1 จาก 24

การนำเสนอในหัวข้อ:

สไลด์หมายเลข 1

คำอธิบายสไลด์:

สไลด์หมายเลข 2

คำอธิบายสไลด์:

สไลด์หมายเลข 3

คำอธิบายสไลด์:

อันโตนิโอ วาวัลดี (1678-1741) อันโตนิโอ วิวัลดี - นักแต่งเพลงชาวอิตาลี นักไวโอลิน ครู วาทยกร เขาเรียนไวโอลินกับพ่อของเขา Giovanni Battista Vivaldi ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งคือวงจรของไวโอลินคอนแชร์โต 4 ตัว "The Seasons" ซึ่งเป็นตัวอย่างแรกของโปรแกรม เพลงไพเราะ- การมีส่วนร่วมของวิวาลดีในการพัฒนาเครื่องดนตรีมีความสำคัญ (เขาเป็นคนแรกที่ใช้โอโบ เขา บาสซูน และเครื่องดนตรีอื่นๆ เป็นอิสระ แทนที่จะทำซ้ำ) อันโตนิโอ วิวัลดี - นักแต่งเพลงชาวอิตาลี นักไวโอลิน ครู วาทยกร เขาเรียนไวโอลินกับพ่อของเขา Giovanni Battista Vivaldi ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งคือวงจรของคอนเสิร์ตไวโอลิน 4 รายการ "The Seasons" ซึ่งเป็นตัวอย่างแรกของโปรแกรมดนตรีไพเราะ การมีส่วนร่วมของวิวาลดีในการพัฒนาเครื่องดนตรีมีความสำคัญ (เขาเป็นคนแรกที่ใช้โอโบ เขา บาสซูน และเครื่องดนตรีอื่นๆ เป็นอิสระ แทนที่จะทำซ้ำ)

สไลด์หมายเลข 4

คำอธิบายสไลด์:

Johann Sebastian Bach (1685-1750) Johann Sebastian Bach เป็นนักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมัน ซึ่งเป็นตัวแทนของยุคบาโรก ชื่อของเขาถูกกล่าวถึงเป็นประจำในรายชื่อนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก ในช่วงชีวิตของเขา Bach เขียนผลงานมากกว่า 1,000 ชิ้น ผลงานของเขานำเสนอทุกประเภทที่สำคัญในยุคนั้น ยกเว้นโอเปร่า; เขาสรุปความสำเร็จของศิลปะดนตรีในสมัยบาโรก บาคเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านพฤกษ์ หลังจากการเสียชีวิตของบาค ดนตรีของเขาเริ่มล้าสมัย แต่ในศตวรรษที่ 19 ต้องขอบคุณ Mendelssohn ที่ทำให้ดนตรีของเขาถูกค้นพบอีกครั้ง งานของเขาก็มี อิทธิพลที่แข็งแกร่งสู่บทเพลงของนักประพันธ์เพลงรุ่นต่อ ๆ ไป รวมถึงผู้ที่อยู่ในศตวรรษที่ 20

สไลด์หมายเลข 5

คำอธิบายสไลด์:

Franz Joseph Haydn (1732-1809) Franz Joseph Haydn - ผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลงชาวออสเตรียตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวดนตรีเช่นซิมโฟนีและวงเครื่องสาย ความยิ่งใหญ่ของ Haydn ในฐานะนักแต่งเพลงปรากฏให้เห็นมากที่สุดในผลงานสองชิ้นสุดท้ายของเขา: oratorios อันยิ่งใหญ่ "The Creation of the World" (1798) และ "The Seasons" (1801) oratorio "The Seasons" สามารถใช้เป็นมาตรฐานที่เป็นแบบอย่างของดนตรีคลาสสิกได้ ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา Haydn ได้รับความนิยมอย่างมาก

สไลด์หมายเลข 6

คำอธิบายสไลด์:

Antonio Salieri (1750-1825) Antonio Salieri เป็นนักแต่งเพลง วาทยกร และอาจารย์ชาวอิตาลี เขามาจากครอบครัวพ่อค้าที่ร่ำรวยและเรียนที่บ้านเพื่อเล่นไวโอลินและฮาร์ป Salieri เขียนโอเปร่ามากกว่า 40 เรื่องซึ่ง "Danaides", "Tarare" และ "Falstaff" มีชื่อเสียงมาจนถึงทุกวันนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับการเปิดโรงละคร La Scala เขาเขียนโอเปร่า "Recognized Europe" ซึ่งยังคงแสดงอยู่บนเวทีนี้ Salieri ยังเขียนดนตรีออเคสตรา แชมเบอร์ และดนตรีศักดิ์สิทธิ์มากมาย รวมถึง "บังสุกุล" เขียนเมื่อปี พ.ศ. 2347 แต่แสดงครั้งแรกในงานศพของเขา

สไลด์หมายเลข 7

คำอธิบายสไลด์:

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Wolfgang Amadeus Mozart เป็นตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนการแต่งเพลงคลาสสิกของเวียนนา นอกจากนี้เขายังเป็นนักไวโอลิน นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน และผู้ควบคุมวงอีกด้วย ตามความเห็นของผู้ร่วมสมัย เขามีหูที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรี ความทรงจำ และความสามารถในการแสดงด้นสด โมซาร์ทเขียนผลงานศักดิ์สิทธิ์ 68 ชิ้น ผลงานสำหรับโรงละคร 23 ชิ้น โซนาตาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด 22 ชิ้น โซนาตาและรูปแบบต่างๆ สำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ด 45 ชิ้น วงเครื่องสาย 32 ชิ้น ซิมโฟนี 49 ชิ้น คอนแชร์โต 55 ชิ้น ฯลฯ รวมทั้งหมด 626 ชิ้น

สไลด์หมายเลข 8

คำอธิบายสไลด์:

ลุดวิน ฟาน เบโธเฟน (1770-1827) ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เป็นนักแต่งเพลง วาทยกร และนักเปียโนชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Beethoven เป็นผู้เขียนผลงานหลายชิ้นที่สร้างความประหลาดใจให้กับคนรุ่นเดียวกันด้วยละครและภาษาดนตรีที่แปลกใหม่ ในหมู่พวกเขา: เปียโนโซนาตาหมายเลข 8 (“ Pathetique”), 14 (“ แสงจันทร์”), โซนาต้าหมายเลข 21 (“ Aurora”)

สไลด์หมายเลข 9

คำอธิบายสไลด์:

Niccolò Paganini (1782-1840) Niccolò Paganini เป็นนักไวโอลินและนักกีตาร์และนักแต่งเพลงชาวอิตาลี หนึ่งในที่สุด บุคลิกที่สดใสดนตรี ประวัติศาสตร์ XVIII-XIXศตวรรษ ได้รับการยกย่องให้เป็นอัจฉริยะแห่งศิลปะดนตรีระดับโลก ปากานินีเล่นไวโอลินตั้งแต่อายุหกขวบและเมื่ออายุเก้าขวบเขาได้แสดงคอนเสิร์ตในเจนัวซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาเขียนผลงานไวโอลินหลายชิ้น ซึ่งยากมากจนไม่มีใครสามารถแสดงได้นอกจากตัวเขาเอง

สไลด์หมายเลข 10

คำอธิบายสไลด์:

Gioachino Rossini (1792-1868) Gioachino Antonio Rossini เป็นนักแต่งเพลงชาวอิตาลีผู้แต่งโอเปร่าหลายสิบเรื่อง ตั้งแต่วัยเด็ก Gioachino ศึกษาการร้องเพลง เล่นฉิ่ง ไวโอลิน รวมถึงทฤษฎีดนตรี ทรงมีน้ำเสียงไพเราะ ร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ ทำหน้าที่นักดนตรีและผู้ควบคุมวงประสานเสียงใน โรงโอเปร่า- โอเปร่าเรื่องแรก "Promissory Note for Marriage" เขียนขึ้นในปี 1810 ในปีต่อๆ มา เขาเขียนโอเปร่าให้กับโรงละครในเวนิสและมิลานเป็นประจำ

สไลด์หมายเลข 11

คำอธิบายสไลด์:

Franz Peter Schubert (1797-1828) Franz Peter Schubert - นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย หนึ่งใน ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดเวียนนาคลาสสิก โรงเรียนดนตรีและเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกทางดนตรี หลังจากการสิ้นพระชนม์ของเขา ต้นฉบับจำนวนมากยังคงอยู่ซึ่งต่อมาได้เห็นแสงสว่าง (6 มวลชน, 7 ซิมโฟนี, 15 โอเปร่า ฯลฯ ) Franz Schubert นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน มีอายุเพียง 31 ปี แต่แต่งเพลงมากกว่า 600 เพลง ซิมโฟนีและโซนาตาอันไพเราะมากมาย จำนวนมากคณะนักร้องประสานเสียงและ แชมเบอร์มิวสิค- เขาทำงานหนักมาก

สไลด์หมายเลข 12

คำอธิบายสไลด์:

Felix Mendelssohn (1809-1847) Felix Mendelssohn - นักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวงดนตรีชาวเยอรมัน หนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุด ทิศทางที่โรแมนติกในด้านดนตรี ผู้แต่งงานแต่งงานอันโด่งดังในเดือนมีนาคม สไตล์ของผู้แต่งโดดเด่นด้วยเทคนิคลวดลายเป็นลวดลาย ความงดงามและความสง่างาม และความชัดเจนในการนำเสนอ สำหรับธรรมชาติของดนตรีที่สดใสและร่าเริง ชูมันน์เรียก Mendelssohn ว่า "โมสาร์ทแห่งศตวรรษที่ 19" ข้อดีของ Mendelssohn ในฐานะวาทยากรก็ยอดเยี่ยมเช่นกัน

สไลด์หมายเลข 13

คำอธิบายสไลด์:

เฟรเดอริก โชแปง (1810-1849) เฟรเดอริก โชแปงเป็นนักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวโปแลนด์ที่อาศัยอยู่ในฝรั่งเศสมาเป็นเวลานาน ผู้แต่งผลงานเปียโนมากมาย เขาตีความหลายประเภทในรูปแบบใหม่: เขารื้อฟื้นบทโหมโรงบนพื้นฐานโรแมนติกสร้างเพลงบัลลาดเปียโนการเต้นรำแบบบทกวีและละคร - mazurka, Polonaise, waltz; เปลี่ยนเชอร์โซให้เป็น งานอิสระ- เสริมความกลมกลืนและพื้นผิวเปียโน ผสมผสานรูปแบบคลาสสิกเข้ากับความไพเราะและจินตนาการ การแสดงเปียโนของเขาผสมผสานความลึกและความจริงใจของความรู้สึกเข้ากับความสง่างามและความสมบูรณ์แบบทางเทคนิค

สไลด์หมายเลข 14

คำอธิบายสไลด์:

Robert Schumann (1810-1856) Robert Schumann เป็นนักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวเยอรมัน หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งแสดงถึงการเคลื่อนไหวของแนวโรแมนติก ความสำเร็จที่สร้างสรรค์เพลงของชูมันน์ก็มา บทกวีที่น่าทึ่ง"มันเฟรด" โดย เจ. ไบรอน ชูมันน์มีส่วนช่วยอย่างมากในการวิจารณ์ดนตรี ส่งเสริมผลงานของนักดนตรีคลาสสิกบนหน้านิตยสารของเขา โดยต่อสู้กับปรากฏการณ์ต่อต้านศิลปะในยุคของเรา เขาสนับสนุนโรงเรียนโรแมนติกแห่งใหม่ในยุโรป

สไลด์หมายเลข 15

คำอธิบายสไลด์:

Franz Liszt (1811-1886) Franz Liszt - นักแต่งเพลง นักเปียโน ครู ผู้ควบคุมวง นักประชาสัมพันธ์ หนึ่งในตัวแทนชั้นนำ ดนตรีโรแมนติก- ลิซท์กลายเป็นนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 ยุคของเขาคือยุครุ่งเรืองของการเล่นเปียโนคอนเสิร์ต Liszt อยู่ในแถวหน้าของกระบวนการนี้ พร้อมด้วยความสามารถด้านเทคนิคที่ไร้ขีดจำกัด จนถึงทุกวันนี้ ความสามารถของเขายังคงเป็นจุดอ้างอิงสำหรับนักเปียโนยุคใหม่ และผลงานของเขายังคงเป็นจุดสูงสุดของความสามารถด้านเปียโน

คำอธิบายสไลด์:

Giuseppe Verdi (1813-1901) Giuseppe Fortunino Francesco Verdi - นักแต่งเพลงชาวอิตาลี ตัวตั้งตัวตีภาษาอิตาลี โรงเรียนโอเปร่า- โอเปร่าที่ดีที่สุดของเขา (Rigoletto, La Traviata, Aida) ซึ่งเป็นที่รู้จักในด้านความไพเราะที่ไพเราะมักจัดแสดงในโรงละครโอเปร่าทั่วโลก ในอดีตมักถูกวิพากษ์วิจารณ์ดูหมิ่น (สำหรับ "ตามใจรสนิยมของ คนธรรมดา", "การโพลีโฟนีที่เรียบง่าย" และ "การทำให้เป็นละครเมโลดราม่าที่ไร้ยางอาย") ผลงานชิ้นเอกของแวร์ดีเป็นพื้นฐานของละครโอเปร่าธรรมดาหนึ่งศตวรรษครึ่งหลังจากเขียน

สไลด์หมายเลข 18

คำอธิบายสไลด์:

Modest Mussorgsky 1839-1881 Modest Petrovich Mussorgsky เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้แต่งโอเปร่าที่มีชื่อเสียงเกี่ยวกับประวัติศาสตร์รัสเซีย เขาได้รับชื่อเสียงจากโอเปร่า "Boris Godunov" ซึ่งจัดแสดงที่โรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในปี พ.ศ. 2417 และได้รับการยอมรับในบางส่วน ชมรมดนตรีการทำงานที่เป็นแบบอย่าง ในมอสโก "Boris Godunov" จัดแสดงเป็นครั้งแรกที่โรงละครบอลชอยในปี พ.ศ. 2431

สไลด์หมายเลข 19

คำอธิบายสไลด์:

Pyotr Ilyich Tchaikovsky พ.ศ. 2383-2436Pyotr Ilyich Tchaikovsky - นักแต่งเพลงชาวรัสเซียหนึ่งในนักดนตรีที่เก่งที่สุดผู้ควบคุมวงดนตรีครูสอนดนตรี บุคคลสาธารณะ- ไชคอฟสกีมีส่วนร่วมอย่างแข็งขัน ชีวิตทางดนตรีมอสโก ผลงานของเขาได้รับการตีพิมพ์และแสดงที่นี่ และได้กำหนดแนวความคิดหลักของความคิดสร้างสรรค์แล้ว ผลการประชุมในปี พ.ศ. 2411 และการติดต่ออย่างสร้างสรรค์กับสมาชิกของ " พวงอันยิ่งใหญ่“คือการสร้างสรรค์งานซิมโฟนิกเชิงโปรแกรม เนื้อหาของเพลงของไชคอฟสกีนั้นเป็นสากล: ครอบคลุมภาพชีวิตและความตาย, ความรัก, ธรรมชาติ, วัยเด็ก, ชีวิตประจำวัน, เผยให้เห็นในรูปแบบใหม่เกี่ยวกับผลงานวรรณกรรมรัสเซียและโลก - A. S. Pushkin และ N. V. Gogol, Shakespeare และ Dante

สไลด์หมายเลข 20

คำอธิบายสไลด์:

Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov - นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย, ครู, ผู้ควบคุมวง, บุคคลสาธารณะ, นักวิจารณ์เพลง; ตัวแทนของ “Mighty Handful” ผู้แต่งโอเปร่า 15 เรื่อง 3 ซิมโฟนี งานไพเราะ คอนเสิร์ตบรรเลง, แคนทาทาส , เครื่องดนตรีในห้อง , เสียงร้องและดนตรีศักดิ์สิทธิ์ ผลงานชั้นนำสำหรับวงออเคสตราของ Rimsky-Korsakov ได้แก่ Capriccio Espagnol (1887) และชุดซิมโฟนิก Scheherazade (1888) สถานที่สำคัญใน มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ Rimsky-Korsakov ยุ่งอยู่กับเนื้อเพลงที่ร้องในห้อง เขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ 79 เรื่อง ได้แก่ ลูปเสียง"ในฤดูใบไม้ผลิ", "ถึงกวี", "ริมทะเล"

คำอธิบายสไลด์:

Sergei Rachmaninov (1873-1943) Sergei Vasilievich Rachmaninov เป็นนักแต่งเพลง นักเปียโน และผู้ควบคุมวงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 Rachmaninov สังเคราะห์หลักการของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกในงานของเขา โรงเรียนนักแต่งเพลง(รวมทั้งประเพณี. ดนตรียุโรปตะวันตก) และสร้างสไตล์ประจำชาติใหม่ซึ่งต่อมามีอิทธิพลสำคัญต่อทั้งดนตรีรัสเซียและดนตรีโลกของศตวรรษที่ 20 Rachmaninov เป็นนักเปียโนที่ใหญ่ที่สุดในโลก ได้สร้างลำดับความสำคัญระดับโลกให้กับโรงเรียนสอนเปียโนของรัสเซีย รวมถึงหลักการด้านสุนทรียภาพและศิลปะ

สไลด์หมายเลข 23

คำอธิบายสไลด์:

ดมิตรี โชสตาโควิช (1906-1975) ดมิตรี ดมิตรีวิช โชสตาโควิช - รัสเซีย นักแต่งเพลงชาวโซเวียตนักเปียโน ครู และบุคคลสาธารณะ หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีความสำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 โชสตาโควิชได้ศึกษาประเพณีคลาสสิกและเปรี้ยวจี๊ดอย่างต่อเนื่อง โดยได้พัฒนาภาษาดนตรีของตัวเอง ซึ่งเต็มไปด้วยอารมณ์และเข้าถึงหัวใจของนักดนตรีและผู้รักดนตรีทั่วโลก แนวเพลงที่โดดเด่นที่สุดในผลงานของโชสตาโควิชคือซิมโฟนีและวงเครื่องสาย - เขาเขียนผลงาน 15 ชิ้นในแต่ละประเภท ในบรรดาซิมโฟนีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือวง Fifth และ Eighth และในวงสี่วงได้แก่วง Eighth และ Fifth

การตีความทางดนตรีอันเป็นผลจากปฏิสัมพันธ์ของโน้ตดนตรี ประเพณีการแสดง และความตั้งใจอันสร้างสรรค์ของนักแสดง

ข้อมูลของผู้เขียนกระตุ้นให้นักแสดงคิด จินตนาการ ค้นหาความสัมพันธ์ และก่อให้เกิดอารมณ์ ข้อมูลการแสดงมีอิทธิพลต่อข้อมูลของผู้เขียน แคบลงหรือขยาย เสริม เปลี่ยนแปลง นั่นคือการคิดใหม่เกี่ยวกับงานดนตรีเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการสร้างภาพศิลปะ การตีความข้อมูลของผู้เขียนใหม่ไม่ควรนำไปสู่การบิดเบือนเจตนาของผู้เขียนไม่ว่าในกรณีใด การแสดงร่วมอย่างแท้จริงจะเกิดขึ้นได้ก็ต่อเมื่อข้อมูลของผู้เขียนพบความรู้สึกต่างตอบแทนในตัวนักแสดงเท่านั้น

การทำงานด้านดนตรีก็คือ กระบวนการสร้างสรรค์ความหลากหลายซึ่งมีความเกี่ยวข้องทั้งกับ คุณสมบัติทางศิลปะผลงานและด้วยคุณลักษณะเฉพาะตัวต่างๆ ของนักแสดง เขาเผชิญกับงานอะไรบ้าง? และสิ่งที่ส่งเสริมพัฒนาการ ความคิดสร้างสรรค์นักแสดงช่วยกระตุ้นการสร้างรสนิยมทางดนตรีและทักษะทางวิชาชีพของเขาหรือไม่?

การแสดงหมายถึงการสร้างสรรค์โดยการเจาะลึกเข้าไปในเนื้อหาของงานและการรวมตัวของเนื้อหาดนตรีตามภาพลักษณ์ทางศิลปะ การสร้างเนื้อหาของงานขึ้นมาใหม่ถือเป็นความซื่อสัตย์ต่อข้อความของผู้เขียน ความเข้าใจในการวางแนวอุดมการณ์ของงาน และความสมบูรณ์ทางอารมณ์ (ศิลปะดนตรีส่งผลต่อขอบเขตทางอารมณ์ของการรับรู้ของมนุษย์)

การสร้างภาพศิลปะเป็นไปไม่ได้หากไม่คำนึงถึงความคิดริเริ่ม ยุคประวัติศาสตร์ซึ่งผลงานได้ถูกสร้างขึ้น คุณสมบัติประเภทของมัน ลักษณะประจำชาติโลกทัศน์ของนักแต่งเพลง ธรรมชาติของการใช้ดนตรีที่แสดงออก นั่นคือทุกสิ่งที่เราเรียกว่าลักษณะหรือลักษณะโวหาร

การตีความ -(จากการตีความภาษาละติน - การชี้แจงการตีความ) - กระบวนการทำให้เกิดเสียงของข้อความดนตรี การตีความขึ้นอยู่กับ หลักการด้านสุนทรียภาพโรงเรียนหรือการเคลื่อนไหวที่ศิลปินสังกัดอยู่โดยคำนึงถึงลักษณะส่วนบุคคลและเจตนาทางอุดมการณ์และศิลปะ การตีความหมายถึงแนวทางส่วนบุคคลในการแสดงดนตรี ทัศนคติที่กระตือรือร้น และการมีอยู่ของแนวคิดที่สร้างสรรค์ของนักแสดงเองเพื่อจัดทำแผนของผู้เขียน จนถึงต้นศตวรรษที่ 19 ศิลปะการตีความมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับงานของนักแต่งเพลง: ตามกฎแล้วผู้แต่งเองก็แสดงผลงานของพวกเขาเอง การพัฒนาการตีความเกิดจากการที่กิจกรรมคอนเสิร์ตมีความเข้มข้นมากขึ้น

ในฐานะศิลปะอิสระ การตีความได้รับความสำคัญเป็นพิเศษในช่วงทศวรรษที่ 20-30 ของศตวรรษที่ 19 ในการปฏิบัติย่อมเป็นที่ยืนยัน ชนิดใหม่นักดนตรี-ล่าม - นักแสดงผลงานของนักแต่งเพลงคนอื่น ในขณะเดียวกันก็มีประเพณีการแสดงดั้งเดิม ล่ามที่ละเอียดอ่อนของผลงานของผู้เขียนคนอื่นคือ F. Liszt, A.G. Rubinstein, S.V. ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทฤษฎีการตีความดนตรีได้รับการพัฒนา (ศึกษาโรงเรียนการแสดงที่หลากหลาย หลักการตีความเชิงสุนทรียภาพ ปัญหาทางเทคโนโลยีของการแสดง) ซึ่งเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ได้กลายเป็นหนึ่งในพื้นที่ ของดนตรีวิทยา มีส่วนสำคัญในการพัฒนาทฤษฎีการตีความของรัสเซียโดย G.M. Kogan, G.G. Neuhaus, S.Ya.

วัตถุประสงค์และอัตนัย สัญชาตญาณ และมีเหตุผลในการแสดงดนตรี ลักษณะที่สร้างสรรค์ของการแสดง

นักเปียโนชื่อดัง I. ฮอฟฟ์แมนเขียนว่า “การตีความงานดนตรีที่ถูกต้องเกิดขึ้นจากความเข้าใจที่ถูกต้อง และในทางกลับกันก็ขึ้นอยู่กับการอ่านที่แม่นยำอย่างพิถีพิถัน” ซึ่งหมายความว่าลักษณะที่ถูกต้องของการแสดงนั้นได้รับการพิสูจน์ก่อนอื่นโดยการตีความที่มีความหมายซึ่งสอดคล้องกับข้อความของผู้เขียนอย่างเคร่งครัด“ ข้อความทางดนตรีคือความมั่งคั่งที่ผู้แต่งยกมรดกให้และคำแนะนำในการแสดงของเขาคือจดหมายประกอบพินัยกรรม ” นักแต่งเพลงและนักเปียโน S. Feinberg กล่าว อย่างไรก็ตาม ไม่เพียงแต่มีข้อความเท่านั้น แต่ยังรวมถึงข้อความย่อยของงานด้วย นักเปียโนที่น่าทึ่ง K. Igumnov เชื่อว่านักแสดงควรนำ "ครึ่งที่ดี" เข้ามาในข้อความจากตัวเขาเองนั่นคือเขาควรเข้าใกล้ลักษณะภายในของงานและเปิดเผยข้อความย่อย G. Neuhaus ในตำนานเตือนเราอย่างต่อเนื่องถึงความจำเป็นในการเจาะลึกอารมณ์ของงานที่กำลังแสดงอยู่ตลอดเวลาเพราะมันอยู่ในอารมณ์นี้ซึ่งไม่คล้อยตามโน้ตดนตรีได้อย่างสมบูรณ์ซึ่งสาระสำคัญทั้งหมดของภาพศิลปะอยู่ จากทั้งหมดที่กล่าวมาข้างต้น การดำเนินการตามข้อความของผู้แต่งอย่างถูกต้องไม่ควรหมายถึงการทำซ้ำอย่างเป็นทางการ แต่เป็น "การแปล" ที่สร้างสรรค์ที่มีความหมายของรูปแบบการบันทึกให้เป็นภาพเสียงจริง

ความเข้าใจและการตีความเป็นแง่มุมของการตีความที่เชื่อมโยงกันแบบวิภาษวิธี การสร้างความหมายใหม่อันเป็นผลมาจากการตีความ ข้อมูลเฉพาะ การตีความทางศิลปะความเข้าใจตามสัญชาตญาณของวัตถุของการตีความ (ประสบการณ์การทำงานร่วมกัน)

บทบาทของความหมายและ การวิเคราะห์เชิงสุนทรียภาพทำงานเพื่อการตีความ

ความตั้งใจและไม่ตั้งใจในการตีความทางดนตรี

โปรดทราบว่าประการแรก การแสดงดนตรีนั้นเป็นช่วงเวลาที่มีขั้นตอนและมีชีวิตชีวา ซึ่งหมายความว่าการเปลี่ยนแปลงของภาพดนตรีบนเวทีเป็นไปตามธรรมชาติ ในระหว่างนั้นการเปลี่ยนแปลงบางอย่างในการตีความภาพทางดนตรีเกิดขึ้น นักวิจัยพูดถึงความแปรปรวนของการสร้างเสียงดนตรีโดยนักแสดงคนเดียวหรือการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบที่แปรผันและไม่แปรเปลี่ยน

กระบวนการตีความสามารถนำเสนอเป็นการปฏิสัมพันธ์ของหลักการที่ขัดแย้งกันสองประการ - โดยเจตนา (เป็นจุดเน้นของความมั่นคงในกระบวนการ) และไม่ได้ตั้งใจ (เป็นจุดเน้นของการเปลี่ยนแปลงในกระบวนการ) ชั้นขนาดใหญ่และซับซ้อนสองชั้นนี้ประกอบขึ้นเป็นโครงสร้างของกระบวนการ การเผยโครงสร้างนี้ในเวลา ความสมบูรณ์และการเชื่อมโยงขององค์ประกอบต่างๆ ก่อให้เกิดความสมบูรณ์ของเสียงที่เคลื่อนไหว ซึ่งในความเป็นจริงแล้ว เป็นกระบวนการตีความ

การเริ่มต้นอย่างตั้งใจเป็นการแสดงออกโดยทั่วไปของธรรมชาติที่กำหนดของกระบวนการ องค์ประกอบโดยเจตนาประกอบด้วยองค์ประกอบที่นักดนตรีตั้งโปรแกรมพารามิเตอร์คุณภาพก่อนที่จะเริ่มดำเนินการและตั้งใจที่จะดำเนินการในกระบวนการที่จะเกิดขึ้น องค์ประกอบเหล่านี้รวมกันเป็นส่วนที่วางแผนอย่างมีสติในการตีความการปฏิบัติงาน และเป็นส่วนสำคัญในเชิงปริมาณของกระบวนการ คุณสมบัติที่โดดเด่น ได้แก่ แรงจูงใจภายใน ความมั่นใจ และความสำคัญทางความหมาย ความตั้งใจจะครอบคลุมโครงสร้างการออกแบบทุกระดับ จุดเริ่มต้นโดยเจตนาถือเป็นตราประทับของจิตสำนึกทางศิลปะของศิลปินแต่ละคน และเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นเอกลักษณ์เชิงสร้างสรรค์ของเขา

กระบวนการตีความไม่สามารถลดไปสู่ความตั้งใจที่นำไปใช้ตามลำดับได้ เข้ามาเป็นของตัวเอง เริ่มต้นโดยไม่ได้ตั้งใจซึ่งเกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ในการกระทำที่เป็นรูปธรรมและมีลักษณะที่แตกต่างกันโดยพื้นฐาน การเริ่มต้นโดยไม่ได้ตั้งใจเป็นองค์ประกอบแบบไดนามิกของกระบวนการ องค์ประกอบที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติ ปรากฏในรูปแบบของการเบี่ยงเบนจากเส้นทางที่กำหนดโดยแผนเดิม และสร้าง "สนามที่มีอยู่" ของความไม่แน่นอน องค์ประกอบนี้ซึ่งสะท้อนถึงแง่มุมที่ไร้เหตุผลของการแสดงความคิดสร้างสรรค์ กลายเป็นผู้ถือความเป็นไปได้ของการเปลี่ยนแปลงที่คาดเดาไม่ได้และสร้างขึ้นเองในแผนภาพ การเริ่มต้นโดยไม่ได้ตั้งใจรวมถึงองค์ประกอบต่างๆ จากธรรมชาติที่แตกต่างกัน- หากเราพิจารณาพวกมันในระนาบเนื้อหาความหมาย ก็มีความจำเป็นที่จะต้องแบ่งองค์ประกอบที่ไม่ได้ตั้งใจออกเป็นสองประเภทย่อย: ความหมายและอาเซแมนติก

ความหมาย (ด้นสด)มุมมองรวมกลุ่มขององค์ประกอบโดยบังเอิญที่มีความหมายทางศิลปะและการแสดงออก เนื่องจากเป็นผลสร้างสรรค์ของกิจกรรม "อิสระ" (ไม่ระบุ) ของจิตไร้สำนึก อันเป็นผลมาจาก "กิจกรรม" ชั่วขณะของสัญชาตญาณ จินตนาการ จินตนาการ และการเคลื่อนไหวภายในของความรู้สึก ซึ่งมักเรียกว่าประสบการณ์ทางศิลปะ สิ่งเหล่านี้ก่อให้เกิดชั้นการผลิตทางศิลปะของ การเริ่มต้นโดยไม่ได้ตั้งใจ ลักษณะของพวกเขาคือ: การไม่ได้ตั้งใจ ความแปลกใหม่ และความสำคัญทางความหมาย และอย่างหลังเป็นพื้นฐานของความสามัคคีและเครือญาติขององค์ประกอบด้นสดและโดยเจตนา โดยย้อนกลับไปที่แหล่งเดียว - ภาพเสียง การเริ่มต้นโดยไม่ได้ตั้งใจรวมถึงการด้นสดด้วย แต่ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงแค่นั้น

Asemantic (วุ่นวาย)มุมมองรวมกลุ่มขององค์ประกอบที่ไม่ได้ตั้งใจซึ่งรูปลักษณ์ไม่ได้เกิดจากปัจจัยทางศิลปะ แต่เกิดจาก "ความล้มเหลว" ในกิจกรรม ต้นกำเนิดขององค์ประกอบเหล่านี้เกี่ยวข้องกับการละเมิดในด้านเทคโนโลยีและกฎระเบียบในการดำเนินการ ปรากฏในรูปแบบของข้อผิดพลาดด้านประสิทธิภาพ ข้อบกพร่อง และช่วงเวลาแห่งความระส่ำระสายของกระบวนการ องค์ประกอบ Asemantic ทำให้เกิดความเสียหายต่อสิ่งที่ตั้งใจไว้ อย่าให้ผลลัพธ์เชิงความหมาย "วัตถุประสงค์" แต่เพียงแนะนำการทำลายล้างที่มีนัยสำคัญไม่มากก็น้อยในกระบวนการเท่านั้น และดังนั้นจึงก่อให้เกิดชั้นที่ไม่ก่อผลทางศิลปะของจุดเริ่มต้นที่ไม่ได้ตั้งใจ เมื่อพิจารณาถึงระดับการทำงานของส่วนประกอบนี้ที่ไม่เหมาะสมอย่างยิ่งและทำลายล้างอย่างชัดเจน ก็สามารถเรียกได้ว่า "วุ่นวาย"

คำถามเกี่ยวกับความเพียงพอในการตีความการแสดงผลงานดนตรี

นักดนตรีไม่เพียงต้องเชี่ยวชาญเนื้อหาเท่านั้น แต่งานหลักของเขาคือการเข้าใจความตั้งใจของผู้แต่งและสร้างมันขึ้นมาใหม่ ภาพดนตรีรวมอยู่ในบทเพลง และเลือกวิธีถ่ายทอดอารมณ์เพื่อการถ่ายทอดที่แม่นยำที่สุด

A. ฝรั่งเศสเขียนว่า “โดยทั่วไปแล้ว การทำความเข้าใจงานศิลปะที่สมบูรณ์แบบหมายถึงการสร้างมันขึ้นมาใหม่ในโลกภายในของคุณ” K.S. Stanislavsky กล่าวว่ามีเพียง“ นักแสดงที่เจาะลึกความคิดของผู้เขียนโดยคุ้นเคยกับภาพที่เป็นตัวเป็นตนบนเวทีเมื่อนักแสดงใช้ชีวิตรู้สึกและคิดในลักษณะเดียวกับบทบาทเท่านั้นการกระทำของเขาจึงจะนำไปสู่ความสำเร็จบนเวทีได้ ”

นักเปียโนชาวอิตาลี เอฟ. บูโซนี กล่าวถึงเรื่องนี้ว่า “การละทิ้งความรู้สึกของตนเองออกไปเพื่อเปลี่ยนความรู้สึกของตัวเองให้กลายเป็นความรู้สึกของบุคคลที่หลากหลายที่สุด และจากนั้นก็ศึกษาการสร้างสรรค์ของพวกเขาจากที่นี่” นักวิจารณ์ชาวรัสเซีย V.G. สังเกตเห็นสาระสำคัญที่สร้างสรรค์ของศิลปะการแสดงอย่างละเอียดมาก เบลินสกี้: “นักแสดงเติมเต็มความคิดของผู้เขียนด้วยการแสดงของเขา และการเพิ่มเติมนี้ประกอบด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเขา” ตรรกะเดียวกันนี้เกิดขึ้นในศิลปะการแสดงดนตรี

หนึ่ง. Serov นักแต่งเพลงและนักวิจารณ์เพลงชาวรัสเซียชื่อดังเขียนว่า:“บทบาท - อย่างน้อยก็จากละครของเช็คสเปียร์ ดนตรี - อย่างน้อยก็จากเบโธเฟนเองที่เกี่ยวข้องกับ ประสิทธิภาพที่ยอดเยี่ยม, ร่างเท่านั้น, ร่าง; สีสัน ชีวิตที่สมบูรณ์ของงานถือกำเนิดขึ้นภายใต้พลังอันทรงเสน่ห์ของนักแสดงเท่านั้น”

เช่น คอนเสิร์ตเปียโนและวงออเคสตราครั้งแรกที่ได้รับความนิยมสูงสุดโดย P.I. ไชคอฟสกีได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางเพียง 4 ปีหลังจากการแสดงครั้งแรก เมื่อ N. Rubinstein แสดงได้อย่างยอดเยี่ยม เรื่องเดียวกันนี้เกิดขึ้นกับไวโอลินคอนแชร์โตของ P. Tchaikovsky ซึ่งหลังจากการแสดงของ L. Auer เกิดขึ้นอย่างถูกต้องในการแสดงคอนเสิร์ตของนักไวโอลินเท่านั้น

ตัวอย่างเหล่านี้แสดงให้เห็นถึงลักษณะที่สร้างสรรค์ของการทำกิจกรรม ซึ่งไม่ใช่การแปลข้อความของผู้เขียนเป็นเสียงอย่างเป็นทางการและเรียบง่าย แต่เป็นการดำเนินการอย่างสร้างสรรค์ สาระสำคัญทางจิตวิทยา A.N. Serov: “ความลับที่ยิ่งใหญ่ของนักแสดงที่ยอดเยี่ยมคือการที่พวกเขาส่องสว่างสิ่งที่พวกเขาแสดงด้วยพลังแห่งพรสวรรค์ของพวกเขาจากภายใน ทำให้มันสดใสขึ้น และใส่โลกแห่งความรู้สึกจากจิตวิญญาณของพวกเขาเอง”

การตีความไม่จำกัดเพียงคุณธรรมและทักษะทางวิชาชีพของนักแสดง เป็นการแสดงออกถึงบุคลิกภาพทุกด้านและสัมพันธ์กับโลกทัศน์ การวางแนวอุดมการณ์วัฒนธรรมทั่วไป ความรู้ที่หลากหลาย และวิธีคิดที่ประกอบขึ้นเป็นเนื้อหาภายในของแต่ละบุคคล

ความรับผิดชอบทางสังคม คุณธรรม และวิชาชีพของนักแสดงเพิ่มขึ้นตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 - กลางศตวรรษที่ 19ศตวรรษ เมื่อศิลปะการแสดงแยกออกจากการประพันธ์ ชะตากรรมของงานส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับนักแสดง

ก. รูบินสไตน์: “สำหรับฉัน ฉันไม่สามารถเข้าใจได้โดยสิ้นเชิงถึงความหมายโดยทั่วไปของการปฏิบัติงานตามวัตถุประสงค์ ประสิทธิภาพใดๆ หากไม่ได้ผลิตโดยเครื่องจักร แต่โดยบุคคล ถือเป็นอัตวิสัยในตัวมันเอง การถ่ายทอดความหมายของวัตถุ (องค์ประกอบ) อย่างถูกต้องเป็นกฎสำหรับนักแสดง แต่ทุกคนทำในแบบของตัวเองนั่นคือโดยอัตวิสัย และมันจะเป็นอย่างอื่นไปได้ไหม? หากการนำเสนอองค์ประกอบต้องมีวัตถุประสงค์ มีเพียงวิธีเดียวเท่านั้นที่ถูกต้อง และนักแสดงทุกคนจะต้องเลียนแบบ นักแสดงจะเป็นอย่างไร? ลิง? มีเพียงการแสดงบทบาทของแฮมเล็ตหรือคิงเลียร์เท่านั้นหรือไม่? ดังนั้นในดนตรีฉันเข้าใจแต่การแสดงที่เป็นอัตนัยเท่านั้น”

การก่อตัวของแนวคิดทางศิลปะและการแสดงและการนำไปปฏิบัติ

ในเรื่องของการตีความ จินตนาการมีความสำคัญเป็นพิเศษ - กระบวนการทางจิตในการสร้างภาพของกิจกรรมในอนาคตหรือการสร้างสิ่งใหม่ในรูปแบบของแนวคิดทั่วไป หรือการนำเสนอผลิตภัณฑ์ขั้นสุดท้ายของกิจกรรมที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น จินตนาการคือการสร้างโปรแกรมทางจิตสำหรับกิจกรรมต่อๆ ไปอยู่เสมอ ซึ่งอยู่เหนือรูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่างขึ้นมา มีความแตกต่างระหว่างจินตนาการที่สร้างสรรค์และสร้างสรรค์ Creative คือการสร้างสรรค์แนวคิดและภาพใหม่ๆ การสร้างใหม่คือการสร้างภาพตามข้อความดนตรี ฯลฯ สร้างจินตนาการขึ้นมาใหม่ - พื้นฐานทางจิตวิทยาสร้างการตีความการแสดงดนตรี

นักแสดงสองประเภท - ประเภทอารมณ์ (ผู้นับถือ "ศิลปะแห่งประสบการณ์") และศิลปินประเภทปัญญา ( ศิลปะการแสดง, สตานิสลาฟสกี้).

มีนักแสดงประเภทสังเคราะห์ การผสมผสานที่น่าทึ่งของหลักการทั้งสองนี้พบได้ในกิจกรรมของ S.V. Rachmaninov และ P. Casals, A. Toscanini และ J. Heifitz, D. Oistrakh และ S. Richter, L. Kogan และ E. Gilels, E. Svetlanov และ V. Fedoseev พวกเขาโดดเด่นด้วยการเจาะลึกเข้าไปในเนื้อหาของงานดนตรีความสามัคคีที่ยอดเยี่ยมของเนื้อหาและรูปแบบที่น่าสนใจการตีความต้นฉบับและทักษะทางเทคนิคที่ยอดเยี่ยม ประเภทนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสมดุลระหว่างหลักการทางอารมณ์และสติปัญญาซึ่งได้รับการควบคุมอย่างมีสติ

ด้านต่างๆการตีความ: 1. การตีความโดยนักแสดงตามความตั้งใจของผู้เขียน; 2. มรดกทางประวัติศาสตร์ 3. ความสัมพันธ์ระหว่างวัฒนธรรมและระหว่างวัฒนธรรม การแสดงที่แท้จริง ดื่มด่ำไปกับบริบททางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม

การทำงานด้านดนตรีควรอาศัยการศึกษาอย่างครอบคลุม สิ่งนี้จะช่วยให้คุณเจาะลึกเข้าไปในขอบเขตที่เป็นรูปเป็นร่าง รักษาความสนใจของนักแสดงในงาน และในที่สุดก็เข้าใจความตั้งใจของผู้เขียน

จุดเริ่มต้นที่สำคัญที่สุดในขนาดใหญ่นี้และ เส้นทางที่ยากลำบากเป็นยุคที่มีการสร้างผลงานโดยเฉพาะ ดูเหมือนว่าผู้แต่งจะพูดเข้ามา เวลาที่ต่างกันบน ภาษาที่แตกต่างกันรวบรวมอุดมคติที่แตกต่างกันสะท้อนแง่มุมของลักษณะชีวิตในช่วงเวลาหนึ่งปรัชญาและ มุมมองที่สวยงาม, แนวคิด ดังนั้นจึงใช้วิธีแสดงออก มีความจำเป็นต้องเข้าใจว่าเหตุใดสไตล์นี้จึงเกิดขึ้นในยุคใดยุคหนึ่งเพื่อเชื่อมโยงกับบุคลิกภาพของนักแต่งเพลงซึ่งเป็น "ผลงาน" ของยุคนั้นอยู่ในกลุ่มสังคมบางกลุ่มสัญชาติ ชิ้นส่วนของเพลงเข้าสู่เงื่อนไขเหล่านี้และกำหนดความสัมพันธ์ระหว่างผู้สร้างและเวลา

มาดูความสัมพันธ์ระหว่างการกำหนดยุคและการเคลื่อนไหว (จังหวะ) กัน ในยุคต่างๆ การกำหนดจังหวะถูกตีความต่างกัน ในยุคก่อนคลาสสิก เทมโพส "Allegro", "Andante", "Adagio" ไม่ได้ระบุความเร็วของการเคลื่อนไหว แต่เป็นลักษณะของดนตรี Allegro ของ Scarlatti นั้นช้ากว่า (หรือถูกควบคุมมากกว่า) มากกว่า Allegro ของเพลงคลาสสิก ในขณะที่ Allegro ของ Mozart นั้นช้ากว่า (ถูกควบคุมมากกว่า) มากกว่า Allegro ในแง่สมัยใหม่ Andante ของ Mozart มีความคล่องตัวมากกว่า กว่าเราจะเข้าใจมันตอนนี้ เช่นเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับความสัมพันธ์ของยุคดนตรีที่มีพลวัตและการเปล่งเสียง แน่นอนว่าอำนาจที่มีอยู่ช่วยให้คุณสามารถโต้เถียงที่ไหนสักแห่งด้วยคำแนะนำแบบไดนามิกเพื่อรับรู้เปียโน เปียโน ฟอร์ติสซิโม ในรูปแบบใหม่

การบันทึกเสียง

อุปกรณ์แรกสำหรับการบันทึกและสร้างเสียงคือเครื่องดนตรีเชิงกล พวกเขาสามารถเล่นท่วงทำนองได้ แต่ไม่สามารถบันทึกเสียงที่กำหนดเองได้ เช่น เสียงของมนุษย์ การเล่นเพลงอัตโนมัติเป็นที่รู้จักมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 เมื่อพี่น้อง Banu Musa ประมาณปี 875 ได้ประดิษฐ์เครื่องดนตรีเชิงกลที่เก่าแก่ที่สุดที่รู้จัก นั่นคือ ไฮดรอลิกหรือ "ออร์แกนน้ำ" ซึ่งเล่นกระบอกสูบที่เปลี่ยนได้โดยอัตโนมัติ ทรงกระบอกที่มี "ลูกเบี้ยว" ที่ยื่นออกมาบนพื้นผิวยังคงเป็นวิธีการหลักในการสร้างเสียงดนตรีโดยใช้กลไกจนถึงช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ถูกสร้างขึ้นในสมัยเรอเนซองส์ ทั้งซีรีย์เครื่องจักรกลต่างๆ เครื่องดนตรี, ทำซ้ำทำนองนี้หรือทำนองนั้นในช่วงเวลาที่เหมาะสม: ออร์แกนถัง, กล่องดนตรี, กล่อง, กล่องยานัตถุ์

ในปีพ.ศ. 2400 เดอ มาร์ตินวิลล์ได้ประดิษฐ์ เครื่องบันทึกเสียง- อุปกรณ์ประกอบด้วยกรวยอะคูสติกและเมมเบรนสั่นที่เชื่อมต่อกับเข็ม เข็มสัมผัสกับพื้นผิวของกระบอกแก้วที่หมุนด้วยมือซึ่งเคลือบด้วยเขม่า การสั่นสะเทือนของเสียงที่ผ่านกรวยทำให้เมมเบรนสั่นสะเทือน โดยส่งการสั่นสะเทือนไปยังเข็ม ซึ่งติดตามรูปร่างของการสั่นสะเทือนของเสียงในชั้นเขม่า อย่างไรก็ตาม จุดประสงค์ของอุปกรณ์นี้เป็นการทดลองเท่านั้น ไม่สามารถทำซ้ำการบันทึกได้

ในปี พ.ศ. 2420 โธมัส เอดิสัน ได้ประดิษฐ์เครื่องบันทึกเสียงซึ่งสามารถเล่นแผ่นเสียงของตัวเองได้แล้ว เสียงจะถูกบันทึกลงบนสื่อในรูปแบบของแทร็ก ซึ่งความลึกจะเป็นสัดส่วนกับระดับเสียง เพลงประกอบแผ่นเสียงวางอยู่ในเกลียวทรงกระบอกบนดรัมหมุนที่เปลี่ยนได้ ในระหว่างการเล่น เข็มที่เคลื่อนที่ไปตามร่องจะส่งการสั่นสะเทือนไปยังเมมเบรนยืดหยุ่นซึ่งจะส่งเสียงออกมา

เอดิสัน โธมัส อัลวา (1847-1931) นักประดิษฐ์และผู้ประกอบการชาวอเมริกัน ผู้เขียนสิ่งประดิษฐ์มากกว่า 1,000 รายการในสาขาวิศวกรรมไฟฟ้าและการสื่อสาร เขาคิดค้นอุปกรณ์บันทึกเสียงเครื่องแรกของโลก ได้แก่ เครื่องบันทึกเสียง ปรับปรุงหลอดไส้ โทรเลข และโทรศัพท์ และสร้างโรงไฟฟ้าแห่งแรกของโลกในปี พ.ศ. 2425

ในแผ่นเสียงแผ่นแรก ลูกกลิ้งโลหะถูกหมุนโดยใช้ข้อเหวี่ยง โดยเคลื่อนที่ในแนวแกนในแต่ละรอบเนื่องจากมีเกลียวสกรูบนเพลาขับ วางฟอยล์ดีบุก (staniol) ไว้บนลูกกลิ้ง เข็มเหล็กที่เชื่อมต่อกับเยื่อกระดาษสัมผัสถูกมัน เขาติดกรวยโลหะเข้ากับเมมเบรน เมื่อบันทึกและเล่นเสียง จะต้องหมุนลูกกลิ้งด้วยตนเองด้วยความเร็ว 1 รอบต่อนาที เมื่อลูกกลิ้งหมุนโดยไม่มีเสียง เข็มจะอัดร่องเกลียว (หรือร่อง) ที่มีความลึกคงที่เข้าไปในฟอยล์ เมื่อเมมเบรนสั่นสะเทือน เข็มจะถูกกดลงในดีบุกตามเสียงที่รับรู้ ทำให้เกิดร่องที่มีความลึกที่แปรผันได้ นี่คือวิธีการคิดค้นวิธี "การบันทึกเชิงลึก"

ในระหว่างการทดสอบอุปกรณ์ครั้งแรก เอดิสันดึงฟอยล์ลงบนกระบอกสูบอย่างแน่นหนา นำเข็มไปที่พื้นผิวของกระบอกสูบ จากนั้นเริ่มหมุนที่จับอย่างระมัดระวัง และร้องเพลงบทแรกของเพลงสำหรับเด็ก “Mary Had a Little Lamb” ลงไป โทรโข่ง จากนั้นเขาก็ดึงเข็มกลับคืนสู่ตำแหน่งเดิมด้วยที่จับ ใส่เข็มเข้าไปในร่องที่ดึงออกมาและเริ่มหมุนกระบอกสูบอีกครั้ง และจากโทรโข่งก็มีเสียงเพลงเด็กดังขึ้นอย่างแผ่วเบาแต่ชัดเจน

ในปี พ.ศ. 2428 นักประดิษฐ์ชาวอเมริกัน Charles Tainter (พ.ศ. 2397-2483) ได้พัฒนาเครื่องบันทึกเสียงแบบกราฟโฟน ซึ่งเป็นเครื่องบันทึกเสียงแบบใช้เท้าเหยียบ (เหมือนกับจักรเย็บผ้าแบบใช้เท้าเหยียบ) และเปลี่ยนแผ่นดีบุกของลูกกลิ้งด้วยแวกซ์เพสต์ เอดิสันซื้อสิทธิบัตรของ Tainter และเริ่มใช้ลูกกลิ้งแว็กซ์แบบถอดได้เพื่อบันทึกแทนลูกกลิ้งฟอยล์ ระยะห่างของร่องเสียงประมาณ 3 มม. ดังนั้นเวลาในการบันทึกต่อลูกกลิ้งจึงสั้นมาก

เครื่องบันทึกเสียงมีอยู่ในรูปแบบที่เกือบจะไม่เปลี่ยนแปลงมานานหลายทศวรรษ หยุดการผลิตเป็นอุปกรณ์สำหรับบันทึกผลงานดนตรีเมื่อปลายทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 แต่ถูกใช้เป็นเครื่องบันทึกเสียงมาเกือบ 15 ปี ลูกกลิ้งสำหรับมันถูกผลิตจนถึงปี 1929

สิบปีต่อมาในปี พ.ศ. 2430 ผู้ประดิษฐ์แผ่นเสียง E. Berliner ได้เปลี่ยนลูกกลิ้งด้วยดิสก์ซึ่งสามารถทำสำเนาได้ - เมทริกซ์โลหะ ด้วยความช่วยเหลือของพวกเขา แผ่นเสียงแผ่นเสียงที่คุ้นเคยจึงถูกกด (รูปที่ 4 ก.) เมทริกซ์เดียวทำให้สามารถพิมพ์ทั้งฉบับได้ - อย่างน้อย 500 รายการ นี่เป็นข้อได้เปรียบหลักของบันทึกของ Berliner เมื่อเปรียบเทียบกับลูกกลิ้งแวกซ์ของ Edison ซึ่งไม่สามารถทำซ้ำได้ แตกต่างจากเครื่องบันทึกเสียงของเอดิสัน Berliner ได้พัฒนาอุปกรณ์หนึ่งสำหรับการบันทึกเสียง - เครื่องบันทึกเสียง และอีกเครื่องหนึ่งสำหรับการสร้างเสียง - หีบเสียง

แทนที่จะบันทึกแบบลึกกลับใช้การบันทึกตามขวางเช่น เข็มทิ้งร่องรอยคดเคี้ยวที่มีความลึกคงที่ ต่อจากนั้น เมมเบรนก็ถูกแทนที่ด้วยไมโครโฟนที่มีความไวสูง ซึ่งแปลงการสั่นสะเทือนของเสียงให้เป็นการสั่นสะเทือนทางไฟฟ้า และเครื่องขยายเสียงอิเล็กทรอนิกส์ พ.ศ. 2431 เป็นปีที่ Berlinger คิดค้นแผ่นเสียงและการบันทึกเสียง

จนถึงปี พ.ศ. 2439 ดิสก์ต้องหมุนด้วยมือและนี่คืออุปสรรคสำคัญ แพร่หลายแผ่นเสียง Emil Berliner ประกาศการแข่งขันมอเตอร์สปริงซึ่งมีราคาไม่แพง มีเทคโนโลยีขั้นสูง เชื่อถือได้ และทรงพลัง และเครื่องยนต์ดังกล่าวได้รับการออกแบบโดยช่างเครื่อง Eldridge Johnson ซึ่งมาที่บริษัทของ Berliner ตั้งแต่ พ.ศ. 2439 ถึง พ.ศ. 2443 มีการผลิตเครื่องยนต์เหล่านี้ประมาณ 25,000 เครื่อง จากนั้นแผ่นเสียงของ Berliner ก็แพร่หลายไป

บันทึกแรกเป็นแบบด้านเดียว ในปีพ.ศ. 2446 ได้มีการออกแผ่นดิสก์ขนาด 12 นิ้วที่มีการบันทึกทั้งสองด้านเป็นครั้งแรก

ในปี พ.ศ. 2441 วิศวกรชาวเดนมาร์ก Woldemar Paulsen (พ.ศ. 2412-2485) ได้ประดิษฐ์อุปกรณ์สำหรับบันทึกเสียงด้วยแม่เหล็กบนลวดเหล็ก ต่อมา Paulsen ได้คิดค้นวิธีการบันทึกด้วยแม่เหล็กบนจานเหล็กที่หมุนได้ โดยที่ข้อมูลจะถูกบันทึกเป็นเกลียวโดยหัวแม่เหล็กที่กำลังเคลื่อนที่ ในปี 1927 F. Pfleimer ได้พัฒนาเทคโนโลยีสำหรับการผลิตเทปแม่เหล็กบนพื้นฐานที่ไม่ใช่แม่เหล็ก จากการพัฒนานี้ ในปี 1935 บริษัทวิศวกรรมไฟฟ้าของเยอรมนี AEG และบริษัทเคมี IG Farbenindustri ได้สาธิตเทปแม่เหล็กบนฐานพลาสติกที่เคลือบด้วยผงเหล็กในงานนิทรรศการวิทยุเยอรมัน เชี่ยวชาญด้านการผลิตทางอุตสาหกรรมซึ่งมีราคาน้อยกว่าเหล็กถึง 5 เท่ามีน้ำหนักเบากว่ามากและที่สำคัญที่สุดคือทำให้สามารถเชื่อมต่อชิ้นส่วนได้ด้วยการติดกาวแบบง่ายๆ ในการใช้เทปแม่เหล็กแบบใหม่ได้มีการพัฒนาอุปกรณ์บันทึกเสียงแบบใหม่ซึ่งได้รับชื่อแบรนด์ "Magnetofon" เทปแม่เหล็กเหมาะสำหรับการบันทึกเสียงซ้ำๆ จำนวนบันทึกดังกล่าวแทบไม่มีขีดจำกัด ถูกกำหนดโดยความแข็งแรงเชิงกลของตัวพาข้อมูลใหม่เท่านั้น - เทปแม่เหล็ก เครื่องบันทึกเทปสองแทร็กเครื่องแรกเปิดตัวโดยบริษัท AEG ของเยอรมันในปี พ.ศ. 2500 และในปี พ.ศ. 2502 บริษัท นี้ได้เปิดตัวเครื่องบันทึกเทปสี่แทร็กเครื่องแรก

นี่คือรายชื่อนักแต่งเพลง 10 คนที่คุณควรรู้ แต่ละคนสามารถพูดได้อย่างมั่นใจว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่เคยมีชีวิตอยู่แม้ว่าในความเป็นจริงมันเป็นไปไม่ได้และเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเปรียบเทียบดนตรีที่เขียนมานานหลายศตวรรษ อย่างไรก็ตาม นักแต่งเพลงเหล่านี้ทั้งหมดโดดเด่นในหมู่คนรุ่นเดียวกันในฐานะนักแต่งเพลงที่แต่งเพลง ระดับสูงสุดและพยายามผลักดันขอบเขตของดนตรีคลาสสิกไปสู่ขีดจำกัดใหม่ รายการไม่มีลำดับใดๆ เช่น ความสำคัญหรือความชอบส่วนตัว นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยม 10 คนที่คุณควรรู้

นักแต่งเพลงแต่ละคนจะมาพร้อมกับข้อเท็จจริงที่อ้างอิงได้ในชีวิตของเขา โดยจดจำว่าคุณจะดูเหมือนผู้เชี่ยวชาญคนไหน และเมื่อคลิกลิงค์นามสกุลก็จะจำเขาได้ ประวัติเต็ม- และแน่นอน คุณสามารถฟังผลงานสำคัญชิ้นหนึ่งของปรมาจารย์แต่ละคนได้

บุคคลที่สำคัญที่สุดในดนตรีคลาสสิกระดับโลก หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีผลงานมากที่สุดในโลก พระองค์ทรงสร้างสรรค์ผลงานทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของพระองค์ ทั้งโอเปร่า บัลเล่ต์ ดนตรีสำหรับการแสดงละคร และงานร้องประสานเสียง ถือว่าที่สำคัญที่สุดในมรดกของเขา งานเครื่องมือ: เปียโน ไวโอลิน และเชลโลโซนาต้า คอนแชร์โตสำหรับเปียโน ไวโอลิน ควอเตต การทาบทาม ซิมโฟนี ผู้ก่อตั้งยุคโรแมนติกในดนตรีคลาสสิก

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

เบโธเฟนต้องการอุทิศซิมโฟนีที่สามของเขา (1804) ให้กับนโปเลียนเป็นครั้งแรก นักแต่งเพลงหลงใหลในบุคลิกของชายผู้นี้ซึ่งดูเหมือนหลาย ๆ คนจะเป็นวีรบุรุษที่แท้จริงในช่วงเริ่มต้นรัชสมัยของเขา แต่เมื่อนโปเลียนสถาปนาตนเป็นจักรพรรดิ เบโธเฟนก็ละทิ้งการอุทิศตนเพื่อ หน้าชื่อเรื่องและเขียนเพียงคำเดียว - "วีรบุรุษ"

"แสงจันทร์โซนาต้าแอล. บีโธเฟนฟัง:

2. (1685-1750)

นักแต่งเพลงและออร์แกนชาวเยอรมัน ตัวแทนของยุคบาโรก หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี ในช่วงชีวิตของเขา Bach เขียนผลงานมากกว่า 1,000 ชิ้น ผลงานของเขานำเสนอทุกประเภทที่สำคัญในยุคนั้น ยกเว้นโอเปร่า; เขาสรุปความสำเร็จของศิลปะดนตรีในสมัยบาโรก ผู้ก่อตั้งราชวงศ์ดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุด

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

ในช่วงชีวิตของเขา บาคถูกประเมินต่ำเกินไปจนผลงานของเขาได้รับการตีพิมพ์ไม่ถึงสิบชิ้น

Toccata และ Fugue ใน D minor โดย J. S. Bachฟัง:

3. (1756-1791)

นักแต่งเพลงชาวออสเตรียผู้ยิ่งใหญ่ นักดนตรี และผู้ควบคุมวง เป็นตัวแทนของ Vienna Classical School นักไวโอลินอัจฉริยะ นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน ผู้ควบคุมวง เขามีหูที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรี ความทรงจำ และความสามารถในการแสดงด้นสด ในฐานะนักแต่งเพลงที่เก่งในแนวเพลงใดๆ เขาได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีคลาสสิก

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

ขณะที่ยังเป็นเด็ก โมสาร์ทได้จดจำและบันทึกเสียงเพลง Miserere (บทสวดบทสดุดีที่ 50 ของดาวิด) โดย Gregorio Allegri ชาวอิตาลี โดยได้ฟังเพียงครั้งเดียว

"Little Night Serenade" โดย W.A. Mozart, ฟัง:

4. (1813-1883)

นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน วาทยกร นักเขียนบทละคร นักปรัชญา มีผลกระทบอย่างมากต่อ วัฒนธรรมยุโรป รอบ XIX-XXศตวรรษ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสมัยใหม่ โอเปร่าของวากเนอร์น่าทึ่งในขนาดที่ยิ่งใหญ่และคุณค่าของมนุษย์ชั่วนิรันดร์

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

วากเนอร์มีส่วนร่วมในการปฏิวัติที่ล้มเหลวในปี พ.ศ. 2391-2392 ในเยอรมนี และถูกบังคับให้ซ่อนตัวจากการจับกุมโดยฟรานซ์ ลิซต์

"Ride of the Valkyries" จากโอเปร่าของ R. Wagner เรื่อง "Walkyrie"ฟัง

5. (1840-1893)

นักแต่งเพลงชาวอิตาลี บุคคลสำคัญของโรงเรียนโอเปร่าแห่งอิตาลี แวร์ดีมีความรู้สึกถึงเวที อารมณ์ และทักษะที่ไร้ที่ติ เขาไม่ปฏิเสธ ประเพณีโอเปร่า(ไม่เหมือนวากเนอร์) แต่ในทางกลับกันได้พัฒนาพวกเขา (ประเพณีของอุปรากรอิตาลี) เขาเปลี่ยนอุปรากรของอิตาลี เติมเต็มด้วยความสมจริง และทำให้มันเป็นเอกภาพโดยรวม

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

แวร์ดีเป็นนักชาตินิยมชาวอิตาลีและได้รับเลือกเข้าสู่รัฐสภาอิตาลีชุดแรกในปี พ.ศ. 2403 หลังจากการประกาศเอกราชของอิตาลีจากออสเตรีย

ทาบทามให้กับโอเปร่าเรื่อง La Traviata ของ D. Verdiฟัง:

7. อิกอร์ เฟโดโรวิช สตราวินสกี (1882-1971)

นักแต่งเพลง วาทยากร นักเปียโนชาวรัสเซีย (อเมริกัน - หลังการย้ายถิ่นฐาน) หนึ่งในที่สุด นักประพันธ์เพลงคนสำคัญศตวรรษที่ยี่สิบ งานของ Stravinsky มีความสม่ำเสมอตลอดอาชีพการงานของเขา แม้ว่าจะอยู่ใน ช่วงเวลาที่แตกต่างกันสไตล์ผลงานของเขาแตกต่างออกไป แต่แกนกลางและรากฐานของรัสเซียยังคงอยู่ซึ่งปรากฏชัดในผลงานทั้งหมดของเขา เขาถือว่าเป็นหนึ่งในผู้สร้างสรรค์ชั้นนำของศตวรรษที่ยี่สิบ การใช้จังหวะและความกลมกลืนของเขาเป็นแรงบันดาลใจและยังคงเป็นแรงบันดาลใจให้กับนักดนตรีหลายคน ไม่ใช่แค่ในดนตรีคลาสสิกเท่านั้น

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 1 เจ้าหน้าที่ศุลกากรของโรมันยึดภาพเหมือนของสตราวินสกีของปาโบล ปิกัสโซ ขณะที่ผู้แต่งกำลังจะออกจากอิตาลี ภาพเหมือนถูกวาดในลักษณะล้ำสมัย และเจ้าหน้าที่ศุลกากรเข้าใจผิดว่าวงกลมและเส้นเหล่านี้เป็นวัสดุลับที่เข้ารหัสบางประเภท

ห้องสวีทจากบัลเล่ต์โดย I.F. Stravinsky " ไฟร์เบิร์ด", ฟัง:

8. โยฮันน์ สเตราส์ (1825-1899)

นักแต่งเพลงชาวออสเตรียแห่งดนตรีเบา วาทยกร และนักไวโอลิน "King of Waltzes" เขาสร้างขึ้นในแนวเพลงเต้นรำและบทละคร มรดกทางดนตรีของเขาประกอบด้วยเพลงวอลทซ์ โพลก้า ควอดริล และดนตรีเต้นรำประเภทอื่นๆ มากกว่า 500 เพลง รวมถึงโอเปเรตต้าและบัลเล่ต์หลายเพลง ต้องขอบคุณเขาที่ทำให้เพลงวอลทซ์ได้รับความนิยมอย่างมากในกรุงเวียนนาในศตวรรษที่ 19

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

พ่อของ Johann Strauss ก็คือ Johann และเป็นนักดนตรีชื่อดังด้วย ดังนั้น "Waltz King" จึงถูกเรียกว่าเป็นลูกชายคนเล็ก พี่ชายของเขา Joseph และ Eduard ก็เป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงเช่นกัน

Waltz โดย J. Strauss "บนแม่น้ำดานูบสีน้ำเงินที่สวยงาม", ฟัง:

9. เซอร์เกย์ วาซิลีวิช รัคมานินอฟ (1873-1943)

นักแต่งเพลงชาวออสเตรีย หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนดนตรีคลาสสิกเวียนนา และหนึ่งในผู้ก่อตั้งแนวโรแมนติกทางดนตรี ในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา Schubert มีส่วนสำคัญต่อวงออเคสตรา ห้องแชมเบอร์ และ เพลงเปียโนซึ่งมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงทั้งรุ่น อย่างไรก็ตาม ผลงานที่โดดเด่นที่สุดของเขาคือการพัฒนาความรักของเยอรมันซึ่งเขาสร้างขึ้นมากกว่า 600 เรื่อง

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ

เพื่อนของชูเบิร์ตและนักดนตรีจะมารวมตัวกันและแสดงดนตรีของชูเบิร์ต การประชุมเหล่านี้เรียกว่า "Schubertiads" แฟนคลับกลุ่มแรก!

"Ave Maria" โดย F.P.Schubert, ฟัง:

สานต่อธีมของนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมที่คุณควรรู้ เนื้อหาใหม่

เป็นการยากที่จะให้คำตอบที่ชัดเจนสำหรับคำถามนี้ อาจมีเหตุผลหลายประการที่ชอบการแสดงของนักประพันธ์เพลงที่สื่อความหมายมากกว่าศิลปินที่มีความสามารถด้านการแสดงล้วนๆ แต่ฉันจะไม่ยืนยันอย่างเด็ดขาดว่านี่เป็นกรณีอย่างสม่ำเสมอและไม่ใช่อย่างอื่น แม้ว่านักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสองคนในประวัติศาสตร์ - Liszt และ Rubinstein - ต่างก็เป็นนักแต่งเพลงก็ตาม สำหรับตัวฉันเอง ฉันรู้สึกว่าถ้าการแสดงผลงานของตัวเองแตกต่างจากการแสดงของคนอื่น นั่นเป็นเพียงเพราะฉันรู้จักเพลงของฉันดีขึ้นเท่านั้น

ในฐานะนักแต่งเพลง ฉันคิดมากเกี่ยวกับเรื่องนี้จนกลายเป็นส่วนหนึ่งของฉันไปแล้ว ในฐานะนักเปียโน ฉันเข้าถึงมันจากภายใน และเข้าใจมันอย่างลึกซึ้งมากกว่าที่นักแสดงคนอื่นๆ จะเข้าใจได้ ท้ายที่สุดแล้ว คุณมักจะศึกษาผลงานของคนอื่นเป็นสิ่งใหม่ที่อยู่ภายนอกตัวคุณเสมอ คุณไม่สามารถแน่ใจได้เลยว่าการแสดงของคุณจะทำให้คุณตระหนักถึงความตั้งใจของนักแต่งเพลงคนอื่นได้อย่างถูกต้อง ขณะฝึกซ้อมผลงานกับนักเปียโนคนอื่นๆ ฉันเชื่อมั่นว่าเป็นเรื่องยากมากสำหรับนักแต่งเพลงที่จะเปิดเผยความเข้าใจในผลงาน และอธิบายให้นักแสดงฟังว่าควรเล่นเพลงนี้อย่างไร

มีคุณสมบัติที่สำคัญสองประการที่มีอยู่ในตัวผู้แต่ง ซึ่งไม่จำเป็นสำหรับศิลปินที่แสดง ประการแรกคือจินตนาการ ฉันไม่อยากจะแนะนำว่านักแสดงไม่มีจินตนาการ แต่มีเหตุผลทุกประการที่เชื่อได้ว่าผู้แต่งมีพรสวรรค์ที่ยิ่งใหญ่กว่า เพราะเขาต้องจินตนาการก่อนที่จะสร้างสรรค์ ลองจินตนาการด้วยพลังจนภาพที่ชัดเจนของงานในอนาคตปรากฏขึ้นในใจของเขาก่อนที่จะเขียนโน้ตแม้แต่ตัวเดียว ผลงานที่เสร็จสมบูรณ์ของเขาคือความพยายามที่จะรวบรวมแก่นแท้ของภาพนี้ไว้ในดนตรี ต่อจากนี้ไปเมื่อผู้แต่งตีความผลงานของตัวเองภาพนี้ก็ผุดขึ้นมาในใจอย่างชัดเจนในขณะที่นักดนตรีคนใดที่แสดงผลงานของคนอื่นจะต้องจินตนาการอย่างสมบูรณ์ รูปภาพใหม่- ความสำเร็จและความมีชีวิตชีวาของการตีความขึ้นอยู่กับความแข็งแกร่งและความมีชีวิตชีวาของจินตนาการของเขาเป็นส่วนใหญ่ และในแง่นี้ ดูเหมือนว่านักแต่งเพลง-ล่ามซึ่งมีจินตนาการที่ได้รับการพัฒนาอย่างสูงจากธรรมชาติ อาจกล่าวได้ว่ามีข้อได้เปรียบเหนือศิลปิน - มีเพียงล่ามเท่านั้น

และของขวัญที่สำคัญยิ่งกว่านั้นที่ทำให้ผู้แต่งแตกต่างจากนักดนตรีคนอื่นๆ คือความรู้สึกด้านสีสันทางดนตรีที่ได้รับการพัฒนาอย่างประณีต พวกเขากล่าวว่า Anton Rubinstein รู้วิธีที่จะดึงเอาความสมบูรณ์อันน่าทึ่งและความบริสุทธิ์ที่หลากหลายออกมาจากเปียโนได้อย่างไร สีดนตรี- คนที่ฟังการเล่นของ Rubinstein บางครั้งอาจจินตนาการว่าเขามีทรัพยากรทั้งหมดของวงออเคสตราขนาดใหญ่อยู่ในมือ เนื่องจาก Rubinstein เป็นนักแต่งเพลงที่เก่งกาจและมีสีสันทางดนตรีที่เข้มข้น ซึ่งขยายออกไปทั้งในด้านการแสดงและของเขา กิจกรรมสร้างสรรค์- โดยส่วนตัวแล้ว ฉันเชื่อว่าการมีเซนส์ด้านสีสันทางดนตรีเป็นข้อได้เปรียบที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของนักแต่งเพลง ไม่ว่านักดนตรีจะเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมแค่ไหน ผมคิดว่าเขาจะไม่มีทางบรรลุถึงความรู้สึกที่ลุ่มลึกและการสร้างสีสันทางดนตรีได้อย่างเต็มรูปแบบ ซึ่งเป็นคุณสมบัติสำคัญของพรสวรรค์ของผู้แต่งเพลง

สำหรับนักแต่งเพลงที่ยังเป็นวาทยากร ความรู้สึกด้านสีที่เฉียบแหลมนี้อาจเป็นอุปสรรคในการตีความผลงานของผู้อื่น เพราะเขาอาจใส่สีสันเข้าไปในการแสดงที่แตกต่างจากที่ผู้แต่งตั้งใจไว้

นักแต่งเพลงมักเป็นวาทยากรในอุดมคติ - เป็นล่ามการเรียบเรียงของเขา ฉันมีโอกาสได้ยินศิลปินสร้างสรรค์ผู้ยิ่งใหญ่สามคน ได้แก่ Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky และ Rubinstein - ดำเนินงานของพวกเขา และผลลัพธ์ก็น่าเสียดายอย่างแท้จริง ในบรรดาอาชีพทางดนตรีทั้งหมด การแสดงมีความโดดเด่น - เป็นพรสวรรค์ส่วนบุคคลที่ไม่สามารถได้มา ที่จะเป็นเช่นนั้น ตัวนำที่ดีนักดนตรีจะต้องมีการควบคุมตนเองอย่างมาก เขาจะต้องสามารถสงบสติอารมณ์ได้ แต่ความสงบไม่ได้หมายถึงความสงบและไม่แยแส ความรู้สึกทางดนตรีที่มีความเข้มข้นสูงเป็นสิ่งจำเป็น แต่ต้องขึ้นอยู่กับความสมดุลทางความคิดที่สมบูรณ์แบบและการควบคุมตนเองโดยสมบูรณ์ เมื่อควบคุมดูแล ฉันได้สัมผัสกับบางสิ่งที่ใกล้เคียงกับความรู้สึกของฉันเมื่อขับรถ - ความสงบภายในที่ทำให้ฉันควบคุมตัวเองได้อย่างสมบูรณ์และพลังเหล่านั้น - ดนตรีหรือกลไก - ที่อยู่ใต้บังคับบัญชาของฉัน

ในทางกลับกัน สำหรับศิลปินนักแสดง ปัญหาในการควบคุมอารมณ์เป็นเรื่องส่วนตัวมากกว่า ฉันทราบดีว่าเกมของฉันแตกต่างกันไปในแต่ละวัน นักเปียโนเป็นทาสของเสียง หลังจากเล่นชิ้นแรกได้สัมผัสกับเสียงของห้องโถงและสัมผัสบรรยากาศทั่วไปแล้วฉันก็รู้ว่าฉันจะใช้เวลาทั้งคอนเสิร์ตในอารมณ์ไหน ในบางแง่ สิ่งนี้ไม่ดีสำหรับฉัน แต่บางทีอาจเป็นการดีกว่าสำหรับศิลปินที่ไม่แน่ใจเกี่ยวกับการแสดงของเขาล่วงหน้า ดีกว่าการได้รับการแสดงในระดับคงที่ซึ่งสามารถกลายเป็นกิจวัตรของกลไกได้อย่างง่ายดาย

ชีวิตของศิลปินมีผลเสียต่องานของเขาหรือไม่?

มากขึ้นอยู่กับบุคลิกลักษณะของศิลปิน ตัวอย่างเช่น Strauss ทำงานเป็นนักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง Rubinstein แต่งเพลงทุกเช้าตั้งแต่เจ็ดโมงถึงสิบสอง โดยใช้เวลาที่เหลือทั้งวันอยู่ที่เปียโน โดยส่วนตัวแล้ว ฉันพบว่าชีวิตคู่เช่นนี้เป็นไปไม่ได้ ถ้าฉันเล่นฉันไม่สามารถแต่งได้ถ้าฉันแต่งฉันไม่ต้องการที่จะเล่น อาจจะเป็นเพราะฉันขี้เกียจ บางทีการฝึกฝนเปียโนอย่างต่อเนื่องและความพลุกพล่านชั่วนิรันดร์ที่เกี่ยวข้องกับชีวิตของศิลปินคอนเสิร์ตอาจดึงพลังงานไปจากฉันมากเกินไป อาจเป็นเพราะฉันรู้สึกว่าดนตรีที่ฉันอยากทำในปัจจุบันไม่เป็นที่ยอมรับ หรืออาจเป็นเหตุผลที่แท้จริงที่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ฉันชอบชีวิตศิลปินมากกว่าชีวิตนักแต่งเพลงแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง หลังจากออกจากรัสเซีย ฉันก็หมดความปรารถนาที่จะแต่งเพลง เมื่อสูญเสียบ้านเกิดฉันก็สูญเสียตัวเอง ผู้ถูกเนรเทศซึ่งสูญเสียรากฐานทางดนตรี ประเพณี และดินพื้นเมืองของตน ไม่มีความปรารถนาที่จะสร้าง ไม่มีการปลอบใจอื่นใดเหลืออยู่ ยกเว้นความเงียบที่ไม่อาจทำลายได้ของความทรงจำที่ไม่ถูกรบกวน

“วิธีการรักษาที่แน่นอนและสูงสุด

บริการแก่นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่

ประกอบด้วยการนำให้สมบูรณ์

ความจริงใจของศิลปิน”

(อัลเฟรด คอร์ตอต).

นับตั้งแต่การปรากฏตัวของผลงานดนตรีที่บันทึกในระบบสัญกรณ์บางอย่างความสัมพันธ์เชิงสร้างสรรค์ระหว่างผู้ให้บริการเพลงหลัก - ผู้แต่งและนักแสดง - อยู่ในกระบวนการของการดัดแปลงอย่างต่อเนื่อง ในชุมชนนี้ มีแนวโน้มสองประการที่กำลังต่อสู้กัน - ความปรารถนาที่จะผสมผสานกับความปรารถนาในการแสดงออก ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 นักเปียโนชาวรัสเซียได้กลายเป็นหนึ่งในกลุ่มศิลปะการแสดงที่ก้าวหน้าที่สุดในโลก ในรัสเซียเร็วกว่าที่อื่นพวกเขาเข้าใจถึงความจำเป็นในการศึกษาข้อความของผู้เขียนอย่างรอบคอบร่วมกับทัศนคติที่สร้างสรรค์ต่อข้อความนั้น สี่ทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาแห่งการแก้ไขปัญหาทัศนคติต่อข้อความของผู้เขียนที่กลมกลืนกันมากที่สุด นักเปียโนเริ่มเข้าใจแก่นแท้ของงานและสไตล์ของผู้สร้างอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้น นักดนตรีโซเวียตมีส่วนสนับสนุนอย่างคุ้มค่าต่อการแสดง Bahian ให้กับโลก M.V. Yudina บูชา Bach ตลอดชีวิตของเธอ ชีวิตที่สร้างสรรค์- สิ่งนี้เห็นได้จากผลงานของเขาที่เล่นโดยนักเปียโนจำนวน (ประมาณแปดสิบ) ซึ่งแทบจะเป็นเอกลักษณ์เฉพาะสำหรับศิลปินในรุ่นของเธอ ในละครของบาค เธอละทิ้งวิธีการโรแมนติกที่แสดงออกหลายอย่าง รวมถึงโดยเฉพาะเปียโน มีลักษณะทางประวัติศาสตร์มากกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับการตีความเรื่องโรแมนติกการอ่านของ Bach Yudina เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ตระหนักว่างานของ Bach และเปียโนสมัยใหม่อยู่ในยุคที่แตกต่างกันในฐานะความเป็นจริงทางศิลปะที่มีชีวิตซึ่งก่อให้เกิดความยากลำบากสำหรับล่าม คุณสมบัติที่เป็นนวัตกรรมใหม่ในสไตล์ของ Yudina สามารถตัดสินได้จากการแสดง Chromatic Fantasy และ Fugue ของเธอ ซึ่งโดดเด่นด้วยรูปแบบเชิงเส้น การระบายสีแบบนักพรต และการแยกส่วนข้อต่อที่เหมือนฮาร์ปซิคอร์ดที่มีพลัง สิ่งที่น่าสังเกตคือ "การลงทะเบียน" ในจิตวิญญาณของคีย์บอร์ดแบบเก่า พร้อมด้วยการสัมผัสของออร์แกน เช่นเดียวกับจังหวะที่ช้า "อธิปไตย" และการแสดงออกที่เข้มงวด ความปรารถนาในสไตล์ของนักเปียโนไม่เคยกลายเป็นการแสดงแบบ "แห้ง" เหมือนในพิพิธภัณฑ์ ในการตีความของ Yudina ความสามารถในการแสดงความรู้สึกดื่มด่ำในระยะยาวในสภาวะทางอารมณ์เดียวซึ่งหายไปจากการอ่านแบบโรแมนติกเริ่มกลับมาที่ผลงานของ Bach: การฟื้นฟูหลักการของการลงทะเบียนคีย์บอร์ดและออร์แกน การหายตัวไปของส่วนเล็ก ๆ ในแถบสุดท้าย การปฏิเสธประเพณีของการค่อยๆเพิ่มความแข็งแกร่งของเสียงในความทรงจำตั้งแต่ต้นจนจบโดยไม่มี rubato ที่หุนหันพลันแล่น เป็นที่น่าสังเกตว่ามีคุณลักษณะ "clavier" อีกประการหนึ่งในการตัดสินใจในการปฏิบัติงานของ Yudina - ความสำคัญที่เพิ่มขึ้นของข้อต่อ

ในบรรดานักดนตรีโซเวียต Svyatoslav Teofilovich Richter กลายเป็นเวทีคลาสสิกหลังโรแมนติกของประวัติศาสตร์เปียโนซึ่งเป็นศิลปินที่มีผลงานมุ่งเน้นไปที่เทรนด์ชั้นนำของยุคการแสดงใหม่ เขาสร้างการตีความโดยที่ประวัติศาสตร์การแสดงดนตรีของ Bach นั้นคิดไม่ถึง ทำลายแนวโน้มการตีความงานของนักแต่งเพลงคนนี้อย่างโรแมนติกอย่างเด็ดขาด Richter ขีดฆ่าการถอดเสียงจากรายการของเขา ใน Preludes and Fugues จาก HTC ซึ่งครอบครองสถานที่สำคัญในผลงานของ Richter's Bach เขาเปรียบเทียบอิสรภาพที่โรแมนติกและการตีความตามอัตวิสัยกับความปรารถนาที่จะเป็นกลางสูงสุดและในขณะเดียวกันก็ "เข้าไปในเงามืด" โดยต้องการปล่อยให้ " เสียงดนตรีนั่นเอง” การตีความเหล่านี้ตื้นตันไปด้วยทัศนคติที่ระมัดระวังและบริสุทธิ์ต่อผู้เขียน การดูดซึมตนเองที่นี่ครอบงำการแสดงความรู้สึกภายนอกอย่างสมบูรณ์ ความรุนแรงทางอารมณ์จะมองเห็นได้เฉพาะในความตึงเครียดทางสติปัญญาอันมหาศาลเท่านั้น ทักษะที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาสะท้อนให้เห็นในความล่องหนของเขาในความพูดน้อยและการบำเพ็ญตบะของวิธีการเล่นเปียโนของเขา เราได้ยินในภาษาริกเตอร์ถึงความเป็นไปได้ของเสียงออร์แกน เสียงร้อง วงออเคสตรา ออร์เคสตรา-คอรอล ฮาร์ปซิคอร์ด และเสียงระฆัง “ฉันเชื่อมั่นว่าบาคสามารถเล่นได้ดีในรูปแบบที่แตกต่างกัน ด้วยท่าทางที่แตกต่างกัน และด้วยไดนามิกที่แตกต่างกัน ตราบใดที่โครงร่างที่เข้มงวดของสไตล์ไม่บิดเบี้ยว ตราบใดที่การแสดงนั้นน่าเชื่อถือเพียงพอ” (S.T. Richter)

Richter มีแนวทางที่ลึกซึ้งและครอบคลุมและเป็นศิลปะอย่างแท้จริงในวงจรของ HTC เมื่อฟังการแสดงของริกเตอร์ การตรวจจับแนวโน้มหลักสองประการในตัวเขาไม่ใช่เรื่องยาก ซึ่งบางครั้งก็ทะเลาะกันเอง ในแง่หนึ่ง การแสดงของเขาดูเหมือนจะอยู่ในขอบเขตที่กำหนดไว้ล่วงหน้าโดยลักษณะเฉพาะของศิลปะการเล่นเปียโนในสมัยของบาค ในทางกลับกัน มักเกี่ยวข้องกับปรากฏการณ์ที่เกินขอบเขตเหล่านี้เสมอ “ ในนั้น ฮาร์ปซิคอร์ด clavichord และความเห็นอกเห็นใจของอวัยวะของ Bach และความเข้าใจอันยอดเยี่ยมเกี่ยวกับอนาคตของเขาถูก "ประสาน" เข้าด้วยกัน” (Ya. Milshtein) มันรวมองค์ประกอบที่แสดงออก สร้างสรรค์และเป็นเส้นตรงเข้าไว้ด้วยกัน นั่นคือเหตุผลที่ริกเตอร์นำหลักการทางปัญญาเชิงสร้างสรรค์และโพลีโฟนิกมาสู่เบื้องหน้าและเชื่อมโยงโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างเข้ากับหลักการดังกล่าวในโหมโรงและการหลบหนีอื่น ๆ ในส่วนอื่นๆ เน้นย้ำความลึกเชิงปรัชญาของดนตรีของ Bach และสมดุลอินทรีย์ที่เกี่ยวข้องของการแสดงออกทุกรูปแบบ บางครั้งเขาถูกดึงดูดด้วยการแสดงออกของเส้นไพเราะที่ไหลลื่น (การเปล่งเสียงแบบเลกาโตที่สอดคล้องกัน) บางครั้งตรงกันข้ามกับความคมชัดและความชัดเจนของจังหวะการแยกส่วนของการเปล่งเสียง ในบางครั้งเขามุ่งมั่นเพื่อความนุ่มนวลที่โรแมนติกและความยืดหยุ่นในการเล่น ในบางครั้งเพื่อเน้นความแตกต่างแบบไดนามิกที่คมชัด แต่แน่นอนว่าเขาไม่ได้โดดเด่นด้วยการปัดเศษวลีที่ "ละเอียดอ่อน" ขนาดเล็ก เฉดสีแบบไดนามิกการเบี่ยงเบนที่ไม่ยุติธรรมจากก้าวหลัก นอกจากนี้ยังแปลกอย่างมากต่อการตีความ Bach ที่แสดงออกและหุนหันพลันแล่น, สำเนียงที่ไม่สมมาตร, การเน้นที่คมชัดในโน้ตและลวดลายของแต่ละบุคคล, การเร่งจังหวะ "กระตุก" อย่างกะทันหัน ฯลฯ การดำเนินการของเขากับ HTC นั้นมั่นคง มีแผนขนาดใหญ่ เป็นธรรมชาติและราบรื่น “ ความสุขสูงสุดของเขาคือการละลายไปตามความประสงค์ของนักแต่งเพลงที่เขาเลือก” (Ya. Milshtein)

แรงกระตุ้นหลักเบื้องหลังการตีความอันน่าทึ่งของ Glen Gould ซึ่งพิชิตโลกได้คือสัญชาตญาณอันน่าทึ่ง พลังอารมณ์ทางดนตรีที่ไม่อาจต้านทานได้ซึ่งอยู่ภายในตัวเขา Gould's Bach คือจุดสูงสุดของศิลปะการแสดงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 จานสีฮาร์ปซิคอร์ดของการเล่นเปียโนของ Gould ความกลมกลืนของเขาและอีกมากมายเป็นพยานถึงสติปัญญาและการเจาะลึกเข้าไปในวัฒนธรรมในยุคของ Bach การตีความสิ่งประดิษฐ์ของ Bach, Partitas, รูปแบบต่างๆของ Goldberg และผลงานอื่นๆ ของ Gould กลายเป็นสมบัติทางศิลปะที่คนรุ่นเดียวกันของเรามองว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของศิลปะการแสดง ในฐานะมาตรฐานโวหารที่เคลียร์จากชั้นที่สะสมทั้งหมด อย่างไรก็ตาม ความคิดสร้างสรรค์ที่โดดเด่นของปรมาจารย์ไม่เคยเลียนแบบบาคเลย เขาเชื่อฟังสัญชาตญาณของเขา แต่ไม่ลังเลที่จะเปลี่ยนข้อมูลโดยตรงของข้อความ "สีขาว" ของ Bach โกลด์แสดงผลงานของบาคด้วยความเชื่อมั่นทางศิลปะในระดับที่แตกต่างกัน ไม่ใช่ทุกความทรงจำจาก Volume I ของ HTC ที่จะทำตามปกติของ Gould ระดับศิลปะ- ในการเล่นของปรมาจารย์มักมีการเบี่ยงเบนโดยตรงจากข้อความ จังหวะและระดับเสียงที่แปรผัน

การเล่นของโกลด์สร้างความประหลาดใจด้วยคุณภาพอันเป็นเอกลักษณ์ดั้งเดิมและแสดงออกได้อย่างดีเยี่ยม ตำแหน่งของพวกเขายังเป็นต้นฉบับ - มีการเพิ่มหลายแห่งแล้ว ส่วนอีกหลายแห่งไม่ได้ถูกดำเนินการ หากไม่มีพวกเขา การตีความแบบบาคของศิลปินคงสูญเสียไปมาก ศิลปินมักจะหันไปใช้ข้อความที่มีรูปแบบเป็นจังหวะ แต่หากคุณสมบัติที่กล่าวมาข้างต้นของการเล่นของปรมาจารย์ไม่ได้ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างมากในตัวละครและความหมายของผลงาน การเปลี่ยนแปลงอื่น ๆ ของโกลด์ก็บุกรุกแก่นแท้ของผลงาน การตีความของปรมาจารย์ชาวแคนาดาครอบคลุมสเปกตรัมที่เป็นรูปเป็นร่างมากมาย เขาเล่นหลายสิ่งหลายอย่างด้วยเนื้อร้องที่ลึกซึ้ง อิสระด้านจังหวะที่ไม่ธรรมดาสำหรับบาค และการใช้ถ้อยคำสั้นๆ การเล่นของเขาทำให้ประหลาดใจกับความสมบูรณ์แบบและความโดดเด่นของเสียงของเขา เนื้อร้องของเพลงทั้งหมดชัดเจน “เพียงมองแวบเดียว” ดนตรีดูเต็มอิ่มด้วยน้ำเสียงที่สื่ออารมณ์ของทุกเสียง

ภาพวาดลายเส้นของปรมาจารย์ในเกมได้รับการพัฒนา หลากหลาย และปรับปรุงอย่างมาก สัมผัสของเขาทำให้โครงสร้างแรงจูงใจของท่วงทำนองของ Bach มีรูปลักษณ์ที่หลากหลายที่สุด เทคนิคที่ไม่ธรรมดาในจังหวะต่างๆ ในท่วงทำนองเดียวกัน รวมถึงธีมของความทรงจำ สิ่งประดิษฐ์ และผลงานอื่นๆ นั้นเป็นที่สนใจเป็นพิเศษและเปิดประเด็นปัญหาการแสดงใหม่ๆ การศึกษาผลงานออเคสตราของ Bach ซึ่งมีลีกของผู้แต่งจำนวนหนึ่ง - จังหวะแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ของตัวอย่างดังกล่าว นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่เองก็เปลี่ยนจังหวะของเขาเองและไม่บ่อยนัก นักคิดอิสระชาวแคนาดาสร้าง Bach ที่น่าสนใจที่สุดในยุคของเรา เขาเป็นบาคที่แตกต่าง: ไม่ใช่คนที่อยู่ในช่วงชีวิตของเขาและไม่ใช่คนที่เปลี่ยนแปลงไปปรากฏต่อคนรุ่นต่าง ๆ แต่ดูเหมือนว่าเขาในรุ่นเดียวกันของโกลด์จะเป็นบาคที่แท้จริงที่สุด

ในด้านดนตรีบรรเลง งานของ J.S. Bach เปิดกว้างขึ้นทั้งหมด ยุคใหม่อิทธิพลที่มีผลซึ่งขยายมาจนถึงทุกวันนี้และจะไม่มีวันเหือดแห้ง ดนตรีนี้มุ่งเน้นไปที่อนาคตและใกล้เคียงกับชีวิตจริงโดยตรงโดยปราศจากข้อจำกัดจากความเชื่อที่แข็งกระด้างในข้อความทางศาสนา มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีและเทคนิคของศิลปะฆราวาสและการทำดนตรี

โลกแห่งเสียงดนตรีบรรเลงของ Bach มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ผลงานของบาคได้ฝังแน่นอยู่ในจิตสำนึกของเรา และกลายเป็นความต้องการด้านสุนทรียศาสตร์ที่สำคัญ แม้ว่างานเหล่านี้จะเล่นโดยใช้เครื่องดนตรีที่แตกต่างจากสมัยนั้นก็ตาม

ดนตรีบรรเลงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Köthen ทำหน้าที่เป็น "สาขาทดลอง" ของ Bach เพื่อปรับปรุงและฝึกฝนเทคนิคการเรียบเรียงเพลงที่ครอบคลุมของเขา ผลงานเหล่านี้มีคุณค่าทางศิลปะที่ยั่งยืนและเป็นส่วนเชื่อมโยงที่จำเป็นต่อการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์โดยรวมของบาค เปียโนกลายมาเป็นพื้นฐานสำหรับบาคในชีวิตประจำวันสำหรับการทดลองทางดนตรีในด้านโครงสร้าง ความกลมกลืน และการสร้างรูปแบบ และยังเชื่อมโยงขอบเขตแนวเพลงต่างๆ ของงานของบาคเข้าด้วยกันในวงกว้างมากขึ้น บาคขยายขอบเขตเชิงอุปมาอุปไมยและการแสดงออกของไคลเวียร์ และพัฒนาให้มีรูปแบบสังเคราะห์ที่กว้างกว่ามาก ซึ่งรวมเอาวิธีการ เทคนิค และใจความที่เรียนรู้จากออร์แกน วงออเคสตรา และวรรณคดีเกี่ยวกับเสียงร้อง - เยอรมัน อิตาลี และฝรั่งเศส ด้วยความเก่งกาจของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งต้องการลักษณะการแสดงที่แตกต่างกัน สไตล์คีย์บอร์ดของ Bach จึงมีความโดดเด่นในบางเรื่อง คุณสมบัติทั่วไป: มีพลังและสง่างาม เนื้อหาและโครงสร้างทางอารมณ์ที่สมดุล ความสมบูรณ์และความหลากหลายของเนื้อสัมผัส โครงร่างของทำนองของคีย์บอร์ดมีความไพเราะอย่างชัดเจน ซึ่งต้องใช้สไตล์การเล่นแบบแคนตาเบิล หลักการนี้ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการวางนิ้วและการวางมือของบาค หนึ่งในคุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์คือความสมบูรณ์ของการนำเสนอด้วยรูปฮาร์มอนิก ด้วยเทคนิคนี้ ผู้แต่งพยายามที่จะ "ยกระดับขึ้นสู่ผิวเสียง" ชั้นลึกของฮาร์โมนีอันยิ่งใหญ่เหล่านั้น ซึ่งในเนื้อสัมผัสที่หลอมรวมกันบนคาลาเวียร์ในยุคนั้นไม่สามารถเผยให้เห็นสมบัติของสีและการแสดงออกที่มีอยู่ในนั้นได้อย่างเต็มที่

ผลงานของบาคไม่เพียงแต่สร้างความประหลาดใจและน่าดึงดูดอย่างไม่อาจต้านทานได้เท่านั้น แต่ผลงานของพวกเขาจะยิ่งแข็งแกร่งขึ้นเมื่อเราได้ยินพวกเขาบ่อยขึ้น เราก็ยิ่งคุ้นเคยกับพวกเขามากขึ้นเท่านั้น ด้วยไอเดียมากมายมหาศาล เราจึงค้นพบสิ่งใหม่ๆ ในตัวที่ทำให้เกิดความชื่นชมอยู่เสมอ บาคผสมผสานสไตล์ที่หรูหราและประณีตเข้ากับการตกแต่งอย่างประณีต พิถีพิถันในการเลือกรายละเอียดของงานประพันธ์ทั้งหมด เพราะเขาเชื่อมั่นว่า “งานทั้งหมดจะไม่สมบูรณ์แบบได้หากรายละเอียดของงานทั้งหมดนี้ไม่ได้ “ประกอบ” เข้าด้วยกันอย่างแม่นยำเพียงพอ ” (I. Forkel)