Pasirodė naujas, su nuotraukomis:
komentuoti.
„Užsikabinsiu:
*Imagistai gali būti sielingi ir visiškai amatininkai, papūgos. Bet jie abu nesugeba abstrahuotis nuo gamtos*
Čia, man atrodo, yra vienas subtilus dalykas... kas laikoma „natūra“?
Prisimenu Nabokovo pareiškimą (dabar tiksliai jo necituosiu, bet bendrą reikšmę)... įsivaizduokime, kad tam tikrą „gamtą“ – tarkime, kaimo peizažą, stebi trys žmonės – atvykstantis miestietis, kuris pirmą kartą beveik mato gyvą žolę ir medžius, vietinis valstietis, užaugęs m. šiose vietose, dirba žemėje, renka grybus miške, kuriuos pažįsta ir t.t.
ir mokslininkas gamtininkas, gamtos žinovas, kuriam pieva ar miškas yra labai diferencijuota biologinė bendruomenė, kurioje jis mato daug įvairių specifinių augalų, vabzdžių, gyvūnų, bet mato ne tik juos, bet ir daugybę itin sudėtingi ryšiai, nežinomas nei miestiečiui, nei valstiečiui...
atrodo, kad prieš mus ta pati tikrovė, gamta, bet iš tikrųjų tokia „realybė“ yra abstrakcija... priklausomai nuo įsigilinimo, dėmesingumo, žinojimo laipsnio - kiekvienam žmogui tai yra visiškai skirtingos realybės, ir jų bendrumas. nepratęsia primityviausių schemų, tokių kaip „žolė žalia“, „ant medžio yra lapai“...
o menininkas irgi „gamtą“ mato visai kitomis akimis nei paprastas žmogus (čia aš ramiai save kaip tokią užrašysiu - ne kartą esu susidūręs asmeninė patirtis kiek detaliau ir subtiliau mato menininkai) – jis daug ką pastebi ir pabrėžia formomis ir spalvomis, o būtent toje lūžyje, konkrečiai ir individualiai, kurioje tai būtina jo menui...
tie. Sąvoka „gamta“ man atrodo labai trapi ta įprasta prasme, kuri į ją įtraukiama...“
Atsakymas.
I. Dailininkai.
Nabokovo pavyzdys mano įvairių variantų gamtos interpretacija, priklausomai nuo to, koks stebėjimų ir idėjų lydinys susidaro konkrečiame žmoguje.
Jei žvelgtume plačiau, tai gamtos interpretacija yra jos atspindys menininko darbuose. Apmąstymai, kuriuose pagrindinis vaidmuo emocijos, pastebėjimai ir menininko idėjos. Tačiau šį vaidmenį galima atlikti dviem tiesiogiai priešingomis kryptimis.
Viename iš jų atsiranda geriausi emocinės reakcijos apie kokią nors prigimtį ar aštrius kai kurių jos savybių pastebėjimus. Ir čia gauname gyvų gamtos interpretacijų (impresionistų, ir, beje, gerų gyvūnų tapytojų).
Kitoje, dar blogiau, interpretacija tampa natūralaus motyvo atsaku į kokią nors emociją ar menininko galvoje egzistuojančias idėjas. Apie tokią tapybą jie sako: „tapo ne gyvai, o iš idėjos“, arba vadina tai imitacine, iliustratyvine ar literatūrine. Pavyzdžiai: vokiečių romantikai, rusų Peredvižnikai, prancūzų simbolistai ir kt. Tačiau kai kuriais atvejais tapyba „reprezentacija“ gali būti ne iliustratyvi, o savyje nešti tendencingumą, kokios nors technikos visumą. Pavyzdžiui, puantilistai (Seurat, Signac), skirtingai nei impresionistai, pradėję savo eksperimentus fiksuodami kai kuriuos gyvus optinio gamtos suvokimo momentus, gana greitai tapo sukurto metodo įkaitais.
Įdomu pastebėti, kad iliustratyvumas gali būti visiškai tinkamas ir pateisinamas iliustracijos žanre – tai mums buvo malonu matyti daugelyje vaikų darželio įrašų. knygų grafika. Tačiau kai kurie menininkai, linkę aštrinti dekoratyvines savybes iliustracinėje kompozicijoje, išjudina žanro ribas ir iš dalies kompoziciją perkelia į abstrakčių vaizdinių ir plastinių užduočių sritį, ty anapus bet kokios gamtos interpretacijos.
Du to pavyzdžiai:
Tatjana Mavrina. Rostovas. 1965 m
(reprodukcija iš O. Bucharovo tiesioginio žurnalo)
Levas Bakstas. Vaslovo Nijinskio portretas fauno vaidmenyje (choreografiniame filme " Popietinis poilsis Faunas“ pagal Claude'o Debussy muziką). 1912 m.
Wadsworth Atheneum, Hartfordas
Nors, griežtai tariant, nei Mavrina, nei Bakstas niekada neperėjo į molbertinės tapybos sritį: tikriausiai šis perėjimas neatitiko jų taikomosios kūrybos dovanos.
II.
Bet grįžkime į pradžią. Menininkai gali būti ne tik „vaizduotojai“. Ne tik vienaip ar kitaip atspindėti (interpretuoti) gamtą. Kai kurie iš jų gali su tuo susitvarkyti visiškai laisvai ir kūrinio temą paversti ne prigimtimi, o kažkuo reikšmingesniu. Per vizualiai natūralios objekto formos deformaciją ir transformaciją.
Daikto formos deformacija yra ne jos interpretacijos būdas ar paaštrintas patikslinimas, o įrankis per gamtą išreikšti kažkokį nenatūralų turinį, tai, ko visiškai neįmanoma perteikti natūraliomis priemonėmis. Šis turinys iš esmės yra filosofinės tvarkos dalykai: prigimtis ir veiksmai žmogaus sąmonė, nepaprasta gyvenimo tėkme, kuri vadinama būtimi... Kai kurie menininkai labai „sėkmingai“ visus šiuos dalykus iliustruoja objektyvios formos kalba. Kiti menininkai su daug didesniais sunkumais bando šiuos dalykus kaskart sukurti iš naujo, naudodami beveik tą pačią objektyvios formos kalbą.
Istorija Europos tapyba turi, galima sakyti, klasikinė mokykla tokia filosofinė kūryba in meninė kūryba: ikonų menas. Ši mokykla sukūrė daugybę Naujojo Testamento ir Senojo Testamento scenų kompozicijų kanonų, kuriuose apskritai objektyvios formos, patiriančios tam tikras (ne tokias priverstines, kaip kubistų) deformacijas ir transformacijas, tampa tiek matomo, tiek nematomo išraiška. simbolinis pasaulis. Tačiau ši nuostabi mokykla neišvengė „iliustravimo nuodėmės“. Kuo tvirčiau kanonas buvo diegiamas praktikoje, tuo labiau ši praktika buvo linkusi į išorinį konkrečių šio kanono atlikimo pavyzdžių imitavimą (tai tas pats, kaip muzikantams būtų įsakyta groti, pavyzdžiui, Bachą tik Gouldo interpretacijose ir Chopinas - Horowitzo interpretacijose, nors suprantama, kad kanonas yra tik natos, o visa muzika yra kažkur „tarp natų“; Be to, bet koks piktogramos siužetas įprasta sąmonė yra suvokiamas kaip Šventojo Rašto iliustracija, ir net patys dvasininkai nebuvo linkę vadinti piktogramų „knygomis neraštingiems“. Taigi paveikslų tapyba „kaip Rublevas“ ar „kaip Dionisijus“ tik pablogino iliustratyvų požiūrį į kanonines formas ir prisidėjo prie ikonų tapybos degradacijos.
Tačiau yra žinomas taškas mano, kad piktograma nėra menas. Todėl apsvarstykite pavyzdžius kūrybinis darbas Objektyvios formos tapytojai pradėkime ne nuo ikonos, o nuo artimo šiam menui meistro El Greco darbo.
El Greco. Jonas Krikštytojas. Gerai. 1600
Puškino muziejus
Kadaise aprašydamas šį kūrinį atkreipiau dėmesį į Jono Krikštytojo kojas: pažiūrėjus matosi, kad jos aiškiai „pasvirusios“ į dešinę. Ir tuo pačiu metu liemuo yra stabilus, monumentalus - išsidėstęs palei centrinę paveikslo lauko ašį ir įrašytas į dangaus ratą, atsiveriantį iš debesų (kairėje - beveik geometriškai taisyklinga). Iš dešinės kylantis sutankintų debesų stulpas, tarsi „atremdamas“ Jono liemenį, kompoziciškai balansuoja figūros „pakrypimą“ į dešinę, tarsi „nustumia“ Jono petį ir, tampriai lenkdamasis į kairę , užbaigia šią kompensaciją. Ir šis elastingas, stiprus debesų judėjimas, lengvas ir kažkaip transformuotas aidas yra laisvas Jono galvos pakreipimas į kairę.
Jono kojų transformacijos laipsnis yra maksimalus, lyginant su visomis kitomis šio vaizdo detalėmis, ir ši transformacija yra viena reikšmingiausių, kokią aš kada nors mačiau tapyboje, palyginti su rodoma gamtos objekto forma. Tai aiškiai išreiškia Jono Krikštytojo esmę. O tai, kad ne kojos laiko liemenį, o atvirkščiai, liemuo suteikia stabilumo ir monumentalumo visai Jono figūrai – tai išreiškia mintį šis vaizdas. Jonas vyras tikrai praeina neįtikėtina kelionė nuo Senojo iki Naujojo Testamento, keliu, kurio nebuvo galima pereiti žemišku, natūraliu būdu – tai yra natūraliomis kojomis. Todėl jų objektyvi forma patiria tokią įspūdingą, keistą iš pirmo žvilgsnio deformaciją; ir todėl Jono Krikštytojo figūra nesiremia ant kojų ir žemės, o įgyja nenatūralios, nežemiškos savybės, atsiskleidžiančios dangaus fone ir iš jo sklindančios, stabilumą.
Šis sprendimas atskleidė ir El Greco kūrybinę laisvę, ir visiškai individualų mąstymą: niekas taip nerašė nei prieš, nei po to – juk tai ant bjaurumo ribos!
Kad nebūtų nuobodu, tik dar du pavyzdžiai.
Amedeo Modigliani. Leopoldo Survage portretas. 1918 m
Hm. 61,5x46. Athenaeum muziejus, Helsinkis
Štai menininkas, kuriam natūralu persikelti po El Greco – Modigliani. Jis taip pat yra puikus ne interpretacijos, o gamtos transformavimo meistras. Ir kaip jo pirmtakas kretietietis-ispanas, jis mėgo ištempti vertikalias formas. O kokios ilgos, ištemptos eilės! Tai nėra kažkoks potraukis „iškilmingam“, išreikštas poza, pati poza nieko nesako. Tačiau su visomis formos jėgomis čia duotas potraukis transcendentalui. O tai, kaip šaltoje juodos, mėlynos ir pilkai mėlynos spalvos aplinkoje intensyviai skamba šiltos, beveik karštos veido ir kaklo spalvos, vaizduojamo menininko įvaizdį iš išoriškai ramios pasaulietinės kasdienybės būsenos perkelia į nuojautos erdvę. forma kupina kontrastingos įtampos.
Čia tik viena detalė iš dalies primena paviršutiniškos iliustracinės simbolikos techniką: akies be vyzdžio motyvas. Modigliani nuolat plėtojo šį motyvą skirtingi deriniai, ir, matyt, jo tapybai tai buvo ne skolintas elementas, o kažkoks organiškas aksesuaras. Tačiau yra tapytojas, kuris iš esmės išsisuko nuo tokių net menkų dviprasmiško vaizdinės formos suvokimo galimybių. Šis „antiiliustratyvus“ menininkas buvo Cezanne.
Praėjęs jo pradžioje kūrybinis kelias tam tikro nukrypimo į dalykinės formos simbolinių interpretacijų sritį („Uvertiūra į Tanhäuserį“, žr.:) brandūs metai jis visą dėmesį skyrė tam, kad atskleistų vidinį, natūralų gyvenimą to, ką paprastai vadiname gamta: kraštovaizdžiu, asmeniu, daiktu. O šį vidinį gyvenimą jis atskleidė pačiu sunkiausiu ir tiesmukiausiu būdu: tiesa, dažais ant drobės sudėliodamas tai, ką jo akis matė gamtoje. Tačiau faktas yra tas, kad Sezano akis iš savo regėjimo lauko gali pašalinti visą tą pašalinį dalyką, kurį įprastas žvilgsnis atneša į gamtą. Visa kasdienio suvokimo inercija.
Cezanne. Persikai ir kriaušės. Gerai. 1895 m
Hm. 61x90. Puškino muziejus
Nuogumas per visą egzistavimą vaizduojamieji menai jame užėmė ypatingą vietą. Taip nutinka dėl kelių priežasčių, kurias nurodysime vėliau straipsnyje. Iš karto verta pabrėžti, kad paveikslai žinomi sovietiniai menininkai. Kai kurie menininkų vardai gali būti jums pažįstami, tačiau kiti gali tapti tikru atradimu, o jūs norėsite iš arčiau pažinti jų kūrybą.
Jurijus Rakša – svajonė
Aktų tapyba, kaip ir skulptūra, egzistavo visais laikais ir beveik visose šalyse. Taip yra dėl to, kad tokio tipo vaizdas yra praktiškai esminis. Bet kuris menininkas puikiai žino, kad vaizdas nuogumas yra žmogaus sandaros tyrimo pagrindas. Prieš išmokdami teisingai pavaizduoti žmogų drabužiais, bet kokia forma, poza ir aplinka, turite išmokti nupiešti jį visiškai nuogą. Šio proceso metu siekiantis menininkas išmoksta teisingai pavaizduoti žmogaus kūno proporcijas, įvairias jo dalis ir niuansus.
Zinaida Serebryakova – Pirtininkė Priešingai nei sprendžia tie, kuriems tik tapyba gražios nuotraukos, nuogumas visai ne tam, kad sužadintų žemesnius žmogaus norus. Tokia tapyba reprezentuoja ar net šlovina grožį žmogaus kūnas, jos tobulumas, nepaprastas gamtos kūrinys arba aukštesnes galias. Dažnai menininkai savo personažus vaizduoja nuogus, siekdami parodyti jų natūralumą ir natūralumą, priklausymą gamtai ar net dieviškajam pasauliui. Visiškai kitoks, mažiau reikšmingas efektas bus stebimas, jei bus apsirengę tais pačiais personažais gražūs drabužiai, nes daiktai, sukurti žmogaus rankomis, atplėšia charakterį nuo natūralumo.
Aleksandras Deineka – pirtininkai Nuogas buvo būdingas ir menininkams sovietinis laikotarpis. Sovietmečiu dailininkai kūrė ir paveikslus su nuogomis moterimis, ir tai niekada nebuvo laikoma vulgaru, nes profesionaliai, rimtai ir aukštasis menas tai vargu ar priimtina. Kurdamas paveikslą menininkas iškelia grynesnes ir gilesnes idėjas, nei tiesiog tenkina žiūrovo norą pamatyti kažką uždrausto. Čia galite pamatyti daugybę sovietinių menininkų darbų, skirtų įvertinti netolimos praeities tapytojų talentą ir profesionalumą.
Aleksandras Gerasimovas – sovietinis viešoji pirtis
A. Zavyalovas – Modeliai draperijų fone 
A. Olchovičius – Aktas 
Aleksandras Samokhvalovas - Nuogas 
Aleksandras Deineka – modelis 
V. Arakčejevas – Sėdi moteris 
Vladimiras Stozharovas - Pirtis. Skalbimo moteris 
Michael Bozhi – nuogas 
Ilja Maškovas - Nuogas
Apie knygą
Apie knygą
Nepakeičiamas technologijų vadovas aliejinė tapyba susipažinti su žanrų įvairove: natiurmortu, portretu, peizažo, akto ir dalykine kompozicija.
Daugelis tapytojų apsiriboja vienu žanru. O menininkas ir mokytojas Gregas Kreutzas pasakoja apie tai, kaip įgūdžiai dirbant keliomis kryptimis padeda kūrybiniam augimui. Kiekviename skyriuje pateikiami pagrindai, taikomi tam konkrečiam žanrui ir kitiems. Vadove aprašoma universalūs metodai, kuri leis praplėsti akiratį, išbristi iš vėžių ir išbandyti save naujame žanre.
Žingsnis po žingsnio analizuodamas savo kūrinius Kreutzas parodo, kaip viename žanre įgyti įgūdžiai padeda kitam. Diskusija apie aliejinės tapybos teoriją ir praktiką suteiks gairių ir įkvėpimo kuriant sėkmingus paveikslus.
Iš autoriaus
Bet kuris tapytojas žino šį jausmą. Stovi prieš molbertą ir studijuoja savo darbus: atrodo, nieko blogo, bet kažkas ne taip. Paveikslas tyliai šaukiasi pagalbos, bet neaišku, ką daryti.
Mano patirtis rodo, kad kai nežinomos jėgos nutempia kūrinį į šešėlines gelmes ir sužlugdo visus bandymus sugrąžinti jį į gyvenimą, metas susimąstyti, mesti viską, kas paviršutiniška, ir pasinerti į esmę – pagrindus.
Kokie yra pagrindiniai dalykai? Netrukus sužinosite daug bendrų aliejinės tapybos tiesų, bet negalite jų surinkti ir mesti ant kenčiančio paveikslo. Menininkui tokioje beviltiškoje situacijoje reikia pagrindinių dalykų!
Laimei, per 40 rimtų tyrimų metų sugebėjau juos glaustai suformuluoti.
Tikslumas: įsitikinkite, kad objektas pavaizduotas kuo tiksliau.
Kompozicija: sutvarkykite savo istoriją į dinamišką kompoziciją.
Erdvinis gylis: patikrinkite, kaip įtikinamai pavaizduoti arti ir toli esantys objektai.
Išraiškingumas: aktyviai naudoti išraiškingas priemones.
Kam skirta ši knyga?
Knyga visiems, norintiems patobulinti savo įgūdžius tapyboje aliejumi.
Apie autorę
Gregas Kreutzas yra Niujorko meno studentų lygos menininkas ir instruktorius, klasikinio vadovėlio „Problemų sprendimas aliejinių tapytojų“ autorius. Jo darbai pristatomi Niujorko ir kitų JAV miestų galerijose. Jis piešia ir dėsto daugiau nei 30 metų, jo meistriškumo kursai yra populiarūs namuose ir kitose šalyse kaip vaizdo pamokos. Gyvena Niujorke.
Mokyti studentus klasikinis menas, pedagogai jau seniai skatino menininkus dirbti iš gyvenimo. Na, mūsų Vakarų pasaulyje; Jie nežino, kaip yra azijietiškai, bet aš manau, kad tai tas pats.
Mokiniai mokosi piešti, tapyti ir lipdyti, stebėdami objektus, modelius ir scenas, kurias mato „gyvai“. Tačiau dirbti iš gyvenimo nėra duotybė.
Šiandien daugelis menininkų naudoja nuotraukas. Ir čia mes lipame ant slidžios žemės. Jei pasikliaujate vien nuotraukomis, galite praleisti laiką atkurdami fotoaparato pasaulėžiūrą, o ne į savo žmogišką, individualų, originalų - žodžiu, į tai, kas yra vienas iš meno ramsčių.
1. Žmonės nemato pasaulio taip, kaip mato fotoaparatai.
Kamera gali užfiksuoti absoliučią detalę per milisekundę, tačiau nuotraukai trūksta gylio.
Pavyzdžiui, toliau esančiame paveikslėlyje, nuo gėlių priekiniame plane iki plytelių fone, visi scenos elementai yra sufokusuoti tuo pačiu metu.
Galime tik pasakyti, kad vieni objektai yra už kitų. Medžiai ir krūmai neatrodo trimačiai; jie atrodo kaip plokščios figūros su lapų raštu. Jei dabar esate patalpoje, eikite prie lango ir pažiūrėkite, jei skaitote iš ekrano parke, darykite tą patį. Pažiūrėk į medį. Matai tūrinį apvalų kamieną, šakos išsiskleidusios didelėje erdvėje, net pabrėžia dangaus gylį.
Tai reiškia, kad mes pralenkiame fotoaparatą suvokimo gyliu – jis mums yra trimatis, o fotoaparatui – dvimatis.
2 Ir čia svarbus vienas iš mūsų sugebėjimų. Tiksliau, jo nebuvimas: negalime sutelkti dėmesio daugiau nei į vieną dalyką vienu metu, todėl norėdami pamatyti kiekvieną elementą, turime pajudinti akis.
Edgaro Degas kavinė-koncertas Les Ambassadeurs (1876-1877). Stebėkite, kaip jis manipuliuoja dėmesio laipsniu pozos natūralumu.
Jo susidomėjimas yra nukreiptas į veidą ir dešine ranka dainininkai, visos kitos figūros nudažytos švelniais krašteliais ir sumažintu kontrastu.
Taip išeina, kad pirmą planą perskaitėme aiškiai ir aštriai, visa kita švelnu ir šiek tiek neryški, nors to niekada ir nesuvokiame. Kai meistras piešia iš gyvenimo, jis neryškina fono kontūrų kietomis linijomis.
Taip atrodo iš nuotraukos. Žmonės buvo įtraukti į foną.
Michele Del Campo. Dirba ir iš fotografijos, ir iš gamtos (daug rečiau😊 ). Jis yra gavęs daugybę meninių prizų, įskaitant 2006 m. BMW prizą, kurį įteikė Ispanijos karalienė Sofija.
Michele Del Campo
3. Mes galime tyrinėti sceną su šešėliais ir ryškiomis šviesomis ir matyti viską tinkama šviesa dėka savo akių judėjimo. Ir tai yra labai, labai reikšminga.
Kita vertus, fotoaparatai pasirenka vieną ekspoziciją, kuri pakankamai gerai tinka visai scenai. Dėl to daiktai neišvengiamai išsikraipo, tampa per tamsūs arba per šviesūs. Menininkai, dirbantys su nuotraukomis, dažnai kopijuoja šį defektą, pažymėdami savo darbą kaip fotografiją, deja. Tai iš karto akivaizdu.
Megan Boody yra amerikiečių menininkė. Veikia daugiausia iš skaitmeniniu būdu manipuliuotų nuotraukų. 2009 m
Fotografuojant tipiškas objektyvo iškraipymas atsiranda dėl fiksuoto fotoaparato požiūrio taško ir artumo prie objekto.
Stovi toje pačioje vietoje tikras gyvenimas, mes to nematome taip. Mūsų nuolat judančios akys sutinka didelius objektus ir figūras dalimis, o ne kaip visumą.
4. Nuskaitome figūrą, kelis kartus sufokusuodami ir perfokusuodami, o sufokusavus kiekvieną naują sritį, ankstesnė grįžta į neryškų periferinį matymą.
Mūsų smegenys šiuos daugybę požiūrių sujungia į vieną protingą visumą.
Mums, žiūrint į gyvą arklį, nebus didžiulės priekinės pusės ir mažytės užpakalinės dalies, o menininkas taip ir nenupieš. Jis bus rodomas taip:
Mes įpratę kaltinti šiuolaikinis menas trūksta idėjų ir polinkis į pornografiją. Bet ar senieji nekalti tokie klasikiniai paveikslai, brangus estetų ir skaistybės žinovų širdims? Atidžiau panagrinėjus, tarp garsių tapybos genijų paveikslų galima aptikti ryškių temų šedevrų, kurie gali priversti paraudonuoti šiuolaikinius, patyrusius „braškių“ žinovus. (Įspėjimas! Nuogumas).
"Leda ir gulbė"
Jei kalbėsime apie nekukliausią klasikinį siužetą, tai senovinė istorija apie dievo Dzeuso ir gražiosios Ledos artumą gaus pelnytą delną. Pasak legendos, Olimpo gyventojas merginai pasirodė inkognito, gulbės pavidalu, tačiau vis dėlto sugebėjo su ja užmegzti santykius ir net susilaukti palikuonių.
Per pastarąjį tūkstantmetį tik tinginiai nesiėmė vaizduoti gražuolės bendravimo su paukščiu scenos. Toks pat likimas neaplenkė ir didžiųjų – pavargusį siužetą išnaudojo Boucheris, Mikelandželas ir net Leonardo. Francois Boucher 1740 metais demonstracija pasiūlė pačią nepadoriausią istorijos interpretaciją anatominės ypatybės, kuriuos įprasta įžūliai apsivilkti.
Anksčiau savo situacijos viziją pasiūlė didysis Mikelandželas, kuris, nors ir vengė nereikalingų detalių, vis tiek negalėjo atsispirti ir porą pavaizdavo tiesiogiai nenatūralaus tarprūšinio santykio metu.
Viso to fone Leonardo da Vinci paveikslas atrodo tik iliustracija Puškino pasakoms moksleiviams jaunesniųjų klasių. Jo drobėje viskas jau įvyko ir Leda nuobodžiu veidu stebi, kaip iš jos padėtų kiaušinėlių išsirita visiškai sveiki vienerių metų kūdikiai.
Ši idiliška scena mums atrodo visai padori, tačiau taip buvo ne visada. Renesanso meistrų paveikslai buvo sunaikinti XVIII pradžiašimtmečius pagyvenusią Liudviko XIV numylėtinę markizę de Maintenon kaip nepadorią. Šiandien visą tą ištvirkimą galime pamatyti tik vėlesnių kopijų dėka.
„Paleista lėlė“
Prancūzų menininkė Suzanne Valadon dirbo XX amžiaus pradžioje. Ji žinoma kaip daugelio nuostabių paveikslų, daugiausia šlovinančių moters kūno grožį, autorė gyvenimo situacijos. Nepaisant to, kad menininko drobėse gausu nuogų kūnų, tik vienas Valadono kūrinys sukelia rimtų prieštaravimų tarp moralistų.
Paveikslas „Apleista lėlė“ šiais laikais galėjo atnešti autorei rimtų problemų su kovotojais pedofilais, tačiau Valadon pasisekė mirti 1938 m., todėl jos kūrybą galime laikyti klasika. Paveiksle vaizduojama nuoga, labai jauna ponia su pradedančiomis formuotis krūtimis ir vaiko šukuosena su lankeliu.
Istorija neišsaugojo šio paveikslo aprašymo palikuonims, tačiau visuotinai priimta, kad jame vaizduojamas atsisveikinimas su vaikyste. Moteris su rankšluosčiu greičiausiai yra viešnamio savininkė, o vaikas ruošiamas susitikti su pirmuoju savo klientu gyvenime. Paveikslui pavadinimą suteikė ant grindų gulinti lėlė, akivaizdžiai simbolizuojanti sulaužytą likimą. Tačiau yra geranoriškų žmonių, teigiančių, kad nuotraukoje – mama, džiovinanti paauglę dukrą po vonios.
„Leukipo dukterų išžaginimas“
Puikus olandas Peteris Paulas Rubensas, žinomas dėl savo nuostabių drobių su stulbinančiomis grožybėmis, 1618 m. pristatė publikai savo „Leukipo dukterų prievartavimą“. Iš pirmo žvilgsnio tarp filmo veikėjų vyksta siaubingas peštynės be jokio seksualinio atspalvio.
Bet tiems, kurie yra susipažinę su Graikų mitas apie brolius Dioscuri, tai visiškai akivaizdu, kad nuogos blondinės visai nejuokauja. Antrasis šedevro pavadinimas „Leukipo dukterų išžaginimas“ tiksliau atspindi veiksmą paveiksle.
IN senovės istorija Dzeuso ir Ledos sūnūs (žr. jų keisto gimimo istoriją aukščiau), Kastoras ir Poluksas, pagrobė karaliaus Leukipo Gilairos ir Febės dukteris ir, pagal seną gerą tėvo palikimą tradiciją, jas išnaudojo. Atrodė, kad viskas baigėsi blogai – visi mirė.
„Vienuolis javų lauke“
Jei ko nors galima tikėtis iš Rubenso ir Boucher, santūrus ir linkęs į religinius dalykus Rembrantas nustebo. Nors iš principo jo nedidelis, bet meistriškai atliktas piešinys „Vienuolis kukurūzų lauke“ vis dar atkartoja dvasines temas.
Kompozicijos centre pavaizduoti katalikų vienuolis ir viena ponia, atsiduodanti nuodėmei, eidama misionierės pareigas kažkur tarp dirbamos žemės. Siužeto pikantiškumas net ne tame, kad vienuolis sulaužo skaistybės įžadą, o žmoguje, artėjančiame iš kairės su pjautuvu, kurio dėka vakaras tuoj nustos niūrus.
„Candaulių nerūpestingumas“
Viljamo Ečio paveikslas, pavadintas kukliai neutraliu pavadinimu „Candaulių neapgalvotumas“, vaizduoja visiškai nepadorią istoriją iš Herodoto istorijos. Visas šio paveikslo, nutapyto 1830 m., pavadinimas atskleidžia jame vaizduojamos scenos dviprasmiškumą: „Lidijos karalius Candaulesas, gulėdamas lovoje, paslapčia atskleidžia savo žmoną Gigą vienam iš savo tarnų.
Sunku pasakyti, kodėl „istorijos tėvas“ nusprendė savo darbe aprašyti šią pusiau pornografinę istoriją, tačiau jos dėka gavome net patyrusiems sekso terapeutams sunkiai ištariamą kandaulizmo terminą. Šio seksualinio nukrypimo esmė slypi būtinybėje parodyti savo nuogą partnerį nepažįstamiems žmonėms.
Būtent šią akimirką Etty vaizduoja paveiksle. Karalius Candaulesas nusprendė slapta parodyti žmoną Nisą savo asmens sargybiniui Gigui, tačiau jo planą atrado moteris. Nisa pareikalavo, kad Gigas nužudytų ją arba jos iškrypusį vyrą, o po to Candaulesas buvo ciniškai mirtinai nudurtas tiesiai savo miegamajame.
„Avinjono mergelės“
Iš drobės „Avinjono merginos“» genialus menininkas Pablo Picasso pradeda savo perėjimą į kubizmą. Yra žinoma, kad dailininką sukurti paveikslą įkvėpė Paulas Cezanne'as su savo kūriniu „Pirkėjai“. Iš pradžių Picasso paveikslą pavadino „Filosofiniu viešnamiu“ ir daugelis mano, kad jame maestro pavaizdavo sceną iš viešnamio Barselonos Gotikiniame kvartale.
Paveiksle pavaizduotos penkios nuogos damos, kurios įžūliomis pozomis laukia savo klientų. Ilgai galvojome, ar įtraukti šį kūrinį į pikantiškų paveikslų sąrašą. Paprasčiau tariant, jei ant drobės pavaizduotos geometrinės minios pažadina tavyje nekuklias fantazijas, turime tau blogų naujienų. Bet jūs negalite išmesti žodžių iš dainos, o 1907 m. paveikslo siužetas vis dar yra labai provokuojantis.
„Arabų sugulovių turgus“
Puikus prancūzų tapybos klasiko Žano Leono Žero paveikslas, parašytas 1866 m., vaizduoja sceną rytų vergų turguje. Grupė turtingais drabužiais vilkinčių vyrų klausia nuogos vergės kainos, tikrindami, matyt, jos įkandimo teisingumą.
Pats Jeronimas, be jokios abejonės, daug žinojo apie vergų turgus ir jų nuolatinius lankytojus, nes dievino Rytus ir ne kartą važinėjo į tuos kraštus ieškodamas įkvėpimo. Rasti amžininkai „Arabų vergų turgus„labai iššaukiantis kūrinys ir paveikslą pavadino himnu apie geidulingą vyro viešpatavimą prieš moterį.
„Didysis masturbatorius“
Didysis siurrealistas Salvadoras Dali dievino nepadorius paveikslus ir nuo jo erotomanijos mus gelbsti tik jo paveikslų tapybos maniera, kuri gerokai iškreipia siužetą. Tai tiek su darbu „Didysis masturbatorius“„Ne viskas taip paprasta. Be to, jei ne pavadinimas, niekas nebūtų supratę, apie ką čia kalbama. gražus paveikslas.
Tačiau, kad ir kaip būtų, šiame paveiksle yra aiškiai išreikšta seksualinė konotacija. Dešinėje paveikslo pusėje esantis moters veidas, beveik besiremiantis ant vyro dėklo, suerzino Dali amžininkus ir netgi sukėlė pasmerkimą. Na, niekas nežino, ką siurrealizmo meistras pavaizdavo drobės centre – ten bene nežabotiausias ištvirkimas vyksta.
"Pasaulio kilmė"
1866 m. Gustave'o Courbet sukurtas paveikslas su paprastu kasdieniu siužetu dėl per didelio anatominio autentiškumo nebuvo eksponuojamas daugiau nei 130 metų. Be to, net ir dabar, kai muziejaus lankytojus nustebinti iš principo sunku, šiam paveikslui skiriama atskira sarga.
2013 metais žiniasklaidoje pasirodė džiugi žinia – rasta antroji paveikslo dalis, kurioje matomas auklės veidas. Išsamus autoriaus ir jo artimiausio rato biografijos tyrimas leido išsiaiškinti ponios tapatybę. Taigi, neskustas tarpkojis pasirodė esąs Joannos Hiffernan, vieno geriausių Courbet mokinių Jameso Whistlerio meilužės, nuosavybė. kaip tai jaudinanti istorija susijungimas.
Tai toli gražu nėra unikalūs tapybos istorijoje – visais laikais klasikai mėgo kažką panašaus įvynioti visiškai pagal mūsų išlaisvintų laikų dvasią.
ar patiko? Norite būti atnaujinami? Prenumeruokite mūsų