นับตั้งแต่จุดเริ่มต้นของอารยธรรมมนุษย์ โรงละครถือเป็นแหล่งความบันเทิงหลัก ปัจจุบันนี้การแสดงละครและ การแสดงโอเปร่ายังคงไม่สูญเสียความนิยมและความสำคัญใดๆ และผู้คนหลายพันคนทั่วโลกมาเยี่ยมชมโรงละครทุกวันและเพลิดเพลินไปกับรูปแบบศิลปะที่ยอดเยี่ยมนี้

การสร้างโรงละครใดๆ ก็ตามเป็นโลกที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งมีประวัติศาสตร์ ประเพณี และความลับเป็นของตัวเอง เรามาพูดถึงสิ่งที่เป็นที่รู้จักทั่วโลกกันดีกว่า

โรงละคร La Scala ถูกต้องที่สุด โรงละครที่มีชื่อเสียงความสงบ. และที่สำคัญที่สุดเขามีความเกี่ยวข้องกับโอเปร่าแม้ว่า สถานที่สำคัญละครยังรวมถึงการแสดงละครและบัลเล่ต์ด้วย

ลา สกาล่า, ภาพถ่าย รูดิเกอร์ โวล์ค

มันถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2321 ห้องโถงรูปเกือกม้ามีกล่องห้าชั้น มีการแสดงผลงานบนเวที La Scala นักแต่งเพลงชื่อดังเบลลินี่, รอสซินี่, โดนิเซตติ, แวร์ดี โรงละครแห่งนี้มีชื่อเสียงในด้านระบบเสียงที่ไร้ที่ติ

หลายๆ คนเชื่อมโยงออสเตรเลียกับการสร้างโรงละครโอเปร่าในซิดนีย์ เป็นที่จดจำได้ง่ายและเป็นหนึ่งในสถานที่ท่องเที่ยวสำคัญของประเทศ นี่อาจเป็นหนึ่งในโรงละครที่โดดเด่นที่สุดในยุคของเรา

โรงอุปรากรซิดนีย์ ภาพถ่าย แชนนอน ฮอบส์

การเปิดดำเนินการเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2516 ในระหว่างการก่อสร้าง เน้นหลักไปที่เรื่องเสียงและการมองเห็น นั่นคือเหตุผลที่ผู้ชมละครทุกคนรู้สึกราวกับว่าเขาได้ซื้อตั๋วไปยังที่นั่งที่ดีที่สุดในห้องโถงแล้ว

อาคารโรงละครแห่งนี้กลายเป็นที่ตั้งของ Sydney Symphony Orchestra ในซิดนีย์ บริษัท โรงละคร, บัลเลต์ออสเตรเลีย และ โอเปร่าออสเตรเลีย มีการแสดงมากกว่า 1,500 รายการเกิดขึ้นที่นี่ทุกปี

3. โรงละครบอลชอย

โรงละครบอลชอยในมอสโกเป็นหนึ่งในโรงละครชั้นนำในรัสเซียและทั่วโลก ร่วมกับสิ่งที่ดีที่สุด วงซิมโฟนีออร์เคสตราเขารอดพ้นจากไฟ สงคราม และการปฏิวัติ

โรงละครบอลชอยในมอสโก ภาพถ่าย จิมมี่วี

ที่ทางเข้า ผู้เยี่ยมชมจะได้รับการต้อนรับจากรูปปั้นอพอลโลในรถม้าศึก โดยคาดว่าจะมีการแสดงอันยิ่งใหญ่เกิดขึ้นในโรงละคร มีชื่อเสียงมากขึ้นมีคณะละครบัลเล่ต์ Yuri Grigorovich จัดแสดงตำนาน " ทะเลสาบสวอน" และ "ยุคทอง" บอลชอยเปิดทำการหลังจากการบูรณะครั้งใหญ่ในปี 2554

4. โรงละครแห่งรัฐเวียนนา

โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นในปี 1869 มีชื่อเสียงมายาวนานในฐานะศูนย์กลางของชีวิตทางดนตรีในกรุงเวียนนาและทั่วทั้งออสเตรีย

เวียนนา โอเปร่าของรัฐ, ภาพโดย เจพี

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 อาคารหลังนี้ถูกทิ้งระเบิดและเกือบถูกทำลาย ปาฏิหาริย์บันไดและส่วนอื่นๆ บางส่วนได้รับการอนุรักษ์ไว้ ได้รับการบูรณะในปี พ.ศ. 2498 เท่านั้น ปัจจุบันยังคงเป็นสถานที่จัดแสดงโอเปร่าหลักแห่งหนึ่งของโลก ใต้ซุ้มประตู เวียนนาโอเปร่าลูกบอลแบบดั้งเดิมจะจัดขึ้นเป็นประจำทุกปี

Palace of Catalan Music ตั้งอยู่ใน อาคารนี้เปิดอย่างเป็นทางการในปี 1908 และกลายเป็นสัญลักษณ์ของเมืองแทบจะในทันที เพดานกระจกอันงดงาม ภาพวาดอันวิจิตร หน้าต่างกระจกสี และประติมากรรมทำให้กลายเป็นงานศิลปะอย่างแท้จริง นี่เป็นหนึ่งในโรงภาพยนตร์ไม่กี่แห่งที่รวมอยู่ในรายการ มรดกทางวัฒนธรรมยูเนสโก

Palau de la Musica Catalana ภาพถ่าย Jiuguang Wang

พระราชวังแห่งนี้เป็นหนึ่งในโรงละครและสถานที่แสดงดนตรีหลักในบาร์เซโลนา ซึ่งมีคนดังระดับโลกมากมายมาแสดง มีการจัดการประชุมและการประชุมระดับนานาชาติที่สำคัญที่นี่และมีการจัดทัศนศึกษาสำหรับนักท่องเที่ยว

โรงละคร Les Celestins เป็นศูนย์กลางศิลปะหลักของเมืองลียงในฝรั่งเศส นี่คือโรงละครโอเปร่าที่เหมาะสำหรับการแสดงที่ยิ่งใหญ่และสามารถรองรับคนได้มากกว่า 1,000 คน ห้องโถงรูปเกือกม้าแบ่งออกเป็นหลายชั้น ดังนั้นแม้แต่ผู้ชมที่นั่งอยู่ห่างจากเวทีก็ยังสามารถมองเห็นและได้ยินทุกสิ่งได้ดี ภายในทำมาจาก สไตล์ราชวงศ์โดยใช้โทนสีแดงและสีทอง ภายนอกอาคารดูเคร่งครัดกว่าและตกแต่งด้วยรูปปั้น

Les Celestins ในลียง ภาพถ่าย Mirej

Les Celestins ได้รับการจัดฉากมานานกว่าสองศตวรรษแล้ว บทละครที่ดีที่สุด, โอเปร่า, การแสดงละครและคอนเสิร์ต

โรงละครโคเวนท์การ์เด้นเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก เวทีนี้เป็นที่จัดการแสดง Royal Opera และ Royal Ballet ดาราระดับโลกได้แสดงในอาคารอันงดงามแห่งนี้ ดนตรีคลาสสิกเริ่มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2401

รอยัลโอเปร่าเฮ้าส์คอนแวนต์การ์เดน ภาพถ่าย

ก่อนหน้านี้ คุณสามารถเข้าโรงละครได้ก่อนเริ่มการแสดงเท่านั้น หากคุณมีตั๋ว ปัจจุบันคุณสามารถสำรวจได้ด้วยการออกไปท่องเที่ยวระยะสั้นๆ

เวทีระดับโลกที่มีชื่อเสียงอีกแห่งหนึ่งคือโรงละครเพลง Metropolitan Opera บนบรอดเวย์ในนิวยอร์ก นี้ โรงละครที่ดีที่สุด- คนดังเช่น Enrico Caruso และ Placido Domingo มีบทบาทสำคัญในที่นี่

โรงละครโอเปร่า Metropolitan, ภาพถ่าย Blehgoaway

The Met มีการแสดงมากกว่าสองร้อยครั้งในแต่ละปี จะมีการออกอากาศทางโทรทัศน์และวิทยุเป็นครั้งคราว

9. โอเดียนแห่งเฮโรด แอตติคัส

หากคุณต้องการเยี่ยมชมโรงละครที่เก่าแก่พอๆ กับงานศิลปะ ให้มุ่งหน้าไปที่ Odeon of Herodes Atticus ใน นี่คืออัฒจันทร์โบราณสุดคลาสสิกที่สร้างขึ้นในปี ค.ศ. 161 จ. เดิมทีมีหลังคาอยู่แต่ถูกทำลายไปแล้ว

Odeon of Herodes Atticus ในเอเธนส์ ภาพถ่าย Yucatan

โรงละครสามารถรองรับคนได้ 5,000 คน และยังคงจัดการแสดงละคร บัลเล่ต์ และกิจกรรมอื่นๆ บนเวที แม้แต่เอลตัน จอห์นยังแสดงคอนเสิร์ตที่โอเดียนอีกด้วย

10. โรงละครชิคาโก

โรงละครชิคาโกสร้างขึ้นในปี 1921 ในช่วงที่เรียกว่ายุคทองของความบันเทิง และเป็นโรงละครหรูหราแห่งแรกที่จัดแสดงภาพยนตร์ ละครเพลง และรายการต่างๆ เขาค่อยๆกลายเป็น นามบัตรชิคาโก. ปัจจุบัน โรงละครชิคาโกเป็นการผสมผสานระหว่างแนวและสไตล์ที่แตกต่างกัน ตั้งแต่ละครและตลกไปจนถึงการแสดงเต้นรำและคอนเสิร์ตป๊อป

โรงละครชิคาโก ภาพถ่ายโดย Leandro Neumann Ciuffo

ยังคงมีโรงภาพยนตร์จำนวนมากในโลกซึ่งแต่ละแห่งก็ควรค่าแก่ความสนใจ ในระหว่างการเดินทางรอบเมืองและประเทศต่างๆ อย่าลืมไปเยี่ยมชมโรงละครและไม่สำคัญว่าจะมีชื่อเสียงไปทั่วโลกหรือเป็นที่รู้จักเฉพาะใน เมืองเล็กๆ- ไม่ว่าในกรณีใดคุณจะได้รับโอกาสพิเศษในการสัมผัส โลกมหัศจรรย์ศิลปะการแสดงละคร

ส่งมาโดย copypaster เมื่อวันพุธที่ 15/08/2550 - 01:11 น.

บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่ค่อนข้างใหม่ มีอายุมากกว่าสี่ร้อยปีเล็กน้อย แม้ว่าการเต้นรำจะประดับประดาชีวิตมนุษย์มาตั้งแต่สมัยโบราณก็ตาม

บัลเล่ต์เกิดที่อิตาลีตอนเหนือในช่วงยุคเรอเนซองส์ เจ้าชายชาวอิตาลีชื่นชอบการเฉลิมฉลองในพระราชวังอันหรูหรา ซึ่งการเต้นรำถือเป็นสถานที่สำคัญ การเต้นรำในชนบทไม่เหมาะสำหรับสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในราชสำนัก เครื่องแต่งกายของพวกเขา เช่นเดียวกับห้องโถงที่พวกเขาเต้นรำ ไม่อนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวอย่างไม่มีการรวบรวมกัน ครูพิเศษ - ผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำ - พยายามฟื้นฟูความสงบเรียบร้อยในการเต้นรำในศาล พวกเขาซ้อมร่างของบุคคลและท่าเต้นกับขุนนางล่วงหน้าและนำกลุ่มนักเต้น การเต้นรำก็ค่อยๆ กลายเป็นการแสดงละครมากขึ้นเรื่อยๆ

คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 (จากบัลเล่ต์อิตาลีถึง - ถึงการเต้นรำ) แต่แล้วมันไม่ได้หมายถึงการแสดง แต่เป็นเพียงตอนเต้นรำที่ถ่ายทอดอารมณ์บางอย่างเท่านั้น "บัลเล่ต์" ดังกล่าวมักจะประกอบด้วย "ทางออก" ของตัวละครที่เชื่อมต่อกันเล็กน้อยซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นฮีโร่ ตำนานกรีก- หลังจาก "ออก" การเต้นรำทั่วไปก็เริ่มขึ้น - "แกรนด์บัลเล่ต์"

การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกคือ Queen's Comedy Ballet ซึ่งจัดแสดงในปี 1581 ในฝรั่งเศสโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioioso มันเกิดขึ้นที่ฝรั่งเศส การพัฒนาต่อไปบัลเล่ต์ ในตอนแรกสิ่งเหล่านี้เป็นบัลเล่ต์ที่สวมหน้ากากและจากนั้นก็เป็นบัลเล่ต์ที่ไพเราะโอ่อ่าพร้อมแผนการที่กล้าหาญและน่าอัศจรรย์ซึ่งตอนเต้นรำถูกแทนที่ด้วยเพลงร้องและการท่องบทกวี อย่าแปลกใจเลยที่บัลเล่ต์ในสมัยนั้นไม่ใช่แค่การแสดงเต้นรำเท่านั้น

ในช่วงรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 การแสดงบัลเล่ต์ในราชสำนักมีความอลังการเป็นพิเศษ หลุยส์เองก็ชอบที่จะเข้าร่วมบัลเล่ต์ และได้รับฉายาอันโด่งดังว่า "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" หลังจากแสดงบทเดอะซันใน "Ballet of the Night"

ในปี 1661 เขาได้ก่อตั้ง Royal Academy of Music and Dance ซึ่งประกอบด้วยปรมาจารย์ด้านการเต้นชั้นนำ 13 คน ความรับผิดชอบของพวกเขาคือการรักษาประเพณีการเต้นรำ ผู้อำนวยการสถาบัน ปิแอร์ โบชอมป์ อาจารย์สอนเต้นรำของราชวงศ์ ระบุตำแหน่งหลัก 5 ตำแหน่ง การเต้นรำคลาสสิก.

ในไม่ช้า Paris Opera ก็เปิดขึ้น และ Beauchamp คนเดียวกันก็ได้รับแต่งตั้งให้เป็นนักออกแบบท่าเต้น คณะบัลเล่ต์ก่อตั้งขึ้นภายใต้การนำของเขา ในตอนแรกมีเพียงผู้ชายเท่านั้น ผู้หญิงปรากฏตัวบนเวที Paris Opera ในปี 1681 เท่านั้น

โรงละครแห่งนี้จัดแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์โดยนักแต่งเพลง Lully และละครตลกและบัลเล่ต์โดยนักเขียนบทละคร Moliere ในตอนแรกข้าราชบริพารเข้ามามีส่วนร่วมและการแสดงแทบไม่ต่างจากการแสดงในพระราชวัง มีการเต้นรำมินูเอตช้า gavottes และพาเวนที่กล่าวถึงแล้ว หน้ากาก ชุดเดรสหนาๆ และรองเท้า รองเท้าส้นสูงป้องกันไม่ให้ผู้หญิงทำการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อน ดังนั้นการเต้นรำของผู้ชายจึงโดดเด่นด้วยความสง่างามและความสง่างามที่มากขึ้น

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรป ราชสำนักชนชั้นสูงทั้งหมดของยุโรปพยายามเลียนแบบความหรูหราของราชสำนักฝรั่งเศส โรงโอเปร่าเปิดในเมืองต่างๆ นักเต้นและครูสอนเต้นรำจำนวนมากหางานทำได้ง่าย

ในไม่ช้าก็ได้รับอิทธิพลจากแฟชั่นของผู้หญิง ชุดบัลเล่ต์เบาลงและเป็นอิสระมากขึ้น มองเห็นเส้นลำตัวข้างใต้ได้ นักเต้นละทิ้งรองเท้าส้นสูงและแทนที่ด้วยรองเท้าส้นสูงแบบไม่มีส้น ยุ่งยากน้อยลง ชุดสูทผู้ชาย: กางเกงรัดรูปถึงเข่าและถุงน่องทำให้มองเห็นหุ่นนักเต้นได้

แต่ละนวัตกรรมทำให้การเต้นมีความหมายมากขึ้นและเทคนิคการเต้นสูงขึ้น บัลเล่ต์ค่อยๆ แยกตัวออกจากโอเปร่าและกลายเป็นงานศิลปะอิสระ

แม้ว่าโรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศสจะมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามและความเป็นพลาสติก แต่ก็มีลักษณะของการแสดงที่เยือกเย็นและเป็นทางการ ดังนั้นนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินจึงมองหาวิธีการแสดงออกแบบอื่น

ใน ปลาย XVIIIศตวรรษ ทิศทางใหม่ในงานศิลปะถือกำเนิดขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ ในบัลเล่ต์สุดโรแมนติก นักเต้นยืนอยู่บนรองเท้าพอยต์ Maria Taglioni เป็นคนแรกที่ทำสิ่งนี้ โดยเปลี่ยนแนวคิดก่อนหน้านี้เกี่ยวกับบัลเล่ต์ไปอย่างสิ้นเชิง ในบัลเล่ต์ La Sylphide เธอปรากฏตัวเป็นสิ่งมีชีวิตที่เปราะบางจากโลกอื่น ความสำเร็จนั้นน่าทึ่งมาก

ในเวลานี้มีบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมมากมายปรากฏขึ้น แต่น่าเสียดายที่บัลเล่ต์โรแมนติกก็กลายเป็น ช่วงสุดท้ายรุ่งเรืองของนาฏศิลป์ในโลกตะวันตก ตั้งแต่วินาที ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19ศตวรรษ บัลเล่ต์ซึ่งสูญเสียความสำคัญในอดีตไปกลายเป็นส่วนเสริมของโอเปร่า เฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของบัลเล่ต์รัสเซีย การฟื้นฟูรูปแบบศิลปะนี้ในยุโรปจึงเริ่มต้นขึ้น

ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก - "The Ballet of Orpheus และ Eurydice" - จัดแสดงเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช พิธีการและการเต้นรำช้าๆ ประกอบด้วยการเปลี่ยนท่าทาง การโค้งคำนับ และท่วงท่าที่สง่างาม สลับกับการร้องเพลงและการพูด เลขที่ บทบาทที่สำคัญในการพัฒนา การเต้นรำบนเวทีเขาไม่ได้เล่น มันเป็นเพียง "ความสนุกสนาน" ของราชวงศ์อีกแห่งหนึ่งที่ดึงดูดผู้คนด้วยความแปลกใหม่และความแปลกใหม่

เพียงหนึ่งในสี่ของศตวรรษต่อมา ต้องขอบคุณการปฏิรูปของ Peter I ดนตรีและการเต้นรำจึงเข้ามาในชีวิตประจำวันของสังคมรัสเซีย แก่ขุนนาง สถาบันการศึกษามีการแนะนำการฝึกเต้นภาคบังคับ นักดนตรี ศิลปินโอเปร่า และคณะบัลเล่ต์ที่นำเข้าจากต่างประเทศเริ่มแสดงที่ศาล

ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียเปิดขึ้น และสามปีต่อมา เด็กชาย 12 คนและเด็กหญิง 12 คนจากคนรับใช้ในวังก็กลายเป็นนักเต้นมืออาชีพคนแรกในรัสเซีย ในตอนแรกพวกเขาแสดงในบัลเล่ต์ของปรมาจารย์ชาวต่างชาติในฐานะบุคคล (ตามที่เรียกนักเต้นบัลเล่ต์คณะบัลเล่ต์) และต่อมาในบทบาทหลัก Timofey Bublikov นักเต้นที่ยอดเยี่ยมในยุคนั้นไม่เพียงฉายในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น แต่ยังฉายในเวียนนาด้วย

ใน ต้น XIXศตวรรษ ศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียถึงวุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์ นักเต้นชาวรัสเซียนำการแสดงออกและจิตวิญญาณมาสู่การเต้นรำ ด้วยความรู้สึกที่แม่นยำมาก A.S. Pushkin จึงเรียกการเต้นรำของ Avdotya Istomina ร่วมสมัยของเขาว่า "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ"

บัลเลต์ในเวลานี้ได้รับตำแหน่งพิเศษเหนือศิลปะการแสดงละครรูปแบบอื่นๆ เจ้าหน้าที่จ่ายเงินให้เขา ความสนใจอย่างมาก,ให้เงินอุดหนุนจากรัฐบาล. คณะบัลเล่ต์ในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงในโรงละครและผู้สำเร็จการศึกษาที่มีอุปกรณ์ครบครัน โรงเรียนโรงละครมีการเติมเต็มพนักงานนักเต้น นักดนตรี และมัณฑนากรทุกปี

อาเธอร์ แซงต์-เลออน

ในประวัติศาสตร์ของเรา โรงละครบัลเล่ต์มักพบชื่อของปรมาจารย์ชาวต่างชาติที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซีย ก่อนอื่นคือ Charles Didelot, Arthur Saint-Leon และ Marius Petipa พวกเขาช่วยสร้างโรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซีย แต่ศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถก็ให้โอกาสในการเปิดเผยพรสวรรค์ของครูของพวกเขาด้วย สิ่งนี้ดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่ใหญ่ที่สุดของยุโรปมาที่มอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างสม่ำเสมอ ไม่มีที่ไหนในโลกที่พวกเขาจะได้พบกับคณะละครขนาดใหญ่ มีความสามารถ และได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีเช่นในรัสเซีย

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมและศิลปะของรัสเซียมีความสมจริง นักออกแบบท่าเต้นพยายามสร้างการแสดงที่สมจริงแต่ก็ไม่มีประโยชน์ พวกเขาไม่ได้คำนึงว่าบัลเล่ต์เป็นศิลปะทั่วไป และความสมจริงในบัลเล่ต์แตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากความสมจริงในการวาดภาพและวรรณกรรม วิกฤตศิลปะบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้น

เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นขึ้นเมื่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ P. Tchaikovsky แต่งเพลงสำหรับบัลเล่ต์เป็นครั้งแรก มันคือทะเลสาบสวอน ก่อนหน้านี้ ดนตรีบัลเลต์ไม่ได้ถูกให้ความสำคัญอย่างจริงจัง เธอถูกมองว่าเป็นเผ่าพันธุ์ที่ด้อยกว่า ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเป็นเพียงการร่วมเต้นรำ

ขอขอบคุณไชคอฟสกี้ เพลงบัลเล่ต์ได้กลายเป็นศิลปะที่จริงจังควบคู่ไปกับโอเปร่าและ เพลงไพเราะ- เมื่อก่อนดนตรีขึ้นอยู่กับการเต้นรำโดยสิ้นเชิง บัดนี้การเต้นรำต้องยอมจำนนต่อดนตรี จำเป็นต้องมีวิธีการแสดงออกใหม่และ แนวทางใหม่เพื่อสร้างการแสดง

การพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียเพิ่มเติมนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของนักออกแบบท่าเต้นชาวมอสโก A. Gorsky ผู้ซึ่งละทิ้งเทคนิคละครใบ้ที่ล้าสมัยไปแล้วจึงใช้เทคนิคการกำกับสมัยใหม่ในการแสดงบัลเล่ต์ การให้ คุ้มค่ามากการออกแบบการแสดงที่งดงาม เขาดึงดูดศิลปินที่เก่งที่สุดมาทำงาน

แต่นักปฏิรูปศิลปะบัลเล่ต์ที่แท้จริงคือมิคาอิล โฟคิน ผู้กบฏต่อโครงสร้างแบบดั้งเดิม การแสดงบัลเล่ต์- เขาแย้งว่าแก่นของละคร ดนตรี และยุคที่การแสดงเกิดขึ้นจำเป็นต้องมีท่าเต้นที่แตกต่างกันและรูปแบบการเต้นรำที่แตกต่างกันในแต่ละครั้ง เมื่อแสดงบัลเล่ต์ "Egyptian Nights" Fokine ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ V. Bryusov และภาพวาดของอียิปต์โบราณ และภาพของบัลเล่ต์ "Petrushka" ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ A. Blok ในบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe เขาละทิ้งการเต้นรำบนรองเท้าปวงต์และฟื้นฟูจิตรกรรมฝาผนังโบราณด้วยการเคลื่อนไหวที่อิสระและยืดหยุ่น Chopiniana ของเขาฟื้นบรรยากาศของบัลเล่ต์โรแมนติก Fokin เขียนว่า “เขาใฝ่ฝันที่จะสร้างละครบัลเล่ต์จากความสนุกของบัลเล่ต์ และจากการเต้นให้เป็นภาษาพูดที่เข้าใจได้” และเขาก็ทำสำเร็จ

แอนนา ปาฟโลวา

ในปี 1908 การแสดงประจำปีของนักเต้นบัลเล่ต์ชาวรัสเซียเริ่มขึ้นในปารีส ซึ่งจัดโดยนักแสดงละคร S. P. Diaghilev ชื่อของนักเต้นจากรัสเซีย - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - กลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก แต่อันดับแรกในแถวนี้คือชื่อของ Anna Pavlova ที่ไม่มีใครเทียบได้

Pavlova - โคลงสั้น ๆ เปราะบางมีเส้นลำตัวยาวดวงตาโต - ปรากฏภาพแกะสลักที่แสดงถึงนักบัลเล่ต์แสนโรแมนติก วีรสตรีของเธอถ่ายทอดความฝันแบบรัสเซียล้วนๆ เกี่ยวกับชีวิตที่กลมกลืนและมีจิตวิญญาณหรือความปรารถนาและความโศกเศร้าเกี่ยวกับบางสิ่งที่ไม่ได้เติมเต็ม “ The Dying Swan” สร้างโดยนักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่ Pavlova - สัญลักษณ์บทกวีบัลเล่ต์รัสเซียต้นศตวรรษที่ 20

ตอนนั้นเองภายใต้อิทธิพลของทักษะของศิลปินชาวรัสเซีย บัลเลต์ตะวันตกก็ส่ายตัวและพบกับลมแรงครั้งที่สอง

หลังจาก การปฏิวัติเดือนตุลาคมในปีพ. ศ. 2460 บุคคลสำคัญในโรงละครบัลเล่ต์หลายคนออกจากรัสเซีย แต่ถึงกระนั้นโรงเรียนบัลเลต์รัสเซียก็ยังรอดชีวิตมาได้ ความน่าสมเพชของการเคลื่อนไหวสู่ชีวิตใหม่ ธีมการปฏิวัติ และที่สำคัญที่สุดคือขอบเขตของการทดลองเชิงสร้างสรรค์เป็นแรงบันดาลใจให้กับปรมาจารย์บัลเล่ต์ พวกเขาต้องเผชิญกับภารกิจ: นำศิลปะการออกแบบท่าเต้นมาใกล้ชิดกับผู้คนมากขึ้น ทำให้มีความสำคัญและเข้าถึงได้มากขึ้น

นี่คือที่มาของแนวบัลเลต์ดราม่า เหล่านี้เป็นการแสดงซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากแผนการที่มีชื่อเสียง งานวรรณกรรมซึ่งถูกสร้างขึ้นตามกฎแห่งการแสดงละคร นำเสนอเนื้อหาผ่านละครใบ้และนาฏศิลป์เป็นรูปเป็นร่าง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 บัลเล่ต์ที่น่าทึ่งกำลังเผชิญกับวิกฤติ นักออกแบบท่าเต้นพยายามรักษาบัลเลต์ประเภทนี้โดยเพิ่มความบันเทิงในการแสดงด้วยความช่วยเหลือของเอฟเฟกต์บนเวที แต่ก็ไร้ผล

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 จุดเปลี่ยนก็มาถึง นักออกแบบท่าเต้นและนักเต้นรุ่นใหม่ได้ฟื้นคืนแนวเพลงที่ถูกลืม - บัลเล่ต์หนึ่งองก์, บัลเลต์ซิมโฟนี , ออกแบบท่าเต้นจิ๋ว และนับตั้งแต่ทศวรรษ 1970 เป็นต้นมา คณะบัลเล่ต์อิสระก็ได้ถือกำเนิดขึ้น โดยไม่ขึ้นอยู่กับ โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์- จำนวนของพวกเขาเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องและมีสตูดิโอเต้นรำฟรีและโมเดิร์นแดนซ์อยู่ในหมู่พวกเขา

สิ่งตีพิมพ์ในส่วนโรงละคร

บัลเล่ต์รัสเซียที่มีชื่อเสียง 5 อันดับแรก

บัลเล่ต์คลาสสิก - มุมมองที่น่าทึ่งศิลปะซึ่งถือกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ที่เติบโตเต็มที่ "ย้าย" ไปยังฝรั่งเศส ซึ่งเครดิตสำหรับการพัฒนารวมถึงการก่อตั้ง Academy of Dance และการจัดรูปแบบการเคลื่อนไหวต่างๆ เป็นของ King Louis XIV ฝรั่งเศสส่งออกศิลปะการแสดงนาฏศิลป์ไปให้ทุกคน ประเทศในยุโรปรวมถึงรัสเซียด้วย ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 เมืองหลวงของบัลเล่ต์ยุโรปไม่ใช่ปารีสอีกต่อไปซึ่งทำให้โลกได้รับผลงานชิ้นเอกของแนวโรแมนติก La Sylphide และ Giselle แต่เป็นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มันอยู่ใน เมืองหลวงภาคเหนือเป็นเวลาเกือบ 60 ปีที่ Marius Petipa นักออกแบบท่าเต้นผู้ยิ่งใหญ่ผู้สร้างระบบนาฏศิลป์คลาสสิกและผู้แต่งผลงานชิ้นเอกที่ยังไม่ออกจากเวทีทำงานมาเป็นเวลาเกือบ 60 ปี หลังการปฏิวัติเดือนตุลาคม พวกเขาต้องการ "โยนบัลเล่ต์ออกจากเรือแห่งความทันสมัย" แต่พวกเขาก็ปกป้องมันได้ ยุคโซเวียตโดดเด่นด้วยการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกจำนวนมาก เรานำเสนอบัลเล่ต์ชั้นนำของรัสเซียห้ารายการตามลำดับเวลา

“ดอนกิโฆเต้”

ฉากจากบัลเล่ต์ Don Quixote หนึ่งในผลงานชิ้นแรกๆ ของ Marius Petipa

รอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์โดย L.F. มิงคัส "ดอนกิโฆเต้" โรงละครบอลชอย- พ.ศ. 2412 จากอัลบั้มของสถาปนิก Albert Kavos

ฉากจากบัลเล่ต์ Don Quixote คิตรี - ลิวบอฟ โรสลาฟเลวา (กลาง) ดำเนินรายการโดย A.A. กอร์สกี้. มอสโก, โรงละครบอลชอย. 1900

ดนตรีโดย L. Minkus บทเพลงโดย M. Petipa การผลิตครั้งแรก: มอสโก, โรงละครบอลชอย, พ.ศ. 2412 ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa ผลงานที่ตามมา: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, พ.ศ. 2414 ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa; มอสโก, โรงละครบอลชอย, 2443, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 2445, มอสโก, โรงละครบอลชอย, 2449 ทั้งหมด - ออกแบบท่าเต้นโดย A. Gorsky.

บัลเล่ต์ "Don Quixote" - เต็มไปด้วยชีวิตและความปีติยินดี การแสดงละครการเฉลิมฉลองการเต้นรำที่ไม่เคยทำให้ผู้ใหญ่เบื่อหน่ายและผู้ปกครองยินดีที่จะพาลูกไป ถึงแม้จะเรียกว่าเป็นชื่อของพระเอกก็ตาม นวนิยายที่มีชื่อเสียง Cervantes แต่เริ่มต้นจากตอนหนึ่งของเขา “The Wedding of Quiteria and Basilio” และเล่าถึงการผจญภัยของฮีโร่รุ่นเยาว์ซึ่งความรักได้รับชัยชนะในที่สุด แม้จะมีการต่อต้านจากพ่อหัวแข็งของนางเอกที่ต้องการแต่งงานกับเธอกับคนรวย กามาเช่.

ดังนั้น Don Quixote แทบจะไม่เกี่ยวข้องกับเรื่องนี้เลย การแสดงทั้งหมดเป็นศิลปินร่างสูงผอม พร้อมด้วยเพื่อนร่วมงานร่างเตี้ยที่วาดภาพ ซานโช่ ปันซ่าเดินไปรอบ ๆ เวทีบางครั้งก็รบกวนการดูการเรียบเรียงของ Petipa และ Gorsky การเต้นรำที่ยอดเยี่ยม- โดยพื้นฐานแล้วบัลเล่ต์คือคอนเสิร์ตในชุดเครื่องแต่งกายซึ่งเป็นการเฉลิมฉลองการเต้นรำแบบคลาสสิกและแบบตัวละครซึ่งนักเต้นทุกคนในคณะบัลเล่ต์มีงานทำ

การผลิตบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นในมอสโกโดยที่ Petipa มาเยี่ยมเป็นครั้งคราวเพื่อยกระดับคณะท้องถิ่นซึ่งไม่สามารถเทียบได้กับคณะละครที่ยอดเยี่ยมของโรงละคร Mariinsky แต่ในมอสโกมีอิสระในการหายใจมากขึ้น ดังนั้นโดยพื้นฐานแล้วนักออกแบบท่าเต้นจึงแสดงบัลเล่ต์ความทรงจำเกี่ยวกับปีอันแสนวิเศษในวัยหนุ่มของเขาที่ใช้ในประเทศที่มีแสงแดดสดใส

บัลเล่ต์ประสบความสำเร็จ และอีกสองปีต่อมา Petipa ก็ย้ายไปที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งจำเป็นต้องมีการเปลี่ยนแปลง ที่นั่นพวกเขาสนใจการเต้นรำที่มีลักษณะเฉพาะน้อยกว่าการเต้นรำแบบคลาสสิกอย่างแท้จริง Petipa ขยายการแสดงของ "Don Quixote" เป็น 5 องก์ โดยประกอบด้วย "การแสดงสีขาว" หรือที่เรียกว่า "ความฝันของ Don Quixote" สวรรค์ที่แท้จริงสำหรับผู้รักนักบัลเล่ต์ในกระโปรงตูตูและเจ้าของเรียวขาสวย จำนวนกามเทพใน “ความฝัน” มีจำนวนถึงห้าสิบสอง...

“ Don Quixote” มาหาเราโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวมอสโก Alexander Gorsky ผู้ซึ่งสนใจแนวคิดของ Konstantin Stanislavsky และต้องการทำให้บัลเล่ต์แบบเก่ามีเหตุผลและน่าเชื่อถือมากขึ้น กอร์สกีทำลายองค์ประกอบที่สมมาตรของ Petipa ยกเลิก tutus ในฉาก "ความฝัน" และยืนกรานให้ใช้การแต่งหน้าสีเข้มสำหรับนักเต้นที่วาดภาพผู้หญิงชาวสเปน Petipa เรียกเขาว่า "หมู" แต่ในการดัดแปลงครั้งแรกของ Gorsky บัลเล่ต์ได้แสดงบนเวทีของโรงละครบอลชอย 225 ครั้ง

"ทะเลสาบสวอน"

ทิวทัศน์สำหรับการแสดงครั้งแรก โรงละครบอลชอย มอสโก พ.ศ. 2420

ฉากจากบัลเล่ต์ “Swan Lake” โดย P.I. Tchaikovsky (นักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa และ Lev Ivanov) พ.ศ. 2438

ดนตรีโดย P. Tchaikovsky บทโดย V. Begichev และ V. Geltser การผลิตครั้งแรก: มอสโก, โรงละครบอลชอย, พ.ศ. 2420 ออกแบบท่าเต้นโดย V. Reisinger การผลิตครั้งต่อไป: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 2438, ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa, L. Ivanov.

บัลเลต์อันเป็นที่รัก เวอร์ชันคลาสสิกซึ่งจัดแสดงในปี พ.ศ. 2438 จริงๆ แล้วเกิดเมื่อ 18 ปีก่อนที่โรงละครบอลชอยในมอสโก โน้ตเพลงของไชคอฟสกีซึ่งยังมาไม่ถึงซึ่งชื่อเสียงระดับโลกที่ยังมาไม่ถึงนั้นเป็นคอลเลกชั่น "เพลงที่ไม่มีคำพูด" และดูซับซ้อนเกินไปในเวลานั้น บัลเล่ต์แสดงประมาณ 40 ครั้งและจมลงสู่การลืมเลือน

หลังจากการเสียชีวิตของไชคอฟสกี Swan Lake ได้จัดแสดงที่โรงละคร Mariinsky และผลงานบัลเล่ต์ในเวลาต่อมาทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากเวอร์ชันนี้ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นคลาสสิก การกระทำได้รับความชัดเจนและตรรกะมากขึ้น: บัลเล่ต์เล่าเกี่ยวกับชะตากรรมของเจ้าหญิงโอเด็ตต์ที่สวยงามซึ่งกลายเป็นหงส์ตามความประสงค์ของ Rothbart อัจฉริยะผู้ชั่วร้ายเกี่ยวกับการที่ Rothbart หลอกลวงเจ้าชายซิกฟรีดซึ่งตกหลุมรักเธอ โดยหันไปพึ่งเสน่ห์ของ Odile ลูกสาวของเขาและเกี่ยวกับการตายของเหล่าฮีโร่ คะแนนของไชคอฟสกีถูกตัดประมาณหนึ่งในสามโดยวาทยากร ริกคาร์โด้ ดริโก และเรียบเรียงใหม่ Petipa สร้างท่าเต้นสำหรับการแสดงครั้งแรกและสาม Lev Ivanov - สำหรับการแสดงครั้งที่สองและสี่ นี่คือการแบ่ง ในทางอุดมคติตอบรับการเรียกร้องของนักออกแบบท่าเต้นที่เก่งทั้งสองคนซึ่งคนที่สองต้องอยู่และตายภายใต้เงาของคนแรก เปติปา - พ่อ บัลเล่ต์คลาสสิกผู้สร้างผลงานการเรียบเรียงที่กลมกลืนกันอย่างไร้ที่ติและนักร้องของนางฟ้าหญิงสาวของเล่น Ivanov เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่สร้างสรรค์และมีความรู้สึกอ่อนไหวต่อดนตรีเป็นพิเศษ บทบาทของ Odette-Odile แสดงโดย Pierina Legnani "ราชินีแห่งนักบัลเล่ต์ชาวมิลาน" เธอยังเป็น Raymonda คนแรกและเป็นผู้ประดิษฐ์ fouetté ลำดับที่ 32 ซึ่งเป็นรูปแบบการหมุนรองเท้าปวงต์ที่ยากที่สุด

คุณอาจไม่รู้อะไรเกี่ยวกับบัลเล่ต์ แต่ทุกคนรู้จัก Swan Lake ในปีสุดท้ายของการดำรงอยู่ สหภาพโซเวียตเมื่อผู้นำผู้สูงอายุเข้ามาแทนที่กันบ่อยครั้งท่วงทำนองที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของคู่ "สีขาว" ของตัวละครหลักของบัลเล่ต์และการกระเซ็นของมือที่มีปีกจากหน้าจอทีวีประกาศเหตุการณ์ที่น่าเศร้า คนญี่ปุ่นชื่นชอบ “ทะเลสาบสวอน” มากจนพร้อมดูทั้งเช้าและเย็นโดยคณะละครใดก็ได้ ไม่ใช่คณะทัวร์เพียงคณะเดียวซึ่งมีจำนวนมากในรัสเซียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในมอสโกที่สามารถทำได้โดยไม่มี "หงส์"

"นัทแครกเกอร์"

ฉากจากบัลเล่ต์ "The Nutcracker" การผลิตครั้งแรก Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin โรงละคร Mariinsky พ.ศ. 2435

ฉากจากบัลเล่ต์ "The Nutcracker" การผลิตครั้งแรก โรงละคร Mariinsky พ.ศ. 2435

ดนตรีโดย P. Tchaikovsky บทโดย M. Petipa การผลิตครั้งแรก: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 2435, ออกแบบท่าเต้นโดย L. Ivanov.

ยังมีข้อมูลที่ผิดพลาดลอยอยู่ในหนังสือและเว็บไซต์ว่า “The Nutcracker” จัดแสดงโดย Marius Petipa บิดาแห่งบัลเลต์คลาสสิก ในความเป็นจริง Petipa เขียนบทเท่านั้นและการผลิตบัลเล่ต์ครั้งแรกดำเนินการโดย Lev Ivanov ผู้ใต้บังคับบัญชาของเขา Ivanov ต้องเผชิญกับงานที่เป็นไปไม่ได้: สคริปต์ที่สร้างขึ้นในสไตล์ของบัลเล่ต์มหกรรมที่ทันสมัยในขณะนั้นโดยมีนักแสดงรับเชิญชาวอิตาลีมีส่วนร่วมอย่างขาดไม่ได้นั้นขัดแย้งอย่างชัดเจนกับดนตรีของไชคอฟสกีซึ่งแม้ว่าจะเขียนตาม Petipa อย่างเคร่งครัด คำแนะนำโดดเด่นด้วยความรู้สึกที่ยอดเยี่ยมและความมีชีวิตชีวาที่น่าทึ่งและการพัฒนาซิมโฟนิกที่ซับซ้อน นอกจากนี้นางเอกของบัลเล่ต์ยังเป็นเด็กสาววัยรุ่นและนักบัลเล่ต์ดาราถูกกำหนดให้เป็น Pas de deux สุดท้ายเท่านั้น (คู่กับคู่หูประกอบด้วย adagio - ส่วนช้าๆ รูปแบบต่างๆ - การเต้นรำเดี่ยวและโคดา ( ตอนจบอัจฉริยะ)) การผลิตครั้งแรกของ The Nutcracker ซึ่งการแสดงครั้งแรกส่วนใหญ่เป็นการแสดงละครใบ้แตกต่างอย่างมากจากการแสดงครั้งที่สองซึ่งเป็นการแสดงที่แตกต่างไม่ประสบความสำเร็จมากนัก นักวิจารณ์ตั้งข้อสังเกตว่ามีเพียง Waltz of the Snowflakes (นักเต้น 64 คนเข้าร่วมในนั้น) และ Pas de deux ของ Sugar Plum Fairy และ Prince of Whooping Cough ซึ่งเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจคือ Adagio with a Rose ของ Ivanov จาก The Sleeping Beauty ที่ Aurora เต้นรำกับสุภาพบุรุษสี่คน

แต่ในศตวรรษที่ 20 ซึ่งสามารถเจาะลึกดนตรีของไชคอฟสกีได้ "The Nutcracker" ถูกกำหนดไว้สำหรับอนาคตที่น่าอัศจรรย์อย่างแท้จริง มีการแสดงบัลเลต์นับไม่ถ้วนในสหภาพโซเวียต ประเทศในยุโรป และสหรัฐอเมริกา ในรัสเซีย โปรดักชั่นของ Vasily Vainonen ที่โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์วิชาการแห่งรัฐเลนินกราด (ปัจจุบันคือโรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) และยูริ Grigorovich ที่โรงละครมอสโกบอลชอยได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

"โรมิโอและจูเลียต"

บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev 2482

นางแพทริค แคมป์เบลล์ รับบทเป็นจูเลียตใน Romeo and Juliet ของเช็คสเปียร์ พ.ศ. 2438

ตอนจบของบัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" 1940

ดนตรีโดย S. Prokofiev, บทโดย S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky การผลิตครั้งแรก: Brno, Opera and Ballet Theatre, 1938, ออกแบบท่าเต้นโดย V. Psota การผลิตครั้งต่อไป: เลนินกราด, โรงละครโอเปร่าและบัลเลต์วิชาการแห่งรัฐตั้งชื่อตาม S. Kirov, 1940, ออกแบบท่าเต้นโดย L. Lavrovsky.

หากอ่านวลีของเช็คสเปียร์ในการแปลภาษารัสเซียอันโด่งดัง “ไม่มีเรื่องราวใดในโลกที่น่าเศร้าไปกว่าเรื่องราวของโรมิโอและจูเลียต”จากนั้นพวกเขาก็พูดถึงบัลเล่ต์ที่เขียนโดย Sergei Prokofiev ผู้ยิ่งใหญ่ในเนื้อเรื่องนี้: “ไม่มีเรื่องราวเศร้าใดในโลกไปกว่าดนตรีบัลเล่ต์ของ Prokofiev”- น่าทึ่งอย่างแท้จริงในด้านความงาม สีสันที่หลากหลาย และการแสดงออก เพลงของโรมิโอและจูเลียต ณ เวลาที่ปรากฏตัวนั้นดูซับซ้อนเกินไปและไม่เหมาะกับบัลเล่ต์ นักเต้นบัลเล่ต์ก็ปฏิเสธที่จะเต้นตามมัน

Prokofiev เขียนดนตรีประกอบในปี 1934 และเดิมทีไม่ได้ตั้งใจมีไว้สำหรับโรงละคร แต่สำหรับโรงเรียนออกแบบท่าเต้นวิชาการเลนินกราดที่มีชื่อเสียงเพื่อเฉลิมฉลองครบรอบ 200 ปี โครงการนี้ไม่ได้ดำเนินการเนื่องจากการสังหาร Sergei Kirov ในเลนินกราดในปี 2477 ซึ่งเป็นผู้นำ โรงละครดนตรีการเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นในเมืองหลวงที่สอง แผนการแสดง "โรมิโอและจูเลียต" ที่มอสโกบอลชอยก็ไม่เป็นจริงเช่นกัน ในปี 1938 โรงละครในเบอร์โนได้ฉายรอบปฐมทัศน์และเพียงสองปีต่อมาบัลเล่ต์ของ Prokofiev ก็ถูกจัดแสดงในบ้านเกิดของผู้เขียนในที่สุดที่โรงละคร Kirov ในขณะนั้น

นักออกแบบท่าเต้น Leonid Lavrovsky ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของผลงานที่ได้รับการยกย่องอย่างสูง อำนาจของสหภาพโซเวียตประเภทของ "ดรามาบัลเลต์" (รูปแบบหนึ่งของละครท่าเต้นที่มีลักษณะเฉพาะของบัลเลต์ในช่วงทศวรรษที่ 1930-50) ได้สร้างปรากฏการณ์ที่น่าประทับใจและน่าตื่นเต้นด้วยฉากฝูงชนที่แกะสลักอย่างประณีตและมีโครงร่างที่ประณีต ลักษณะทางจิตวิทยาตัวอักษร ในการกำจัดของเขาคือ Galina Ulanova นักแสดงนักบัลเล่ต์ที่เก่งที่สุดซึ่งยังคงไม่มีใครเทียบได้ในบทบาทของจูเลียต

คะแนนของ Prokofiev ได้รับการชื่นชมอย่างรวดเร็วจากนักออกแบบท่าเต้นชาวตะวันตก บัลเล่ต์เวอร์ชันแรกปรากฏแล้วในยุค 40 ของศตวรรษที่ 20 ผู้สร้างคือ Birgit Kullberg (Stockholm, 1944) และ Margarita Froman (Zagreb, 1949) ผลงานที่โดดเด่น"Romeo and Juliet" เป็นของ Frederick Ashton (โคเปนเฮเกน, 1955), John Cranko (Milan, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973) Moiseeva, 2501, ออกแบบท่าเต้นโดย Yu. Grigorovich, 2511

หากไม่มี Spartak แนวคิดของ "บัลเล่ต์โซเวียต" ก็คิดไม่ถึง นี่มันฮิตจริงๆสัญลักษณ์แห่งยุคสมัย ยุคโซเวียตพัฒนาธีมและรูปภาพอื่นๆ ซึ่งแตกต่างอย่างมากจากบัลเล่ต์คลาสสิกแบบดั้งเดิมที่สืบทอดมาจาก Marius Petipa และโรงละครอิมพีเรียลแห่งมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เทพนิยายด้วยการสิ้นสุดอย่างมีความสุขถูกเก็บถาวรและถูกแทนที่ด้วยเรื่องราวที่กล้าหาญ

แล้วในปี พ.ศ. 2484 หนึ่งในผู้นำ นักแต่งเพลงชาวโซเวียต Aram Khachaturian พูดถึงความตั้งใจของเขาที่จะเขียนเพลงเพื่อการแสดงที่ยิ่งใหญ่และกล้าหาญซึ่งควรจัดแสดงบนเวทีของโรงละครบอลชอย ธีมของมันคือตอนจาก ประวัติศาสตร์โรมันโบราณเป็นการกบฏของทาสที่นำโดยสปาร์ตาคัส Khachaturian สร้างโน้ตเพลงที่มีสีสันโดยใช้ลวดลายอาร์เมเนีย จอร์เจีย รัสเซีย และเต็มไปด้วยท่วงทำนองที่ไพเราะและจังหวะที่ร้อนแรง การผลิตจะดำเนินการโดย Igor Moiseev

งานของเขาใช้เวลาหลายปีกว่าจะเข้าถึงผู้ชมได้ และไม่ได้ปรากฏที่โรงละครบอลชอย แต่ปรากฏที่โรงละคร คิรอฟ. นักออกแบบท่าเต้น Leonid Yakobson สร้างสรรค์การแสดงที่เป็นนวัตกรรมอันน่าทึ่ง โดยละทิ้งคุณลักษณะดั้งเดิมของบัลเล่ต์คลาสสิก รวมถึงการเต้นรำบนรองเท้า Pointe โดยใช้พลาสติกฟรี และนักบัลเล่ต์สวมรองเท้าแตะ

แต่บัลเล่ต์ "Spartacus" กลายเป็นเพลงฮิตและเป็นสัญลักษณ์ของยุคสมัยในมือของนักออกแบบท่าเต้น Yuri Grigorovich ในปี 1968 Grigorovich ทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยละครที่สร้างขึ้นอย่างสมบูรณ์แบบของเขา การพรรณนาตัวละครของตัวละครหลักอย่างละเอียดอ่อน การแสดงฉากฝูงชนที่มีทักษะ และความบริสุทธิ์และความงดงามของอาดาจิโอโคลงสั้น ๆ เขาเรียกผลงานของเขาว่า "การแสดงสำหรับศิลปินเดี่ยวสี่คนที่มีคณะบัลเล่ต์" (คณะบัลเล่ต์เป็นศิลปินที่เกี่ยวข้องกับตอนเต้นรำมวลชน) บทบาทของ Spartacus รับบทโดย Vladimir Vasiliev, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova และ Aegina - Nina Timofeeva บัลเล่ต์ส่วนใหญ่เป็นผู้ชาย ซึ่งทำให้บัลเล่ต์ "สปาร์ตาคัส" มีเพียงหนึ่งเดียว

นอกเหนือจากการอ่าน Spartacus อันโด่งดังของ Jacobson และ Grigorovich แล้วยังมีผลงานบัลเล่ต์อีกประมาณ 20 รายการ หนึ่งในนั้นคือผลงานของ Jiří Blazek สำหรับ Prague Ballet, László Szeregi สำหรับ Ballet Ballet (1968), Jüri Vamos สำหรับ Arena di Verona (1999), Renato Zanella สำหรับ Vienna State Opera Ballet (2002), Natalia Kasatkina และ Vladimir Vasiliev สำหรับ State Academic Theatre กำกับโดยพวกเขา บัลเล่ต์คลาสสิกในมอสโก (2545)

โรงอุปรากรที่ดีที่สุดและใหญ่ที่สุดในโลกตะลึงกับความอลังการและความงาม David Leventi ช่างภาพและนักเดินทางชาวอเมริกันชื่อดังเป็นผู้ถ่ายภาพสิ่งเหล่านี้ ผลงานชิ้นเอกทางสถาปัตยกรรม- เขาเรียกโปรเจ็กต์ของเขาว่า "Portraits of Theatres"

ให้เราเพลิดเพลินไปกับภาพถ่ายที่น่าทึ่งของเขาซึ่งถ่ายทอดความยิ่งใหญ่และความงดงามของการตกแต่งภายในอันหรูหราของห้องโถงโรงละคร

ภายในโรงละครโดดเด่นด้วยปูนปั้น การปิดทอง ที่นั่งกำมะหยี่ กล่องอันประณีต และโคมไฟระย้าเชิงเทียนขนาดใหญ่

โรงละครบอลชอย กรุงมอสโก ประเทศรัสเซีย

โรงละครบอลชอยเป็นโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งของรัสเซียและระดับโลก อาคารที่ซับซ้อนตั้งอยู่ในใจกลางกรุงมอสโกบนจัตุรัส Teatralnaya

ในตอนแรกมันเป็นโรงละครของรัฐซึ่งร่วมกับมาลีได้ก่อตั้งคณะละครจักรวรรดิมอสโกเพียงคณะเดียว สถานะของเขาเปลี่ยนไปเป็นระยะ: เขาเป็นผู้ใต้บังคับบัญชาของผู้ว่าราชการกรุงมอสโกจากนั้นเป็นผู้อำนวยการเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก สิ่งนี้ดำเนินต่อไปจนกระทั่งการปฏิวัติในปี 1917 - หลังจากการโอนสัญชาติโรงละคร Maly และ Bolshoi ก็แยกออกจากกันโดยสิ้นเชิง

โรงละคร Mariinsky, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, รัสเซีย

มีชื่อเสียง โรงละครรัสเซียโอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมีสาขาอยู่ในวลาดิวอสต็อกด้วย ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2326 โดยจักรพรรดินีแคทเธอรีนมหาราช เป็นส่วนหนึ่งของโรงละครอิมพีเรียลแห่งรัสเซีย

พระราชกฤษฎีกาที่เกี่ยวข้องระบุว่าโรงละครทำหน้าที่ "เพื่อจัดการการแสดงและดนตรี"

โรงอุปรากร การ์นิเย่ร์ ปารีส ประเทศฝรั่งเศส

Paris Opera Garnier เป็นหนึ่งในโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

ตั้งอยู่ในพระราชวัง Garnier ในเขตหนึ่งของเมือง ใกล้สถานีรถไฟใต้ดินที่มีชื่อเดียวกัน ตัวอาคารเป็นตัวอย่างของสถาปัตยกรรมแบบผสมผสานในสไตล์โบซ์อาร์ตส์

ครั้งหนึ่งโรงละครแห่งนี้ถูกเรียกง่ายๆ ว่า Paris Opera

โอเปร่า "มอนติคาร์โล", มอนติคาร์โล, โมนาโก

โรงละครโอเปร่าในโมนาโกสร้างขึ้นตามการออกแบบของสถาปนิก Charles Garnier ในปี 1870 และได้รับมอบหมายจากเจ้าชายชาร์ลส์ที่ 3 ที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ที่ดี (ชายฝั่งทะเลเมดิเตอร์เรเนียน) ตลอดจน ทางรถไฟกลายเป็นปัจจัยสำคัญที่มีอิทธิพลต่อการตัดสินใจสร้างโรงละคร

ห้องโถงโรงละครจุได้ 524 ที่นั่ง คุณสามารถสนุกกับมันได้ ดนตรีบรรเลง, โอเปร่า, บัลเล่ต์ และรุ่นก่อนหน้า การอ่านเชิงศิลปะดำเนินการโดยนักแสดงหญิง Sarah Bernhardt

โรงละคร La Fenice เมืองเวนิส ประเทศอิตาลี

โรงละครโอเปร่าสไตล์เวนิสแห่งนี้เปิดในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2335 โดยมีการแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า Igre Agrigento ของ Paisiello

ชื่อของโอเปร่ามาจากเหตุการณ์ต่อไปนี้: โรงละครเกิดใหม่สองครั้งเหมือนนกฟีนิกซ์จากเถ้าถ่าน ครั้งแรกคือหลังเหตุเพลิงไหม้ในปี พ.ศ. 2317 และครั้งที่สองหลังเรือ โรงละครถูกไฟไหม้ในปี พ.ศ. 2380 และ พ.ศ. 2539 แต่ได้รับการบูรณะทุกครั้ง การบูรณะครั้งสุดท้ายใช้เวลา 8 ปี

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 1 โอเปร่าปิดทำการ

ลา สกาล่า, มิลาน, อิตาลี

โรงละครโอเปร่า La Scala ที่มีชื่อเสียงของมิลานก่อตั้งเมื่อปี พ.ศ. 2321 อาคารนี้ได้รับการออกแบบโดยสถาปนิก Giuseppe Piermarini ในปี 1776-1778 บนเว็บไซต์ของโบสถ์ซานตามาเรีย เดลลา สกาลา - จึงเป็นที่มาของชื่อ

โรงละครโอเปร่าซานคาร์โล, เนเปิลส์, อิตาลี

โอเปร่าเฮาส์ซานคาร์โลเป็นหนึ่งในโรงอุปรากรยุโรปที่เก่าแก่ที่สุด สร้างขึ้นตามคำสั่งของพระเจ้าชาร์ลที่ 3 บนที่ตั้งของอาคารเก่าของโรงอุปรากร San Bartolomeo การเปิดฉากเกิดขึ้นในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2280 โดยมีการผลิตโอเปร่าเรื่อง Achilles on Skyros โดย Domenico Sarro นักแต่งเพลงชาวเนเปิลส์

ในปี พ.ศ. 2359 เกิดเพลิงไหม้ในโรงละคร การบูรณะโครงสร้างดำเนินการโดยสถาปนิก Antonio Niccolini

อาคารนี้ได้รับการบูรณะในปี พ.ศ. 2388 และ พ.ศ. 2397 และหลังเหตุระเบิดในปี พ.ศ. 2486 ด้วย โรงละครมี 1,386 ที่นั่ง

โรงละครเทศบาล, ปิอาเซนซา, อิตาลี

ผลงานชิ้นเอกในท้องถิ่นชิ้นหนึ่งของอิตาลีคือการสร้างโรงละครเทศบาลในเมืองปิอาเซนซา นับตั้งแต่เปิดตัว โอเปร่าได้นำเสนอผลงานหลักคลาสสิกของละครโอเปร่าระดับโลกเกือบทั้งหมดแก่ผู้ชม

Romanian Athenaeum, บูคาเรสต์, โรมาเนีย

อาคารของโรงอุปรากรโรมาเนียถูกสร้างขึ้นในใจกลางบูคาเรสต์ตามการออกแบบของ Albert Galleron สถาปนิกชื่อดังจากฝรั่งเศส งานก่อสร้างหลักแล้วเสร็จในปี พ.ศ. 2431
ที่ชั้นล่างของอาคารมีห้องประชุมที่สวยงามพร้อมการตกแต่งที่ยอดเยี่ยม ด้านบนเป็นหอประชุมขนาด 650 ที่นั่ง ห้องโถงตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังสูง 75 ม. พร้อมฉากประวัติศาสตร์ Athenaeum โรมาเนีย - หลัก ห้องคอนเสิร์ตบูคาเรสต์

โรงละครโอเปร่า Drottningholm, สตอกโฮล์ม, สวีเดน

โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นในปี 1766 ตามการออกแบบของ Karl Adelkranz สีหลักของอาคารคือสีเหลืองอ่อน ไม่มีเสาหรือระเบียง ทำให้ฉันนึกถึงโอเปร่าเฮาส์ อาคารบริหาร- ความเรียบง่ายภายนอกดังกล่าวได้รับการชดเชยมากกว่าเนื้อหาภายในของโรงละคร

โรงละครโอเปร่า Colon, บัวโนสไอเรส, อาร์เจนตินา

โรงอุปรากรอาร์เจนตินาอันโด่งดัง ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1850 โอเปร่าได้รับความนิยมสูงสุดและเบ่งบานในประเทศนี้ ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2400 เกิดขึ้น เปิดตัวอย่างยิ่งใหญ่การผลิตละครโอเปร่า La Traviata ของ Giuseppe Verdi อาคารหลังนี้สามารถรองรับผู้ชมได้ประมาณ 2,500 คน

Metropolitan Opera, นิวยอร์ก, สหรัฐอเมริกา

บริษัทโอเปร่าสัญชาติอเมริกันแห่งนี้ก่อตั้งขึ้นเมื่อปี พ.ศ. 2423 เพื่อเป็นทางเลือก สถาบันดนตรี- Metropolitan Opera เป็นหนึ่งในโรงอุปรากรที่มีชื่อเสียงและมีชื่อเสียงมากที่สุดในโลก

โรงละครโอเปร่าออสโล, ออสโล, นอร์เวย์

โรงละครโอเปร่าแห่งชาตินอร์เวย์ตั้งอยู่บนชายฝั่งของออสโลฟจอร์ด (คาบสมุทรบียอร์วิค) เป็นสถาบันสาธารณะที่ดำเนินการโดยรัฐบาลนอร์เวย์ โรงละครโอเปร่าออสโลเป็นหนึ่งในอาคารสาธารณะที่ใหญ่ที่สุดในประเทศ

Four Seasons Centre, โตรอนโต, แคนาดา

โรงโอเปร่าโตรอนโตโอเปร่าเฮาส์เป็นที่ตั้งของโรงอุปรากรแคนาดาและบัลเลต์แห่งชาติของแคนาดา การเปิดโอเปร่าเกิดขึ้นในปี 2549

Royal Opera House โคเวนท์การ์เดน, ลอนดอน, สหราชอาณาจักร

Royal Opera House, Covent Garden มีการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์

อาคารโรงละครแห่งนี้เป็นอาคารแห่งที่สามที่สร้างขึ้นบนเว็บไซต์นี้ โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นในปี 1858 และสร้างขึ้นใหม่ในช่วงปี 1990 ห้องโถงออกแบบมาสำหรับผู้ชม 2,268 คน

รอยัลโอเปร่าเฮาส์, สตอกโฮล์ม, สวีเดน

โรงละครโอเปร่าแห่งสวีเดนแห่งนี้สร้างขึ้นในปี 1782 ปัจจุบันละครของโรงละครประกอบด้วย การแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์

โรงละครแห่งนี้ยังมีวงซิมโฟนีออร์เคสตราของตัวเองอีกด้วย

โรงละครโอเปราแห่งรัฐบาวาเรีย เมืองมิวนิก ประเทศเยอรมนี

โรงอุปรากรเยอรมันสร้างขึ้นในปี 1653 Bavarian Opera ร่วมกับ Bavarian State Ballet สร้างการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์ 350 ครั้งต่อปี

โรงละครโอเปร่าแห่งรัฐฮังการี, บูดาเปสต์, ฮังการี

โรงละครที่ใหญ่ที่สุดในฮังการีก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2427 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่คณะโอเปร่าแยกตัวออกไป โรงละครแห่งชาติ- ผู้อำนวยการโรงละครคนแรกคือนักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง Ferenc Erkel ผู้แต่งเพลงชาติฮังการี

โรงละครโอเปร่าชุมชน, โบโลญญา, อิตาลี

โรงละครโอเปร่าชุมชนแห่งโบโลญญาสร้างขึ้นบนเว็บไซต์ของ Palazzo Bentivoglio ผู้ปกครองคนสุดท้ายของโบโลญญา

วังแห่งดนตรีคาตาลัน, บาร์เซโลนา, สเปน

ปราสาท เพลงคาตาลันสร้างขึ้นโดยสถาปนิก Luis Domènech i Montaner ในสไตล์คาตาลันอาร์ตนูโว โรงละครเปิดทำการในปี พ.ศ. 2451 ในปี 1997 Palace of Catalan Music ถูกรวมอยู่ในรายการมรดกโลกของ UNESCO

ผู้ชมสามารถรับชมได้ที่นี่ การแสดงดนตรี,ฟังคอนเสิร์ตซิมโฟนี และ แชมเบอร์มิวสิคแจ๊สและเพลงคาตาลัน