การฝึกวาดภาพแฟชั่น บทเรียนภาพประกอบแฟชั่น วาดรูปเด็กผู้หญิงเพื่อสเก็ตช์แฟชั่น บอกเราเกี่ยวกับผลงานชุดที่น่าสนใจของคุณ

เมื่อพลิกดูนิตยสารแฟชั่นและแคตตาล็อกแบรนด์ เราคุ้นเคยกับการเห็นรูปถ่ายที่สะดุดตาของนางแบบในอุดมคติ เสื้อผ้าดีไซเนอร์และอุปกรณ์เสริม แต่นักแฟชั่นนิสต้าเรียนรู้เกี่ยวกับเทรนด์เสื้อผ้าก่อนการประดิษฐ์และความนิยมของกล้องได้อย่างไร นิตยสารตีพิมพ์อะไรบนหน้าของพวกเขา? “บรรพบุรุษ” ของการถ่ายภาพคือภาพประกอบแฟชั่นซึ่งสามารถถ่ายทอดได้อย่างมีประสิทธิภาพ แนวโน้มล่าสุดและจำหน่ายสินค้าให้กับวงการแฟชั่น ปัจจุบันภาพวาดมือกลับมาได้รับความนิยมอีกครั้ง

ประวัติความเป็นมาของภาพประกอบแฟชั่น

โลกได้เรียนรู้ว่าภาพประกอบแฟชั่นเมื่อประมาณ 500 ปีที่แล้วคืออะไร ในศตวรรษที่ 16 ศิลปินวาดภาพสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในราชสำนักในชุดแฟชั่นและในตอนท้ายของศตวรรษได้มีการตีพิมพ์หนังสือที่มีรูปภาพเสื้อผ้าและคำแนะนำในการตัดเย็บ นักวาดภาพประกอบแฟชั่นคนแรกถือเป็นศิลปิน Wenceslas Hollar ซึ่งอาศัยและทำงานในลอนดอนมาตั้งแต่ปี 1640 เขาเป็นคนบ้างานอย่างแท้จริงและสร้างงานแกะสลักประมาณ 3,000 ชิ้นโดยใช้เทคนิคการแกะสลักมากที่สุด หัวข้อที่แตกต่างกันตั้งแต่ทิวทัศน์ไปจนถึงภาพวาดชุดสตรี ในปี 1679 นิตยสาร Mercure Galant ได้รับการตีพิมพ์ครั้งแรกในเมืองลียง ซึ่งกลายเป็นผู้บุกเบิกโลกแห่งแฟชั่นกลอส สิ่งพิมพ์ประกอบด้วยภาพวาดของศิลปินในตำนานอย่าง Pierre Bonnarome, Abraham Bossom และคนอื่นๆ อีกมากมาย

การพัฒนาภาพประกอบแฟชั่นอย่างแข็งขันเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในเวลานั้นนิตยสารได้รับความนิยมอย่างแพร่หลายนักแฟชั่นนิสต้าทั่วโลกต่างก็รอคอยการเปิดตัวฉบับใหม่อย่างใจจดใจจ่อ สิ่งนี้ส่งผลให้มีนักวาดภาพประกอบผู้ยิ่งใหญ่ที่กลายเป็นผู้เชื่อมโยงระหว่างแฟชั่นกับผู้คน

ศิลปิน Charles Dana Gibson และ Giovanni Boldini เคยทำงานด้วย ปลาย XIXและกลางศตวรรษที่ 20 อิทธิพลเหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของแนวคิดนี้ ความงามของผู้หญิงแสดงให้เห็นถึงนางแบบในชุดที่มีความซับซ้อนและรูปร่างเพรียวบาง Gibson สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ เพราะ... เขาสร้างภาพลักษณ์พิเศษสำหรับวีรสตรีของเขาซึ่งผู้หญิงจริงๆพยายามเลียนแบบ ในความเป็นจริง Gibson Girls เป็นไอคอนสไตล์การวาดด้วยมือตัวแรก! นักวาดภาพประกอบแฟชั่น Paul Iribe, Georges Barbier, Georges Lepape, Erte, Kenneth Paul Bloch และคนอื่นๆ อีกหลายคนก็มีส่วนสนับสนุนเป็นพิเศษในการพัฒนาประเภทนี้

ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1930 เป็นต้นมา Vogue เริ่มเผยแพร่ภาพถ่ายบนหน้าปก ซึ่งส่งผลเสียต่อภาพประกอบแฟชั่น ในทศวรรษ 1960 ทิศทาง "สูญเสีย" ตำแหน่งของตนและเปิดทางให้ภาพถ่าย แต่ก็ไม่เคยหายไปและพัฒนาต่อไป

ภาพประกอบแฟชั่นรอบใหม่

การเกิดขึ้นของนิตยสารบนเว็บ บล็อกแฟชั่น และ เครือข่ายทางสังคมฟื้นฟูประเภทของภาพประกอบแฟชั่น ความจริงก็คือภาพถ่ายจำกัดจินตนาการของบุคคลและไม่อนุญาตให้พวกเขาสร้างภาพให้สมบูรณ์ด้วยตนเองเพราะว่า ผู้ชมเห็นภาพที่สมบูรณ์พร้อมแบบจำลองในอุดมคติ

แบรนด์เสื้อผ้าและเครื่องประดับหันมาขอความช่วยเหลือจากนักวาดภาพประกอบมากขึ้น โดยใช้การออกแบบสำหรับภาพพิมพ์และลวดลายผ้า หลายแบรนด์ชอบแบนเนอร์และโปสเตอร์ที่วาดด้วยมือเพื่อดึงดูดความสนใจของลูกค้าในร้านค้าที่มีแบรนด์

นิตยสารแฟชั่นและนักออกแบบได้เลือกภาพประกอบมาสร้าง แคมเปญโฆษณาซึ่งค่อนข้างเป็นธรรมชาติเพราะว่า ภาพวาดช่วยให้ผู้ซื้อแสดงจินตนาการและลองใช้ภาพที่สร้างขึ้นเพื่อคิดเรื่องราวซึ่งไม่สามารถทำได้เสมอไปเมื่อใช้รูปถ่ายของแบบจำลอง

บล็อกเกอร์ยอดนิยมที่เขียนเกี่ยวกับอุตสาหกรรมแฟชั่นก็หันมาใช้ภาพประกอบเช่นกัน พวกเขาสร้างภาพที่สะท้อนถึงแนวโน้มในอนาคต แถมยังมาพร้อมกับสำเนาที่วาดด้วยมืออีกด้วย นิตยสารหรือบ้านแฟชั่นชื่อดังหลายแห่งสังเกตเห็นพวกเขาให้ความร่วมมือ นี่คือวิธีที่การ์ตูนกระต่าย Fifi Lapin กลายเป็นแบรนด์ทั้งหมด

เครือข่ายโซเชียลต้องการเนื้อหาและเนื้อหาที่ "อบอุ่น" ความจริงก็คือผู้ใช้เบื่อหน่ายกับการโฆษณาผลิตภัณฑ์โดยตรงซึ่งไม่ก่อให้เกิดการสะท้อนทางอารมณ์ที่รุนแรงและขัดขวางจินตนาการ ภาพประกอบยังช่วยให้คุณหลีกเลี่ยงการล้อเลียนและความคิดเห็นเชิงลบ ผู้ใช้ไม่มีเหตุผลที่จะแสดงความไม่พอใจกับโมเดล "โฟโต้ช็อป" และตัวเลขของพวกเขา

ผลงานของนักวาดภาพประกอบแฟชั่น

นักวาดภาพประกอบร่วมสมัยกำลังฟื้นฟูการวาดภาพแฟชั่น โดยอาศัยประวัติศาสตร์อันยาวนานของภาพประกอบแฟชั่น พวกมันทำงานในเทคนิคที่หลากหลาย: ตั้งแต่สีน้ำไปจนถึงสีอะคริลิก และผสมผสานการวาดด้วยมือเข้ากับเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์อย่างเชี่ยวชาญ

ศิลปินแฟชั่นสเก็ตช์ภาพในงานแฟชั่นโชว์ (ไม่ใช่สัปดาห์แฟชั่นเดียวจะเสร็จสมบูรณ์หากไม่มีพวกเขา) ถ่ายโอนสไตล์สตรีทมาสู่กระดาษ วาดลุค สร้างลวดลายสำหรับผ้า และช่วยเหลือนักออกแบบเสื้อผ้าในการสร้างคอลเลกชัน พวกเขาทำงานเกี่ยวกับภาพประกอบสำหรับนิตยสารแฟชั่น หนังสือ ภาพยนตร์ โฆษณา เว็บไซต์ โซเชียลเน็ตเวิร์ก ทำงานร่วมกับแบรนด์เสื้อผ้า เครื่องสำอาง เครื่องประดับและสินค้าฟุ่มเฟือย เอเจนซี่โฆษณา สำนักพิมพ์ และสำนักออกแบบ

นักวาดภาพประกอบจะต้องสเก็ตช์ภาพด้วยมืออย่างรวดเร็ว สามารถทำงานกับโปรแกรมมืออาชีพได้ (Adobe Illustrator, Photoshop ฯลฯ) รับมือกับงานได้ตรงเวลา และที่สำคัญที่สุดคือมีสไตล์เฉพาะตัวที่เป็นที่รู้จักและมีแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจที่ไม่มีวันสิ้นสุด

การฝึกอบรมนักวาดภาพประกอบแฟชั่น

ผลงานโดยนักวาดภาพประกอบร่วมสมัย Wendy Plovmand ชาวเดนมาร์ก

ภาพประกอบแฟชั่น(ในภาษาอังกฤษ “fashion illustration” โดยที่ “fashion” คือแฟชั่น “ภาพประกอบ” คือภาพประกอบ) หรือ ภาพประกอบแฟชั่น– คำนี้หมายถึงประเภทของภาพประกอบ (กราฟิกหรือภาพวาด) ที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับแฟชั่น ภาพประกอบแฟชั่นใช้เป็นภาพประกอบสำหรับนิตยสารเคลือบเงา สิ่งพิมพ์เกี่ยวกับแฟชั่น และโฆษณา แบรนด์แฟชั่น,ออกแบบร้านแฟชั่นบูติกและห้างสรรพสินค้า

เทคนิคภาพประกอบแฟชั่น

สำหรับภาพประกอบแฟชั่น มีการใช้เทคนิคต่างๆ ตั้งแต่สีน้ำและกราฟิกแบบดั้งเดิม ไปจนถึง เทคนิคสมัยใหม่โดยใช้อะคริลิกและงานพิมพ์ รวมถึงคอมพิวเตอร์กราฟิกส์ เทคนิคนี้มีการเปลี่ยนแปลงตลอดประวัติศาสตร์ของภาพประกอบประเภทนี้

เรื่องราว

Giovanni Boldini นักเต้นของมูแลงรูจ 2448

เชื่อกันว่าภาพประกอบแฟชั่นมีอายุเกือบ 500 ปี แต่ในช่วง 150 ปีที่ผ่านมาของประเภทนี้กำลังได้รับการศึกษาอย่างแข็งขัน Wenceslaus Hollar ซึ่งทำงานในลอนดอนตั้งแต่ปี 1640 ถือเป็นนักวาดภาพประกอบด้านแฟชั่นคนแรกของโลก

1850-1900. ผู้นำด้านภาพประกอบแฟชั่นคือ Giovanni Boldini (1842-1931) ทำงานในฝรั่งเศส เขาเริ่มต้นจากการเป็นจิตรกรวาดภาพเหมือน แต่ลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะนักวาดภาพประกอบแฟชั่นกลุ่มแรกๆ เทคนิคของเขาคือลายเส้นที่รวดเร็ว ลายเส้นหนา ความไม่สมมาตร และเส้นโค้งของความสมัยใหม่ ซึ่งเป็นลักษณะอิมเพรสชั่นนิสม์

กิ๊บสัน ภาพวาด พ.ศ. 2449

แต่สิ่งที่ดังที่สุดในเวลานี้ทิ้งไว้โดย Charles Dana Gibson (1867-1944) ศิลปินกราฟิกชาวอเมริกัน ต้องขอบคุณภาพวาดของเขาที่ทำให้คำว่า "กิบสันเกิร์ล" เข้ามาในประวัติศาสตร์ ( ได้แก่ เด็กผู้หญิงที่มีทรงผมสูง ผมหยิก ปั้นแบบพิเศษและสัดส่วนร่างกายที่กลมกลืนกัน วาดด้วยปากกาและหมึก) กราฟิกของ Gibson ได้รับความนิยมมากจนเรียกได้ว่าเป็นตัวอย่างเมื่อภาพวาดของเด็กผู้หญิงกลายเป็นไอคอนสไตล์ ผู้หญิงที่แท้จริงพยายามลอกเลียนแบบสไตล์ของเด็กผู้หญิงจากภาพวาดของ Gibson (ภาพวาดของ Gibson กำหนดมาตรฐานความงามในอเมริกาในปี 1890-1900) Gibson ได้รับการขนานนามว่าเป็นผู้ก่อตั้งเกือบทุกอย่าง สไตล์ทันสมัยภาพประกอบแฟชั่น ทรงผมของสาว Gibson ยังคงเรียกว่า Gibson bun และเป็นที่นิยมในหมู่ผู้หญิง

พอล ไอริเบ, 1908

1900-1910. ปี 1909 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของสิ่งที่เรียกว่า "ยุคทอง" ในประวัติศาสตร์ของภาพประกอบแฟชั่น นี่เป็นช่วงเวลาที่การถ่ายภาพยังไม่สามารถแข่งขันกับการวาดภาพด้วยมือได้ และภาพประกอบที่วาดด้วยมือเป็นเพียงวิธีเดียวที่จะแสดงภาพประกอบในหนังสือและนิตยสาร ประเภทนี้เริ่มถูกนำมาใช้ไม่เพียง แต่เป็นรูปภาพสำหรับข้อความเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการโฆษณาด้วย การปฏิวัติเล็กๆ น้อยๆ ครั้งใหม่ในภาพประกอบแฟชั่นเกิดขึ้นโดยศิลปินกราฟิก Paul Iribe (พ.ศ. 2426-2478) นวัตกรรมด้านเทคโนโลยีการพิมพ์ทำให้สามารถใช้สีสันท้องถิ่นที่สดใสผสมผสานกับกราฟิก ทำให้พอลมีสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว เหตุการณ์สำคัญอีกเหตุการณ์หนึ่งในชีวประวัติของ Paul Iribe คือการร่วมมือกับนักออกแบบเสื้อผ้า Paul Poiret ซึ่งส่งผลให้มีการวาดภาพนิตยสารที่มีผู้หญิงสวมชุดจากนักออกแบบ สิ่งที่สามารถพบได้ในนิตยสารมันทุกเล่มนั้นเป็นเรื่องตลก หากภาพวาดพร้อมชุดแรกถูกสร้างขึ้นบนพื้นหลังสีขาวจากนั้นต่อมาภาพประกอบขั้นสูงเพิ่มเติมก็ปรากฏขึ้นในรูปแบบสีทั้งหมดเช่นภาพประกอบโดยชาวฝรั่งเศส Georges Barbier (เชื่อกันว่าเป็นภาพวาดของเขาที่วางรากฐานสำหรับอาร์ตเดโค สไตล์).

Georges Lepape พิมพ์สำหรับ La Gazette du Bon Ton, 1912

1910-1920 - นักวาดภาพประกอบแฟชั่นที่โดดเด่นที่สุดคนหนึ่งในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือ Georges Lepape ชาวฝรั่งเศส (พ.ศ. 2430-2514) เขายังร่วมงานกับนักออกแบบ Paul Poiret มากมายในการวาดภาพเสื้อผ้าของเขาสำหรับนิตยสาร เขามีสไตล์เป็นของตัวเองมากขึ้น ตัวเลขแบนผู้หญิงและวิธีแก้ปัญหาการตกแต่งเพิ่มเติม สไตล์นี้ทำให้เขากลายเป็นผู้เชี่ยวชาญเรื่องปกนิตยสาร Vogue มากกว่า 100 เรื่อง

Col Phillips, ปก Good Housekeeping, 1913

เทคนิคการสร้างภาพข้อมูลเชิงนวัตกรรมเสนอโดย American Coles Phillips (1880-1927) นวัตกรรมอีกอย่างหนึ่งของเขาคือวิธีที่พื้นหลังกลายเป็นพื้นหน้าหรือตัวแบบสำคัญของการวาดภาพ เทคนิคนี้ได้รับฉายาว่า "เด็กหญิงที่หายไป" เอกลักษณ์เฉพาะตัวของภาพวาดของ Philips ได้รับการอำนวยความสะดวกจากการที่ศิลปินกราฟิกอาศัยอยู่ในอเมริกาและไม่ได้รับอิทธิพลจาก European Art Nouveau ในยุค 2010 หรือ 100 ปีต่อมา เทคนิค "disappearing girls" ได้รับความนิยมอย่างมากในภาพประกอบด้านแฟชั่น

Erte ปก Harper's Bazar พิมพ์ ฉบับเดือนพฤศจิกายน 1920

1920-1930 - อันดับแรก สงครามโลกครั้งที่(พ.ศ. 2457-2461) มีการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในด้านแฟชั่นและบทบาทของสตรี การปลดปล่อยทำให้ผู้หญิงมีอิสระมากขึ้น พวกเธอไม่ได้เป็นเพียงสิ่งของสำหรับการตกแต่งอีกต่อไป Erte ถือเป็นนักวาดภาพประกอบแฟชั่นชั้นนำในเวลานี้ ชื่อนี้เป็นคำย่อของชื่อย่อซึ่งเป็นชื่อจริงของศิลปิน Romain de Tirtoff (พ.ศ. 2435-2533) เขามาจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แต่อาศัยและทำงานในปารีส ภาพประกอบของเขายกระดับภาพประกอบสไตล์อาร์ตเดโคไปสู่จุดสูงสุดของความเป็นเลิศ เขาเช่นเดียวกับ Iribe, Barbier, Lerape ทำงานร่วมกับ Poiret ดีไซเนอร์แฟชั่น แต่ทั่วโลก ชื่อเสียงอันโด่งดัง Erte ได้รับสัญญาสิบปีกับ Harper's Bazar ในปี 1915

เบนิโต สมัย พิมพ์ 2469

บุคคลสำคัญอีกประการหนึ่งในการพัฒนาภาพประกอบแฟชั่นในยุคนั้นคือ Eduard Benito (พ.ศ. 2434 - 2524) ศิลปินที่มีรากฐานมาจากภาษาสเปนชื่นชอบลัทธิคิวบิสม์และคอนสตรัคติวิสต์ ซึ่งมีอิทธิพลต่อสไตล์พิเศษของเบนิโต ซึ่งเป็นแนวทางทางเรขาคณิตในการวาดภาพประกอบแฟชั่น หลังจากย้ายไปปารีสและพบกับ Paul Poiret เบนิโตได้ทำงานในสำนักพิมพ์ Conde Nast และต่อมาได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้านักวาดภาพประกอบของนิตยสาร Vogue และ Vanity Fair ในอีก 20 ปีข้างหน้า สไตล์ของเบนิโตคืออาร์ตเดโคผสมผสานกับความทันสมัยและแนวทางที่มีเหตุผล

เอริค, สมัย, 1938

1930-1940 - ในภาพประกอบแฟชั่นของอเมริกา Carl Oskar August Erikson (1891-1958) ชูฝ่ามือมานานกว่า 35 ปี เขาเป็นที่รู้จักจากการร่วมมือกับเครื่องสำอาง Vogue และ Coty ภาพวาดของเขาเป็นที่รู้จักจากพู่กันอันหนา สีสันที่หลากหลาย และมาตรฐานความงามพิเศษของผู้หญิง - เด็กผู้หญิงที่มีเอวบางมาก และในแวดวงแฟชั่นชื่อของเขาคือเอริคภายใต้ชื่อที่เขาตีพิมพ์ในนิตยสาร

นักวาดภาพประกอบชาวอเมริกันที่มีชื่อเสียงในยุค 30 อีกคนคือ Ruth Sigrid

Grafstrom, 1905-1986) ผลงานของเขาใน American Vogue เริ่มปรากฏในปี 1933 นักวิจารณ์เชื่อว่าเทคนิคของเขาได้รับอิทธิพลมาจาก ศิลปินชาวฝรั่งเศส Fauves และโดยเฉพาะ Henri Matisse

สไตล์ของนักวาดภาพประกอบแฟชั่นชาวอเมริกันได้นำจิตวิญญาณที่สดใหม่มาสู่ประเภทนี้ หลังจากที่ผู้เชี่ยวชาญชาวฝรั่งเศสมีอิทธิพลเหนือสไตล์นี้ ผลงานของเอริคและกราฟสตรอมปรากฏบนปกนิตยสาร Vogue, the Delineator, Cosmopolitan และ Woman's Home Companion

Boucher, ปก Vogue, 1953

1940-1950 - ปี 1939 เป็นจุดเปลี่ยนของภาพประกอบแฟชั่น นิตยสาร Vogue เริ่มเปลี่ยนกราฟิกด้วยรูปถ่าย ภาพปกและเรื่องตลกถูกตีพิมพ์ และการถ่ายภาพได้รับความนิยมจากผู้บริโภคมากกว่าการวาดภาพธรรมดา

แม้ว่าความสนใจในภาพประกอบแฟชั่นในนิตยสารจะจางหายไป แต่นักวาดภาพประกอบแฟชั่นจำนวนมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมาพบว่าการประยุกต์ใช้ของตนในด้านการโฆษณา Rene Bouche (1905-1963) เริ่มทำงานที่ Vogue ในปี 1338 แต่ต่อมาได้เริ่มทำงานร่วมกันในภาพประกอบโฆษณากับแบรนด์ต่างๆ เช่น Elizabeth Arden, Saks Fifth Avenue และ Helena Rubenstein เทคนิคของเขาโดดเด่นด้วยการผสมผสานระหว่างกราฟิกที่สวยงามและเอฟเฟกต์พู่กันแบบเปียก จนถึงทุกวันนี้ เทคนิคของ Boucher ได้รับการคัดลอกโดยศิลปินทั่วโลก

René Groux ปกนิตยสาร International Textiles, 1954

บุคคลสำคัญอีกรายหนึ่งในภาพประกอบในช่วงทศวรรษ 1940 คือ Rene Gruau (1909-2004) งานมินิมอลลิสต์ของ Rene Grou เหมาะที่สุดสำหรับการใช้ในการโฆษณา เขาสร้างภาพพิมพ์โฆษณาที่ดีที่สุดบางส่วนให้กับ Christian Dior ผลงานของเขาได้รับการทำซ้ำอย่างสมบูรณ์แบบด้วยวิธีการพิมพ์ที่ใช้อยู่ในปัจจุบัน ดังนั้นผลงานของเขาจึงเข้าถึงผู้ชมในรูปแบบดั้งเดิม

1950 – 1960. ในช่วงเวลานี้เป็นเรื่องที่น่าสังเกตจากปรมาจารย์สองคน หนึ่งในนั้นคือ Kenneth Paul Block (Kenneth Paul Block, 1924-2009) ซึ่งทำงานในอเมริกา ในช่วงทศวรรษที่ 50-60 ภาพประกอบแฟชั่นไม่เพียงแต่แข่งขันกับภาพถ่ายเท่านั้น แต่ยังแข่งขันกับโฆษณาทางโทรทัศน์ด้วย ซึ่งนักวาดภาพประกอบจะต้องมีทักษะพิเศษและภาพวาดที่น่าประทับใจ Kenneth Paul Block วาดภาพอย่างกล้าหาญ สะท้อนการเคลื่อนไหวของร่างผู้หญิง และไม่เคยเลือกภาพนิ่ง งานสีพาสเทลของเขาชวนให้นึกถึงผลงานชิ้นเอกของอิมเพรสชั่นนิสต์ ศิลปินร่วมงานกับนิตยสาร Women's Wear Daily และ W มาเกือบ 40 ปี เริ่มตั้งแต่ทศวรรษ 1950

Harper's Bazar, New York Times, Herald Tribune มีความภูมิใจที่ได้ร่วมงานกับศิลปินชื่อดังแห่งยุค 50 และ 60 อีกคนหนึ่ง นั่นคือ Canadian Irwin Crosthwait (1914-1981) ผู้เขียนคนนี้ไม่กลัวที่จะแนะนำเทคนิคการวาดภาพในกราฟิก

วาดโดยแคโรไลน์ สมิธ, 1965

1960-1970. ต้นทศวรรษ 1960 เรียกว่าจุดสิ้นสุดของยุคของภาพประกอบแฟชั่นเป็นรูปแบบหลักของภาพประกอบในนิตยสารเคลือบเงา อย่างไรก็ตาม ในช่วงหลายปีที่ผ่านมามีการเพิ่มขึ้นของงานศิลปะ เพลงป๊อป ภาพยนตร์ และภาพถ่าย และพบนักวาดภาพประกอบที่สามารถเข้ากับเทรนด์ของปี 1960 และไม่แข่งขันกับพวกเขา นั่นคือแคโรไลน์ สมิธ เธอได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวาดป๊อปอาร์ต สัญลักษณ์สดใส และกราฟิกทรงเรขาคณิต ผลงานของสมิธได้รับการตีพิมพ์ใน Harper's Bazar, Queen, Elle และ Cosmopolitan

บ็อบบี้ ฮิลสัน, 1968

ศิลปินอีกคนที่ปฏิเสธที่จะยอมรับการสิ้นสุดของภาพประกอบแฟชั่นคือ Bobbi Hilson เธอสร้างชื่อให้ตัวเองด้วยรายงานที่วาดด้วยมือจากแฟชั่นโชว์ ในช่วงเวลาที่ช่างภาพยังไม่ได้รับเชิญให้เข้าร่วมการแสดง จากนั้น บ๊อบบี้ก็เกิดสไตล์การวาดภาพของเธอเองขึ้นมา โดยอิงจากการวาดเส้นและไม่มีสี

อันโตนิโอ, สมัยฝรั่งเศส, 1970

1970-1980. ในช่วงเวลานี้ ศิลปินได้รับอิทธิพลจากดนตรีพังก์และวัฒนธรรมป๊อป อันโตนิโอ โลเปซ (พ.ศ. 2486-2530) นักวาดภาพประกอบที่มีอิทธิพลมากที่สุดในยุคนั้น ซึ่งเป็นชาวเปอร์โตริโก ศึกษาที่นิวยอร์กและทำงานในปารีส เขาเซ็นผลงานของเขาง่ายๆ ว่า "อันโตนิโอ" และภายใต้ชื่อนี้เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะ สไตล์ของเขาผสมผสานสไตล์ของการ์ตูนเข้าด้วยกัน ซึ่งเป็นการค้นพบของนักวาดภาพประกอบแฟชั่นแห่งยุคทองของภาพประกอบ เขาทำงานเกี่ยวกับหมึก ปากกา สีน้ำ ถ่าน และยังรวมภาพถ่ายที่ถ่ายด้วยกล้องโพลารอยด์ไว้ในภาพประกอบของเขาด้วย เชื่อกันว่าอันโตนิโอฟื้นขึ้นมา ศิลปะที่ถูกลืมภาพประกอบแฟชั่น อาจารย์ทำงานร่วมกับสิ่งพิมพ์ Vogue, Harper's Bazaar, Elle, Interview, The New York Times

Stemp แคตตาล็อกซิมป์สัน 2510

มีเพียงไม่กี่คนที่สามารถแข่งขันกับความเก่งกาจของอันโตนิโอได้ แต่มีปรมาจารย์อีกคนหนึ่งที่ลงไปในประวัติศาสตร์ภาพประกอบแฟชั่นในยุคนั้น นี่คือเอริค สเตมป์ (1924-2001) ตอนนั้นเขาอายุเกือบ 50 ปี แต่เขาก็สามารถทิ้งร่องรอยไว้ในประวัติศาสตร์ของประเภทนี้ได้ นักวาดภาพประกอบชาวอังกฤษได้รับแรงบันดาลใจจากโปสเตอร์ในช่วงทศวรรษที่ 1940 และศึกษาเพื่อเป็นนักออกแบบ เขามีชื่อเสียงจากงานโฆษณาของเขา แบรนด์ผู้ชายแคตตาล็อก Simpsons รวมถึงนิตยสาร Harpers Bazaar และ British Vogue

สติลแมน

1980-1990. ภาพประกอบแฟชั่นรอบใหม่เริ่มต้นขึ้น โดยเป็นการหวนคืนสู่มาตรฐานกราฟิกของปี 1920 ในแฟชั่น ความแปลกประหลาด ความเรียบง่าย และเทคนิคทำให้เกิดความแตกต่าง ในช่วงเวลานี้ ผู้เขียนสองคนคือ Stephen Stipelman และ George Stavrinos ที่เป็นเลขชี้กำลังหลักของรูปแบบนี้

Stephen Stipelman เป็นที่รู้จักในฐานะผู้เขียน “พระคัมภีร์” ที่แท้จริงสำหรับนักวาดภาพประกอบ หนังสือของเขา “Illustrating Fashion: Concept to Creation” ยังคงอยู่ในการพิมพ์และกำลังพิมพ์อยู่ อุปกรณ์ช่วยสอนสำหรับผู้เขียนมือใหม่ สไตล์ของ Stephen เปลี่ยนไปตามกาลเวลา และเขามีผลงานกราฟิกที่สูงมาก ซึ่งเขาแชร์บนหน้าหนังสือ

สตาฟริโนส

George Stavrinos (1948-1990) ได้แนะนำองค์ประกอบของการวาดภาพและทักษะการใช้ดินสอในระดับที่ซับซ้อนทางเทคนิคในการวาดภาพประกอบแฟชั่น ภาพวาดของเขามีรายละเอียดเกือบจะสมบูรณ์แบบ เขามีชื่อเสียงจากผลงานโฆษณา (Bergdorf Goodman) ในนิตยสารเคลือบเงา (The New York City Opera, New York Times, GQ, Cosmopolitan)

ดาวน์ตัน ภาพวาดปี 2551

1990-2000. ความท้าทายใหม่สำหรับการวาดภาพประกอบแฟชั่น – การถ่ายภาพดิจิทัลและ คอมพิวเตอร์กราฟิก- แต่แนวเพลงนี้รอดมาได้อีกครั้งและนำเสนอเทคนิคและวิธีแก้ปัญหาใหม่ ๆ ซึ่งประกอบด้วยภาพประกอบที่สมบูรณ์ หนึ่งในปรมาจารย์ด้านนวัตกรรมที่โดดเด่นคือ David Downton (เกิดในปี 1959) ในปี 1996 เขาได้จัดทำภาพประกอบเพจแฟชั่นให้กับ Financial Times หลังจากนั้นฉันก็หลงรักแฟชั่นและเริ่มสร้างสรรค์สไตล์ของตัวเองในการวาดภาพประกอบแฟชั่น รายชื่อลูกค้าของ David มีมากมาย: Tiffany & Co, Bloomingdales, Barney's, Harrods, Top Shop,

1. อย่างรวดเร็ว

สุนทรียศาสตร์ของการสเก็ตช์อย่างรวดเร็วจะทำให้คุณหลงใหลตั้งแต่แรกเห็น เพราะมันเข้ากับจิตวิญญาณของสัปดาห์แฟชั่นที่ไม่เหมือนใคร เขาสดใส แสดงออกและแสดงออกได้ดีมาก อย่างไรก็ตามความเร็วของการดำเนินการร่างดังกล่าวสามารถหลอกลวงได้! บ่อยครั้งที่ผู้ชมคิดว่าการวาดภาพใช้เวลาประมาณ 5 นาที ในขณะที่ศิลปินใช้เวลานานกว่านั้น จะดีมากถ้านักวาดภาพประกอบสเก็ตช์ภาพสดได้ สิ่งเหล่านี้ประเมินค่าไม่ได้

สิ่งสำคัญที่คุณต้องใช้ในการสเก็ตช์ภาพให้เชี่ยวชาญคือการเร่งความเร็ว เช่น เปิด ภาพสดจากการแสดงในลอนดอน (LFW จะจัดขึ้นในวันที่ 14-18 กันยายน) และให้เวลาตัวเองคนละ 3-5 นาที ในการทำงาน ดินสอนุ่มหรือปากกาสักหลาด ฉันขอรับรองกับคุณว่าหลังจากวาดภาพร่างสักสองสามสิบครั้ง คุณจะสังเกตเห็นความก้าวหน้า

2. “ตามภาพ”

ล้อเล่นแน่นอน สำหรับ ศิลปินมืออาชีพคำชมทั่วไปนี้ดูน่าสงสัยจริงๆ แต่นี่คือวิธีที่ฉันตัดสินใจระบุทิศทางที่ใกล้เคียงกับความสมจริงมากที่สุด ฉันคิดว่าปรมาจารย์เหล่านั้นที่ได้รับแรงบันดาลใจจากหน้าตาของนางแบบและต้องการทำงานในรูปแบบนี้ ในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้จัดแสดงและเน้นย้ำถึงความงดงามของพวกเขา

ความสมจริงต้องใช้ทักษะและการฝึกฝนทักษะอย่างมาก การศึกษากายวิภาคศาสตร์เป็นพื้นฐานที่จำเป็น เนื่องจากผู้ชมสามารถอ่านความไม่สอดคล้องกันในสัดส่วนได้อย่างง่ายดาย เพื่อที่จะเชี่ยวชาญทิศทางนี้ คุณสามารถเริ่มต้นด้วยพื้นฐาน เช่น กับ การวาดภาพเชิงวิชาการดินสอ.

ภาพประกอบโดย Naila Butusova พร้อมรูปภาพจาก Nikolay Legenda

นักออกแบบแบรนด์ Nikolay Legenda แบ่งปันวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับภาพประกอบแฟชั่นและ ผู้เข้าร่วมที่สดใส MBFWรัสเซีย โอลก้า คาปิโตโนวา

“ในงานของฉัน บุคลิกภาพของนักวาดภาพประกอบเป็นสิ่งสำคัญ

คุณต้องพัฒนาลายมือของคุณเอง เช่นเดียวกับนักออกแบบแต่ละคนที่ทำงานในทิศทางของตนเอง นักวาดภาพประกอบก็เช่นกัน หากคุณต้องการคุณสามารถวาดทุกสิ่งได้ แต่ทุกคนก็เลือกสิ่งที่จะเข้าใกล้พวกเขามากขึ้นอย่างมีสไตล์

การวาดรายละเอียดเสื้อผ้าขึ้นอยู่กับจุดประสงค์สุดท้ายของการใช้ภาพประกอบ ไม่สำคัญกับการถ่ายทอดภาพมากนัก รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆแต่ฉันเชื่อว่าสำหรับนักวาดภาพประกอบมันคงไม่ฟุ่มเฟือยที่จะรู้ตรรกะของสิ่งต่าง ๆ แม้ว่าจะเล็กน้อย แต่ก็ควรจะอยู่ที่นั่น การสเก็ตช์อย่างรวดเร็วไม่มีเวลาในการวาดภาพ มีการเน้นที่ภาพเงา พื้นผิว ฯลฯ มากกว่า แต่แม้แต่ภาพร่างดังกล่าวก็ควรมีลักษณะเหมือนงานที่เสร็จแล้ว”

3. ในโลกแห่งเทพนิยาย

ในความคิดของฉัน ภาพประกอบแฟชั่นแฟนตาซีเป็นสิ่งที่ประเมินต่ำที่สุด! พูดตามตรงฉันไม่มีจินตนาการที่จะสร้างความงามเช่นนี้ แต่ต้องใช้จินตนาการอย่างแน่นอน หากคุณรู้สึกว่ามีภาพพิเศษเกิดขึ้นในหัวของคุณ ให้ลองร่างภาพเหล่านั้น อย่างน้อยก็ในรูปแบบคร่าวๆ ความรู้พื้นฐานเกี่ยวกับการวาดภาพและการลงสีจะไม่เสียหายอย่างแน่นอน แต่ผู้ที่มีจินตนาการเฉพาะตัวไม่จำเป็นต้องเรียนหลักสูตรภาพประกอบแฟชั่น

4. “ลูการี”

สไตล์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในหมู่ลูกค้าและในสต็อกคือ "dolce vita" เวอร์ชันทันสมัย ในบรรดาผู้เขียนทั้งหมด Hayden Williams และ Megan Hess สามารถแยกแยะได้ นางเอกของพวกเขามีความเก๋ไก๋และแวววาว และสัดส่วนของพวกเธอก็เหมือนกับตุ๊กตา

เมื่อได้ศึกษาคุณสมบัติของสัดส่วนของประเภทนี้อย่างละเอียดและนำสิ่งที่คุณต้องการมาสร้างแล้ว คุณสามารถสร้างภาพ "ชีวิตที่สวยงาม" ของคุณเองได้สำเร็จ

5. ตัวละคร

สำหรับของหวาน ฉันทิ้งผลงานศิลปะที่มีเอกลักษณ์และแปลกตาซึ่งสร้างแรงบันดาลใจให้กับบุคลิกภาพของผู้สร้างเป็นประการแรก นักวาดภาพประกอบของซีรีส์นี้สร้างตัวละครของตัวเองขึ้นมา เป็นกรณีที่ไม่ใช้กฎการฝึกอบรม สิ่งสำคัญคือความกล้าหาญมากขึ้นและงานทั้งหมดถูกสร้างขึ้นภายใต้กรอบแนวคิดที่สร้างสรรค์เพียงหนึ่งเดียว แรงบันดาลใจควรพบได้ในตัวคุณเอง ตัวละครที่สร้างขึ้นก่อนหน้านี้มีความสดใสและมีชื่อเสียงมากจนใครๆ ก็อ่านเลียนแบบได้

ปรารถนา ความสำเร็จที่สร้างสรรค์และฤดูใบไม้ร่วงที่สดใส!

บทบาทของภาพประกอบแฟชั่นในโลกแฟชั่น/เงาในปัจจุบันคืออะไร?

ในตลาดรัสเซีย ภาพประกอบกำลังได้รับแรงผลักดันและเริ่มชนะใจผู้คนเท่านั้น ศิลปะการถ่ายภาพมีอิทธิพลเหนือโลกแห่งความแวววาว ท้ายที่สุดแล้ว มีความชัดเจนกว่าและขายได้ดีกว่า ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญในโลกการค้าของเรา ตลาดแฟชั่นในรัสเซียยังใหม่อยู่ ไม่มีวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ของภาพประกอบแฟชั่น อย่างไรก็ตาม มีความรักในการนำเสนอแนวคิดที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งได้รับการเลี้ยงดูจาก "Murzilka" และ "Crocodile" โลก นิตยสารมันซึ่งมีหน้าปกและหน้าต่างๆ ที่แสดงภาพประกอบโดยศิลปินผู้อพยพชาวรัสเซีย Erte และคนอื่นๆ อีกมากมาย มีคลังผลงานจำนวนมากโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ความเงามาหาเราในภายหลังและอยู่ในรูปแบบภาพถ่าย อย่างไรก็ตาม ต้องขอบคุณนิตยสารเวอร์ชันบนเว็บ อินสตาแกรม และบล็อก ความต้องการในการนำเสนอภาพประกอบเกี่ยวกับแฟชั่นจึงเพิ่มขึ้น

5 ไอเทมที่ต้องมีในคลังแสงของนักวาดภาพประกอบแฟชั่นคืออะไร?

แผ่นสเก็ตช์ภาพและกระดาษ A3 กองไม่สิ้นสุด แฟ้มผลงานของ Moleskine หรือเพียงแค่แท็บเล็ต A3 พร้อมคลิป A3 เพื่อจัดเก็บงานของคุณและช่วยให้คุณสามารถนั่งและวาดบนพื้นผิวแข็งได้ทุกที่ ดินสอที่คุณชื่นชอบหากคุณเป็นคนอนุรักษ์นิยมและชอบเทคนิคเดียว หรือใช้วัสดุเจ๋งๆ ทั้งกระเป๋าหากคุณชอบทดลอง ตัวอย่างเช่น ฉันมักจะพาฉันไปเที่ยวเพื่อทำธุรกิจครึ่งกระเป๋าที่ประกอบด้วยดินสอ Faber-Castell และปากกามาร์กเกอร์ Winsor & Newton หมึก พู่กัน และสิ่งของอื่นๆ ไปด้วย แต่สำหรับการแสดงแต่ละครั้ง ฉันจะนำเอกสาร 1 ชิ้นติดตัวไปด้วยและทำงานเต็มจำนวน

คุณต้องมีโทรศัพท์อยู่ในมือเพื่อถ่ายภาพและประมวลผลภาพหลัก ฉันใช้ iPhone มาหลายปีแล้วและชอบกล้องมาก โดยวิธีการใน ไอโฟนใหม่ 7 มีระบบป้องกันภาพสั่นไหวคุณสามารถถ่ายภาพในรูปแบบ RAW และแก้ไขได้ทันทีเช่นในแอปพลิเคชัน Adobe Lightroom สะดวกมาก และสำหรับการประมวลผลภาพเต็มรูปแบบ ฉันใช้ MacBook Pro และ Photoshop

ภาพประกอบแฟชั่นมักเกี่ยวข้องกับการทำงานที่รวดเร็วมาก กระบวนการตั้งแต่แนวคิดไปจนถึงการตีพิมพ์เป็นอย่างไร

ในกรณีของฉัน ก็เป็นเช่นนี้ทุกประการ ฉันชอบทำงานอย่างรวดเร็ว ตั้งแต่การสเก็ตช์ภาพ 30-60 วินาทีในการแสดง ไปจนถึงผลงาน "ยาว" (ไม่เกิน 60 นาที และสำหรับบางขั้นตอนใช้เวลาหลายสิบชั่วโมง - ทั้งหมดขึ้นอยู่กับเทคนิค) หากเรายกตัวอย่างผลงานภายใต้กรอบของ Paris Fashion Week กระบวนการจะเป็นดังนี้:

หากคุณได้รับอนุญาตให้อยู่หลังเวที จะถือเป็นพร เพราะนี่คือที่ที่คุณสามารถขอให้นางแบบหยุดในท่าที่คุณต้องการเป็นเวลา 5-10 นาที แล้ววาดภาพร่าง รวมถึงถ่ายภาพมุมที่จำเป็นบน iPhone ของคุณเพื่อเพิ่มเติม งาน.

ฉันยังถ่ายภาพและวิดีโอระหว่างภาพร่างเพื่อจะได้วาดภาพสุดท้ายจากภาพเหล่านั้นได้

ในตอนเย็นหลังการแสดงหรือช่วงเช้า ฉันจะตรวจสอบภาพถ่าย/วิดีโอ/ภาพร่าง เลือกมุมที่ดีและวาดภาพขั้นสุดท้าย

ในเวลากลางวันที่ดี ฉันจะถ่ายภาพในรูปแบบ HD และคุณสามารถแก้ไขได้ทันทีในแอปพลิเคชันที่คุณชื่นชอบ

บทเรียนนี้จะสอนคุณเกี่ยวกับพื้นฐานของการสร้าง สัดส่วน รูปร่างเพรียวบางสำหรับสเก็ตช์แฟชั่น- ประกอบด้วยความรู้พื้นฐานที่จะนำไปใช้เป็นพื้นฐานสำหรับบทเรียนอื่นๆ ที่มีโมเดลในท่าต่างๆ โดยพื้นฐานแล้วเราจะจัดการกับเนื้อตัวและขา ฉันจะแสดงให้คุณดู วิธีการวาดรูปโมเดลสูง 8, 9 และ 10 หัว หากคุณต้องการเรียนรู้วิธีการวาดศีรษะและใบหน้า ลองดูอันนี้

ประการแรก ร่างแบบจำลองไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของความสมจริง แน่นอนว่าโมเดลสเก็ตช์ก็คล้ายกัน คนธรรมดาเนื่องจากในกรณีส่วนใหญ่พวกเขาจะให้บริการเพื่อแสดงเสื้อผ้าบนร่างมนุษย์จริง อย่างไรก็ตาม สัดส่วนของภาพร่างนั้นยังห่างไกลจากสัดส่วนที่แท้จริงของร่างกาย ดังนั้น ความคิดเห็นอย่างเช่น “ผู้หญิงจริงๆ ไม่ได้มีลักษณะเช่นนี้” ที่จ่าหน้าถึงภาพร่างแฟชั่นก็เทียบได้กับความคิดเห็น “นี่คือโลกที่ไม่จริง” ที่จ่าหน้าถึงภาพวาดของซัลวาดอร์ ดาลี ภาพร่างแฟชั่นถือเป็นนามธรรม

ก่อนที่จะพัฒนาของคุณ สไตล์การวาดภาพประกอบแฟชั่นของตัวเองคุณสามารถฝึกฝนได้โดยใช้สัดส่วนร่างกาย "มาตรฐาน" ที่นักวาดภาพประกอบแฟชั่นส่วนใหญ่ใช้ ไปทำงานกันเถอะ!

วาดรูปเด็กผู้หญิงเพื่อร่างแฟชั่น

ดูภาพด้านล่าง ตัวเลขทั้งสามนี้มีสัดส่วนต่างกันและให้ความประทับใจต่างกัน รูปแรกยาวมากและดูไม่น่าเชื่อ ภาพร่างที่สามดูเป็นธรรมชาติที่สุด อย่างไรก็ตาม ทั้งสามร่างนั้นถูกสร้างขึ้นในลักษณะเดียวกัน

โดยปกติแล้วเราจะวาดหัวขนาด 2.5 x 1.5 ซม. ฉันจะใช้ ในตัวอย่างนี้ตัวเลขเหล่านี้ ดังนั้น ความยาวของศีรษะคือ 2.5 ซม. (ในตัวอย่างที่สามคือ 2.2 ซม.) ในทั้งสามตัวอย่าง ความยาวของลำตัว (จากคางถึงแนวบิกินี่) เท่ากับความสูงของหัวทั้งสาม กล่าวคือ:

ความยาวศีรษะ x 3 + 1 ซม. = ความยาวลำตัว

2.5 x 3 + 1 = 8.5 ซม

1. ศีรษะ

1. คอและไหล่

ขั้นตอนที่ 1 นับห่างจากคาง 1 หรือ 1.5 ซม. แล้วหาคอเสื้อ ช่องว่างระหว่างคอและกระดูกไหปลาร้า วาดสองบรรทัด

ขั้นตอนที่ 2 วาดสอง เส้นแนวตั้งที่คอ (ความกว้างขึ้นอยู่กับประเภทของรูปร่าง - ผอมหรือแข็งแรง) และสอง เส้นแนวนอนสำหรับไหล่ (ไหล่กว้าง = 4 ซม.)

ขั้นตอนที่ 3 ใช้เส้นโค้งเพื่อร่างโครงร่างของร่างกาย

1. หน้าอก

ขั้นตอนที่ 1: กำหนดรักแร้ของคุณ ควรมีพื้นที่เพียงพอให้พอดีกับวงกลมเล็กๆ ระหว่างมุมสะบักและโพรงรักแร้

ขั้นตอนที่ 2 นับลงมาจากคอเสื้อ 1 ซม. เราเริ่มวาดส่วนล่างของหน้าอก สำหรับฉันมันดูเหมือนเต็นท์️⛺ แต่แน่นอนว่านี่เป็นเต้านมประเภทเดียวเท่านั้น และรูปร่างและขนาดก็แตกต่างกันไป รูปร่างด้านนอกดูเหมือนตัวอักษร S

1. เอวและสะโพก

จากการคำนวณของเรา ความยาวลำตัวจากคางถึงสะโพกคือ 8.5 ซม. ความกว้างของสะโพกเท่ากับความกว้างของไหล่

ในการวาดรูปร่างนาฬิกาทราย ให้วาดเส้นทแยงมุมสองเส้นที่ตัดกันโดยเชื่อมระหว่างจุดไหล่กับจุดสะโพกที่อยู่ตรงข้าม ด้วยวิธีนี้เราจะร่างรูปร่างของร่างกายดังที่แสดงในภาพ

กลับไปที่ภาพที่มีร่างและหัวทั้งสามกัน อย่างที่คุณเห็นความยาวขาของทั้งสามรุ่นคือ 6, 5 และ 4 หัวตามลำดับ สิ่งที่คุณต้องทำคือนับ:

ความยาวหัว x N = ความยาวขา

รูปที่ 1: 2.5 x 6 = 15 ซม

รูปที่ 2: 2.5 x 5 = 12.5 ซม

รูปที่ 3: 2.5 x 4 = 10 ซม

ถ้าคุณหารความยาวนี้ด้วย 2 คุณจะได้เข่า ในกรณีของเราคือ 15 ซม./2= 7.5 ซม.

ขั้นตอนที่ 1: คำนวณจากเป้าลงไป 7.5 ซม. แล้วหาเข่าของคุณ คุณต้องวาดมันเป็นวงกลมสองวงที่มีระยะห่างกันใกล้กัน วาดโครงร่างด้านในของหัวเข่าดังที่แสดงด้านล่าง (เป็นสีเขียว)

ขั้นตอนที่ 2 ทั้งสองด้านของเป้าให้สูงขึ้นเล็กน้อยวาดวงกลมสองวง เชื่อมต่อพวกเขาเข้ากับหัวเข่าของคุณ

ขั้นตอนที่ 3 ในการวาดกล้ามเนื้อต้นขาด้านใน ให้วาดวงกลมหนึ่งวงใต้เป้าและอีกวงกลมหนึ่งเหนือเข่า (ทำเครื่องหมาย 3 และ 3 ′ในภาพ)

ขั้นตอนที่ 4 วาดโครงร่างของสะโพกดังที่แสดงด้านล่าง

ขั้นตอนที่ 5: หากต้องการหาข้อเท้า ให้นับลงจากเข่าลง 7.5 ซม. คุณสามารถทำเครื่องหมายด้วยวงกลมเล็กๆ ได้ ที่ตั้งของพวกเขาควรมีขนาดเล็ก เพื่อนสนิทถึงเพื่อนมากกว่าคุกเข่า

ขั้นตอนที่ 6 วาดโครงร่างของน่อง สังเกตรูปร่างของกล้ามเนื้อที่แสดงด้านบน

1. เท้า

คำว่า "ความยาวขา" หมายถึงความยาวทั้งหมดจากข้อเท้าถึงปลายหัวแม่เท้า

ความยาวศีรษะ = ความยาวเท้า

2.5 ซม. = 2.5 ซม

ขั้นตอนที่ 1: จำไว้ว่ากระดูกข้อเท้าด้านในจะสูงกว่ากระดูกด้านนอก

ขั้นตอนที่ 2 วาดโครงร่างด้านในของเท้า มันเด่นชัดกว่าภายนอก ในตัวอย่างนี้ เรากำลังวาดขา รองเท้าส้นสูง- ยาว 3/4 ของความยาวศีรษะ

ขั้นตอนที่ 3 วาดโครงร่างด้านนอกของเท้า

ขั้นตอนที่ 4 วาดขาทั้งนี้ขึ้นอยู่กับรูปร่างของนิ้วเท้าของรองเท้า

ใช้เทมเพลตสำหรับสเก็ตช์แฟชั่น

คุณสามารถดาวน์โหลดเทมเพลตของรูปร่างทั้งสามประเภท และใช้สำหรับโปรเจ็กต์ของคุณและใช้เป็นพื้นฐานได้ด้วย บทเรียนถัดไปแฟชั่น-ภาพประกอบ

คำแนะนำวิดีโอ

วิดีโอสอนนี้มีไว้สำหรับการวาดภาพ 8 หัวโดยเฉพาะ อย่างไรก็ตาม ที่นี่ฉันใช้แนวทางที่แตกต่างออกไป ลองดูครับ อาจจะสะดวกกว่า