่านั้น "เอน" ไปทางขวาอย่างชัดเจน และในเวลาเดียวกันเนื้อตัวก็มีความมั่นคงและเป็นอนุสรณ์ - ตั้งอยู่ตามแกนกลางของช่องรูปภาพและจารึกไว้ในวงกลมของท้องฟ้าที่เปิดจากเมฆ (ทางซ้าย - เกือบถูกต้องทางเรขาคณิต) กลุ่มเมฆอัดแน่นขึ้นมาจากด้านขวาและ "หนุน" เนื้อตัวของจอห์นไว้ ทำให้ "เอียง" ของร่างไปทางขวาสมดุล ดูเหมือนว่าจะ "ดัน" ไหล่ของจอห์นออกและโน้มตัวไปทางซ้ายอย่างยืดหยุ่น ทำการชดเชยนี้ให้เสร็จสิ้น และการเคลื่อนไหวที่ยืดหยุ่นและทรงพลังของเมฆ แสงและเสียงสะท้อนที่เปลี่ยนไป เป็นการเอียงศีรษะของจอห์นไปทางซ้ายอย่างอิสระ

ระดับการเปลี่ยนแปลงของขาของ John นั้นสูงสุดเมื่อเทียบกับรายละเอียดอื่นๆ ทั้งหมดของภาพนี้ และการเปลี่ยนแปลงนี้เป็นหนึ่งในการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดที่ฉันเคยเห็นในการวาดภาพโดยสัมพันธ์กับรูปแบบของวัตถุตามธรรมชาติที่แสดง ข้อความนี้แสดงให้เห็นแก่นแท้ของยอห์นผู้ให้บัพติศมาอย่างชัดเจน และความจริงที่ว่ามันไม่ใช่ขาที่รองรับลำตัว แต่ในทางกลับกันลำตัวให้ความมั่นคงและความยิ่งใหญ่แก่ร่างทั้งหมดของจอห์น - นี่เป็นการแสดงออกถึงความคิด ภาพนี้- จอห์นชายคนนั้นผ่านไปแล้วจริงๆ การเดินทางที่เหลือเชื่อจากเก่าถึงพันธสัญญาใหม่ เส้นทางที่ไม่สามารถสำรวจได้ในทางโลกและเป็นธรรมชาติ นั่นคือด้วยขาตามธรรมชาติ ดังนั้นรูปแบบวัตถุประสงค์ของพวกเขาจึงเกิดการเสียรูปที่น่าทึ่งและแปลกประหลาดเมื่อมองแวบแรก ดังนั้นร่างของยอห์นผู้ให้บัพติศมาจึงไม่ได้วางอยู่บนเท้าและพื้นดิน แต่ได้รับความมั่นคงของทรัพย์สินที่ผิดธรรมชาติและแปลกประหลาดซึ่งเปิดเผยกับพื้นหลังของท้องฟ้าและเล็ดลอดออกมาจากนั้น
การตัดสินใจครั้งนี้เผยให้เห็นทั้งอิสรภาพในการสร้างสรรค์ของ El Greco และวิธีคิดส่วนบุคคลของเขาโดยสมบูรณ์: ไม่มีใครเขียนแบบนั้นไม่ว่าก่อนหรือหลัง - ท้ายที่สุดมันใกล้จะอัปลักษณ์แล้ว!
เพื่อไม่ให้ทำให้คุณเบื่อ แค่อีกสองตัวอย่างเท่านั้น

อเมเดโอ โมดิเกลียนี่. ภาพเหมือนของการรอดชีวิตของเลียวโปลด์ พ.ศ. 2461
อืม 61.5x46. พิพิธภัณฑ์ Athenaeum, เฮลซิงกิ

นี่คือศิลปินที่เป็นธรรมชาติที่จะเคลื่อนไหวหลังจาก El Greco - Modigliani นอกจากนี้เขายังเป็นปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่ไม่ใช่นักตีความ แต่เป็นผู้เชี่ยวชาญในการเปลี่ยนแปลงธรรมชาติ และเช่นเดียวกับบรรพบุรุษของชาวเครตัน-สเปน เขาชอบที่จะยืดรูปแบบแนวตั้ง แล้วเส้นที่ลากยาวขนาดนั้น! นี่ไม่ใช่ความอยาก "เพื่อสิ่งประเสริฐ" ที่แสดงออกมาในท่าทาง แต่ท่าทางนั้นไม่ได้พูดอะไรเลย แต่ด้วยพลังแห่งรูปแบบทั้งหมด ความอยากในสิ่งเหนือธรรมชาติจึงเกิดขึ้นที่นี่ และการที่สีใบหน้าและลำคอที่อบอุ่นและเกือบจะร้อนดังกระหึ่มในสภาพแวดล้อมที่หนาวเย็นอย่างสีดำ น้ำเงิน และเทา-น้ำเงิน นำภาพของศิลปินที่วาดภาพจากสภาวะสงบสุขภายนอกของชีวิตประจำวันทางโลกไปสู่พื้นที่แห่งลางสังหรณ์ เต็มไปด้วยความตึงเครียดที่ขัดแย้งกัน

มีเพียงรายละเอียดเดียวเท่านั้นที่ทำให้เรานึกถึงเทคนิคการแสดงสัญลักษณ์แบบผิวเผิน: แนวคิดของดวงตาที่ไม่มีรูม่านตา Modigliani พัฒนาแนวคิดนี้อย่างต่อเนื่อง ชุดค่าผสมที่แตกต่างกันและเห็นได้ชัดว่าสำหรับภาพวาดของเขามันไม่ใช่องค์ประกอบที่ยืมมา แต่เป็นเครื่องประดับออร์แกนิกบางชนิด อย่างไรก็ตาม มีจิตรกรคนหนึ่งที่เบือนหน้าหนีโดยพื้นฐานจากความเป็นไปได้เล็กๆ น้อยๆ ของการรับรู้รูปแบบภาพที่คลุมเครือ ศิลปินที่ "ต่อต้านการวาดภาพ" คนนี้คือ Cezanne

ผ่านไปตั้งแต่ต้นแล้ว เส้นทางที่สร้างสรรค์ส่วนของการเบี่ยงเบนบางส่วนในพื้นที่ของการตีความเชิงสัญลักษณ์ของรูปแบบหัวเรื่อง (“ Overture to Tannhäuser” ดู :) ใน ปีที่เป็นผู้ใหญ่เขามุ่งความสนใจไปที่การเปิดเผยชีวิตภายในตามธรรมชาติของสิ่งที่เรามักเรียกว่าธรรมชาติ: ภูมิทัศน์ บุคคล วัตถุ และพระองค์ทรงเปิดเผยชีวิตภายในนี้ด้วยวิธีที่ยากและตรงไปตรงมาที่สุด โดยผสมผสานสีบนผ้าใบตามความเป็นจริงตามที่ตาเห็นในธรรมชาติ แต่ความจริงของเรื่องนี้ก็คือดวงตาของ Cezanne สามารถขจัดสิ่งแปลกปลอมทั้งหมดที่รูปลักษณ์ธรรมดานำมาสู่ธรรมชาติออกไปจากขอบเขตการมองเห็น ความเฉื่อยทั้งหมดของการรับรู้ในชีวิตประจำวัน

เซซาน. ลูกพีชและลูกแพร์ ตกลง. พ.ศ. 2438
อืม 61x90. พิพิธภัณฑ์พุชกิน

การสอนนักเรียน ศิลปะคลาสสิกนักการศึกษาได้สนับสนุนให้ศิลปินทำงานจากชีวิตมายาวนาน ในโลกตะวันตกของเรา พวกเขาไม่รู้ว่ามันเป็นอย่างไรในเอเชีย แต่ฉันคิดว่ามันเหมือนกัน
นักเรียนเรียนรู้การวาด ระบายสี และปั้นโดยการสังเกตวัตถุ แบบจำลอง และฉากที่พวกเขาเห็น "มีชีวิต" อย่างไรก็ตาม การทำงานจากชีวิตไม่ได้ถูกกำหนดไว้

ปัจจุบัน ศิลปินหลายคนใช้รูปถ่าย และที่นี่เราเหยียบบนพื้นลื่น หากคุณพึ่งพาภาพถ่ายเพียงอย่างเดียว คุณสามารถใช้เวลาสร้างโลกทัศน์ของกล้องขึ้นมาใหม่ได้ ไม่ใช่แค่มนุษย์ ปัจเจกบุคคล หรือต้นฉบับของคุณเอง พูดง่ายๆ ก็คือว่าอะไรคือเสาหลักแห่งศิลปะ

1. ผู้คนไม่ได้มองโลกเหมือนที่กล้องมอง

กล้องสามารถจับรายละเอียดได้อย่างสมบูรณ์ในเสี้ยววินาที แต่ภาพถ่ายขาดความลึก
ตัวอย่างเช่น ในภาพด้านล่าง ตั้งแต่ดอกไม้ในส่วนโฟร์กราวด์ไปจนถึงกระเบื้องในแบ็คกราวด์ องค์ประกอบทั้งหมดของฉากจะอยู่ในโฟกัสพร้อมกัน

เราพูดได้แค่ว่าวัตถุบางอย่างอยู่ข้างหลังวัตถุอื่น ต้นไม้และพุ่มไม้ไม่ปรากฏเป็นสามมิติ พวกเขาดูเหมือน ตัวเลขแบนด้วยลวดลายใบไม้ หากคุณอยู่ในบ้านตอนนี้ ให้ไปที่หน้าต่างแล้วดูว่า หากคุณกำลังอ่านหนังสือจากหน้าจอในสวนสาธารณะ ก็ทำเช่นเดียวกัน ดูต้นไม้สิ.. คุณเห็นลำต้นทรงกลมขนาดใหญ่ กิ่งก้านแผ่กระจายไปทั่วพื้นที่ขนาดใหญ่ และยังเน้นความลึกของท้องฟ้าด้วยซ้ำ
ซึ่งหมายความว่าเราเหนือกว่ากล้องในแง่ของการรับรู้เชิงลึก - เป็นสามมิติสำหรับเราและเป็นสองมิติสำหรับกล้อง

2 และนี่คือความสามารถอย่างหนึ่งของเราที่มีบทบาท หรือมากกว่านั้นคือไม่มีอยู่จริง: เราไม่สามารถเพ่งความสนใจไปที่สิ่งใดสิ่งหนึ่งได้มากกว่าหนึ่งสิ่งในแต่ละครั้ง ดังนั้น เพื่อที่จะมองเห็นแต่ละองค์ประกอบ เราจึงต้องขยับสายตา

คอนเสิร์ตคาเฟ่ของ Edgar Degas ที่ Les Ambassadeurs (1876-1877) ดูว่าเขาจัดการระดับความสนใจในท่าทางที่เป็นธรรมชาติได้อย่างไร

ความสนใจของเขามุ่งเน้นไปที่ใบหน้าและ มือขวานักร้อง ร่างอื่นๆ ทั้งหมดถูกวาดด้วยขอบที่นุ่มนวลและลดคอนทราสต์ลง

ปรากฎว่าเราอ่านแผนแรกได้ชัดเจนและคมชัด ส่วนอย่างอื่นก็นุ่มนวลและเบลอเล็กน้อยแม้ว่าเราจะไม่เคยตระหนักก็ตาม เมื่อปรมาจารย์วาดภาพจากชีวิต เขาไม่ได้เน้นรูปทรงของพื้นหลังด้วยเส้นแข็ง

นี่คือสิ่งที่ดูเหมือนจากภาพถ่าย เพิ่มผู้คนในพื้นหลังแล้ว

มิเคเล่ เดล กัมโป. ใช้งานได้ทั้งจากการถ่ายภาพและจากธรรมชาติ (บ่อยน้อยกว่ามาก😊 ). เขาได้รับรางวัลทางศิลปะมากมาย รวมถึงรางวัล BMW Prize ประจำปี 2549 ซึ่งนำเสนอโดยสมเด็จพระราชินีโซเฟียแห่งสเปน

มิเคเล่ เดล กัมโป

3. เราสามารถศึกษาฉากที่มีเงาและแสงสว่าง และมองเห็นทุกสิ่งในแสงที่เหมาะสมได้ด้วยการเคลื่อนไหวของดวงตา และนี่เป็นสิ่งสำคัญมาก
ในทางกลับกัน กล้องจะเลือกค่ารับแสงที่เหมาะสมเพียงพอสำหรับทั้งฉาก เป็นผลให้สิ่งต่าง ๆ บิดเบี้ยวอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้มืดเกินไปหรือสว่างเกินไป ศิลปินที่ทำงานเกี่ยวกับภาพถ่ายมักจะคัดลอกข้อบกพร่องนี้ และถือว่างานของพวกเขาเป็นภาพถ่ายโชคไม่ดี นี่ก็ชัดเจนทันที

Megan Boody เป็นศิลปินชาวอเมริกัน ทำงานจากภาพถ่ายที่ปรับแต่งด้วยระบบดิจิทัลเป็นหลัก 2552

ในการถ่ายภาพ ความบิดเบี้ยวของเลนส์โดยทั่วไปเป็นผลมาจากมุมมองที่คงที่ของกล้องและความใกล้ชิดกับวัตถุ
ยืนอยู่ที่เดียวกัน ชีวิตจริงเราไม่เห็นมันเป็นอย่างนั้น ดวงตาที่เคลื่อนไหวอยู่ตลอดเวลาของเรามองเห็นวัตถุขนาดใหญ่และรูปร่างเป็นชิ้น ๆ แทนที่จะเป็นภาพรวมทั้งหมด

4. เราสแกนภาพ โฟกัสและปรับโฟกัสหลายครั้ง และเมื่อแต่ละพื้นที่ใหม่ได้รับการโฟกัส พื้นที่ก่อนหน้าจะกลับกลายเป็นการมองเห็นบริเวณรอบข้างที่พร่ามัว
สมองของเราเชื่อมโยงมุมมองมากมายเหล่านี้เข้าด้วยกันเป็นองค์เดียวที่ชาญฉลาด

สำหรับเรา เมื่อมองดูม้าที่มีชีวิต จะไม่มีครึ่งหน้าใหญ่และหลังเล็ก และศิลปินจะไม่วาดภาพแบบนั้น มันจะแสดงดังนี้: