회화 속의 러시아 풍경. 러시아 회화 속의 풍경. Albert Cuyp의 유명한 풍경

첫 번째 그림 같은 풍경은 18세기 후반에 러시아에서 나타났습니다. 1757년 상트페테르부르크에 제국 예술 아카데미가 문을 연 후 유럽 아카데미를 모델로 하여 다른 장르 클래스 중에서도 풍경화 클래스가 있었습니다. . 또한 기억에 남을 만한 건축학적으로 중요한 장소를 "전망"하려는 요구도 있습니다. 고전주의(지금은 고전주의가 지배하는 시대)는 고대 영웅을 연상시키는 장엄한 건물, 거대한 나무, 파노라마 등 높은 연관성을 불러일으키는 것만 인식하도록 눈을 조정합니다. 자연과 도시의 데이터 모두 베두타 장르(이탈리아어 베두타(veduta)에서 유래)는 특히 유리한 유리한 지점에서 본 도시의 이미지였습니다.이상적인 모습으로 제시되어야 합니다.

들리니(Dlinny) 섬에서 바라본 가치나 궁전(Gatchina Palace). Semyon Shchedrin의 그림. 1796년

Pavlovsk의 밀 및 타워 Pil. Semyon Shchedrin의 그림. 1792년사마라 지역 미술관

모스크바의 붉은 광장. Fyodor Alekseev의 그림. 1801주립 트레차코프 갤러리

Peter and Paul Fortress에서 Exchange와 해군성의 전망. Fyodor Alekseev의 그림. 1810년주립 트레차코프 갤러리

풍경은 실제 생활에서 그려지지만 확실히 스튜디오에서 완성됩니다. 공간은 세 가지 별개의 계획으로 나누어지고, 소위 스태프라고 불리는 인간의 모습으로 관점이 생생해지며, 구성 순서가 전통적인 색상으로 강화됩니다. 따라서 Semyon Shchedrin은 Gatchina와 Pavlovsk를 묘사하고 Fyodor Alekseev는 모스크바 광장과 상트 페테르부르크 제방을 묘사합니다. 그건 그렇고, 둘 다 이탈리아에서 미술 교육을 마쳤습니다.

2. 러시아 예술가들이 이탈리아 풍경을 그리는 이유는 무엇입니까?

러시아 풍경 발전의 다음 단계인 낭만적인 풍경은 이탈리아와 훨씬 더 연관될 것입니다. 연금 수급자, 즉 아카데미를 성공적으로 졸업한 후 인턴십을 위해 그곳에 가는 19세기 전반의 예술가들은 원칙적으로 서두르지 않고 돌아왔습니다. 남부 기후 자체는 고국에는 없는 자유의 표시로 보이며, 기후에 대한 관심은 이를 묘사하려는 욕구이기도 합니다. 즉, 여름이 항상 지속되는 따뜻하고 자유로운 지역의 구체적인 빛과 공기입니다. 이를 통해 실제 조명과 분위기에 따라 색 구성표를 구축할 수 있는 능력인 플레인 에어 페인팅을 마스터할 수 있는 가능성이 열립니다. 오래되고 고전적인 풍경은 영웅적인 풍경을 요구하고 의미 있고 영원한 것에 초점을 맞췄습니다. 이제 자연은 사람들이 살아가는 환경이 되었습니다. 물론 다른 풍경과 마찬가지로 낭만적인 풍경도 선택을 전제로 합니다. 아름답게 보이는 것만이 프레임에 들어갑니다. 이것만이 또 다른 아름다운 것입니다. 인간과 독립적으로 존재하지만 그에게 유리한 풍경 - "올바른"자연에 대한 이러한 아이디어는 이탈리아 현실과 일치합니다.

나폴리의 달밤. 실베스터 셰드린의 그림. 1828년주립 트레차코프 갤러리

카프리 섬의 Matromanio 동굴. 실베스터 셰드린의 그림. 1827년주립 트레차코프 갤러리

티볼리의 폭포. 실베스터 셰드린의 그림. 1820년대 초주립 트레차코프 갤러리

포도가 얽힌 베란다. 실베스터 셰드린의 그림. 1828년주립 트레차코프 갤러리

Sylvester Shchedrin은 이탈리아에서 12년 동안 살았으며 이 기간 동안 달밤, 바다, 바다가 눈으로 열리는 동굴, 폭포 및 테라스와 같은 낭만적인 풍경 모티프에 대한 일종의 주제별 사전을 만들었습니다. 그 성격은 글로벌하고 친밀한 공간과 포도 퍼걸러 그늘에서 숨을 수 있는 기회를 결합합니다. 이 퍼걸러 또는 테라스는 무한한 내부 인클로저와 같으며 Lazzaroni vagabonds는 나폴리만의 전망을 감상하며 행복한 한가로움에 빠져 있습니다. 그들은 풍경 자체의 일부인 것 같습니다. 야생의 자연에서 자유로운 아이들입니다. 예상대로 Shchedrin은 스튜디오에서 그림을 완성했지만 그의 그림 스타일은 낭만적인 감정을 보여줍니다. 열린 붓놀림은 마치 즉각적인 이해와 감정적 반응의 속도에 맞춰 사물의 모양과 질감을 조각합니다.

메시아의 출현(그리스도께서 사람들에게 나타나심). 알렉산더 이바노프(Alexander Ivanov)의 그림. 1837년~1857년주립 트레차코프 갤러리

사람들에게 그리스도의 출현. 초기 스케치. 1834년

사람들에게 그리스도의 출현. 베니스 여행 후 쓴 스케치. 1839년주립 트레차코프 갤러리

사람들에게 그리스도의 출현. "스트로가노프" 스케치. 1830년대주립 트레차코프 갤러리

그러나 Shchedrin의 젊은 동시대인 Alexander Ivanov는 인간의 감정과 관련이 없는 다른 본성을 발견합니다. 20년 이상 동안 그는 "메시아의 출현"이라는 그림을 작업했으며 다른 모든 것과 마찬가지로 풍경도 그것과 간접적으로 연결되어 만들어졌습니다. 사실 작가는 종종 스케치로 생각했지만 예술적 배려로 실행되었습니다. 한편으로는 이탈리아 평원과 늪(아직 기독교에 의해 인간화되지 않은 세계)의 황량한 파노라마이고, 다른 한편으로는 자연 요소의 클로즈업입니다. 가지 하나, 시냇물에 돌, 심지어는 마른 땅, 또한 파노라마 방식으로 제공되며 끝없는 수평 프리즈 예를 들어, 1840년대에 그려진 "알바노의 성 바울 교회 문 근처의 토양"이라는 그림이 있습니다.. 세부 사항에 대한 관심은 대기 효과에 대한 관심으로 가득 차 있습니다. 하늘이 물에 반사되는 방식과 울퉁불퉁한 토양이 태양의 반사를 포착하는 방식이지만 이 모든 정밀도는 근본적인 것, 즉 근본적인 것에서 영원한 자연의 이미지로 변합니다. . Ivanov는 가시적인 부분을 조각화하는 데 도움이 되는 장치인 카메라 루시다(camera-lucida)를 사용한 것으로 추정됩니다. Shchedrin도 아마도 그것을 사용했을 것입니다. 그러나 결과는 다릅니다.

3. 러시아 최초의 풍경이 어떻게 나타났는가

당분간 자연은 아름답기 때문에 이질적입니다. 그 자체의 아름다움은 부정됩니다. "러시아 이탈리아인"은 추운 러시아에서 영감을 받은 것이 아닙니다. 그 기후는 자유의 부족, 삶의 마비와 관련이 있습니다. 그러나 다른 집단에서는 그러한 연관성이 발생하지 않습니다. 해외 여행을 한 적이없고 낭만적 인 세계관과는 거리가 먼 Alexei Gavrilovich Venetsianov의 학생 인 Nikifor Krylov는 아마도 눈과 겨울을 쓸 수 없다는 Karl Bryullov의 말을 몰랐을 것입니다 ( "흘린 우유는 모두 나올 것입니다") . 그리고 1827년에 그는 최초의 국가 풍경, 즉 겨울 풍경을 만들었습니다.


겨울 풍경(러시아 겨울). Nikifor Krylov의 그림. 1827년국립 러시아 박물관

그는 Safonko-vo 마을에 학교를 열었습니다. 이제 베네치아노보입니다., Venetsianov는 "자연에 나타나는 것과 다르게 아무것도 묘사하지 말고 단독으로 순종하라"고 가르쳤습니다 (반대로 아카데미에서는 모델, 테스트되고 이상적인 것에 초점을 맞추도록 가르쳤습니다). Tosny의 높은 은행에서 자연은 넓은 관점에서 파노라마처럼 열렸습니다. 파노라마는 리드미컬하게 살아있고, 사람들의 모습은 공간에서 사라지지 않고 자연스럽다. 훨씬 후에, 바로 이러한 유형의 "행복한 사람들"(말을 이끄는 남자, 멍에를 멘 농부 여자)은 그림에서 다소 기념품 악센트를 얻게 될 것입니다. 시력에 가깝습니다. 눈과 하늘의 고른 빛, 푸른 그림자와 투명한 나무들은 세상을 평화와 올바른 질서의 중심인 짧은 서사시로 제시합니다. 이 세계 인식은 Venetsianov의 또 다른 학생 Grigory Soroka의 풍경에서 더욱 예리하게 구현 될 것입니다.

농노 예술가 (그의 "주인"과 친구였던 Venetsianov는 사랑하는 학생의 자유를 결코 얻을 수 없었습니다) Soroka는 소위 러시아 Biedermeier의 가장 재능있는 대표자입니다 (이것이 Venetsianov의 학생들의 예술입니다 학교)라고 합니다. 평생 동안 그는 영지의 내부와 주변 환경을 그렸고 1861 년 개혁 이후 농민 활동가가되었으며 이로 인해 잠시 체포되고 아마도 체벌을 당했고 그 후 목을 매었습니다. 그의 전기에 대한 다른 세부 사항은 알려져 있지 않습니다.


어민. Spassky에서 확인하세요. 그레고리 소로카의 그림. 1840년대 후반국립 러시아 박물관

그의 "어부"는 러시아 회화 전체를 통틀어 가장 "조용한" 그림인 것 같습니다. 그리고 가장 "균형 잡힌" 것입니다. 호수, 하늘, 건물과 나무, 그림자와 하이라이트, 손수 만든 흰 옷을 입은 사람들 등 모든 것이 모든 것에 반영되고 모든 것과 운율을 이룹니다. 노를 물 속으로 내려도 물 표면에 물이 튀거나 잔물결이 생기지 않습니다. 캔버스 흰색과 짙은 녹색의 진주 색조는 색상을 빛으로 변환합니다. 아마도 이른 저녁일 수도 있지만 더 초월적이고 천상의 빛으로 확산되고 차분한 광채로 변합니다. 낚시는 행동을 암시하는 것처럼 보이지만 아무것도 없습니다. 움직이지 않는 인물은 공간에 장르 요소를 도입하지 않습니다. 그리고 농민 바지와 셔츠를 입은 이 인물들은 농민처럼 보이지 않고 서사시나 노래에 나오는 인물처럼 보입니다. Spasskoye 마을의 호수가 있는 특정 풍경은 소리가 없고 약간 꿈같은 이상적인 자연 이미지로 변합니다.

4. 러시아 풍경이 러시아인의 삶을 포착하는 방법

베네치아의 그림은 러시아 예술의 일반 분야에서 적당한 위치를 차지했으며 주류에 들어 가지 않았습니다. 1870년대 초까지 풍경은 낭만적인 전통에 맞춰 발전하여 효과와 화려함이 증가했습니다. 그것은 이탈리아 기념물과 유적, 일몰과 달밤의 바다 전망이 지배했습니다 (이러한 풍경은 예를 들어 Aivazovsky와 나중에 Kuindzhi에서 찾을 수 있습니다). 그리고 1860~70년대에 접어들면서 급격한 변화가 일어났습니다. 첫째, 그것은 무대에서 러시아 자연의 출현과 관련이 있으며, 둘째, 이 자연에는 낭만적 인 아름다움의 모든 징후가 선언적으로 결여되어 있다는 사실과 관련이 있습니다. 1871년에 Fyodor Vasiliev는 Pavel Mikhailovich Tretyakov가 컬렉션을 위해 즉시 획득한 "The Thaw"를 썼습니다. 같은 해 Alexey Savrasov는 첫 번째 순회 전시회에서 그의 유명한 "Rooks"를 선보였습니다 (당시 그림은 "Here the Rooks Have Arrived"라고 불림).


해동. Fyodor Vasiliev의 그림. 1871년주립 트레차코프 갤러리

"The Thaw"와 "The Rooks"에서는 계절이 정의되지 않습니다. 더 이상 겨울도 아니고 아직 봄도 아닙니다. 비평가 Stasov는 Savrasov가 "겨울을 듣는"방법과 다른 시청자가 봄을 "듣는"방법에 감탄했습니다. 과도기적이고 변동하는 자연 상태는 미묘한 대기 반사로 그림을 포화시키고 역동적으로 만드는 것을 가능하게 했습니다. 그러나 그렇지 않으면 이러한 풍경은 다른 것에 관한 것입니다.

루크들이 도착했습니다. Alexey Savrasov의 그림. 1871년주립 트레차코프 갤러리

Vasiliev는 해빙을 개념화합니다. 이를 현대 사회 생활에 투영합니다. 즉, 시대를 초월하고 지루하며 절망적입니다. Vasily Sleptsov의 혁명적 민주주의 작품부터 Nikolai Leskov의 반허무주의 소설(이 소설 중 하나의 제목인 "Nowhere"는 그림의 제목이 될 수 있음)에 이르기까지 모든 러시아 문학은 경로의 불가능성을 기록했습니다. - 남자와 소년이 풍경 속에서 길을 잃은 막다른 상황. 그리고 그것은 풍경 속에 있습니까? 이 공간에는 비참한 눈 덮인 오두막, 진창에 갇힌 나무 쓰레기, 수평선에 일방적 인 나무를 제외하고는 풍경 좌표가 없습니다. 그것은 파노라마적이지만 회색 하늘에 짓눌려 빛과 색에 합당하지 않으며 질서가 없는 공간입니다. Savrasov에는 다른 것이 있습니다. 그는 또한 모티프의 평범한 성격을 강조하는 것 같습니다. "비디오 페인팅"의 대상이 될 수 있었던 교회는 구부러진 자작나무, 두꺼운 눈, 녹은 물 웅덩이로 자리를 내주었습니다. "러시아어"는 Tyutchev에서와 같이 "가난함", 보기 흉함, "빈약한 자연"을 의미합니다. 그러나 "오래 참음 노래의 본토"를 찬양하는 동일한 Tyutchev는 다음과 같이 썼습니다. - 그리고 "Rooks"에서 이 비밀의 빛은 입니다. 하늘은 캔버스의 절반을 차지하고 여기에서 완전히 낭만적인 "천상의 광선"이 땅으로 내려와 사원의 벽, 울타리, 연못의 물을 비춥니다. 이는 봄의 첫 번째 단계를 표시하고 풍경을 제공합니다. 감정적이고 서정적인 색채입니다. 그러나 Vasiliev의 해빙은 또한 봄을 약속하며 원하는 경우 이러한 의미의 그늘을 여기에서 보거나 여기에서 읽을 수도 있습니다.

5. 러시아 조경학파는 어떻게 발전했나

시골길. Alexey Savrasov의 그림. 1873년주립 트레차코프 갤러리

저녁. 새들의 이주. Alexey Savrasov의 그림. 1874년오데사 미술관

Savrasov는 러시아 최고의 컬러리스트 중 한 명이자 가장 "다국어"를 구사하는 사람 중 한 명입니다. 그는 도로 흙("시골 도로")을 강렬하고 축제적인 색상으로 칠하거나 땅과 하늘로만 구성된 풍경에서 최고의 미니멀리스트 조화를 구축할 수 있습니다( “ 저녁. 새들의 이주"). 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교의 교사였던 그는 많은 사람들에게 영향을 미쳤습니다. 그의 기교적이고 개방적인 화보 스타일은 Polenov와 Levitan에서 계속될 것이며, 그의 모티브는 Serov, Korovin, 심지어 Shishkin(큰 참나무)에서도 반향을 일으킬 것입니다. 그러나 러시아 풍경의 다른 이데올로기를 구현하는 것은 Shishkin입니다. 이것은 (약간 서사적인 종류의) 영웅주의, "국가"와 "민중"의 엄숙한 위대함, 힘 및 영광에 대한 아이디어입니다. 일종의 애국적인 파토스 : 일년 중 언제든지 똑같은 거대한 소나무 (외기 변동성은 확실히 Shishkin에게 이질적이었고 그는 침엽수 림을 그리는 것을 선호했습니다), 숲 세트에 모여서 모든 조심스럽게 칠해진 풀, 또한 식물의 다양성을 나타내지 않는 유사한 허브 세트를 형성합니다. 예를 들어 그림 "Rye"에서 선형 원근법에 따라 크기가 감소하는 배경 나무는 공중 원근법을 고려할 때 불가피한 윤곽의 명확성을 잃지 않지만 예술가에게는 형태가 중요하다. "소나무 숲의 아침"(Konstantin Savitsky와 공동으로 작성 - 붓으로 곰) 그림에서 밝은 공기 환경을 묘사하려는 그의 첫 번째 시도가 신문의 비문을 야기한 것은 놀라운 일이 아닙니다. ? 그들이 얼마나 안개를 들여왔는지, 얘야.”

호밀. Ivan Shishkin의 그림. 1878년주립 트레차코프 갤러리

소나무 숲의 아침. Ivan Shishkin과 Konstantin Savitsky의 그림. 1889년주립 트레차코프 갤러리

Shishkin에는 추종자가 없었으며 일반적으로 러시아 조경 학교는 상대적으로 Savrasov의 노선을 따라 발전했습니다. 즉, 대기 역학에 관심을 갖고 개략적인 신선함과 개방적인 글쓰기 방식을 기르는 것입니다. 이것은 또한 1890년대에 거의 보편적이었던 인상주의에 대한 열정과 일반적으로 해방에 대한 갈증, 즉 적어도 색과 붓 기술의 해방을 동반했습니다. 예를 들어, 폴레노프의 경우 - 그 혼자가 아니라 - 스케치와 그림 사이에는 거의 차이가 없습니다. 모스크바 학교 조경 수업의 리더십에서 Savrasov를 대체 한 Savrasov와 Levitan의 학생들은 순간적인 자연 상태, 무작위 빛 및 갑작스런 날씨 변화에 인상주의적인 방식으로 반응했습니다. 그리고 반응의 속도는 기법의 발현으로 표현되었는데, 이는 그림이 만들어지는 과정과 어떤 표현수단을 선택하는 작가의 의지가 모티브를 통해, 그리고 모티브 위에 드러나는 방식이었다. 풍경은 완전히 객관적이지 않았고 작가의 성격은 현재로서는 주어진 종과 균형을 이루면서 자신의 독립적인 입장을 주장한다고 주장했습니다. 이 입장을 완전히 정의하는 것은 Levitan의 몫이었습니다.

6. 조경의 세기는 어떻게 끝났나요?

아이작 레비탄(Isaak Levitan)은 '분위기 풍경'의 창시자, 즉 자신의 감정을 자연에 크게 투영하는 예술가로 평가된다. 그리고 실제로 Levitan의 작품에서는 이 정도가 높으며 조용한 슬픔부터 승리의 기쁨까지 키보드 전체에 걸쳐 다양한 감정이 연주됩니다.

19세기 러시아 풍경의 역사를 마무리하는 레비탄은 모든 움직임을 종합하여 결국 명확하게 드러내는 것처럼 보입니다. 그의 그림에서는 훌륭하게 쓰여진 빠른 스케치와 서사시적인 파노라마를 찾을 수 있습니다. 그는 개별 색상의 획으로 볼륨을 조각하는 인상주의 기술(때때로 텍스처의 세부 사항에서 인상주의 "표준"을 초과함)과 임파스토 다채로운 벽돌 넓은 레이어의 인상파 이후 방법 모두에 똑같이 능숙했습니다. 그는 친밀한 각도, 친밀한 자연을 볼 수 있는 방법을 알고 있었지만 열린 공간에 대한 사랑도 발견했습니다. 명성을 얻었을 때에도 예술가에 대해 두 번이나 도시에서 급히 상병 비행을 강요했습니다.

영원한 평화 위에. 아이작 레비탄의 그림. 1894년주립 트레차코프 갤러리

저녁 종. 아이작 레비탄의 그림. 1892년주립 트레차코프 갤러리

"먼 전망"은 애국적인 자유의 느낌 ( "신선한 바람. 볼가")과 연관 될 수 있으며 슬픔에 잠긴 우울함을 표현할 수 있습니다. 그림 "Vladimirka"에서와 같이 장소에 대한 극적인 기억이 (이 죄수의 길에서 이어졌습니다) 시베리아 호송대에게) 우울한 하늘 아래 비나 이전 행렬로 인해 느슨해진 도로 이미지에서 추가 주변 환경 없이 읽을 수 있습니다. 그리고 마지막으로, 자연이 존재의 순환에 대한 성찰과 달성할 수 없는 조화를 추구하는 이유가 되는 철학적 성격의 풍경 우아함인 Levitan의 일종의 발견입니다: "조용한 거주지", "영원한 평화 위", " 저녁 종소리”.

아마도 그의 마지막 그림은 '호수'일 것이다. Rus'”는 이 시리즈에 속할 수 있습니다. 그것은 러시아 자연의 전체적인 이미지로 생각되었습니다 Levitan은 그것을 "Rus"라고 부르고 싶었지만 좀 더 중립적인 선택을 하기로 결정했습니다. 이중 이름은 나중에 붙어 있습니다.그러나 미완성 상태로 남아 있는 것은 아마도 이것이 모순된 입장을 결합한 이유일 것입니다. 즉, 영원한 존재의 러시아 풍경과 "덧없는 것들"에 주의를 기울이는 인상주의적 기법입니다.


호수. 러시아. 아이작 레비탄의 그림. 1899년부터 1900년까지국립 러시아 박물관

우리는 이러한 낭만적인 색채와 붓놀림의 강렬함이 최종 버전에서도 그대로 유지되었는지 알 수 없습니다. 그러나 이 중간 상태는 한 그림에서 종합을 드러낸다. 장대한 파노라마, 영원하고 흔들리지 않는 자연 현실, 그러나 그 안에서는 구름, 바람, 잔물결, 그림자, 반사 등 모든 것이 움직입니다. 넓은 스트로크는 아직 되지 않은 것을 포착하지만, 변화하고 있는 것을 마치 따라잡으려고 노력하는 것처럼 포착합니다. 한편으로는 여름 꽃의 충만함, 엄숙한 주요 나팔, 다른 한편으로는 변화를 준비하는 삶의 강렬함입니다. 1900년 여름; 풍경화뿐만 아니라 풍경화가 완전히 다르게 보일 새로운 세기가 다가오고 있습니다.

출처

  • 보헴스카야 K.장르의 역사. 경치.
  • 페도로프-다비도프 A.A. 18~20세기 초 러시아 풍경.

M. K. Klodt. 경작지에서. 1871년

19세기 러시아 화가들의 풍경화

1820년대 초 베네치아노프는 그림의 조명 문제에 관심을 갖게 되었습니다. 예술가는 1820년에 F. Granet의 그림 "로마에 있는 카푸친 수도원의 내부 모습"을 알게 되면서 이러한 문제를 해결하라는 메시지를 받았습니다. 한 달이 넘도록 매일 작가는 Hermitage에서 그녀 앞에 앉아 그림에서 환상의 효과가 어떻게 달성되었는지 이해했습니다. 그 후 Venetsianov는 모든 사람이 사물의 물질성에 대한 느낌에 충격을 받았다고 회상했습니다.

마을에서 Venetsianov는 "The Threshing Barn"(1821-1823)과 "Morning of the Landowner"(1823)라는 두 개의 놀라운 그림을 그렸습니다. 러시아 회화에서는 처음으로 농민의 이미지와 삶이 인상적인 진정성으로 전달되었습니다. 작가는 처음으로 사람들이 일하는 환경의 분위기를 재현하려고 노력했다. Venetsianov는 아마도 이 그림을 장르의 종합으로 인식한 최초의 사람 중 하나일 것입니다. 앞으로 이러한 다양한 장르를 하나의 전체로 결합하는 것은 19세기 회화의 가장 중요한 성과가 될 것입니다.
"The Morning of the Landowner"에서와 같이 "The Threshing Barn"에서 빛은 Venetsianov가 말했듯이 "애니메이션"과 "물질"이라는 물체의 구호를 드러내는 데 도움이 될뿐만 아니라 그들과 실제 상호 작용을 통해 비유적인 내용을 구현하는 수단으로. <지주의 아침>에서 작가는 빛과 색의 관계의 복잡함을 느꼈지만, 지금까지는 단지 그것을 느낄 뿐이었다. 색상과 색상의 관계는 적어도 이론적 고려에서는 여전히 전통적인 아이디어를 넘어서지 못합니다. Vorobyov도 비슷한 견해를 가지고있었습니다. 그는 학생들에게 이렇게 설명했습니다. "자연주의자보다 이상주의자가 우월하다는 것을 더 잘 이해하려면 푸생과 루이즈달이 페인트 없이 우리 앞에 나타날 때의 판화를 보아야 합니다."

색상에 대한 이러한 태도는 전통적이며 르네상스의 거장들에게서 유래되었습니다. 그들의 마음 속에서 색은 빛과 그림자 사이의 중간 위치를 차지했습니다. 레오나르도 다빈치는 그림자 없는 색의 아름다움은 무지한 군중 속에서만 예술가에게 명성을 안겨준다고 주장했습니다. 이러한 판단은 르네상스 예술가들이 형편없는 색채주의자이거나 관찰력이 없는 사람들이었다는 것을 전혀 나타내지 않습니다. 반사 신경의 존재는 L.-B로 표시되었습니다. Alberti, Leonardo는 또한 반사 신경에 관한 유명한 정리를 가지고 있습니다. 그러나 그들에게 가장 중요한 것은 현실의 지속적인 특성을 식별하는 것이 었습니다. 세상에 대한 이러한 태도는 당시의 견해와 일치했습니다.
같은 1827년에 A.V. Tyranov는 "Nikolskoye 마을 근처의 Tosno 강의 전망"이라는 여름 풍경을 그렸습니다. 그림은 마치 "러시안 윈터(Russian Winter)"와 함께 만들어졌습니다. 전망은 높은 둑에서 열리고 먼 거리를 포괄합니다. 크릴로프의 그림처럼 이곳의 사람들은 스태프 역할을 하는 것이 아니라 장르 집단을 형성하고 있다. 두 그림 모두 말 그대로 순수한 풍경이다.
Tyranov의 운명은 여러면에서 Krylov의 운명과 가깝습니다. 그는 또한 아이콘 화가인 형을 도와 그림을 그렸습니다. 1824년 베네치아노프의 노력 덕분에 그는 상트페테르부르크로 왔고 1년 후 예술가 격려 협회의 도움을 받았습니다. "니콜스코예 마을 근처 토스노 강의 풍경"이라는 그림은 전문적인 회화 기법을 익히기 위한 첫 걸음을 내딛은 19세 소년이 만든 것입니다. 불행히도 두 작가의 작업에서는 풍경화로 전환하는 경험이 개발되지 않았습니다. Krylov는 4년 후 콜레라 전염병으로 사망했으며 Tyranov는 "방 안", 원근화 장르에 전념하고 의뢰받은 초상화를 성공적으로 그렸으며 그 과정에서 명성을 얻었습니다.
1820년대 후반에 실베스터 슈체드린의 재능이 힘을 얻었습니다. "뉴 로마"주기 이후 그는 생명력이 넘치는 풍경을 그렸으며 테라스와 베란다에서 자연의 자연스러운 존재를 전달했습니다. 이러한 풍경에서 Shchedrin은 마침내 직원 배포 전통을 포기했습니다. 사람들은 자연과 뗄래야 뗄 수 없는 일체감을 느끼며 자연에 새로운 의미를 부여합니다. 전임자들의 업적을 대담하게 발전시킨 Shchedrin은 이탈리아 국민의 일상 생활을 시화했습니다.
예술의 새로운 내용의 구현, 비유적인 작업의 참신함은 필연적으로 적절한 예술적 수단을 찾는 예술가를 포함합니다. 1820년대 전반에 셰드린은 '박물관' 색채의 관습을 극복하고 무대 뒤의 공간 구축을 포기했다. 그는 차가운 색 구성표로 전환하고 리포수아와 계획을 거부하고 점진적인 깊이 있는 공간을 구축합니다. 넓은 공간을 묘사할 때 Shchedrin은 원거리 계획이 "안개로" 칠해지는 대기 조건을 선호합니다. 이는 플레인에어 페인팅의 문제에 접근하는 중요한 단계였지만 플레인에어 페인팅 이전에는 갈 길이 멀었습니다.
plein air painting에 관해 많은 글이 쓰여졌습니다. 대부분의 경우 외풍은 가벼운 공기 환경의 이미지와 관련이 있지만 이는 그 요소 중 하나일뿐입니다. A. A. Fedorov-Davydov는 "New Rome"주기를 분석하면서 다음과 같이 썼습니다. “Shchedrin은 조명의 가변성이 아니라 그가 처음으로 발견한 빛과 공기의 문제에 관심이 있습니다. 그는 자신의 감각이 아닌 객관적인 현실을 전달하고 조명의 충실도와 공기 환경의 전달을 통해 이를 추구합니다.” Shchedrin과 Levitan의 작업은 특정한 민주적 전망을 결합하지만 반세기에 걸친 예술 발전 기간으로 구분됩니다. 이 기간 동안 그림의 가능성이 크게 확장되었습니다. 대기 환경의 문제를 해결하는 것 외에도 묘사된 사물 자체의 컬러 플라스틱 가치를 확인합니다.
이를 바탕으로 V. S. Turchin은 낭만주의 풍경화를 외풍과 올바르게 연관시킵니다. “외풍에 접근하는 낭만주의는 그림 같은 공기의 색상을 찾아 표현하고 싶었지만 이는 외풍의 일부일뿐입니다. plein air 자체는 모든 것이 반사되고 서로 침투하는 "광학 매체"의 문제를 포함하는 특정 시스템으로 이해됩니다.

관찰은 있었지만 지식은 없었습니다. F. Engels는 "자연의 변증법"에서 다음과 같이 썼습니다. "우리 눈에는 다른 감각뿐만 아니라 우리 사고의 활동도 추가됩니다." 뉴턴은 1704년에 ​​광학을 출판했습니다. 그는 다년간의 연구 결과를 종합해 보면, 보통의 백색(태양) 빛이 갈라질 때 색이 나타나는 현상이 일어난다는 결론에 이르렀다. 그보다 조금 앞서인 1667년에 유명한 물리학자인 로버트 보일(Robert Boyle)은 빛의 광학 이론을 페인트 이론에 적용하려고 시도하여 런던에서 "색상에 관한 실험과 추론"이라는 책을 출판했습니다. 그리고 페인트의 실험적 역사의 시작으로 출판되었습니다."
우선, 풍경화가들은 공간구성의 문제에 주목하였다. 1820~1830년대에는 많은 예술가들이 원근법을 연구했는데, 그중 Vorobiev와 Venetsianov를 먼저 언급해야 합니다. 그들의 작품에서는 공간을 전달할 때 자연스러움이 주는 인상이 무엇보다 중요하다. Vorobyov가 중동으로 떠나기 전에 A. N. Olenin 예술 아카데미 회장은 1820년 3월 14일에 그에게 긴 "지침"을 전달했습니다. 다른 실용적인 지침 중에서 다음을 읽을 수 있습니다. “보통의 재능이 예술 작품에 더 많은 힘을 부여하기 위해 때때로 발명하도록 강요되는 모든 것을 확실히 피하기 시작할 것입니다. 나는 자연이 아닌 상상 속에만 존재하고, 자연을 있는 그대로 묘사하는 방법을 모르는 화가들이 사용하는 르푸수아에 대해 이렇게 말합니다. 제 생각에는 예술 작품을 매력적으로 만드는 놀라운 진실과 함께 말입니다. ” Olenin은 예술 작품과 자연 작품을 결합한다는 아이디어를 한 번 이상 확인했습니다. 예를 들어, 1831년에 그는 다음과 같이 썼습니다. “자연에서 대상을 선택하는 것이 취향(예술에서 가장 우아한 것만큼 정의하기 어려운 감정)에 따라 이루어진다면, 그 대상은 우아할 것입니다. 그 방식대로, 자연 그 자체의 진정한 표현에 따르면." 취향은 낭만주의적 범주로, 외부에서 도입하지 않고 자연 그 자체의 우아함을 찾는 것은 고전주의적 모방 개념에 대한 비판이 담긴 사상이다.

1820~1830년대 예술 아카데미 내부에서는 일상생활에 대한 태도가 부정적이기보다는 긍정적이었습니다. 1824년 초상화 수업을 졸업한 F. G. Solntsev는 십자가 위의 구세주가 보통 시터에게서 그려졌다고 회상했습니다. "5분 후 시터가 창백해지기 시작했고 그 후 그들은 이미 지쳐서 그를 데려갔습니다." 1830년 이후 풍경 수업의 책임자인 보로비예프(Vorobiev)는 역사화 교수들과 동등한 권리를 부여받았고, 풍경 수업의 학생들은 교실 드로잉 수업을 현장 작업으로 대체할 수 있었습니다.
이 모든 것은 예술 아카데미의 교육 시스템에서 발생하는 특정 프로세스에 대해 말합니다.
예를 들어, V.I. Grigorovich는 "과학 및 예술"(1823) 기사에서 다음과 같이 썼습니다. "미술의 특징은 우아하고 유쾌한 모든 것을 묘사하는 것입니다." 또한 "실생활에서 그린 사람의 초상화는 이미지이고, 취향의 규칙에 따라 배열되고 실행된 역사적 그림은 모방입니다." 풍경이 “초상화여야 한다”고 생각한다면 풍경 역시 모방이 아닌 이미지로 간주되어야 한다. 초상화와 관련하여 Grigorovich가 공식화 한이 입장은 "추측과 실험을 기반으로 한 역사적 종류의 그림 및 회화 지식에 대한 간략한 안내서"에 설명 된 풍경에 대한 I.F. Urvanov의 성찰에서 벗어나지 않습니다. (1793): “풍경 예술은 한 장소의 여러 대상을 하나의 보기로 결합하고 올바르게 그려서 눈에 즐거움을 주고 그러한 경치를 보는 사람들이 실제로 보는 것처럼 상상하도록 하는 능력으로 구성됩니다. ” 따라서 어떤 의미에서 러시아 고전주의 이론은 풍경과 초상화가 자연을 닮을 것을 요구했습니다. 이것은 풍경과 초상화 장르의 낭만적인 검색과 고전주의의 충돌 없는 근접성을 부분적으로 설명합니다. 낭만주의 예술에서는 이러한 유사성을 어떻게 달성할 것인가에 대한 문제가 더욱 심각했습니다. 인간의 태도로 채색된 자연에 대한 감각은 러시아 풍경화의 선구자인 Semyon Shchedrin의 작품에서 나타났습니다. 그가 그린 Gatchina, Pavlovsk, Peterhof의 견해는 특정 구성의 특징을 담고 있지만 자연과의 매우 명확한 관계에 대한 느낌으로 가득 차 있습니다.

Semyon Shchedrin의 사망 기사에서 I. A. Akimov는 다음과 같이 썼습니다. "그는 그의 그림의 첫 번째 밑칠, 특히 공기와 거리를 뛰어난 기술과 성공으로 그렸습니다. 이는 마무리하는 동안 동일한 경도와 예술이 보존되도록 하는 것이 바람직했습니다." 나중에 고전 풍경 F. M. Matveev의 대가의 그림에서 Sylvester Shchedrin은 "장거리 계획을 그리는 기술로 구성되는" "가장 중요한 이점"을 언급했습니다.
1820년대 말, Shchedrin은 달이 있는 풍경을 묘사하기 시작했습니다. 언뜻 보면 이는 전통적인 로맨틱 모티프에 대한 호소처럼 보일 수 있습니다. 낭만주의자들은 "밤의 나른한 이야기"를 좋아했습니다.
1820년대 중반에는 시의 많은 낭만적인 장신구가 템플릿이 되었고, 풍경의 비유적이고 감정적인 특성, 특히 밤과 안개의 시학이 이제 막 발견되기 시작했습니다.
Shchedrin은 다른 이탈리아 풍경에 대한 작업을 떠나지 않고 밤 풍경을 그렸습니다. 이 기간 동안 그는 "해변의 테라스"와 "나폴리의 메르겔리나 산책로"(1827), 비코와 소렌토의 전망 등 멋진 그림을 그렸습니다. 달빛 풍경이 유명한 테라스와 동시에 나타난 것은 우연이 아닙니다. 그들은 자연에 대한 심층적인 이미지, 인간과의 다각적인 연결을 찾는 자연스러운 연속이 되었습니다. 이러한 연결은 Shchedrin이 자신의 풍경에 자주 기꺼이 포함시키는 사람들 덕분에 느껴질 뿐만 아니라 각 캔버스에 생기를 불어넣는 예술가 자신의 감정으로 인해 더욱 풍성해집니다.

야간 풍경에서 매우 자주 Shchedrin은 이중 조명을 사용합니다. 여러 버전으로 알려진 그림 "달밤의 나폴리"(1829)에도 달과 불이라는 두 가지 광원이 있습니다. 이러한 경우, 빛 자체는 다양한 색상 가능성을 전달합니다. 즉, 달의 빛은 더 차갑고 불의 빛은 더 따뜻한 반면, 밤에 발생하기 때문에 로컬 색상이 상당히 약해집니다. 두 가지 광원의 이미지는 많은 예술가들을 매료시켰습니다. 이 모티프는 A. A. Ivanov가 수채화 "Ave Maria"(1839), I. K. Aivazovsky가 "Moonlit Night"(1849) 그림에서, K. I. Rabus가 "Spassky Gate in Moscow"(1854) 그림에서 개발했습니다. 회화 문제를 해결함에 있어서 이중 조명이라는 모티브는 작가에게 빛과 객관적인 세계 사이의 직접적인 관계의 문제에 직면하게 했다.
그러나 세상의 컬러 그림의 모든 풍부함과 즉각적인 아름다움을 완벽하게 구현하기 위해 풍경화가들은 작업장을 떠나 야외로 나가야했습니다. Venetsianov 이후 Krylov는 "Winter Landscape"(Russian Winter) 그림을 작업하면서 러시아 회화에서 그러한 시도를 한 최초의 사람 중 한 명이었습니다. 그러나 젊은 예술가가 자신이 직면한 과제를 완전히 인식했을 것 같지는 않습니다.
풍경 장르에서 가장 중요한 발견은 1830년대에 이루어졌습니다. 예술가들은 점점 더 일상적인 모티프로 변했습니다. 그래서 1832 년 M. I. Lebedev와 I. D. Skorikov는 예술 아카데미에서 Petrovsky Island 그림으로 은메달을 받았으며, 다음 해 Lebedev는 "Lake Ladoga 근처의 전망"이라는 그림으로, Skorikov는 "View in Pargolovo"라는 작품으로 은메달을 받았습니다. Shuvalovsky Park에서'가 금메달을 받았습니다. 1834년에는 "View in Pargolovo" 그림의 A. Ya. Kukharevsky와 "View in the Near Oranienbaum" 그림의 L. K. Plakhov도 금메달을 받았습니다. 1838년 K.V. Krugovikhin은 "밤"이라는 그림으로 은메달을 받았습니다. Vorobyov의 학생들은 Petrovsky Island의 Oranienbaum과 Lake Ladoga 주변의 Pargolovo (Vorobyov의 dacha가 위치한 곳)를 씁니다. 에세이 프로그램은 더 이상 경쟁자에게 제공되지 않습니다. 주제는 그들이 독립적으로 선택합니다. 복사용 샘플에는 Sylvester Shchedrin의 그림이 포함되어 있습니다.

예술 아카데미에서 풍경화 수업을 가르쳤던 보로뵤프(Vorobyov) 역시 감정적인 내용과 자연을 드러내기 위해 계속 노력하고 있습니다. 그는 특정 분위기 또는 조명 상태와 관련된 낭만적 인 시학의 정신으로 주제를 선택하지만 철학적 명상의 특징을 풍경에 도입하는 데는 이질적입니다. "상트 페테르부르크 인근의 일몰"(1832) 풍경의 분위기는 북쪽 하늘의 빛나는 공간과 물에 반사되는 빛의 대비를 통해 만들어집니다. 해변으로 끌려간 롱보트의 선명한 실루엣은 물의 요소가 눈에 띄지 않게 "공기"와 합쳐지는 무한한 거리를 강조합니다. 해안에 서있는 배의 이미지가있는 풍경은 시적인 억양을 담고 있습니다. 물 요소와 분리 된 배는 중단 된 항해에 대한 애가적인 은유, 성취되지 않은 희망과 의도의 상징이되는 것 같습니다. 이 모티브는 낭만주의 시대의 그림에 널리 퍼졌습니다.
대기 조건의 본질을 연구하는 것을 목표로 하는 풍경은 항상 Vorobyov의 관심을 끌었습니다. 수년 동안 그는 기상 관측 일기를 작성했습니다. 1830년대 중반에 그는 고대 테베에서 가져온 스핑크스로 장식된 예술 아카데미 앞의 새로운 부두에 대한 일련의 전망을 만들었습니다. 이 부두는 예술적 가치가 매우 높습니다. Vorobyov는 그녀를 하루와 연도의 다른 시간에 묘사했습니다.
그림 "예술 아카데미 근처 네바 제방"(1835)은 초여름 아침을 모티브로 한 것입니다. 백야는 어느새 사라지고, 낮은 태양의 빛은 마치 네바강 위의 공기와 접촉한 듯 풍경에 경쾌한 분위기를 더해줍니다. 세탁소는 부두의 뗏목에서 옷을 헹구고 있습니다. 이 산문적인 장면에 고대 스핑크스가 근접해 있다는 것은 생명 현상에 대한 예술가의 견해가 신선함을 입증합니다. Vorobyov는 존재의 자연스러움의 아름다움을 강조하면서 이미지의 성격에서 의도적으로 대표성을 제거합니다. 따라서 풍경의 색채 솔루션, 독특하지만 매우 구체적인 분위기 표현에 주된 관심이 집중됩니다.

1830년대 중반에 Vorobyov는 명성의 정점에 있었지만 그럼에도 불구하고 스핑크스가 있는 부두를 여러 번 본 후 상트페테르부르크 풍경에 대한 작업을 거의 포기했습니다. 그는 주로 건설 단계를 문서화하는 의뢰받은 작품을 썼습니다. 성 이삭 대성당은 콘스탄티노플의 풍경이자 여름밤 네바강의 풍경이기도 합니다. 1838년부터 1842년까지 Vorobiev는 "성 이삭 대성당에 기둥 올리기"라는 공식 명령에 더해 Pargolov의 풍경만을 그렸습니다. 이는 존경하는 예술가가 현장 작업을 통해 자신의 지식을 심화시킬 필요성을 느꼈음을 나타냅니다. 불행히도 이러한 관찰 결과는 그의 작업에 반영되지 않았습니다. 1842년에 아내의 죽음을 직감한 보로뵤프는 상징적인 그림인 "번개에 부서진 참나무"를 그렸습니다. 이 그림은 그의 작품에서 상징적 낭만주의의 유일한 예였습니다.
풍경 워크샵 졸업생 중 금메달리스트 M.I. Lebedev와 I.K. Aivazovsky는 예술 아카데미를 졸업한 지 6년 만에 27세의 나이로 사망했습니다. 희망.
의심할 바 없이 레베데프는 당대의 뛰어난 풍경화가 중 한 사람이 되었습니다. 18세에 예술 아카데미에 등록한 그는 6개월 만에 작은 금메달을, 다음 해에는 큰 메달을 받았습니다. 이미 이 기간 동안 Lebedev는 자연과 사람을 주의 깊게 관찰했습니다. 풍경 "Vasilkovo"(1833)는 자연의 특정 분위기를 담고 있으며 넓은 느낌을 전달합니다. 작은 캔버스 "In Windy Weather"(1830년대)에는 나중에 예술가의 작업에서 기본이 될 특성이 부여됩니다. Lebedev는 특정 풍경을 묘사하는 데 관심이 없지만 악천후, 폭풍우의 느낌을 전달하는 데 관심이 있습니다. 그는 구름이 부서지는 모습과 불안한 새들의 비행을 묘사합니다. 바람에 의해 구부러진 나무들은 일반화된 덩어리로 주어진다. 첫 번째 계획은 정력적인 획으로 임파스토로 작성되었습니다.

이탈리아에서 Lebedev는 자신이 뛰어난 컬러리스트이자 세심한 자연 연구자임을 입증했습니다. 이탈리아에서 그는 다음과 같이 썼습니다. “나는 거리, 하늘빛, 안도감 등 당신이 항상 나에게 했던 말에 주의를 기울이면서 자연을 모방하려고 최선을 다했습니다. Claude Lorrain, Ruisdael의 예는 영원할 것입니다.
Lebedev는 스케치 단계뿐만 아니라 그림 자체를 만드는 과정에서도 삶의 작업에 확실히 집중했습니다. 1830년대에는 산수화가 대상의 범위를 넓히고, 작가들의 자연에 대한 감각도 깊어졌다. 일몰, 일출, 바람, 폭풍 등 자연계의 사건뿐만 아니라 일상적인 상황도 풍경화가들의 관심을 점점 더 끌고 있습니다.
위의 편지에서 발췌 한 내용에서는 Lebedev의 자연에 대한 면밀한 관찰과 인식의 자발성이 분명하게 느껴집니다. 그의 풍경은 보는 사람에게 훨씬 더 가깝고 넓은 공간을 거의 포함하지 않습니다. 작가는 공간의 구조, 조명 상태, 주제 볼륨과의 연결(“거리, 하늘빛, 구호”)을 명확히 하는 그의 창의적인 작업을 봅니다. Lebedev에 대한 이러한 판단은 그가 "Ariccia"를 썼던 1835년 가을로 거슬러 올라갑니다.
예술가로서 Lebedev는 매우 빠르게 성장했으며, 갑작스러운 죽음이 아니었다면 그가 어떤 성공을 거둘 수 있었는지 상상하기 어렵습니다. 그의 그림에서 그는 자연의 색 조화라는 복잡한 색채 작업의 길을 따랐으며 '열린 태양'의 주제를 피하지 않았습니다. Lebedev는 Vorobyov보다 더 자유롭고 대담하게 그림을 그렸습니다. 그는 이미 새로운 세대의 화가에 속했습니다.

Vorobyov의 또 다른 유명한 학생 인 Aivazovsky도 견습 이후부터 인생에서 그림을 그리려고 노력했습니다. 그는 Sylvester Shchedrin을 자신의 모델로 여겼습니다. 아카데미 학생으로서 그는 Shchedrin의 그림 "나폴리 근처 아말피의 풍경"의 사본을 만들었고 이탈리아에 도착했을 때 Shchedrin의 그림에서 알고 있던 모티프를 Sorrento와 Amalfi에서의 생활에서 두 번 그리기 시작했습니다. 별로 성공하지 못했습니다.
자연에 대한 Aivazovsky의 태도는 낭만적인 풍경의 시학에서 비롯됩니다. 그러나 Aivazovsky는 예리한 색상 기억을 가지고 있었고 자연의 관찰을 통해 지속적으로 보충했다는 점에 유의해야 합니다. 아마도 Vorobyov의 다른 학생들보다 더 유명한 해양 화가는 그의 선생님과 가까웠습니다. 그러나 시대가 바뀌었고 Vorobyov의 작품이 모든 리뷰에서 끊임없는 칭찬을 받을 자격이 있다면 Aivazovsky도 칭찬과 함께 비난을 받았습니다.
고골은 그림에서는 효과를 허용하지만 문학에서는 전혀 받아들이지 않습니다. 그러나 회화에서는 외부 효과에서 일상적인 자연 상태를 묘사하는 과정이 이미 시작되었습니다.
V.I. Sternberg는 Lebedev와 동시에 작업했습니다. 그는 1838년 예술 아카데미의 풍경 수업을 졸업하고 구성되지는 않았지만 실물로 그린 그림 "작은 러시아 마을의 부활절 정원 조명"으로 큰 금메달을 받았습니다. Sternberg는 여러 가지 흥미로운 풍경을 그렸지만 그의 작품에서 그는 장르화에 대한 강한 매력을 느꼈습니다. 이미 공모전에서 그는 풍경화와 장르화를 결합했습니다. 이러한 혼합주의는 그를 베네치아 전통과 19세기 후반 러시아 회화에서 해결된 문제에 더 가깝게 만듭니다.

Sternberg의 매우 매력적인 작은 그림 스케치 "In Kachanovka, G. S. Tarnovsky의 사유지." 작곡가 M. I. Glinka, 역사가 N. A. Markevich, Kachanovka G. S. Tarnovsky의 소유자 및 이젤에 있는 예술가 자신을 묘사합니다. 'in the room'이라는 장르의 구성은 자유롭고 생생하게 쓰여졌으며, 빛과 색채는 날카롭고 설득력 있게 전달되었다. 창밖에는 거대한 공간이 펼쳐진다. 그의 완성된 작품에서 Sternberg는 좀 더 절제된 태도를 취하며, 이는 예술가의 타고난 재능인 일반화된 비전과 컬러리스트로서의 재능을 드러낼 뿐입니다.
Alexander Ivanov의 관심의 중심에 있던 많은 문제 중에서 중요한 위치는 장르 간의 관계, 회화의 색채 가능성에 대한 새로운 발견, 그리고 마지막으로 회화 자체 작업 방법이 차지했습니다. 알렉산더 이바노프(Alexander Ivanov)의 풍경 스케치는 러시아 회화의 외풍의 발견이 되었습니다. 1840년경 Ivanov는 물체와 공간의 색상이 햇빛에 의존한다는 것을 깨달았습니다. 이 시기의 산수화와 <메시아의 출현>의 유화는 작가가 색에 대한 세심한 관심을 입증한다. Ivanov는 옛 거장들을 매우 부지런히 복사했으며 아마도 동시에 르네상스와 19 세기 세계관의 차이를 더욱 분명하게 느꼈습니다. 그러한 결론의 자연스러운 결과는 자연에 대한 철저한 연구 일뿐입니다. 알렉산더 이바노프(Alexander Ivanov)의 작품에서, 러시아 회화가 고전주의 체계에서 외풍 정복까지 겪은 진화는 실질적인 완성을 이루었습니다. Ivanov는 삶에 대한 수많은 연구에서 매번 특정 작업에 초점을 맞춰 빛과 색상의 변증법적 관계를 탐구했습니다. 19세기 전반에 이러한 작업에는 예술가의 엄청난 노력이 필요했습니다. 그럼에도 불구하고 Alexander Ivanov는 1840년대 스케치에서 외광 페인팅과 관련된 거의 모든 복잡한 문제를 해결했습니다. 그의 동시대 사람들 중 누구도 그런 일관성으로 그러한 문제를 해결하지 못했습니다. Ivanov는 땅, 돌, 물의 색상 관계, 땅을 배경으로 한 벌거벗은 몸, 그리고 다른 스케치에서 하늘과 광대한 공간을 배경으로, 가까운 계획과 먼 계획의 녹지 사이의 관계를 탐구했습니다. 좋다. Ivanov의 풍경 스케치에서 시간은 특정한 의미를 갖습니다. 이는 일반적인 시간이 아니라 주어진 조명을 특징으로 하는 특정 시간입니다.

Ivanov의 작업 방법은 모든 동시대 사람들에게 명확하지 않았습니다. 1876년에도 회고록을 쓴 조던은 아마도 이바노프가 현실을 재현하는 새로운 방법을 연구하느라 바쁘고 이 방법의 가장 시급한 문제가 야외에서 작업하고 있다는 사실을 완전히 이해하지 못했을 것입니다. 이바노프의 눈에 비친 자연은 객관적인 미적 가치를 지녔으며, 이는 부차적인 연상과 터무니없는 우화보다 더 깊은 이미지의 원천입니다.
일반적으로 낭만주의 예술가들은 객관적인 존재의 모든 다양성 속에서 자연을 재현하기 시작하지 않았습니다. Vorobyov의 작업 예에서 볼 수 있듯이 자연의 준비 재료는 연필 그림, 검은 수채화 또는 세피아로 제한되었으며 풍경의 색조 특성 만 제공되었습니다. 때때로 실제 크기의 스케치는 따뜻하고 차가운 관계를 결정하기 위해 수채화로 약간 채색된 그림이었습니다. 낭만주의의 눈에 보이는 풍경의 색상 특성은 고전주의 회화 전통에 해당하며 일반적인 색상 검색의 결과로 자체적으로 결정되어야했습니다. 낭만주의자들은 주로 관심의 초점이 밝은 톤의 관계에 남아 있다는 사실로 인해 제한되었습니다. 이것이 Vorobyov가 자연을 본 방법이며 애완 동물에게 자연을 보도록 가르친 방법입니다. 19세기 전반에는 그러한 견해가 전통에 의해 신성화되었기 때문에 매우 자연스러운 것이었다.
1850년대 중반, 젊은 A.K. Savrasov는 비슷한 작업 방법에 대한 검색에 집중했습니다. 그는 Vorobyov와 함께 공부한 선생님 Rabus 덕분에 Vorobyov의 학교에 가까웠습니다. 1848년에 Savrasov는 Aivazovsky를 복사했으며 Lebedev와 Sternberg의 작품에 관심이 있었습니다. Sylvester Shchedrin이 시작하고 Lebedev가 계속한 풍경화의 방향은 19세기 중반에 널리 퍼졌습니다. 이때 이론적으로는 포괄적이지만 실질적으로는 제한적인 낭만주의는 더 이상 예술의 주도적 사조로서의 역할을 유지할 수 없었다.

낭만주의자들이 세운 기초는 강력했지만 자연에 대한 낭만주의자들의 태도에는 일정한 진화가 필요했습니다. 자연의 우선권에 대한 Venetsianov의 아이디어를 발전시킨 예술가 중 한 명은 G. V. Soroka였습니다. 겨울 풍경 "Ostrovki의 Outhouse"(1840년대 전반)에서 Soroka는 눈 위에 자신있게 색칠된 그림자를 그립니다. 이 재능 있는 예술가는 흰색에 대한 사랑으로 구별되었습니다. 그는 종종 풍경에 흰색 옷을 입은 사람들을 포함시켰고, 조명에 따라 무채색이 착색되는 능력을 보았습니다. Soroka가 의식적으로 색상 목표를 설정하고 색상 변화를 주의 깊게 관찰했다는 사실은 하루 중 다양한 시간을 묘사하는 풍경에서 입증됩니다. 예를 들어, 그림 "몰디노 호수의 풍경"(1847년 이전)은 아침 햇살의 자연 상태를 표현합니다. 작가는 농민들의 흰 옷에 나타나는 다양한 색상의 그림자와 빛의 복잡한 색상 유희를 관찰합니다. 그림 "Fishermen"(1840년대 후반)에서 Soroka는 이중 조명, 즉 석양의 따뜻한 빛과 푸른 하늘의 차가운 빛을 매우 정확하게 전달합니다.
자연의 일상적 표현의 아름다움에 대한 작가의 성실함과 미묘한 감각은 소로카의 작품에 매력과 시를 부여합니다.
Sylvester Shchedrin, M. I. Lebedev, G. B. Soroka의 작업은 A. A. Ivanov가 야외 작업으로 전환한 것이 외톨이의 예외적인 위업이 아니라 러시아 회화 발전의 자연스러운 단계임을 나타냅니다.
상트페테르부르크에서 Ivanov는 준비 스케치와 함께 그림을 전시했습니다. 예술가 자신이 말했듯이 "학교"를 만든 Ivanov의 수년간의 작업이 아직 모든 사람에게 완전히 평가되지 않은시기였습니다. Ivanov의 예는 어려웠습니다. 특히 일반적으로 받아 들여지는 시스템의 경계를 넘어서는 모든 것이 박해를 받았던 "어두운 7 년"이후에는 더욱 그렇습니다. 풍경화도 예외는 아니었습니다. B.F. Egorov에 따르면, 검열 당국은 "자연과 사회에 대한 복잡한 이론적 이해를 두려워하여 그러한 변증법이 어떻게 해석될 수 있는지 결코 알 수 없습니다!"라는 문구를 삭제했습니다.

1840년대 후반과 1850년대에 이르러 궁내성 직속으로 왕족을 회장으로 하는 예술원은 완전히 관료적인 조직으로 변모했다. 아카데미는 경쟁 프로그램 구현을 위해 예술가에게 은메달과 금메달을 수여하는 독점권을 가졌습니다. 모스크바 회화 및 조각 학교에 대한 그러한 권리를 얻으려는 시도는 단호하게 거부되었습니다. 학문적 예술의 전통은 역사의 주제가 신화나 성서의 주제보다 경쟁자에게 훨씬 덜 자주 제공되는 역사 장르를 열성적으로 보호했습니다. 또한 그림은 특정 기준에 따라 실행되도록 제안되었습니다. 플롯은 미리 결정된 구성 규칙에 따라 구현되었으며 캐릭터의 표정과 몸짓은 고의적 표현으로 구별되었으며 휘장과 천을 효과적으로 칠하는 능력이 있었습니다. 필요했습니다.
한편, 이미 1840년대 중반에는 개인의 명예와 존엄성을 위해 투쟁하는 '자연 학교'가 문학에서 분명히 선언되었습니다. 이 기간 동안 Belinsky는 예술에서 국적에 대한 견해를 발전시키고 민속, 국가 및 보편적을 하나의 전체로 통합하는 현상으로 국적을 이해하는 데 더 가까워졌습니다. 러시아의 근본적인 사회 변혁이 필요하다는 확신에 힘입어 아이디어가 무르익고 있습니다. 1850-1860년대의 전환기는 국내 지식인 역사에 새로운 라즈노친스키 무대를 열었습니다.
그의 영향으로 러시아 예술의 특정 미적 프로그램이 개발되었습니다. 그 기초는 Belinsky에 의해 마련되었으며 N. G. Chernyshevsky 및 N. A. Dobrolyubov의 작업에서 더욱 발전되었습니다. 이 투쟁은 민주적 “도덕적, 정치적” 이상과 분리될 수 없는 이데올로기적 예술, 그 미적 내용을 위해 진행되었습니다. Belinsky는 삶을 묘사하는 문학의 주요 임무를 보았습니다. Belinsky의 견해를 발전시킨 Chernyshevsky는 그의 유명한 논문에서 민주주의 예술의 주요 특징, 즉 삶의 재현, 삶에 대한 설명, 삶에 대한 판단을 좀 더 광범위하게 정의합니다. 저자에게 요구되는 "평결"에는 특정 시민적 입장과 삶에 대한 지식뿐만 아니라 역사적 관점도 필요합니다.
Savrasov는 세기 후반 러시아 풍경화의 운명에 특별한 역할을했습니다. 그는 재능있는 예술가 일뿐만 아니라 교사이기도했습니다. 1857년부터 사브라소프는 25년 동안 모스크바 학교에서 풍경화 수업을 이끌었습니다. 그는 학생들에게 삶에서 일하도록 지속적으로 지시하고 기름으로 스케치를 그리도록 요구했으며 가장 단순한 주제에서 아름다움을 찾도록 가르쳤습니다.
풍경에 대한 새로운 태도는 V. G. Schwartz의 "The Tsar Alexei Mikhailovich 순례 여행에 대한 Tsarina의 봄 열차"(1868)의 그림에 구현되어 있습니다. 작가는 장르적 역사적 장면을 광활한 풍경에 끼워넣는다. Aivazovsky는 1848년 캔버스 "Brig Mercury"의 역사적인 그림에서 비슷한 결정을 내렸습니다. 그는 러시아 함대와 만난 두 척의 터키 선박을 상대로 승리를 거두었습니다. 영화의 줄거리는 전투의 이미지가 아닌 배경에서 펼쳐지는 전투에 따른 행동을 바탕으로 이루어졌습니다. 풍경과 묘사된 사건은 역사적 그림이 이전에 알지 못했던 불가분의 통일성으로 나타납니다.

러시아 회화의 풍경은 점점 더 중요해지고 있으며, 가장 통찰력 있는 사람들은 그 발전 방식을 추측했습니다.
1870년에는 회화의 내부 과정이 더욱 강화되었습니다. 새로운 경향의 가장 중요한 표현 중 하나는 순회 미술 전시회 협회의 결성이었습니다.
볼가에서 Repin과 Vasiliev가 가져온 작품은 그에게 강한 인상을 주었고 Polenov는 그의 가족에게 다음과 같이 썼습니다. "우리는 삶과 풍경에서 더 많은 스케치를 써야합니다."
은퇴 후 이탈리아로 여행을 떠나는 동안 폴레노프는 특히 이렇게 말합니다. "그림과 사진에 나오는 산은 실제 공기만큼 인상적이지 않습니다." 그는 귀도 레니의 그림에 대해 이렇게 썼습니다. “우리에게 귀도 레니의 그림은 빛, 공기, 물질과는 아무런 관련이 없는 순수한 색상 선택으로 보입니다.” 이러한 발언은 아직 명확한 프로그램으로 추가되지는 않지만 새로운 회화 방식에 대한 인식을 느낄 수 있습니다. 젊은 예술가는 현실과의 진지한 대화 속에서 회화적 가능성이 심화되는 것을 보았습니다.
1874년 초, Boulevard des Capucines에 있는 Nadar의 아뜰리에에서 인상파의 첫 번째 전시회가 열리면서 미술사에 들어섰던 경험 많고 통찰력 있는 Kramskoy는 러시아 회화의 운명과 즉각적인 작업에 대해 성찰했습니다. 젊은 레핀에게 이렇게 썼습니다. “비유적인 복음적 표현에 따르면 “돌들이 말할 것이다”라고 해야 할 때, 우리는 실제로부터 얼마나 멀리 떨어져 있습니까? 전통적으로 러시아 회화에서 그림의 역할이 항상 높았기 때문에 마지막 문구는 Repin에게 중요합니다. 그리고 예술가는 외풍을 향해 움직일 때 그림을 놓치지 말아야 한다고 확신했습니다.
은퇴 여행을 마치고 돌아온 폴레노프는 모스크바에 정착하여 실현되지 않은 그림 "The Tonsuring of the Worthless Princess"와 그림 "Moscow Courtyard"(1878)에 대한 훌륭한 외부 스케치를 만들었습니다. 비유적이고 그림 같은 디자인 측면에서 "모스크바 안뜰"에 인접한 그림은 "할머니의 정원"(1878)입니다. 폴레노프는 1879년 순회 협회의 VII 전시회에서 이 작품과 다른 두 작품인 "Anglermen"과 "Summer"(둘 다 1878년)를 전시했습니다.
1881년 말, 폴레노프는 그림에 필요한 재료를 수집하기 위해 중동으로 여행을 떠납니다. 그의 동양 및 지중해 연구는 색채의 대담함과 기술로 구별됩니다.
1882년부터 폴레노프는 사브라소프를 대신해 모스크바 회화, 조각, 건축 학교의 교사가 되었습니다. Polenov는 그의 동시대 사람들, 주로 풍경화가 I. I. Levitan, I. S. Ostroukhov, S. I. Svetoslavsky 등의 작품에 큰 영향을 미쳤습니다.

1870년대 초에도 Shishkin은 계속해서 일했습니다. 그림 기술을 습득 한 그는 자신을 아끼지 않고 하루에 두세 장의 스케치를 많이 그렸습니다. Shishkin Kramskoy는 숲에 대한 지식을 높이 평가했습니다.
태양 광선이 나무의 잎사귀를 거의 뚫고 나오지 않는 안개 낀 아침의 이미지는 Shishkin의 가장 유명한 그림 중 하나인 "소나무 숲의 아침"(1889)의 모티브가 되었습니다. 숲은 그림의 전체 공간을 차지합니다. 나무는 크고 대규모로 그려져 있습니다. 그중 곰들은 쓰러진 소나무 위에 자리를 잡았습니다. 풍경을 묘사하는 이러한 접근 방식에는 뭔가 낭만적인 부분이 있지만 이는 과거의 반복이 아닙니다. ypOKOB 인위적인 강조가 아닙니다.
자연의 특이한 상태의 색상이지만 일반적인 자연 현상에 대한 날카로운 시각입니다. 이 모든 전설은 Kuindzhi의 그림이 그 당시 얼마나 특이한지 증언합니다.
Kuindzhi의 창의성은 빠르게 발전했습니다. 그것은 현대 산수화의 발전 과정을 어느 정도 반영하고 있다. Kuindzhi는 예리한 색각을 가지고 있었습니다. 색 관계의 대비와 세련된 색조 그라데이션 감각이 그의 그림에 특정한 표현력을 부여했습니다. 작가의 그림에는 자연과 공기, 빛이 주는 생명력이 느껴지는 느낌이 가득하다. Repin이 Kuindzhi를 빛의 예술가라고 불렀던 것은 우연이 아닙니다. 눈에 띄지 않는 모티프, 즉 끝없는 사막 대초원, 지는 해나 달이 비추는 알려지지 않은 우크라이나 마을은 갑자기 그의 붓 아래에서 아름다움의 초점이 되었습니다.
Kuindzhi의 많은 학생들은 러시아 예술 발전에 크게 기여했습니다. K. F. Bogaevsky, A. A. Rylov, V. Yu. Purvit, N. K. Roerich 및 기타 예술가들은 대가의지도하에 예술의 첫 걸음을 내디뎠습니다.
Kuindzhi의 명성이 "가을의 날"이라는 그림으로 정점에 도달했을 때. Sokolniki"(1879)는 I. I. Levitan에 의해 데뷔했습니다. 갤러리를 위해 P. M. Tretyakov가 인수했습니다. Levitan은 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에서 Savrasov의 지도하에 첫 번째 풍경 작품을 그리기 시작했습니다. 그는 작은 스케치 "가을날"에서 볼 수 있는 일반화에 대한 재능을 가지고 있었습니다. 소콜니키". 주로 색 구성표가 매력적입니다. 그러나 습한 공기의 느낌을 전달할 수있는 가을 모티브뿐만 아니라 젊은 예술가의 관심도 끌었습니다. 그 후 몇 년 동안 그는 "Oak"(1880), "Bridge"(1884), "The Last Snow"(1884)와 같은 맑은 풍경을 여러 장 그렸습니다. Levitan은 연중 다양한 시간과 하루 중 다양한 시간대의 자연 상태에 대응하는 색상의 가능성을 마스터합니다. Levitan과 거의 2년 동안 함께 공부한 Polenov는 외벽 문제 해결에 예술가의 관심을 끌었습니다. 모스크바 학교에서 폴레노프의 수업을 회상하면서 Korovin은 다음과 같이 썼습니다. "그는 쓰여진대로 순수한 그림에 대해 처음으로 이야기했으며 다양한 색상에 대해 이야기했습니다." 색채 감각이 발달하지 않으면 풍경 모티브의 분위기와 아름다움을 전달할 수 없었습니다. 외광 그림의 성과에 대한 지식과 색채 가능성을 활용 한 경험이 없으면 직접적인 자연 감각을 전달하기가 어려웠습니다. .

1886년에 레비탄은 크리미아로 여행을 떠났습니다. 다른 성격, 다른 조명을 통해 예술가는 종종 삶에서 그림을 그리는 모스크바 지역의 성격의 특성을 더 명확하게 느낄 수 있었고 빛과 색상의 가능성에 대한 그의 아이디어가 깊어졌습니다. Levitan은 항상 주변의 광활한 세상에 대한 사랑을 사람들에게 전달하려는 통제할 수 없는 열망에 의해 움직였습니다. 그의 편지 중 하나에서 그는 자연의 가장 깊은 비밀인 주변 환경의 끝없는 아름다움을 전달하는 데 자신의 무력함을 씁쓸하게 인정했습니다.
노인 Aivazovsky는 계속해서 바다의 요소를 그렸습니다. 1881년에는 그의 최고작 중 하나인 <흑해>를 창작해 이미지의 응축된 힘으로 보는 이들을 놀라게 했다. 첫 번째 계획에 따르면 이 그림은 흑해에서 폭풍의 시작을 묘사하기로 되어 있었지만 작업 과정에서 Aivazovsky는 주제별 솔루션을 변경하여 폭풍이 몰아치는 반항적인 바다의 "초상화"를 만들었습니다. 분쇄력이 발휘됩니다.
특별한 장소는 1877-1878년 러시아-터키 전쟁 중에 그려진 Aivazovsky의 그림이 차지합니다. Aivazovsky는 바다에서 일어나는 현대 사건의 연대기가됩니다. 그러나 이전에 그가 범선의 영광스러운 행위를 그렸다면 이제는 증기선의 이미지로 대체되었습니다.
그들은 특정 역사적 사건을 기반으로 합니다. 그리고 이 작품들은 본질적으로 풍경화는 아니지만 선착장 예술에 능숙한 예술가만이 그릴 수 있었던 것입니다. 폴레노프는 1877~1878년 군사 작전 극장에도 참석했지만 전투 그림을 그리지 않았으며 군대와 주요 아파트의 삶을 묘사하는 본격적인 스케치에만 국한되었습니다. 1878년 모스크바에서 열린 순회자 협회 전시회에서 폴레노프는 풍경 작품만 전시했습니다.
풍경화가 L. F. 라고리오(L. F. Lagorio)의 작품에는 강한 낭만적인 경향이 지속되었습니다. Aivazovsky와 마찬가지로 그는 바다를 그렸지만 그의 작품은 덜 열정적입니다. 나이든 세대의 예술가인 라고리오는 M. N. Vorobyov 및 B. P. Villevalde와 함께 예술 아카데미에서 수년간 공부하는 동안 습득한 기술과 기법을 거부할 수 없었습니다. 그의 그림은 종종 세부 묘사가 풍부하고 예술적 무결성이 부족합니다. 색상은 장식적이기 때문에 실제 색상 관계를 식별하는 것과는 그다지 관련이 없습니다. 이는 19세기 전반의 낭만주의 효과를 반영한 ​​것이었습니다. 라고리오의 그림은 기술적으로 완성되었습니다. 그림 "Batum"(1881), "Alushta"(1889)에서 그는 흑해 항구를 양심적으로 묘사합니다. 불행하게도 작가는 1850년대 작품에서 눈에 띄는 회화적 특성을 발전시키지 못했습니다. 1891년 라고리오는 1877-1878년 러시아-터키 전쟁 사건에 관한 여러 그림을 그렸지만 이 작품들은 현대 풍경화의 문제와는 완전히 거리가 멀습니다.

19세기의 마지막 10년은 회화의 새로운 경향으로 특징지어졌습니다. 어제의 청소년들이 인정을 받고 있습니다. 예술 애호가 협회 대회에서 V. A. Serov는 초상화 "복숭아를 가진 소녀"(1887)로 1등상을 받았으며, 장르 그룹 초상화 "At the Tea Table"(1888)의 다음 대회에서 2위를 차지했습니다. K. A. Korovin이 수상했습니다 (첫 번째 상은 수여되지 않았습니다). "Evening"풍경에 대한 1 등상은 I. I. Levitan이 받았으며 두 번째 상은 "Golden Autumn"풍경에 대해 K. A. Korovin이 다시 받았습니다. 폴레노프는 장식적인 요소뿐만 아니라 주로 시청자에게 정서적 영향을 미치는 수단으로 사용된 고조된 색상 감각이 특징입니다.
1896년에는 니즈니노브고로드에서 전러시아 예술 및 산업 전시회가 개최되었습니다. 전시회 심사위원단은 Mamontov가 Vrubel에게 주문한 패널을 거부했습니다. 화가 난 Vrubel은 "Mikula Selyaninovich"와 "Princess Dreams"패널 작업을 계속하기를 거부했습니다. 끝까지 사물을 보는 것을 좋아했던 Mamontov는 탈출구를 찾았습니다. 그는 특별관을 짓고 패널을 전시물로 전시하기로 결정했습니다. 이 경우 미술 심사위원의 허가는 필요하지 않았습니다. 그러나 누군가가 패널을 완성해야했고 Mamontov의 끈질긴 요청에 따라 그 누군가가 Polenov였습니다. Polenov는 "그들(패널-V.P.)은 너무 재능 있고 흥미로워서 저항할 수 없었습니다."라고 썼습니다. Vrubel의 동의를 받아 Polenov는 Konstantin Korovin과 함께 패널 작업을 완료했습니다. 같은 전시회에서 코로빈과 세로프는 당시 알려지지 않았던 무르만스크 지역 북부 자연의 매혹적인 아름다움을 그린 아름다운 스케치를 많이 전시했으며, 마몬토프의 요청에 따라 그곳을 여행했습니다. 코로빈(Korovin)의 북부 풍경 중 “Stream of St. Paul” Pechenga의 Tryphon"(1894), "Hammerfest. 북극광'(1894~1895). 북한이라는 주제는 코로빈의 작품에서 하나의 에피소드로 남지 않았다. 니즈니노브고로드에서는 여행에서 얻은 인상을 바탕으로 장식 패널을 전시했습니다. Korovin은 1900년 파리 세계 전시회를 위해 제작된 대규모 장식 패널에서 다시 북부라는 주제로 돌아왔습니다. 중앙아시아 모티프도 포함된 이 패널에서 코로빈은 은메달을 받았습니다. 풍경은 Korovin의 작업에서 중요한 역할을 했습니다. 색상에 대한 주요한 인식과 낙관적인 세계관은 예술가의 특징이었습니다. Korovin은 항상 새로운 주제를 찾고 있었고 이전에 누구도 쓴 적이 없는 방식으로 글을 쓰는 것을 좋아했습니다. 1894년에 그는 "라플란드의 겨울"과 러시아의 겨울 풍경 "겨울"이라는 두 가지 풍경을 만들었습니다. 첫 번째 풍경에서 우리는 추위에 묶인 끝없는 눈, 극지 자연의 가혹함을 느낍니다. 두 번째는 썰매에 묶인 말을 묘사합니다. 라이더는 어딘가로 떠났고 이를 통해 Korovin은 이벤트의 짧은 기간과 간결함을 강조합니다. 겨울 풍경 이후 작가는 여름 모티프로 전환합니다.
젊었을 때 성격이 완전히 다른 Korovin과 Serov는 분리 될 수 없었으며 Abramtsevo 예술계에서는 "Korov and Serovin"이라고 불렀습니다. Serov가 "복숭아를 든 소녀"를 썼을 때 그는 22세였지만 이미 Repin에게서 그림 수업을 듣고 Chistyakov 스튜디오의 예술 아카데미에서 공부했습니다. 미묘한 컬러리스트로서 Serov는 그의 많은 작품에 어떤 식 으로든 존재했던 풍경 장르에 특별한 관심을 가질 수밖에 없었습니다. 파리에서 9살 된 토냐(세로프의 친척이라고 불림)와의 수업을 회상하는 레핀은 이렇게 썼습니다. “나는 떠오르는 헤라클레스와 예술에 감탄했습니다. 응, 자연이었어!
이들 작품을 보면 90년대는 회화 발전에 있어 새로운 길을 모색하던 시기였음이 분명합니다. Levitan과 Shishkin이 거의 동시에 최고의 풍경을 만들었고 재능 있는 젊은 예술가들도 예술 분야에서 두각을 나타낸 것은 우연이 아닙니다.

1891년 11월, 예술 아카데미 홀에서 Repin과 Shishkin의 작품에 대한 두 번의 개인 전시회가 열렸습니다. 풍경화가 Shishkin은 그림 외에도 40년에 걸친 그의 작품을 대표하는 약 600점의 그림을 전시회에 포함시켰습니다. 또한 레핀은 그림과 함께 스케치와 드로잉도 전시했다. 전시는 관객이 예술가의 작업실을 들여다보고, 일반적으로 관객에게 숨겨져 있던 예술가의 창의적 사고의 작품을 이해하고 느끼도록 유도하는 것 같았습니다. 1892년 가을, Shishkin은 여름 스케치를 전시했습니다. 이것은 스케치의 특별한 예술적 역할을 다시 한 번 확인시켜주었습니다. 스케치와 그림이 가까워진 시기가 있었습니다. 스케치가 그림으로 바뀌기도 하고, 그림이 야외에서 스케치처럼 그려지기도 했습니다. 자연에 대한 세심한 연구, 자연의 삶에서 지나가는 순간의 즉각적인 감각을 전달하기 위해 야외로 나가는 것은 회화 발전의 중요한 단계였습니다.
이 문제에 대한 해결책은 모든 사람의 힘 안에 있지 않았습니다. 1892년 초, 당대에 주목받는 예술가이자 지금도 잊혀지지 않는 Yu.Klever의 전시회가 모스크바에서 열렸습니다. 전시 공간은 쓰러진 나무와 박제된 새들로 장식됐다. 숲 전체가 그림에 맞지 않고 현실로 이어지는 것 같았습니다. 이 숲의 원형감옥으로 둘러싸인 Levitan, Kuindzhi, Polenov 또는 Shishkin의 풍경을 상상하는 것이 가능합니까? 이 예술가들은 사물의 비시각적 속성을 전달하기 시작했습니다. 그들은 감각적 감각과 자연에 대한 일반화된 생각의 상호작용을 통해 풍경을 인식했습니다. B. Astafiev는 이것을 "스마트 비전"이라고 불렀습니다.
그림 "Vladimirka"(1892)에는 인간과 자연의 다른 이미지, 다른 관계가 표현되어 있습니다. 작가는 블라디미르 도로의 인상을 받아 시베리아로의 슬픈 여행을 썼습니다. 그는 이곳에서 들려오는 힘든 노동의 삶에 대한 노래를 회상했습니다. 그림의 채색은 엄격하고 슬프다. 작가의 창작 의지에 복종하는 것은 단지 슬프기만 한 것이 아니라, 넓게 펼쳐진 대지 속에 숨어 있는 내면의 강인함을 불러일으키는 것이다. 전체 예술적 구조를 갖춘 풍경 "Vladimirka"는 시청자가 사람들의 운명과 미래에 대해 생각하도록 장려하며 역사적 일반화를 포함하는 풍경이됩니다.
<영원한 평화 위에>는 단순한 철학적 풍경화가 아니다. 그 안에서 Levitan은 그의 내면의 모든 내용, 예술가의 불안한 세계를 표현하고 싶었습니다. 계획의 이러한 의도는 그림의 구성과 색 구성표 모두에 반영되었습니다. 모든 것이 매우 제한적이고 간결합니다. 넓은 풍경 파노라마는 사진에 드라마틱한 느낌을 줍니다. Levitan이 그림의 아이디어를 베토벤의 영웅 교향곡과 연관시킨 것은 우연이 아닙니다. 다가오는 뇌우가 지나가고 먼 지평선이 맑아질 것입니다. 이 아이디어는 그림의 구성 구조에서 읽을 수 있습니다. 스케치와 그림의 최종 버전을 비교하면 작가의 사고 방식을 어느 정도 상상할 수 있습니다. 예배당과 묘지의 위치는 구성의 시작점인 캔버스의 왼쪽 하단 모서리에서 바로 발견되었습니다. 또한 스케치에서 캔버스 안의 호수 공간을 닫는 해안선의 기발한 움직임에 따라 우리의 시선은 먼 수평선을 향합니다. 또 다른 특징은 스케치를 구별합니다. 예배당 근처의 나무는 꼭대기가 반대편 해안에 투영되어 전체 구성에 특정 의미를 부여합니다. 버려진 묘지와 해안으로 닫힌 호수 부분 사이에 동등한 비교가 발생합니다. . 그러나 레비탄은 분명히 이와 같은 비교를 원하지 않았습니다. 최종 버전에서 그는 풍경의 일반적인 파노라마에서 예배당과 묘지를 분리하여 호수로 돌출된 곶에 배치합니다. 이제 묘지 모티프는 구성의 시작점, 성찰의 시작, 그리고 우리의 관심이 됩니다. 호수 범람, 먼 해안 및 그 위의 폭풍우의 구름 움직임에 대한 묵상으로 전환됩니다.
일반적으로 구도는 자연스러운 이미지가 아닙니다. 작가의 상상력에서 탄생한 작품입니다. 그러나 이것은 아름다운 풍경을 추상적으로 구성하는 것이 아니라 가장 정확한 예술적 이미지를 찾는 것입니다. 이 작품에서 Levitan은 풍경에 대한 깊은 지식과 삶에서 직접 수행한 스케치를 사용했습니다. 작가는 고전 회화에서 관례적인 방식으로 합성 풍경을 만들었습니다. 그러나 이것은 반환이 아닙니다. Levitan은 완전히 다른 작업을 설정하여 다른 그림 원칙에 따라 해결했습니다. 유명한 소련 미술 평론가 A. A. Fedorov-Davydov는 이 풍경에 대해 다음과 같이 썼습니다. 자연 그 자체. 여기에서 "Vladimirka"에서처럼 Levitan은 형상적 인식, 즉 모든 종류의 "설명성"에 대한 아이디어의 우선 순위를 기꺼이 피했습니다. 철학적 성찰은 순전히 감정적인 형태, 자연의 삶, 자연의 '상태', '기분의 풍경'으로 나타납니다. 1898년부터 모스크바 회화, 조각, 건축 학교에서 가르치고 있던 레비탄은 어느 날 그의 학생 중 한 명에게 스케치에서 밝은 녹색 덤불을 제거하라고 제안했습니다. “그렇다면 자연을 바로잡는 것이 가능합니까?”라는 질문에 레비탄은 자연을 바로잡는 것이 아니라 곰곰이 생각해야 한다고 대답했습니다.
넓은 하늘과 넓은 물의 병치는 예술가에게 다양한 색상과 색조 관계를 사용할 수 있는 기회를 제공했습니다. 그는 종종 만족스럽게 수면을 묘사했습니다.
이 풍경의 서사적 비유적 톤에서 중요한 역할은 S. I. Mamontov 극장을 위한 M. P. Mussorgsky의 오페라 "Khovanshchina"의 풍경에 대한 예술가의 작업에서 수행되었습니다. “오래된 모스크바. 17세기 초 키타이-고로드의 거리”, “부활의 문 새벽”(둘 다 1900) 및 기타 많은 작품은 풍경을 사실적으로 묘사한 것으로 구별됩니다. 작가가 풍경이기 때문에 이는 놀라운 일이 아닙니다. 화가. 수년 동안 Vasnetsov는 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에서 풍경화를 가르쳤습니다.

장르로서의 러시아 풍경은 18 세기 말에 형성되었습니다. 이 회화 장르가 역사적인 그림이나 초상화만큼 중요해지기까지는 수십 년이 걸렸고 많은 대가들의 노력이 필요했습니다. 풍경 장르의 선구자는 Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev, Fyodor Alekseev와 같은 유럽에서 공부한 예술가였습니다.

19세기 전반 낭만주의 미술에서는 풍경의 역할이 더욱 두드러졌다. 소위 "러시아 이탈리아인"(러시아 예술 아카데미 연금 수급자)인 Sylvester Shchedrin, Mikhail Lebedev, Alexander Ivanov는 자연을 묘사하는 범유럽 예술 원칙을 채택했습니다.

19세기 후반 순회작가들의 작품에서 자연의 묘사는 최고 수준에 이르렀다. 다양하고 풍부한 풍경화는 조국에 대한 화가들의 깊은 사랑을 반영한 것입니다. 동시에 일부는 서정적 모티프에 매료되었고 다른 일부는 서사적 모티프에 매료되었으며 다른 일부는 일반화 된 이미지, 풍경의 다채로움 및 장식성에 매료되었습니다. 러시아 회화의 겨울은 '성스러운 60년대'와 너무 밀접하게 연결되어 있어 사브라소프의 '루크스'로 시작된 70년대는 짧은 봄처럼 보이고, 레핀 인상주의 80년대는 예상치 못한 여름처럼 느껴지며, 이별의 90년대는 상징주의자 브루벨 - Levitan 시리즈는 러시아의 긴 가을 풍경처럼 보입니다.

19세기 60년대 러시아에서는 사실적인 풍경화가 형성되기 시작했습니다. 예술의 내용에 대한 질문은 풍경 예술가들에게 지배적인 역할을 얻었습니다. 높은 애국심에 고무된 그들은 강력하고 비옥한 러시아의 본성을 가능한 부와 행복의 원천으로 보여주려고 노력했습니다. 이때 이미 풍경화가들의 개별 작품은 당시 가장 발전된 예술이었던 풍속화의 그림들과 나란히 쉽게 서 있을 수 있었다. Alexey Savrasov, Ivan Shishkin, Fyodor Vasiliev, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, Isaac Levitan과 같은 유명한 예술가는 러시아 풍경 발전에 심각한 공헌을했습니다.

19세기 후반 러시아 풍경의 중요한 단계는 현실적인 경향의 일반적인 주류에서 낭만주의 회화의 이상이 부활한 것이었습니다. Vasiliev와 Kuindzhi는 각자 자신의 감정을 쏟아낼 수있는 기회로 낭만적 인 그림의 이상으로 자연을 찾았습니다.

인상주의는 19세기 말과 20세기 초의 거의 모든 진지한 화가들이 겪었던 러시아 풍경의 진화에 중요한 역할을 했습니다.

20세기 초 러시아 예술계에서는 예술단체 '러시아 예술가 연합'도 중요한 역할을 했다. 여기에는 예술가 Konstantin Korovin, Abram Arkhipov, Sergei Vinogradov, Konstantin Yuon 등이 포함되었습니다. 이 예술가들의 작품의 주요 장르는 풍경이었습니다. 그들은 19세기 후반 산수화의 계승자들이었다.

Nikolai Krymov와 Viktor Borisov-Musatov는 상징주의 예술 정신으로 풍경을 만들었습니다.

20세기 20~30년대에는 예술 분야에서 신학문적 경향이 발전하기 시작했습니다. 이러한 견해는 Nikolai Dormidontov와 Semyon Pavlov가 공유했습니다.

일부 예술가들은 19세기에 확립된 전통을 지속적으로 발전시켜 나갔습니다. 그중에는 Morozov의 Alexander Dreven이 있습니다. 다른 사람들은 지난 세기의 예술적 유산에 대한 새로운 관점을 제시했습니다. Boris Kustodiev, Kuzma Petrov-Vodkin은 고유의 성격에 대한 자신의 비전을 개발했습니다.

20세기의 첫 10년은 회화의 새로운 표현 수단을 가장 대담하게 추구한다는 모토 아래 지나갔습니다. Kazimir Malevich와 Natalya Goncharova는 풍경을 전달하기 위한 새로운 형태, 새로운 색상, 새로운 표현 수단을 발견했습니다.

소련의 사실주의는 고전적인 러시아 풍경의 전통을 이어갔습니다. Arkady Plastov, Vyacheslav Zagonek 및 Tkachev 형제는 자신의 본성을 신중하고 낙관적으로 보았습니다.

러시아 풍경은 낭만적이고 표현적인 풍경을 포함하여 고전주의에서 상징주의로 일생 동안 진화를 겪었습니다. 이번 전시회에서는 이 장르 발전의 모든 주요 단계를 보여주었습니다.

풍경화는 회화 장르 중 하나이다. 러시아 풍경은 러시아 예술과 러시아 문화 전반에 있어 매우 중요한 장르입니다. 풍경은 자연을 묘사합니다. 자연 풍경, 자연 공간. 풍경은 자연에 대한 인간의 인식을 반영합니다.

17세기 러시아 풍경

사막의 세례자 성 요한

풍경화 개발을 위한 첫 번째 벽돌은 실제로 풍경을 배경으로 한 아이콘으로 쌓였습니다. 17세기에 대가들은 아이콘 페인팅에서 벗어나 새로운 것을 시도하기 시작했습니다. 회화가 '가만히 서 있는 것'을 멈추고 발전하기 시작한 것은 이때부터였다.

18세기 러시아 풍경

미. 마히예프

18세기에 러시아 미술이 유럽 미술 시스템에 합류하면서 러시아 미술의 풍경은 독립된 장르가 되었습니다. 그러나 이때는 인물을 둘러싼 현실을 기록하는 것을 목표로 한다. 아직 카메라는 없었지만 중요한 사건이나 건축 작품을 포착하려는 욕구는 이미 강했습니다. 예술의 독립 장르인 첫 번째 풍경은 상트페테르부르크, 모스크바, 궁전 및 공원의 지형학적 전망이었습니다.

F.Ya. Alekseev. 모스크바 트베르스카야 거리에서 부활과 니콜스키 문, 네글리니 다리의 전망

F.Ya. 알렉세예프

SF 셰드린

19세기 초 러시아 풍경

F.M. Matveev. 이탈리아 풍경

19세기 초 러시아 예술가들은 주로 이탈리아를 그렸습니다. 이탈리아는 예술과 창의성의 발상지로 간주되었습니다. 예술가들은 해외에서 공부하고 외국 거장의 스타일을 모방합니다. 러시아 자연은 표현력이 부족하고 지루한 것으로 간주되므로 러시아 원주민 예술가조차도 외국 자연을 그려서 더 흥미롭고 예술적인 것으로 선호합니다. 러시아에서는 화가, 무용, 펜싱 교사 등 외국인을 따뜻하게 환영합니다. 러시아 상류층 사회는 프랑스어를 사용합니다. 러시아의 젊은 여성들은 프랑스 가정교사로부터 교육을 받습니다. 외국의 모든 것은 상류 사회의 표시, 교육과 예의의 표시로 간주되며 러시아 민족 문화의 표현은 나쁜 취향과 무례함의 표시입니다. 유명한 오페라 P.I. A.S. 의 불멸의 이야기를 바탕으로 쓴 차이코프스키. 푸쉬킨의 『스페이드의 여왕』에서 프랑스 가정교사는 리사 공주가 “러시아어로” 춤을 춘다고 꾸짖는데, 이는 상류층 여성에게 수치스러운 일이다.

SF Shchedrin. 이스키아(Ischia) 섬과 프로치도(Procido) 섬의 전망을 감상할 수 있는 소렌토(Sorrento)의 작은 항구

I.G. Davydov. 로마 교외

SF Shchedrin. 카프리 섬의 Matromanio 동굴

19세기 중반 러시아 풍경

19세기 중반, 러시아 지식인과 특히 예술가들은 러시아 문화의 과소평가에 대해 생각하기 시작했습니다. 러시아 사회에는 서구인과 슬라브 애호가라는 두 가지 반대 경향이 나타납니다. 서구인들은 러시아가 세계사의 일부이고 국가 정체성을 배제했다고 믿었지만, 슬라브주의자들은 러시아가 풍부한 문화와 역사를 지닌 특별한 나라라고 믿었습니다. 슬라브 애호가들은 러시아의 발전 경로가 유럽의 발전 경로와 근본적으로 달라야 하며, 러시아 문화와 러시아 자연은 문학에 묘사되고, 캔버스에 묘사되고, 음악 작품에 포착될 가치가 있다고 믿었습니다.

아래에는 러시아 땅의 풍경을 묘사한 그림이 제시됩니다. 이해의 편의를 위해 그림은 연대순이나 작가순이 아닌 그림이 속한 계절별로 나열됩니다.

러시아 풍경 속의 봄

Savrasov. 루크들이 도착했어요

러시아 풍경. Savrasov "루크가 도착했습니다"

봄은 일반적으로 기분 전환, 기쁨에 대한 기대, 태양 및 따뜻함과 관련이 있습니다. 그러나 Savrasov의 그림 "The Rooks Have Arrived"에서 우리는 태양도 따뜻함도 볼 수 없으며 사원 돔조차도 아직 깨어나지 않은 것처럼 회색으로 칠해져 있습니다.

러시아의 봄은 종종 소심한 발걸음으로 시작됩니다. 눈이 녹고, 하늘과 나무가 웅덩이에 비칩니다. 루크는 루크 사업, 즉 둥지를 짓느라 바쁩니다. 울퉁불퉁하고 헐벗은 자작나무 줄기가 가늘어지면서 하늘을 향해 손을 뻗은 듯 솟아오르며 점차 살아난다. 언뜻 보면 회색이었던 하늘은 푸른 색조로 가득 차고, 구름의 가장자리는 마치 태양 광선이 엿보는 것처럼 약간 더 밝습니다.

언뜻 보기에 그림은 우울한 인상을 줄 수도 있고, 화가가 그 그림에 담아낸 기쁨과 쾌감을 모든 사람이 느낄 수 있는 것은 아닙니다. 이 그림은 1871년 방랑자 협회의 첫 번째 전시회에서 처음 선보였습니다. 그리고 이번 전시회 카탈로그에는 "The Rooks have Arrived!"라고 적혀 있었습니다. 제목 끝에 느낌표가 있었어요. 그리고 기대만 되지만 아직 사진에는 없는 이 기쁨이 바로 이 느낌표로 표현되었습니다. Savrasov는 제목 자체에서도 봄을 기다리는 기쁨을 전달하려고 노력했습니다. 시간이 지남에 따라 느낌표가 사라지고 그림은 단순히 "The Rooks Have Arrived"라고 불리기 시작했습니다.

풍경화의 확립을 시작하고 일부 기간에는 러시아 회화의 주요 장르가 된 것은 바로 이 그림입니다.

I. 레비 탄. 3월

러시아 풍경. I. 레비 탄. 3월

3월은 매우 위험한 달입니다. 한편으로는 태양이 빛나는 것처럼 보이지만 다른 한편으로는 매우 춥고 축축할 수 있습니다.

이번 봄은 빛으로 가득 찬 공기입니다. 여기에서 봄이 오는 기쁨이 이미 더욱 분명하게 느껴집니다. 아직은 보이지 않는 것 같고, 사진 제목에만 나와 있습니다. 하지만 좀 더 자세히 들여다보면 햇빛을 받아 따뜻해진 벽의 온기가 느껴진다.

나무와 줄기뿐만 아니라 사람이 걸어온 눈 구덩이의 그림자에서도 파랗고 풍부하며 울리는 그림자

M. 클로드. 경작지에서

러시아 풍경. M. 클로드. 경작지에서

Michael Claude의 그림에서 사람은 (현대 도시 거주자와는 달리) 자연과 같은 리듬으로 살고 있습니다. 자연은 지구상에 사는 사람의 삶의 리듬을 설정합니다. 사람은 봄에 이 땅을 갈고, 가을에는 곡식을 수확합니다. 사진 속 망아지는 생명의 연장과 같습니다.

러시아의 자연은 평탄함이 특징입니다. 여기서는 산이나 언덕을 거의 볼 수 없습니다. 그리고 고골은 놀랍게도 이러한 긴장감과 비애의 부족을 "러시아 자연의 연속성"으로 정확하게 묘사했습니다. 19세기 러시아 풍경화가들이 그림에서 전달하고자 했던 것은 바로 이러한 '연속성'이었습니다.

러시아 풍경의 여름

Palenov. 모스크바 안뜰

러시아 풍경. 팔레노프 “모스크바 안뜰”

러시아 회화에서 가장 매력적인 그림 중 하나입니다. 폴레노프의 명함. 이것은 모스크바 소년 소녀들의 평범한 삶을 보여주는 도시 풍경입니다. 작가 자신도 자신의 작품의 의미를 항상 이해하는 것은 아니다. 여기서 우리는 도시 부지와 이미 무너진 헛간, 아이들, 말, 그리고 무엇보다도 교회를 봅니다. 여기에는 농민과 귀족, 어린이, 일, 사원 등 러시아 생활의 모든 징후가 있습니다. 그림 전체에 공기, 태양, 빛이 스며들어 보기에 너무 매력적이고 즐겁습니다. 그림 "모스크바 안뜰"은 따뜻함과 단순함으로 영혼을 따뜻하게 해줍니다.

미국 대사 스파 하우스 거주지

오늘날 Palenov가 묘사 한 안뜰 부지의 Spaso-Peskovsky Lane에는 미국 대사 Spas House의 거주지가 있습니다.

I. Shishkin. 호밀

러시아 풍경. I. Shishkin. 호밀

19세기 러시아 사람들의 삶은 곡물 파종, 경작, 수확 등 자연 생활의 리듬과 밀접하게 연결되어 있었습니다. 러시아의 자연에는 폭과 공간이 있습니다. 예술가들은 이것을 그림으로 표현하려고 노력합니다.

Shishkin은 가장 많은 숲 풍경을 가지고 있기 때문에 "숲의 왕"이라고 불립니다. 그리고 여기서 우리는 호밀밭이 있는 평평한 풍경을 봅니다. 그림의 가장자리에서 길이 시작되어 들판을 통과하여 구불구불하게 이어집니다. 길 깊은 곳, 큰 호밀 사이에서 우리는 빨간 스카프를 두른 농부들의 머리를 봅니다. 배경에는 이 들판을 거인처럼 성큼성큼 걸어가는 거대한 소나무가 그려져 있습니다. 이것이 자연의 삶입니다. 오래된 나무가 사라지고 새로운 나무가 나타납니다. 머리 위 하늘은 매우 맑고 구름이 수평선 가까이로 모이기 시작합니다. 몇 분이 지나면 구름이 앞쪽 가장자리에 더 가까워지고 비가 내리기 시작할 것입니다. 땅 위로 낮게 날아가는 새들은 우리에게 이것을 상기시켜줍니다. 공기와 대기가 그들을 그곳으로 데려옵니다.

처음에 Shishkin은 이 그림을 "Motherland"라고 부르고 싶었습니다. 이 그림을 그리는 동안 Shishkin은 러시아 땅의 이미지에 대해 생각했습니다. 그러나 그는 불필요한 병증을 일으키지 않기 위해 이 이름에서 멀어졌습니다. Ivan Ivanovich Shishkin은 단순함이 삶의 진실이라고 믿으며 단순함과 자연스러움을 좋아했습니다.

러시아 풍경의 가을

Efimov-Volkov. 십월

러시아 풍경. Efimov-Volkov. "십월"

“원시적인 가을이 있습니다…

표도르 튜체프

초기 가을에 있습니다
짧았지만 즐거운 시간-
하루 종일 수정처럼
그리고 저녁은 빛난다...

쾌활한 낫이 걷고 귀가 떨어진 곳,
이제 모든 것이 비어 있습니다. 공간은 어디에나 있습니다.
얇은 머리카락의 거미줄 만
유휴 고랑에 반짝입니다.

공기는 텅 비어 있고, 새소리도 더 이상 들리지 않습니다.
그러나 첫 번째 겨울 폭풍은 아직 멀었습니다.
그리고 순수하고 따뜻한 푸른빛 흐름
휴게소로...

Efimov-Volkov의 그림 "10월"은 가을의 가사를 전달합니다. 그림의 전경에는 큰 사랑으로 그려진 어린 자작나무 숲이 있습니다. 연약한 자작나무 줄기와 갈색 흙이 단풍으로 덮여 있습니다.

L. 카메네프. 겨울 길

러시아 풍경. L. 카메네프 . "겨울길"

그림에서 작가는 끝없이 펼쳐진 눈, 말이 힘들게 나무를 끌고 가는 겨울 길을 묘사했다. 멀리 마을과 숲이 보입니다. 해도 없고 달도 없고 그저 흐릿한 황혼뿐이다. L. Kamenev의 이미지에서 도로는 눈으로 덮여 있고 그 길을 따라 운전하는 사람은 거의 없으며 창문에 빛이없는 눈으로 덮인 마을로 이어집니다. 그림은 우울하고 슬픈 분위기를 조성합니다.

I. Shishkin. 야생 북쪽에서

M.Yu.Lermontov
"야생의 북쪽에서"
거친 북쪽은 외로워
맨 꼭대기에는 소나무가 있고,
졸고, 흔들리고, 눈이 내린다
그녀는 가운처럼 옷을 입고 있습니다.

그리고 그녀는 먼 사막의 모든 것을 꿈꿉니다.
해가 뜨는 지역에서는
불타오르는 절벽 위에 홀로 슬프다
아름다운 야자수가 자라고 있습니다.

I. Shishkin. "야생의 북쪽에서"

Shishkin의 그림은 Lermontov가 시적 작품 "Pine"에서 부른 외로움 모티프의 예술적 구현입니다.

Elena Lebedeva, 웹사이트 그래픽 디자이너, 컴퓨터 그래픽 교사.

중학교에서 이 기사에 대한 교훈을 가르쳤습니다. 아이들은 시의 작가와 그림의 이름을 추측했습니다. 답변으로 판단하면 학생들은 예술보다 문학을 훨씬 더 잘 알고 있습니다.)))

러시아 풍경!

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일반적으로 우리는 이렇게 멋진 나라에서 태어나 살고 있다는 사실을 행운으로 생각합니다! 러시아의 풍경은 우리의 풍경입니다!
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“말해 보세요, 오 러시아의 자연이여,
무엇이 당신을 그렇게 매력적으로 만드나요?
그리고 왜 그들은 마음을 자극합니까?
당신의 초원, 들판, 꽃?
겸손하고 너무 화려해요
이 아름다움은 살아있습니다.
오, 나의 Rus'! - 당신의 성격에
순수함은 언제나 지켜진다..."

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"태양은 넉넉하게 흐른다
나의 좋은 땅으로,
내 영혼이... 가렵다 -
나는 자연에 대한 러시아 찬송가를 부릅니다.
언덕, 초원, 숲, 평원,
호수, 강, 하늘
사람들은 당신에 관한 서사시를 작곡했습니다.
당신의 모습은 국민들에 의해 지켜졌습니다.”

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“러시안 그로브에는 어린 신선함이 있고,
한 번 이상은 아버지 집 같았어요.
여기서 나는 사랑하는 부드러움을 배웠습니다.
그리고 그것을 마음속에 간직했습니다.
숲속의 시냇물이 시원함을 불러일으키고,
자작나무 그늘에 숨으라고 합니다.
그리고 꽃의 왈츠가 내 시야를 흐리게 하고,
눈물이 날 정도로 대단하다"고 말했다.

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“겨울인가, 가을인가, 악천후인가,
봄이나 여름, Rus'-soul,
일년 중 언제든지 오고 있습니다 -
당신은 당신 자신의 방식으로 좋은 것입니다!...”


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“당신은 아름답습니다, 오 러시아의 자연이여!
당신의 차분하고 자랑스러운 모습이 아름답습니다.
당신의 언어는 아름답습니다. 사람들의 언어입니다!
모든 생각은 나의 조국인 당신에 관한 것입니다!”

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“신비로운 러시아 영혼…
세상에 이보다 더 사랑스럽고 소중한 것은 없습니다.
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