นักแต่งเพลงชาวรัสเซียชื่อ Sergei Prokofiev เป็นที่รู้จักไปทั่วโลกต้องขอบคุณเขา ผลงานที่เป็นนวัตกรรม- หากไม่มีเขามันเป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการถึงดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งเขาทิ้งร่องรอยสำคัญไว้: ซิมโฟนี 11 รายการ, โอเปร่า 7 รายการ, บัลเล่ต์ 7 รายการ, คอนเสิร์ตมากมายและผลงานเครื่องดนตรีต่างๆ แม้ว่าเขาจะเขียนบัลเล่ต์เพียงเรื่อง "โรมิโอและจูเลียต" ก็จะถูกจารึกไว้ตลอดไปในประวัติศาสตร์ดนตรีโลก

จุดเริ่มต้นของการเดินทาง

นักแต่งเพลงในอนาคตเกิดเมื่อวันที่ 11 เมษายน พ.ศ. 2434 แม่ของเขาเป็นนักเปียโนและสนับสนุนความโน้มเอียงตามธรรมชาติของ Sergei ต่อดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก เมื่ออายุได้ 6 ขวบเขาเริ่มแต่งเพลงทั้งหมด ชิ้นเปียโนแม่ของฉันจดบันทึกการเรียบเรียงของเขา เมื่ออายุเก้าขวบ เขามีชื่อมากมายอยู่แล้ว งานเล็กๆและโอเปร่าอีกสองเรื่อง ได้แก่ “The Giant” และ “On the Deserted Islands” แม่ของเขาสอนให้เขาเล่นเปียโนตั้งแต่อายุ 5 ขวบ และตั้งแต่อายุ 10 ขวบเขาก็เรียนบทเรียนส่วนตัวจากนักแต่งเพลง R. Gliere เป็นประจำ

ปีการศึกษา

เมื่ออายุ 13 ปี เขาเข้าเรียนในเรือนกระจกซึ่งเขาเรียนร่วมกับนักดนตรีที่โดดเด่นในสมัยของเขา: N.A. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, N. Cherepnin ที่นั่นเขาได้พัฒนาความสัมพันธ์ฉันมิตรกับ N. Myaskovsky ในปี 1909 เขาสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจกในฐานะนักแต่งเพลง จากนั้นจึงอุทิศเวลาอีกห้าปีเพื่อฝึกฝนศิลปะการเล่นเปียโน แล้วศึกษาอวัยวะต่อไปอีก 3 ปี สำหรับผลสัมฤทธิ์ทางการเรียนพิเศษเขาได้รับรางวัลเหรียญทองและรางวัลที่ตั้งชื่อตามเขา ตั้งแต่อายุ 18 ปีเขามีส่วนร่วมในคอนเสิร์ตโดยแสดงเป็นศิลปินเดี่ยวและนักแสดงจากผลงานของเขาเอง

ต้น Prokofiev

ผลงานในยุคแรก ๆ ของ Prokofiev ก่อให้เกิดความขัดแย้งมากมาย พวกเขาได้รับการยอมรับอย่างสุดใจหรือถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างดุเดือด จากก้าวแรกในวงการดนตรี เขาประกาศตัวเองว่าเป็นผู้ริเริ่ม บรรยากาศการแสดงละครและการแสดงดนตรีเป็นเรื่องใกล้ตัวเขาและในฐานะบุคคล Prokofiev ชอบความสว่างมากและชอบที่จะดึงดูดความสนใจให้กับตัวเอง ในช่วงทศวรรษที่ 1910 เขาถูกเรียกว่าเป็นนักดนตรีแห่งอนาคตเพราะความรักในความอุกอาจและความปรารถนาที่จะทำลายล้าง ศีลคลาสสิก- แม้ว่าผู้แต่งจะเรียกว่าผู้พิฆาตไม่ได้ เขาซึมซับประเพณีคลาสสิกอย่างเป็นธรรมชาติ แต่ค้นหารูปแบบการแสดงออกใหม่ๆ อยู่ตลอดเวลา ในตัวเขา งานยุคแรกนอกจากนี้ยังมีคุณลักษณะที่โดดเด่นอีกประการหนึ่งของงานของเขานั่นคือการแต่งบทเพลง ดนตรีของเขายังโดดเด่นด้วยพลังมหาศาลและการมองโลกในแง่ดี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแต่งเพลงในช่วงแรกๆ เราจะสัมผัสได้ถึงความสุขอันไม่มีที่สิ้นสุดของชีวิตและอารมณ์ที่วุ่นวาย การรวมกันของคุณสมบัติเฉพาะเหล่านี้ทำให้เพลงของ Prokofiev สดใสและแปลกตา คอนเสิร์ตของเขาแต่ละครั้งกลายเป็นงานมหกรรม ตั้งแต่ต้น Prokofiev ความสนใจเป็นพิเศษสมควรได้รับวงจรเปียโน "Sarcasms", "Toccata", "Obsession", เปียโนโซนาต้าหมายเลข 2, คอนแชร์โตสองอันสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, ซิมโฟนีหมายเลข 1 ในตอนท้ายของยุค 20 เขาได้พบกับ Diaghilev และเริ่มเขียนบัลเล่ต์ให้เขา ประสบการณ์ครั้งแรก - "Ala และ Lolliy" ถูกปฏิเสธโดยผู้แสดง เขาแนะนำให้ Prokofiev "เขียนเป็นภาษารัสเซีย" และคำแนะนำนี้กลายเป็นจุดเปลี่ยนที่สำคัญที่สุด ชี้ให้เห็นในชีวิตของผู้แต่ง

การอพยพ

หลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก Sergei Prokofiev เดินทางไปยุโรป เยี่ยมชมลอนดอน โรม เนเปิลส์ เขารู้สึกว่าเขาคับแคบอยู่ในกรอบเก่า ช่วงเวลาแห่งการปฏิวัติที่มีปัญหาความยากจนและความหมกมุ่นอยู่กับปัญหาในชีวิตประจำวันในรัสเซียความเข้าใจที่ว่าไม่มีใครต้องการดนตรีของเขาในบ้านเกิดของเขาในปัจจุบันทำให้นักแต่งเพลงมีแนวคิดในการอพยพ ในปีพ.ศ. 2461 เขาได้เดินทางไปโตเกียว จากนั้นจึงย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา หลังจากอาศัยอยู่ในอเมริกาเป็นเวลาสามปีซึ่งเขาทำงานและออกทัวร์มากมายเขาก็ย้ายไปยุโรป ที่นี่เขาไม่เพียงแต่ทำงานมากเท่านั้น เขายังไปทัวร์สหภาพโซเวียตสามครั้งซึ่งเขาไม่ถือว่าเป็นผู้อพยพ สันนิษฐานว่า Prokofiev เดินทางไปทำธุรกิจระยะยาวในต่างประเทศ แต่ยังคงเป็นพลเมืองโซเวียต เขาปฏิบัติตามคำสั่งหลายข้อ รัฐบาลโซเวียต: ห้องชุด "ผู้หมวด Kizhi", "Egyptian Nights" ในต่างประเทศเขาร่วมมือกับ Diaghilev สนิทสนมกับ Rachmaninoff และสื่อสารกับ Pablo Picasso ที่นั่นเขาแต่งงานกับหญิงชาวสเปนชื่อ Lina Codina ซึ่งทั้งสองคนมีลูกชายสองคน ในช่วงเวลานี้ Prokofiev ได้สร้างผู้ใหญ่มากมาย ผลงานต้นฉบับ,ใครเป็นคนเรียบเรียง ชื่อเสียงระดับโลก- ผลงานดังกล่าว ได้แก่ บัลเล่ต์ "The Jester", " บุตรสุรุ่ยสุร่าย" และ "The Gambler" ซิมโฟนี 2, 3 และ 4 สองเปียโนคอนแชร์โตอันยอดเยี่ยม โอเปร่า "The Love for Three Oranges" มาถึงตอนนี้พรสวรรค์ของ Prokofiev ได้เติบโตขึ้นและกลายเป็นแบบอย่างของดนตรี ยุคใหม่: สไตล์การแต่งเพลงที่เฉียบคม เข้มข้น และล้ำหน้าของนักดนตรีทำให้การเรียบเรียงของเขาน่าจดจำ

กลับ

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 ความคิดสร้างสรรค์ของ Prokofiev มีความปานกลางมากขึ้น เขาพบกับความคิดถึงที่แข็งแกร่ง และเริ่มคิดถึงการกลับมา ในปี 1933 เขาและครอบครัวมาที่สหภาพโซเวียตเพื่อพำนักถาวร ต่อจากนั้นเขาจะสามารถเดินทางไปต่างประเทศได้เพียงสองครั้งเท่านั้น แต่เป็นของเขา ชีวิตที่สร้างสรรค์ในช่วงเวลานี้จะมีความรุนแรงสูงสุด ผลงานของ Prokofiev ซึ่งปัจจุบันเป็นปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่กำลังกลายเป็นผลงานของรัสเซียอย่างชัดเจนและได้ยินลวดลายประจำชาติมากขึ้นเรื่อยๆ สิ่งนี้ทำให้เพลงต้นฉบับของเขามีความลึกซึ้งและมีเอกลักษณ์มากขึ้น

ในตอนท้ายของยุค 40 Prokofiev ถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่า "เพื่อความเป็นทางการ" โอเปร่าที่ไม่ได้มาตรฐานของเขา "The Tale of a Real Man" ไม่เข้ากับหลักการดนตรีของโซเวียต นักแต่งเพลงป่วยในช่วงเวลานี้ แต่ยังคงทำงานอย่างเข้มข้นโดยอาศัยอยู่ที่เดชาเกือบตลอดเวลา เขาหลีกเลี่ยงกิจกรรมที่เป็นทางการทั้งหมดและระบบราชการทางดนตรีก็จ่ายให้เขาลืมเลือนการดำรงอยู่ของเขาแทบจะไม่มีใครสังเกตเห็นใน วัฒนธรรมโซเวียตของเวลานั้น และในขณะเดียวกันผู้แต่งยังคงทำงานหนักโดยเขียนโอเปร่าเรื่อง The Tale of ดอกไม้หิน", oratorio "ผู้พิทักษ์แห่งโลก", งานเปียโน- ในปี พ.ศ. 2495 ห้องคอนเสิร์ตซิมโฟนีครั้งที่ 7 ของเขาแสดงที่มอสโกวนี่เป็นงานสุดท้ายที่ผู้เขียนได้ยินจากบนเวที ในปี 1953 ในวันเดียวกับสตาลิน Prokofiev เสียชีวิต การตายของเขาแทบจะไม่มีใครสังเกตเห็นในประเทศ; เขาถูกฝังอย่างเงียบ ๆ ที่สุสาน Novodevichy

สไตล์ดนตรีของ Prokofiev

นักแต่งเพลงพยายามค้นหารูปแบบใหม่ ๆ ทดลองมากมายโดยเฉพาะในช่วงปีแรก ๆ โอเปร่าของ Prokofiev มีความแปลกใหม่ในช่วงเวลานั้นจนผู้ชมต้องออกจากห้องโถงพร้อมกันในวันฉายรอบปฐมทัศน์ นับเป็นครั้งแรกที่เขายอมละทิ้งบทกลอนและสร้างผลงานทางดนตรีจากผลงานเช่น "สงครามและสันติภาพ" เป็นต้น การแต่งเพลงครั้งแรกของเขา "A Feast in the Plague" กลายเป็นตัวอย่างของแนวทางที่กล้าหาญสำหรับเทคนิคและรูปแบบดนตรีแบบดั้งเดิม เขาผสมผสานเทคนิคการอ่านอย่างกล้าหาญด้วย จังหวะดนตรีทำให้เกิดเสียงโอเปร่าแบบใหม่ บัลเล่ต์ของเขามีเอกลักษณ์มากจนนักออกแบบท่าเต้นเชื่อว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะเต้นตามดนตรีประเภทนี้ แต่พวกเขาก็ค่อยๆเห็นว่าผู้แต่งพยายามที่จะถ่ายทอดลักษณะภายนอกของตัวละครด้วยความจริงใจทางจิตวิทยาอย่างลึกซึ้งและเริ่มแสดงบัลเล่ต์ของเขามากมาย คุณสมบัติที่สำคัญ Prokofiev ที่เป็นผู้ใหญ่กลายเป็นการใช้ชาติ ประเพณีดนตรีซึ่งครั้งหนึ่งประกาศโดย M. Glinka และ M. Mussorgsky คุณสมบัติที่โดดเด่นการเรียบเรียงของเขาได้รับพลังมหาศาลและจังหวะใหม่: คมชัดและแสดงออก

มรดกโอเปร่า

ตั้งแต่อายุยังน้อย Sergei Prokofiev หันมาใช้รูปแบบดนตรีที่ซับซ้อนเช่นโอเปร่า เมื่อยังเป็นหนุ่ม เขาเริ่มทำงานในละครโอเปร่าคลาสสิกเรื่อง “Ondine” (1905), “A Feast in Time of Plague” (1908), “Maddalena” (1911) ในนั้นผู้แต่งทดลองอย่างกล้าหาญโดยใช้ความสามารถของเสียงมนุษย์ ในช่วงปลายทศวรรษที่ 30 แนวโอเปร่ากำลังประสบกับวิกฤติครั้งใหญ่ ศิลปินหลักๆ ไม่ทำงานประเภทนี้อีกต่อไป โดยไม่เห็นความเป็นไปได้ที่แสดงออกซึ่งจะช่วยให้สามารถแสดงออกถึงแนวคิดสมัยใหม่ใหม่ๆ ได้ โอเปร่าของ Prokofiev กลายเป็นความท้าทายที่ยิ่งใหญ่สำหรับละครคลาสสิก ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา: “The Gambler”, “The Love for Three Oranges”, “ นางฟ้าไฟ", "สงครามและสันติภาพ" ปัจจุบันเป็นมรดกทางดนตรีอันทรงคุณค่าที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ผู้ฟังและนักวิจารณ์ยุคใหม่เข้าใจถึงคุณค่าของผลงานเหล่านี้ รู้สึกถึงท่วงทำนองที่ลุ่มลึก จังหวะ และแนวทางพิเศษในการสร้างตัวละคร

บัลเล่ต์ของ Prokofiev

นักแต่งเพลงมีความหลงใหลในการแสดงละครมาตั้งแต่เด็ก เขานำองค์ประกอบที่น่าทึ่งมาสู่ผลงานหลายชิ้นของเขา ดังนั้นการเปลี่ยนมาใช้รูปแบบบัลเล่ต์จึงค่อนข้างสมเหตุสมผล ความใกล้ชิดกับเขาทำให้นักดนตรีเริ่มเขียนบัลเล่ต์เรื่อง "The Tale of the Jester Who Tricked Seven Jesters" (1921) งานนี้จัดแสดงที่สถานประกอบการของ Diaghilev เช่นเดียวกับผลงานต่อไปนี้: "Steel Leap" (1927) และ "Prodigal Son" (1929) นี่คือลักษณะที่สิ่งใหม่ที่โดดเด่นปรากฏขึ้นในโลก นักแต่งเพลงบัลเล่ต์- โปรโคเฟียฟ. บัลเล่ต์ "Romeo and Juliet" (1938) กลายเป็นจุดสุดยอดของผลงานของเขา วันนี้บทความนี้เล่นกันหมดแล้ว โรงละครที่ดีที่สุดความสงบ. ต่อมาเขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกอีกชิ้นหนึ่ง - บัลเล่ต์ซินเดอเรลล่า Prokofiev สามารถตระหนักถึงเนื้อเพลงและทำนองที่ซ่อนอยู่ของเขาในผลงานที่ดีที่สุดเหล่านี้

"โรมิโอและจูเลียต"

ในปีพ.ศ. 2478 ผู้แต่งหันไปใช้โครงเรื่องคลาสสิกของเช็คสเปียร์ เป็นเวลาสองปีที่เขาเขียนเรียงความรูปแบบใหม่และแม้แต่ในเนื้อหาดังกล่าว Prokofiev ผู้สร้างนวัตกรรมก็แสดงตัวออกมา บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" เป็นละครออกแบบท่าเต้นที่ผู้แต่งเบี่ยงเบนไปจากหลักการที่จัดตั้งขึ้น ประการแรก เขาตัดสินใจว่าเรื่องราวจะจบลงอย่างมีความสุข ซึ่งมันไม่สอดคล้องกันเลย แหล่งวรรณกรรม- ประการที่สอง เขาตัดสินใจที่จะไม่มุ่งเน้นไปที่การเริ่มต้นการเต้นรำ แต่มุ่งเน้นไปที่จิตวิทยาในการพัฒนาภาพ วิธีการนี้เป็นเรื่องแปลกมากสำหรับนักออกแบบท่าเต้นและนักแสดง ดังนั้นเส้นทางบัลเล่ต์สู่เวทีจึงใช้เวลานานถึงห้าปี

"ซินเดอเรลล่า"

Prokofiev เขียนบัลเล่ต์เรื่อง "Cinderella" ตลอดระยะเวลา 5 ปีซึ่งเป็นผลงานที่มีเนื้อหาไพเราะที่สุดของเขา ในปี พ.ศ. 2487 งานเสร็จสมบูรณ์และอีกหนึ่งปีต่อมาได้จัดแสดงที่โรงละครบอลชอย งานนี้โดดเด่นด้วยลักษณะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนของภาพดนตรีมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความจริงใจและความเก่งกาจที่ซับซ้อน ภาพลักษณ์ของนางเอกถูกเปิดเผยผ่านประสบการณ์อันลึกซึ้งและความรู้สึกที่ซับซ้อน การเสียดสีของนักแต่งเพลงปรากฏชัดในการสร้างภาพของข้าราชบริพาร แม่เลี้ยง และลูกสาวของเธอ สไตล์นีโอคลาสสิก อักขระเชิงลบกลายเป็นคุณลักษณะที่แสดงออกเพิ่มเติมขององค์ประกอบ

ซิมโฟนี

โดยรวมแล้วผู้แต่งเขียนซิมโฟนีเจ็ดเพลงในช่วงชีวิตของเขา ในงานของเขา Sergei Prokofiev เองก็ระบุสี่บรรทัดหลัก ประการแรกคือคลาสสิกซึ่งเกี่ยวข้องกับความเข้าใจในหลักการดั้งเดิม การคิดทางดนตรี- เส้นนี้แสดงโดย Symphony No. 1 ใน D major ซึ่งผู้เขียนเองเรียกว่า "classical" บรรทัดที่สองเป็นนวัตกรรมที่เกี่ยวข้องกับการทดลองของผู้แต่ง ซิมโฟนีหมายเลข 2 เป็นของซิมโฟนีที่ 3 และ 4 ที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิด ความคิดสร้างสรรค์ในการแสดงละคร- ลำดับที่ 5 และ 6 เกิดขึ้นจากประสบการณ์สงครามของผู้แต่ง ซิมโฟนีที่เจ็ดเริ่มต้นด้วยการสะท้อนถึงชีวิต ความปรารถนาในความเรียบง่าย

ดนตรีบรรเลง

มรดกของผู้แต่งประกอบด้วยโซนาต้ามากกว่า 10 เพลง บทละคร บทประพันธ์ และบทประพันธ์มากมาย บรรทัดที่สามของความคิดสร้างสรรค์ของ Prokofiev นั้นเป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งนำเสนอเป็นหลัก งานเครื่องมือ- ซึ่งรวมถึงไวโอลินคอนแชร์โตครั้งแรก บทละคร "Dreams", "Legends", "Grandmother's Tales" มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขารวมถึงโซนาต้าที่เป็นนวัตกรรมใหม่สำหรับไวโอลินเดี่ยวใน D Major ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1947 บทความ ช่วงเวลาที่แตกต่างกันสะท้อนให้เห็นถึงวิวัฒนาการของวิธีการสร้างสรรค์ของผู้เขียน: จากนวัตกรรมที่เฉียบคมไปจนถึงการแต่งบทเพลงและความเรียบง่าย วันนี้ขลุ่ยโซนาต้าหมายเลข 2 ของเขา งานคลาสสิคสำหรับนักแสดงหลายคน โดดเด่นด้วยความไพเราะที่ไพเราะ จิตวิญญาณ และจังหวะลมที่นุ่มนวล

เปียโนเป็นส่วนสำคัญในมรดกของเขา และสไตล์ที่โดดเด่นทำให้ผลงานของเขาได้รับความนิยมอย่างมากจากนักเปียโนทั่วโลก

ผลงานอื่นๆ

ในงานของเขาผู้แต่งยังหันไปหารูปแบบดนตรีที่ใหญ่ที่สุด: แคนทาทาสและออราโตริโอ บทเพลงบทแรกของเขา "The Seven of Them" เขียนโดยเขาในปี 1917 เป็นบทกวีของ K. Balmont และกลายเป็นการทดลองที่น่าทึ่ง ต่อมาเขาได้เขียนผลงานสำคัญอีก 8 ชิ้น รวมถึงบทเพลง "เพลงแห่งยุคสมัยของเรา" และบทประพันธ์ "ผู้พิทักษ์โลก" สำหรับเด็กถือเป็นบทพิเศษในงานของเขา ในปี 1935 Natalya Sats เชิญเขาให้เขียนอะไรบางอย่างสำหรับโรงละครของเธอ Prokofiev ตอบสนองต่อแนวคิดนี้ด้วยความสนใจและสร้างเทพนิยายไพเราะชื่อดังเรื่อง Peter and the Wolf ซึ่งกลายเป็นการทดลองที่ไม่ธรรมดาโดยผู้เขียน อีกหน้าในชีวประวัติของผู้แต่งคือเพลงสำหรับภาพยนตร์ของ Prokofiev ผลงานภาพยนตร์ของเขาประกอบด้วยภาพยนตร์ 8 เรื่องซึ่งแต่ละเรื่องได้กลายเป็นงานไพเราะที่จริงจัง

หลังปี พ.ศ. 2491 ผลงานของนักแต่งเพลงในช่วงนี้ไม่ประสบความสำเร็จมากนัก ยกเว้นบางส่วน ปัจจุบันผลงานของนักแต่งเพลงได้รับการยอมรับว่าเป็นงานคลาสสิกและมีการศึกษาและดำเนินการมากมาย

สิ่งตีพิมพ์ในส่วนดนตรี

7 ผลงานของ Prokofiev

Sergei Prokofiev เป็นนักแต่งเพลง นักเปียโน และผู้ควบคุมวง ผู้แต่งโอเปร่า บัลเล่ต์ ซิมโฟนี และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายที่เป็นที่รู้จักและเป็นที่นิยมทั่วโลกในยุคของเรา อ่านเรื่องราวเกี่ยวกับผลงานสำคัญทั้งเจ็ดของ Prokofiev และฟังภาพประกอบดนตรีจาก Melodiya

โอเปร่า "ยักษ์" (2443)

ความสามารถทางดนตรีของดนตรีรัสเซียคลาสสิกในอนาคต Sergei Prokofiev แสดงออกในวัยเด็กเมื่ออายุได้ห้าปีครึ่งเขาแต่งเปียโนชิ้นแรก - "Indian Gallop" มันถูกเขียนโดย Maria Grigorievna แม่ของนักแต่งเพลงหนุ่มและ Prokofiev บันทึกการแต่งเพลงที่ตามมาทั้งหมดของเขาด้วยตัวเขาเอง

ในฤดูใบไม้ผลิของปี 1900 โดยได้รับแรงบันดาลใจจากบัลเล่ต์ The Sleeping Beauty โดย Pyotr Tchaikovsky รวมถึงโอเปร่า Faust โดย Charles Gounod และ Prince Igor โดย Alexander Borodin Prokofiev วัย 9 ขวบได้แต่งโอเปร่าเรื่องแรกของเขา The Giant

แม้ว่า Prokofiev จะจำได้ดีว่า "ความสามารถในการเขียน" ของเขา "ไม่สอดคล้องกับความคิดของเขา" การแต่งเพลงของเด็กไร้เดียงสาในรูปแบบของละครตลก dell'arte ได้แสดงให้เห็นแล้วถึงแนวทางที่จริงจังของมืออาชีพในอนาคตในการทำงานของเขา โอเปร่ามีการทาบทามตามที่คาดไว้ ตัวละครแต่ละตัวในการเรียบเรียงมีเพลงทางออกของตัวเอง - ภาพเหมือนทางดนตรี ในฉากหนึ่ง Prokofiev ยังใช้ดนตรีและการแสดงโพลีโฟนีบนเวที - เมื่อตัวละครหลักกำลังคุยกันถึงแผนการต่อสู้กับยักษ์ยักษ์เองก็เดินผ่านไปและร้องเพลง: “พวกเขาต้องการฆ่าฉัน”.

เมื่อได้ยินข้อความที่ตัดตอนมาจาก "The Giant" นักแต่งเพลงชื่อดังและศาสตราจารย์เรือนกระจก Sergei Taneyev แนะนำให้ชายหนุ่มจริงจังกับดนตรี และ Prokofiev เองก็รวมโอเปร่าไว้ในรายการผลงานแรกของเขาอย่างภาคภูมิใจซึ่งเขารวบรวมเมื่ออายุ 11 ปี

โอเปร่า "ยักษ์"
ผู้ควบคุมวง - มิคาอิล Leontiev
ผู้เขียนการบูรณะเวอร์ชันออเคสตราคือ Sergei Sapozhnikov
รอบปฐมทัศน์ที่โรงละคร Mikhailovsky เมื่อวันที่ 23 พฤษภาคม 2010

เปียโนคอนแชร์โตครั้งแรก (พ.ศ. 2454–2455)

เช่นเดียวกับนักเขียนรุ่นเยาว์หลายคนใน ช่วงต้น Sergei Prokofiev ไม่พบความรักหรือการสนับสนุนจากนักวิจารณ์เกี่ยวกับงานของเขา ในปี 1916 หนังสือพิมพ์เขียนว่า: “Prokofiev นั่งลงที่เปียโนและเริ่มเช็ดคีย์หรือลองอันที่เสียงสูงหรือต่ำ”- และเกี่ยวกับการแสดงครั้งแรกของ "Scythian Suite" ของ Prokofiev ซึ่งจัดทำโดยผู้เขียนเองนักวิจารณ์พูดดังนี้: “เป็นเรื่องเหลือเชื่อจริงๆ ที่ผลงานชิ้นนี้ซึ่งไร้ความหมายใดๆ จะสามารถแสดงในคอนเสิร์ตที่จริงจังได้... เหล่านี้เป็นเสียงที่หยิ่งยโสและหยิ่งผยองซึ่งไม่ได้แสดงออกอะไรนอกจากการโอ้อวดไม่รู้จบ”.

อย่างไรก็ตามไม่มีใครสงสัยในความสามารถในการแสดงของ Prokofiev เมื่อถึงเวลานั้นเขาได้สถาปนาตัวเองว่าเป็นนักเปียโนที่เก่งกาจ อย่างไรก็ตามดำเนินการโดย Prokofiev เป็นหลัก องค์ประกอบของตัวเองโดยเฉพาะอย่างยิ่งผู้ฟังจำคอนเสิร์ตคอนแชร์โต้ครั้งแรกสำหรับเปียโนและวงออเคสตราได้เป็นพิเศษ ซึ่งต้องขอบคุณตัวละคร "เพอร์คัสชั่น" ที่มีพลังและแรงจูงใจที่สดใสและน่าจดจำของการเคลื่อนไหวครั้งแรก ทำให้ได้รับฉายาอย่างไม่เป็นทางการว่า "On the Skull!"

คอนแชร์โต้หมายเลข 1 สำหรับเปียโนและวงออเคสตราใน D-flat major, Op. 10 (พ.ศ. 2454–2455)
Vladimir Krainev เปียโน
วงซิมโฟนีออร์เคสตราวิชาการของ MFF
ผู้ควบคุมวง - Dmitry Kitayenko
บันทึกเสียงปี 2519
วิศวกรเสียง - Severin Pazukhin

ซิมโฟนีที่ 1 (พ.ศ. 2459–2460)

อิกอร์ กราบาร์. ภาพเหมือนของ Sergei Prokofiev พ.ศ. 2484 รัฐ หอศิลป์ Tretyakov, มอสโก

ซีไนดา เซเรเบรยาโควา ภาพเหมือนของ Sergei Prokofiev พ.ศ. 2469 รัฐ พิพิธภัณฑ์กลาง ศิลปะการแสดงละครพวกเขา. บาครุชิน่า, มอสโก

ในการต่อต้านนักวิจารณ์อนุรักษ์นิยมที่ต้องการในขณะที่เขาเขียนเองเพื่อ "หยอกล้อห่าน" ในปี 1916 เดียวกัน Prokofiev วัย 25 ปีอายุ 25 ปีได้เขียนบทประพันธ์ที่ตรงกันข้ามกับสไตล์อย่างสิ้นเชิงนั่นคือ First Symphony Prokofiev ให้คำบรรยายของผู้แต่งว่า "Classical"

วงออเคสตราที่เรียบง่ายของประเภท Haydn และคลาสสิก รูปแบบดนตรีพวกเขาบอกเป็นนัยว่าถ้า “คุณพ่อไฮเดิน” มีชีวิตอยู่ถึงสมัยนั้น เขาก็คงจะเขียนซิมโฟนีเช่นนั้นได้ โดยปรุงรสด้วยท่วงทำนองที่ไพเราะและเสียงประสานที่สดใหม่ สร้างขึ้นเมื่อร้อยปีก่อน "เพื่อแก้แค้นทุกคน" First Symphony ของ Prokofiev ยังคงฟังดูสดใหม่และเป็นส่วนหนึ่งของละครเพลง วงออเคสตราที่ดีที่สุด world และ "Gavotto" ส่วนที่สามก็กลายเป็นส่วนหนึ่งที่ได้รับความนิยมมากที่สุด บทละครคลาสสิกศตวรรษที่ XX

ต่อมา Prokofiev เองก็ได้รวม Gavotte นี้เป็นหมายเลขแทรกในบัลเล่ต์โรมิโอและจูเลียตของเขา ผู้แต่งยังมีความหวังลับๆ (เขาเองก็ยอมรับสิ่งนี้ในภายหลัง) ว่าในที่สุดเขาก็จะได้รับชัยชนะจากการเผชิญหน้ากับนักวิจารณ์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเมื่อเวลาผ่านไป First Symphony กลายเป็นคลาสสิกจริงๆ ซึ่งเป็นสิ่งที่เกิดขึ้นอย่างแน่นอน

ซิมโฟนีหมายเลข 1 “คลาสสิก”, ดีเมเจอร์, Op. 25

ผู้ควบคุมวง - Evgeny Svetlanov
บันทึกเสียงเมื่อปี พ.ศ. 2520

ไอ. อัลเลโกร

III. กาวอตต์. ไม่ใช่ troppo allegro

เทพนิยาย "ปีเตอร์กับหมาป่า" (2479)

จนกระทั่งสิ้นอายุขัย Prokofiev ยังคงรักษาความเป็นธรรมชาติของโลกทัศน์ของเขาไว้ ด้วยความที่เป็นเด็กอยู่ในใจ จึงมีความรู้สึกที่ดีต่อโลกภายในของเด็ก และแต่งเพลงสำหรับเด็กซ้ำแล้วซ้ำอีก: จากเทพนิยาย” ลูกเป็ดขี้เหร่"(1914) กับข้อความในเทพนิยายของ Hans Christian Andersen หน้าชุด "The Winter Fire" (1949) ซึ่งแต่งในปีสุดท้ายของชีวิต

การแต่งเพลงครั้งแรกของ Prokofiev หลังจากกลับมารัสเซียในปี 2479 จากการอพยพที่ยาวนานคือเทพนิยายไพเราะสำหรับเด็ก "Peter and the Wolf" ซึ่งรับหน้าที่โดย Natalia Sats สำหรับโรงละครเด็กกลาง ผู้ฟังรุ่นเยาว์ตกหลุมรักเทพนิยายและจดจำมันได้ด้วยภาพดนตรีที่สดใสของตัวละครซึ่งยังคงคุ้นเคยกับเด็กนักเรียนหลายคนไม่เพียง แต่ในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงต่างประเทศด้วย สำหรับเด็ก ๆ “ Peter and the Wolf” ทำหน้าที่ด้านการศึกษา: เทพนิยายเป็นแนวทางเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนี ด้วยงานนี้ Prokofiev คาดว่าจะมีคำแนะนำเกี่ยวกับวงซิมโฟนีออร์เคสตราสำหรับคนหนุ่มสาว (Variations and Fugue on a Theme of Purcell) ซึ่งเขียนขึ้นเกือบสิบปีต่อมาและมีแนวคิดที่คล้ายกันโดยนักแต่งเพลงชาวอังกฤษ Benjamin Britten

"ปีเตอร์กับหมาป่า" เทพนิยายไพเราะสำหรับเด็ก Op. 67
วงดุริยางค์ซิมโฟนีวิชาการแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต
ผู้ควบคุมวง - Evgeny Svetlanov
บันทึกปี 1970

บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" (2478-2479)

ผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งหลายชิ้นติดชาร์ตดนตรีคลาสสิกระดับนานาชาติ ได้แก่ บัลเลต์ Romeo and Juliet ของ Sergei Prokofiev มี ชะตากรรมที่ยากลำบาก- สองสัปดาห์ก่อนการฉายรอบปฐมทัศน์ตามกำหนดการประชุมใหญ่ของทีมสร้างสรรค์ของโรงละครคิรอฟได้ตัดสินใจยกเลิกการแสดงเพื่อหลีกเลี่ยงความล้มเหลวโดยสิ้นเชิงตามที่ทุกคนเชื่อ บางทีความรู้สึกดังกล่าวอาจได้รับแรงบันดาลใจบางส่วนจากบทความ "ความสับสนแทนดนตรี" ซึ่งตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ปราฟดาเมื่อเดือนมกราคม พ.ศ. 2479 ซึ่งวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีละครของมิทรีโชสตาโควิชอย่างรุนแรง ทั้งชุมชนโรงละครและ Prokofiev เองก็มองว่าบทความนี้เป็นการโจมตี ศิลปะร่วมสมัยโดยทั่วไปแล้วและตัดสินใจอย่างที่พวกเขาพูดกันว่าจะไม่เกิดปัญหา ขณะนั้นใน สภาพแวดล้อมทางการแสดงละครแม้กระทั่งการแพร่กระจาย เรื่องตลกที่โหดร้าย: “ไม่มีเรื่องราวเศร้าใดในโลกไปกว่าดนตรีบัลเล่ต์ของ Prokofiev!”

เป็นผลให้รอบปฐมทัศน์ของโรมิโอและจูเลียตเกิดขึ้นเพียงสองปีต่อมา โรงละครแห่งชาติเมืองเบอร์โนในประเทศเชโกสโลวาเกีย แต่ประชาชนในประเทศเห็นการผลิตเฉพาะในปี พ.ศ. 2483 เมื่อบัลเล่ต์ถูกจัดแสดงที่โรงละครคิรอฟในที่สุด และแม้ว่ารัฐบาลจะโจมตีการต่อสู้กับสิ่งที่เรียกว่า "ลัทธินอกระบบ" อีกครั้ง แต่บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" ของ Sergei Prokofiev ยังได้รับรางวัล Stalin Prize ด้วยซ้ำ

“โรมิโอและจูเลียต” บัลเลต์ 4 องก์ (9 ฉาก) Op. 64
ซิมโฟนีออร์เคสตราของโรงละครบอลชอยนักวิชาการแห่งสหภาพโซเวียต
ผู้ควบคุมวง - Gennady Rozhdestvensky
2502 บันทึก
วิศวกรเสียง - อเล็กซานเดอร์ กรอสแมน

องก์ที่ 1 ฉากที่ 1 3. ถนนตื่นขึ้น

องก์ที่ 1 ฉากที่สอง 13. การเต้นรำของอัศวิน

องก์ที่ 1 ฉากที่สอง 15. เมอร์คิวติโอ

คันทาตาสำหรับวันครบรอบ 20 ปีเดือนตุลาคม (พ.ศ. 2479–2480)

ในปี 1936 Sergei Prokofiev ผู้อพยพจากคลื่นลูกแรกหลังการปฏิวัติ นักแต่งเพลงและนักเปียโนที่เป็นผู้ใหญ่ ประสบความสำเร็จและเป็นที่ต้องการ ได้กลับมา โซเวียต รัสเซีย- เขาประทับใจอย่างมากกับการเปลี่ยนแปลงในประเทศซึ่งแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง การเล่นตามกฎใหม่จำเป็นต้องมีการปรับเปลี่ยนความคิดสร้างสรรค์บางประการด้วย และ Prokofiev ได้สร้างผลงานจำนวนหนึ่งที่มีลักษณะ "ในราชสำนัก" อย่างเปิดเผย: Cantata สำหรับวันครบรอบ 20 ปีของเดือนตุลาคม (พ.ศ. 2480) ซึ่งเขียนบนตำราคลาสสิกของลัทธิมาร์กซ์ - เลนิน, บทเพลง "Zdravitsa" แต่งขึ้นเพื่อฉลองครบรอบ 60 ปีของสตาลิน (พ.ศ. 2482) และบทเพลง "ดินแดนอันรุ่งโรจน์" ซึ่งอุทิศให้กับวันครบรอบ 30 ปี การปฏิวัติเดือนตุลาคม(1947) จริงอยู่ด้วยอารมณ์ขันที่แปลกประหลาดของ Prokofiev ซึ่งแสดงออกมาในตัวเขาเป็นครั้งคราว ภาษาดนตรีจนถึงตอนนี้ นักวิจารณ์เพลงไม่สามารถให้คำตอบที่ชัดเจนสำหรับคำถามที่ว่าผู้แต่งเขียนผลงานเหล่านี้ด้วยความจริงใจและจริงจังหรือมีการประชดในระดับหนึ่งหรือไม่ ตัวอย่างเช่น ในส่วนหนึ่งของบทเพลง "For the 20th Anniversary of October" ซึ่งเรียกว่า "The Crisis is Overdue" นักร้องเสียงโซปราโนร้องเพลง (หรือมากกว่านั้นคือรับสารภาพ) ในทะเบียนสูงสุด "วิกฤตเกินกำหนด! ” จากมากไปน้อยในครึ่งเสียง เสียงของธีมที่ตึงเครียดนี้ดูตลก - และการตัดสินใจที่คลุมเครือเช่นนี้จะพบได้ทุกครั้งในงาน "โปรโซเวียต" ของ Prokofiev

Cantata สำหรับวันครบรอบ 20 ปีเดือนตุลาคมสำหรับสองคน คณะนักร้องประสานเสียงผสม, วงซิมโฟนีและวงดุริยางค์ทหาร, วงออร์เคสตราหีบเพลงและเครื่องดนตรีเสียง, สหกรณ์. 74 (ฉบับย่อ)

คณะนักร้องประสานเสียงของรัฐ
ผู้กำกับศิลป์ - Alexander Yurlov
ซิมโฟนีออร์เคสตราของมอสโกฟิลฮาร์โมนิก
ผู้ควบคุมวง - คิริลล์ คอนดราชิน
บันทึกเมื่อปี พ.ศ. 2510
วิศวกรเสียง - David Gaklin

ข้อความโดยคาร์ล มาร์กซ์ และวลาดิมีร์ เลนิน:

การแนะนำ. ผีหลอกหลอนยุโรป ปีศาจแห่งลัทธิคอมมิวนิสต์

นักปรัชญา

การปฎิวัติ

เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Alexander Nevsky" (1938)

นักประพันธ์เพลงในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ต้องทำอะไรมากมายเป็นครั้งแรก และตัวอย่างงานศิลปะใหม่ที่พวกเขาสร้างขึ้นตอนนี้ถือเป็นตำราเรียนแล้ว สิ่งนี้ใช้ได้กับเพลงประกอบภาพยนตร์อย่างสมบูรณ์ เพียงเจ็ดปีหลังจากการปรากฏตัวของภาพยนตร์เสียงเรื่องแรกของสหภาพโซเวียต (The Road to Life, 1931) Sergei Prokofiev ก็เข้าร่วมในตำแหน่งบุคคลสำคัญในภาพยนตร์ ในบรรดาผลงานของเขาในแนวเพลงประกอบภาพยนตร์ โน้ตเพลงซิมโฟนีขนาดใหญ่โดดเด่น ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับภาพยนตร์เรื่อง Alexander Nevsky ของ Sergei Eisenstein (1938) ซึ่งต่อมาได้นำกลับมาทำใหม่เป็นเพลง Cantata ภายใต้ชื่อเดียวกัน (1939) รูปภาพหลายภาพที่ Prokofiev วางไว้ในเพลงนี้ (ฉากโศกเศร้าของ "ทุ่งมรณะ" การโจมตีของพวกครูเสดที่ไร้วิญญาณและมีเสียงกลไกการตอบโต้อย่างสนุกสนานของทหารม้ารัสเซีย) จนถึงทุกวันนี้เป็นจุดอ้างอิงเชิงโวหารสำหรับ นักแต่งเพลงภาพยนตร์ทั่วโลก

“ Alexander Nevsky”, บทร้องสำหรับเมซโซ-โซปราโน, นักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา (เนื้อเพลงโดย Vladimir Lugovsky และ Sergei Prokofiev), op. 78

Larisa Avdeeva เมซโซโซปราโน (Field of the Dead)
คณะนักร้องประสานเสียงนักวิชาการแห่งรัฐรัสเซียตั้งชื่อตาม A. A. Yurlov
นักร้องประสานเสียง - Alexander Yurlov
วงดุริยางค์ซิมโฟนีวิชาการแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต
ผู้ควบคุมวง - Evgeny Svetlanov
บันทึกปี 2509
วิศวกรเสียง - อเล็กซานเดอร์ กรอสแมน

เพลงเกี่ยวกับ Alexander Nevsky

การต่อสู้น้ำแข็ง

สนามแห่งความตาย

Sergei Prokofiev เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่โดดเด่นและเป็นบุคคลที่มีโชคชะตาที่ไม่เหมือนใคร ชายผู้มีความสามารถอันน่าทึ่งและเข้าโรงเรียนสอนดนตรีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่ออายุเพียง 13 ปี ชายผู้ไปต่างประเทศหลังการปฏิวัติ แต่กลับมายังสหภาพโซเวียต - ด้วยเกียรติและไม่มีตราบาปของ "ผู้แปรพักตร์" บุคคลผู้มีความมุ่งมั่นแน่วแน่ ไม่ท้อแท้กับความยากลำบากของชีวิต เขาได้รับการสนับสนุนจากเจ้าหน้าที่ ได้รับรางวัลสูงสุดจากรัฐ จากนั้นในช่วงชีวิตของเขา ถูกส่งตัวไปสู่การลืมเลือนและความอับอาย ชายผู้ถูกเรียกว่า "อัจฉริยะแต่เพียงผู้เดียว" แห่งศตวรรษที่ 20 และมีผลงานอันน่าทึ่งที่สร้างความพึงพอใจให้กับผู้ฟังทั่วโลก

ประวัติโดยย่อ เซอร์เกย์ โปรโคฟิเยฟและอีกมาก ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจอ่านเกี่ยวกับผู้แต่งในหน้าของเรา

ชีวประวัติโดยย่อของ Prokofiev

Sergei Sergeevich Prokofiev มาจากหมู่บ้าน Sontsovka ของยูเครน วันเกิดของเขามีหลายเวอร์ชัน แต่ขอแนะนำให้ระบุวันเกิดที่เขาระบุไว้ใน "อัตชีวประวัติ" ของเขา - 11 เมษายน (23) พ.ศ. 2434 ดูเหมือนว่าเขาจะเกิดมาเป็นนักแต่งเพลงแล้วเพราะต้องขอบคุณ Maria Grigorievna แม่ของเขาที่เล่นเปียโนได้อย่างยอดเยี่ยมบ้านของ Prokofievs จึงเต็มไปด้วยดนตรี ความสนใจในเครื่องดนตรีทำให้ Seryozha ตัวน้อยเริ่มเรียนรู้ที่จะเล่น ตั้งแต่ปี 1902 Sergei Prokofiev เริ่มสอนดนตรี อาร์.เอ็ม. แวววาว.

Prokofiev กลายเป็นนักเรียนที่ Moscow Conservatory ในปี 1904 ห้าปีต่อมาเขาสำเร็จการศึกษาจากแผนกการเรียบเรียง และอีกห้าปีต่อมาจากแผนกเปียโน เขาก็กลายเป็นบัณฑิตที่ดีที่สุด เขาเริ่มแสดงคอนเสิร์ตในปี พ.ศ. 2451 การเปิดตัวครั้งแรกได้รับการประเมินอย่างดีจากนักวิจารณ์และทั้งความสามารถในการแสดงและความคิดริเริ่มของนักแต่งเพลงก็ได้รับการกล่าวถึง ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2454 แผ่นเพลงผลงานของเขาได้รับการตีพิมพ์ จุดเปลี่ยนในชะตากรรมของ Prokofiev รุ่นเยาว์คือการที่เขารู้จัก เอส.พี. ไดอากีเลฟในปี พ.ศ. 2457 ต้องขอบคุณสหภาพของผู้ประกอบการและนักแต่งเพลงที่ทำให้เกิดบัลเล่ต์สี่ตัว ในปี 1915 Diaghilev ได้จัดการแสดงต่างประเทศครั้งแรกของ Prokofiev ด้วยโปรแกรมที่ประกอบด้วยการเรียบเรียงของเขา

Prokofiev มองว่าการปฏิวัติเป็นการทำลายล้าง "การสังหารหมู่และเกม" ดังนั้นปีหน้าฉันไปโตเกียวและจากที่นั่นไปนิวยอร์ก เขาอาศัยอยู่ในฝรั่งเศสเป็นเวลานาน โดยท่องเที่ยวไปในโลกเก่าและโลกใหม่ในฐานะนักเปียโน ในปี 1923 เขาแต่งงานกับนักร้องชาวสเปน Lina Codina และพวกเขามีลูกชายสองคน ที่จะมาแสดงใน. สหภาพโซเวียต Prokofiev มองเห็นการต้อนรับจากทางการอย่างจริงใจและหรูหราเป็นพิเศษ ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่กับสาธารณชนซึ่งเขาไม่เคยเห็นมาก่อนในต่างประเทศ และยังได้รับข้อเสนอให้กลับมาและคำมั่นสัญญาเกี่ยวกับสถานะของ "นักแต่งเพลงคนแรก" และในปีพ. ศ. 2479 Prokofiev ย้ายไปมอสโคว์พร้อมครอบครัวและทรัพย์สินของเขา เจ้าหน้าที่ไม่ได้หลอกลวงเขา - อพาร์ทเมนต์หรูหราคนรับใช้ที่ได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีคำสั่งหลั่งไหลเข้ามาราวกับมาจากความอุดมสมบูรณ์ ในปี 1941 Prokofiev ออกจากครอบครัวของเขาไปที่ Mira Mendelsohn

ปี 1948 เริ่มต้นขึ้นด้วยเหตุการณ์ดราม่าที่คาดไม่ถึง ชื่อของ Prokofiev ถูกกล่าวถึงในมติพรรค "ในโอเปร่า "The Great Friendship" โดย V. Muradeli" ผู้แต่งถูกจัดเป็น "ผู้เป็นทางการ" เป็นผลให้ผลงานบางชิ้นของเขาโดยเฉพาะ Sixth Symphony ถูกแบนในขณะที่งานอื่น ๆ แทบไม่เคยแสดงเลย อย่างไรก็ตาม ในปี 1949 คำสั่งส่วนตัวของสตาลินได้ยกเลิกข้อจำกัดเหล่านี้แล้ว ปรากฎว่าแม้แต่ "นักแต่งเพลงคนแรก" ของประเทศก็ไม่ได้อยู่ในวรรณะที่ไม่สามารถแตะต้องได้ น้อยกว่าสิบวันหลังจากการตีพิมพ์คำสั่งทำลายล้าง Lina Ivanovna ภรรยาคนแรกของนักแต่งเพลงก็ถูกจับกุม เธอถูกตัดสินจำคุก 20 ปีในค่ายข้อหาจารกรรมและกบฏ เธอจะได้รับการปล่อยตัวในปี พ.ศ. 2499 เท่านั้น สุขภาพของ Prokofiev แย่ลงอย่างเห็นได้ชัดแพทย์แนะนำให้เขาแทบจะไม่ทำงาน อย่างไรก็ตามในปี 1952 เขาได้เข้าร่วมการแสดงครั้งแรกของ Seventh Symphony เป็นการส่วนตัว และเขียนเพลงแม้ในวันสุดท้ายของชีวิต ในตอนเย็นของวันที่ 5 มีนาคม พ.ศ. 2496 หัวใจของ Sergei Prokofiev หยุดเต้น...

Prokofiev - นักแต่งเพลง

จากชีวประวัติของ Prokofiev เรารู้ว่าตอนอายุห้าขวบ Seryozha เกิดและเล่นเปียโนชิ้นแรกของเขา (บันทึกโดย Maria Grigorievna) เคยเยี่ยมชมโปรดักชั่นของมอสโกในปี 2443 " เฟาสท์" และ " เจ้าหญิงนิทรา“ เด็กน้อยได้รับแรงบันดาลใจจากสิ่งที่ได้ยิน จนเพียงหกเดือนต่อมา โอเปร่าเรื่องแรกของเขาเรื่อง "The Giant" ก็ถือกำเนิดขึ้น ตอนที่ฉันเข้าไปในเรือนกระจก ฉันได้สะสมเรียงความหลายโฟลเดอร์

แนวคิดเกี่ยวกับโอเปร่าครั้งใหญ่เรื่องแรกของเขาที่สร้างจากนวนิยายของ F.M. ดอสโตเยฟสกี้” ผู้เล่น" ซึ่ง Prokofiev ตัดสินใจย้ายไปแสดงบนเวทีโอเปร่าตั้งแต่ยังเป็นเด็ก นักแต่งเพลงได้หารือกับ S. Diaghilev เป็นหลัก อย่างไรก็ตาม ใครบ้างที่ไม่สนใจแนวคิดนี้ ต่างจากหัวหน้าวาทยกรของ Mariinsky Theatre A. Coates ที่สนับสนุนเธอ โอเปร่าสร้างเสร็จในปี 2459 ได้รับมอบหมายบทบาทการซ้อมเริ่มขึ้น แต่เนื่องจากอุปสรรคที่โชคร้ายรอบปฐมทัศน์จึงไม่เกิดขึ้น หลังจากนั้นไม่นาน Prokofiev ได้สร้างโอเปร่าฉบับที่สอง แต่โรงละครบอลชอยจัดแสดงในปี 1974 เท่านั้น ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลง มีเพียงฉบับที่สองเท่านั้นที่จัดแสดงโดยโรงละครบรัสเซลส์ลามอนนาอีในปี พ.ศ. 2472 โดยมีการแสดงโอเปร่าเป็นภาษาฝรั่งเศส งานสุดท้ายซึ่งเขียนและแสดงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก่อนการปฏิวัติคือซิมโฟนีครั้งแรก ในช่วงที่อาศัยอยู่ต่างประเทศมีการสร้างสิ่งต่อไปนี้: โอเปร่า " รักสามส้ม" และ "นางฟ้าไฟ" 3 ซิมโฟนี โซนาต้าและบทละครมากมาย เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "ผู้หมวดกีเจ๋อ" คอนเสิร์ตสำหรับ เชลโล, เปียโน, ไวโอลินกับวงออเคสตรา

การกลับคืนสู่สหภาพโซเวียตเป็นช่วงเวลาแห่งการสร้างสรรค์อย่างรวดเร็วของ Prokofiev เมื่อผลงานที่กลายเป็นของเขา " นามบัตร» แม้แต่สำหรับผู้ที่ไม่ค่อยคุ้นเคยกับดนตรีคลาสสิก - บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" และเทพนิยายไพเราะเรื่อง Peter and the Wolf ในปีพ.ศ. 2483 โรงละครโอเปร่าได้รับการตั้งชื่อตาม เค.เอส. Stanislavsky นำเสนอรอบปฐมทัศน์ของ Semyon Kotko ในเวลาเดียวกัน งานโอเปร่า "Betrothal in a Monastery" ก็เสร็จสมบูรณ์โดยที่ M. Mendelssohn ร่วมประพันธ์บทนี้

ในปี 1938 ภาพยนตร์เรื่อง "Alexander Nevsky" ของ S. Eisenstein ได้รับการปล่อยตัวซึ่งไม่กี่ปีต่อมาถูกกำหนดให้กลายเป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้กับผู้รุกรานของนาซี เพลงของภาพยนตร์เรื่องนี้ เช่นเดียวกับภาพยนตร์อนุสรณ์เรื่องที่สองของผู้กำกับเรื่อง "Ivan the Terrible" ที่เขียนโดย Sergei Prokofiev ในช่วงสงครามมีการอพยพไปยังคอเคซัสรวมถึงงานหลักสามชิ้น: ซิมโฟนีที่ห้า, บัลเล่ต์ "ซินเดอเรลล่า", โอเปร่า " สงครามและสันติภาพ- ผู้เขียนบทละครโอเปร่านี้และผลงานต่อมาของนักแต่งเพลงคือภรรยาคนที่สองของเขา ช่วงหลังสงครามมีความโดดเด่นเป็นหลักสำหรับสองซิมโฟนี - ส่วนที่หกซึ่งถือเป็นพิธีบังสุกุลสำหรับผู้ที่ตกเป็นเหยื่อของสงครามและส่วนที่เจ็ดซึ่งอุทิศให้กับเยาวชนและความหวัง

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ:

เวอร์ชันของโอเปร่า The Gambler ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับโรงละคร Mariinsky ในปี 1916 ไม่เคยแสดงบนเวที รอบปฐมทัศน์ของฉบับที่สองเกิดขึ้นเฉพาะในปี 1991
ในช่วงชีวิตของ Prokofiev มีการแสดงโอเปร่าของเขาเพียง 4 เรื่องเท่านั้นที่จัดแสดงในสหภาพโซเวียต ในเวลาเดียวกันไม่ใช่คนเดียวที่โรงละครบอลชอย
Sergei Prokofiev ทิ้งภรรยาม่ายตามกฎหมายสองคน หนึ่งเดือนก่อนการจับกุม L. Prokofieva ซึ่งไม่ได้หย่ากับเขาด้วยเหตุผลด้านความปลอดภัยของเธอเองหรือเพราะเธอไม่ต้องการปล่อยคนที่เธอรักไปอย่างจริงใจผู้แต่งจึงแต่งงานใหม่ เขาได้รับคำแนะนำให้ใช้ประโยชน์จากบทบัญญัติทางกฎหมายของพระราชกฤษฎีกาห้ามแต่งงานกับชาวต่างชาติซึ่งเป็นที่ยอมรับ การแต่งงานในโบสถ์กับลีนา อิวานอฟนา สรุปที่เยอรมนี ไม่ถูกต้อง Prokofiev รีบเร่งสร้างความชอบธรรมให้กับความสัมพันธ์กับ M. Mendelssohn ดังนั้นจึงเปิดเผย อดีตภรรยาภายใต้การโจมตีของกลไกปราบปรามของโซเวียต ท้ายที่สุดด้วยปลายปากกาและขัดต่อความตั้งใจของเธอ เธอก็เปลี่ยนจากภรรยาของ Prokofiev มาเป็นชาวต่างชาติที่โดดเดี่ยวที่รักษาความสัมพันธ์กับชาวต่างชาติคนอื่น ๆ ในมอสโกว เมื่อกลับจากค่าย ภรรยาคนแรกของนักแต่งเพลงได้คืนสิทธิในการสมรสทั้งหมดของเธอผ่านศาล รวมถึงส่วนสำคัญของมรดกด้วย
นักแต่งเพลงเป็นนักเล่นหมากรุกที่ยอดเยี่ยม - “หมากรุกคือดนตรีแห่งความคิด” เป็นหนึ่งในคำพังเพยที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา เมื่อเขาสามารถชนะเกมกับแชมป์หมากรุกโลก H.-R. คาปาบลังกา.

ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2459 ถึง พ.ศ. 2464 Prokofiev รวบรวมอัลบั้มลายเซ็นต์จากเพื่อนของเขาที่ตอบคำถาม: "คุณคิดอย่างไรเกี่ยวกับดวงอาทิตย์" ในบรรดาผู้ที่ตอบคือ K. Petrov-Vodkin, A. Dostoevskaya, F. Chaliapin, A. Rubinstein, V. Burliuk, V. Mayakovsky, K. Balmont งานของ Prokofiev มักเรียกว่าสดใส มองโลกในแง่ดี และร่าเริง แม้แต่สถานที่เกิดของเขาในบางแหล่งก็เรียกว่า Solntsevka
ชีวประวัติของ Prokofiev ตั้งข้อสังเกตว่าในปีแรกของการแสดงของนักแต่งเพลงในสหรัฐอเมริกาเขาถูกเรียกว่า "ดนตรีบอลเชวิค" ที่นั่น ประชาชนชาวอเมริกันกลับกลายเป็นคนอนุรักษ์นิยมเกินกว่าจะเข้าใจดนตรีของเขา นอกจากนี้เธอยังมีไอดอลรัสเซียของเธออยู่แล้ว - Sergei Rachmaninov
เมื่อเขากลับไปยังสหภาพโซเวียต Prokofiev ได้รับอพาร์ทเมนต์กว้างขวางในบ้านที่ Zemlyanoy Val อายุ 14 ปีซึ่งอาศัยอยู่โดยเฉพาะอย่างยิ่ง: นักบิน V. Chkalov กวี S. Marshak นักแสดง B. Chirkov ศิลปิน K. Yuon พวกเขายังอนุญาตให้เรานำรถฟอร์ดสีน้ำเงินที่ซื้อจากต่างประเทศติดตัวไปด้วย และแม้แต่คนขับส่วนตัวด้วย
ผู้ร่วมสมัยตั้งข้อสังเกตถึงความสามารถของ Sergei Sergeevich ในการแต่งตัวอย่างมีรสนิยม เขาไม่รู้สึกเขินอายกับสีสันสดใสหรือเสื้อผ้าที่จัดจ้าน เขาชอบน้ำหอมฝรั่งเศสและเครื่องประดับราคาแพง เช่น เนคไท ไวน์ชั้นดี และอาหารเลิศรส
Sergei Prokofiev เก็บไดอารี่ส่วนตัวโดยละเอียดมาเป็นเวลา 26 ปี แต่หลังจากย้ายมาอยู่ที่สหภาพโซเวียต ฉันตัดสินใจว่าจะไม่ทำสิ่งนี้อีกต่อไป

หลังสงคราม Prokofiev ส่วนใหญ่อาศัยอยู่ในเดชาในหมู่บ้าน Nikolina Gora ใกล้มอสโกซึ่งเขาซื้อด้วยเงินจากรางวัลสตาลินที่ห้า ในมอสโกบ้านของเขามีสามห้องในอพาร์ทเมนต์ส่วนกลางซึ่งนอกจากนักแต่งเพลงและภรรยาของเขาแล้วพ่อเลี้ยงของ Mira Abramovna ก็อาศัยอยู่ด้วย
ผู้แต่งมักรวมเอาชิ้นส่วนและท่วงทำนองของผลงานก่อนหน้านี้ไว้ในผลงานของเขา ตัวอย่างได้แก่:
- เพลงของบัลเล่ต์ "Ala and Lolliy" ซึ่ง S. Diaghilev ปฏิเสธที่จะแสดงถูก Prokofiev นำกลับมาทำใหม่ใน Scythian Suite
- เพลงของ Third Symphony นำมาจากโอเปร่า "The Fiery Angel"
- The Fourth Symphony เกิดจากดนตรีบัลเล่ต์ "Prodigal Son";
- ธีม "Tatar Steppe" จากภาพยนตร์เรื่อง "Ivan the Terrible" เป็นพื้นฐานของเพลงของ Kutuzov ในโอเปร่า "War and Peace"
ฉันได้ดู "Steel Leap" เป็นครั้งแรก ฉากรัสเซียเฉพาะในปี 2558 หรือ 90 ปีหลังจากการสร้าง
นักแต่งเพลงทำงานคู่กับ Katerina และ Danila จากบัลเล่ต์เรื่อง The Tale of the Stone Flower ไม่กี่ชั่วโมงก่อนที่เขาจะเสียชีวิต
ชีวิตของเอส.เอส. Prokofiev และ I.V. การเสียชีวิตของสตาลินสิ้นสุดลงในวันเดียวกัน ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้มีการประกาศการเสียชีวิตของนักแต่งเพลงทางวิทยุล่าช้า และการจัดงานศพก็มีความซับซ้อนอย่างมาก

Sergei Prokofiev และโรงภาพยนตร์

การสร้างสรรค์ดนตรีสำหรับภาพยนตร์โดยนักแต่งเพลงระดับนี้ไม่เคยมีแบบอย่างในงานศิลปะ ในปี พ.ศ. 2473–40 Sergei Prokofiev เขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์แปดเรื่อง หนึ่งในนั้น” ราชินีแห่งจอบ"(1936) ไม่เคยได้รับการปล่อยตัวเนื่องจากไฟไหม้ที่ Mosfilm ซึ่งทำลายภาพยนตร์ เพลงของ Prokofiev สำหรับภาพยนตร์เรื่องแรกของเขา Lieutenant Kizhe ได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ผู้แต่งได้สร้างชุดซิมโฟนิกซึ่งแสดงโดยออเคสตร้าทั่วโลก ต่อมามีการสร้างบัลเล่ต์สองชุดสำหรับเพลงนี้ อย่างไรก็ตาม Prokofiev ไม่ยอมรับข้อเสนอของผู้สร้างภาพยนตร์ในทันที - ปฏิกิริยาแรกของเขาคือการปฏิเสธ แต่หลังจากอ่านบทและอภิปรายอย่างละเอียดเกี่ยวกับแผนของผู้กำกับแล้ว เขาก็เริ่มสนใจแนวคิดนี้ และดังที่เขาบันทึกไว้ในอัตชีวประวัติของเขา เขาก็ทำงานอย่างรวดเร็วและมีความสุขกับเพลงสำหรับ "Lieutenant Kizha" การสร้างชุดนี้ต้องใช้เวลามากขึ้น การเรียบเรียงใหม่ และแม้กระทั่งการปรับปรุงบางธีมใหม่

ต่างจาก “ผู้หมวด Kizhe” ข้อเสนอในการเขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่องนี้ “ อเล็กซานเดอร์ เนฟสกี้“ Prokofiev ยอมรับโดยไม่ลังเล พวกเขารู้จัก Sergei Eisenstein มานานแล้ว Prokofiev ยังคิดว่าตัวเองเป็นแฟนตัวยงของผู้กำกับด้วยซ้ำ การทำงานด้านภาพวาดกลายเป็นชัยชนะของการสร้างสรรค์ร่วมกันอย่างแท้จริง บางครั้งผู้แต่งก็เขียน ข้อความดนตรีและผู้กำกับก็ใช้การถ่ายทำและการตัดต่อตอนเป็นหลัก บางครั้ง Prokofiev ก็ดูเนื้อหาที่เสร็จแล้วใช้นิ้วแตะจังหวะบนไม้และหลังจากนั้นไม่นานก็นำโน้ตที่เสร็จแล้วมา เพลงของ "Alexander Nevsky" รวบรวมคุณสมบัติหลักทั้งหมดของพรสวรรค์ของ Prokofiev และสมควรเข้าสู่กองทุนทองคำของวัฒนธรรมโลก ในช่วงสงคราม Prokofiev ได้สร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์รักชาติสามเรื่อง: "สมัครพรรคพวกในสเตปป์ของยูเครน", "Kotovsky", "Tonya" (จากคอลเลกชันภาพยนตร์ "Our Girls") รวมถึงภาพยนตร์ชีวประวัติ "Lermontov" ( ร่วมกับ V. Pushkov)

สิ่งสำคัญครั้งสุดท้ายคือผลงานของ Prokofiev ในภาพยนตร์ของ S. Eisenstein เรื่อง “Ivan the Terrible” ซึ่งเริ่มต้นใน Alma-Ata เพลงของ "Ivan the Terrible" ยังคงธีมของ "Alexander Nevsky" ด้วยพลังมหากาพย์พื้นบ้าน แต่ภาพยนตร์ร่วมเรื่องที่สองของอัจฉริยะทั้งสองไม่เพียงแต่ประกอบด้วยฉากที่กล้าหาญเท่านั้น แต่ยังบอกเล่าเรื่องราวของการสมรู้ร่วมคิดแบบโบยาร์และการวางอุบายทางการทูตซึ่งต้องใช้ผืนผ้าใบดนตรีที่หลากหลายมากขึ้น ผลงานของนักแต่งเพลงนี้ได้รับรางวัลสตาลิน หลังจากการตายของ Prokofiev ดนตรีของ "Ivan the Terrible" ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้าง oratorio และบัลเล่ต์

แม้ว่าชะตากรรมอันน่าทึ่งของ Sergei Prokofiev สามารถสร้างพื้นฐานของบทภาพยนตร์ที่น่าสนใจได้ ภาพวาดศิลปะยังไม่มีข้อมูลเกี่ยวกับชีวิตของนักแต่งเพลง สำหรับวันครบรอบต่างๆ - ตั้งแต่วันเกิดหรือวันตาย - มีการสร้างเฉพาะภาพยนตร์และรายการทีวีเท่านั้น บางทีอาจเป็นเพราะไม่มีใครตีความการกระทำที่คลุมเครือของ Sergei Sergeevich อย่างไม่คลุมเครือ เขากลับไปสหภาพโซเวียตด้วยเหตุผลอะไร? อยู่ที่นั่น ยุคโซเวียตงานของเขาสอดคล้องหรือสร้างสรรค์หรือไม่? ทำไมการแต่งงานครั้งแรกของเขาถึงเลิกกัน? เหตุใดเขาจึงยอมให้ Lina Ivanovna ปฏิเสธที่จะอพยพจากมอสโกในช่วงสงครามและอย่างน้อยก็พาเด็ก ๆ ออกไป? และเขายังสนใจสิ่งอื่นใดนอกเหนือจากความไร้สาระและการเติมเต็มอย่างสร้างสรรค์ของตัวเอง เช่น ชะตากรรมของภรรยาคนแรกที่ถูกจับกุมและลูกชายของเขาเองหรือไม่? ไม่มีคำตอบสำหรับคำถามเหล่านี้และคำถามเร่งด่วนอื่นๆ อีกมากมาย มีความคิดเห็นและการคาดเดาที่อาจไม่ยุติธรรมกับนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่

Sergei Prokofiev ในชีวิตของนักดนตรีที่โดดเด่น

เซอร์เกย์ ทาเนเยฟ พูดเกี่ยวกับ Seryozha Prokofiev วัยเก้าขวบว่าเขามีความสามารถที่โดดเด่นและมีไหวพริบที่แน่นอน
เรื่อง การบันทึกเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง “ร้อยโทกีเจ๋อ” วงซิมโฟนีออร์เคสตรากำกับโดยวาทยากรหนุ่ม Isaac Dunaevsky ต่อจากนั้นในจดหมายส่วนตัว Dunaevsky แสดงทัศนคติที่ไม่ชัดเจนต่อ Prokofiev เนื่องจากตำแหน่งที่มีสิทธิพิเศษของคนหลัง
ชีวประวัติของ Prokofiev ระบุว่านักแต่งเพลง Boris Asafiev เป็นเพื่อนร่วมชั้นที่ Conservatory และเป็นเพื่อนเก่าแก่ของ Prokofiev อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ในการประชุมครั้งแรกของนักแต่งเพลงชาวโซเวียตในปี พ.ศ. 2491 มีการอ่านสุนทรพจน์ในนามของเขาซึ่งงานของ "ผู้เป็นทางการ" Prokofiev นั้นเทียบได้กับลัทธิฟาสซิสต์ นอกจากนี้ Asafiev ในนามของ Zhdanov ได้แก้ไขมติ "ในโอเปร่า "Great Friendship" โดย V. Muradeli" ซึ่งเขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นประธานคณะกรรมการจัดงานของ Union of Composers
บัลเล่ต์ "On the Dnieper" กลายเป็นผลงานเปิดตัวสำหรับนักออกแบบท่าเต้นสองคนจากรุ่นต่างๆ - Serge Lifar ในฐานะนักออกแบบท่าเต้น ปารีสโอเปร่าในปี 1930 และ Alexei Ratmansky ที่ American Ballet Theatre (2009)
Mstislav Rostropovich เป็นมิตรกับ Sergei Prokofiev มากซึ่งนักแต่งเพลงได้สร้าง Symphony-Concerto สำหรับเชลโลและวงออเคสตรา
บทบาทของ Polina ในการผลิตโอเปร่า The Gambler (1974) รอบปฐมทัศน์ของโรงละครบอลชอยเป็นบทบาทสุดท้ายของ Galina Vishnevskaya ก่อนที่จะอพยพ
Galina Ulanova นักแสดงคนแรกในบทบาทของ Juliet เล่าว่าเธอเป็นหนึ่งในคนที่เชื่อว่า "ไม่มีเรื่องราวที่น่าเศร้าในโลกนี้ไปกว่าดนตรีของ Prokofiev ในบัลเล่ต์" ทำนองของผู้แต่ง จังหวะและอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วสร้างปัญหาในการทำความเข้าใจแนวคิดและการแสดงบทบาท หลายปีต่อมา Galina Sergeevna จะบอกว่าหากเธอถูกถามว่าเพลงของ "Romeo and Juliet" ควรเป็นเพลงอะไรเธอก็จะตอบ - มีเพียงเพลงที่ Prokofiev เขียนเท่านั้น

ส.ส. Prokofiev เป็นนักแต่งเพลงคนโปรดของ Valery Gergiev อาชีพของเขาในฐานะวาทยกรที่โรงละคร Kirov (Mariinsky) เริ่มต้นด้วยโอเปร่าเรื่อง "War and Peace" บางทีด้วยเหตุผลนี้ โรงละคร Mariinsky จึงเป็นโรงละครแห่งเดียวในโลกที่มีละครรวมผลงานของ Prokofiev ถึง 12 เรื่อง สำหรับวันเกิดปีที่ 125 ของนักแต่งเพลงในเดือนเมษายน 2016 Mariinsky Theatre Orchestra ได้เล่นซิมโฟนีของเขาทั้ง 7 เพลงในวันครบรอบสามวัน Valery Gergiev เป็นผู้ที่ช่วยชีวิตเดชาของนักแต่งเพลงจากการถูกทำลายด้วยการซื้อมันและบริจาคให้กับมูลนิธิการกุศลของเขาซึ่งมีแผนจะสร้างศูนย์วัฒนธรรมที่นั่น

มักเกิดขึ้นกับอัจฉริยะผู้สนใจดนตรี เซอร์เกย์ โปรโคฟิเยฟยิ่งเวลาผ่านไปนับจากวันที่เขียนมากขึ้นเท่านั้น เธอไม่เพียงแต่ก้าวแซงหน้าผู้ฟังในรุ่นของเธอเท่านั้น แม้จะอยู่ในศตวรรษที่ 21 ของความไม่ลงรอยกัน แต่ก็ไม่ใช่เพลงคลาสสิกที่เยือกแข็ง แต่เป็นแหล่งพลังงานที่มีชีวิตและพลังแห่งความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริง

วิดีโอ: ชมภาพยนตร์เกี่ยวกับ S. Prokofiev

สิบสองชิ้นง่าย ๆ สำหรับเปียโน

“ ในฤดูร้อนปี 1935 ในเวลาเดียวกันกับโรมิโอและจูเลียต ฉันกำลังแต่งบทละครเบา ๆ สำหรับเด็ก ๆ ซึ่งความรักอันเก่าแก่ของฉันที่มีต่อโซนาติน่าได้ตื่นขึ้นและเข้าถึงความเป็นเด็กโดยสมบูรณ์ตามที่ฉันคิดว่าสำหรับฉัน ในฤดูใบไม้ร่วงมีทั้งหมดโหลซึ่งต่อมาได้รับการตีพิมพ์เป็นคอลเลคชันชื่อ "Children's Music" op. 65. ละครเรื่องสุดท้าย “พระจันทร์เดินข้ามทุ่งหญ้า” เขียนด้วยภาษาของตัวเอง ไม่ใช่ ธีมพื้นบ้าน- ตอนนั้นฉันอาศัยอยู่ที่ Polenov ในกระท่อมอีกหลังหนึ่งพร้อมระเบียงริมแม่น้ำ Oka และในตอนเย็นฉันชื่นชมการใช้เวลาหนึ่งเดือนเดินผ่านทุ่งหญ้าและทุ่งหญ้า เห็นได้ชัดว่ามีความต้องการดนตรีสำหรับเด็ก...” ผู้แต่งเขียนไว้ใน “อัตชีวประวัติ” ของเขา

“Twelve Easy Pieces” ตามที่ Prokofiev กำหนดไว้ว่า “Children’s Music” เป็นชุดโปรแกรมภาพร่างเกี่ยวกับ วันฤดูร้อนเด็ก. ความจริงที่ว่าเรากำลังพูดถึงวันในฤดูร้อนโดยเฉพาะนั้น ไม่เพียงแต่เห็นได้จากชื่อเรื่องเท่านั้น การถอดเสียงดนตรีของชุด (หรือแม่นยำกว่านั้นคือตัวเลขเจ็ดตัว) นักแต่งเพลงเรียก: "วันฤดูร้อน" (บทที่ 65 ทวิ 2484) เหมือนเดิมมีการสังเคราะห์ "สองครั้ง" ในห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์ของ Prokofiev เกี่ยวกับความประทับใจเฉพาะของ "ฤดูร้อนของ Polenov" และความทรงจำอันห่างไกลของฤดูร้อนใน Sontsovka ในด้านหนึ่งและโลกแห่งประสบการณ์และความคิดในวัยเด็ก นิยายสำหรับเด็กและ " คือ” โดยทั่วไปในอีกทางหนึ่ง ยิ่งไปกว่านั้น แนวคิดเรื่อง "ความเป็นเด็ก" สำหรับ Prokofiev นั้นเชื่อมโยงกับแนวคิดเรื่องฤดูร้อนและแสงแดดอย่างแยกไม่ออก Prokofiev พูดถูกเมื่อเขาอ้างว่าเขาได้ "ความเป็นเด็กโดยสมบูรณ์" ในชุดนี้ สิบสองชิ้น, op. 65 ถือเป็นก้าวสำคัญสำหรับ เส้นทางที่สร้างสรรค์นักแต่งเพลง พวกเขาเปิด โลกทั้งใบความคิดสร้างสรรค์อันน่ารื่นรมย์ของเขาสำหรับเด็กๆ โลกที่เขาสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่ไม่เสื่อมคลายในความสดใหม่และความเป็นธรรมชาติของพวกเขา ด้วยความสุขอันเจิดจ้าและความจริงใจของพวกเขา

ทั้งหมดนี้ค่อนข้างเป็นธรรมชาติและแสดงอาการอย่างลึกซึ้ง Prokofiev - ชายและศิลปิน - หลงใหลในโลกของเด็ก ๆ เสมอฟังโลกที่ละเอียดอ่อนและมีเอกลักษณ์ทางจิตใจด้วยความรักและละเอียดอ่อนและเมื่อสังเกตพบว่าตัวเองยอมจำนนต่อเสน่ห์ของมัน ตามธรรมชาติของนักแต่งเพลงนั้นมีชีวิตอยู่ - ไม่เคยจางหายไป แต่ในทางกลับกันกลับเป็นที่ยอมรับมากขึ้นเรื่อย ๆ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา - แนวโน้มที่จะรับรู้สภาพแวดล้อมจากมุมมองของเยาวชนที่ร่าเริง แสงที่เหมือนฤดูใบไม้ผลิ และวัยรุ่นที่บริสุทธิ์และตรงไปตรงมา ดังนั้นโลกแห่งภาพเด็ก ๆ ของ Prokofiev จึงเป็นธรรมชาติทางศิลปะ เป็นธรรมชาติ ปราศจากองค์ประกอบของเสียงกระเพื่อมที่ผิด ๆ หรือความงามทางอารมณ์ซึ่งไม่ใช่ลักษณะของจิตใจเด็กที่มีสุขภาพดี นี่คือด้านใดด้านหนึ่ง โลกภายในนักแต่งเพลงเองซึ่งในเวลาต่างกันพบว่ามีภาพสะท้อนที่แตกต่างกันในงานของเขา อย่างไรก็ตามความปรารถนาในความบริสุทธิ์และความสดใหม่ของโลกทัศน์ของเด็กสามารถอธิบายความดึงดูดใจของ Prokofiev ที่มีต่อสไตล์โซนาติน่าได้ในระดับหนึ่งเท่านั้น

การสร้างความคล้ายคลึงที่รู้จักกันดีระหว่างโลกแห่งภาพเด็กกับขอบเขตของตัวละครเด็กผู้หญิงที่เปราะบางและมีเสน่ห์ในผลงานละครเพลงและละครเวทีของเขาไม่ใช่เรื่องยาก ทั้ง Seventh Symphony และ Ninth Piano Sonata ซึ่งสรุปผลงานของผู้แต่งล้วนเต็มไปด้วยความทรงจำอันสง่างามในวัยเด็ก

อย่างไรก็ตาม "สไตล์ Sonatina" ของ Prokofiev มีการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในวงจรการเล่นของเด็ก ประการแรกเขาได้รับการปลดปล่อยจากองค์ประกอบของนีโอคลาสสิกอย่างสมบูรณ์ กราฟิกถูกแทนที่ด้วยภาพที่เป็นรูปธรรมและการเขียนโปรแกรมที่สมจริง ความเป็นกลางในความหมาย สีประจำชาติหลีกทางให้กับความไพเราะของรัสเซียและการใช้วลีพื้นบ้านอย่างละเอียดอ่อน ความเด่นของรูปสามรูปประกอบด้วยความบริสุทธิ์ ความสงบ และความเงียบสงบของภาพ แทนที่จะมีความซับซ้อนด้วยการ "เล่นสนุก" ของความเรียบง่ายแบบใหม่ มุมมองที่แจ่มชัดของโลกกลับปรากฏอย่างกระจ่างชัดผ่านสายตาที่เปิดกว้างและอยากรู้อยากเห็นของเด็ก ความสามารถในการถ่ายทอดโลกทัศน์ของเด็กเอง และไม่สร้างสรรค์ดนตรีเกี่ยวกับตัวเขาหรือเพื่อเขา ดังที่นักดนตรีหลายคนกล่าวไว้ ซึ่งทำให้วงจรนี้แตกต่างจากละครเด็กหลายๆ เรื่องที่ดูเหมือนมีจุดสนใจเดียวกัน โดยหลักแล้วจะสานต่อประเพณีดนตรีสำหรับเด็กที่ดีที่สุดโดย Schumann, Mussorgsky, Tchaikovsky, Prokofiev ไม่เพียงแต่ติดตามพวกเขาเท่านั้น แต่ยังพัฒนาพวกเขาอย่างสร้างสรรค์อีกด้วย

ละครเรื่องแรกคือ “ เช้า- นี่เป็นเสมือนบทสรุปของห้องชุด: ยามเช้าแห่งชีวิต ในการตีข่าวของการลงทะเบียน เรารู้สึกถึงพื้นที่และอากาศ! ทำนองนั้นชวนฝันเล็กน้อยและชัดเจน ลายมือมีลักษณะเฉพาะของ Prokofievian: การเคลื่อนไหวแบบขนาน, การกระโดด, ครอบคลุมทั้งคีย์บอร์ด, การเล่นผ่านมือ, ความชัดเจนของจังหวะและความชัดเจนของส่วนต่างๆ ความเรียบง่ายที่ไม่ธรรมดา แต่ไม่ใช่แบบดั้งเดิม

ละครเรื่องที่สองคือ “ เดิน- วันทำงานของทารกได้เริ่มขึ้นแล้ว การเดินของเขาเร่งรีบแม้ว่าจะค่อนข้างโยกเยกก็ตาม ในแถบแรกจังหวะเริ่มต้นก็ถูกถ่ายทอดออกมาแล้ว คุณต้องมีเวลาดูทุกอย่างไม่พลาดอะไร โดยทั่วไป มีอะไรให้ทำมากมาย... รูปทรงกราฟิกของทำนองและธรรมชาติของการเคลื่อนไหวต่อเนื่องด้วยการแตะโน้ตสี่ส่วนได้รับการออกแบบเพื่อสร้างรสชาติ มีลักษณะ "เหมือนธุรกิจ" ไร้เดียงสาแบบเด็ก ๆ อย่างไรก็ตาม ความเบาของจังหวะที่เร่าร้อนเล็กน้อยจะถ่ายทอด "ความยุ่ง" นี้ไปสู่กรอบที่เหมาะสมของ "ความขยันหมั่นเพียร" แบบเด็กๆ ทันที (รูปแบบการใคร่ครวญของการเคลื่อนไหวครั้งที่สองของ Fourth Symphony นั้นใกล้เคียงกับดนตรีของ "Morning" และ "Walk" และเห็นได้ชัดว่าเป็นผู้บุกเบิก)

ชิ้นที่สามคือ “ เทพนิยาย" - โลกแห่งนิยายเด็กที่เรียบง่าย ไม่มีอะไรที่น่าอัศจรรย์ น่ากลัว หรือน่ากลัวที่นี่ เป็นการเล่าเรื่องเทพนิยายที่นุ่มนวลและใจดีซึ่งความเป็นจริงและความฝันมีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิด สันนิษฐานได้ว่าภาพที่รวบรวมไว้ในที่นี้ไม่ใช่เทพนิยายที่เล่าให้เด็กๆ ฟัง แต่เป็นความคิดของพวกเขาเองเกี่ยวกับสิ่งอัศจรรย์ที่ยังคงอยู่ในจิตใจของเด็ก ๆ เสมอ ใกล้เคียงกับสิ่งที่พวกเขาได้เห็นและสัมผัสโดยสิ้นเชิง โดยพื้นฐานแล้ว แฟนตาซีที่แท้จริงจะปรากฏเฉพาะในส่วนตรงกลางของทิศทางเวทีที่เล่นเสียงเท่านั้น ในขณะที่ส่วนแรกและส่วนสุดท้ายจะถูกครอบงำด้วยการเล่าเรื่องชวนฝันพร้อมท่วงทำนองที่เรียบง่ายโดยมีฉากหลังเป็นจังหวะที่วนซ้ำอยู่เสมอ การทำซ้ำเป็นจังหวะเหล่านี้ดูเหมือนจะ "ประสาน" รูปแบบของ "เทพนิยาย" และยับยั้งแนวโน้มการเล่าเรื่อง

ต่อไปมา” ทารันเทลลา" ซึ่งเป็นผลงานการเต้นแนวประเภทที่เชี่ยวชาญซึ่งแสดงออกถึงอารมณ์ที่กระปรี้กระเปร่าของเด็กที่ถูกจับโดยองค์ประกอบทางดนตรีและการเต้น จังหวะที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวา สำเนียงที่ยืดหยุ่น การเปรียบเทียบโทนสีฮาล์ฟโทนที่มีสีสัน การเปลี่ยนแปลงของโทนเสียงพิตช์เดี่ยว - ทั้งหมดนี้น่าตื่นเต้น ง่าย และสนุกสนาน และในขณะเดียวกันก็เรียบง่ายแบบเด็ก ๆ โดยไม่มีความเฉียบแหลมของอิตาลีโดยเฉพาะเด็กรัสเซียไม่สามารถเข้าใจได้อย่างไม่ต้องสงสัย

ชิ้นที่ห้า - “ การกลับใจ"- สิ่งจิ๋วทางจิตวิทยาที่เป็นจริงและละเอียดอ่อนซึ่งก่อนหน้านี้ผู้แต่งเรียกว่า "ฉันรู้สึกละอายใจ" ทำนองเพลงเศร้าฟังดูตรงไปตรงมาและซาบซึ้งเพียงใดความรู้สึกและความคิดที่กลืนกินเด็กในช่วงเวลาที่ยากลำบากทางจิตใจอย่างจริงใจและ "ในคนแรก" นั้นถูกถ่ายทอดออกมา! Prokofiev ใช้ท่วงทำนองประเภท "การร้องเพลง-การพูด" ที่นี่ (ตามที่กำหนดโดย L. Mazel, "สังเคราะห์") ซึ่งองค์ประกอบของการแสดงออกในการบรรยายไม่ได้ด้อยไปกว่าการแสดงออกของ cantilena

แต่อารมณ์เช่นนี้ก็เกิดขึ้นชั่วขณะในเด็ก ๆ มันค่อนข้างทำให้เกิดความแตกต่างโดยธรรมชาติ ชิ้นที่หกคือ “ เพลงวอลทซ์“ และในรูปแบบประเภทนี้เราไม่เพียงรู้สึกได้ถึงตรรกะของความหลากหลายของชุดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตรรกะของการคิดทางดนตรีและการละครเวทีของ Prokofiev ซึ่งเป็นกฎการแสดงละครของลำดับฉากที่ตัดกัน "เพลงวอลทซ์" ที่เปราะบาง อ่อนโยน และเป็นธรรมชาติใน A Major พูดถึงความเชื่อมโยงระหว่างภาพเด็กกับโลกแห่งภาพผู้หญิงที่เปราะบาง บริสุทธิ์ และมีเสน่ห์ของดนตรีประกอบละครของ Prokofiev ความคิดสร้างสรรค์ของเขาสองบรรทัดนี้หรืออุดมคติทางศิลปะของเขามากกว่าสองบรรทัดตัดกันและเพิ่มคุณค่าร่วมกัน ภาพความเป็นวัยรุ่นของเขามีความเป็นธรรมชาติเหมือนเด็ก ในภาพลูก ๆ ของเขามีความนุ่มนวลของผู้หญิงเป็นความรักที่มีเสน่ห์ต่อโลกและชีวิต ทั้งคู่ประหลาดใจกับความสดชื่นของฤดูใบไม้ผลิและรวบรวมโดยผู้แต่งด้วยความตื่นเต้นและแรงบันดาลใจที่ไม่ธรรมดา ในทั้งสองประเด็นนี้มีการแสดงออกถึงความโดดเด่นของหลักการโคลงสั้น ๆ ในงานของเขาอย่างชัดเจนที่สุด จากเพลง "Waltz" ของเด็ก ๆ ที่มีเสน่ห์ไร้เดียงสา, op. 65 เราสามารถลากเส้นไปที่เพลงวอลทซ์ที่เปราะบางของนาตาชาจากโอเปร่า "สงครามและสันติภาพ" ซึ่งเป็นจุดสุดยอดของการเต้นโคลงสั้น ๆ ในดนตรีของ Prokofiev บรรทัดนี้ตัดผ่านตอน Es-dur ของ "Great Waltz" จาก "Cinderella" แม้จะชวนให้นึกถึงเพลงวอลทซ์ของเด็ก ๆ ก็ตาม นอกจากนี้ยังตัดผ่าน "Pushkin Waltzes" op. 120 และ "Waltz on Ice" จาก "Winter Fire" ” และผ่าน "The Tale of the Stone Flower" ซึ่งมีธีมของ "Waltz" op. 65 รวมอยู่ในฉากนี้ (หมายเลข 19) ซึ่งแสดงถึงสมบัติของนายหญิงแห่ง Copper Mountain ทางอ้อมแล้ว - มันดำเนินต่อไปในการเคลื่อนไหวครั้งที่สามที่เหมือนเพลงวอลทซ์ของ Sixth Piano Sonata และในเพลงวอลทซ์จาก Seventh Symphony Prokofiev ได้พัฒนาแนวโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาที่ลึกซึ้งของเพลงวอลทซ์รัสเซียซึ่งแตกต่างจากเช่นจาก Strauss ซึ่ง มีความสุกใสกว่า แต่ยังแคบกว่าและมีลักษณะภายนอกมากกว่าด้วยความสุขด้านเดียว

แม้จะมีลักษณะที่ดูเด็กๆ แต่สไตล์ที่สร้างสรรค์ของ Prokofiev ก็ให้ความรู้สึกได้ชัดเจนมากในเพลงวอลทซ์นี้ ดูเหมือนว่าโครงสร้างแบบดั้งเดิมของเพลงวอลทซ์ที่นุ่มนวลสง่างามจะได้รับการอัปเดต น้ำเสียงสูงต่ำและการเบี่ยงเบนของฮาร์โมนิกอยู่ไกลจากลายฉลุ (ตัวอย่างเช่นการสิ้นสุดช่วงเวลาที่ผิดปกติมากในคีย์รอง) พื้นผิวมีความโปร่งใสผิดปกติ เพลงวอลทซ์นี้ได้รับอย่างรวดเร็ว แพร่หลายในการฝึกปฏิบัติด้านการสอนและประสบความสำเร็จในการแข่งขันกับผลงานที่ "เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป" สำหรับเด็ก

ชิ้นที่เจ็ดคือ “ ขบวนแห่ตั๊กแตน- นี้เป็นการเล่นที่รวดเร็วและตลกเกี่ยวกับตั๊กแตนร้องอย่างสนุกสนาน ซึ่งมักจะกระตุ้นความสนใจของเด็ก ๆ ด้วยการกระโดดที่น่าทึ่ง ลักษณะอันน่าอัศจรรย์ของภาพในที่นี้ไม่ได้อยู่นอกเหนือขอบเขตของนิยายเด็กทั่วไป และในแง่นี้แตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากจินตนาการอันลึกลับของ "The Nutcracker" ของไชคอฟสกี โดยพื้นฐานแล้วนี่คือการควบม้าตลก ๆ ของเด็ก ๆ ในช่วงกลางซึ่งคุณสามารถได้ยินเสียงเพลงของผู้บุกเบิกด้วยซ้ำ

ต่อไปก็ละครเรื่องนี้” ฝนและสายรุ้ง" ซึ่งผู้แต่งพยายาม - และประสบความสำเร็จอย่างมาก - เพื่อบรรยายถึงความประทับใจอันยิ่งใหญ่ที่ปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่สดใสทุกอย่างเกิดขึ้นกับเด็ก ๆ ต่อไปนี้เป็นเสียง “blobs” ที่ฟังดูเป็นธรรมชาติ (จุดคอร์ดของสองวินาทีที่อยู่ติดกัน) และการซ้อมช้าๆ ในโน้ตตัวเดียว เช่น หยดที่ตกลงมา และเพียงแค่ “ธีมแห่งความประหลาดใจ” ก่อนสิ่งที่เกิดขึ้น (ทำนองที่นุ่มนวลและไพเราะลดน้อยลง จากที่สูง)

ชิ้นที่เก้า - " แท็ก"- มีสไตล์ใกล้เคียงกับทารันเทลลา มันเขียนด้วยตัวอักษร ร่างอย่างรวดเร็ว- คุณคงจินตนาการได้ว่าเด็กๆ ไล่ตามกันอย่างกระตือรือร้น บรรยากาศของเกมสำหรับเด็กที่สนุกสนานและกระฉับกระเฉง

ละครเรื่องที่สิบเขียนด้วยแรงบันดาลใจ - “ มีนาคม- แตกต่างจากการเดินขบวนอื่น ๆ ของเขา Prokofiev ในกรณีนี้ไม่เป็นไปตามวิถีพิสดารหรือมีสไตล์ ที่นี่ไม่มีองค์ประกอบของหุ่นเชิด (เช่น ใน “เดือนมีนาคม ทหารไม้" โดย Tchaikovsky) ละครเรื่องนี้พรรณนาถึงเด็ก ๆ ที่เดินขบวนค่อนข้างสมจริง มีนาคมของเด็ก op. 65 แพร่หลายและกลายเป็นผลงานชิ้นโปรดในละครเปียโนของรัสเซียสำหรับเด็ก

ชิ้นที่สิบเอ็ด - " ตอนเย็น" - ด้วยเสียงเพลงรัสเซียที่ไพเราะและสีสันที่นุ่มนวลทำให้เรานึกถึงพรสวรรค์ในการแต่งโคลงสั้น ๆ อันยิ่งใหญ่ของ Prokofiev อีกครั้งเกี่ยวกับความไพเราะของความเป็นดิน บทเพลงที่มีเสน่ห์ชิ้นนี้เต็มไปด้วยความเป็นมนุษย์อย่างแท้จริง ความบริสุทธิ์ และความรู้สึกที่สูงส่ง ต่อจากนั้นผู้เขียนใช้มันเป็นธีมของความรักของ Katerina และ Danila ในบัลเล่ต์เรื่อง "The Tale of the Stone Flower" ทำให้เป็นหนึ่งในธีมที่สำคัญที่สุดของบัลเล่ต์ทั้งหมด

สุดท้ายชิ้นที่สิบสอง - “ เดินเป็นเวลาหนึ่งเดือนในทุ่งหญ้า"- เชื่อมโยงอย่างเป็นธรรมชาติกับน้ำเสียงพื้นบ้าน นั่นคือเหตุผลที่ผู้เขียนเห็นว่าจำเป็นต้องชี้แจงใน "อัตชีวประวัติ" ว่าไม่ได้เขียนขึ้นในนิทานพื้นบ้าน แต่เป็นหัวข้อของเขาเอง