ภาพเปลือยในการวาดภาพ ศิลปินใช้ธรรมชาติอย่างไร ธรรมชาตินิยม และบรรยากาศต่างกันอย่างไร

มันกลายเป็นสิ่งใหม่พร้อมรูปภาพ:

ความคิดเห็น
"ฉันจะติดยาเสพติด:
*นักจินตนาการสามารถเป็นช่างฝีมือที่มีจิตวิญญาณและสมบูรณ์แบบได้ เช่น นกแก้ว แต่ทั้งสองก็ไม่สามารถนามธรรมตัวเองจากธรรมชาติได้*
สำหรับฉันที่นี่ดูเหมือนว่ามีจุดละเอียดอ่อนจุดหนึ่ง... อะไรที่เรียกว่า "ใจดี"?
ฉันจำคำกล่าวของ Nabokov ได้ (ฉันจะไม่อ้างตอนนี้อย่างแน่นอน แต่ ความหมายทั่วไป)... ลองจินตนาการว่ามีคนสามคนสังเกตเห็น "ธรรมชาติ" บางอย่าง - เช่นภูมิทัศน์ในชนบท - ชาวเมืองที่มาเยือนซึ่งเกือบจะได้เห็นหญ้าและต้นไม้ที่มีชีวิตเป็นครั้งแรกชาวนาในท้องถิ่นที่เติบโตมา สถานที่เหล่านี้ ทำงานบนบก เก็บเห็ดในป่าที่เขารู้จัก เป็นต้น
และนักวิทยาศาสตร์ธรรมชาติวิทยาผู้ชำนาญเรื่องธรรมชาติซึ่งมีทุ่งหญ้าหรือป่าไม้เป็นชุมชนทางชีววิทยาที่แตกต่างกันมาก โดยเขามองเห็นพืช แมลง สัตว์เฉพาะต่างๆ มากมาย แต่เขาไม่เพียงมองเห็นพวกมันเท่านั้น แต่ยังมองเห็นอีกมากมายอีกด้วย การเชื่อมต่อที่ซับซ้อนมากชาวเมืองหรือชาวนาไม่รู้จัก...
ดูเหมือนว่าเรามีความจริงธรรมชาติธรรมชาติเดียวกันต่อหน้าเรา แต่ในความเป็นจริง "ความจริง" ดังกล่าวเป็นสิ่งที่เป็นนามธรรม... ขึ้นอยู่กับระดับของการดื่มด่ำความเอาใจใส่ความรู้ - สำหรับแต่ละคนสิ่งเหล่านี้เป็นความเป็นจริงที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงและความเหมือนกันของพวกเขา ไม่ขยายความแบบเดิมๆ ออกไปอีก เช่น “หญ้ายังเขียว” “มีใบไม้อยู่บนต้นไม้”...
และศิลปินยังมองเห็น "ธรรมชาติ" ด้วยสายตาที่แตกต่างไปจากคนทั่วไปอย่างสิ้นเชิง (ในที่นี้ ฉันจะเขียนตัวเองอย่างใจเย็นว่าเป็นหนึ่งในนั้น - ฉันต้องจัดการกับสิ่งนี้มากกว่าหนึ่งครั้ง ประสบการณ์ส่วนตัวศิลปินมองเห็นรายละเอียดและละเอียดอ่อนได้มากเพียงใด) - เขาสังเกตเห็นและเน้นย้ำอย่างมากในรูปแบบและสี และอย่างแม่นยำในการหักเหของแสง ที่เป็นรูปธรรมและเฉพาะบุคคล ซึ่งจำเป็นสำหรับงานศิลปะของเขา...
เหล่านั้น. แนวคิดเรื่อง "ธรรมชาติ" สำหรับฉันดูเหมือนเปราะบางมากในความหมายปกติที่ใส่เข้าไป..."

คำตอบ.
I. ศิลปินวิจิตรศิลป์
พิจารณาตัวอย่างของ Nabokov ตัวเลือกต่างๆการตีความธรรมชาติขึ้นอยู่กับชนิดของการสังเกตและความคิดที่เกิดขึ้นในบุคคลใดบุคคลหนึ่ง
หากเรามองให้กว้างมากขึ้น การตีความธรรมชาติก็คือการสะท้อนของศิลปินในผลงานของเขา ภาพสะท้อนในที่ บทบาทหลักอารมณ์ การสังเกต และแนวคิดในการเล่นของศิลปิน แต่บทบาทนี้สามารถเล่นได้ในสองทิศทางที่ตรงกันข้ามกัน
สิ่งที่ดีที่สุดของพวกเขาเกิดขึ้น การตอบสนองทางอารมณ์เกี่ยวกับธรรมชาติบางอย่างหรือการสังเกตคุณสมบัติบางอย่างอย่างเฉียบแหลม และที่นี่ เราได้รับการตีความธรรมชาติที่มีชีวิต (อิมเพรสชันนิสต์ และอีกนัยหนึ่งก็คือ จิตรกรสัตว์ดีๆ)
ในอีกแง่หนึ่ง ที่แย่กว่านั้น การตีความกลายเป็นการตอบสนองต่อแรงจูงใจตามธรรมชาติต่ออารมณ์บางอย่างหรือต่อความคิดที่มีอยู่ในหัวของศิลปิน พวกเขาพูดเกี่ยวกับภาพวาดดังกล่าว: "พวกเขาไม่ได้วาดภาพมีชีวิต แต่มาจากความคิด" หรือพวกเขาเรียกมันว่าเป็นการเลียนแบบ เป็นตัวอย่าง หรือวรรณกรรม ตัวอย่าง: โรแมนติกเยอรมัน, รัสเซีย Peredvizhniki, นักสัญลักษณ์ชาวฝรั่งเศส ฯลฯ อย่างไรก็ตาม ในบางกรณี การวาดภาพ "โดยการเป็นตัวแทน" อาจไม่สามารถอธิบายได้ แต่มีความโน้มเอียงอยู่ในตัวมันเอง ซึ่งเป็นเทคนิคบางอย่างทั้งหมด ตัวอย่างเช่น pointillists (Seurat, Signac) ซึ่งต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ที่เริ่มการทดลองโดยบันทึกช่วงเวลาที่มีชีวิตของการรับรู้ทางแสงของธรรมชาติในไม่ช้าก็กลายเป็นตัวประกันของวิธีการที่พัฒนาขึ้น

เป็นเรื่องที่น่าสนใจที่จะทราบว่าการแสดงภาพประกอบมีความเหมาะสมและสมเหตุสมผลอย่างสมบูรณ์ภายในกรอบของประเภทภาพประกอบ ซึ่งเรายินดีที่ได้เห็นในโพสต์จำนวนหนึ่งจากสถานรับเลี้ยงเด็ก กราฟิกหนังสือ- แต่ศิลปินบางคนที่มีแนวโน้มจะเพิ่มความคมชัดในคุณภาพการตกแต่งในการจัดองค์ประกอบภาพ ก็ได้เขย่าขอบเขตของแนวเพลงและนำการจัดองค์ประกอบภาพบางส่วนเข้าสู่ขอบเขตของงานภาพนามธรรมและงานพลาสติก ซึ่งอยู่นอกเหนือการตีความจากธรรมชาติใดๆ
สองตัวอย่างนี้:

ทาเทียนา มาฟรินา. รอสตอฟ. 1965
(ทำซ้ำจากบันทึกสดของ O. Bukharov)

เลฟ บัคสท์. ภาพเหมือนของ Vaslav Nijinsky ในบทบาทของ faun (ในภาพยนตร์ออกแบบท่าเต้น " พักผ่อนยามบ่าย Faun" กับเพลงของ Claude Debussy) พ.ศ. 2455
Wadsworth Atheneum, ฮาร์ตฟอร์ด

แม้ว่าพูดอย่างเคร่งครัดทั้ง Mavrina และ Bakst ไม่เคยย้ายเข้าสู่สาขาการวาดภาพด้วยขาตั้งเช่นนี้ การเปลี่ยนแปลงนี้อาจไม่สอดคล้องกับพรสวรรค์ของพวกเขาสำหรับความคิดสร้างสรรค์ประยุกต์

ครั้งที่สอง
แต่ลองกลับไปที่จุดเริ่มต้นกัน ศิลปินเป็นได้มากกว่าแค่ “นักวาดภาพ” ไม่เพียงสะท้อน (ตีความ) ธรรมชาติไม่ทางใดก็ทางหนึ่งเท่านั้น บางคนสามารถจัดการได้อย่างอิสระและทำให้ธีมของงานไม่ใช่ธรรมชาติ แต่เป็นสิ่งที่สำคัญกว่า ผ่านการเสียรูปและการเปลี่ยนแปลงของรูปแบบวัตถุที่มองเห็นได้ตามธรรมชาติ

การเสียรูปของรูปร่างของวัตถุไม่ใช่วิธีการตีความหรือทำให้ข้อมูลจำเพาะของวัตถุคมขึ้น แต่เป็นเครื่องมือในการแสดงเนื้อหาที่เป็นธรรมชาติเป็นพิเศษผ่านธรรมชาติ ซึ่งเป็นสิ่งที่ไม่สามารถถ่ายทอดได้ด้วยวิถีทางธรรมชาติเลย โดยพื้นฐานแล้วเนื้อหาเหล่านี้เป็นสิ่งที่มีลำดับทางปรัชญา: ธรรมชาติและการกระทำ จิตสำนึกของมนุษย์กระแสแห่งชีวิตที่ไม่ธรรมดา ซึ่งเรียกว่าการเป็น... ศิลปินบางคน "ประสบความสำเร็จ" อย่างมาก แสดงให้เห็นสิ่งเหล่านี้ทั้งหมดในภาษาของรูปแบบวัตถุประสงค์ ศิลปินคนอื่นๆ ที่มีความยากลำบากมากกว่ามาก พยายามสร้างสิ่งเหล่านี้ขึ้นมาใหม่ทุกครั้งโดยใช้ภาษาที่เกือบจะเหมือนกันของรูปแบบวัตถุประสงค์

เรื่องราว จิตรกรรมยุโรปมี อาจกล่าวได้ว่า โรงเรียนคลาสสิกการสร้างปรัชญาดังกล่าวใน ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ: ศิลปะแห่งไอคอน โรงเรียนแห่งนี้ได้พัฒนาหลักการจัดองค์ประกอบฉากในพันธสัญญาใหม่และพันธสัญญาเดิม ซึ่งโดยทั่วไปแล้ว รูปแบบที่เป็นรูปธรรม ผ่านการดัดแปลงและการเปลี่ยนแปลงบางส่วน (ไม่บังคับเหมือนของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม) กลายเป็นการแสดงออกของทั้งสิ่งที่มองเห็นและมองไม่เห็น โลกสัญลักษณ์ แต่โรงเรียนที่ยอดเยี่ยมแห่งนี้ไม่ได้หนีจาก “บาปแห่งการวาดภาพประกอบ” ยิ่งมีการนำหลักปฏิบัติมาปฏิบัติอย่างมั่นคงมากขึ้น แนวทางปฏิบัตินี้มีแนวโน้มที่จะเลียนแบบภายนอกตัวอย่างเฉพาะของการแสดงหลักปฏิบัตินี้มากขึ้นเท่านั้น (นี่ก็เหมือนกับว่านักดนตรีได้รับคำสั่งให้เล่น เช่น Bach เฉพาะในการตีความของ Gould และ โชแปง - ในการตีความของ Horowitz แม้ว่าจะเป็นที่เข้าใจได้ว่าหลักการเป็นเพียงโน้ตและดนตรีทั้งหมดก็อยู่ที่ไหนสักแห่ง "ระหว่างโน้ต") นอกจากนี้พล็อตของไอคอนใด ๆ ใน จิตสำนึกธรรมดาถูกมองว่าเป็นตัวอย่างของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ และแม้แต่นักบวชเองก็ไม่รังเกียจที่จะเรียกไอคอนเหล่านี้ว่า "หนังสือสำหรับผู้ไม่รู้หนังสือ" ดังนั้นการวาดภาพ "เหมือน Rublev" หรือ "เหมือน Dionysius" มีแต่ทำให้ทัศนคติเชิงอธิบายต่อรูปแบบบัญญัติแย่ลงเท่านั้นและมีส่วนทำให้การวาดภาพไอคอนเสื่อมลง

อย่างไรก็ตามก็มี จุดที่ทราบมองว่าไอคอนไม่ใช่งานศิลปะเลย ดังนั้นให้พิจารณาตัวอย่าง งานสร้างสรรค์สำหรับจิตรกรที่มีรูปแบบวัตถุประสงค์ อย่าเริ่มต้นด้วยไอคอน แต่เริ่มต้นที่ผลงานของปรมาจารย์ที่ใกล้ชิดกับงานศิลปะชิ้นนี้อย่าง El Greco

เอล เกรโก. ยอห์นผู้ให้บัพติศมา ตกลง. 1600
พิพิธภัณฑ์พุชกิน

เมื่อข้าพเจ้าบรรยายงานนี้ครั้งหนึ่ง ข้าพเจ้าสนใจขาของยอห์นผู้ให้บัพติศมา หากมองดูจะเห็นว่าขาเหล่านั้น "เอน" ไปทางขวาอย่างชัดเจน และในเวลาเดียวกันเนื้อตัวก็มีความมั่นคงและเป็นอนุสรณ์ - ตั้งอยู่ตามแกนกลางของช่องรูปภาพและจารึกไว้ในวงกลมของท้องฟ้าที่เปิดจากเมฆ (ทางซ้าย - เกือบถูกต้องทางเรขาคณิต) กลุ่มเมฆอัดแน่นขึ้นมาจากทางขวาและในขณะเดียวกันก็ "หนุน" เนื้อตัวของจอห์นไว้ ทำให้ "เอียง" ของร่างไปทางขวาอย่างสมดุล ดูเหมือนว่าจะ "ดัน" ไหล่ของจอห์นออกและโน้มตัวไปทางซ้ายอย่างยืดหยุ่น ทำการชดเชยนี้ให้เสร็จสิ้น และการเคลื่อนไหวที่ยืดหยุ่นและทรงพลังของเมฆ แสงและเสียงสะท้อนที่เปลี่ยนไป เป็นการเอียงศีรษะของจอห์นไปทางซ้ายอย่างอิสระ

ระดับการเปลี่ยนแปลงของขาของ John นั้นสูงสุดเมื่อเทียบกับรายละเอียดอื่นๆ ทั้งหมดของภาพนี้ และการเปลี่ยนแปลงนี้เป็นหนึ่งในการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดที่ฉันเคยเห็นในการวาดภาพโดยสัมพันธ์กับรูปแบบของวัตถุธรรมชาติที่แสดง ข้อความนี้แสดงให้เห็นแก่นแท้ของยอห์นผู้ให้บัพติศมาอย่างชัดเจน และความจริงที่ว่ามันไม่ใช่ขาที่รองรับลำตัว แต่ในทางกลับกันลำตัวให้ความมั่นคงและความยิ่งใหญ่แก่ร่างทั้งหมดของจอห์น - นี่เป็นการแสดงออกถึงความคิด ภาพนี้- จอห์นชายคนนั้นผ่านไปแล้วจริงๆ การเดินทางที่เหลือเชื่อจากเก่าถึงพันธสัญญาใหม่ เส้นทางที่ไม่สามารถสำรวจได้ในทางโลกและเป็นธรรมชาติ นั่นคือด้วยขาตามธรรมชาติ ดังนั้นรูปแบบวัตถุประสงค์ของพวกเขาจึงเกิดการเสียรูปที่น่าทึ่งและแปลกประหลาดเมื่อมองแวบแรก ดังนั้นร่างของยอห์นผู้ให้บัพติศมาจึงไม่ได้วางอยู่บนเท้าและพื้นดิน แต่ได้รับความมั่นคงของทรัพย์สินที่ผิดธรรมชาติและแปลกประหลาดซึ่งเปิดเผยกับพื้นหลังของท้องฟ้าและเล็ดลอดออกมาจากนั้น
การตัดสินใจครั้งนี้เผยให้เห็นทั้งอิสรภาพในการสร้างสรรค์ของ El Greco และวิธีคิดส่วนบุคคลของเขาโดยสมบูรณ์: ไม่มีใครเขียนแบบนั้นไม่ว่าก่อนหรือหลัง - ท้ายที่สุดมันใกล้จะอัปลักษณ์แล้ว!
เพื่อไม่ให้ทำให้คุณเบื่อ แค่อีกสองตัวอย่างเท่านั้น

อเมเดโอ โมดิเกลียนี่. ภาพเหมือนของการรอดชีวิตของเลียวโปลด์ พ.ศ. 2461
อืม 61.5x46. พิพิธภัณฑ์ Athenaeum, เฮลซิงกิ

นี่คือศิลปินที่เป็นธรรมชาติที่จะเคลื่อนไหวหลังจาก El Greco - Modigliani นอกจากนี้เขายังเป็นปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่ไม่ใช่การตีความ แต่เป็นผู้เชี่ยวชาญในการเปลี่ยนแปลงธรรมชาติ และเช่นเดียวกับบรรพบุรุษของชาวเครตัน-สเปน เขาชอบที่จะยืดรูปแบบแนวตั้ง แล้วเส้นที่ลากยาวขนาดนั้น! นี่ไม่ใช่ความอยาก "เพื่อสิ่งประเสริฐ" ที่แสดงออกมาในท่าทาง แต่ท่าทางนั้นไม่ได้พูดอะไรเลย แต่ด้วยพลังแห่งรูปแบบทั้งหมด ความอยากในสิ่งเหนือธรรมชาติจึงเกิดขึ้นที่นี่ และการที่สีใบหน้าและลำคอที่อบอุ่นและเกือบจะร้อนดังกระหึ่มในสภาพแวดล้อมที่หนาวเย็นอย่างสีดำ น้ำเงิน และเทา-น้ำเงิน นำภาพของศิลปินที่วาดภาพจากสภาวะสงบสุขภายนอกของชีวิตประจำวันทางโลกไปสู่พื้นที่แห่งลางสังหรณ์ เต็มไปด้วยความตึงเครียดที่ขัดแย้งกัน

มีเพียงรายละเอียดเดียวเท่านั้นที่เตือนเราถึงเทคนิคการแสดงสัญลักษณ์แบบผิวเผิน: แนวคิดของดวงตาที่ไม่มีรูม่านตา Modigliani พัฒนาแนวคิดนี้อย่างต่อเนื่อง ชุดค่าผสมที่แตกต่างกันและเห็นได้ชัดว่าสำหรับภาพวาดของเขามันไม่ใช่องค์ประกอบที่ยืมมา แต่เป็นเครื่องประดับออร์แกนิกบางชนิด อย่างไรก็ตาม มีจิตรกรคนหนึ่งที่เบือนหน้าหนีโดยพื้นฐานจากความเป็นไปได้เล็กๆ น้อยๆ ของการรับรู้รูปแบบภาพที่คลุมเครือ ศิลปินที่ "ต่อต้านภาพประกอบ" คนนี้คือ Cezanne

ผ่านไปตั้งแต่ต้นแล้ว เส้นทางที่สร้างสรรค์ส่วนของการเบี่ยงเบนบางส่วนในพื้นที่ของการตีความเชิงสัญลักษณ์ของรูปแบบหัวเรื่อง (“ Overture to Tannhäuser” ดู :) ใน ปีที่เป็นผู้ใหญ่เขามุ่งความสนใจไปที่การเปิดเผยชีวิตภายในตามธรรมชาติของสิ่งที่เรามักเรียกว่าธรรมชาติ: ภูมิทัศน์ บุคคล วัตถุ และพระองค์ทรงเปิดเผยชีวิตภายในนี้ด้วยวิธีที่ยากและตรงไปตรงมาที่สุด โดยผสมผสานสีบนผ้าใบตามความเป็นจริงตามที่ตาเห็นในธรรมชาติ แต่ความจริงของเรื่องนี้ก็คือดวงตาของ Cezanne สามารถขจัดสิ่งแปลกปลอมทั้งหมดที่รูปลักษณ์ธรรมดานำมาสู่ธรรมชาติออกไปจากขอบเขตการมองเห็น ความเฉื่อยทั้งหมดของการรับรู้ในชีวิตประจำวัน

เซซาน. ลูกพีชและลูกแพร์ ตกลง. พ.ศ. 2438
อืม 61x90. พิพิธภัณฑ์พุชกิน

ความเป็นธรรมชาติคืออะไร? (ลักษณะเฉพาะ)

ความแตกต่างระหว่างธรรมชาติและบรรยากาศคืออะไร?

ความแตกต่างที่สำคัญอีกประการหนึ่งคือความแตกต่างระหว่างธรรมชาตินิยมและบรรยากาศนิยม การวาดภาพทิวทัศน์สามารถสร้างบรรยากาศได้มากโดยไม่ดูเป็นธรรมชาติ สิ่งนี้มักเกิดขึ้นเนื่องจากศิลปินมุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดอารมณ์มากกว่ารายละเอียดภาพ ตัวอย่างที่ดี: Nocturne สีฟ้าและสีเงิน – Chelsea(1871, Tate Collection, London) โดยวิสต์เลอร์และ ความประทับใจพระอาทิตย์ขึ้น(ค.ศ. 1873, พิพิธภัณฑ์ Marmottan, ปารีส) โดย Claude Monet ภาพวาดเหล่านี้ไม่มีรายละเอียดเพียงพอที่จะทำให้ดูเป็นธรรมชาติ เปรียบเทียบกับรูปภาพ: เวิร์คช็อปของศิลปิน(1870, Musée d'Orsay) โดย Frédéric Bazille; แม็กซ์ ชมิดต์ในกะโหลกเดียว(พ.ศ. 2414 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน) โดย Thomas Eakins; บทเรียนดนตรี (พ.ศ. 2420, หอศิลป์ศาลากลาง ลอนดอน) โดยเฟรเดอริก เลห์ตัน; Tepidarium (1881, Lever Art Gallery, สหราชอาณาจักร) โดย Lawrence Alma-Tadema; สาวป่วย (2424, หอศิลป์แห่งชาติ, ออสโล) โดย Christian Krogh: ทั้งหมดนี้เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของลัทธิธรรมชาตินิยม โดยไม่มีบรรยากาศใดๆ เลย

สำหรับคำอธิบายของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส โปรดดูที่ "ลักษณะของจิตรกรรมอิมเพรสชั่นนิสต์ ค.ศ. 1870-1910"

ความแตกต่างระหว่างธรรมชาตินิยมและอุดมคตินิยมคืออะไร?

ในการวาดภาพ ความเพ้อฝันเป็นแนวคิดที่สามารถใช้ได้กับการวาดภาพบุคคลมากที่สุด และหมายถึงประเพณีของการสร้างรูปร่างที่ "ในอุดมคติ" โดยมีใบหน้าที่น่าดึงดูด ผมที่สมบูรณ์แบบ รูปร่างที่ดี และไม่มีข้อบกพร่องภายนอกใดๆ หากจะวาดหรือระบายสีจากชีวิต แทบจะไม่มีโอกาสเลยที่ภาพในอุดมคติประเภทนี้จะเหมาะกับแท่นบูชาและงานศิลปะทางศาสนาขนาดใหญ่รูปแบบอื่น ๆ ซึ่งคิดเป็นส่วนใหญ่ของค่าคอมมิชชันส่วนใหญ่ที่ได้รับจากการประชุมเชิงปฏิบัติการและสตูดิโอใน ยุโรปเก่า- โดยพื้นฐานแล้วเป็นสไตล์การวาดภาพ "เทียม" จึงไม่มีความคล้ายคลึงกับธรรมชาตินิยมของคาราวัจโจ กล่าวซึ่งโดยทั่วไปจะใช้คนข้างถนนธรรมดาเป็นแบบจำลองสำหรับงานศิลปะในพระคัมภีร์โดยเฉพาะของเขา ความเพ้อฝันยังคงเป็นรูปแบบที่สั่งสอนในสถาบันการศึกษาหลักๆ วิจิตรศิลป์อย่างน้อยก็จนถึงศตวรรษที่ 19 เมื่อในที่สุดก็ถูกแทนที่ด้วยรูปแบบที่เป็นธรรมชาติมากขึ้นโดยอิงจากแบบจำลองจริงและการทาสีกลางแจ้ง

นิยมสองประเภท: ภูมิทัศน์และเป็นรูปเป็นร่าง

ดังที่คุณเห็นจากตัวอย่างข้างต้น ไม่เพียงแต่ฉากกลางแจ้งในชนบทเท่านั้นที่แสดงให้เห็นถึงความเป็นธรรมชาติ แต่ภาพบุคคลและภาพวาดประเภทผู้คนก็สามารถเป็นตัวอย่างที่ดีเยี่ยมได้เช่นกัน

อย่างไรก็ตาม คำว่า ธรรมชาตินิยม มาจากคำว่า "ธรรมชาติ" ดังนั้นประเภทที่ใช้กันทั่วไปสำหรับลัทธินิยมนิยมก็คือการวาดภาพทิวทัศน์ ซึ่งเป็นประเภทที่แสดงเป็นตัวอย่างโดยผลงานของจอห์น คอนสเตเบิล ซึ่งเฮนรี ฟูเซลี ศิลปินแองโกล-สวิส มองว่ามีความสมจริงมากจนเมื่อใดก็ตามที่เขาเห็น เธอรู้สึกว่าเสื้อคลุมและร่มของเขากำลังเรียกเขาให้ออกไปเดินเล่น

อย่างไรก็ตามไม่ใช่ทั้งหมด ภาพวาดทิวทัศน์เป็นธรรมชาติ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อความเป็นตัวตนของศิลปินก้าวก่าย ตัวอย่างเช่น จอห์น มาร์ติน ศิลปินผู้เคร่งศาสนาผู้น่ากลัวได้สร้างภูมิทัศน์ที่ล่มสลายของเขาเพื่อแสดงให้เห็นพลังอำนาจของพระเจ้า ศิลปินชาวเยอรมันผู้โรแมนติก แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช เติมเต็มภาพวาดของเขาด้วยสัญลักษณ์และความโรแมนติกทางอารมณ์ ภูมิทัศน์หลายแห่งของเทิร์นเนอร์เป็นมากกว่าการทดลองเกี่ยวกับการแสดงออกในการพรรณนาแสง ในขณะที่เซซานวาดภาพทิวทัศน์หลายสิบจุดของมงตาญ แซงต์-วิกตัวร์ โดยเสียสละความแม่นยำตามธรรมชาติให้กับรูปทรงเรขาคณิตที่เขาชื่นชอบและความสมดุลของภาพ ไม่มีศิลปินคนใดที่อยู่ในกลุ่มลัทธิธรรมชาตินิยม เพราะพวกเขาให้ความสำคัญกับการเป็นตัวแทนของธรรมชาติน้อยลง และกังวลกับการแสดงออกมากกว่า

ความเป็นธรรมชาติในการวาดภาพ

นับตั้งแต่สมัยโบราณคลาสสิก ประวัติศาสตร์ศิลปะได้เห็นการพัฒนาที่สำคัญหลายประการในการวาดภาพเหมือนจริงและการวาดภาพสีน้ำมัน Giotto หนึ่งในผู้บุกเบิกลัทธินิยมนิยมกลุ่มแรกๆ ได้สร้างกลุ่มการปฏิวัติขึ้นมา ตัวเลขปริมาตรสำหรับจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ Scrovegni ในปาดัว ดูตัวอย่าง The Betrayal of Christ (Kiss of Judas) (1305) และ Lamentation of Christ (1305) เลโอนาร์โด ดาวินชีเชี่ยวชาญศิลปะของสฟูมาโต เพื่อสร้างใบหน้าที่สมจริงอย่างน่าทึ่งในผลงานต่างๆ เช่น โมนาลิซา (ค.ศ. 1506, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์, ปารีส) ไมเคิลแองเจโลใช้พรสวรรค์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในฐานะประติมากรเพื่อสร้างรูปปั้นจำนวนมากบนจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ซิสทีนของเขา (ค.ศ. 1508-12; และ 1536-41) คาราวัจโจทำให้โรมตะลึงด้วยภาพวาดที่เป็นธรรมชาติของเขา โดยใช้ภาพที่จำลองมาจากผู้คนที่คัดเลือกมาจากถนนโดยตรง รูปร่างที่แท้จริงของเขาเหมาะอย่างยิ่งสำหรับศิลปะคาทอลิกในยุคต่อต้านการปฏิรูปในยุคบาโรก ในช่วงยุคทองของการวาดภาพแนวสัจนิยมของชาวดัตช์ ศิลปินเช่น Jan Vermeer (home จิตรกรรมประเภทภายในและภายนอก), Pieter de Hooch (ลานบ้าน), Samuel van Hoogstraten (การตกแต่งภายในบ้าน) และ Emanuel de Witte ( การตกแต่งภายในทางสถาปัตยกรรม) เป็นผู้นำรูปแบบหนึ่งของลัทธิธรรมชาตินิยมที่ชัดเจน ซึ่งรวมถึงวัตถุที่เป็นอุปมาอุปไมย ในชีวิตประจำวัน และทางสังคม เมื่อไม่นานมานี้ในศตวรรษที่ 19 ศิลปินชาวรัสเซียได้สร้างผลงานชิ้นเอกที่เน้นความเป็นธรรมชาตินิยมในเกือบทุกประเภท ตัวอย่างของงานเหล่านี้: “การจับคู่ของผู้พัน” (1848, หอศิลป์ Tretyakov, มอสโก) พาเวล เฟโดตอฟ; ซ่อมแซม ทางรถไฟ (2417, Tretyakov) โดย Konstantin Savitsky; "ภาพเหมือนของเจ้าหญิงโซเฟีย อเล็กเซเยฟนา" คอนแวนต์โนโวเดวิชี"(พ.ศ. 2422, Tretyakov) และ "คำตอบ ซาโปโรเชีย คอสแซคถึงสุลต่านมะห์มุดที่ 4" (พ.ศ. 2434 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) โดย Ilya Repin; เสียงหัวเราะ (“สวัสดี กษัตริย์แห่งชาวยิว!”)(พ.ศ. 2425 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) โดย Ivan Kramskoy; พระคริสต์และคนบาป(พ.ศ. 2430 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) โดย Vasily Polenov

ประวัติศาสตร์และพัฒนาการของลัทธิธรรมชาตินิยม (ประมาณ 500 ปีก่อนคริสตกาล – 1800)

มีการสร้างตัวอย่างที่มีเสน่ห์ของธรรมชาตินิยมสองตัวอย่าง ศิลปินชาวเยอรมัน Dürer: "The Young Hare" (1502) และ "A Large Piece of Turf" (1503) ทั้งในอัลเบอร์ตินา เวียนนา

รัสเซีย Peredvizhniki (Peredvizhniki - พเนจร) (ค.ศ. 1863-90)
Peredvizhniki ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2406 โดยกลุ่มศิลปินรุ่นใหม่จาก Imperial Academy of Arts ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เดินทางไปทั่วรัสเซียเพื่อวาดภาพทิวทัศน์และภาพวาดประเภทต่างๆ ผู้เข้าร่วมชั้นนำ ได้แก่ Ivan Kramskoy (1837–1887), Nikolai Ge (1831–1894)

เราคุ้นเคยกับการกล่าวโทษ ศิลปะร่วมสมัยขาดความคิดและชอบดูสื่อลามก แต่คนแก่ที่บริสุทธิ์ก็เป็นเช่นนั้น ภาพวาดคลาสสิกเป็นที่รักของผู้มีสุนทรีย์และผู้มีความบริสุทธิ์ใจใช่ไหม? เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ในบรรดาภาพวาดของอัจฉริยะด้านการวาดภาพที่มีชื่อเสียง เราจะพบผลงานชิ้นเอกที่มีหัวข้อที่ชัดเจนซึ่งสามารถทำให้ผู้ที่ชื่นชอบ "สตรอเบอร์รี่" สมัยใหม่และช่ำชองหน้าแดงได้ (คำเตือน! ภาพเปลือย)

"เลดาและหงส์"

หากเราพูดถึงพล็อตคลาสสิกที่ไม่สุภาพที่สุดเรื่องราวโบราณเกี่ยวกับความใกล้ชิดของเทพเจ้าซุสและเลดาที่สวยงามจะได้รับฝ่ามือที่สมควรได้รับ ตามตำนานผู้อาศัยอยู่ในโอลิมปัสปรากฏตัวต่อหญิงสาวที่ไม่ระบุตัวตนในหน้ากากหงส์ แต่ถึงกระนั้นก็สามารถมีความสัมพันธ์กับเธอและยังมีลูกหลานได้

ในช่วงสหัสวรรษที่ผ่านมา มีเพียงคนขี้เกียจเท่านั้นที่ไม่ได้วาดภาพฉากการมีเพศสัมพันธ์ของสาวงามกับนก ชะตากรรมเดียวกันไม่ได้หลบหนีผู้ยิ่งใหญ่ - Boucher, Michelangelo และแม้แต่ Leonardo ใช้ประโยชน์จากแผนการอันเหนื่อยล้า Francois Boucher ในปี 1740 เสนอการตีความประวัติศาสตร์ที่ไม่เหมาะสมที่สุดด้วยการสาธิต คุณสมบัติทางกายวิภาคซึ่งเป็นธรรมเนียมที่จะต้องคลุมผ้าอย่างเขินอาย

ก่อนหน้านี้ Michelangelo ผู้ยิ่งใหญ่ได้เสนอวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับสถานการณ์ซึ่งแม้ว่าเขาจะหลีกเลี่ยงรายละเอียดที่ไม่จำเป็น แต่ก็ยังไม่สามารถต้านทานและวาดภาพทั้งคู่ได้โดยตรงในระหว่างการมีเพศสัมพันธ์ข้ามสายพันธุ์ที่ไม่เป็นธรรมชาติ

เมื่อเทียบกับฉากหลังของทั้งหมดนี้ ภาพวาดของ Leonardo da Vinci ดูเหมือนจะเป็นเพียงภาพประกอบสำหรับเทพนิยายของพุชกินสำหรับเด็กนักเรียน ชั้นเรียนจูเนียร์- บนผืนผ้าใบของเขา ทุกอย่างได้เกิดขึ้นแล้ว และ Leda ด้วยใบหน้าที่เบื่อหน่าย เฝ้าดูเด็กทารกวัย 1 ขวบที่มีสุขภาพแข็งแรงสมบูรณ์ฟักออกจากไข่ที่เธอวาง

ฉากอันงดงามนี้ดูค่อนข้างดีสำหรับเรา แต่ก็ไม่ได้เป็นเช่นนั้นเสมอไป ภาพวาดของปรมาจารย์ยุคเรอเนซองส์ถูกทำลายใน ต้น XVIIIหลายศตวรรษโดย Marquise de Maintenon ผู้เป็นที่ชื่นชอบของผู้สูงอายุของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ว่าไม่เหมาะสม วันนี้เราสามารถเห็นความเลวทรามทั้งหมดนี้ได้ก็ต้องขอบคุณสำเนาในภายหลังเท่านั้น

“ตุ๊กตาที่ถูกทิ้ง”

ศิลปินชาวฝรั่งเศส Suzanne Valadon ทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เธอเป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียนภาพวาดที่ยอดเยี่ยมมากมายโดยส่วนใหญ่ยกย่องความงามของร่างกายผู้หญิงในแบบธรรมดาที่สุด สถานการณ์ชีวิต- แม้จะมีร่างกายเปลือยเปล่ามากมายบนผืนผ้าใบของศิลปิน แต่ผลงานสร้างสรรค์ของ Valadon เพียงชิ้นเดียวเท่านั้นที่ทำให้เกิดความขัดแย้งอย่างรุนแรงในหมู่นักศีลธรรม

ภาพวาด "ตุ๊กตาที่ถูกทิ้งร้าง" ในปัจจุบันอาจทำให้ผู้เขียนประสบปัญหาร้ายแรงกับนักสู้เฒ่าหัวงู แต่ Valadon โชคดีพอที่จะเสียชีวิตในปี 2481 ต้องขอบคุณสิ่งนี้ที่เราถือว่าผลงานของเธอเป็นแบบคลาสสิก ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นหญิงสาวที่เปลือยเปล่าซึ่งมีหน้าอกเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง และทรงผมของเด็กที่มีธนู

ประวัติศาสตร์ไม่ได้รักษาคำอธิบายของภาพวาดนี้ไว้ให้ลูกหลาน แต่เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าภาพวาดนี้แสดงถึงการอำลาวัยเด็ก ผู้หญิงที่สวมผ้าเช็ดตัวมีแนวโน้มมากที่สุดที่จะเป็นเจ้าของซ่อง และเด็กก็กำลังเตรียมพร้อมที่จะพบกับลูกค้ารายแรกในชีวิตของเธอ ชื่อของภาพวาดนี้ตั้งมาจากตุ๊กตาตัวหนึ่งนอนอยู่บนพื้น ซึ่งเห็นได้ชัดว่าเป็นสัญลักษณ์ของชะตากรรมที่แตกสลาย อย่างไรก็ตาม ก็มีคนที่มีอัธยาศัยดีอ้างว่าภาพนี้เป็นภาพแม่กำลังเช็ดลูกสาววัยรุ่นหลังอาบน้ำ

"การข่มขืนลูกสาวของ Leucippus"

ปีเตอร์ พอล รูเบนส์ ชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งเป็นที่รู้จักจากผืนผ้าใบที่สวยงามและงดงามอย่างครุ่นคิด ได้นำเสนอเรื่อง "การข่มขืนลูกสาวของลูซิปปุส" แก่ผู้ชมในปี 1618 เมื่อมองแวบแรก การทะเลาะวิวาทกันระหว่างตัวละครในภาพยนตร์โดยไม่มีการหวือหวาทางเพศ

แต่สำหรับคนที่คุ้นเคย ตำนานกรีกเกี่ยวกับพี่น้อง Dioscuri เห็นได้ชัดว่าสาวผมบลอนด์เปลือยเปล่าไม่ได้ล้อเล่นเลย ชื่อที่สองของผลงานชิ้นเอก "การข่มขืนลูกสาวของ Leucippus" สะท้อนถึงการกระทำในภาพวาดได้แม่นยำยิ่งขึ้น

ใน ประวัติศาสตร์สมัยโบราณลูกชายของ Zeus และ Leda (ดูเรื่องราวของการกำเนิดที่แปลกประหลาดของพวกเขาด้านบน) Castor และ Pollux ลักพาตัวลูกสาวของ King Leucippus Gilaira และ Phoebe และตามประเพณีเก่าแก่ที่ดีที่บิดาของพวกเขาทำพินัยกรรมได้ล่วงละเมิดพวกเขา ดูเหมือนทุกอย่างจะจบลงอย่างเลวร้าย - ทุกคนเสียชีวิต

“พระภิกษุในทุ่งนา”

หากคุณสามารถคาดหวังอะไรจาก Rubens และ Boucher, Rembrandt ที่เก็บตัวและมีแนวโน้มที่จะนับถือศาสนาก็ต้องประหลาดใจ แม้ว่าโดยหลักการแล้ว การวาดภาพ “พระภิกษุในทุ่งข้าวโพด” เล็กๆ แต่ชำนาญของเขายังคงสะท้อนประเด็นทางจิตวิญญาณอยู่

มีการแสดงภาพตรงกลางองค์ประกอบภาพ พระคาทอลิกและนางสาวคนหนึ่งซึ่งทำบาปในตำแหน่งมิชชันนารี ณ ที่แห่งหนึ่งในทุ่งนา ความน่าพิศวงของพล็อตไม่ได้อยู่ในความจริงที่ว่าพระภิกษุฝ่าฝืนคำสาบานเรื่องพรหมจรรย์ของเขา แต่อยู่ในชายที่เข้ามาทางซ้ายพร้อมกับเคียวขอบคุณที่ตอนเย็นกำลังจะหยุดอิดโรย

“ความประมาทของแคนเดาล”

ภาพวาดของวิลเลียม เอตตี ซึ่งมีชื่อที่เป็นกลางว่า The Imprudence of Candaules บรรยายถึงเรื่องราวที่อนาจารโดยสิ้นเชิงจากประวัติศาสตร์ของเฮโรโดทัส ชื่อเต็มของภาพวาดนี้ซึ่งวาดในปี 1830 เผยให้เห็นความคลุมเครือของฉากที่ปรากฎในภาพนั้น: “แคนเดาเลส กษัตริย์แห่งลิเดียแอบแสดงให้กิก้าภรรยาของเขาเห็นกับคนรับใช้คนหนึ่งของเขาขณะที่เธอนอนบนเตียง”

เป็นการยากที่จะบอกว่าเหตุใด "บิดาแห่งประวัติศาสตร์" จึงตัดสินใจอธิบายเรื่องราวกึ่งลามกอนาจารในงานของเขา แต่ต้องขอบคุณมันที่ทำให้เราได้รับคำว่า Candaulism ซึ่งยากต่อการออกเสียงแม้แต่กับนักบำบัดทางเพศที่มีประสบการณ์ สาระสำคัญของการเบี่ยงเบนทางเพศนี้อยู่ที่ความต้องการที่จะอวดคู่ที่เปลือยเปล่าของคุณต่อคนแปลกหน้า

นี่คือช่วงเวลาที่ Etty แสดงให้เห็นในภาพวาด กษัตริย์ Candaules ตัดสินใจแอบแสดง Nisa ภรรยาของเขาต่อ Gig ผู้คุ้มกันของเขา แต่แผนการของเขาถูกค้นพบโดยผู้หญิงคนนั้น นิซาเรียกร้องให้กิกฆ่าเธอหรือสามีในทางที่ผิด หลังจากนั้น Candaules ก็ถูกแทงอย่างเหยียดหยามในห้องนอนของเขา

"หญิงสาวแห่งอาวีญง"

จากผืนผ้าใบ "สาวๆแห่งอาวีญง"» ศิลปินอัจฉริยะปาโบล ปิกัสโซ เริ่มเปลี่ยนไปสู่ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม เป็นที่ทราบกันดีว่าศิลปินได้รับแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ภาพวาดของ Paul Cezanne ด้วยผลงาน "Bathers" ของเขา ในตอนแรก ปิกัสโซเรียกภาพวาดนี้ว่า "The Philosophical Brothel" และหลายคนเชื่อว่าในภาพนั้น เกจิได้วาดภาพฉากหนึ่งจากซ่องแห่งหนึ่งในย่านกอทิกของบาร์เซโลนา

ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นผู้หญิงเปลือยห้าคนที่กำลังรอลูกค้าด้วยท่าทางหน้าด้าน เราคิดอยู่นานว่าจะรวมงานนี้ไว้ในรายการภาพวาดที่น่าสนใจหรือไม่ พูดง่ายๆ ก็คือ หากภาพเลอะเทอะทางเรขาคณิตที่ปรากฎบนผืนผ้าใบปลุกจินตนาการที่ไม่สุภาพในตัวคุณ เราก็มีข่าวร้ายสำหรับคุณ แต่คุณไม่สามารถโยนเนื้อร้องออกจากเพลงได้และเนื้อเรื่องของภาพในปี 1907 ก็ยังเร้าใจมาก

“ตลาดนางสนมอาหรับ”

ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมโดยภาพวาดคลาสสิกของฝรั่งเศส Jean-Leon Gérôme ซึ่งเขียนขึ้นในปี 1866 แสดงให้เห็นฉากหนึ่งในตลาดค้าทาสตะวันออก ผู้ชายกลุ่มหนึ่งที่สวมเสื้อผ้าหรูหรากำลังถามราคาของทาสที่เปลือยเปล่าโดยตรวจดูความถูกต้องของการกัดของเธอ

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเจอโรมเองก็รู้มากเกี่ยวกับตลาดทาสและขาประจำของพวกเขาเนื่องจากเขาชื่นชอบตะวันออกและเดินทางไปยังส่วนเหล่านั้นเพื่อค้นหาแรงบันดาลใจมากกว่าหนึ่งครั้ง พบผู้ร่วมสมัย “ตลาดค้าทาสอาหรับ“เป็นงานที่ท้าทายมากและเรียกภาพนี้ว่าเป็นเพลงสวดที่ครอบงำตัณหาของผู้ชายเหนือผู้หญิง

“ผู้สำเร็จความใคร่ด้วยตนเองผู้ยิ่งใหญ่”

ซัลวาดอร์ ดาลี นักเหนือจริงผู้ยิ่งใหญ่ชื่นชอบภาพวาดที่อนาจารและเรารอดพ้นจากความเร้าอารมณ์ของเขาได้ด้วยการวาดภาพของเขาเท่านั้น ซึ่งบิดเบือนโครงเรื่องอย่างมาก แค่นั้นแหละกับการทำงาน “ผู้สำเร็จความใคร่ด้วยตนเองผู้ยิ่งใหญ่”“ไม่ใช่ทุกอย่างจะง่ายนัก ยิ่งไปกว่านั้น ถ้าไม่ใช่เพราะชื่อเรื่อง คงไม่มีใครเข้าใจว่าสิ่งนี้เกี่ยวกับอะไร ภาพที่สวยงาม.

แต่อาจเป็นไปได้ว่าภาพวาดนี้มีความหมายแฝงทางเพศที่แสดงออกมาอย่างชัดเจน ใบหน้าของผู้หญิงคนนั้นทางด้านขวาของภาพ เกือบจะวางอยู่บนชิ้นส่วนของผู้ชาย ทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันของต้าหลี่หงุดหงิด และถึงกับทำให้เกิดการประณาม ไม่มีใครรู้ว่าปรมาจารย์แห่งสถิตยศาสตร์บรรยายอะไรในใจกลางผืนผ้าใบ - บางทีการมึนเมาที่ไร้การควบคุมที่สุดอาจเกิดขึ้นที่นั่น

"ต้นกำเนิดของโลก"

สร้างขึ้นในปี 1866 โดย Gustave Courbet ภาพวาดที่มีโครงเรื่องเรียบง่ายในชีวิตประจำวันไม่ได้จัดแสดงมานานกว่า 130 ปีเนื่องจากมีความถูกต้องทางกายวิภาคมากเกินไป ยิ่งไปกว่านั้น โดยหลักการแล้ว แม้ในปัจจุบันเป็นเรื่องยากที่จะทำให้ผู้มาเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ประหลาดใจ แต่ก็มีการมอบหมายยามแยกต่างหากให้กับภาพวาดนี้

ในปี 2013 ข่าวดีปรากฏในสื่อ - พบส่วนที่สองของภาพวาดซึ่งมองเห็นใบหน้าของพี่เลี้ยงเด็ก การศึกษาชีวประวัติของผู้แต่งและแวดวงของเขาอย่างละเอียดทำให้สามารถค้นหาตัวตนของหญิงสาวได้ ดังนั้นเป้าที่ไม่ได้โกนจึงกลายเป็นสมบัติของ Joanna Hiffernan นายหญิงของ James Whistler หนึ่งในนักเรียนที่ดีที่สุดของ Courbet แบบนี้ เรื่องราวที่น่าประทับใจการรวมตัวใหม่

สิ่งเหล่านี้ห่างไกลจากความเป็นเอกลักษณ์ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ - ตลอดเวลาคลาสสิกชอบที่จะสรุปบางสิ่งเช่นนั้นโดยสมบูรณ์ด้วยจิตวิญญาณแห่งยุคที่ได้รับการปลดปล่อยของเรา

คุณชอบมันไหม? ต้องการที่จะปรับปรุงอยู่? สมัครสมาชิกของเรา

การสอนนักเรียน ศิลปะคลาสสิกนักการศึกษาได้สนับสนุนให้ศิลปินทำงานจากชีวิตมายาวนาน ในโลกตะวันตกของเรา พวกเขาไม่รู้ว่ามันเป็นอย่างไรในเอเชีย แต่ฉันคิดว่ามันเหมือนกัน
นักเรียนเรียนรู้การวาด ระบายสี และปั้นโดยการสังเกตวัตถุ แบบจำลอง และฉากที่พวกเขาเห็น "มีชีวิต" อย่างไรก็ตาม การทำงานจากชีวิตไม่ได้ถูกกำหนดไว้

ปัจจุบัน ศิลปินหลายคนใช้รูปถ่าย และนี่คือจุดที่เราเหยียบพื้นลื่น หากคุณพึ่งพาภาพถ่ายเพียงอย่างเดียว คุณสามารถใช้เวลาสร้างโลกทัศน์ของกล้องขึ้นมาใหม่ได้ ไม่ใช่แค่มนุษย์ ปัจเจกบุคคล หรือต้นฉบับของคุณเอง พูดง่ายๆ ก็คือว่าอะไรคือเสาหลักแห่งศิลปะ

1. ผู้คนไม่ได้มองโลกเหมือนที่กล้องมอง

กล้องสามารถจับรายละเอียดได้อย่างสมบูรณ์ในเสี้ยววินาที แต่ภาพถ่ายขาดความลึก
ตัวอย่างเช่น ในภาพด้านล่าง ตั้งแต่ดอกไม้ในส่วนโฟร์กราวด์ไปจนถึงกระเบื้องในแบ็คกราวด์ องค์ประกอบทั้งหมดของฉากจะอยู่ในโฟกัสพร้อมกัน

เราพูดได้แค่ว่าวัตถุบางอย่างอยู่ข้างหลังวัตถุอื่น ต้นไม้และพุ่มไม้ไม่ปรากฏเป็นสามมิติ พวกเขาดูเหมือน ตัวเลขแบนด้วยลายใบไม้ หากคุณอยู่ในบ้านตอนนี้ ให้ไปที่หน้าต่างแล้วดูว่า หากคุณกำลังอ่านหนังสือจากหน้าจอในสวนสาธารณะ ก็ทำเช่นเดียวกัน ดูต้นไม้สิ.. คุณเห็นลำต้นทรงกลมขนาดใหญ่ กิ่งก้านแผ่กระจายไปทั่วพื้นที่ขนาดใหญ่ และยังเน้นความลึกของท้องฟ้าด้วยซ้ำ
ซึ่งหมายความว่าเราเหนือกว่ากล้องในแง่ของการรับรู้เชิงลึก - เป็นสามมิติสำหรับเราและเป็นสองมิติสำหรับกล้อง

2 และนี่คือความสามารถอย่างหนึ่งของเราที่มีบทบาท หรือมากกว่านั้นคือไม่มีอยู่จริง: เราไม่สามารถเพ่งความสนใจไปที่สิ่งใดสิ่งหนึ่งได้มากกว่าหนึ่งสิ่งในแต่ละครั้ง ดังนั้น เพื่อที่จะมองเห็นแต่ละองค์ประกอบ เราจึงต้องขยับสายตา

คอนเสิร์ตคาเฟ่ของ Edgar Degas ที่ Les Ambassadeurs (พ.ศ. 2419-2420) ดูว่าเขาจัดการระดับความสนใจในท่าทางที่เป็นธรรมชาติได้อย่างไร

ความสนใจของเขามุ่งเน้นไปที่ใบหน้าและ มือขวานักร้อง ร่างอื่นๆ ทั้งหมดถูกวาดด้วยขอบที่นุ่มนวลและลดคอนทราสต์ลง

ปรากฎว่าเราอ่านแผนแรกได้ชัดเจนและคมชัด ส่วนอย่างอื่นก็นุ่มนวลและเบลอเล็กน้อยแม้ว่าเราจะไม่เคยตระหนักก็ตาม เมื่อปรมาจารย์วาดภาพจากชีวิต เขาไม่ได้เน้นรูปทรงของพื้นหลังด้วยเส้นแข็ง

นี่คือสิ่งที่ดูเหมือนจากภาพถ่าย เพิ่มผู้คนในพื้นหลังแล้ว

มิเคเล่ เดล กัมโป. ใช้งานได้ทั้งจากการถ่ายภาพและจากธรรมชาติ (บ่อยน้อยกว่ามาก😊 ). เขาได้รับรางวัลทางศิลปะมากมาย รวมถึงรางวัล BMW Prize ประจำปี 2549 ซึ่งนำเสนอโดยสมเด็จพระราชินีโซเฟียแห่งสเปน

มิเคเล่ เดล กัมโป

3. เราสามารถศึกษาฉากที่มีเงาและแสงสว่าง และมองเห็นทุกสิ่งในแสงที่เหมาะสมได้ด้วยการเคลื่อนไหวของดวงตา และนี่เป็นสิ่งสำคัญมาก
ในทางกลับกัน กล้องจะเลือกค่ารับแสงที่เหมาะสมเพียงพอสำหรับทั้งฉาก เป็นผลให้สิ่งต่าง ๆ บิดเบี้ยวอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้มืดเกินไปหรือสว่างเกินไป ศิลปินที่ทำงานเกี่ยวกับภาพถ่ายมักจะคัดลอกข้อบกพร่องนี้ และถือว่างานของพวกเขาเป็นภาพถ่ายโชคไม่ดี นี่ก็ชัดเจนทันที

Megan Boody เป็นศิลปินชาวอเมริกัน ทำงานจากภาพถ่ายที่ปรับแต่งด้วยระบบดิจิทัลเป็นหลัก 2552

ในการถ่ายภาพ ความบิดเบี้ยวของเลนส์โดยทั่วไปเป็นผลมาจากมุมมองที่คงที่ของกล้องและความใกล้ชิดกับวัตถุ
ยืนอยู่ที่เดียวกัน ชีวิตจริงเราไม่เห็นมันเป็นอย่างนั้น ดวงตาที่เคลื่อนไหวอยู่ตลอดเวลาของเรามองเห็นวัตถุขนาดใหญ่และรูปร่างเป็นชิ้น ๆ แทนที่จะเป็นภาพรวมทั้งหมด

4. เราสแกนภาพ โดยทำการโฟกัสและปรับโฟกัสใหม่หลายครั้ง และเมื่อแต่ละพื้นที่ใหม่ถูกโฟกัส พื้นที่ก่อนหน้าจะกลับไปสู่การมองเห็นบริเวณรอบข้างที่เบลอ
สมองของเราเชื่อมโยงมุมมองมากมายเหล่านี้เข้าด้วยกันเป็นองค์เดียวที่ชาญฉลาด

สำหรับเรา เมื่อมองดูม้าที่มีชีวิต จะไม่มีครึ่งหน้าใหญ่และหลังเล็ก และศิลปินจะไม่วาดภาพแบบนั้น มันจะแสดงดังนี้:

ตลอดระยะเวลาที่วิจิตรศิลป์ดำรงอยู่ ภาพเปลือยก็เป็นสถานที่พิเศษในนั้น สิ่งนี้เกิดขึ้นได้จากหลายสาเหตุ ซึ่งเราจะระบุในบทความต่อไป เป็นการเน้นย้ำทันทีว่าภาพวาดที่มีชื่อเสียง ศิลปินโซเวียต- ชื่อศิลปินบางคนอาจคุ้นเคยกับคุณ แต่ชื่ออื่นๆ อาจกลายเป็นชื่อที่คุณค้นพบอย่างแท้จริง และคุณจะต้องการรู้จักผลงานของพวกเขาให้ดียิ่งขึ้น

ยูริ Raksha - ความฝัน

ภาพเขียนเปลือยก็เหมือนกับงานประติมากรรมที่มีอยู่ตลอดเวลาและในเกือบทุกประเทศ เนื่องจากภาพประเภทนี้เป็นภาพพื้นฐานในทางปฏิบัติ ศิลปินคนใดย่อมรู้ดีว่าภาพนั้น ภาพเปลือยเป็นพื้นฐานในการศึกษาโครงสร้างของมนุษย์ ก่อนที่จะเรียนรู้วิธีวาดภาพบุคคลในเสื้อผ้าอย่างถูกต้อง ในรูปแบบ ท่าทาง และฉากใด ๆ คุณต้องเรียนรู้วิธีการวาดภาพเขาให้เปลือยเปล่าโดยสมบูรณ์ ในระหว่างกระบวนการนี้ ศิลปินผู้มุ่งมั่นจะเรียนรู้ที่จะพรรณนาสัดส่วนของร่างกายมนุษย์อย่างถูกต้อง รวมถึงส่วนต่างๆ และความแตกต่างเล็กๆ น้อยๆ ของมัน

Zinaida Serebryakova - อาบน้ำ

ตรงกันข้ามกับคำตัดสินของผู้ที่วาดภาพไว้เท่านั้น ภาพที่สวยงามภาพเปลือยไม่ได้ถูกสร้างขึ้นเลยเพื่อกระตุ้นความปรารถนาอันต่ำต้อยของบุคคล ภาพวาดดังกล่าวเป็นตัวแทนหรือเชิดชูความงาม ร่างกายมนุษย์, ความสมบูรณ์แบบ , การสร้างสรรค์ที่ไม่ธรรมดาของธรรมชาติหรือ พลังที่สูงขึ้น- บ่อยครั้งที่ศิลปินพรรณนาตัวละครของตนเปลือยเปล่าเพื่อแสดงความเป็นธรรมชาติและความเป็นธรรมชาติ ความเป็นธรรมชาติ หรือแม้แต่โลกอันศักดิ์สิทธิ์ จะสังเกตเห็นเอฟเฟกต์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งมีนัยสำคัญน้อยกว่าหากสวมตัวละครตัวเดียวกัน เสื้อผ้าสวย ๆเนื่องจากวัตถุที่ถูกสร้างขึ้นด้วยมือของมนุษย์ฉีกตัวละครออกจากความเป็นธรรมชาติ

อเล็กซานเดอร์ ดีเนกา - บาเทอร์ส

ภาพเปลือยก็มีอยู่ในศิลปินเช่นกัน ยุคโซเวียต- ในช่วงสหภาพโซเวียต ศิลปินยังสร้างภาพวาดกับผู้หญิงเปลือยและไม่เคยถือว่าหยาบคายเนื่องจากในระดับมืออาชีพจริงจังและ ศิลปะชั้นสูงนี่เป็นที่ยอมรับได้ยาก เมื่อสร้างภาพ ศิลปินจะกำหนดแนวคิดที่บริสุทธิ์และลึกซึ้งมากกว่าการสนองความปรารถนาของผู้ชมที่จะเห็นสิ่งที่ต้องห้าม ที่นี่ คุณจะเห็นชุดผลงานของศิลปินโซเวียตเพื่อชื่นชมความสามารถและความเป็นมืออาชีพของจิตรกรในอดีตที่ผ่านมา

อเล็กซานเดอร์ เกราซิมอฟ - โซเวียต ห้องอาบน้ำสาธารณะ A. Zavyalov - แบบจำลองกับพื้นหลังของผ้าม่าน
A. Olkhovich - เปลือย Alexander Samokhvalov - เปลือย

อเล็กซานเดอร์ ดีเนกา – นางแบบ V. Arakcheev - ผู้หญิงนั่ง Vladimir Stozharov - โรงอาบน้ำ ผู้หญิงซักผ้า ไมเคิล โบจี – เปลือย อิลยา มาชคอฟ - เปลือย