활 그룹이 기본입니다 심포니 오케스트라. 가장 많은 수이다(소형 오케스트라는 24명, 대형 오케스트라는 최대 70명). 5개 부품으로 나누어진 4개 제품군의 악기가 포함되어 있습니다. 분할 기술(분할)을 사용하면 여러 당사자를 구성할 수 있습니다. C 카운터 옥타브부터 G 4옥타브까지 넓은 범위를 가지고 있습니다.
뛰어난 기술과 표현력을 보유하고 있습니다. 가장 귀중한 품질굽은 악기 – 질량의 음색 균질성. 이것은 설명된다 동일한 장치
모든 굽은 악기와 유사한 사운드 생성 원리. 재산표현 가능성 연관된 문자열다양한 기술
스트로크를 사용하여 현을 따라 활을 움직입니다. 활을 잡는 방식은 소리의 성격, 강도, 음색 및 프레이징에 큰 영향을 미칩니다. 활로 소리 내기 - 아르코. 뇌졸중은 세 그룹으로 나눌 수 있습니다. 첫 번째 그룹: 현을 떠나지 않고 균일하고 부드러운 움직임.분리
– 각 소리는 별도의 활 움직임으로 연주됩니다.트레몰로 - 두 소리의 빠른 교대 또는 동일한 소리의 반복으로 떨림, 떨림, 깜박임 효과를 생성합니다. 이 기술은 Claudio가 처음 사용했습니다.몬테베르디 오페라에서 “탄크레드와 클로린다의 전투.” 레가토
– 활 동작마다 여러 소리가 융합된 연주로 통일성, 선율, 호흡의 폭이 넓어지는 효과를 만들어냅니다. 포르타멘토(Portamento) - 활을 가볍게 밀어서 소리를 내는 것입니다. 두 번째 스트로크 그룹: 활을 미는 동작이지만 현을 떠나지 않습니다.논레가토, 마르텔레 – 각 소리는 활의 별도의 활발한 움직임에 의해 생성됩니다.단음
– 활을 움직일 때마다 여러 번의 짧고 갑작스러운 소리가 납니다. 세 번째 스트로크 그룹은 점프 스트로크입니다.스피카토
– 각 소리에 대한 활의 튀는 움직임.스타카토 볼란트
– 플라잉 스타카토, 한 번의 활 움직임으로 여러 소리를 연주합니다. 음색을 눈에 띄게 바꾸려면현악기
그들은 또한 특정한 연주 기술을 사용합니다. 리셉션- 활의 축으로 현을 치면 두드리는 소리, 치명적인 소리가 납니다. 이 기술은 극단적인 특성으로 인해 특별한 경우에는 거의 사용되지 않습니다. 이 곡은 베를리오즈가 환상 교향곡 5부 '안식일 밤의 꿈'에서 처음 소개했습니다. 쇼스타코비치는 교향곡 7번의 '침략 에피소드'에서 이 표현을 사용했습니다.
현악기의 소리는 플러킹으로 연주하면 전혀 인식할 수 없게 됩니다. 피치카토.현악기 피치카토는 건조하고 갑작스러운 사운드 - 차이콥스키의 4번 교향곡 스케르초 발레 "실비아" 중 "피치카토"를 연주합니다.
소리를 약화시키거나 음소거하려면 음소거( 사기꾼) - 스탠드의 현에 놓이는 고무, 고무, 뼈 또는 나무 판. Surdina는 또한 Grieg의 "Peer Gynt" 모음곡 중 "Death of Ose" 부분에서처럼 악기의 음색을 변경하여 매트하고 따뜻하게 만듭니다.
흥미로운 예는 Rimsky-Korsakov의 오페라 "The Tale of Tsar Saltan"의 3막에 나오는 "Flight of the Bumblebee"입니다. 음소거된 바이올린 소리는 윙윙거리는 듯한 완벽한 환상을 만들어냅니다. 현악기 연주의 밝은 색채 기법 -배음.
하모닉스는 매우 특별한 음색을 가지고 있으며 충만감과 감성이 부족합니다. 포르테에서는 하모닉스가 불꽃과 같고, 피아노에서는 환상적이고 신비로운 소리를 냅니다. 하모닉스의 휘파람 소리는 플루트의 가장 높은 소리와 비슷합니다. 20세기 후반에는 표현력을 높이려는 노력으로 인해 이전에는 예술적이지 않다고 여겨졌던 현악기의 소리가 만들어지기 시작했습니다. 예를 들어, 게임 스탠드 술 폰티첼로에서 거칠고, 휘파람 불고, 차가운 소리를 만들어냅니다. 게임 지판 위 sul tasto
– 음파가 약해지고 둔해진다. 스탠드 뒤에서 연주하거나 목을 연주하거나 손가락으로 악기 본체를 두드리는 것도 사용됩니다. 이 모든 기술은 K. 펜데레츠키가 52개의 현악기 "히로시마 희생자를 위한 애도"(1960)를 작곡할 때 처음 사용되었습니다.
모든 현악기에서는 이중 음은 물론 우아하게 또는 아르페지오로 연주되는 3화 및 4화음을 동시에 연주할 수 있습니다. 이러한 조합은 빈 문자열로 수행하기가 더 쉽고 일반적으로 솔로 작업에 사용됩니다. 활을 휘두르는 악기의 조상은 아랍인이었습니다.리밥, 페르시아 인케만차 , 8 세기에 유럽에 왔습니다. 여행하는 음악가들중세 유럽 그들과 함께피델과 레베카. 르네상스 시대에는 널리 퍼졌습니다.조용하고 조용한 소리가 들립니다. 비올라 계열은 비올라 다 브라치오(viola da braccio), 비올라 다 감바(viola da gamba), 비올라 다 모레(viola d amore), 베이스, 더블 베이스 비올라, 바스타드 비올라(메인 현과 공명 현 포함) 등 다양했습니다. 비올은 6~7개의 현으로 구성되어 있으며 4도와 3도로 조율되었습니다.
주제 3. 계측 전체 구성오케스트라.
계측 오케스트라 구성가지다 중요한, 그러나 그 자체로 끝이 될 수는 없습니다. 그 임무는 개발을보다 명확하게 만드는 것입니다 음악 조각, 주요 요인을 강조 음악적 사고. 예를 들어, 테마를 한 번 구현하는 동안 악기는 일반적으로 변경되지 않으므로 테마의 무결성을 강조하고 모달 조화 및 멜로디 개발에 주요 관심을 집중시킵니다. 오히려 주제와 대조되는 새로운 소재가 등장하면서 악기편성이 바뀌면서 주제의 전개가 강조된다.
악기 계획에는 음악 자료 개발, 하모니, 메트로 리듬 맥동 구조(완전한 리듬), 동적 억양 등 음악 작품 분석이 포함됩니다. 악기 편성에 대한 전략(계획)이 성숙해질 때까지 자세히 살펴보고(곡 연주) 잘 듣고, 육성해야 합니다.
N. Budashkin의 "Russian Overture"의 예를 사용하여 악기 계획을 살펴 보겠습니다. F-dur 키의 서곡은 4성부 형식으로 론도 기호가 있지만 4부(후렴)는 단조로 진행됩니다.
서곡의 메인 테마인 짧은 소개 후, 알토 돔라의 간격으로 제시되며, 중음역과 고음역은 풍부하고 풍부한 사운드를 제공하며, 테마 프레이즈의 엔딩은 버튼 아코디언의 구절로 채워져 있습니다. , 그러면 모든 것이 반대입니다. 주제는 아코디언으로 화음 방식으로 표현되고, 충전재는 돔라 프리마로 연주됩니다. 작품 초반에 주제를 모자이크로 표현한 이 작품은 명랑하고 경쾌한 분위기를 자아낸다.
다음은 첫 번째부터 네 번째 숫자까지의 주제에 대한 그래프입니다.
주제 작성
1) d. 비올라 아코디언
2) 디.비올라
3) 버튼 아코디언 d.
4) d. 비올라 d.
5) 버튼 아코디언과 비올라
완전한 명확성을 위해 음악적 예를 들어보겠습니다.
부록 참조(예시 번호 57a, 예 번호 57b, 예 번호 57c)
그 다음에는 fis-moll 키의 서정적 에피소드가 이어집니다. 그리고 다시 N. Budashkin은 돔라 합창단을 고음역의 알토에 맡겼습니다. 비록 범위 측면에서 보면 프리마 돔라가 연주했을 수도 있습니다.
부록 참조(예제 번호 58)
이것이 악기의 아름다움이다. Domra prima는 음악 자료 개발에 포함되지만 버튼 아코디언은 게임에서 꺼지므로 인간의 귀가 이 음색에서 휴식을 취할 수 있습니다.
부록 참조(예제 번호 59)
그러나 이 주제가 논의될 때 듣는 사람은 어떤 즐거움을 경험하게 됩니까? 짧은 시간조화로운 소리, 테르츠 프리젠테이션, 뉘앙스의 아코디언이 있는 돔라 알토스 피 .
부록 참조(예제 번호 60)
그 다음에는 중간 유형의 음악 자료 표현(변경, 연속성, 원점)을 사용하여 발전적인 성격의 에피소드가 이어집니다. 이 지배적인 선구자는 다시 우리를 서곡의 주요 주제인 F-dur의 키로 이끈다. 오케스트라의 모든 그룹이 세부적으로 개발에 참여합니다. 에프 – ff . 처음과 달리 악기 구성이 크게 바뀌었습니다. 테마는 더 이상 음색으로 구분되지 않습니다. 전적으로 domra 그룹에서 들리며 약간의 힘과 견고성을 얻었으며 버튼 아코디언 연주는 채우기만 합니다.
부록 참조(예제 번호 61)
두 번째 서정적 에피소드는 돔라 알토스와 바얀의 뉘앙스와 함께 C장조로 들립니다. MF (더 길다) 같은 N. Budashkin의 "The Tale of Baikal"을 연상시키는 웅장하고 풍부하게 들립니다.
부록 참조(예제 번호 62)
전략적으로 이 섹션은 시작 부분 외에도 저자가 오케스트라의 전체 구성을 사용하기 때문에 더 복잡할 수 있지만 오케스트라 그룹의 기능이 항상 바뀌기 때문에 단조로움이 느껴지지 않습니다. 이는 실행된 텍스처의 신선도를 유지하는 방법 중 하나입니다.
분석하는 것이 흥미롭다 최종 단계수단. 위에서 언급한 대로 소리가 난다. 동명의 미성년자. 그리고 가장 흥미로운 점은 테마가 다시 음색 세그먼트로 나누어져 있다는 것입니다. 거울 이미지: 테마를 시작하는 것은 비올라가 아니라 버튼 아코디언 – 돔라를 비올라로 채우는 등
그 다음에 투티-서정적 주제의 억양과 서곡의 마지막 단계에 대한 짧은 에피소드가 들립니다. -서곡의 주요 주제인 Coda가 들립니다. 그리고 다시, 악기 제작자의 발견: 처음으로 필과 함께 테마가 모든 악기에서 연주됩니다. 웅장하고 강력하게 들립니다.
부록 참조(예제 번호 63)
분석 중에 발랄라이카 그룹에 대해 아무 것도 언급되지 않은 것이 눈에 띌 것입니다. 그 이유는 이 작품에는 이 그룹에 할당될 멜로디 에피소드가 없기 때문입니다(발랄라이카의 일부 예외 제외). 기본적으로 이것은 수반되는 역할과 메트로리듬 맥동입니다. 전체 액션 극장은 돔라와 버튼 아코디언 그룹에 있습니다. 이것은 아마도 계측의 전형적인 예일 것입니다. 심포니 오케스트라처럼 음색이 많지 않고 저자는 빈약 한 수단으로 밝은 캔버스를 만들었습니다. 민속 장르. 가장 중요한 것은 가지고 있는 것을 능숙하게 관리하는 것입니다.
장II. 오케스트라 기능.
Topic 1. 멜로디는 오케스트라 기능의 여왕입니다. 격리 방법.
대부분의 경우 오케스트라 질감의 멜로디는 주요 감정적 부하를 전달하므로 악기 연주자는 멜로디 라인을 강화하는 방법을 찾는 심각한 작업에 직면합니다. 멜로디의 분리는 다양한 기술을 통해 이루어집니다.
동시에 멜로디를 두 배로 늘립니다.
한 옥타브 또는 여러 옥타브를 두 배로 늘립니다.
멜로디 음색의 분리;
화음과 거리를 두고 멜로디를 연주하는 것(자유지대 선택),
포노-장식 더블링(작은 지속 시간을 더 큰 지속 시간에 중첩하거나 그 반대).
안에 오케스트라 악보꽤 자주(특히 민속음악) 반주 없이 하나의 멜로디가 들립니다. 때로는 여러 개의 성부로 나누어 하위 성부를 형성하는 경우도 있습니다. 악기 편성의 관점에서 이러한 표현은 전체적으로 멜로디로 간주되며, 악기 편성 중에는 주 멜로디 음성을 연주하는 동일한 음색 그룹의 악기에 맡겨집니다. 테마의 서브보컬 프리젠테이션은 합창-서브보컬 프리젠테이션, 즉 명확하게 표현된 하모니를 갖춘 프리젠테이션으로 바뀌지만 멜로디 서브보컬의 원리에 따라 발전합니다.
부록 참조(예제 번호 64)
오케스트라 구조의 경우 일부 악기의 음향을 다른 악기의 음향에 중첩하는 것이 매우 중요합니다. 복제에는 두 가지 주요 유형이 있습니다: 정확한 복제(동일, 옥타브 및 대체 옥타브)와 부정확한 복제(포노-장식 및 강조).
Unison 더블링은 더 깨끗하고 강력한 음파를 얻거나 부드럽게 하기 위해 사용됩니다. 주제를 더욱 눈에 띄게 표현하고 멜로디 패턴을 더욱 명확하게 표현합니다. 새로운 목소리를 만들어 보세요.
부록 참조(예제 번호 65)
옥타브 더블링은 주로 음파를 확장하고 향상시키는 데 사용됩니다. 이것은 아마도 가장 일반적인 기술일 것이다. 투티, 여기에는 2, 3, 4 옥타브의 두 배 증가도 포함됩니다.
부록 참조(예제 번호 66)
옥타브 더블링은 매우 독특합니다. 음파는 엄청난 것으로 밝혀졌습니다. Gevart의 말에 따르면 "사람 뒤를 따라다니는 부자연스럽게 길쭉한 그림자"와 유사하고 기발합니다. 이 기술은 이국적인 성격의 음악의 특징입니다.
부록 참조(예제 번호 67)
멜로디는 음색으로도 구분할 수 있습니다. 매우 일반적인 기술은 오케스트라의 다른 오케스트라 기능을 표현하는 것과 비교하여 다른 대조 방식으로 멜로디를 표현하는 것이며, 대조되는 음색의 멜로디 사운드는 동일한 음역에서 멜로디를 연주하는 능력에 기여합니다. 멜로디 형상이 들리는 것입니다.
부록 참조(예제 번호 68)
계측에는 "자유 구역 선택"이라는 개념이 있습니다. 이는 우선 다음을 의미합니다. 주요 기능텍스처 - 멜로디. 다른 기능과 거리를 두고 멜로디를 연주할 수 있으면 매우 좋습니다. 이 기술은 음악 작품의 질감이 작가의 의도를 허용하거나 이에 부합하는 경우 사용해야 합니다. 원칙적으로 멜로디를 이끄는 성부 사이의 간격을 채우는 데는 사용된 음역에 따라 패턴이 있습니다. 3, 4옥타브에서는 거의 채워지지 않고, 2, 3옥타브에서는 거의 채워지지 않고, 1st 이내에서는 거의 채워지지 않습니다. 두 번째 옥타브 채우기가 발생하며 첫 번째 및 마이너 옥타브 내에서 거의 항상 채워집니다.
이 결론은 많은 음악 작품의 분석을 바탕으로 내려졌습니다. 실제로 가장 뛰어난 솔루션은 모두 장비 제조업체의 재능과 경험에 달려 있다는 점에 유의해야 합니다.
부록 참조(예시 번호 69a, 예 번호 69b)
음성 장식 중복 또는 이중화는 아래 설명된 것보다 덜 일반적이지만 존재하므로 이에 대해 알아야 합니다. 이는 동일한 음악 자료를 다양한 형태로 동시에 표현하는 조합(겹침)을 나타냅니다. 이 경우 리드미컬하고 선형적으로 단순화된 형태 중 하나, 즉 더 긴 지속 시간으로 제공되는 형태는 일종의 배경 역할을 합니다. . 실제로 자금이 장기간 동안 또는 반대로 짧은 기간 동안 자재로 수행될 수 있는 경우 그러한 중복이 있습니다. 하나는 다른 하나를 배제하지 않습니다. 일반적으로 이러한 중복(doublings)을 음성 장식, 즉 서로 중복되는 것으로 부르는 것이 좋습니다.
부록 참조(예제 번호 70)
주제 2. 대위법. 멜로디에 따른 대위법의 위치.
대위법 - 점 대 점(라틴어에서 번역됨). 안에 넓은 의미에서단어 대위법은 주제와 동시에 들리는 멜로디 라인입니다. 1) 주제의 정식 모방; 2) 메인 테마와 동시에 들리는 보조 테마; 3) 리듬, 움직임 방향, 성격, 음역 등의 주제와 다른 특별히 구성된 독립적인 선율 시퀀스. 긍정적인 목소리는 종종 대위법과 혼동됩니다. 에코는 멜로디에 가깝고, 이동 방향이 동일하며, 음색도 동일합니다. 그들은 멜로디에서 대위법을 분리하고, 멜로디에 다른 움직임 방향을 부여하고, 가장 중요한 것은 대조되는 음색의 악기에 할당하려고 합니다. 대위법 자체는 멜로디와 유사하며 그 전개는 멜로디와 동일한 특성을 특징으로 합니다. 즉, 관련 음색과 조화를 이루며 이중 음표, 코드로 이어지는 이중화입니다. 멜로디와 관련된 대위법의 위치는 다양할 수 있습니다. 가장 중요한 것은 이 두 라인이 오케스트라에서 명확하게 들린다는 것입니다.
부록 참조(예제 71a)
이 예(71a)에서 대위법은 멜로디(아코디언 II) 위에 위치하며 옥타브 소리(돔라 프리마, 돔라 비올라)입니다. 멜로디와 대위법은 리드미컬하고 음색적으로 대조됩니다.
부록 참조(예제 71b)
이 예(71b)에서 대위법은 돔라 및 버튼 아코디언 I에서 들리는 멜로디보다 낮게 들립니다. 두 번째 버튼 아코디언은 낮은 음역에서 더 짧은 지속 시간으로 대위법 기능을 수행합니다.
부록 참조(예제 번호 71c)
이 음악적 예(71c)에서는 다음을 위한 작품에서 다소 드문 경우가 있습니다. 민속 오케스트라. 하모닉스(아코디언) 그룹의 멜로디와 대위법 사운드, 동질적인 악기입니다. 대비는 레지스터에만 있으며 리드미컬하게 거의 동일한 유형입니다.
그러나 그렇게 명확하고 명확하지 않은 예가 있을 수 있습니다. 따라서 대위법 성부의 기능은 비유적인 성격의 멜로디 라인과 심지어 멜로디-하모닉 형상으로 수행되는 경우가 많습니다. 이 경우, 그들은 선두 멜로디에 반주하는 만큼 그다지 반대하지 않습니다.
부록 참조(예제 번호 72)
따라서 위의 예에서 멜로디는 돔라 프리마 트레몰로로 연주되고, 선율 형태의 대위법은 발랄라이카와 돔라 더블 베이스가 연주합니다. 점선-멜로디로 인해 소리의 완화가 이루어집니다. 레가토, 대위법 단음. 악기의 동질성에도 불구하고 두 라인 모두 볼록하게 들립니다.
복잡한 음악 작품에서는 각 멜로디 레이어가 고유한 생생한 개별 이미지를 표현하는 주요 멜로디 라인과 대위법을 결정하는 것이 때로는 어렵습니다.
부록 참조(예제 번호 73)
이 예에서는 음악 자료 표현의 복잡한 부분인 R. Gliere의 Symphony-Fantasy를 보여줍니다. 여기에는 특성화하기 어려운 세 가지 멜로디 라인이 명확하게 표현되어 있습니다. 각각이 어떤 기능에 속하는지.
주제 3. 페달. 멜로디에 대한 페달의 위치. 오르간 포인트의 개념. 셀프 페달링 패브릭.
넓은 의미에서 "오케스트라 페달"의 개념은 소리의 충만감, 지속 시간 및 일관성에 대한 청각적 표현과 관련이 있습니다.
하모닉 페달의 특징은 멜로디(비상, 대위법)에 비해 지속되는 소리의 지속 시간이 길다는 것입니다.
포크 오케스트라에서는 페달이 특히 중요합니다. 왜냐하면 많은 악기를 연주하는 기본 기술로는 오케스트라의 음향을 확고히 할 수 없기 때문입니다(예: 단음발랄라이카 그룹의 악기). 가장 일반적으로 사용되는 페달은 베이스 돔라(저음역 및 중음역), 버튼 아코디언 및 비올라 돔라(중음역)입니다.
피치 위치 측면에서 페달은 멜로디 아래에 위치하는 경우가 가장 많습니다. 포크 오케스트라의 페달 사운드에 가장 적합한 음역은 작은 옥타브의 "E"부터 첫 번째 옥타브의 "A"까지의 음역으로 간주됩니다. 오케스트라 페달에는 다양한 하모닉 사운드가 포함되어 있습니다. 3성 및 4성 연주에서 페달을 논리적으로 사용합니다. 그러나 하모닉 사운드의 일부(예: 2개)만 페달에 사용되는 경우가 많습니다. 때로는 하나의 하모닉 사운드만 페달로 지속되는 경우도 있습니다. 이것은 베이스일 수도 있고 일종의 중간 하모닉 보이스일 수도 있습니다. 페달 사운드는 저음뿐만 아니라 지속 가능합니다. 높은 성부에서 유지되는 경우가 종종 있는데, 이는 페달이 항상 멜로디 아래에 위치하지 않음을 나타냅니다. 사용된 음색의 관점에서 볼 때 페달은 연주되는 멜로디와 관련된 음색 그룹의 악기와 대조되는 음색의 악기 모두에 할당될 수 있습니다. 멜로디와 페달이 같은 음역에 있을 때는 대비되는 톤 페달을 사용하는 것이 좋습니다.
부록 참조(예제 번호 74)
이 예에서 페달은 베이스 돔라 근처를 지나가며 알토 돔라 멜로디 라인의 배경이 됩니다.
부록 참조(예제 74a)
첫 번째 버튼 아코디언과 발랄라이카를 약 1분 동안 달리는 멜로디 위에 페달이 고음역에서 소리가 나는 경우는 드문 예가 아닙니다.
부록 참조(예제 74b)
G. Fried의 "The Lizard" 음악 단편에서는 멜로디와 페달 사운드가 동일한 조합으로 들리는 경우 "믹스" 기술이 사용됩니다.
멜로디: 돔라 프리마 I, 돔라 알토 I, 버튼 아코디언 I;
페달: domra prima II, domra alto II, 버튼 아코디언 II, domra 베이스 및 발랄라이카 prima. 이 예에서는 페달 소리가 하나의 레지스터에서 들립니다.
자동 페달링 음악 구조는 멜로디 라인이 길게 지속되는 소리로 표현되는 현상으로, 이는 늘어진 러시아어의 전형적인 현상입니다. 민요. 당연히 여기서는 페달을 사용할 필요가 없습니다.
부록 참조(예제 번호 75)
오케스트라 페달의 특별한 경우는 오르간 포인트이기도 한 지속되는 사운드입니다. 오케스트라 조직에는 다양한 오르간 포인트가 있습니다. 오르간 포인트의 정의적인 특징은 그들이 수행하는 연주입니다. 특정 기능. 이는 조직의 나머지 부분과 분리된 것처럼 개별 소리(대개 강장제 및 지배적)가 움직임을 정지하거나 움직임이 정지되어 다소 중요한 시간 동안 유지되는 독특한 배경으로 변한다는 사실로 구성됩니다. 멜로디와 하모닉 직물의 개발이 계속됩니다. 대부분 오르간 포인트는 베이스 음성에 사용됩니다. 안에 음악문학오르간 포인트는 확장된 음표뿐만 아니라 리드미컬하고 때로는 선율적으로 장식된 사운드에서도 찾을 수 있습니다. 포크오케스트라의 악보에서는 이런 일이 매우 드물다.
부록 참조(예제 번호 76)
이 예는 더블 베이스의 오르간 포인트도 페달인 경우를 보여줍니다.
주제 4. 고조파 형상. 다양한 피규어.
하모닉 형상은 기본적으로 멜로디와 베이스 성부로부터 분리된 리드미컬한 움직임과 비유적 패턴의 중간 하모닉 보이스입니다. 예를 들어 왈츠 반주, 볼레로, 폴로네즈 등의 전형적인 표현 형태가 있습니다. 조화로운 형상은 조화의 더 큰 독립성을 드러내는 데 도움이 됩니다. 러시아 오케스트라에서 민속 악기나는 보통 초음과 알토의 발랄라이카에 하모닉 형상을 맡기고 때로는 소수의 발랄라이카나 베이스 발랄라이카를 추가하기도 합니다. 돔라와 버튼 아코디언을 사용하여 고조파 형상을 수행하는 경우는 덜 일반적이며 주로 발랄라이카를 사용한 형상과 결합됩니다.
가장 단순한 하모닉 형상은 반복되는 코드입니다.
부록 참조(예제 번호 77)
반복 코드의 특별한 경우는 반복 코드입니다. 레가토. 두 악기의 서로 다른 방향으로 화음이 교대로 흔들리는 듯한 느낌을 줍니다. 레가토, 버튼 아코디언이나 관악기로만 가능하며 돔라의 경우에는 훨씬 적습니다.
부록 참조(예제 번호 78)
반복되는 코드는 연주하기가 매우 쉽기 때문에 보다 복잡한 리듬 패턴에서 반복되는 코드를 사용하는 것이 일반적입니다.
부록 참조(예제 번호 79)
보다 눈에 띄는 화음 형태는 코드 사운드를 따라 움직이는 것입니다. 두 사운드를 번갈아 가며 낮은 발랄라이카에서 높은 발랄라이카로 또는 그 반대로 전환하는 짧은 아르페지오입니다. 대부분의 경우 코드 사운드를 따라 동시에 움직임을 찾을 수 있습니다(제시되는 질감에 따라 프리마 발랄라이카, 두 번째 발랄라이카, 알토 발랄라이카, 베이스 발랄라이카 사용 가능).
부록 참조(예시 번호 80a, 예 번호 80b)
하모닉 형상의 비전형적인 표현은 코드가 아닌 사운드(멜로딕 라인에 형상의 중첩)를 사용하는 것입니다. 이 그림은 대위법에 접근합니다. 이는 특히 멜로디 위에 연주되는 형상의 경우에 일반적입니다.
부록 참조(예제 번호 81)
때때로 조화로운 형상이 지배적인 의미를 갖습니다. 예를 들어, 형식이 독립적인 일부 연극이나 이러한 연극의 섹션을 소개하는 경우입니다. 음악의 이러한 순간은 청취자를 동원하여 주요 행동을 준비합니다.
부록 참조(예제 번호 82)
주제 5. 베이스. 성능 및 프리젠 테이션의 특징적인 기술. 베이스를 생각했습니다. 솔로 부품.
위에서 언급한 오케스트라 기능과 관련하여 다음과 같은 기능이 있다고 말할 수 있습니다. 특징– 제시된 자료의 모든 음역에서 소리가 날 수 있으며, 더욱이 서로 어떤 음높이 관계에도 있을 수 있습니다. 베이스는 이와 관련하여 예외입니다. 베이스는 항상 오케스트라 연주에서 가장 낮은 사운드입니다. 오케스트라 기능으로서의 베이스와 화음을 특징짓는 사운드로서의 베이스는 하나이며 동일합니다.
초보 악기 연주자는 낮은 성부가 발랄라이카 베이스를 연주하는 발랄라이카 그룹을 위한 악기를 만들 때 종종 실수를 합니다. 발랄라이카 알토는 조옮김 악기(한 옥타브 낮은 소리)이고 음성이 움직이기 때문에 오류가 나타납니다. 베이스는 중간 음성으로 들어가고 알토는 낮은 음성으로 들어갑니다(고조파 기능의 변경). .
부록 참조(예제 번호 83)
대부분의 경우 베이스는 독립적인 오케스트라 기능으로 구별됩니다. 이는 베이스 보이스를 두 배로 늘려서 달성됩니다. 조화아니면 옥타브. 민속 악기 오케스트라에서는 베이스 음색에 독립성을 부여하기 위해 대조적인 사운드 제작 방법이 사용됩니다. 단음 발랄라이카 베이스와 더블 베이스.
부록 참조(예제 번호 84)
베이스 음색에 공간과 서라운드 사운드를 생성하기 위해 옥타브 표현(베이스, 더블 베이스)뿐만 아니라 4도와 5도 간격도 사용됩니다.
부록 참조(예제 번호 85)
때로는 베이스가 오케스트라 질감의 독립적인 기능으로 오케스트라에서 선택되지 않고 다른 기능의 낮은 음과 일치하는 경우도 있습니다.
부록 참조(예제 번호 86)
다른 종류의 베이스도 있습니다. 예를 들어, 추천. 가장 간단한 형태주요 베이스는 기능(화성)을 결정하는 메인 사운드와 보조 사운드라는 두 개의 교대 사운드로 구성된 베이스입니다. 대부분의 경우 보조 베이스는 트라이어드의 중립 사운드입니다.
부록 참조(예제 번호 87)
계산된 베이스는 때때로 매우 복잡하며 주로 코드 사운드를 따라 움직입니다.
부록 참조(예제 번호 88)
베이스가 저음역에서 멜로디 기능을 수행하는 경우에도 예외는 아닙니다. 포크 오케스트라 악보에서 이러한 베이스 음색의 표현은 드문 일이 아닙니다.
부록 참조(예제 번호 89)
장III. 클라비어 분석.
주제 1. Clavier의 특징 키보드 부분의 계측.
클라비어는 편곡이다 오케스트라 작품피아노용. 원작악기용으로 제안된 피아노 또는 버튼 아코디언용입니다.
특정 곡을 편곡하려면 관현악 악기의 능력과 음악 자료를 표현하는 원리를 아는 것만으로는 충분하지 않습니다. 곡이 원래 쓰여졌던 악기의 질감 특징을 아는 것도 중요합니다. 피아노 곡을 악기로 연주할 때, 피아노에는 풀무의 움직임으로 인해 현악기에서 볼 수 있는 지속적이고 오래 지속되는 소리가 없다는 점을 기억해야 합니다. 그러나 피아노에는 더 짧은 길이로 녹음되더라도 길이가 길어지는 장치(페달)가 있습니다.
부록 참조(예제 번호 90)
클라비어를 분석할 때 피아노의 질감을 녹음하는 데 주의해야 합니다. 녹음된 텍스처에서 음성의 약어를 자주 찾을 수 있습니다. 예를 들어, 음성 중 하나에 이중 음표가 누락되었습니다.
부록 참조(예제 번호 91)
많은 피아노 작품의 특징 중 하나는 옥타브 간격으로 연주되는 코드 범위가 제한된다는 것입니다. 결과적으로 코드는 투티음성 사이에 공백이 있는 경우가 매우 많으며, 악기 연주 중에 이를 채워야 합니다.
부록 참조(예제 번호 92)
부록 참조(예제 93a, 예 93b)
피아노 질감의 특징 중 하나는 이 코드의 두 개 이상의 사운드를 번갈아 가며 빠르게 반복되는 코드 사운드를 대체하는 것입니다.
부록 참조(예시 번호 94a, 예 번호 94b)
피아노를 위해 작곡된 다양한 작품은 두 가지 주요 유형으로 구분할 수 있습니다. 어떤 마스터가 악기를 연주하면 소리가 손실되는 특정 피아노 질감을 가진 곡이 있고, 숙련된 디코딩을 통해 곡의 사운드를 풍부하게 할 수 있는 질감을 가진 곡이 있습니다.
악기 편성에 대한 적합성 관점에서 피아노 곡을 분석할 때 피아노와 관현악 악기의 성능을 주의 깊게 비교하고, 피아노와 오케스트라 그룹의 색상 성능을 비교하고, 마지막으로 피아노 질감의 기술적 구현을 분석해야 합니다. .
장IV. 교향곡 악보로 편곡되었습니다.
주제 1. 심포니 오케스트라 악기 그룹 및 포크 오케스트라 악기와의 관계.
관악기:
가) 나무
b) 구리
모든 악보는 기술적 수단 및 공개 기술의 모든 표현과 함께 저자의 생각을 완벽하게 표현합니다. 예술적 이미지. 따라서 교향곡 악보를 다시 악기로 연주할 때는 가능하면 악기 작품의 질감을 그대로 유지해야 합니다. 악기 제작자의 임무는 교향곡 악보의 기능을 면밀히 분석한 후 이를 러시아 민속 오케스트라의 악보로 옮기는 것입니다. 러시아 오케스트라의 수단으로 심포니 오케스트라의 음색을 근사화하는 것에 대해 이야기하면 주로 돔라와 같은 민속 오케스트라의 현 그룹이 심포니 오케스트라의 활 그룹에 해당하고 버튼 아코디언이 목관악기와 금관악기 그룹. 그러나 이는 자료의 개발이 나열된 그룹의 특성, 기술적 역량 및 음향 능력과 일치하는 한 어느 정도만 사실입니다.
경험이 없거나 초보 악기 연주자는 악기의 음색, 음향 강도 또는 기술적 능력을 고려하지 않고 활 그룹(돔람) 및 관악기 그룹(바얀)의 대응에서만 재악기 작업을 수행하는 경우가 많습니다.
목관악기가 아코디언 그룹, 특히 소리 강도 측면에서 어느 정도 동등하다면, 소리의 금관 악기 그룹은 투티 – 에프 버튼 아코디언 그룹과 비교할 때 사운드의 강도를 보완하는 추가 리소스가 필요합니다. 브라스 그룹을 모방한 버튼 아코디언은 질감이 조화로운 경우 옥타브 또는 코드로 표시되어야 하며 발랄라이카도 추가되어야 합니다. 트레몰로 화음. 때로는 이것만으로는 충분하지 않을 때도 있습니다. 음악 자료활 그룹은 버튼 아코디언 그룹(기술적으로 복잡한 재료, 높은 테시투라, 아르페지오 질감)에 완전히 또는 부분적으로 맡겨져 있으며 관악기의 멜로디 기능이 돔라 및 발랄라이카 그룹에 의해 수행될 때 그 반대의 경우도 있습니다(빈도는 낮지만). 심포니 오케스트라의 색상을 음색이 다소 부족한 포크 오케스트라와 비교할 때 고려해 볼 가치가 있습니다. 작가가 페인트를 기반으로 사용하는 작품을 다시 악기하는 것이 합리적입니까? 비유적인 특징(Dukas, M. Ravel, C. Debussy 등). 민요 기반과 관련이 있고 러시아 민속 오케스트라의 성격, 성격 및 수단이 유사한 곡을 다시 악기하는 것이 더 편리합니다.
러시아 민속 오케스트라의 구체적인 능력을 고려하면 심포니 오케스트라의 실제 사운드에서 어느 정도 "분리"하는 동시에 저자의 주요 아이디어를 보존하는 것이 필요합니다.
다음은 교향곡 악보를 재편성한 몇 가지 예입니다.
부록 참조(예제 번호 95)
이 예는 심포니 오케스트라의 전체 질감을 실질적으로 변경 없이 포크 오케스트라로 전송할 수 있는 경우를 정확하게 반영합니다. 유일한 것은 교향곡 악보에서 오보에와 호른이 연주하는 페달이 발랄라이카 그룹에 할당되었다는 것입니다. 그리고 이것은 확실한 결정이 아닙니다. 옵션이 있습니다.
부록 참조(예시 번호 96a, 예 번호 96b)
이 예에서는 첫 번째 바이올린의 부분을 버튼 아코디언 I로 옮기는 것이 더 좋습니다. 왜냐하면 돔라에서는 이 레지스터(처음 세 소절)가 불편하고 소리도 좋지 않기 때문입니다. 나무의 페달 소리는 버튼 아코디언 II와 프리마 발랄라이카로 연주됩니다. 금관 악기 그룹의 기능은 III 버튼 아코디언과 발랄라이카, 초 및 비올라에 맡겨져 있습니다. 이것이 아마도 유일한 올바른 결정일 것입니다.
부록 참조(예시 번호 97a, 예 번호 97b)
이 교향곡 부분에서 첫 번째 바이올린과 두 번째 바이올린의 부분은 아코디언으로 연주되는데, 이는 이 경건한 배경을 돔라보다 더 표현력 있게 만들기 때문입니다. 돔라 및 발랄라이카를 위한 하모닉 페달 약. 테마 사운드를 더욱 두드러지게 만들기 위해(비올라가 주도) 세 번째 버튼 아코디언은 테마 사운드를 복제합니다(보조 음색으로). 이러한 질감의 표현은 작가의 의도를 위반하지 않으며 오히려 예술적 이미지의 공개에 기여합니다.
관악기의 질감이 현악기의 기능적 작업과 명확하게 분리되는 경우 재악기를 위한 또 다른 옵션을 고려해 보겠습니다. 심포니 오케스트라에서는 포크 오케스트라와 마찬가지로 가장 큰 그룹이 현악기입니다. 어떤 뉘앙스라도 ( 이 경우 피) 현악기는 밀도 있고 풍부하며 놀라운 소리를냅니다. 이 조각을 다시 계측할 때 동일한 효과를 얻으려면 domra 그룹에 balalaika 그룹을 추가해야 합니다.
부록 참조(예시 번호 98.a, 예 번호 98b)
재악기 연주의 모든 예는 브라스 그룹 없이 민속 악기 오케스트라의 전체 구성에 대해 제공됩니다. 오케스트라에 최소한 플루트와 오보에가 있으면 악기 제작자의 작업이 크게 단순화됩니다. 다른 예술적 작업을 구현하기 위한 리소스가 버튼 아코디언 및 발랄라이카 그룹에 나타납니다.
문학
Andreev V. 자료 및 문서. / V. Andreev. – M.: 무지카, 1986.
Alekseev P. "러시아 민속 오케스트라"- M., 1957.
Alekseev I. 러시아 민속 오케스트라. / I. Alekseev-M., 1953.
Blok V. 러시아 민속 악기 오케스트라. / V. 블록. – M.: 무지카, 1986.
Basurmanov A. 아코디언 연주자의 핸드북. / A. Basurmanov. - 중.: 소련 작곡가, 1987.
Vertkov K. 러시아 민속 악기. / K. Vertkov. – 엘., 1975.
Vasiliev Yu. 러시아 민속 악기에 관한 이야기. / Yu.Vasiliev, A. Shirokov. – M.: 소련 작곡가, 1976.
Vasilenko S. 심포니 오케스트라를 위한 악기. / S. 바실렌코. T. 1.-M., 1952.
게바르트 F. 새로운 코스수단. / F. 게바르트. – M., 1892.
Gevart F. 계측 방법론 과정. / F. 게바르트. – M., 1900.
Glinka M. 계측에 대한 참고 사항. 문학유산. / M. 글린카. – L.-M., 1952.
Zryakovsky N. 일반적인 계측 과정. / N. Zryakovsky. – 엠., 1963.
Zryakovsky N. 일반적인 계측 과정의 문제. / N. Zryakovsky. 1부. – M., 1966.
Kars A. 오케스트레이션의 역사. / A. 카르스. – M.: 무지카, 1990.
Konyus G. 계측에 관한 문제집. / G. 코니우스. – M., 1927.
Maksimov E. 러시아 민속 악기의 오케스트라와 앙상블. / E. 막시모프. – 엠., 1963.
Rimsky-Korsakov N. 오케스트레이션의 기초. / N. 림스키코르사코프. – M., 1946.
Rimsky-Korsakov N. 오케스트레이션의 기초. – 문학 작품그리고 서신. / N. 림스키코르사코프. T.3.-M., 1959.
Rozanov V. 계측. / V. Rozanov. – M.: 소련 작곡가, 1974.
Tikhomirov A. 러시아 민속 오케스트라의 악기. / A. 티코미로프. – 엠., 1962.
Chulaki M. 심포니 오케스트라의 악기. / M. 출라키. – 엠., 1962.
Shishakov Y. 러시아 민속 악기 오케스트라를 위한 악기. / 유. – 엠., 1964.
1 어디에서나 시작과 이후에 모든 음악적 예는 피콜로 돔라 없이 쓰여집니다. 이 악기는 대부분의 오케스트라에서 사용되지 않습니다.
이 악기 과정은 음악 대학에서 이 분야를 실제로 연구하기 위한 것입니다. 주로 이론 및 작곡과 학생들(주로 작곡가, 부분적으로는 이론가)을 대상으로 합니다.
계측은 이 교과서의 내용과 구조에 결정적인 역할을 하는 순전히 실용적인 학문입니다. 자세한 설명학생은 악기 과학 교과서에서 레지스터의 범위, 속성 및 특징의 특성을 찾을 수 있습니다. 여기서는 실제 작업에 필요한 정도까지 심포니 오케스트라에 포함된 오케스트라 그룹(활, 목관 악기 및 금관 악기)과 오케스트라(활, 소형 교향곡 및 대형 교향악)에 대해 간략하게 설명합니다. 이 과정은 계측 연구의 초기 단계를 나타냅니다. 교육학적 이유로 극단적인 음역 및 기술적 능력과 관련하여 개별 악기 및 오케스트라 그룹의 사용에 대한 여러 제한 사항을 도입했습니다. 젊은 오케스트레이터의 추가적인 실제 활동에서 그가 오케스트레이션 기술을 숙달함에 따라 이러한 제한은 자연스럽게 사라질 것입니다.
교과서에는 현악기, 목관악기, 금관악기의 코드 배열, 목관악기와 금관악기 그룹 연결 연습, 대규모 심포니 오케스트라의 코드 1과 3 배열에 관한 특별 연습이 포함되어 있습니다. 교과서의 주요 위치는 현악, 목재, 금관 악기 등 오케스트라의 모든 그룹과 소규모 및 대규모 심포니 오케스트라에 대해 엄격하게 정의되고 체계적인 순서로 배열된 작업으로 채워져 있습니다.
악기 강좌를 수강할 때, 이 강좌를 지도하는 교사들은 악기 강좌를 위한 자료로 사용합니다. 실무학생들은 보통 피아노 곡을 사용합니다. 그러나 이러한 목적에 적합하고 충족해야 하는 모든 요구 사항을 충족하는 작품(개별 악기 및 오케스트라 그룹의 음색과 기능이 명확하고 명확하게 식별되지만 동시에 지속 시간과 크기가 작은 작품)은 극히 적습니다. . 물론 거의 모든 것을 조율할 수 있습니다. 피아노 조각, 그러나 오케스트레이션 후에 오케스트라를 위해 특별히 작곡된 듯한 인상을 주는 경우는 매우 드뭅니다. 따라서 저는 악기 연주 실기 과정의 기초가 되는 순전히 오케스트라 질감의 특별한 문제를 작성해야 했습니다.
제안된 작업의 음악 자료는 멜로디, 화성 및 조직 측면에서 대부분 단순합니다. 많은 작업은 오케스트라를 위한 형태로 완성된 작은 전주곡으로, 음악 내용, 음악 형식, 멜로디, 화성, 동기 부여 개발 및 오케스트레이션 간의 연결이 이미 유효해졌습니다.
이 과정은 오케스트라에 대한 학생의 감각을 발전시키고 음색과 질감 측면에서 오케스트라적으로 생각하도록 가르치는 것을 주요 목표로 설정합니다. 이러한 조건을 따르지 않으면 음악은 추상적인 작곡으로 이어지며, 오케스트라와의 편곡은 무기물이 됩니다.
오케스트레이션 기술을 익히려면 학생은 먼저 오케스트라의 일부인 각 악기의 범위, 음역, 사운드 강도, 기술적 능력, 기타 개별 속성 및 특징 등의 기능을 연구해야 합니다. 그리고 오케스트라의 악기와 그룹 간의 관계도 마찬가지입니다. 그는 코드 투티의 위치를 정하고, 소리의 균일성을 달성하고, 질감의 모든 다양한 요소가 명확하게 들리도록 하는 등의 작업을 수행할 수 있어야 합니다. 오케스트레이션을 마스터하는 데 중요한 역할은 논리적으로 생각하는 능력에 의해 수행되며, 이는 올바른 음색, 조합 및 교대 순서를 찾는 데 매우 도움이 됩니다. 이 모든 것은 제안된 작업의 간단한 언어로 이해하고 배우기가 더 쉽습니다. 창의성과 과학(오케스트레이션은 창의성과 과학)의 모든 영역에서와 마찬가지로 학습 단계를 통과하려면 단순한 것에서 복잡한 것으로 이동해야 합니다. 학생 작곡가는 음악을 쓰는 스타일과 방향에 관계없이 향후 작업에서 투티(단순한 3화음이 아니지만 12개의 소리로 모두 구성된 경우에도)에서 코드를 올바르게 배치할 수 있어야 한다는 요구에 계속 직면해야 합니다. ), 오케스트레이션 기술의 개념에 포함된 다양한 음색과 기타 모든 요소의 조합과 교대를 마스터합니다. 그리고 간단한 자료로 이것을 배우는 것이 더 쉽습니다. 오케스트라 마스터링의 초기 단계를 마스터한 작곡가는 나중에 자신의 음악에 필요한 자신만의 오케스트레이션 스타일을 찾을 것입니다. (그런데 A. Schoenberg는 고전 시스템에 따라 간단한 자료를 사용하여 학생들을 가르쳤습니다.)
이미 말한 내용에서 알 수 있듯이 활, 목관, 금관악기에 대한 이 교과서에 포함된 문제의 실제적인 해결을 진행하기 전에 학생은 악기의 기본을 확실히 이해해야 합니다(교사의 재량에 따라, 사용 가능한 모든 교과서). 또한 N. Rimsky-Korsakov의 저서 "Fundamentals of Orchestration"(활 그룹, 목관 악기 그룹, 금관 악기 그룹에 대한 표)과 목관 악기와 금관 악기의 조화를 논의하는 장을 포함하여 철저하게 공부할 것을 강력히 권장합니다. 이 장에서는 특별한 관심목관악기, 금관악기 및 그 연결의 조화 위치에 관한 예에 주의를 기울여야 합니다.
또한 해당 문제를 해결하기 전에 이 과정의 연습을 완료해야 합니다.
그런 후에야 실제로 문제 해결을 시작할 수 있습니다.
여기에 제안된 모든 문제에서 음악 자료는 작은 세부 사항을 제외하고 악보의 올바른 솔루션이 변형을 허용하지 않는 방식으로 제시됩니다. 학생은 기존 질감의 특정 기능에 대해 가장 특징적인 음색을 듣고 선택해야 하며, 경우에 따라 코드에서 누락된 중간 부분을 채우고 때로는 옥타브 베이스를 추가하고 좋은 음성 안내를 찾아야 합니다.
쉬운 문제는 교사의 지도하에 구두로 해결할 수 있습니다. 더 복잡한 작업이나 그에 대한 개별 측정값이 점수에 포함됩니다.
개별 악기, 오케스트라 그룹, 이들의 조합 및 교체 사용과 관련하여 교과서에 제공된 권장 사항은 이 과정에 나오는 작업 및 연습에만 적용된다는 점을 고려해야 합니다. 따라서 오케스트라에서 악기의 모든 가능성과 상호 작용이 여기에 제시된 것은 아닙니다. 이러한 제한 사항은 의도적으로 도입되었으며 학생 마스터링 오케스트레이션의 초기 단계에서 필요합니다. 음악원을 졸업하고 독립한 후 창의적인 삶, 젊은 작곡가 자신이 직면하게 될 여러 오케스트라 문제에 대한 해결책을 찾을 것입니다. 물론 가능한 모든 오케스트레이션 사례에 대해 문제를 구성하는 것은 불가능합니다. 이것은 거의 필요하지 않습니다. 오케스트레이션은 추상적으로 구성된 음악을 다양한 색상과 음색으로 그리는 것이 아니라 구성 요소 중 하나입니다. 음악적 형식따라서 오케스트라 작품을 작곡할 때 작곡가는 오케스트라의 소리와 오케스트라의 질감을 정확하게 상상하고 그 안에 있는 각 악구, 멜로디, 화성, 화음을 들어야 한다. 오케스트라 음색.
오늘 저는 초보 작곡가들이 심포니 오케스트라의 음악/악보를 작곡할 때 저지르는 가장 흔한 실수에 대해 이야기하고 싶습니다. 그러나 제가 주목하고 싶은 오류는 다음과 같은 경우에도 매우 흔합니다. 교향곡, 록, 팝 등 스타일의 음악에도 적용됩니다.
일반적으로 작곡가가 직면하는 오류는 두 그룹으로 나눌 수 있습니다.
첫 번째는 지식과 경험이 부족하다는 점이다. 쉽게 수정 가능한 구성 요소입니다.
두 번째는 삶의 경험, 인상 및 일반적으로 불안정한 세계관이 부족하다는 것입니다. 설명하기는 어렵지만, 때로는 지식을 얻는 것보다 이 부분이 더 중요할 때도 있습니다. 아래에서 이야기하겠습니다.
그럼 주목해야 할 9가지 실수를 살펴보겠습니다.
1. 무의식적인 차입
나는 이미 내 팟캐스트() 중 하나에서 이것을 언급했습니다. 무의식적인 표절이나 무의식적인 차용은 거의 모든 사람이 빠지는 갈퀴입니다. 이를 해결하는 한 가지 방법은 가능한 한 다양한 음악을 듣는 것입니다. 일반적으로 한 작곡가나 연주자의 노래를 들으면 그 사람이 당신에게 큰 영향을 미치고, 그의 음악 요소가 당신의 음악에 스며듭니다. 그러나 100~200명 이상의 다양한 작곡가/그룹을 듣는다면 더 이상 복사하지 않고 자신만의 것을 만들게 됩니다. 독특한 스타일. 차용은 당신에게 도움이 될 것이며 당신을 다른 쇼스타코비치로 만들지는 않을 것입니다.
2. 균형 부족
균형 잡힌 점수를 작성하는 것은 상당히 복잡한 과정입니다. 악기를 공부할 때 오케스트라 각 그룹의 음향을 다른 그룹과 비교하여 특별한 주의를 기울입니다. 각각의 다층적인 자음에는 개별 악기의 역학에 대한 지식이 필요합니다.
트럼펫 3개와 플루트 1개의 코드를 쓰는 것은 어리석은 일입니다. 트럼펫 3개의 중간 다이내믹에서도 플루트 소리가 들리지 않기 때문입니다.
그런 순간이 많이 있습니다.
예를 들어 피콜로 플루트의 경우 오케스트라 전체. 많은 미묘함은 경험과 함께 제공되지만 큰 역할지식이 재생됩니다.
질감의 선택도 중요한 역할을 합니다. 접착, 레이어링, 오버레이 및 프레이밍동일한 악기가 있으면 서로 다른 역학이 필요합니다. 이것은 오케스트라에만 적용되는 것이 아닙니다.
풍부한 록과 팝 편곡에서는 믹싱에만 의존하기보다는 이를 고려하는 것도 중요합니다. 일반적으로 좋은 배치에는 믹서(믹싱을 수행하는 사람)의 개입이 필요하지 않습니다.
3. 흥미롭지 않은 질감
오랜 시간에 걸쳐 단조로운 질감을 사용하는 것은 듣는 사람에게 매우 피곤한 일입니다. 마스터의 악보를 연구하면 오케스트라의 변화가 매 마디마다 발생하여 지속적으로 새로운 색상이 도입된다는 것을 알 수 있습니다. 한 악기로 멜로디를 연주하는 경우는 거의 없습니다. 중복이 지속적으로 도입되고 음색이 변경됩니다. 가장 좋은 방법단조로움을 피하십시오 - 다른 사람의 점수를 연구하고 사용된 기술을 자세히 분석하십시오.
4. 추가적인 노력
이는 연주자의 과도한 집중력을 요구하는 특이한 연주 기술을 사용하는 것입니다. 일반적으로 간단한 기술을 사용하여 더욱 기분 좋은 악보를 만들 수 있습니다.
희귀한 기술의 사용은 정당화되어야 하며 다른 방법으로는 원하는 감정적 효과를 얻을 수 없는 경우에만 채택될 수 있습니다. 물론 스트라빈스키는 오케스트라의 자원을 최대한 활용하지만 이로 인해 그의 신경이 소모되었습니다. 일반적으로 단순할수록 좋습니다. 아방가르드를 작곡하기로 결정했다면, 먼저 그것을 연주할 준비가 되어 있는 오케스트라를 찾아보세요 :)
5. 감정과 지적 깊이가 부족하다
제가 계속 이야기하는 균형입니다.
음악에 감동이 있으려면 재미있는 삶을 살아야 해요. 거의 모든 작곡가가 여행을 하며 집중적으로 지휘했습니다. 사회생활. 네 개의 벽 안에 갇혀 있으면 아이디어를 얻기가 어렵습니다. 지적 구성 요소도 중요합니다. 음악은 세계관을 반영해야 합니다.
철학, 밀교, 관련 예술을 공부하는 것은 변덕스러운 일이 아니라, 당신의 삶을 위한 필수 조건입니다. 창의적인 개발. 훌륭한 음악을 쓰려면 먼저 내면에서 훌륭한 사람이 되어야 합니다.
즉, 역설적이게도 음악을 쓰려면 이것만 배우는 것만으로는 충분하지 않습니다. 사람, 자연 등과도 소통할 수 있어야 합니다.
6. 히스테리와 지적 과부하
지나친 감정이나 냉철한 지성은 음악적 실패로 이어진다. 음악은 마음이 통제하는 감정이어야 합니다. 그렇지 않으면 음악 예술의 본질을 잃을 위험이 있습니다.
7.템플릿 작업
확립된 진부함, 진부함 등의 사용은 창의성의 본질을 죽입니다.
그렇다면 왜 당신은 자동 배열자보다 낫습니까?
악보든 팝송의 편곡이든 각 작품의 고유성을 연구하는 것이 중요하며, 이는 새로운 기술에 대한 끊임없는 탐색, 스타일 교차 및 욕구를 통해 개발됩니다. 반복을 피하기 위해. 물론 때로는 듣기에 좋기 때문에 템플릿을 사용하는 것이 좋지만 결과적으로 가장 귀중한 것, 즉 자신을 잃게 됩니다.
8. 도구에 대한 무지
다양한 악기가 잘못 사용되는 경우가 매우 많습니다. 기술에 대한 지식이 부족하여 오케스트라 연주자가 자신의 역할을 수행할 수 없다는 사실이 발생합니다.
그리고 가장 흥미로운 점은 잘 쓰여진 부분은 VST에서도 좋은 소리가 나는 반면, 악기의 특성을 고려하지 않고 쓰여진 부분은 라이브에서도 그다지 설득력 있게 들리지 않는다는 것입니다.
간단한 예를 들어보겠습니다.
저는 기타리스트이기 때문에 파트의 연주성을 판단하려면 음표만 보고 해당 파트가 기타에 어떻게 어울리는지 이해하면 됩니다. 즉, 대부분의 파트가 물리적으로 연주 가능하지만 너무 불편해서 학습할 의미가 없거나, 기타로 연주해도 다른 악기처럼 들리도록 작성되어 있습니다. . 이를 방지하려면 자신이 작곡하는 악기에 대한 솔로 작품을 공부해야 합니다. 게임의 기본 기술을 배우는 것이 좋습니다.
예를 들어 록 밴드의 모든 악기 + 트럼펫, 플루트, 더블베이스 및 일부 드럼을 연주할 수 있습니다. 그렇다고 명쾌한 멜로디라도 주워서 연주할 수 있다는 뜻은 아니지만, 필요하다면 어설프게라도 배워서 연주할 수 있을 것 같아요 :)
가장 좋은 방법은 솔리스트를 찾아서 그에게 당신의 작품을 보여주는 것입니다. 그러면 연주 가능하고 편리한 파트를 작성하는 방법을 매우 빨리 배울 수 있습니다. 또한 파트를 연주하기 쉽고 빠르게 촬영하는 것도 중요합니다(세션 뮤지션을 위해 곡을 쓰는 경우).
9. 인공적인 점수
대부분의 작성자는 VST를 사용하여 작업하므로 점수가 거의 또는 전혀 수정되지 않고 사실적으로 들리는 것이 매우 중요합니다. 위에서 쓴 것처럼 잘 쓰여진 부분은 일반 MIDI에서도 좋게 들립니다. 이는 록 작곡과 전체 심포니 오케스트라 모두에 적용됩니다. 듣는 사람이 생각하지 않도록 하는 것이 중요합니다. 오케스트라가 기계적으로 들리거나 드럼이 합성된 것처럼 들립니다. 물론 주의 깊게 들으면 라이브 공연과 프로그램 공연을 항상 구별할 수 있지만, 음악가가 아닌 사람과 음악가의 90%는 작업을 완벽하게 수행했다면 이를 수행할 수 없습니다.
행운을 빌어 실수를 피하십시오.
레너드 번스타인
"악기", "오케스트레이션"이라는 단어를 들어 보셨는지 모르겠습니다. 한편, 이것은 아마도 음악에서 가장 흥미로운 것일 것입니다.
짐작할 수 있듯이 "악기"라는 단어는 악기와 관련이 있습니다. 물론 악기와도 관련이 있습니다.
작곡가가 오케스트라를 위한 음악을 작곡할 때 악기 수에 관계없이 7개, 17개, 70개 또는 107개(현대 대규모 오케스트라의 경우) 등 악기 수가 얼마나 되는지에 관계없이 오케스트라가 실제로 연주할 수 있는 방식으로 작곡해야 합니다. 이것이 바로 악기의 수입니다 – 107!). 그리고 오케스트라의 모든 음악가는 무엇을, 언제 연주할지 알아야 합니다. 이를 위해 작곡가는 자신의 음악을 편성합니다. 오케스트레이션은 매우 중요합니다 요소음악 작곡.
러시아 작곡가 림스키코르사코프는 편곡의 대가였다. 그는 세계적으로 유명한 책 '오케스트라의 기초'를 썼고, 많은 작곡가들이 이 책을 연구하고 림스키코르사코프를 모방했다. 그의 거의 모든 작품에서 오케스트라는 모든 색상과 사운드의 조합으로 반짝입니다. 그리고 작곡가는 자신의 기술을 과시하기 위해서가 아니라 음악을 명확하게 하기 위해 이렇게 합니다. 생각만큼 간단하지 않습니다.
예를 들어 Rimsky-Korsakov의 Capriccio Espagnol의 음표를 보면 전체 페이지에 4개의 마디만 들어가는 것을 볼 수 있습니다. 피콜로 플루트부터 더블 베이스까지 각 악기는 이 네 가지 소절을 고유한 방식으로 연주하므로 각 악기에 대해 자신만의 대사를 작성해야 합니다.
림스키코르사코프가 이 음악을 작곡했을 때, 그가 직접 들었을 때 그는 메인 멜로디와 반주로서의 특별한 스페인 리듬, 그리고 첫 번째 멜로디와 평행한 또 다른 멜로디라는 네 가지 음악 라인을 동시에 느꼈다고 상상할 수 있습니다. 마지막으로, 또 하나의 다른 스페인 리듬인 반주가 있습니다.
그래서 그는 문제에 직면하게 되었습니다. 100명의 심포니 오케스트라가 함께 연주할 수 있도록 이 음악을 어떻게 작곡해야 할까요? 단지 함께가 아닙니다! 이 네 개의 라인이 모두 연결되어 명확하고 강하며 흥미로운 소리를 들려줍니다! 어떻게 해야 하나요? Rimsky-Korsakov는 다음과 같이 악기 사이에 이 네 개의 라인을 배포했습니다.
그는 트롬본에 메인 댄스 멜로디(음악가들이 '테마'라고 함)를 부여했습니다.
두 번째 평행 멜로디 - 바이올린.
그는 최초의 스페인 리듬을 목관악기와 호른으로 나누었습니다.
두 번째 스페인 리듬은 다른 베이스 및 드럼과 함께 트럼펫과 팀파니에 제공되었습니다.
그런 다음 그는 리듬의 스페인 특성을 강조하기 위해 삼각형, 캐스터네츠, 탬버린과 같은 다른 타악기에 작업을 추가했습니다.
이 모든 소리가 합쳐지면 훌륭하게 들립니다. 림스키코르사코프는 무엇을 했나요? 그는 머릿속에서 연주되고 있던 음표를 가져다가 옷을 입혔습니다. 그러나 좋은 오케스트레이션은 단지 음악에 어울리는 옷이 아닙니다. 각 음악에 맞는 올바른 오케스트레이션이어야 합니다. 결국 옷은 적합해야합니다. 비오는 날씨- 하나는 저녁용, 다른 하나는 스포츠 분야용, 세 번째. 서툴게 편곡된 음악은 수영장에 수영하러 가기 위해 스웨터를 입는 것과 같습니다.
따라서 기억하자. 좋은 악기 편성은 주어진 음악에 딱 맞는 오케스트레이션을 의미하며, 명확하고, 울려 퍼지고, 효과적이다.
물론 이는 달성하기 쉽지 않습니다. 작곡가가 자신이 작곡한 음악을 편성하기 위해 무엇을 알아야 하는지 상상해 보십시오.
첫째, 작곡가는 각 악기를 개별적으로 다루는 방법을 이해해야 합니다. 이 악기가 연주할 수 있는 것과 연주할 수 없는 것; 그의 가장 높은 소리와 가장 낮은 소리는 무엇입니까? 그 노트는 아름답지만 그다지 아름답지는 않습니다. 그리고 일반적으로 이 악기에서 추출할 수 있는 모든 소리를 상상해야 합니다!
둘째, 작곡가는 서로 다른 악기를 함께 연결하는 방법과 소리의 균형을 맞추는 방법을 알아야 합니다. 그는 트롬본처럼 크고 시끄러운 악기가 플루트처럼 더 조용하고 부드러운 소리를 압도하지 않도록 주의할 필요가 있습니다. 또는 드럼이 바이올린 소리를 압도하는 것을 방지하기 위해. 그리고 그가 연극이나 오페라 오케스트라를 위한 음악을 쓴다면, 악기 때문에 가수가 압도당하지 않도록 주의할 필요가 있습니다. 그리고 다른 많은 문제!
그러나 가장 중요한 문제는 선택의 문제입니다. 당신이 온갖 종류의 107개 악기로 구성된 오케스트라 앞에 앉아 있고, 107명의 음악가가 무엇을 언제 연주할지 당신의 결정을 기다리고 있다고 상상해 보십시오!
수천, 수백만 가지의 다양한 악기 조합이 있다는 사실은 말할 것도 없고, 작곡가가 결정을 내리고 이 모든 악기 중에서 올바른 악기를 선택하는 것이 얼마나 어려운지 여러분은 아마 이해하실 것입니다!
작곡가의 작품을 더 잘 이해하기 위해 직접 악기 연주를 연습해 봅시다. 꽤 저렴합니다.
당신이 원하는 가장 단순하고 가장 어리석은 짧은 멜로디를 생각해보십시오. 그런 다음 그것을 조율해 보세요. 어떻게 할지 스스로 결정해야 합니다! 먼저 "o-o-o" 소리를 들어보세요. 낮은 음역의 오르간이나 클라리넷처럼 부드럽고 웅웅거리는 소리입니다. 그 사람이 잘 배울까? 어쩌면 그럴 수도 있고, 아닐 수도 있습니다. 아니면 현악기 소리가 필요할까요? 조용히 흥얼거리거나 흥얼거리십시오. 시끄러운 현악기 소리가 필요하다면 어떨까요? 그런 다음: Zoo-um, Zoo-um, za-zoo-um... 아니면 아마도 당신의 멜로디에 더 적합한 것일 수도 있습니다. 높은 소리짧고 날카로운 목제 악기: 틱틱틱틱. 시험해 보세요! 아니면 타타타타 파이프? 아니면 피리의 tirli-tirli-tirli-tirli? 또는...
글쎄, 너무 많고 다른 소리가 있습니다! 또한 정답은 하나의 소리가 아니라 두세 가지 소리의 조합이라는 것을 알 수 있습니다.
하지만 또 다른 경험은 저녁에 잠자리에 들기 전, 침대에 누워서 하는 것이 특히 좋습니다. 당신의 내이로 음악, 음악적인 소리를 들어보십시오. 그리고 이 음악이 어떤 색깔인지 생각해 보세요. 어떻게 생각하나요? 많은 사람들은 음악 소리에 색깔이 있다고 생각합니다! 예를 들어, "오-오"를 부르면 제 눈에는 파랗게 보입니다. 그리고 "음-음, 음-음"이라고 하면 색상이 빨간색처럼 보입니다. 아니면 나만 그런 걸까? "타타타"를 부르면 밝은 오렌지색이 보입니다. 나는 실제로 내 마음 속에서 색깔을 볼 수 있다. 할 수 있나요? 많은 사람들은 음악을 들을 때 다양한 색상을 보는데, 이러한 소리의 색상은 오케스트레이션의 일부입니다.
그러나 작곡가는 악기 선택이라는 어려운 작업에 어떻게 대처합니까?
두 가지 방법이 있습니다. 첫 번째는 같은 계열에 속하는 악기를 위한 음악을 쓰는 것입니다. 예를 들어 현으로만 구성된 오케스트라의 경우 현악 오케스트라의 경우입니다. 두 번째 방법은 첼로와 오보에 등 다양한 계열의 악기를 혼합하는 것입니다.
작곡가가 첫 번째 길을 택했다면 저녁에 친척을 초대한 것과 같습니다.
그리고 두 번째에 따르면 그는 친구를 모았습니다. 그러면 악기와 관련하여 “가족”이라는 단어는 무엇을 의미합니까? 이 단어는 아이들에게 오케스트라에 대해 말할 때 항상 사용됩니다. 예를 들어, 그들은 목관 악기 계열에 대해 이야기하며 "어머니는 클라리넷", "할아버지는 바순", "자매는 피콜로", "누나는 플루트", "삼촌은 잉글리시 호른" 등으로 시작합니다. 에. 끔찍한 리스프! 그러나 여기에는 진실이 있습니다. 이것들정말 가족 같은 걸 만들어요. 그것들은 모두 같은 방식으로 연주되기 때문에 관련이 있습니다. 즉, 공기를 불어넣는 방식으로 연주되며, 모두 또는 거의 모두 나무로 만들어졌습니다. 그래서 목관악기라고 불리는 것입니다. 이 악기를 연주하는 음악가들은 무대 근처에 앉아 있습니다.
이 악기에는 다양한 종류의 클라리넷, 색소폰, 알토 플루트, 오보에 다모르, 카운터 바순 등 사촌이 있지만 구리로 만든 두 번째 사촌 호른 그룹도 있습니다. 금관악기 계열에 속해야 하는데 나무와 구리 모두와 너무 잘 어울리네요!
이제 우리는 이 확장된 제품군에 대해 익숙해졌으므로 계측에서 이를 어떻게 사용할 수 있는지 살펴보겠습니다.
안에 교향곡 동화 Sergei Prokofiev의 "Peter and the Wolf"에는 고양이가 묘사되는 곳이 있습니다. 클라리넷을위한 멋진 작은 멜로디입니다. 이것은 훌륭한 선택입니다. 다른 어떤 목관악기도 클라리넷만큼 고양이의 움직임을 전달할 수 없습니다. 그는 정말 부드럽고 나른하며 고양이 같은 소리를 가지고 있습니다! 그리고 오리를 대표하기 위해 프로코피예프는 오보에를 선택했습니다. 오보에의 꽥꽥거리는 소리보다 더 좋은 것이 있을까요!
그러나 목관 악기에 대해서는 이것으로 충분합니다. 또 다른 계열인 문자열 계열을 살펴보겠습니다.
우리는 바이올린이라는 네 가지 유형의 현악기를 사용합니다(물론 쉽게 알아볼 수 있습니다). 그 다음은 비올라. 바이올린처럼 보이지만 조금 더 크고 소리가 바이올린보다 낮습니다. 그런 다음 첼로(더 크고 소리가 더 낮음)입니다. 그리고 마지막으로 더블베이스가 가장 크고 가장 낮습니다.
그리고 여러분을 놀라게 할 수도 있는 사실은 다음과 같습니다. 단 한 명의 바이올린이 연주되더라도 작곡가는 여전히 그에 맞는 음악을 편성해야 합니다. 이것은 어리석은 것처럼 보일 수도 있습니다. 하나의 악기에 대한 오케스트레이션? 그러나 이것은 미니어처의 오케스트레이션입니다. 악기 하나라도 작곡가에게 선택을 강요합니다.
먼저, 작곡가가 마음속에 듣는 음악에 적합한 악기라면 모든 악기 중에서 바이올린을 선택해야 합니다.
그런 다음 그는 더 많은 선택을 해야 합니다. 바이올린의 네 현 중 어느 현을 연주할지; 활이 어느 방향으로 움직여야 하는지, 위 또는 아래로; 활이 튀거나(음악가들은 이것을 스피카토라고 함) 부드럽게 미끄러져야 할까요(레가토), 아니면 활을 전혀 연주하지 않고 손가락으로 현을 뽑아야 할까요(피치카토)?.. 역시 가능성은 많습니다!
모든 선택은 매우 중요합니다. 예를 들어 바이올리니스트가 D현을 연주하면 소리가 더 섬세하게 나오지만, 높지도 낮지도 않은 정확히 같은 음을 G현에서 연주하면 소리가 전혀 다르게 굵고 풍부하게 나옵니다.
이제 하나의 현악기가 연주되지 않고 4중주가 연주된다고 상상해 보세요. 가능한 선택의 수는 엄청납니다! 일반적인 현악 4중주는 두 대의 바이올린, 한 대의 비올라, 한 대의 첼로로 구성되며, 베토벤과 같은 위대한 대가는 이 네 대의 현을 위한 음악을 편성하여 놀랍도록 다양한 소리와 색상을 만들어 낼 수 있습니다.
위대한 작곡가는 항상 새로운 것을 찾고, 특별한 소리. 그들은 다양한 현악기 조합을 위한 음악을 작곡합니다. 예를 들어, 프란스 슈베르트는 4중주에 또 다른 첼로를 추가했습니다. 이는 5중주(5개의 악기)로 밝혀졌고, 새로운 풍부한 사운드가 탄생했습니다. 왜 그는 비올라나 다른 바이올린이 아닌 첼로를 추가했습니까? 그리고 더블베이스가 아닌가요? 왜냐하면 그는 첼로가 그에게 이 음악에 필요한 색상을 정확하게 제공할 것이라는 것을 알고 있었기 때문입니다.
이제 목관악기, 관악기, 현악기 계열을 살펴보았으므로 오케스트라 커뮤니티의 다른 두 계열인 금관악기와 타악기에 대해 간단히 살펴보겠습니다.
오케스트라에는 현악기만큼 금관악기가 많지 않지만, 이 가족은 스스로 듣는 방법을 알고 있습니다! 그 구성원은 다음과 같습니다: 트럼펫, 트롬본, 튜바 그리고 물론 우리가 나무에 대해 이야기할 때 만난 호른입니다.
황동 도구다양한 색상의 소리를 낼 수 있습니다. 그리고 이러한 소리가 항상 크고 장황한 것은 아닙니다. 예를 들어, 오래된 이탈리아 작곡가금관을 위한 가브리엘 음악은 메아리처럼 들립니다. 브람스의 교향곡 1번처럼 금관은 오르간처럼 들릴 수도 있습니다.
그러나 물론 대부분의 경우 금관악기는 퍼레이드의 금관악단처럼 친숙하게 들립니다.
금관악기를 따르는 드럼군은 엄청나게 많습니다. 거의 모든 타악기를 나열하려면 아마도 일주일이 걸릴 것입니다. 타악기: 프라이팬, 벨, 야구방망이 등 소리를 내는 모든 것. 이 가족의 우두머리는 팀파니입니다. 그들은 온갖 종류의 드럼, 종, 삼각형, 심벌즈로 둘러싸여 있습니다. 하지만 그들은 함께 가족이며 드럼을 위해 특별히 작곡된 음악이 있습니다. 예를 들어, 멕시코 작곡가 카를로스 차베스(Carlos Chavez)는 다음과 같은 작품을 작곡했습니다. 고전적인 형태토카타는 타악기 전용입니다.
그러나 악기에 대한 가족 애착은 우호적이고 "사회적" 애착보다 열등합니다. 즉, 다양한 음악 가족의 구성원이 단결하여 음악을 아름답고 밝게 만듭니다. 모든 것은 가장 간단한 조합으로 시작됩니다. 두 사람이 서로를 주의 깊게 살펴봅니다. 함께 일하면 친구가 될 수 있을까요? 그것은 밝혀졌습니다! 그리고 여기 아주 먼 가문의 두 악기를 위한 플루트와 피아노 소나타가 있습니다. 하지만 그들은 함께 잘 놀아요! 바이올린과 피아노, 첼로와 피아노를 위한 소나타. 악기의 각 조합은 새로운 소리, 새로운 색채를 만들어냅니다. 그러나 두 개의 악기에 세 번째, 네 번째가 추가됩니다. 각 가족에서 최소한 한 명의 대표자가 있기 때문에 전체 오케스트라가 있습니다. 그리고 더 많은 악기가 있습니다. 7명의 음악가 대신 17명, 70명, 그리고 마지막으로 170명이 있습니다... 소리의 웅장한 조합이 얼마나 놀라운 결과를 가져올 수 있는지 상상해 보세요. 큰 오케스트라, 악기 편법의 대가인 작곡가의 음악을 연주한다면.
S. Soloveichik이 다시 작성함.