(!LANG : ภาพวาดสุดแปลก ศิลปะสุดตะลึง : ภาพวาดที่ “ฉีกสมอง” ภาพวาดที่ชวนให้คิด

ปริศนาและความลึก ความหมายเชิงปรัชญา- ผู้ชมสามารถพูดคุยเกี่ยวกับภาพวาดได้อย่างไร? ทุกคนมีคำตอบของตัวเอง Yaroslav Kudryashov ศิลปิน Zheleznogorsk ทำให้คุณคิดด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเขา นิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกของเขาเปิดในเมืองแห่งคนงานเหมือง มันแสดงภาพวาด ปีที่ผ่านมา- งานไม่ใช่เรื่องง่าย ทุกจังหวะเป็นการเอาชนะความเจ็บป่วยที่พันธนาการร่างกาย แต่ไม่ใช่ความคิดสร้างสรรค์ ศิลปินฝากข้อความลับอะไรไว้บนผืนผ้าใบของเขา?

Yaroslav Kudryashov ศิลปิน: “ฉันอยากให้ภาพวาดเหล่านี้ดึงบุคคลออกจากสภาวะนั้น และฉันก็รับรู้ถึงสิ่งเหล่านั้นด้วยตัวฉันเอง”

ทุกเซนติเมตรมีความหมายมากมาย - ของผู้แต่งและส่วนบุคคลล้วนๆ - ของผู้ฟัง นี่คือร่างของผู้หญิงบนถนนร้าง เป็นเวลาพลบค่ำทั่วบริเวณ และมีเพียงจุดจอดเท่านั้นที่จะทำให้คุณมองไม่เห็นแสงอันน่าพิศวง เข้าไปและยอมจำนนต่อสิ่งล่อใจ? แต่มีบางอย่างบอกคุณ: ไม่กี่ก้าวแล้วเส้นทางของคุณจะสิ้นสุด

Yaroslav Kudryashov: “หยุดได้ เดินผ่านได้ โดยถูกแสงนี้ดึงดูด ชื่อดั้งเดิมของภาพวาดคือ “แสงนั้น” แต่ฉันคิดว่ามันจะมืดเกินไป”

"ผู้สังเกตการณ์". โกรธไม่แยแส มีหลายคนและคุณอยู่คนเดียวกับพวกเขา และนี่คือตัวเลขสามตัวพร้อมกัน แต่พวกเขาก็ดูเหมือนหลงอยู่ในป่าอันเงียบสงบเช่นกัน ผู้เขียนชอบแสงสว่างและกลางคืน นี่คือ "แมวข้างนอก" รั้วสูงที่แยกชีวิตออกจากความฝัน Yaroslav Kudryashov เป็นปรมาจารย์แห่งความสันโดษ โลกนี้เกือบจะเป็นเทพนิยาย ชายผู้นั้นสูญเสียมันไปในกิจวัตรประจำวันของเขา ทะเลสงบที่ไร้สายตามนุษย์ และเลือกเวลาพิเศษ - "หลังเที่ยงคืน"

Yaroslav Kudryashov: “ อาจเป็นเหมือนคนกลางสำหรับบุคคล เพราะคนมักจะทำงานเสร็จหลังเที่ยงคืน พวกเขาปิดคอมพิวเตอร์ กลับบ้าน กินข้าว และหลังเที่ยงคืน... ไม่ว่าในกรณีใด ฉันกำหนดให้มันเป็นเวลาที่ศักดิ์สิทธิ์ที่สุด”

ยาโรสลาฟไม่ค่อยออกจากบ้าน ดังนั้นภาพวาดของเขาจึงถูกส่งผ่านไปยังโลกที่เราอาศัยอยู่แต่กลับมองเห็นได้น้อย และเรารู้สึกซาบซึ้งน้อยลงด้วยซ้ำ เป็นวันที่สดใส เป็นที่ต้องการและไม่สามารถใช้ได้สำหรับผู้ที่ติดอยู่ มันร้อนไปทั่ว และคุณสัมผัสได้ถึงความหนาวเย็นจากเงามืดที่ไม่มีที่สิ้นสุดของบาร์ และนี่ก็เป็นกรงบันไดด้วย ประตูที่ไม่ต้อนรับ คุณมองดูพวกเขาแล้วเข้าใจ: พวกเขาไม่ใช่ผู้พิทักษ์ แต่เป็นผู้พิทักษ์ งานแต่ละชิ้นของ Yaroslav นั้นเป็นหนังสือที่ไม่มีที่สิ้นสุด แวบเดียว - หน้าใหม่

Yaroslav Kudryashov: “เนื่องจากสภาพร่างกายของฉัน ฉันจึงทำอะไรไม่ได้มาก ฉันไม่ทำงานหนึ่งชั่วโมงครึ่งทุกวัน ส่วนใหญ่ครั้งละหนึ่งชั่วโมง ความคิดสร้างสรรค์มากมาย ฉันหมายถึงฉันทำงานหนึ่งชั่วโมงครึ่งชั่วโมงเมื่อมีเรื่องร้ายแรงเกิดขึ้น แต่เวลาที่เหลือฉันก็คิดว่าจะทำอย่างไร และเมื่อฉันไปทำงาน ฉันก็ไม่ต้องนั่งอีกต่อไป ฉันรู้ว่าต้องทำอะไร”

ทาราส สเตปาเนนโก

หอศิลป์ Tretyakov เป็นที่สุด พิพิธภัณฑ์ขนาดใหญ่ภาพวาดรัสเซียในโลก ประวัติความเป็นมาของมันเริ่มต้นด้วย ของสะสมส่วนตัวพาเวล เทรทยาคอฟ.

ศิลปินใฝ่ฝันว่าเขาคือผู้ที่จะซื้อผลงานของพวกเขาแม้ว่า Tretyakov จะไม่เต็มใจที่จะจ่ายเงินจำนวนมากเสมอไปก็ตาม หลายคนหลงใหลในตัวผู้ใจบุญคนนี้ด้วยบุคลิกที่ถ่อมตัวและมุมมองที่เป็นประชาธิปไตย

เมื่อ Tretyakov บริจาคแกลเลอรีของเขาให้กับมอสโก อเล็กซานเดอร์ที่ 3ให้เขา ชื่ออันสูงส่ง- แต่พาเวลมิคาอิโลวิชปฏิเสธโดยคิดว่าตัวเองไม่คู่ควร!

รสชาติของมันก็พิเศษเช่นกัน เขาอยากเห็นความจริงใจ ความจริงใจ ในภาพ เขาละเลยงานวิชาการและงานเสแสร้งที่สร้างขึ้นโดยมีจุดประสงค์เพื่อสร้างความประทับใจให้กับสาธารณชน

ดังนั้นผลงานหลายชิ้นที่เขาซื้อจึงยืนหยัดผ่านการทดสอบของกาลเวลาและได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอก ฉันจะบอกคุณเกี่ยวกับบางส่วนของพวกเขา

1. อีวาน ชิชกิน ข้าวไรย์ พ.ศ. 2421

อีวาน ชิชกิน ข้าวไรย์ พ.ศ. 2421 หอศิลป์ State Tretyakov กรุงมอสโก ซื้อโดย P. Tretyakov

ในภาพวาด "ไรย์" เราจะเห็นการผสมผสานที่น่าทึ่งของข้าวไรย์สีเหลืองต่ำและต้นสนสูงอายุ และอีกมากมาย รายละเอียดที่น่าสนใจ- ความเร็วบินต่ำมาก คนมีผมเปียเดินไปตามถนน

Shishkin มักถูกกล่าวหาว่าถ่ายรูปมากเกินไป และอันที่จริง ถ้าคุณซูมเข้าที่ภาพ คุณจะเห็นแทบทุกหนามแหลม

แต่มันไม่ง่ายขนาดนั้น ท่ามกลางต้นสนอันงดงามนั้นมีต้นสนต้นหนึ่งที่ตายไปซึ่งอาจเกิดจากการถูกฟ้าผ่า ศิลปินต้องการบอกอะไรเรา? เกี่ยวกับความจริงที่ว่าพลังใด ๆ ก็สามารถถูกทำลายได้ในชั่วข้ามคืน?

หลังจากรอดชีวิตจากการตายของภรรยาและลูกสองคน Shishkin ก็สามารถถ่ายทอดอารมณ์ดังกล่าวลงบนผืนผ้าใบได้อย่างง่ายดาย แต่ถึงกระนั้นเขาก็ทำทุกอย่างเพื่อแสดงความสวยงามของธรรมชาติของรัสเซีย

2. อาร์คิป คูอินด์ซี หลังฝนตก. พ.ศ. 2422

อาร์คิป คูอินจือ. หลังฝนตก. พ.ศ. 2422 หอศิลป์ State Tretyakov กรุงมอสโก ซื้อโดย P. Tretyakov

ตัวละครหลักภาพวาดทั้งหมดของ Kuindzhi มีแสง นอกจากนี้ ศิลปินยังเปลี่ยนแสงธรรมดาให้เป็นแสงมหัศจรรย์อย่างลึกลับ โดยเลือกปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่มีสีสันที่สุด มันอยู่ในภาพวาด “After the Rain”

พายุฝนฟ้าคะนองอันเลวร้ายเพิ่งผ่านไป ท้องฟ้าสีน้ำตาลอมม่วงดูน่ากลัว แต่ทิวทัศน์ได้รับแสงสว่างจากแสงแรกแล้ว สายรุ้งกำลังจะสุกแล้ว หญ้าหลังฝนตกเป็นสีมรกตบริสุทธิ์

ไม่มีความแน่นอนว่า Kuindzhi วาดจากชีวิตเท่านั้น ไม่น่าเป็นไปได้ที่ม้าจะยังคงอยู่ในที่โล่ง พายุฝนฟ้าคะนองรุนแรง- เป็นไปได้มากว่าร่างของเธอถูกเพิ่มเข้ามาเพื่อเพิ่มความแตกต่างระหว่างท้องฟ้าที่มีพายุและหญ้าที่มีแสงแดดส่องถึง

Kuindzhi เป็นคนดั้งเดิมไม่เพียงแต่ในฐานะศิลปินเท่านั้น แต่ยังในฐานะบุคคลด้วย แตกต่างจากเพื่อนร่วมงานที่ร่ำรวยน้อยกว่าหลายๆ คน เขาร่ำรวยขึ้นด้วยความสำเร็จในการทำธุรกรรมด้านอสังหาริมทรัพย์ แต่เขาใช้ชีวิตอย่างถ่อมตัวมากโดยมอบเงินทั้งหมดให้กับคนขัดสน

3. วิคเตอร์ วาสเนตซอฟ เจ้าหญิงทั้งสามแห่งยมโลก พ.ศ. 2424

วิคเตอร์ วาสเนตซอฟ เจ้าหญิงทั้งสาม อาณาจักรใต้ดิน- พ.ศ. 2424 หอศิลป์ State Tretyakov กรุงมอสโก เข้ามาในปี 1910 ตามความประสงค์ของ M. Morozov

ภาพวาด "Three Princesses" ออกแบบโดย Savva Mamontov โดยเฉพาะสำหรับบริษัทถ่านหิน ทางรถไฟ- Vasnetsov ใช้เป็นพื้นฐาน นิทานพื้นบ้านเกี่ยวกับเจ้าหญิงทองคำ เงิน และทองแดง

แต่เขาเปลี่ยนเธอไปมากเหลือเพียงเจ้าหญิงทองคำเท่านั้น ฉันเพิ่มอีกสองคนด้วยตัวฉันเอง: เจ้าหญิง หินมีค่าและเจ้าหญิงแห่งถ่านหิน ทั้งสามเชิดชูความร่ำรวยของดินรัสเซีย

หญิงสาวในชุดดำอายุน้อยที่สุดเพราะถ่านหินเริ่มถูกขุดช้ากว่าทองคำและอัญมณี นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมชุดของเธอจึงดูทันสมัยมากขึ้น

และชุดของ Princess of Coal ก็ดูเรียบง่ายกว่า ท้ายที่สุดแล้วจุดประสงค์คือเพื่อเป็นประโยชน์ต่อผู้คน และไม่ต้องรับใช้ความโลภของมนุษย์อย่างที่พี่สาวสองคนต้องทำ

Tretyakov ชอบซื้อผลงานจาก Vasnetsov พวกเขาเป็นเพื่อนที่ดีต่อกัน และไม่น่าแปลกใจเลย ศิลปินเป็นอย่างมาก คนเจียมเนื้อเจียมตัว.

เมื่อเขาเข้าสู่ Academy of Arts เขาได้เรียนรู้ว่าเขาผ่านการทดสอบเพียงหนึ่งปีต่อมา เมื่อผมมาเอาอีกครั้งผมมั่นใจว่าผมล้มเหลวในครั้งแรก

ทดสอบตัวเอง: ทำแบบทดสอบออนไลน์

4. อิลยา เรปิน แมลงปอ. พ.ศ. 2427

อิลยา เรปิน. แมลงปอ. พ.ศ. 2427 หอศิลป์ State Tretyakov กรุงมอสโก ซื้อโดย P. Tretyakov

“แมลงปอ” อาจถูกเข้าใจผิดว่าเป็นผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์จากปารีสโดยไม่รู้ตัว ท้ายที่สุดเธอก็ร่าเริงและสดใสมาก

เด็กนั่งอยู่บนคานประตูด้านหลัง ท้องฟ้าสดใสและเขย่าขาของเขา คุณจะได้ยินเสียงจิ้งหรีดและเสียงหึ่งของผึ้งบัมเบิลบี

สิ่งที่น่าประหลาดใจที่สุดคือ Repin ไม่ชอบอิมเพรสชั่นนิสต์เป็นพิเศษ ฉันคิดว่าพวกเขาขาดโครงเรื่อง แต่ฉันช่วยตัวเองไม่ได้เมื่อเริ่มวาดเด็ก การเขียนอีกรูปแบบหนึ่งไม่ได้นำไปสู่ความเป็นธรรมชาติแบบเด็กๆ แต่อย่างใด

ในภาพวาด Repin บรรยายถึง Vera ลูกสาวคนโตของเขา ยิ่งกว่านั้นเขาเองก็เรียกมันว่าแมลงปอ ท้ายที่สุดแล้ว ชุดเดรสสีน้ำเงินก็ดูคล้ายกับสีของแมลงปอที่เกาะอยู่บนท่อนไม้เพียงไม่กี่วินาทีเท่านั้นจึงบินขึ้นไปบนท้องฟ้าได้อย่างรวดเร็วอย่างง่ายดาย

เวร่าอาศัยอยู่กับพ่อของเธอจนวาระสุดท้ายของชีวิต เธอไม่เคยแต่งงาน มีคนไม่กี่คนที่พูดถึงเธออย่างประจบประแจง รวมถึง Chukovsky ซึ่งรู้จักตระกูล Repin เป็นอย่างดี Korney Chukovsky

ตามความทรงจำของเขา Vera Ilyinichna ขายภาพวาดของพ่อเธอโดยไม่ลังเล และด้วยเงินที่ฉันได้รับฉันก็ซื้อต่างหูให้ตัวเอง เธอ “เจ้าเล่ห์ ขี้ขลาด... และโง่ทั้งจิตใจและจิตใจ” วิจารณ์แรงขนาดนี้...

5. วาเลนติน เซรอฟ หญิงสาวที่ส่องสว่างด้วยแสงแดด พ.ศ. 2431

วาเลนติน เซรอฟ. หญิงสาวที่ส่องสว่างด้วยแสงแดด พ.ศ. 2431 หอศิลป์ State Tretyakov กรุงมอสโก ซื้อโดย P. Tretyakov

ภาพวาดอีกภาพหนึ่งที่วาดในลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์ถูกเก็บไว้ใน Tretyakov Gallery แต่มันถูกสร้างขึ้นโดย Valentin Serov

อิมเพรสชั่นนิสม์แสดงออกมาในที่นี้ เกมที่เหลือเชื่อแสงและเงา แสงจ้าของดวงอาทิตย์ แสงจ้าที่สว่างตัดกับเปลือกไม้สีเข้มของต้นไม้และชายขอบของความลึก สีฟ้า.

Serov ถือว่า "Girl Illuminated by the Sun" เป็นภาพวาดที่ดีที่สุดของเขา แม้ว่าเขาจะวาดมันเมื่ออายุ 23 ปีก็ตาม เขายอมรับกับเพื่อน ๆ ว่าเขาพยายามสร้างสิ่งที่คล้ายกันมาตลอดชีวิต แต่มันก็ไม่เคยสำเร็จ

ลูกพี่ลูกน้องของเขา Maria Simonovich โพสท่าให้ Serov เป็นเวลาสามเดือนเต็มๆ หลายชั่วโมงทุกวัน ศิลปินทำงานวาดภาพนี้มานานและรอบคอบจนแม้แต่มาเรียที่มีความอดทนสูงก็ทนไม่ไหว ในเดือนที่สี่ของการทำงาน เธอหนีไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กโดยอ้างว่าเริ่มชั้นเรียน

ไม่ใช่แค่เพราะฉันเหนื่อย แล้วเธอก็ยอมรับว่าเธอกลัวว่าพี่ชายของเธอจะหักโหมจนเกินไป ในฐานะประติมากร เธอรู้ดีว่าหากคุณแก้ไขงานอย่างไม่สิ้นสุด คุณสามารถทำลายทุกสิ่งได้

บางทีเธออาจทำสิ่งที่ถูกต้อง และต้องขอบคุณเธอที่ทำให้ภาพนี้กลายเป็นผลงานชิ้นเอก ความนิยมเป็นอันดับสองรองจากภาพวาดของ Serov เท่านั้น

6. ไอแซค เลวีตัน เหนือความสงบสุขชั่วนิรันดร์ พ.ศ. 2437

ไอแซค เลวีตัน. เหนือความสงบสุขชั่วนิรันดร์ พ.ศ. 2437 หอศิลป์ State Tretyakov กรุงมอสโก ซื้อโดย P. Tretyakov

“เหนือสันติภาพนิรันดร์” เป็นหนึ่งในภูมิทัศน์รัสเซียและปรัชญามากที่สุดแห่งหนึ่งของเลวีตัน ขนาดสากลของแม่น้ำที่กว้างใหญ่นั้นตรงกันข้ามกับความเปราะบาง ชีวิตมนุษย์- สัญลักษณ์ของโบสถ์คือแสงไฟที่ลุกโชนอยู่ในโบสถ์จนแทบสังเกตไม่เห็น

เลวีแทนเองก็ถือว่าภาพนี้มีความสำคัญมากโดยเห็นว่าภาพสะท้อนถึงตัวละครและจิตวิญญาณของเขา แต่ในขณะเดียวกันเธอก็ทำให้เขากลัว สำหรับเขาแล้วดูเหมือนว่าเธอได้ปล่อยความเย็นชาแห่งนิรันดร์ออกมาซึ่ง “ได้กลืนกินคนมาหลายชั่วอายุคนแล้วและจะกลืนกินเข้าไปอีก”

เลวีตันเป็นคนเศร้าโศกและมีแนวโน้มจะเป็นเช่นนั้น ความคิดที่มืดมนและการกระทำ ดังนั้น หนึ่งปีหลังจากวาดภาพนี้ เขาจึงพยายามฆ่าตัวตาย อยู่ในสภาพหดหู่เนื่องจากชีวิตส่วนตัวของเขาขึ้น ๆ ลง ๆ ในเวลานั้นมีผู้หญิงสองคนตกหลุมรักเขาทันที: แม่และลูกสาว

โดยทั่วไปแล้ว รูปภาพนี้จะช่วยกระตุ้นโลกทัศน์ของคุณ หากคุณเป็นคนมองโลกในแง่ดี คุณมีแนวโน้มที่จะได้รับแรงบันดาลใจจากการไตร่ตรองเรื่องพื้นที่ หากคุณเป็นคนมองโลกในแง่ร้าย ให้คาดหวังอารมณ์ที่แตกต่างออกไป คุณอาจจะรู้สึกอึดอัดกับพื้นที่เปลืองพื้นที่ มิคาอิล วรูเบล. ไลแลค พ.ศ. 2443 หอศิลป์ State Tretyakov กรุงมอสโก ได้รับจากพิพิธภัณฑ์ I. Ostroukhov ในปี 1929

ในภาพวาดของ Vrubel เราเห็นดอกไลแลคที่สวยงามโดดเด่น มันถูกเขียนด้วยมีดจานสี* ดังนั้นกลุ่มของช่อดอกจึงดูเหมือนคริสตัลขนาดใหญ่ที่มีสีพิเศษ: ตั้งแต่สีฟ้าอ่อนไปจนถึงสีม่วง โดยทั่วไปแล้ว มีดอกไม้เหล่านี้อยู่มากมายในภาพจนคุณสามารถได้กลิ่นของดอกไลแลค

เมื่อเทียบกับพื้นหลังของพุ่มไม้โครงร่างของหญิงสาวก็ปรากฏขึ้น - วิญญาณของไลแลค เราเห็นเพียงดวงตาสีเข้มโต ผมหนาและมืออันสง่างาม หญิงสาวต่างจากไลแลคที่ทาสีด้วยแปรง สิ่งนี้เน้นย้ำถึงความไม่เป็นจริง

การวาดภาพสามารถพาเราย้อนกลับไปในวัยเด็กได้ ท้ายที่สุดแล้วตอนนั้นเองที่เรามีแนวโน้มที่จะมองเห็นโลกอื่น ที่นี่คุณกำลังเดินไปตามเส้นทางท่ามกลางพุ่มดอกไลแลคในยามพลบค่ำและมองดูความเขียวขจี และจินตนาการของเราดึงเราไปสู่สิ่งที่ไม่รู้จัก: ดวงตาหรือเงาของใครบางคน

Vrubel ไม่เหมือน คนธรรมดาทรงรักษานิมิตพิเศษนี้ไว้ตลอดชีวิต ในจินตนาการของเขา เขากระโจนเข้าสู่โลกอื่นแล้วแสดงให้พวกเราเห็น ในรูปของปีศาจ เซราฟิม หรือวิญญาณต้นไม้

แต่วันหนึ่งเขาหาทางกลับไม่เจอ ไม่นานหลังจากเขียน "Lilac" Vrubel ก็เริ่มก้าวหน้า ความผิดปกติทางจิต- เขาค่อย ๆ หายไปจากการถูกจองจำจากโลกอื่นและเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2453

มีผลงานจิตรกรรมรัสเซียชิ้นเอกมากมายใน Tretyakov Gallery ซึ่งเป็นเรื่องยากสำหรับฉันที่จะเลือกภาพวาดเพียงเจ็ดภาพเท่านั้น แน่นอนว่ามีคนไม่ชอบมัน ท้ายที่สุดฉันไม่ได้รวมผลงานชิ้นเอกที่ได้รับความนิยมมากที่สุดไว้ในบทความ และเธอยังไม่ได้พูดถึง Vereshchagin และ

ฉันได้รับคำแนะนำจากรสนิยมของตัวเองโดยเลือกผลงานเหล่านั้นที่ฉันประทับใจจริงๆ หากคุณไม่เคยสังเกตเห็นสิ่งเหล่านี้มาก่อน ฉันหวังว่าคุณจะสามารถค้นพบสิ่งใหม่ๆ ให้กับตัวคุณเองได้

* ไม้พายบางๆ ที่ศิลปินใช้ลงสีรองพื้นบนผืนผ้าใบ (ฐานสำหรับชั้นทาสีของภาพวาด) บางครั้งเครื่องมือนี้ยังใช้สำหรับทาสีด้วย

สำหรับผู้ที่ไม่อยากพลาดสิ่งที่น่าสนใจที่สุดเกี่ยวกับศิลปินและภาพวาด ฝากอีเมลของคุณ (ในแบบฟอร์มด้านล่างข้อความ) และคุณจะเป็นคนแรกที่รู้เกี่ยวกับบทความใหม่ในบล็อกของฉัน

ป.ล. ทดสอบตัวเอง: ทำแบบทดสอบออนไลน์

1.เลโอนาร์โด ดา วินชี โมนาลิซ่า. ภาพที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลกมีหลายสิ่งให้สอนช่างภาพ แต่สิ่งสำคัญคือความสัมพันธ์แบบไหนที่ควรจะเป็นกับตัวแบบ ดังที่ได้กล่าวไว้หลายครั้ง รอยยิ้มของเธอบ่งบอกถึงความผูกพันพิเศษระหว่างศิลปินและนางแบบ นี่คือสิ่งที่ช่างภาพทุกคนควรมุ่งมั่นเมื่อสร้างภาพบุคคล

2. ราฟาเอล. โรงเรียนเอเธนส์- ช่างภาพหลายคนชอบที่จะถ่ายภาพวัตถุแต่ละชิ้น หนึ่งคน หนึ่งสิ่ง และหนึ่งช่วงเวลา งานนี้มาจากสมัยที่ภาพวาดหนึ่งใช้เวลาดูครึ่งชั่วโมง มีหลายสิบเกิดขึ้นกับมัน สถานการณ์ที่แตกต่างกันและไม่มีสิ่งใดรบกวนผู้อื่น สิ่งสำคัญคือต้องสามารถจัดฉากที่มีหลายแง่มุมในเฟรมเดียวได้

3. แยน เวอร์เมียร์ หญิงสาวที่มีต่างหูมุก เวอร์เมียร์ชอบแสงจากหน้าต่าง นี้ แสงที่ดีที่สุดสำหรับการถ่ายภาพบุคคล เมื่อเราใช้ไฟสตูดิโอหรือแฟลช เรากำลังพยายามเพื่อให้ได้แสงที่ดีแม้จากระยะไกล เช่นเดียวกับในภาพบุคคลของโมนาลิซ่า มีความเชื่อมโยงกับศิลปินที่ถ่ายทอดสู่ผู้ชม

4. เอ็ดเวิร์ด ฮอปเปอร์ เหยี่ยวกลางคืน ช่างภาพทุกคนต่างค้นหาช่วงเวลาสั้นๆ ที่จะ "ดึงดูด" ผู้ชมในภายหลัง ภาพวาดนี้ดึงดูดความสนใจเนื่องจากความสงบ ช่างภาพควรพยายามมองเห็นและจับภาพช่วงเวลาเช่นนี้

5. เอ็ม. เอสเชอร์ ลูกบอลมือและกระจก สิ่งหนึ่งที่ช่างภาพทุกคนควรทำได้คือการแสดงมุมมองในการถ่ายภาพ

6. นอร์แมน ร็อคเวลล์ ข่าวลือ บรรยายผ่านสีหน้า. เราไม่จำเป็นต้องรู้ข่าวลือด้วยตัวเองเพื่อทำความเข้าใจว่าเกิดอะไรขึ้นในภาพนี้ ความสามารถในการจับการแสดงออกทางสีหน้า “พูด” – ทักษะที่สำคัญสำหรับช่างภาพ

7. นอร์แมน ร็อคเวลล์ หนี. Norman Rockwell มีพรสวรรค์ในการดึงดูดความทรงจำของผู้ชมเมื่อพวกเขาเห็นภาพเขียนของเขา เรื่องราวที่งานนี้บอกเล่าเป็นมากกว่าหนังสือทั้งเล่มที่บางครั้งสามารถบอกเล่าได้ สร้างภาพแบบนี้และมันจะทำให้คุณประสบความสำเร็จ

8. แอนดี้ วอร์ฮอล ช่างภาพบางคนประสบปัญหาในการหาวัตถุที่จะถ่ายภาพ พวกเขากำลังมองหาสิ่งที่น่าตื่นเต้น มันสำคัญกว่ามากที่จะต้องสามารถเปลี่ยนแปลงได้ สิ่งง่ายๆให้กลายเป็นสิ่งพิเศษ และนั่นคือสิ่งที่วอร์ฮอลทำกับกระป๋องซุปนั่นเอง

9. กุสตาฟ คลิมท์ จูบ. ช่างภาพหลายคนติดตามเทรนด์การถ่ายภาพล่าสุด มีรูปภาพนับล้านบนอินเทอร์เน็ตที่ใช้ HDR (High ช่วงไดนามิก) เมื่อนำสามเฟรมของฉากเดียวกันมา การสัมผัสที่แตกต่างกันและเชื่อมต่อโดยใช้โปรแกรมแก้ไข เป็นความผิดพลาดที่จะคิดว่าความแปลกใหม่นั้นเพียงพอแล้วที่คุณสามารถถ่ายภาพอะไรก็ได้โดยใช้เทคนิคนี้และมันจะได้ผล ภาพที่ดี- Klimt มีชื่อเสียงมากจากภาพวาดที่มีสไตล์ของเขา แต่ในภาพนี้เขาแสดงให้เห็นถึงช่วงเวลาแห่งการเชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งระหว่างวัตถุต่างๆ นี่ควรเป็นบทเรียนให้กับช่างภาพทุกคน

11. ไมเคิลแองเจโล. เพดาน โบสถ์ซิสทีน- ทักษะที่ดีสำหรับช่างภาพคือการมองสิ่งต่างๆ จากมุมที่ต่างกันเพื่อให้ได้มา ช็อตที่ดีที่สุด- อย่าปล่อยให้ท่าทางที่อึดอัดมาขัดขวางแรงบันดาลใจ ถ่ายภาพแม้คุณจะต้องมองตรงไป

12. ซัลวาดอร์ ดาลี สฟิงซ์สามตัวแห่งเกาะบิกินี่ สิ่งสำคัญคือต้องดูรูปร่างและพื้นผิวที่ซ้ำกันในการถ่ายภาพ และสร้างภาพที่ดีตามรูปทรงและพื้นผิวเหล่านั้น

13. กราฟฟิตี้ของ Banksy Banksy เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการผสมผสานสิ่งที่เข้ากันไม่ได้ คุณคาดหวังที่จะเห็นสิ่งหนึ่ง แต่เขาทำให้คุณประหลาดใจด้วยสิ่งที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

14. วิลเลียม เบลค สถาปนิกผู้ยิ่งใหญ่- เบลคสามารถสอนช่างภาพถึงวิธีสร้างสมดุลระหว่างแรงบันดาลใจและเทคนิค

15. วินเซนต์ แวนโก๊ะ ไนท์คาเฟ่. เราควรถ่ายภาพสิ่งที่มีความหมายสำหรับเรา เมื่อคุณดูภาพนี้ คุณจะเข้าใจว่าร้านกาแฟแห่งนี้มีความหมายบางอย่างสำหรับ Van Gogh ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขา

16. คัตสึชิกะ โฮคุไซ. คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า ช่วงเวลาสำคัญไม่ได้เกิดขึ้นเฉพาะในชีวิตของผู้คนเท่านั้น ช่างภาพควรมองหาช่วงเวลาที่คล้ายกันในโลกรอบตัว

17. ฮิโรชิเกะ. ผู้หญิงคนหนึ่งเดินไปตามถนนผ่านทุ่งนา ช่างภาพต้องแน่ใจว่าทุกสิ่งในเฟรมตรงกับการกระทำของตัวแบบหลัก เช่น แนวต้นไม้ เส้นทาง และผู้คนขนานกัน

18. ผลงานของเอ็ดการ์ มุลเลอร์ Müller เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านมุมมอง ภาพลวงตาของความลึกเปลี่ยนแปลงไปอย่างสิ้นเชิง ขึ้นอยู่กับระยะทางที่คุณชมผลงานของเขา วิธีนี้สามารถสอนช่างภาพให้ไม่หยุดค้นหามุมที่เหมาะสม

19. Georgia O'Keeffe Mac มี "วัฒนธรรมย่อย" มากมายในการถ่ายภาพดอกไม้

20. เอมิลี่ คาร์.กิตวันคูล. เอมิลี่ คาร์มีชื่อเสียงจากภาพวาดโทเท็มของเธอ เธอใช้เวลาทั้งชีวิตเพื่อค้นหาโทเท็มสำหรับผลงานของเธอ ช่างภาพควรมองหาโปรเจ็กต์อยู่เสมอ วิชาเฉพาะที่สามารถศึกษาและแสดงผ่านชุดภาพถ่ายได้

21. ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ บอลที่ Moulin de la Galette นี่เป็นตัวอย่างที่ดีในการถ่ายทอดวัตถุหลายชิ้นที่ไม่แข่งขันกับตัวแบบหลัก

22. แกรนท์ วู้ด อเมริกันกอธิค งาน American Gothic ของ Grant Wood เป็นตัวอย่างที่ดีของการนำเสนอและสะท้อนสภาพแวดล้อม แกรนท์ วูดพยายามจินตนาการว่าคนแบบไหนที่อาจอาศัยอยู่ในบ้านหลังนี้ บ้านหลังนี้และทั้งคู่มีความคล้ายคลึงกันเกือบทางกายภาพ

23. เอดูอาร์ด โมเนต์ เช เลอ แปร์ ลาตุยล์ ฉากนี้อาจเป็นภาพถ่ายแนวสตรีท

วิจิตรศิลป์สามารถให้อารมณ์ได้หลากหลาย ภาพบางภาพทำให้คุณจ้องมองพวกเขาเป็นเวลาหลายชั่วโมง ในขณะที่บางภาพก็ทำให้ตกใจ ประหลาดใจ และ “ระเบิดสมองของคุณ” และด้วยภาพโลกทัศน์ของคุณ

มีผลงานชิ้นเอกที่ทำให้คุณคิดและค้นหา ความหมายลับ- ภาพวาดบางภาพถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับลึกลับ ในขณะที่บางภาพสิ่งสำคัญคือราคาที่สูงเกินไป เราสามารถพูดได้ว่า หากเราไม่คำนึงถึงสัจนิยม ภาพวาดก็จะเป็นเช่นนั้นเสมอมา และจะเป็นเรื่องแปลก แต่ภาพวาดบางภาพก็แปลกกว่าภาพอื่น และถึงแม้ว่าแนวคิดเรื่องความแปลกประหลาดนั้นเป็นเรื่องส่วนตัว แต่เราก็สามารถเน้นสิ่งเหล่านั้นได้ ผลงานที่มีชื่อเสียงซึ่งโดดเด่นจากซีรีย์ทั่วไปอย่างเห็นได้ชัด

เอ็ดวาร์ด มุงค์ "The Scream"

ผลงานขนาด 91x73.5 ซม. สร้างขึ้นเมื่อปี พ.ศ. 2436 Munch ทาสีด้วยสีน้ำมัน สีพาสเทล และสีฝุ่น ทุกวันนี้ภาพวาดนี้ยังคงอยู่ หอศิลป์แห่งชาติออสโล. ผลงานสร้างสรรค์ของศิลปินได้กลายเป็นสัญลักษณ์แห่งอิมเพรสชันนิสม์ โดยทั่วไปแล้ว นี่คือหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกในปัจจุบัน Munch เองเล่าเรื่องราวของการสร้างมันว่า "ฉันกำลังเดินไปตามเส้นทางกับเพื่อนสองคน เวลานี้พระอาทิตย์กำลังตกดิน ทันใดนั้นท้องฟ้าก็กลายเป็นสีแดงเลือด ฉันหยุด รู้สึกเหนื่อยและพิงรั้ว ฉันมองดูเลือดและเปลวไฟเหนือฟยอร์ดและเมืองสีน้ำเงินอมดำ เพื่อนของฉันเดินหน้าต่อไป แต่ฉันยังคงยืนตัวสั่นด้วยความตื่นเต้น รู้สึกถึงเสียงร้องไห้ที่แทงทะลุธรรมชาติไม่รู้จบ”

การตีความความหมายที่ดึงออกมามีสองเวอร์ชัน เราสามารถสรุปได้ว่าตัวละครที่ปรากฎนั้นเต็มไปด้วยความสยองขวัญและกรีดร้องอย่างเงียบ ๆ โดยยกมือปิดหู อีกเวอร์ชั่นหนึ่งบอกว่าชายคนนั้นปิดหูจากเสียงกรีดร้องที่อยู่รอบตัวเขา โดยรวมแล้ว Munch ได้สร้าง “The Scream” มากถึง 4 เวอร์ชัน ผู้เชี่ยวชาญบางคนเชื่อว่าภาพวาดนี้เป็นการแสดงคลาสสิกของโรคจิตคลั่งไคล้ซึมเศร้าซึ่งศิลปินต้องทนทุกข์ทรมาน เมื่อ Munch เข้ารับการรักษาที่คลินิก เขาไม่เคยกลับมาดูภาพนี้อีกเลย

Paul Gauguin "เรามาจากไหน? เราเป็นใคร? เรากำลังจะไปที่ไหน?

ที่พิพิธภัณฑ์บอสตัน วิจิตรศิลป์คุณจะพบผลงานอิมเพรสชั่นนิสม์ขนาด 139.1x374.6 ซม. วาดด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี พ.ศ. 2440-2441 งานที่ลึกซึ้งนี้เขียนโดย Gauguin ในประเทศตาฮิติซึ่งเขาเกษียณจากความวุ่นวาย ชีวิตชาวปารีส- ภาพวาดมีความสำคัญมากสำหรับศิลปินจนหลังจากวาดเสร็จเขาก็อยากจะฆ่าตัวตายด้วยซ้ำ Gauguin เชื่อว่าสิ่งนี้อยู่เหนือทุกสิ่งที่เขาสร้างมาก่อน ศิลปินเชื่อว่าเขาจะไม่สามารถสร้างสิ่งที่ดีกว่าหรือคล้ายกันได้ เขาไม่มีอะไรต้องดิ้นรนอีกแล้ว

Gauguin มีชีวิตอยู่อีก 5 ปีเพื่อพิสูจน์ความจริงของการตัดสินของเขา เขาเองก็บอกว่าเขา ภาพหลักต้องดูจากขวาไปซ้าย มีตัวเลขอยู่สามกลุ่มหลักซึ่งแสดงถึงประเด็นที่มีการตั้งชื่อผืนผ้าใบ ผู้หญิงสามคนที่มีลูกแสดงถึงจุดเริ่มต้นของชีวิต คนตรงกลางเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นผู้ใหญ่ แสดงถึงความชรา หญิงชราที่กำลังรอความตายของเธอ ดูเหมือนว่าเธอจะตกลงกับเรื่องนี้ได้และกำลังคิดอะไรบางอย่างเกี่ยวกับตัวเธอเอง ตั้งอยู่แทบเท้าของเธอ นกสีขาวเป็นสัญลักษณ์ของความไร้ความหมายของคำ

ปาโบล ปิกัสโซ "เกร์นิกา"

ผลงานของ Picasso ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ Reina Sofía ในกรุงมาดริด ภาพใหญ่ขนาด 349 x 776 ซม. วาดภาพสีน้ำมันบนผ้าใบ ภาพเขียนปูนเปียกนี้สร้างขึ้นเมื่อปี พ.ศ. 2480 ภาพยนตร์เรื่องนี้เล่าเกี่ยวกับการจู่โจมนักบินอาสาสมัครฟาสซิสต์ในเมืองเกร์นิกา จากเหตุการณ์เหล่านั้น เมืองที่มีประชากร 6,000 คนจึงถูกกวาดล้างไปจากพื้นโลกโดยสิ้นเชิง

ศิลปินสร้างภาพวาดนี้ภายในหนึ่งเดือนอย่างแท้จริง ในวันแรกๆ ปิกัสโซทำงานเป็นเวลา 10-12 ชั่วโมง ในภาพร่างแรกๆ ของเขาใครๆ ก็ได้เห็นอยู่แล้ว แนวคิดหลัก- ส่งผลให้ภาพดังกล่าวกลายเป็นภาพหนึ่งของ ภาพประกอบที่ดีที่สุดความน่าสะพรึงกลัวของลัทธิฟาสซิสต์ ความโหดร้าย และความโศกเศร้าของมนุษย์ ใน Guernica เราสามารถมองเห็นฉากแห่งความโหดร้าย ความรุนแรง ความตาย ความทุกข์ทรมาน และการทำอะไรไม่ถูก แม้ว่าเหตุผลของเรื่องนี้จะไม่ได้ระบุไว้อย่างชัดเจน แต่ก็ชัดเจนจากประวัติศาสตร์ พวกเขากล่าวว่าในปี 1940 Pablo Picasso ถูกเรียกตัวไปที่ Gestapo ในปารีสด้วยซ้ำ เขาถูกถามทันที:“ คุณทำแล้วหรือยัง” ซึ่งศิลปินตอบว่า: “เปล่า คุณทำไปแล้ว”

Jan van Eyck "ภาพเหมือนของคู่รัก Arnolfini"

ภาพวาดนี้วาดในปี 1434 ด้วยสีน้ำมันบนไม้ ขนาดของผลงานชิ้นเอกคือ 81.8x59.7 ซม. และจัดเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติลอนดอน สันนิษฐานว่าภาพวาดนี้แสดงถึง Giovanni di Nicolao Arnolfini ร่วมกับภรรยาของเขา งานชิ้นนี้เป็นหนึ่งในงานที่ซับซ้อนที่สุดในโรงเรียนการวาดภาพตะวันตกในช่วงยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือ

ในเรื่องนี้ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงสัญลักษณ์ สัญลักษณ์เปรียบเทียบ และเบาะแสต่างๆ มากมาย เพียงดูลายเซ็นต์ของศิลปิน “Jan van Eyck อยู่ที่นี่” เป็นผลให้ภาพวาดไม่ได้เป็นเพียงงานศิลปะ แต่เป็นเอกสารทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริง ท้ายที่สุดมันแสดงให้เห็น เหตุการณ์จริงซึ่งฟาน เอคยึดได้

มิคาอิล วรูเบล "ปีศาจนั่ง"

หอศิลป์ Tretyakov เป็นที่จัดแสดงผลงานชิ้นเอกของมิคาอิล วรูเบล ซึ่งวาดด้วยสีน้ำมันในปี 1890 ขนาดผืนผ้าใบคือ 114x211 ซม. ปีศาจที่ปรากฎที่นี่น่าประหลาดใจ เขาปรากฏเป็นชายหนุ่มผู้โศกเศร้าด้วย ผมยาว- นี่ไม่ใช่วิธีที่ผู้คนมักจะนึกถึงวิญญาณชั่วร้าย Vrubel เองกล่าวถึงภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขาว่าในความเข้าใจของเขาปีศาจนั้นไม่ได้เป็นวิญญาณชั่วร้ายมากเท่ากับความทุกข์ทรมาน ในเวลาเดียวกันไม่มีใครปฏิเสธอำนาจและความสง่างามของเขาได้

ประการแรก ปีศาจของ Vrubel เป็นภาพของจิตวิญญาณมนุษย์ที่ครอบงำอยู่ในตัวเรา การต่อสู้อย่างต่อเนื่องกับตัวเองและความสงสัย สิ่งมีชีวิตนี้รายล้อมไปด้วยดอกไม้ จับมือกันอย่างน่าอนาถ ดวงตากลมโตของมันมองไปในระยะไกลอย่างเศร้าใจ องค์ประกอบทั้งหมดแสดงถึงข้อจำกัดของร่างปีศาจ ดูเหมือนว่าเขาจะถูกประกบอยู่ในภาพนี้ระหว่างด้านบนและด้านล่างของกรอบรูป

Vasily Vereshchagin "การถวายพระพรแห่งสงคราม"

ภาพนี้วาดในปี พ.ศ. 2414 แต่ในภาพนั้นผู้เขียนดูเหมือนจะคาดการณ์ถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงครามโลกครั้งที่สองในอนาคต ผืนผ้าใบขนาด 127x197 ซม. ถูกเก็บไว้ใน Tretyakov Gallery Vereshchagin ถือเป็นหนึ่งในจิตรกรการต่อสู้ที่เก่งที่สุด ภาพวาดรัสเซีย- อย่างไรก็ตาม เขาไม่ได้เขียนสงครามและการสู้รบเพราะเขารักสิ่งเหล่านั้น ศิลปินหมายถึง วิจิตรศิลป์พยายามถ่ายทอดทัศนคติเชิงลบของเขาต่อสงครามให้ผู้คนฟัง ครั้งหนึ่ง Vereshchagin สัญญาว่าจะไม่วาดภาพการต่อสู้อีกต่อไป ท้ายที่สุดแล้ว ศิลปินได้นำความโศกเศร้าของทหารที่ได้รับบาดเจ็บและเสียชีวิตทุกคนมาไว้ใกล้หัวใจของเขามากเกินไป ผลที่ตามมาของทัศนคติที่จริงใจต่อหัวข้อนี้คือ “The Apotheosis of War”

ภาพที่น่ากลัวและน่าหลงใหลแสดงให้เห็นภูเขากะโหลกมนุษย์บนทุ่งนาที่มีกาอยู่รอบๆ Vereshchagin สร้างผืนผ้าใบแห่งอารมณ์ โดยด้านหลังกะโหลกศีรษะแต่ละอันในกองขนาดใหญ่สามารถติดตามประวัติศาสตร์และชะตากรรมของบุคคลและผู้คนที่อยู่ใกล้พวกเขาได้ ศิลปินเองก็เรียกภาพวาดนี้ว่ายังมีชีวิตอยู่อย่างเหน็บแนมเพราะมันแสดงให้เห็นถึงธรรมชาติที่ตายแล้ว รายละเอียดทั้งหมดของ "Apotheosis of War" กรีดร้องเกี่ยวกับความตายและความว่างเปล่า ซึ่งสามารถมองเห็นได้แม้ในพื้นหลังสีเหลืองของโลก และสีฟ้าของท้องฟ้าเน้นย้ำถึงความตายเท่านั้น แนวคิดเรื่องความน่าสะพรึงกลัวของสงครามเน้นย้ำด้วยรูกระสุนและรอยดาบบนกะโหลกศีรษะ

แกรนท์ วูด "American Gothic"

ภาพวาดขนาดเล็กนี้มีขนาด 74 x 62 ซม. สร้างขึ้นในปี 1930 และปัจจุบันถูกเก็บไว้ที่สถาบันศิลปะชิคาโก รูปภาพเป็นหนึ่งในมากที่สุด ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงศิลปะอเมริกันแห่งศตวรรษที่ผ่านมา แล้วในสมัยของเราชื่อ " อเมริกันกอธิค" มักถูกกล่าวถึงในสื่อต่างๆ ภาพวาดนี้แสดงถึงพ่อและลูกสาวที่ค่อนข้างเศร้าหมอง

รายละเอียดมากมายบอกเล่าถึงความรุนแรง ความเจ้าระเบียบ และขบวนการสร้างกระดูกของคนเหล่านี้ พวกเขามีใบหน้าที่ไม่พอใจ มีโกยดุร้ายอยู่กลางภาพ และเสื้อผ้าของทั้งคู่ก็ล้าสมัยแม้จะเป็นไปตามมาตรฐานของเวลาก็ตาม แม้แต่ตะเข็บบนเสื้อผ้าของชาวนาก็ยังมีรูปร่างเหมือนโกย ซึ่งเป็นภัยคุกคามต่อผู้ที่เข้ามาบุกรุกวิถีชีวิตของเขาเป็นสองเท่า รายละเอียดของภาพสามารถศึกษาได้ไม่รู้จบทำให้รู้สึกไม่สบายตัว

ที่น่าสนใจครั้งหนึ่งในการแข่งขันที่สถาบันศิลปะชิคาโก กรรมการตัดสินยอมรับว่าภาพนี้มีอารมณ์ขัน แต่ชาวไอโอวารู้สึกขุ่นเคืองโดยศิลปินที่แสดงให้พวกเขาเห็นในมุมที่ไม่น่าดู นางแบบสำหรับผู้หญิงคนนั้นคือน้องสาวของวูด แต่ต้นแบบสำหรับผู้ชายขี้โมโหคือทันตแพทย์ของจิตรกร

Rene Magritte "คู่รัก"

ภาพเขียนนี้วาดเมื่อปี พ.ศ. 2471 ในรูปแบบสีน้ำมันบนผ้าใบ ในกรณีนี้มีสองตัวเลือก หนึ่งในนั้นมีชายและหญิงกำลังจูบกัน มีเพียงศีรษะเท่านั้นที่พันด้วยผ้าขาว ในอีกเวอร์ชันหนึ่งของภาพวาด คู่รักจะมองดูผู้ชม สิ่งที่ดึงดูดทั้งความประหลาดใจและความหลงใหล รูปร่างที่ไม่มีใบหน้าเป็นสัญลักษณ์ของความรักที่มืดบอด เป็นที่รู้กันว่าคู่รักไม่เห็นใครรอบตัว แต่เรามองไม่เห็นพวกเขา ความรู้สึกที่แท้จริง- แม้แต่กันและกัน คนเหล่านี้ที่ตาบอดเพราะความรู้สึก จริงๆ แล้วยังเป็นปริศนาอยู่

และถึงแม้เนื้อหาหลักของหนังจะดูชัดเจน แต่ “Lovers” ก็ยังทำให้คุณมองพวกเขาและคิดถึงความรัก โดยทั่วไปภาพวาดของ Magritte เกือบทั้งหมดเป็นปริศนาซึ่งแก้ไขไม่ได้โดยสิ้นเชิง ท้ายที่สุดแล้ว ภาพวาดเหล่านี้ทำให้เกิดคำถามหลักเกี่ยวกับความหมายของชีวิตของเรา ในนั้นศิลปินพูดถึงธรรมชาติลวงตาของสิ่งที่เราเห็นเกี่ยวกับความจริงที่ว่ามีสิ่งลึกลับมากมายรอบตัวเราที่เราพยายามไม่สังเกตเห็น

มาร์ค ชากัลล์ "เดิน"

ภาพวาดนี้เขียนด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี พ.ศ. 2460 ปัจจุบันถูกเก็บไว้ในรัฐ หอศิลป์ Tretyakov- ในงานของเขา Marc Chagall มักจะจริงจัง แต่ที่นี่เขายอมให้ตัวเองแสดงความรู้สึกของเขา ภาพวาดแสดงถึงความสุขส่วนตัวของศิลปินซึ่งเต็มไปด้วยความรักและสัญลักษณ์เปรียบเทียบ

“การเดิน” ของเขาเป็นภาพเหมือนตนเอง โดยที่ Chagall วาดภาพเบลล่าภรรยาของเขาที่อยู่ข้างๆ เขา คนที่เขาเลือกกำลังทะยานขึ้นไปบนท้องฟ้าเธอกำลังจะลากศิลปินไปที่นั่นซึ่งเกือบจะออกจากพื้นแล้วแตะมันด้วยปลายรองเท้าเท่านั้น ในมืออีกข้างของผู้ชายคือหัวนม เราสามารถพูดได้ว่านี่คือวิธีที่ Chagall บรรยายถึงความสุขของเขา เขามีพายอยู่บนท้องฟ้าในรูปแบบของผู้หญิงที่เขารักและมีนกอยู่ในมือซึ่งเขาหมายถึงความคิดสร้างสรรค์ของเขา

เฮียโรนีมัส บอช "สวนแห่งความสุขทางโลก"

ผืนผ้าใบขนาด 389x220 ซม. นี้ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์กฎหมายสเปน บ๊อชวาดภาพสีน้ำมันบนไม้ระหว่างปี 1500 ถึง 1510 นี่คือภาพอันมีค่าที่โด่งดังที่สุดของ Bosch แม้ว่าภาพวาดจะมีสามส่วน แต่ก็ตั้งชื่อตามส่วนตรงกลางซึ่งอุทิศให้กับความยั่วยวน มีการถกเถียงกันอย่างต่อเนื่องเกี่ยวกับความหมายของภาพวาดแปลก ๆ นี้ ไม่มีการตีความใด ๆ ที่จะได้รับการยอมรับว่าเป็นภาพเดียวที่ถูกต้อง

ความสนใจในอันมีค่านั้นเกิดขึ้นเนื่องจากคนจำนวนมาก ชิ้นส่วนขนาดเล็กซึ่งแสดงถึงแนวคิดหลัก มีร่างโปร่งแสงอยู่ที่นี่ อาคารที่ไม่ธรรมดาสัตว์ประหลาด ฝันร้าย และนิมิตกลายเป็นจริงและความเป็นจริงที่แปรผันอย่างชั่วร้าย ศิลปินสามารถมองดูทั้งหมดนี้ด้วยสายตาที่เฉียบแหลมและค้นหา โดยจัดการรวมองค์ประกอบที่แตกต่างกันให้เป็นผืนผ้าใบผืนเดียว

นักวิจัยบางคนพยายามเห็นภาพสะท้อนของชีวิตมนุษย์ในภาพ ซึ่งผู้เขียนเห็นว่าไร้ประโยชน์ บ้างก็พบภาพแห่งความรัก บ้างก็พบชัยชนะแห่งความยั่วยวน อย่างไรก็ตาม เป็นที่น่าสงสัยว่าผู้เขียนพยายามเชิดชูความสุขทางกามารมณ์ ท้ายที่สุดแล้ว ร่างของมนุษย์ถูกถ่ายทอดออกมาด้วยความเย็นชาและความเรียบง่าย และเจ้าหน้าที่ของคริสตจักรก็มีปฏิกิริยาตอบรับที่ดีต่อภาพวาดนี้ของบอช

กุสตาฟ คลิมท์ “สามยุคของผู้หญิง”

ในหอศิลป์แห่งชาติโรม ศิลปะร่วมสมัยภาพนี้ตั้งอยู่. ผ้าใบสี่เหลี่ยมกว้าง 180 ซม. เขียนด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบเมื่อปี พ.ศ. 2448 ภาพวาดนี้สื่อถึงทั้งความสุขและความเศร้าไปพร้อมๆ กัน ศิลปินสามารถแสดงชีวิตทั้งชีวิตของผู้หญิงเป็นสามร่างได้ คนแรกยังเด็กอยู่ ไร้กังวลอย่างยิ่ง ผู้หญิงที่เป็นผู้ใหญ่แสดงถึงความสงบสุข ในขณะที่ยุคสุดท้ายเป็นสัญลักษณ์ของความสิ้นหวัง ในเวลาเดียวกัน วัยกลางคนทอแบบออร์แกนิกเป็นเครื่องประดับแห่งชีวิต และอันเก่าโดดเด่นสะดุดตาเมื่อเทียบกับพื้นหลัง

ความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างหญิงสาวกับผู้สูงอายุถือเป็นสัญลักษณ์ หากความเจริญรุ่งเรืองของชีวิตมาพร้อมกับความเป็นไปได้และการเปลี่ยนแปลงมากมาย ระยะสุดท้ายก็คือความมั่นคงที่ฝังแน่นและขัดแย้งกับความเป็นจริง ภาพดังกล่าวดึงดูดความสนใจและทำให้คุณนึกถึงความตั้งใจของศิลปินและความลึกของมัน มันมีทุกชีวิตด้วยความหลีกเลี่ยงไม่ได้และการเปลี่ยนแปลง

เอกอน ชีเลอ "ครอบครัว"

ผืนผ้าใบขนาด 152.5x162.5 ซม. นี้ทาสีด้วยสีน้ำมันในปี 1918 ปัจจุบันมันถูกเก็บไว้ใน Vienna Belvedere ครูของ Schiele คือ Klimt เอง แต่นักเรียนไม่ได้พยายามเลียนแบบเขาอย่างขยันขันแข็งโดยมองหาวิธีแสดงออกของเขาเอง เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่าผลงานของ Schiele นั้นน่าเศร้า น่ากลัว และแปลกประหลาดมากกว่าของ Klimt เสียอีก

องค์ประกอบบางอย่างในปัจจุบันจะเรียกว่าภาพลามกอนาจาร มีความวิปริตที่แตกต่างกันมากมาย ความเป็นธรรมชาติปรากฏอยู่ในความงามทั้งหมด ในขณะเดียวกันภาพเขียนก็เต็มไปด้วยความสิ้นหวังที่น่าปวดหัว จุดสุดยอดของ Schiele และความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง ภาพสุดท้ายคือ "ครอบครัว"

ในภาพวาดนี้ความสิ้นหวังถูกนำมาถึงขีดสุดในขณะที่งานนี้กลับกลายเป็นเรื่องแปลกน้อยที่สุดสำหรับผู้เขียน หลังจากที่ภรรยาที่ตั้งครรภ์ของ Schiele เสียชีวิตด้วยโรคไข้หวัดใหญ่สเปน และไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ผลงานชิ้นเอกชิ้นนี้ก็ได้ถูกสร้างขึ้น เวลาผ่านไปเพียง 3 วันระหว่างการเสียชีวิตทั้งสองครั้ง ก็เพียงพอแล้วที่ศิลปินจะแสดงภาพตัวเองร่วมกับภรรยาและของเขา เด็กเกิด- ขณะนั้นศิลามีอายุเพียง 28 ปีเท่านั้น

Frida Kahlo "สอง Fridas"

ภาพนี้เกิดในปี 1939 ศิลปินชาวเม็กซิกัน Frida Kahlo มีชื่อเสียงหลังจากออกฉายภาพยนตร์เกี่ยวกับเธอร่วมกับ Salma Hayek บทบาทนำ- ผลงานของศิลปินมีพื้นฐานมาจากภาพเหมือนตนเองของเธอ เธอเองอธิบายข้อเท็จจริงนี้ว่า “ฉันเขียนตัวเองเพราะฉันใช้เวลาอยู่คนเดียวมากและเพราะฉันเป็นหัวข้อที่ฉันรู้ดีที่สุด”

ที่น่าสนใจคือฟรีด้าไม่ยิ้มกับภาพวาดของเธอเลย ใบหน้าของเธอจริงจังแม้จะค่อนข้างโศกเศร้าก็ตาม คิ้วหนาและหนวดที่แทบจะมองไม่เห็นเหนือริมฝีปากที่ถูกบีบอัดแสดงถึงความจริงจังสูงสุด แนวคิดของภาพเขียนอยู่ที่ภาพ พื้นหลัง และรายละเอียดของสิ่งที่อยู่รอบตัวฟรีดา

สัญลักษณ์ของภาพเขียนนั้นมีพื้นฐานมาจาก ประเพณีประจำชาติเม็กซิโก มีความเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับตำนานอินเดียโบราณ “The Two Fridas” เป็นหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของศิลปินชาวเม็กซิกัน ในนั้น ในลักษณะเดิมมีการแสดงหลักการของชายและหญิงโดยมีระบบไหลเวียนโลหิตเดียว ดังนั้นศิลปินจึงแสดงให้เห็นถึงความสามัคคีและความสมบูรณ์ของสิ่งที่ตรงกันข้ามทั้งสองนี้

Claude Monet "สะพานวอเตอร์ลู" เอฟเฟกต์หมอก”

ในอาศรมเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คุณจะพบภาพวาดนี้โดย Monet มันถูกเขียนด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบในปี พ.ศ. 2442 เมื่อตรวจสอบภาพวาดอย่างใกล้ชิด ปรากฏเป็นจุดสีม่วงและมีลายเส้นหนาทาทับ อย่างไรก็ตาม เมื่อย้ายออกจากผืนผ้าใบ ผู้ชมจะเข้าใจความมหัศจรรย์ทั้งหมดของมัน

ขั้นแรก มองเห็นครึ่งวงกลมคลุมเครือที่วิ่งผ่านกึ่งกลางภาพ และโครงร่างของเรือก็ปรากฏขึ้น และจากระยะสองสามเมตร คุณจะเห็นองค์ประกอบทั้งหมดของภาพที่เชื่อมต่ออยู่ ห่วงโซ่ตรรกะ, หมายเหตุ adme.ru

แจ็กสัน พอลล็อค "หมายเลข 5, 2491"

Pollock เป็นแนวคลาสสิกของแนวการแสดงออกทางนามธรรม ที่สุดของเขา ภาพวาดที่มีชื่อเสียงถือว่าแพงที่สุดในโลกเลยทีเดียว และศิลปินวาดภาพนี้ในปี พ.ศ. 2491 เพียงเท สีน้ำมันบนแผ่นใยไม้อัดขนาดพื้น 240x120 ซม. ในปี 2549 ภาพวาดนี้ถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 140 ล้านดอลลาร์

David Giffen เจ้าของ นักสะสม และโปรดิวเซอร์ภาพยนตร์คนก่อน ขายให้กับ David Martinez นักการเงินชาวเม็กซิกัน พอลลอคส์กล่าวว่าเขาตัดสินใจเลิกใช้เครื่องมือศิลปินที่คุ้นเคย เช่น ขาตั้ง สี และแปรง อุปกรณ์ของเขาได้แก่ แท่ง มีด ทัพพี และสีไหล เขายังใช้มันผสมกับทรายหรือแม้แต่กระจกแตก

เมื่อเริ่มสร้างสรรค์ Pollock ยอมจำนนต่อแรงบันดาลใจ โดยที่ไม่รู้ตัวว่าเขากำลังทำอะไรอยู่ เมื่อนั้นการตระหนักรู้ถึงสิ่งสมบูรณ์แบบเท่านั้นจึงจะเกิดขึ้น ในขณะเดียวกันศิลปินก็ไม่กลัวที่จะทำลายภาพหรือเปลี่ยนแปลงโดยไม่ตั้งใจ - ภาพวาดเริ่มมีชีวิตของตัวเอง หน้าที่ของพอลลอคคือการช่วยให้มันเกิดและออกมา แต่หากปรมาจารย์สูญเสียการติดต่อกับสิ่งสร้างของเขา ผลที่ตามมาก็คือความโกลาหลและความสกปรก หากประสบความสำเร็จ ภาพวาดจะรวบรวมความสามัคคีอันบริสุทธิ์ ง่ายต่อการรับและนำแรงบันดาลใจไปใช้

Joan Miró "ชายและหญิงหน้ากองอุจจาระ"

ปัจจุบันภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ในมูลนิธิของศิลปินในสเปน มันถูกทาสีด้วยสีน้ำมันบนแผ่นทองแดงในปี พ.ศ. 2478 ในเวลาเพียงหนึ่งสัปดาห์ตั้งแต่วันที่ 15 ถึง 22 ตุลาคม ขนาดของการสร้างเพียง 23x32 ซม. แม้จะมีชื่อที่เร้าใจ แต่ภาพก็พูดถึงความสยองขวัญ สงครามกลางเมือง- ผู้เขียนเองจึงบรรยายถึงเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในสเปนในช่วงหลายปีที่ผ่านมา มิโระพยายามแสดงอาการวิตกกังวลช่วงหนึ่ง

ในภาพคุณสามารถเห็นชายและหญิงที่ไม่เคลื่อนไหวซึ่งยังคงถูกดึงดูดเข้าหากัน ผืนผ้าใบเต็มไปด้วยดอกไม้พิษที่เป็นลางร้ายพร้อมกับอวัยวะเพศที่ขยายใหญ่ขึ้นทำให้ดูน่าขยะแขยงและเซ็กซี่อย่างน่าขยะแขยงโดยเจตนา

Jacek Yerka "การกัดเซาะ"

ในผลงานของนีโอเซอร์เรียลลิสต์ชาวโปแลนด์คนนี้ รูปภาพของความเป็นจริงที่เกี่ยวพันกันถูกสร้างขึ้น ความเป็นจริงใหม่- ในบางแง่ แม้แต่การสัมผัสภาพวาดก็มีรายละเอียดมาก ประกอบด้วยเสียงสะท้อนของนักเหนือจริงในอดีต ตั้งแต่ Bosch ไปจนถึงต้าหลี่

Yerka เติบโตขึ้นมาในบรรยากาศ สถาปัตยกรรมยุคกลางซึ่งรอดพ้นจากการทิ้งระเบิดในสงครามโลกครั้งที่สองได้อย่างปาฏิหาริย์ เขาเริ่มวาดภาพก่อนเข้ามหาวิทยาลัยด้วยซ้ำ พวกเขาพยายามเปลี่ยนสไตล์ของเขาให้ทันสมัยกว่าและมีรายละเอียดน้อยลง แต่ Yerka เองก็ยังคงรักษาความเป็นตัวตนของเขาไว้ วันนี้มัน ภาพวาดที่ไม่ธรรมดาจัดแสดงไม่เพียงแต่ในโปแลนด์เท่านั้น แต่ยังจัดแสดงในเยอรมนี ฝรั่งเศส โมนาโก และสหรัฐอเมริกาด้วย พวกเขาอยู่ในคอลเลกชันจำนวนมากทั่วโลก

มือของบิล สโตนแฮมต่อต้านเขา

ภาพวาดที่วาดในปี 1972 แทบจะเรียกได้ว่าเป็นภาพวาดคลาสสิกเลยทีเดียว อย่างไรก็ตาม ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่เป็นหนึ่งในผลงานสร้างสรรค์ที่แปลกประหลาดที่สุดของศิลปิน ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นเด็กผู้ชายคนหนึ่ง มีตุ๊กตายืนอยู่ข้างเขา และมีฝ่ามือจำนวนมากกดลงบนกระจกที่อยู่ด้านหลังเขา ภาพวาดนี้ดูแปลก ลึกลับ และค่อนข้างลึกลับ มันได้กลายเป็นตำนานไปแล้ว พวกเขาบอกว่าเพราะภาพวาดนี้มีคนเสียชีวิต แต่เด็ก ๆ ในนั้นยังมีชีวิตอยู่ เธอดูน่าขนลุกจริงๆ ไม่น่าแปลกใจที่ภาพทำให้เกิดความกลัวและจินตนาการอันเลวร้ายสำหรับผู้ที่มีจิตใจไม่ดี

สโตนแฮมเองก็มั่นใจว่าเขาวาดภาพตัวเองเมื่ออายุ 5 ขวบ ประตูด้านหลังเด็กชายเป็นอุปสรรคระหว่างความเป็นจริงและโลกแห่งความฝัน ตุ๊กตาเป็นเครื่องนำทางที่สามารถพาเด็กจากโลกหนึ่งไปอีกโลกหนึ่งได้ มือคือชีวิตทางเลือกหรือความสามารถของมนุษย์

ภาพนี้โด่งดังในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2543 มันถูกวางขายบน eBay โดยอ้างว่ามีผีสิง เป็นผลให้ Kim Smith ซื้อ "Hands Resist Him" ​​ในราคา 1,025 ดอลลาร์ ในไม่ช้าผู้ซื้อก็ได้รับจดหมายจากล้นหลาม เรื่องราวที่น่ากลัวเกี่ยวข้องกับภาพเขียนนี้ และเรียกร้องให้ทำลายภาพเขียนนี้