최초의 연극 공연은 한때 거리에서 바로 상연되었습니다. 기본적으로 공연은 여행하는 예술가들이 상연했습니다. 그들은 노래하고, 춤추고, 다양한 의상을 입고, 동물을 묘사할 수 있었습니다. 모두가 최선을 다했습니다. 새로운 예술 형식이 점차 발전하고 배우들의 기술도 향상되었습니다.

세계 최초의 극장

그리스어로 번역된 '극장'이라는 단어는 연극을 공연하는 장소이자 연극 그 자체를 의미합니다. 그러한 최초의 문화 기관은 그리스에서 발생한 것으로 추정됩니다. 이것은 기원전 V-IV 세기에 일어났습니다. 이자형. 이 시대를 "클래식"이라고 불렀습니다. 모든 요소와 구성 요소의 조화와 균형이 특징입니다. 고대 그리스 연극은 다양한 신을 숭배하면서 생겨났습니다.

디오니소스 극장은 가장 오래된 극장 건물이다. 포도주, 초목, 자연의 신은 고대 그리스인들에게 높은 존경을 받았습니다. 컬트 의식은 디오니소스에게 헌정되었으며 점차 실제 비극과 희극으로 발전했습니다. 의식 축하 행사가 실제 연극 공연으로 바뀌었습니다. 구조는 야외 공간이었습니다. 관중들은 처음에는 나무 좌석에 앉았습니다. 그래서 존경받는다 고대 그리스당국이 공연을 위해 가난한 시민들에게 돈을 주었다는 것입니다. 기혼 여성은 작품 관람이 금지되었습니다.

첫 번째 예술 사원은 세 가지 주요 부분으로 구성되었습니다.

오케스트라-무용수와 합창단이 그곳에서 공연했습니다.
강당 - 오케스트라 주변에 위치합니다.
예술가들의 방이 있던 스케나 건물.

막도 없고 일반적인 무대도 없었고, 여자 역할은 모두 남자들이 맡았다. 배우들은 한 공연 동안 여러 번 역할을 바꿨기 때문에 춤과 노래를 훌륭하게 소화해야 했다. 배우들의 외모는 마스크를 이용해 변화됐다. 건물 옆에는 디오니소스 신전이 있었습니다.

고대 극장은 현대 극장의 기초와 본질을 마련했습니다. 가장 가까운 장르는 드라마라고 할 수 있습니다. 시간이 지남에 따라 점점 더 다양한 장르가 등장했습니다.

연극 장르

연극 장르 현대 세계너무 다양해요. 이 예술은 문학, 음악, 안무, 보컬, 미술. 그들은 서로 다른 감정과 상황을 표현합니다. 인류는 끊임없이 진화하고 있습니다. 이에 다양한 장르가 등장한다. 그들은 출신 국가에 따라 다릅니다. 문화 발전인구, 청중의 기분 및 요청에 따라.

드라마, 코미디, 모노드라마, 보드빌, 화려한 공연, 패러디, 마임, 희극, 도덕극, 목가극, 뮤지컬, 비극 코미디, 멜로드라마 등 몇 가지 유형의 장르를 나열해 보겠습니다.

장르 연극 예술서로 경쟁할 수 없습니다. 그들은 각자 자신의 방식으로 흥미롭습니다. 오페라를 좋아하는 관객들은 코미디 극장을 변함없는 즐거움으로 방문한다.

가장 인기 있는 연극 장르는 드라마, 코미디, 비극 코미디, 뮤지컬, 패러디, 보드빌 등입니다.

드라마에서는 비극적인 순간과 코믹한 순간을 모두 볼 수 있습니다. 배우들이 여기서 일하는 것을 보는 것은 항상 매우 흥미 롭습니다. 이 장르의 역할은 어렵고 쉽게 시청자의 공감과 분석에 참여하게 됩니다.

코미디 공연의 주요 목표는 관객을 웃게 만드는 것입니다. 특정 상황을 웃기기 위해서는 배우도 노력해야 한다. 결국 시청자는 이를 믿어야 합니다! 코미디 역할은 극적인 역할만큼 연기하기가 어렵습니다. 풍자적 요소는 공연을 보기 쉽게 만든다.

비극은 항상 연관되어 있다 갈등 상황, 이것이 바로 생산에 관한 것입니다. 이 장르는 고대 그리스에 처음 등장한 장르 중 하나였습니다. 코미디처럼.

뮤지컬은 많은 팬을 보유하고 있다. 이것은 항상 춤, 노래, 흥미로운 줄거리 및 유머가 포함된 밝은 액션입니다. 이 장르의 두 번째 이름은 뮤지컬 코미디입니다. 19세기 말 미국에서 등장했다.

품종

극장의 유형은 그 극장에서 상영되는 장르와 직접적인 관련이 있습니다. 연기의 한 형태만큼 장르를 표현하지는 않지만. 그 중 일부를 나열해 보겠습니다.

오페라;
극적인;
어린이;
저자의;
1인극장;
빛의 극장;
뮤지컬 코미디;
풍자극;
시극;
댄스 극장;
팝;
로봇극장;
발레;
동물극장;
장애인을 위한 극장;
농노;
그림자극장;
무언극 극장;
노래극장;
거리.

오페라와 발레 극장

르네상스 시대 이탈리아에서는 오페라와 발레가 등장했습니다. 1637년 베니스에서 처음 등장했다. 발레는 궁정무용에서 벗어나 프랑스에서 별도의 연극 장르로 등장했습니다. 이러한 유형의 극장은 한곳에 결합되는 경우가 많습니다.

오페라와 발레가 함께하는 심포니 오케스트라. 음악은 이러한 제작에 없어서는 안 될 부분이 됩니다. 무대에서 일어나는 모든 일의 분위기와 분위기를 전달하고 배우들의 연기를 강조합니다. 오페라 가수는 자신의 목소리와 감정으로 작업하는 반면, 발레 댄서는 움직임을 통해 모든 것을 전달합니다. 오페라와 발레 극장은 언제나 가장 아름다운 극장입니다. 그들은 독특한 건축물을 갖춘 가장 부유한 도시 건물에 위치하고 있습니다. 고급스러운 가구, 아름다운 커튼, 대형 오케스트라 피트- 안쪽에서 보면 이런 느낌이에요.

드라마 극장

여기서 주요 장소는 배우와 감독에게 주어집니다. 캐릭터의 개성을 만들어내고, 필요한 이미지로 변신시켜주는 사람들이죠. 감독은 자신의 비전을 전달하고 팀을 이끈다. 드라마극장은 '경험의 극장'이라고 불린다. K. S. Stanislavsky는 연극 배우들의 작품을 연구하면서 작품을 썼습니다. 그들은 공연을 할 뿐만 아니라 복잡한 플롯. 드라마 극장에는 레퍼토리에 코미디, 뮤지컬 등이 포함됩니다. 뮤지컬 공연. 모든 작품은 연극 문학에만 기반을 두고 있습니다.

모든 취향에 맞는 극장

뮤지컬 극장은 무엇이든 볼 수 있는 곳이다. 연극 공연. 오페라, 코미디, 오페레타, 뮤지컬 및 많은 음악이 포함된 모든 공연이 개최됩니다. 발레 댄서, 음악가, 배우들이 이곳에서 일합니다. 뮤지컬 극장은 오페라, 발레, 오페레타 극장을 결합합니다. 팝이나 클래식 음악과 관련된 모든 유형의 연극 예술이 이 극장에서 팬을 찾을 수 있습니다.

인형극

이곳은 특별한 장소입니다. 여기서 당신은 어린 시절과 기쁨의 세계로 뛰어들었습니다. 이곳의 장식은 항상 다채로워서 가장 어린 관중들의 관심을 끌고 있습니다. 인형극은 어린이들이 가장 먼저 관람하는 극장인 경우가 많습니다. 그리고 극장에 대한 아이의 미래 태도는 경험이 부족한 시청자에게 어떤 인상을 주느냐에 달려 있습니다. 다양한 연극 활동은 다양한 유형의 인형을 사용하여 이루어집니다.

안에 최근에배우 인형극은 스크린 뒤에 숨지 않고 무대 위의 인형과 상호 작용합니다. 이 아이디어는 유명한 S.V. Obraztsov의 것입니다. 그는 Tyapa라는 장갑 인형을 손에 쥐고 무대에서 미니어처를 훌륭하게 연주하며 아버지 역할을했습니다.

이런 유형의 극장의 기원은 고대 그리스로 거슬러 올라갑니다. 의식용 인형을 만들 때 사람들은 그것이 실제 예술로 발전할 줄은 몰랐습니다. 인형극은 예술에 대한 소개일 뿐만 아니라 어린아이들의 심리적 교정 방법이기도 합니다.

코미디 극장

노래와 춤이 가능한 복합배우. 그들은 코미디 캐릭터에 쉽게 익숙해져야 하며 웃기는 것을 두려워하지 않아야 합니다. "드라마 및 코미디 극장", "뮤지컬 코미디 극장"을 자주 볼 수 있습니다. 하나의 극장에서 여러 장르를 결합해도 그 맛을 유지하는 데 방해가 되지 않습니다. 레퍼토리에는 오페레타, 풍자 코미디, 뮤지컬, 드라마, 어린이를 위한 뮤지컬 제작물이 포함될 수 있습니다. 사람들은 즐겁게 코미디 극장에 갑니다. 홀은 항상 꽉 차있습니다.

버라이어티 극장

비교적 최근에 극장 유형이 보충되었습니다. 그리고 청중은 즉시 그와 사랑에 빠졌습니다. 최초의 팝극장은 지난 세기 중반에 등장했습니다. 1939년에 개관한 레닌그라드의 극장이 되었습니다. 2002년에는 '이름을 딴 버라이어티 극장'으로 명명됐다. A.I. 다양한 아티스트에는 현대 가수, 댄서, 발표자가 포함됩니다. 버라이어티 아티스트는 현재 쇼 비즈니스 스타, 댄서, 쇼맨으로 불립니다.

다양한 극장에서 자주 개최되는 솔로 콘서트, 기억에 남는 날짜를 기념하는 콘서트는 현대 작가의 작품으로 진행됩니다. 코미디언들이 이곳에서 콘서트를 열고, 희극 무대, 무대 공연을 펼칩니다. 고전 작품. 뮤지컬도 비슷한 공연을 제공할 수 있습니다.

풍자극장

우리는 청중을 매우 사랑합니다! 등장부터 마을 사람들의 삶을 반영해 모든 결점을 드러내고 조롱했다. 배우는 항상 눈에 띄었습니다. 그들은 무대뿐만 아니라 영화에서도 훌륭한 만화 역할을 수행했습니다. 풍자 극장은 항상 특정 작품의 상연이 금지된 사람들의 최전선에 있었습니다. 이는 검열 때문이었습니다. 인간 행동의 부정적인 측면을 조롱함으로써 허용의 선을 넘는 것이 종종 가능했습니다. 금지령은 더 많은 시청자를 끌어 모았습니다. 잘 알려진 웅장한 풍자 연극 배우: A. A. Mironov, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Mikhail Derzhavin, Alexander Shirvindt. 이들 덕분에 풍자극장은 관객들의 사랑을 받게 됐다.

시간이 지남에 따라 오랫동안 잊혀졌거나 존재하는 것과 완전히 다른 유형의 극장이 나타납니다.

새로운 트렌드

새로운 유형의 예술 사원은 가장 정교한 시청자를 놀라게 합니다. 얼마 전 폴란드에는 최초의 로봇극장이 등장했습니다. 눈빛과 몸짓으로 감정을 전달하는 로봇 배우들이 등장한다. 현재 작품은 어린이 관객을 대상으로 하고 있지만 프로젝트 리더들은 레퍼토리를 지속적으로 확장할 계획입니다.

여름에는 야외에서 연극 공연이 열립니다. 이것은 이미 전통이 되었습니다. 올해는 야외에서 많은 축제가 열렸습니다. 공연이 제대로 진행되는 극장 바로 옆에 작은 무대가 세워졌습니다. 오페라와 발레 예술가들도 이미 극장을 넘어 최대한 많은 관객을 끌어들이고 있다.

팝 음악은 러시아 대중 문화에서 중요한 위치를 차지하고 있으며 최근 수십 년 동안의 사건은 가장 인기 있는 예술 형식인 팝 음악이 러시아 대중 문화에서 큰 역할을 한다는 것을 보여줍니다. 공적 생활, 문화적 요구와 가치를 표현하는 대중적인 수단이 되고 있습니다. 다른 레이어사회. 팝 음악은 가장 사회적으로 반응하고 이동성이 뛰어난 예술 형식 중 하나이기 때문에 이 현상에 대한 연구는 사회에서 발생하는 영적 과정을 더 잘 이해하는 데 도움이 될 것입니다.

지난 세기 초 러시아의 축음기 사업은 힘을 얻고있었습니다. 레코드를 생산하는 공장과 공장의 수가 늘어나고 품질이 향상되었으며 레퍼토리가 확장되었습니다. 본질적으로, 다른 알려진 산업과 달리 새로운 산업이 등장하고 있었습니다. 기술적, 창의적, 상업적, 법적 성격의 문제가 밀접하게 얽혀 있습니다. 작곡가, 시인, 가수, 오케스트라 및 합창단, 커플 연주자 및 이야기꾼이 축음기 딜러가 조직한 음반 녹음에 참여했습니다. 스튜디오의 분위기는 모든 연극적 특성을 갖춘 극장의 무대 뒤를 연상시켰습니다. 자랑스럽고 접근하기 어려운 유명한 가수들은 자신의 가치를 알고 있으며 대중의 성공과 좋은 컬렉션을 기대하면서 모든 제조업체 기업가의 예의를 갖춘 계약을 제안 받았습니다. 2위 스타와 굶주린 순회 공연자들은 서로 다른 환영을 받았다. 경적 주위에 열정이 끓어 오르고 음모가 짜여졌습니다. 이것이 축음기 사업의 밑바닥이었습니다.
기록 수집이 유행하기 시작했습니다. 부유한 시민의 집에는 100개 이상의 방이 있는 기록 도서관이 있었습니다.

예능이라는 개념이 생기기 훨씬 이전부터 등장했던 가장 흔한 용어는 '버라이어티 쇼'였는데, 이는 콘서트 기관의 명칭이 아니라 다양한 예술 전반을 가리키는 말이다. 버라이어티 쇼 개념의 출현 역사를 살펴보면, 그 기원은 18세기 말 영국 산업 지역의 카페와 레스토랑에서 선보였던 예능 프로그램에서 찾을 수 있다. 프랑스어로 번역된 "다양성"이라는 단어 자체는 다양성, 다양성을 의미합니다. 이 용어는 모든 예술 및 오락 형태를 통합하기 시작했습니다. 실제로 박람회, 음악당, 콘서트 카페, 카바레 극장에서 예술가의 공연을 특징짓는 것은 다양성입니다. 추가 분석, 이것은 이 예술 분야에서 전혀 주요하고 독특한 것이 아닙니다.

20 세기 초 러시아에는 온갖 종류의 소극장이 문을 열었고 이러한 배경에서 또 다른 개념이 사용되기 시작했습니다. 버라이어티 무대는 재미있는 콘서트 공연을 의미합니다. 열린 공간. 오늘날 우리는 쉽게 인식되는 장르의 모든 예술 유형을 통합하는 일반적인 개념으로 러시아 미술사에서 100년 동안 사용되어 온 “버라이어티 아트”(또는 줄여서 버라이어티 아트)라는 개념을 받아들여야 합니다.
이미 20세기의 첫 10년이 되었습니다. "다양성"이라는 용어는 당시 일반적으로 받아들여졌던 의미(예: 음악을 위한 플랫폼, 고도")뿐만 아니라 모든 사람, 배우, 작가, 시인, 이 "플랫폼"에 등장하는 사람. 1908년 권위 있는 잡지 "Golden Fleece"의 페이지에 "Estrada"라는 기사가 게재되었습니다. 그 저자는 무대에 오르는 모든 사람 앞에서 발생하는 이율배반을 기민하게 보았습니다.

a) 무대는 능력의 개발과 유지, 그리고 예술가의 인격 형성을 위해 필요합니다.

b) 무대는 두 사람 모두에게 해롭다.

저자는 배우들이 어떤 대가를 치르더라도 성공하려는 욕망, 대중의 취향에 부합하는 것, 예술이 삶의 축복의 원천인 풍요의 수단으로 변모하는 것에서 '악성'을 보았다. 실제로 비슷한 현상이 현대 팝 음악에도 내재되어 있으므로 우리 작업에서는 어떤 대가를 치르더라도 시청자의 관심을 끌기 위해 '대중을 대상으로'연주하는 '다양한 공연'과 같은 개념을 도입합니다. 진정한 재능, 취향 및 비율 감각을 갖춘 연기자가 없으면 위에서 언급한 기사의 저자가 말한 해악으로 이어지는 경우가 많습니다. 새로운 도시문화의 현상으로서 무대를 고찰한 기사도 등장했다. 결국, 이 기간 동안 도시는 자연 조건(주로 계절의 변화)에 대한 인간의 의존성을 점차적으로 약화시켜 달력과 의식 민속의 망각, 휴일 시기의 변화, 비의미화 및 P.G.에 따르면 "의식적" 형식으로의 전환입니다. Bogatyrev는 비언어적 형식보다 언어 형식이 결정적으로 우세합니다. 같은 해(1980-1890)에 러시아에서는 대중문화가 출현했으며, 이는 작품의 사회적 적응적 중요성을 특징으로 하는 전통 민속의 많은 일반적인 속성을 재현합니다. 익명성과 그들의 시학에 있어서 고정관념의 지배; 내러티브 텍스트 등의 이차적 플롯 동기 그러나 대중문화는 이데올로기적 '다중심성', 제품의 주제적, 미학적 국제화 능력 향상, 상상할 수 없는 형태의 '흐름' 재생산 능력 향상이라는 점에서 전통 민속학과 크게 다릅니다. 구강 창의성동일한 사본.
일반적으로 러시아에서 19세기 후반~20세기 초반의 도시 무대는 그것이 목표로 하는 관객에 대한 의존성을 특징으로 한다. 이에 따라 범위는 다양한 형태- "살롱"에서 가장 "민주적인"까지 - 레퍼토리는 말할 것도 없고 "무대"의 성격과 공연자의 유형 모두에서 매우 광범위하고 다양했습니다. 그럼에도 불구하고 우리는 20세기 초에 "다양성"이라는 용어가 여전히 순전히 기능적으로 사용되었다고 결론을 내릴 수 있습니다. 팝송" 등, 즉 액션이 일어나는 장소의 정의일 뿐만 아니라 음악적으로 재미있는 광경의 요소이기도 합니다.

10월 이후 부각된 '모든 종류의 예능'과 소규모 민간 기업, 많은 단독 배우, 소규모, 가족 단위 그룹 등을 국유화할 필요성이 제기되면서 버라이어티의 개념이 지정으로 확립되었습니다. 별도의 예술. 수십 년에 걸쳐 소련과 소련에서는 이 예술에 대한 관리 시스템이 개발되고 변경될 것이며 다양한 협회와 복잡한 다단계 형태의 독립적 종속이 만들어질 것입니다. 소련 미학에서는 팝아트의 독립성에 대한 문제가 여전히 논란의 여지가 있었습니다. 다양한 규정과 회사가 다양한 관행을 규제했습니다. 풍자, 러시아, 집시 로맨스, 재즈, 록, 탭 댄스 등의 '싸움'은 인위적으로 무대 발전 라인을 직선화하고 장르의 진화와 개별 아티스트의 운명에 영향을 미쳤습니다.

1934년 소련 대백과사전에는 팝 음악이 작은 형태의 예술 영역이라는 사실을 다룬 기사가 실렸지만 팝 음악의 장르 구성 문제는 다루지 않았습니다. 그러므로 이 용어의 형태적 내용만큼 미학적 측면에 많은 주의를 기울이지 않았습니다. 이러한 공식은 우연이 아니며 무대의 범위가 거의 무한대로 확장되었던 30~40년대 검색의 모습을 반영합니다. E. Gershuni가 쓴 것처럼 이 기간 동안 "팝 무대는 "위대한" 예술과의 평등을 위해 큰 소리로 입찰했습니다...". 우선, 이는 다음과 같은 유래에 기인합니다. 소련 러시아선구자 현대 미술 PR은 대중을 관리하기 위한 사회적 기술이다. 본질적으로 대중연예인(보통 지역 노동조합 운동가)은 휴일뿐만 아니라 일상생활에 대해서도 이념적 통제를 가했다. 물론 팝 콘서트 없이는 단 한 번의 휴일도 열리지 않았습니다. 대중 연예인 자신은 원칙적으로 일상 생활에서 다양성을 가지고 있다는 점에 유의해야합니다. 결국 그는 항상 관심의 중심이되어야하고 청중을 즐겁게하고 즐겁게해야합니다.

개발 중 소련 예술"다양성"이라는 용어의 내용은 계속해서 변경되었습니다. 소위 말하는 것을 하나로 묶는 예술의 일종으로 정의되는 팝아트라는 개념이 등장했다. 작은 형태의 드라마, 연극 및 성악 예술, 음악, 안무, 서커스.”

러시아 음반 산업은 1901년부터 발전하기 시작했습니다. 사실 러시아의 산업은 전적으로 러시아인이 아니라 프랑스 산업이었습니다. Pathé Marconi 회사는 러시아에 지점을 개설하고 기록을 작성하기 시작했습니다. 유럽에서 최초로 녹음된 가수가 엔리케 카루소인 것처럼, 러시아에서도 최초의 가수는 세계적으로 유명한 오페라 가수인 표도르 찰리아핀이었습니다. 그리고 유럽에서와 마찬가지로 러시아 최초의 음반도 클래식 음악에 관한 것이었습니다.

혁명 이전 러시아의 음악적 모습은 총체적이었습니다. 학문음악과 대중음악이 하나의 문화 공간에 유기적으로 공존했고, 대중음악은 그 다양성과 진화를 반영하는 로망스 가사의 일반적인 주류와 당대의 댄스 문화 속에서 발전했다. 특별한 장소무대의 민속 부분은 Pyatnitsky 합창단, 공연자들이 차지했습니다. 민요- L. Dolina, 서사시 - Krivopolenova 및 Prozorovskaya. 1차 혁명(1905년)이 패배한 이후에는 감옥, 노동, 유배 생활에서 노래가 인기를 끌었습니다. 주제별 운문과 음악 패러디 장르에서 예술가들은 세련된 대중을 위한 "tailcoats", 농민을 위한 "lapotniks", 도시 바닥을 위한 "비정형 장르의 예술가" 등 다양한 역할을 수행했습니다. 대중적인 댄스리듬은 댄스음악을 전문으로 연주하는 살롱과 도시 브라스밴드의 도움으로 사람들의 의식 속으로 파고들었다. 탱고, 폭스트롯, 시미, 투스텝은 살롱과 스튜디오에서 배웠습니다. A. Vertinsky의 뮤지컬 및 시적 단편 소설 장르에서의 첫 공연은 1915년으로 거슬러 올라갑니다.

러시아 무대의 전성기는 축음기 음반과 같은 새로운 '대량 정보' 수단의 전례 없는 성장을 배경으로 이루어졌습니다. 1900년에서 1907년 사이에 축음기는 50만 개가 팔렸고, 연간 음반 유통량은 2천만 개에 이르렀습니다. 가벼운 음악과 함께 클래식(Chaliapin, Caruso)도 많이 선보였습니다.
솔리스트와 경쟁하는 것은 D. Agenev-Slavyansky, I. Yukhov 등의 인기 합창단이었으며 "러시아 스타일"( "The Sun Rises and Set", "Ukhar the Merchant"등)으로 노래를 연주했습니다. 오케스트라는 러시아 합창단인 발랄라이카 연주자, 호른 연주자, 거슬라 연주자와 경쟁했습니다.

10년대에는 M. Pyatnitsky의 앙상블과 같은 최초의 진정한 민속 공연자가 명성을 얻었습니다. 상트페테르부르크와 모스크바의 극장과 카바레에서는 예술가들이 프랑스 샹소니에의 "친밀한" 스타일로 등장합니다(A. Vertinsky). 19세기 말에는 이 노래가 '필하모닉'(고전 로맨스)과 '버라이어티'로 명확하게 구분되었습니다( 집시 로맨스, 오래된 로맨스, 분위기 노래). 20세기 초부터 대중가요가 확산되기 시작했고, 정치 집회와 시위에서 불려졌다. 이 노래는 수십 년 동안 소련 팝송의 주요 유형이 될 운명입니다.

1917년 이후 상황은 바뀌기 시작했습니다. 이데올로기적 상태는 아직 완전히 실현되지도, 충분히 연구되지도 않은 현상이다. 혁명은 사회에 강제로 이식되어 사람들의 선택권을 박탈하고 그들을 위해 선택하는 아이디어에 정신적으로 기반을 두었습니다. 그러나 인간은 모든 일에도 불구하고 그의 의식이 최선의 의도를 가지고도 그에게 부과된 것에 저항하도록 구성되어 있습니다. 국가는 고전이 "필요"하고, 소련 노래가 "필요"하고, 민속이 "필요"하다고 결정했습니다. 그리고 무의식적으로 클래식 음악의 걸작조차도 개인을 무력화하고 개인 "나"를 단일체 "우리"로 용해시키는 것을 목표로 하는 국가 이데올로기 기계의 일부로 인식되기 시작했습니다.

우리나라 대중음악은 이념이 가장 적은 부분이다. 음악적 과정. 자신도 모르게 그녀는 자유의 숨결과 같은 소련 국민의 유일한 출구가되었습니다. 이 음악은 마음속에 있어요 보통 사람교화하고, 자연스러운 감정에 호소하고, 억압하지 않고, 도덕화하지 않고, 단순히 그의 언어로 사람과 의사 소통하는 것을 가지고 있지 않았습니다.

단어 "다양성" (라틴어에서 지충)의미-바닥재, 플랫폼, 언덕, 플랫폼.

다양한 장르를 결합한 예술로서 팝아트의 가장 정확한 정의는 D.N. Ushakov의 사전에 나와 있습니다. 단계작은 형태의 예술, 열린 무대에서 펼쳐지는 화려한 음악 공연의 영역입니다. 그 특이성은 다양한 공개 시연 조건과 짧은 행동 기간, 예술적 표현 수단, 생생한 식별에 기여하는 예술에 쉽게 적응할 수 있다는 것입니다. 창의적인 개성연기자, 시사성, 유머, 풍자, 저널리즘 요소가 우세한 주제의 심각한 사회 정치적 관련성을 나타냅니다."

소련 백과사전에서는 팝 음악이 프랑스에서 유래했다고 정의합니다. 에스레이드 -작은 형태의 연극 및 성악 예술, 음악, 안무, 서커스, 무언극 등을 포함하는 예술 유형입니다. 콘서트에는 쇼와 줄거리로 통합된 별도의 완전한 숫자가 있습니다. 19세기 말에 독립 예술로 등장했습니다.

무대에는 다음과 같은 정의도 있습니다.

아티스트의 콘서트 공연을 위한 영구적 또는 임시 무대 공간입니다.

팝아트는 먼 과거에 뿌리를 두고 있으며 예술에서 그 흔적을 찾을 수 있습니다. 고대 이집트그리고 고대 그리스. 무대는 음악 등 다른 예술과 긴밀하게 상호작용하지만, 드라마 극장, 안무, 문학, 영화, 서커스, 무언극 등 독립적이고 구체적인 유형의 예술입니다. 팝아트의 기초는 N. Smirnov-Sokolsky가 말했듯이 "폐하의 숫자"입니다.

숫자 - 작은 성능, 자체 음모, 절정 및 비난을 가진 한 명 이상의 예술가. 공연의 특이성은 아티스트가 자신을 대신하여 또는 캐릭터를 통해 대중과 직접 소통한다는 것입니다.

여행 예술가의 중세 예술, 독일의 희극 극장, Rus의 부푼, 이탈리아의 가면 극장 등 이미 아티스트가 청중에게 직접 전달하는 방식이 있었기 때문에 후속 아티스트가 액션에 직접 참여할 수 있었습니다. 짧은 공연 시간(15-20분 이내)에는 표현 수단, 간결함, 역동성의 극도의 집중이 필요합니다. 다양한 숫자는 특성에 따라 4가지 그룹으로 분류됩니다. 첫 번째 유형 그룹에는 대화(또는 음성) 숫자가 포함됩니다. 그런 다음 뮤지컬, 플라스틱 안무, 혼합 "원본"번호가 있습니다.

코미디 예술은 대중과의 열린 접촉을 바탕으로 만들어졌습니다. 델 아르테 (가면극) XVI-p.p.XVII 세기.

공연은 일반적으로 표준 줄거리 장면을 기반으로 즉석에서 이루어졌습니다. 막간(삽입)으로서의 음악 사운드: 노래, 춤, 기악 또는 성악은 다양한 행위의 직접적인 원천이었습니다.

18세기에 그들은 등장했다. 희가극그리고 보드빌. 보드빌은 음악과 농담이 어우러진 흥미진진한 공연이었습니다. 그들의 주요 인물은 평범한 사람들- 항상 어리 석고 사악한 귀족을 물리 쳤습니다.

A ~ 19세기 중반세기 장르가 탄생하다 오페레타(문자 그대로 작은 오페라): 성악과 오페라를 결합한 연극 예술의 일종 기악, 댄스, 발레, 팝아트 요소, 대화. 어떻게 독립 장르오페레타는 1850년 프랑스에서 등장했다. 프랑스 오페레타, 그리고 일반적으로 오페레타의 “아버지”는 자크 오펜바흐(1819-1880). 나중에 이 장르는 이탈리아의 "가면 코미디"로 발전했습니다.

무대는 일상생활, 민속, 전통과 밀접하게 연결되어 있습니다. 더욱이 그것들은 재검토되고, 현대화되고, “외부화”되고 있습니다. 다양한 모양 팝 창의성재미있는 오락으로 사용되었습니다.

이것은 우연이 아닙니다. 영국에서는 술집(공공공공기관)은 18세기에 생겨나 음악당의 원형이 되었다. 뮤직홀). 술집은 폭넓은 민주주의 인구 집단을 위한 오락 장소가 되었습니다. 주로 클래식 음악이 연주되는 귀족 살롱과 달리 술집에서는 노래와 춤이 연주되고 피아노, 코미디언, 마임, 곡예사가 연주되고 모방과 패러디로 구성된 대중 공연 장면이 보여졌습니다. 어느 정도 뒤인 19세기 전반에 그들은 널리 퍼졌습니다. 카페 콘서트는 원래 시인, 음악가, 배우들이 즉흥 연주를 공연했던 문학 및 예술 카페였습니다. 다양한 변형을 통해 유럽 전역으로 퍼져 나갔습니다. 카바레(서양 호박). 엔터테인먼트는 영성 요소를 배제하지 않으며 팝 아티스트에게는 시민의 입장이 특히 중요합니다.

팝아트를 대중에게 쉽게 적용하는 것은 대중을 유혹하고 나쁜 취향에 빠질 위험이 있습니다. 저속함과 저속함의 심연에 빠지지 않으려면 예술가에게는 진정한 재능과 취향, 재능이 필요합니다. 감독은 개별 팝 넘버로 프로그램을 구성했는데, 이는 표현의 강력한 수단이기도 했다. 작은 형상의 연결도 분리하여 자유롭게 설치 가능 다양한 유형 예술적 창의성저절로 치유되어 다채로운 예술이 탄생했습니다. 버라이어티 쇼. 버라이어티 쇼 예술은 연극 및 서커스와 밀접한 관련이 있지만 연극과 달리 조직적인 극적인 액션이 필요하지 않습니다. 줄거리의 관습성, 액션(주요 드라마)의 전개 부족도 대공연의 특징이다. 리뷰(프랑스어 - 리뷰). 레뷰의 개별 부분은 공통된 공연 및 사회적 아이디어로 연결됩니다. 레뷰는 뮤지컬 드라마 장르로서 카바레, 발레, 버라이어티 쇼의 요소를 결합합니다. 레뷰 공연은 음악, 노래, 춤이 주를 이룹니다. 버라이어티 쇼에는 자체 수정 사항이 있습니다.

- 별도의 번호로 진행되는 버라이어티 쇼

- 버라이어티 쇼

- 댄스 카바레

- 검토

20세기에 레뷰는 호화로운 엔터테인먼트 쇼가 되었습니다. 미국에서는 다양한 레뷰가 등장했습니다. 보여주다.

음악적 다양성에는 노래, 오페레타 발췌, 뮤지컬, 다양한 각색의 버라이어티 쇼 등 다양한 장르의 가벼운 음악이 포함되었습니다. 기악 작품. 20세기에는 재즈와 대중음악이 무대를 더욱 풍성하게 만들었습니다.

따라서 팝아트는 통과되었습니다. 장거리, 그리고 오늘날 우리는 이 장르를 다른 형태와 성능으로 관찰할 수 있는데, 이는 그 발전이 멈추지 않음을 시사합니다.

팝 아트의 뿌리는 이집트, 그리스, 로마의 예술에서 추적되는 먼 과거로 거슬러 올라갑니다. 그 요소는 여행하는 코미디언-버푼(러시아), shpilmanov(독일), 저글러(프랑스), 멋쟁이(폴란드), 가장 무도회(중앙 아시아) 등의 공연에 나타납니다.

도시 생활과 도덕에 대한 풍자, 정치적 주제에 대한 날카로운 농담, 권력에 대한 비판적 태도, 대련, 만화 장면, 농담, 게임, 광대 무언극, 저글링, 음악적 기이함은 카니발의 소음 속에서 탄생한 미래 팝 장르의 시작이었습니다. 그리고 광장 오락.

농담, 재치, 재미있는 커플의 도움으로 광장과 시장에서 모든 제품을 판매하는 바커는 나중에 연예인의 전임자가되었습니다. 이 모든 것은 방대하고 이해하기 쉬운 성격을 띠고 있었으며 이는 모든 팝 장르의 존재에 없어서는 안될 조건이었습니다. 모든 중세 카니발 공연자들은 공연을 하지 않았습니다.

러시아에서는 팝 장르의 기원이 부푼 재미, 재미 및 대중 창의성, 민속 축제에서 나타났습니다. 그들의 대표자는 의무적으로 턱수염을 기른 라우스 조커들로, 라우스 부스 상부 플랫폼에서 청중을 즐겁게 하고 초대했으며, 파슬리 연주자, raeshniks, "학식 있는" 곰의 지도자, "스케치"와 "보복"을 수행하는 어릿광대 배우입니다. 군중은 피리, 하프, 훌쩍거림을 연주하며 사람들을 즐겁게 합니다.

다양한 예술은 개방성, 간결함, 즉흥성, 축제성, 독창성 및 오락성과 같은 특성을 특징으로 합니다.

축제적 여가의 예술로 발전해 온 팝음악은 항상 독특함과 다양성을 추구해 왔습니다. 외부 엔터테인먼트, 빛의 유희, 그림 같은 풍경의 변화, 무대 공간의 변화 등으로 인해 축제의 느낌이 만들어졌습니다. 무대는 다양한 형태와 장르가 특징이지만, 세 그룹으로 나눌 수 있습니다.

콘서트 무대(이전의 "다양성")는 다양한 콘서트의 모든 유형의 공연을 결합합니다.

연극 무대 (미니어처 극장의 실내 공연, 카바레 극장, 카페 극장 또는 대규모 콘서트 레뷰, 뮤직 홀, 대규모 공연 출연진 및 일류 무대 장비 보유);

축제무대( 민속 축제, 스포츠 및 콘서트 공연, 무도회, 카니발, 가장 무도회, 축제 등으로 가득한 경기장에서의 휴일).

다음과 같은 것도 있습니다:

3. 1. 버라이어티 극장

3.1.1.음악당

다양한 공연의 기초가 완성된 숫자라면 드라마틱한 액션과 마찬가지로 리뷰에도 무대에서 일어나는 모든 일이 줄거리에 종속되어야 합니다. 이것은 일반적으로 유기적으로 결합되지 않았으며 공연의 구성 요소 중 하나, 즉 숫자, 문자 또는 줄거리가 약화되었습니다. 이것은 "20세기의 기적"을 제작하는 동안 일어났습니다. 연극은 느슨하게 연결된 여러 개의 독립적인 에피소드로 나누어졌습니다. 발레 앙상블과 몇몇 일류 서커스 공연만이 관객들에게 성공을 거두었습니다. 발레 앙상블 Goleizovsky의 프로덕션에서 그들은 "Hey, let's whoop!", "Moscow in the rain", "30 English girls"의 세 곡을 연주했습니다. 특히 '스네이크'의 퍼포먼스가 인상적이었다. 서커스 공연 중 최고는 Tea Alba와 "Australian Lumberjacks"Jackson과 Laurer였습니다. 알바는 오른손과 왼손으로 두 개의 판에 분필로 서로 다른 단어를 동시에 썼습니다. 방 끝에서는 나무꾼들이 두꺼운 통나무 두 개를 자르기 위해 경주하고 있었습니다. 독일의 Strodi는 와이어에서 뛰어난 균형 감각을 보여주었습니다. 그는 철사 위에서 공중제비를 했습니다. 언제나 그렇듯이 소련 예술가 중에서 Smirnov-Sokolsky와 ditties V. Glebova 및 M. Darskaya는 큰 성공을 거두었습니다. 서커스 공연 중 두 개의 평행 전선에서 Zoe와 Martha Koch의 공연이 눈에 띄었습니다.

1928년 9월 레닌그라드 음악당이 개관했다.

3. 1.2 미니어처 극장 - 주로 소규모 연극, 스케치, 오페라, 오페레타 및 다양한 곡(독백, 대련, 패러디, 댄스, 노래)을 다루는 연극 그룹입니다. 레퍼토리는 유머, 풍자, 아이러니가 지배적이며 서정성이 배제되지 않습니다. 극단 규모가 작아 한 배우 또는 두 배우로 구성된 극장도 가능하다. 간결한 디자인의 공연은 상대적으로 작은 청중을 위해 고안되었으며 일종의 모자이크 캔버스를 제시합니다.

3. 1.3. 무대 위의 대화 장르 - 엔터테이너, 사이드쇼, 촌극, 스케치, 스토리, 독백, 푀이통, 초소형(무대 농담), 부리메 등 주로 단어와 관련된 장르의 상징입니다.

엔터테이너 - 엔터테이너는 짝을 이루거나, 싱글이거나, 단체일 수 있습니다. '대립의 화합과 투쟁'의 법칙, 즉 풍자적 원리에 따라 양에서 질로의 전환에 따라 구축된 대화 장르입니다.

다양한 독백은 풍자적이거나 서정적이거나 유머러스할 수 있습니다.

Interlude는 독립적인 숫자로 연주되는 코믹한 장면이나 유머러스한 내용의 음악 작품입니다.

촌극은 음모가 빠르게 전개되는 작은 장면으로, 예상치 못한 재미 있고 신랄한 상황, 전환을 기반으로 가장 간단한 줄거리가 구축되어 행동 중에 일련의 부조리가 발생하지만 일반적으로 모든 것이 행복한 결말로 끝나는 곳입니다. 1-2 배우(단, 3개 이하).

미니어처는 무대에서 가장 인기 있는 언어 장르입니다. 오늘 무대에서는 인기 있는 농담(출판되지 않았거나 인쇄되지 않음 - 그리스어에서 유래)이 짧은 화제입니다. 구술 역사예상치 못한 재치 있는 결말로.

말장난은 비슷한 단어나 조합의 소리 유사성을 표현하기 위해 비슷하게 들리지만 다르게 들리는 단어를 코믹하게 사용하는 데 기반을 둔 농담입니다.

Reprise는 가장 일반적인 짧은 대화 장르입니다.

커플릿은 가장 이해하기 쉽고 인기 있는 대화 장르 중 하나입니다. 커플티스트는 이런 저런 현상을 조롱하고 이에 대한 자신의 태도를 표현하려고 합니다. 유머감각이 있어야 해요

음악 및 대화 장르에는 커플렛, 디티, 샹소네트 및 뮤지컬 푀이통이 포함됩니다.

무대에서 흔히 볼 수 있는 패러디는 '대화', 보컬, 뮤지컬, 댄스 등이 될 수 있습니다. 한때 연설 장르에는 낭송, 선율 낭송, 문학적 몽타주, “예술적 독서”가 포함되었습니다.

정확하게 녹음된 음성 장르 목록을 제공하는 것은 불가능합니다. 음악, 댄스, 독창적인 장르(변형, 복화술 등)와의 예상치 못한 단어 합성은 새로운 장르 형성을 낳습니다. 생활 관행은 모든 종류의 품종을 지속적으로 공급합니다. 오래된 포스터에서 배우 이름에 "그의 장르"를 추가하는 것이 관례였던 것은 우연이 아닙니다.

위의 각 음성 장르에는 고유한 특성, 고유한 역사 및 구조가 있습니다. 사회의 발전과 사회적 조건은 먼저 하나의 장르 또는 다른 장르의 출현을 결정했습니다. 사실 카바레 출신 연예인만이 '버라이어티' 장르라고 할 수 있다. 나머지는 부스, 극장, 유머러스하고 풍자적인 잡지 페이지에서 나왔습니다. 외국의 혁신을 수용하는 경향이 있는 다른 장르와 달리 연설 장르는 국내 전통에 맞춰 연극 및 유머 문학과 긴밀하게 연결되어 발전했습니다.

언어 장르의 발전은 문학 수준과 관련이 있습니다. 배우 뒤에는 연기자로서 "죽는" 작가가 있습니다. 그럼에도 불구하고, 연기의 본질적인 가치는 그 행위의 성공을 크게 결정하는 작가의 중요성을 손상시키지 않습니다. 예술가 자신이 작가가 되는 경우가 많았습니다. I. Gorbunov의 전통은 팝 스토리텔러들에 의해 선택되었습니다. Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov 등은 자신의 레퍼토리를 만들었습니다. 문학적 재능이 없는 배우들은 구두 공연을 기대하며 글을 쓴 작가들에게 도움을 요청했습니다. 공연자의 마스크를 고려하십시오. 이 저자들은 원칙적으로 "이름 없음"으로 유지되었습니다. 수년 동안 언론은 무대 공연을 위해 쓴 작품이 문학으로 간주될 수 있는지에 대한 문제를 논의해 왔습니다. 80년대 초, 전연합(All-Union)과 전러시아 팝 작가 협회(All-Russian Associations of Pop Authors)가 창설되어 이러한 유형의 문학 활동을 합법화하는 데 도움이 되었습니다. 저자의 "익명성"은 과거의 일입니다. 더욱이 저자 자신이 무대에 올랐습니다. 70년대 말에는 콘서트처럼 구성하되 오로지 팝 작가들의 공연으로만 구성한 '웃음의 비하인드'라는 프로그램이 출시됐다. 이전에는 개별 작가(Averchenko, Ardov, Laskin)만이 자신의 프로그램을 발표했다면 이제 이 현상이 널리 퍼졌습니다. M. Zhvanetsky의 현상이 성공에 크게 기여했습니다. 60년대에 레닌그라드 미니어처 극장(Leningrad Theatre of Miniatures)의 작가로 시작한 그는 검열을 우회하여 비소츠키의 노래처럼 전국에 퍼진 창의적 지식인의 집에서 닫힌 저녁에 짧은 독백과 대화를 읽기 시작했습니다.

3. 스탠드 위의 재즈

"재즈"라는 용어는 일반적으로 다음과 같이 이해됩니다. 1) 유형 뮤지컬 예술, 즉흥 연주와 특별한 리듬 강도를 기반으로 2) 오케스트라와 앙상블이 이 음악을 연주합니다. "재즈 밴드", "재즈 앙상블"(때때로 재즈 트리오, 재즈 4중주, "재즈 오케스트라", "빅 밴드" 등 연주자 수를 나타냄)이라는 용어도 그룹을 지정하는 데 사용됩니다.

4. 스탠드 위의 노래

보컬(보컬-악기) 미니어처 펼친콘서트 연습 중. 무대에서는 종종 플라스틱, 의상, 조명, 미장센(“노래 극장”)의 도움으로 무대 “게임” 미니어처로 해결됩니다. 어떤 경우에는 작곡가의 "공동 저자"가 되는 연주자의 성격, 재능 및 기술의 특성이 매우 중요해집니다.

노래의 장르와 형식은 로맨스, 발라드, 민요, 2련곡, 가락, 샹소네트 등 다양합니다. 연주 방법도 솔로, 앙상블(듀엣, 합창단, 성악-악기 앙상블) 등 다양합니다.

팝 뮤지션들 사이에도 작곡단이 있다. Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk 등이 있습니다. 이전 노래는 주로 작곡가의 노래였으며 현재 노래는 "연주자"의 노래입니다.

감상적인 키치와 도시적 로맨스부터 펑크 록과 랩까지 다양한 스타일, 매너, 트렌드가 공존합니다. 따라서 오늘의 노래는 국내 민속 모방부터 아프리카 계 미국인, 유럽 및 아시아 문화의 주입에 이르기까지 수십 가지 방향을 포함하는 다색적이고 다양한 스타일의 패널입니다.

5. 스탠드 위에서의 댄스

이것은 전국 팝 콘서트, 버라이어티 쇼, 음악당 및 미니어처 극장에서 발표되는 솔로 또는 그룹의 짧은 댄스 번호입니다. 보컬리스트 프로그램, 독창적인 장르 및 음성 장르의 수를 동반하고 보완합니다. 포크댄스, 일상무용(볼룸댄스), 클래식발레, 현대무용, 스포츠체조, 곡예를 기반으로 온갖 외국의 영향과 국가 전통. 댄스 가소성의 본질은 현대 리듬에 의해 결정되며 음악, 연극, 회화, 서커스, 무언극 등 관련 예술의 영향을 받아 형성됩니다.

민속 무용은 원래 수도 극단 공연의 일부였습니다. 레퍼토리에는 마을, 도시 및 군대 생활의 연극 다양화 공연, 러시아 민요 및 춤의 성악 및 댄스 모음이 포함되었습니다.

90년대 무대 위의 춤은 20년대 상황으로 회귀한 듯 극명하게 양극화됐다. 에로틱 댄스 등 쇼 비즈니스에 참여하는 댄스 그룹은 에로티시즘에 의존합니다. 나이트클럽에서의 공연은 자체 법률을 규정합니다.

6. 스탠드 위의 인형들

러시아에서는 고대부터 수공예품을 소중히 여기고 장난감을 사랑했으며 인형을 가지고 하는 재미있는 놀이를 존중했습니다. 페트루시카는 군인, 경찰관, 성직자를 상대하고 죽음 그 자체에도 불구하고 용감하게 몽둥이를 휘두르고, 국민이 좋아하지 않는 자를 처형하고, 악을 타도하고, 국민의 도덕성을 확증했습니다.

파슬리 연주자들은 혼자, 때로는 함께 돌아다녔습니다. 인형극 연주자와 음악가, 그들은 스스로 연극을 작곡했고, 그들은 배우였으며, 감독이었습니다. 그들은 인형, 미장센, 인형의 움직임을 보존하려고 노력했습니다. 트릭. 인형극은 박해를 받았습니다.

인형이 연기하는 다른 쇼도 있었습니다. 러시아의 길에서는 인형, 즉 인형을 끈으로 실은 밴을 볼 수 있습니다. 때로는 내부에 슬롯이 있는 상자가 있어서 인형이 아래에서 이동되기도 합니다. 그러한 상자를 출생 장면이라고 불렀습니다. 인형은 모방의 기술을 마스터했습니다. 그들은 가수 흉내를 내는 것을 좋아했고 곡예사, 체조 선수, 광대의 흉내를 냈습니다.

7. 무대 위의 패러디

이는 원작의 개별 매너, 스타일, 특징적인 특징 및 고정 관념과 예술의 전체 동작 및 장르에 대한 아이러니 한 모방 (모방)을 기반으로 한 숫자 또는 공연입니다. 만화의 폭은 예리하게 풍자적인 것(경멸적인 것)부터 유머러스한 것(친절한 만화)까지, 원작에 대한 패러디스트의 태도에 따라 결정됩니다. 패러디의 뿌리는 다음과 같습니다. 골동품 예술, 러시아에서는 오랫동안 부푼 게임과 익살스러운 공연에 등장했습니다.

8. 작은 형태의 극장

러시아 카바레극장 '배트(The Bat)', '곡면거울(Curved Mirror)' 등 창설

"The Crooked Mirror"와 "The Bat"은 모두 전문적으로 강력한 연기 그룹이었으며 연극 문화 수준은 의심 할 여지없이 수많은 소형 극장보다 높았습니다 (모스크바 극장 중 Petrovsky는 다른 극장보다 더 눈에 띄었고 감독은 D.G. Gutman이었습니다) , Mamonovsky, Alexander Vertinsky가 1차 세계 대전 중 데뷔한 곳, Nikolsky - 예술가이자 감독 A.P. Petrovsky 중 St. Petersburg - Troitsky A.M. Fokina - 감독 V.R. 예술 연극의 예술가, 연예인으로 성공적으로 공연했습니다.

4. 무대 위의 음악 장르. 기본 원리, 기법, 연출.

팝 장르는 다음과 같이 구별됩니다.

1 라틴 아메리카 음악

라틴 아메리카 음악(Spanish musica latinoamericana)은 국가의 음악 스타일과 장르에 대한 일반화된 이름입니다. 라틴 아메리카, 다른 주 영토에 밀집되어 살고 대규모 라틴 아메리카 커뮤니티(예: 미국)를 형성하는 이들 국가 출신 사람들의 음악도 있습니다. 구어체에서는 약칭 "라틴 음악"(Spanish musica latina)이 자주 사용됩니다.

라틴아메리카의 일상생활에서 차지하는 역할이 매우 높은 라틴아메리카 음악은 다양한 음악문화의 융합이지만, 그 기반은 스페인(또는 포르투갈어), 아프리카 및 인도 음악문화라는 세 가지 구성요소에 기반을 두고 있다. 일반적으로 라틴 아메리카 노래는 스페인어나 포르투갈어로 연주되며 프랑스어로는 덜 자주 연주됩니다. 미국에 거주하는 라틴 아메리카 예술가들은 대개 이중 언어를 사용하며 영어 가사를 사용하는 경우가 많습니다.

실제로 스페인과 포르투갈 음악은 라틴 아메리카 음악에 속하지 않지만 많은 연결을 통해 라틴 아메리카 음악과 밀접하게 연결되어 있습니다. 더욱이 라틴 아메리카 음악에 대한 스페인과 포르투갈 음악의 영향은 상호적입니다.

라틴 아메리카 음악은 매우 이질적이며 라틴 아메리카의 각 국가는 고유한 특성을 가지고 있음에도 불구하고 스타일적으로는 몇 가지 주요 지역 스타일로 나눌 수 있습니다.

* 안데스 음악;

* 중앙아메리카 음악;

* 카리브해 음악;

* 아르헨티나 음악;

* 멕시코 음악;

* 브라질 음악.

그러나 그러한 구분은 매우 자의적이며 이러한 음악 스타일의 경계가 매우 모호하다는 점을 명심해야 합니다.

블루스(Blue Devils의 영어 블루스)는 20세기 20년대에 널리 퍼진 음악 장르입니다. 이는 아프리카계 미국인 문화의 성과 중 하나입니다. 그것은 '노동요', '영혼', 콜레라와 같은 아프리카계 미국인 사회의 민족 음악 운동에서 형성되었습니다. 그는 여러 면에서 현대 대중음악, 특히 "팝"(영국 팝 음악), "재즈"(영국 재즈), "로큰롤"(영국 로큰롤)과 같은 장르에 영향을 미쳤습니다. 블루스의 주된 형태는 4/4박자로, 처음 4소절은 토닉 하모니로 연주되고, 2소절은 서브도미넌트와 토닉으로, 2소절은 우성소와 토닉으로 연주됩니다. 이 교대를 블루스 진행이라고도 합니다. 일시 중지가 있는 여덟 번째 삼중주단의 리듬, 즉 소위 셔플이 자주 사용됩니다. 블루스의 특징은 '블루 노트'입니다. 종종 음악은 작곡의 서정적 내용과 악기 간의 대화를 기반으로 하는 음악적 내용 모두에서 표현되는 "질문-답변" 구조를 기반으로 구축됩니다. 블루스는 솔로 악기로 연주되는 주요 지원 "프레임워크"만을 사용하여 작곡하는 경우가 많은 음악 장르의 즉흥 연주 형식입니다. 오리지널 블루스 테마는 아프리카계 미국인의 삶의 감각적인 사회적 요소, 모든 흑인의 길에서 발생하는 어려움과 장애물을 기반으로 구축되었습니다.

재즈(English Jazz)는 19세기 말에서 20세기 초 미국에서 아프리카와 아프리카의 혼합의 결과로 발생한 음악 예술의 한 형태입니다. 유럽 문화이후 널리 퍼졌습니다. 재즈 음악 언어의 특징은 처음에는 즉흥 연주, 당김음에 기반한 폴리리듬, 리듬 질감을 연주하는 독특한 기술 세트인 스윙이었습니다. 재즈 음악가와 작곡가의 새로운 리듬 및 하모닉 모델 개발로 인해 재즈가 더욱 발전했습니다.

컨트리 음악은 두 가지 유형의 미국 민속 음악, 즉 17~18세기에 신세계에 정착한 백인 정착민의 음악과 서부 개척 시대의 카우보이 발라드를 결합한 것입니다. 이 음악은 엘리자베스 시대 마드리갈, 아일랜드, 스코틀랜드의 강한 유산을 가지고 있습니다. 민속음악. 이 스타일의 주요 악기는 기타, 밴조, 바이올린입니다.

"The Little Old Log Cabin in the Lane"은 켄터키의 Will Heiss가 1871년에 작곡한 최초의 "문서화된" 컨트리 노래입니다. 53년 후, 피딘 존 카슨(Fiddin John Carson)은 이 작품을 음반에 녹음했습니다. 1925년 10월, Grand Ole Opry 라디오 프로그램이 운영되기 시작하여 오늘날까지 컨트리 스타들의 라이브 콘서트를 방송하고 있습니다.

음악 산업으로서의 컨트리 음악은 1940년대 후반에 탄력을 받기 시작했습니다. 앞으로 여러 세대에 걸쳐 컨트리 가수의 이미지를 확립했을 뿐만 아니라 이 장르의 전형적인 주제인 비극적인 사랑, 외로움, 직장 생활의 어려움을 설명했던 행크 윌리엄스(1923-53)의 성공 덕분입니다. 그땐 이미 있었지 다양한 스타일: 웨스턴 스윙, Dixieland의 편곡 원칙을 따름 - 여기서 장르의 왕은 Bob Wills와 그의 Texas Playboys였습니다. 설립자 Bill Monroe가 지배하는 블루그래스; 행크 윌리엄스(Hank Williams)와 같은 음악가들의 스타일은 당시 힐빌리(hillbilly)라고 불렸습니다. 1950년대 중반. 컨트리 음악은 다른 장르(복음, 리듬, 블루스)의 요소와 함께 로큰롤을 탄생시켰습니다. 경계선 장르 인 로커 빌리가 즉시 등장했습니다. Elvis Presley, Carl Perkins 및 Johnny Cash와 같은 가수가 창의적인 경력을 시작한 것은 바로 그것과 함께였습니다. 그들이 모두 동일한 Memphis 스튜디오 인 Sun Records에서 녹음 한 것은 우연이 아닙니다. 마티 로빈스(Marty Robbins)의 앨범 Gunfighter Ballads and Trail Songs(1959)의 성공에 힘입어 서부 개척 시대의 이야기가 주를 이루던 컨트리 앤 웨스턴 장르가 하나의 장르로 떠올랐습니다.

샹송(프랑스어 샹송 - "노래")은 성악의 장르입니다. 이 단어는 두 가지 의미로 사용됩니다.

2) 카바레 스타일의 프랑스 팝송(러시아어에서는 기울어짐).

Blatna?ya 노래(blatnoy folklore, blatnyak)는 원래 죄수와 범죄 세계에 가까운 사람들의 환경을 위해 고안된 범죄 환경의 생활과 관습을 미화하는 노래 장르입니다. 그것은 러시아 제국에서 시작되어 소련과 이후 CIS 국가에서 널리 퍼졌습니다. 시간이 지남에 따라 범죄 주제를 뛰어 넘는 범죄 음악 장르로 노래가 작성되기 시작했지만 그 특징적인 특징 (멜로디, 전문 용어, 내레이션, 세계관)을 유지했습니다. 1990년대부터 러시아 음악 산업에서는 범죄 노래가 '러시안 샹송'이라는 이름으로 판매되었습니다(라디오 방송국 및 동명의 시상식 참조).

음악에서의 로맨스는 주로 사랑을 중심으로 서정적인 내용을 담은 짧은 시를 바탕으로 작곡된 성악곡입니다.

작가의 노래 또는 음유시인 음악은 20세기 중반 소련에서 발생한 노래 장르입니다. 이 장르는 1950년대와 1960년대에 성장했습니다. 소련 당국의 문화 정책에 관계없이 아마추어 공연에서 빠르게 큰 인기를 얻었습니다. 주요 강조점은 텍스트의시에 있습니다.

6 전자음악

전자 음악(영어 전자 음악, 구어체로 "전자 공학"이라고도 함)은 전자 악기를 사용하여 만든 음악을 가리키는 광범위한 음악 장르입니다. 최초의 전자악기는 20세기 초에 등장했지만, 전자 음악 20세기 후반에 발달하여 21세기 초에 이르러서는 수십 가지의 변종이 있는 장르이다.

7 록 음악

록 음악은 대중음악의 여러 분야에 대한 일반적인 이름입니다. "rock"이라는 단어 - 스윙하다 - 안으로 이 경우"롤", "트위스트", "스윙", "쉐이크" 등과 유사하게 특정 형태의 움직임과 관련된 이러한 방향의 특징적인 리듬 감각을 나타냅니다. 전자 악기 사용과 같은 록 음악의 징후 , 창의적인 자급자족(록 음악가는 일반적으로 자신의 작곡을 수행함)은 부차적이며 종종 오해의 소지가 있습니다. 이러한 이유로 일부 음악 스타일이 록이라는 정체성에 대해 논쟁이 벌어지고 있습니다. 또한 록은 특별한 하위문화 현상이다. Mods, hippies, punks, metalheads, goths, emo와 같은 하위 문화는 특정 장르의 록 음악과 불가분의 관계가 있습니다.

록 음악에는 큰 수방향: 댄스 락앤롤, 팝 락, 브릿팝과 같은 가벼운 장르부터 잔인하고 공격적인 장르인 데스 메탈과 하드코어까지. 노래의 내용은 가볍고 캐주얼한 것부터 어둡고 깊고 철학적인 것까지 다양합니다. 록 음악은 종종 팝 음악 등과 대조됩니다. "팝"은 "록"과 "팝"의 개념 사이에 명확한 경계가 없지만 많은 음악 현상이 그 경계에서 균형을 이루고 있습니다.

록 음악의 기원은 블루스에 있으며, 여기서 로큰롤과 로커빌리 등 최초의 록 장르가 탄생했습니다. 록 음악의 첫 번째 하위 장르는 주로 포크, 컨트리, 스키플, 뮤직 홀 등 당시 포크 및 팝 음악과 밀접한 관련이 있습니다. 존재하는 동안 록 음악을 학술 음악(아트 록, 60년대 후반에 등장), 재즈(재즈 록, 60년대 후반 ~ 70년대 초반에 등장), 라틴 등 거의 모든 유형의 음악과 결합하려는 시도가 있었습니다. 음악(라틴 록, 60년대 후반 등장), 인도 음악(라가 록, 60년대 중반 등장). 60~70년대에는 거의 모든 주요 록 음악 장르가 등장했는데, 그 중 가장 중요한 장르는 나열된 것 외에 하드 록, 펑크 록, 아방가르드 록입니다. 70년대 후반과 80년대 초반에는 포스트 펑크, 뉴 웨이브, 얼터너티브 록과 같은 록 음악 장르가 나타났습니다(이 방향의 초기 대표자는 이미 60년대 후반에 등장했지만), 하드코어(펑크 록의 큰 하위 장르), 데스 메탈, 블랙 메탈 등 잔인한 메탈 하위 장르도 있습니다. 90년대에는 그런지(80년대 중반 등장), 브릿팝(60년대 중반 등장), 얼터너티브 메탈(80년대 후반 등장) 장르가 널리 발달했다.

록 음악의 출현과 발전의 주요 중심지는 미국과 서유럽(특히 영국)입니다. 가사는 대부분 영어로 되어있습니다. 그러나 일반적으로 약간의 지연이 있지만 거의 모든 국가에서 전국 록 음악이 등장했습니다. 러시아어 록 음악(소위 러시안 록)은 이미 1960~1970년대에 소련에 등장했습니다. 1980년대에 정점을 이루었고, 1990년대에도 계속 발전했다.

8 스카, 록스테디, 레게

스카 - 음악 스타일, 1950년대 후반 자메이카에서 등장했습니다. 스타일의 출현은 [출처 미지정 99일] 사운드 시스템의 출현과 연결되어 거리에서 바로 춤을 추는 것이 가능해졌습니다.

사운드 설치는 단순한 스테레오 스피커가 아니라 DJ와 모바일 스테레오 시스템을 갖춘 독특한 형태의 거리 디스코이며 최고의 사운드, 최고의 레퍼토리 등을 놓고 DJ 간의 경쟁이 치열해집니다.

스타일은 스윙하는 2/4 리듬이 특징이며 기타는 짝수 드럼 비트에서 연주되고 더블 베이스 또는 베이스 기타는 홀수 드럼 비트를 강조합니다. 트럼펫, 트롬본, 색소폰 등의 관악기로 멜로디를 연주합니다. 스카 멜로디 중에는 재즈 멜로디도 있습니다.

락스테디('락 스테디', '락스테디')는 1960년대 자메이카와 영국에서 존재했던 음악 스타일이다. 스타일의 기본은 4/4박자의 캐리비안 리듬이며, 키보드와 기타에 대한 관심이 높아졌습니다.

자메이카 대중음악인 레게(영어 reggae, 다른 철자: "reggae" 및 "reggae")는 1960년대 후반에 처음 언급되었습니다. 때로는 모든 자메이카 음악의 일반적인 이름으로 사용됩니다. 록스테디(rocksteady), 스카(ska) 등 다른 자메이카 장르와 밀접하게 관련되어 있습니다.

더브(Dub)는 1970년대 초 자메이카에서 등장한 음악 장르입니다. 처음에 이 장르의 녹음은 (때때로 부분적으로) 보컬이 제거된 레게 노래였습니다. 1970년대 중반부터 더빙은 실험적이고 사이키델릭한 형태의 레게로 간주되면서 그 자체로 하나의 현상이 되었습니다. 더빙의 음악적, 이념적 발전은 리믹스의 기술과 문화를 탄생시켰고, 또한 그 발전에 직간접적으로 영향을 미쳤다. 새 물결 운동힙합, 하우스, 드럼 앤 베이스, 트립합, 더빙테크노, 덥스텝 등과 같은 장르를 포함합니다.

팝음악(영어: Pop-music from Popular music)은 현대 대중문화의 일종인 현대음악의 한 방향이다.

"팝 음악"이라는 용어에는 두 가지 의미가 있습니다. 넓은 의미에서 이것은 모든 대중 음악(록, 전자, 재즈, 블루스 포함)입니다. 좁은 의미에서는 - 별도의 장르대중음악, 특정 특성을 지닌 직접적인 팝음악.

장르로서의 팝음악의 주요 특징은 악기 부분에 대한 관심이 덜하고 단순함, 멜로디, 보컬에 대한 의존도 및 리듬입니다. 팝 음악의 주요 작곡 형식이자 실질적으로 유일한 형태는 노래입니다. 팝 음악 가사는 대개 개인적인 감정을 다루고 있습니다.

팝 음악에는 유로 팝, 라틴, 디스코, 일렉트로팝, 댄스 음악 등과 같은 하위 장르가 포함됩니다.

10 랩(힙합)

힙합(영어) 힙합)는 1974년 11월 12일 뉴욕의 노동자 계층에서 시작된 문화 운동입니다. DJ Afrika Bambaataa는 힙합 문화의 5대 기둥(MCing, DJing, Breaking, Graffiti Writing), 지식을 최초로 정의했습니다. 다른 요소로는 비트박스, 힙합 패션, 속어 등이 있습니다.

사우스 브롱크스에서 시작된 힙합은 청소년 문화세계 여러 나라에서. 1990년대 후반부터 사회지향이 강한 스트리트 언더그라운드에서 힙합은 점차 음악산업의 한 부분으로 자리 잡았고, 금세기 첫 10년 중반에는 서브컬쳐가 '유행'하고 '유행'하게 되었다. 주류". 그러나 그럼에도 불구하고 힙합 내의 많은 인물들은 여전히 불평등과 불의에 항의하고 권력에 반대하는 "주요 노선"을 이어가고 있습니다.

예능 연출은 예능 연출과 예능 연출로 나누어진다고 알려져 있다.

다양한 공연(콘서트, 리뷰, 쇼) 작업 방법에는 원칙적으로 그것이 구성되는 숫자를 만드는 작업이 포함되지 않습니다. 감독은 기성 숫자와 스토리를 결합해, 단일 테마, 공연의 엔드 투 엔드 액션을 구축하고 템포-리듬 구조를 구성하며 음악, 무대 그래픽 및 조명 디자인의 문제를 해결합니다. 즉, 그는 프로그램 전체의 해결이 필요하고 예능 자체와 직접적인 관련이 없는 일련의 예술적, 조직적 문제에 직면하고 있습니다. 이 입장은 유명한 버라이어티 쇼 감독 I. Sharoev의 논문에서 확인됩니다. 그는“대부분의 버라이어티 디렉터는 다양한 장르의 전문가로부터 공연을 받아 그들로부터 버라이어티 프로그램을 만듭니다. 방의 독립성이 뛰어납니다.”

예능을 작업하려면 감독이 대규모 프로그램을 연출할 때 직면하지 않는 여러 가지 구체적인 문제를 해결해야 합니다. 이것은 우선 예술가의 개성을 드러내고, 행위의 극작법을 구축하고, 보복, 속임수, 개그 작업을 하고, 행위의 특정 표현 수단의 성격을 알고 고려하는 능력 등입니다. 더.

공연 창작을 위한 많은 방법론적 가정은 드라마와 연극 모두에 존재하는 일반적인 기본 원칙에 기초하고 있습니다. 뮤지컬 극장, 그리고 서커스에서. 그러나 완전히 다른 구조가 기초 위에 세워졌습니다. 무대 연출에는 눈에 띄는 특수성이 있는데, 이는 우선 예능의 장르 유형에 따라 결정된다.

무대에서 감독은 창작자로서 모든 예술의 궁극적인 목표, 즉 직업의 창의적인 측면을 구성하는 예술적 이미지의 생성을 공연을 통해 달성합니다. 그러나 공연을 준비하는 과정에서 전문가는 표현 수단 기술을 연구합니다. 이는 일부 장르의 특성 때문입니다. 예를 들어, 대부분의 하위 장르 스포츠 및 서커스에는 스포츠 요소 및 특수 기술에 대해 코치와 함께 리허설 및 훈련 작업이 필요합니다. 전문 보컬 교사의 레슨 없이는 보컬 작업이 불가능합니다. 안무 장르에서는 안무가-튜터의 역할이 필수적이다.

때때로 이러한 기술 전문가들은 스스로를 무대 감독이라고 큰 소리로 부르지만 실제로 그들의 활동은 곡예, 춤 또는 노래인지는 중요하지 않으며 루틴의 특별한 스턴트 또는 기술 구성 요소를 구축하는 것으로만 제한됩니다. 여기서 우리는 창조에 대해 이야기합니다. 예술적 이미지스트레칭으로 가능합니다. 팝의 대가들(특히 오리지널 장르)이 인쇄 작품에서 자신의 기술 비법을 공유할 때 주로 마술, 곡예, 저글링 등의 기술을 설명합니다.

나는 예능의 예술적 구조가 복잡하고 다양하며 종종 집합적이라는 점을 다시 한 번 강조하고 싶다. 따라서 팝 넘버를 준비하는 것은 가장 중요한 것 중 하나입니다. 복잡한 종감독의 활동. “단 몇 분이라도 좋은 공연을 한다는 건 정말 어려운 일이에요. 그리고 제가 보기에는 이러한 어려움이 과소평가되어 있는 것 같습니다. 그래서 나는 때로는 다소 경멸적으로 연예인이라고 불리는 사람들의 예술을 그토록 존경하고 높이 평가하며, 기록되지 않은 직업 규모에서 그다지 명예롭지 않은 위치를 지정합니다.” S. Yutkevich의 이러한 말은 특히 연출 및 제작 작업 측면에서 창작 방법론의 기본을 연구하려는 궁극적인 목표를 가지고 다양한 행위의 예술적 구조를 분석하는 것의 중요성을 다시 한 번 확인시켜 줍니다.

결론.

VARIETY ART(프랑스 estrade - 플랫폼, 고도에서 유래)는 작은 형태의 드라마, 코미디, 음악, 노래, 예술을 결합한 종합적인 유형의 무대 예술입니다. 독서, 안무, 기발함, 무언극, 곡예, 저글링, 환상주의 등. 국제적 성격에도 불구하고 민속적 뿌리를 유지하여 특별한 국가적 풍미를 부여합니다. 거리 무대의 르네상스에서 시작하여 광대극, 원시 희극, 익살극, E. 및. 다른 나라에서는 다르게 진화하여 하나 또는 다른 장르, 하나 또는 다른 마스크 이미지를 선호했습니다. 안에 버라이어티 프로그램부스, 뮤직 홀, 카페, 카바레, 미니어처 극장 및 살아남은 다양한 정원 가꾸기 장소에서 나중에 발생한 미용실, 동아리 및 클럽, 쾌활한 유머, 예리한 말로 패러디 및 만화, 가성적인 공동 풍자, 날카로운 과장, 익살, 기괴함, 우세 . 유쾌한 아이러니, 감동적인 가사, 패셔너블한 댄스와 음악적 리듬. 다양한 다성 다양성의 개별 번호는 종종 연예인이나 간단한 음모, 한두 명의 배우, 앙상블 (발레, 뮤지컬 등)의 극장에서 독창적 인 레퍼토리, 자체 극작에 의해 무대에서 함께 개최됩니다. 버라이어티 예술은 가장 광범위한 청중을 대상으로 하며 주로 공연자의 기술, 변형 기술, 간결한 수단을 사용하여 화려한 엔터테인먼트를 만드는 능력, 밝은 캐릭터에 의존합니다. 긍정적인 것보다 코미디적인 부정적인 경우가 더 많습니다. 그의 안티 히어로를 노출함으로써 그는 은유적인 특징과 세부 사항, 현실과 환상의 사실성과 캐리커처의 기괴한 얽힘으로 전환하여 삶의 원형을 거부하고 현실에서의 번영에 반대하는 분위기를 조성하는 데 도움을 줍니다. 대중 예술은 진지한 콘텐츠, 교육적 기능을 갖춘 엔터테인먼트의 가장 좋은 예인 시사성, 다양한 감정적 팔레트, 때로는 사회 정치적, 시민적 파토스로 재미가 보완되는 것이 특징입니다. 최신 품질부르주아 대중문화가 창출한 쇼 비즈니스를 박탈당했다. 일반적인 "양배추"를 포함한 거의 모든 운영 가능한 "소형", "가벼운"품종은 상대적으로 짧은 수명, 주제의 관련성 고갈, 사회 질서 이행에 따라 마스크의 급격한 가치 하락이 특징입니다. 청중의 관심과 요구의 변화. 가장 역동적인 예술 형식 중 하나이자 동시에 더 오래된 예술인 팝 아트는 스탬핑 질병, 재능 있는 발견의 예술적, 미학적 가치 감소, 키치로의 변형에 취약합니다. 발전은 영화, 특히 프로그램에 버라이어티 쇼와 콘서트를 포함하는 TV와 같은 "기술" 예술의 영향을 크게 받습니다. 덕분에 무대의 전통적인 형태와 기법은 더 큰 규모와 보급률을 얻을 뿐만 아니라 심리적 깊이(클로즈업, 기타 스크린 예술의 시각적 표현 수단 사용)와 생생한 오락성을 획득합니다.

시스템에서 공연 예술오늘날 팝 음악은 예술 문화의 독립적인 현상을 대표하는 별도의 위치를 확고히 차지하고 있습니다. 가장 광범위하고 다양한 청중들 사이에서 팝 음악이 인기를 얻으면서 팝 음악은 사회적, 연령별, 교육적, 국가적 구성에 따른 다양한 인구 집단의 모순된 미적 요구에 대응하게 되었습니다. 팝아트의 이러한 특징은 팝 작품의 전문적, 미학적, 고상한 장점에 부정적인 측면이 존재한다는 것을 크게 설명해준다. 과거와 현재의 팝 청중의 엄청난 규모, 그 이질성, 팝 아트의 엔터테인먼트와 교육 기능을 결합해야 할 필요성은 팝 아트 작품 창작자에게 구체적인 요구 사항을 부과하고 특별한 책임을 부과합니다.

팝 작품을 연구하고 창작에 대한 방법론적 접근 방식을 개발하는 것의 복잡성은 전체적으로 대기업이라는 사실에 기인합니다. 다양한 예술. 이는 연기, 기악, 보컬, 안무, 회화(예: "인스턴트 아티스트" 장르)를 종합합니다. 스포츠(곡예 및 체조 행위)와 과학이 이러한 예술 통합에 끼어 있습니다(팝 장르 중에는 수학적 행위가 있습니다). - "실시간 계수기"). 또한 개인의 고유한 능력과 능력의 표현이 필요한 스턴트 구성 요소를 기반으로 하는 다양한 장르가 있습니다(예: 다양한 서커스 하위 장르, 최면, 심리 실험). 표현 수단의 다양성, 무대 위 다양한 합성 형태의 예상치 못한 특이한 조합은 종종 다른 공연 예술보다 더 다양합니다.

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1.1 팝아트의 역사

"무대"라는 단어(라틴어 지층에서 유래)는 바닥재, 플랫폼, 높이, 플랫폼을 의미합니다.

다양한 장르를 결합한 예술로서 팝아트의 가장 정확한 정의는 D.N. Ushakov의 사전에 나와 있습니다. “다양성은 작은 형태의 예술이며, 공개 무대에서 펼쳐지는 화려한 음악 공연 영역입니다. 다양한 공개 시연 및 단기 활동 조건에 대한 적응성, 예술적 및 표현적 수단으로, 연기자의 창의적인 개성을 생생하게 식별하는 데 기여하는 예술, 화제성, 다루는 주제의 심각한 사회 정치적 관련성, 우세 유머, 풍자, 저널리즘의 요소를 포함합니다."

소련 백과사전은 팝 음악을 프랑스 에스트라드(작은 형태의 연극 및 성악 예술, 음악, 안무, 서커스, 무언극 등을 포함하는 예술 형식)에서 유래한 것으로 정의합니다. 콘서트에는 연예인과 줄거리로 통합된 별도의 완전한 숫자가 있습니다. . 19세기 말에 독립 예술로 등장했습니다.

무대에는 다음과 같은 정의도 있습니다.

아티스트의 콘서트 공연을 위한 영구적 또는 임시 무대 공간입니다.

팝아트는 먼 과거에 뿌리를 두고 있으며 고대 이집트와 고대 그리스의 예술로 거슬러 올라갑니다. 버라이어티 예술은 음악, 연극, 안무, 문학, 영화, 서커스, 무언극 등 다른 예술과 밀접하게 상호 작용하지만 독립적이고 구체적인 유형의 예술입니다. 팝아트의 기초는 N. Smirnov-Sokolsky가 말했듯이 "폐하의 숫자"입니다.

공연은 한 명 또는 여러 명의 예술가가 자신의 줄거리, 절정 및 결말을 가진 소규모 공연입니다. 공연의 특이성은 아티스트가 자신을 대신하여 또는 캐릭터를 통해 대중과 직접 소통한다는 것입니다.

코미디 예술은 대중과의 열린 접촉을 바탕으로 만들어졌습니다. 델- 아르테 (가면극) XVI-p.p.XVII 세기.

18세기에 그들은 등장했다. 희가극그리고 보드빌. 보드빌은 음악과 농담이 어우러진 흥미진진한 공연이었습니다. 그들의 주요 영웅 인 평범한 사람들은 항상 어리 석고 사악한 귀족을 물리 쳤습니다.

그리고 19세기 중반에 이르러 이 장르가 탄생하게 됩니다. 오페레타(문자 그대로 작은 오페라): 성악과 기악, 무용, 발레, 팝아트 요소, 대화를 결합한 연극 예술의 일종입니다. 오페레타는 1850년 프랑스에서 독립된 장르로 등장했습니다. 프랑스 오페레타와 일반적인 오페레타의 “아버지”는 Jacques Offenbach(1819-1880)였습니다. 나중에 이 장르는 이탈리아의 "가면 코미디"로 발전했습니다.

무대는 일상생활, 민속, 전통과 밀접하게 연결되어 있습니다. 더욱이 그것들은 재검토되고, 현대화되고, “외부화”되고 있습니다. 다양한 형태의 팝 창의성이 재미있는 오락으로 사용됩니다.

이것은 우연이 아닙니다. 영국에서는 18세기에 퍼브(공공 공공기관)가 생겨나 뮤직홀(뮤직홀)의 원형이 됐다. 술집은 폭넓은 민주주의 인구 집단을 위한 오락 장소가 되었습니다. 주로 클래식 음악이 연주되는 귀족 살롱과 달리 술집에서는 노래와 춤이 연주되고 피아노, 코미디언, 마임, 곡예사가 연주되고 모방과 패러디로 구성된 대중 공연 장면이 보여졌습니다. 다소 후인 19세기 전반에 카페 콘서트가 널리 퍼졌는데, 처음에는 시인, 음악가, 배우가 즉흥 연주를 공연했던 문학 및 예술 카페였습니다. 다양한 변형을 통해 유럽 전역에 퍼져 카바레(호박)로 알려지게 되었습니다. 엔터테인먼트는 영성 요소를 배제하지 않으며 팝 아티스트에게는 시민의 입장이 특히 중요합니다.

팝아트를 대중에게 쉽게 적용하는 것은 대중을 유혹하고 나쁜 취향에 빠질 위험이 있습니다. 저속함과 저속함의 심연에 빠지지 않으려면 예술가에게는 진정한 재능과 취향, 재능이 필요합니다. 감독은 개별 팝 넘버로 프로그램을 구성했는데, 이는 표현의 강력한 수단이기도 했다. 다양한 형태의 예술적 창작에서 분리된 작은 형태들의 자유로운 집합이 독립적으로 살아가기 시작하여 다채로운 예술이 탄생하게 되었다. 버라이어티 쇼. 버라이어티 쇼 예술은 연극 및 서커스와 밀접한 관련이 있지만 연극과 달리 조직적인 극적인 액션이 필요하지 않습니다. 줄거리의 관습성, 액션(주요 드라마)의 전개 부족도 대공연의 특징이다. 리뷰(프랑스어 - 리뷰). 레뷰의 개별 부분은 공통된 공연 및 사회적 아이디어로 연결됩니다. 레뷰는 뮤지컬 드라마 장르로서 카바레, 발레, 버라이어티 쇼의 요소를 결합합니다. 레뷰 공연은 음악, 노래, 춤이 주를 이룹니다. 버라이어티 쇼에는 자체 수정 사항이 있습니다.

- 별도의 번호로 진행되는 버라이어티 쇼

- 버라이어티 쇼

- 댄스 카바레

- 검토

20세기에 레뷰는 호화로운 엔터테인먼트 쇼가 되었습니다. 미국에서는 다양한 레뷰가 등장했습니다. 보여주다.

뮤지컬 무대에는 노래, 오페레타 발췌, 뮤지컬, 다양한 악기 편곡의 버라이어티 쇼 등 다양한 장르의 경음악이 포함되었습니다. 20세기에는 재즈와 대중음악이 무대를 더욱 풍성하게 만들었습니다.

그리하여 팝아트는 많은 발전을 이루었고, 오늘날 우리는 이 장르를 다른 형태와 퍼포먼스로 관찰할 수 있는데, 이는 팝아트의 발전이 멈추지 않음을 시사한다.

작가의 뮤지컬 아마추어 창의성- 작가가 아마추어 기반으로 음악 작품을 창작하고 연주하는 것입니다. 우리나라에서 발전한 전통에 따르면 AMST는 무엇보다도 노래의 작곡으로 가장 자주 이해됩니다.

우쿨렐레의 음향적 특성

그림 1 우쿨렐레는 19세기 말 태평양 북부에 위치한 하와이 군도의 섬들에서 등장한 소형 4현 우쿨렐레입니다. 제작자는 포르투갈 이민자입니다.

문제 예술적 가치음악

음악... 그게 뭐죠? 그녀의 강점은 무엇입니까? 사람들은 아주 오래 전부터 이에 대해 생각하기 시작했습니다. "모두 음악적 소리인간의 마음에서 나오십시오. 음악은 사람과 사람의 관계와 관련이 있습니다. ...그러므로 목소리를 이해해야 합니다...

현대 생활 조건의 매우 빠른 변화로 인해 사람들은 자신의 잠재력을 더욱 성공적으로 실현하기 위해 적절한 평가와 빠른 결정을 내려야 합니다.

아마추어 팝그룹 참가자들의 음악적, 창의적 능력을 형성하는 과정

17세에서 20세 사이의 청소년기는 개인으로서의 개인 형성의 일반적인 과정에서 중요한 단계를 차지하며, 청소년 활동의 새로운 성격, 구조 및 구성을 구축하는 과정에서 의식적 행동의 기초는 다음과 같습니다. 누워...

개발 음악적 취향어린 아이들의 경우 학령기음악 수업 중

현대 음악의 다양한 경향은 학생들의 음악적 취향 발달에 매우 심각한 영향을 미칩니다. 이것은 록 음악, 테크노, 팝, 랩 및 기타 스타일입니다. 미팅 시 가장 먼저 묻는 질문 중 하나..

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밴드스탠드 -- 보기 공연 예술, 별도의 장르와 장르의 종합을 의미합니다. 노래, 춤, 독창적인 연주 등이 포함되었습니다. 서커스 예술, 환상...