백설공주와 일곱 난쟁이
동물 사진과 재미있는 캡션이 포함 된 "엽서 책"을 몇 년 연속 출판 한 Dobraya Kniga 출판사는 갑자기 아동 도서 선물용 버전으로 전환하기로 결정하고 독자들에게 현대 유럽 예술가가 그린 여러 동화를 제공했습니다.
장화신은 고양이
주목할 만한 것은 Charles Perrault의 원작 “장화신은 고양이”와 다른 작가의 삽화입니다. 미국 예술가(1939-2001), The Good Book 편집실에도 게재되었습니다. 아마도 우리는 그런 원본 표지를 본 적이 없을 것입니다. 그것은 르네상스의 고귀한 드레스를 입은 교활한 고양이 얼굴을 묘사하고 있으며 작가의 이름도 동화의 제목도 친숙한 다른 속성과 삽화도 없습니다. 우리에게. 그러나 이는 표지 디자인 분야의 혁신가로 알려진 마르첼리노(1974년부터 15년 동안 매년 40개의 표지를 제작하며 이 분야에 혁명을 일으켰다)이기 때문에 이는 놀라운 일이 아니다.
Marcellino는 1980년대 중반부터 동화책에 그림을 그리기 시작했습니다. 그의 첫 번째 대규모 작품인 "장화신은 고양이"는 1991년에 어린이 일러스트레이션 분야에서 가장 권위 있는 상 중 하나를 수상했습니다. . 독자들은 삽화가 햇빛과 유머러스한 배음으로 가득 차 있다는 점에 주목하고 나중에 Pixar 스튜디오에서 만화 관객에게 선보일 장화 신은 고양이의 이미지에 대한 새로운 해석을 기대합니다.
러시아 독자들은 지난해 폴리안드리아 출판사에서 출간된 작가의 그림책 '악어를 위한 메뉴'에 나온 일러스트레이터의 작품을 잘 알고 있다. 동화 <악어를 위한 메뉴>(원래는 <나, 악어>)는 1999년 뉴욕타임스 선정 어린이를 위한 최고의 그림책으로 선정됐다.
눈의 여왕
독자들은 G.-H의 "The Snow Queen"새 판에서 영국 일러스트 레이터의 작업에 대해 계속해서 알게됩니다. '에도 출연한 안데르센' 좋은 책"(가장 최근에는 같은 출판사가 K. Birmingham의 삽화와 함께 H. H. Andersen을 출판했으며 작년에 Eksmo 출판사는 C. S. Lewis가 그린 동화 The Lion, the Witch and the Wardrobe를 발표했습니다.) 이 그림이 포함된 첫 번째 책은 2008년 영국 출판사에서 출판되었습니다. 초의 심지.
분필과 연필을 사용하여 버밍엄은 가장 큰 두 페이지 분량의 대규모 일러스트레이션을 만듭니다. 유명한 동화. D. Moore의 "A Christmas Carol"(Birmingham의 삽화가 포함된 책은 백만 부 이상 판매됨)이나 "The Lion, 마녀와 옷장'(C.S. 루이스). 특징버밍엄의 삽화는 매우 상세하고 사진적으로 정확한 사람들의 이미지일 뿐만 아니라 대규모의 매우 밝은 동화 세계를 담고 있습니다.
들어봐, 나 여기 있어!
출판사 "Enas-book"은 Brigitte Endres의 그림책 "들어 봐, 내가 여기있어!"를 독일 예술가가 그림으로 출판했습니다. 어린 카멜레온이 애완동물 가게에서 혼자 괴로움을 겪고, 그곳에서 도망쳐 길에서 만난 어린 소녀가 그의 친구이자 주인이 되는 이야기입니다.
위에서 언급한 일러스트레이터들이 수년 동안 같은 책을 작업했다면 Turlognas는 책을 만드는 데 한 달도 채 걸리지 않습니다. 2013년에는 독일에서 무려 15권의 그림책이 출판되어 그녀가 일러스트레이션을 그렸고, 2014년부터 13권까지 출판되었습니다. 분명히 컴퓨터의 도움으로 만들어진 그림에는 의도적으로 구부러진 선으로 묘사 된 서로 매우 유사하지만 머리가 크고 다소 귀여운 어린이가 많이 있습니다. 사실주의에 대한 욕구는 없지만 (어린 독자의 부모는이 스타일을 "만화적"이라고 부를 것입니다) 거리, 상점, 방과 같은 상황과 풍경은 매우 쉽게 알아볼 수 있으며 그림은 전혀 맛없는 밝기가 아닙니다. .
Turlonyas가 대부분의 경우 다른 사람의 텍스트에 대한 삽화가로 활동하고 혼자서 책을 구성하는 경우는 거의 없다는 점이 흥미롭습니다. 러시아 독자들은 2014년 폴리안드리아 출판사에서 출판된 마이클 엥글러(Michael Engler)의 저서 "The Fantastic Elephant"에 나오는 그녀의 작품을 잘 알고 있습니다.
마을의 오토
가장 어린 독자들을 위한 거대한 "판지"가 출판사 "Mann, Ivanov and Ferber"의 어린이판에 준비되었습니다. 이것은 유명한 벨기에 일러스트레이터 "Otto in the City"의 그림책입니다. 언뜻 보면 이 책은 독자들에게 이미 친숙한 다른 책처럼 보입니다. 윔멜부흐, 그 페이지에는 오랫동안 볼 수 있고 익숙한 세계의 사물과 현상을 찾을 수 있는 많은 세부 사항이 흩어져 있습니다. 그러나 사실 "Otto in the City"는 "설레임"에 대한 완전히 혁신적인 접근 방식을 제시합니다. 책은 책 주위를 이동하면서 읽을 수도 있고 박물관으로도 볼 수 있습니다. 아래에서 처음부터 끝까지, 끝까지 읽습니다. 위에서부터 시작합니다. 일반적으로 책은 "아래에서-지구와 도시, 위에서-하늘과 비행기"라는 일반적인 구성이없는 원형 도시 파노라마 형식으로 그려져 있으며, 독자는 도시를 위에서 바라 보는 것처럼 보입니다. 하늘에서 아래로, 작가가 상상한 전통적인 유럽 도시의 도로, 주택, 교차로 및 주민을 볼 수 있습니다.
Tom Champ는 새끼 고양이 Otto에 관한 전체 시리즈의 책을 내놓았습니다. 각각은 주민들에게 친숙한 장소의 특이한 파노라마를 제공합니다. 서유럽. 언뜻 보면 그의 그림은 마치 콜라주로 만든 것처럼 보인다. 다른 재료, 그러나 그 인상은 기만적입니다. 작가는 그의 삽화를 모두 그립니다. 아크릴 페인트판지에.
호빗
많은 일러스트레이터들이 교수의 중간계에 관한 책의 이미지 작업을 했지만, '호빗'의 첫 번째 일러스트레이터는 작가 자신이었습니다. Tolkien은 전문 예술가가 아니었고 품질이 부족한 그림에 대해 출판사에 정기적으로 사과했습니다. 그러나 이야기의 초판에는 지도와 함께 10개의 흑백 이미지만 포함되었습니다. 그러나 Rivendell, Beorn의 집, 용 Smaug 및 기타 캐릭터와 장소가 실제로 어떻게 생겼는지 그보다 더 잘 아는 사람이 있습니까? 올해 2월, 출판사 "AST"는 삽입물에 작가의 삽화가 포함된 새로운 번역본으로 동화 "호빗"의 다음 판을 출판했습니다.
한스 크리스티안 안데르센
일부 러시아 삽화가는 전 세계적으로 수요가 있으며, 그들의 작품이 담긴 책은 서구 국가와 한국 및 중국의 출판사에서 출판됩니다. 예를 들어, 삽화가 포함된 책의 거의 절반이 해외에서 출판되었습니다. 러시아 독자들은 미국 독자들보다 훨씬 늦게 그의 삽화 중 일부를 보았습니다. 이는 이야기꾼에게 헌정된 전기 시리즈 "Great Names"의 책인 Ripol 출판사의 신제품에도 적용됩니다. 이 책의 저자는 사랑하는 이야기꾼의 삶에 대한 여러 이야기를 들려 주었고 (안타깝게도 문체상 러시아어 텍스트에 결함이 있음) Chelushkin은 실제와 환상을 결합하여 독창적 인 방식으로 설명했습니다.
어린이를 위한 은시대의 시인
Onyx-Lit 출판사의 새로운 컬렉션 "어린이를 위한 은시대의 시인"은 동시에 Marina Tsvetaeva, Nikolai Gumilyov의 유명한 시의 그림을 그린 상트페테르부르크 출신의 젊은 일러스트레이터의 데뷔작입니다. Sasha Cherny와 지난 세기 초의 다른 시인들. 인물, 어린이, 어른의 모습은 다소 희화화되어 있는 것 같지만, 일러스트에는 파스텔톤의 기발한 장식적 배경이 가득 차 있어 다층적인 레이스 공간을 연출하는 듯한 느낌을 준다. Onyx-Lit 출판사는 젊은 예술가의 일러스트레이션이 포함된 또 다른 책인 Anna Nikolskaya의 "The House That Floated"를 발표했습니다. 그리고 지금은플랫폼에서 붐스타터크라우드 펀딩 프로젝트 "Sills"가 시작되었습니다. 독자들은 걸을 수는 없지만 바퀴가 달린 특별한 의자를 타고 문지방을 돌아 다니는 방법을 알고 있는 소녀 Lidochka에 관한 책 출판에 참여하도록 초대됩니다. 이 이야기는 Anna Nikolskaya가 구성했으며, 삽화는 동일한 Anna Tverdokhlebova가 그렸습니다.
Tyapkin과 Lyosha
많은 아동 문학 전문가와 애호가들은 현재 우리가 50~80년대 소련 아동 도서의 재인쇄 붐을 목격하고 있다고 지적합니다. 지난 세기의 책은 현대 책보다 거의 더 많이 출판되었으며 출판사는 텍스트에서 일러스트레이션, 레이아웃에서 글꼴까지 책 전체를 재현하려고 노력합니다. 그러나 새로운 위생 및 위생 요구 사항으로 인해 항상 작동하지는 않습니다. 어린이를 위한 도서 출판 제품) . 출판사의 편집자들은 와 같이 가장 유명하고 "대량"이며 널리 알려진 예술가를 선택할뿐만 아니라 반쯤 잊혀진 이름과 잘 알려지지 않은 텍스트에도주의를 기울입니다.
예를 들어, 독자들에게 매달 수십 권의 오래된 책과 새 책을 제공하는 Rech 출판사는 Maya Ganina의 그다지 유명하지 않은 동화 "Tyapkin and Lyosha"를 삽화와 함께 재발행했습니다. 이것은 여름 별장 모험, Tyapkin이라는 별명을 가진 어린 소녀 Lyuba와 소녀가 "Lesha"( "goblin"이라는 단어에서 유래)라고 부르는 숲속 남자 Volodya의 우정에 대한 동화입니다. 일반적으로 현대 작가의 삽화 작업을 거의 하지 않는 Nika Goltz는 이 책을 위해 회색과 에메랄드 그린이라는 두 가지 색상으로만 만든 매우 섬세한 그림을 그렸습니다. 이 동화는 1977년과 1988년에 두 번 출판되었으며, 각 판마다 Nika Georgievna는 자신만의 삽화를 그렸습니다. 'Biblioguide와 함께 읽는 책' 시리즈로 출간된 재발행에서 출판사는 두 호에 걸쳐 제작된 작가의 일러스트레이션을 모두 하나의 표지에 모았습니다.
극장이 열립니다
세상을 떠난 지 30년이 넘은 동화책 삽화가가 일반 대중에게 반쯤 잊혀진 작가가 니그마 출판사 덕분에 독자들에게 돌아옵니다. A. 브레이의 창의성은 매우 다양합니다. 가장 빛나는 대표자모스크바 책 그래픽 20~30대 지난 세기에는 동물 화가와 동화 삽화가로 활동했으며, 아동 잡지와 교구에 많은 그림을 그렸으며, 총 200여 권의 동화책에 그림을 그렸습니다. 또한 그는 약 50장의 필름 스트립을 그려 완전히 새로운 이미지 기법을 제안했습니다. 그의 일부 필름 스트립에서는 텍스트가 평소처럼 그림 아래에 배치되지 않고 그림의 공간에 새겨져 있었습니다. 아티스트는 흥미로운 "작가의 글꼴"을 구성했습니다.
확대된 가로 형식의 책 형태로 오래된 필름 스트립을 출판하는 것은 최근 몇 년 동안 자주 발생하는 경험 중 하나입니다. 다시 한 번 A. Brey가 그림을 그린 Emma Moszkowska의 시 "The Theatre Opens"가 포함된 이전 1968년 필름 스트립을 책으로 발표하는 "Nygma"에 의해 이 내용이 반복됩니다. 작가는 삽화뿐만 아니라 텍스트도 그렸고, 시인이 어린 독자들이 기억하도록 유도하는 모든 예의바른 말을 컬러 프레임에 배치했습니다.
가까운 장래에 출판사는 A. Brey의 삽화가 포함된 또 다른 책인 A. Balashov의 "Alenkin's Brood"를 발표할 예정이지만 이번에는 필름 스트립에 대한 실험이 없습니다.
친구! 우리가 프로젝트를 개발하고 그림책에 대한 더 흥미로운 원본 자료를 출판할 수 있도록 지원해 주세요.
책이 무슨 소용이 있겠어, 앨리스는 생각했어요.
- 사진이나 대화가 없다면?
"이상한 나라의 앨리스의 모험"
놀랍게도 러시아(소련)의 어린이 삽화는
있다 정확한 연도출생 - 1925년. 올해
Leningradsky에 아동 문학 부서가 설립되었습니다.
국영출판사(GIZ). 이 책 이전에
삽화가 포함된 책은 어린이를 위해 특별히 출판되지 않았습니다.
어린 시절부터 우리 기억 속에 남아 있고 우리 아이들이 좋아하는 가장 사랑 받고 아름다운 삽화의 저자는 누구입니까?
당신의 의견을 알아보고, 기억하고, 공유하세요.
해당 글은 현재 자녀를 키우는 부모들의 이야기와 온라인 서점 홈페이지에 올라온 책들의 리뷰를 바탕으로 작성됐다.
블라디미르 그리고리예비치 수테예프(1903-1993, 모스크바) - 어린이 작가, 일러스트레이터, 애니메이터. 그의 종류 재미있는 사진만화의 한 장면 같아요. Suteev의 그림은 많은 동화를 걸작으로 만들었습니다.
예를 들어, 모든 부모가 Korney Chukovsky의 작품을 필요한 고전으로 간주하는 것은 아니며 대부분은 그의 작품을 재능이 있다고 생각하지 않습니다. 하지만 나는 Vladimir Suteev가 그린 Chukovsky의 동화를 손에 쥐고 아이들에게 읽어주고 싶습니다.
보리스 알렉산드로비치 데크테레프(1908-1993, 모스크바 칼루가) - 인민 예술가, 소련 그래픽 아티스트("Dekhterev 학교"가 해당 국가의 도서 그래픽 개발을 결정했다고 믿어짐), 일러스트레이터. 그는 주로 연필 그림과 수채화 기법을 다루었습니다. 오래된 좋은 일러스트 Dekhterev는 어린이 일러스트레이션 역사의 전체 시대입니다. 많은 일러스트 레이터가 Boris Alexandrovich를 교사라고 부릅니다.
Dekhterev는 Alexander Sergeevich Pushkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault 및 Hans Christian Andersen의 어린이 동화를 그렸습니다. 예를 들어 Mikhail Lermontov, Ivan Turgenev, William Shakespeare와 같은 다른 러시아 작가 및 세계 고전의 작품도 있습니다.
니콜라이 알렉산드로비치 유스티노프(b. 1937, 모스크바), 그의 스승은 Dekhterev였으며, 많은 현대 일러스트레이터들은 이미 Ustinov를 그들의 스승으로 여깁니다.
Nikolai Ustinov - 인민 예술가, 일러스트레이터. 그의 삽화가 담긴 동화는 러시아(소련)뿐만 아니라 일본, 독일, 한국 및 기타 국가에서도 출판되었습니다. "아동 문학", "말리쉬", "RSFSR 예술가", 툴라, 보로네시, 상트페테르부르크 등의 출판사 등 유명한 출판사 예술가가 거의 300개에 달하는 작품을 그림으로 그렸습니다. 잡지 Murzilka에서 일했습니다.
러시아 민화에 대한 Ustinov의 삽화는 곰 세 마리, 마샤와 곰, 작은 여우 자매, 개구리 공주, 거위와 백조 등 많은 어린이들에게 가장 사랑받는 삽화로 남아 있습니다.
유리 알렉세이비치 바스네초프(1900-1973, Vyatka, Leningrad) - 인민 예술가이자 일러스트레이터. 모든 아이들은 민요, 동요, 농담(Ladushki, Rainbow-arc)에 대한 그의 그림을 좋아합니다. 그는 민담, Leo Tolstoy, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianki 및 기타 러시아 문학의 고전 이야기를 그렸습니다.
Yuri Vasnetsov의 삽화가 포함된 동화책을 구입할 때 그림이 선명하고 적당히 밝은지 확인하세요. 최근 유명 작가의 이름을 빌려 그림의 스캔이 불분명하거나 밝기와 대비가 부자연스러운 책이 출판되는 경우가 많아 어린이의 눈에 좋지 않습니다.
레오니드 빅토로비치 블라디미르스키(b. 1920, 모스크바) - 러시아 그래픽 아티스트이자 A. N. Tolstoy의 Buratino에 관한 책과 A. M. Volkov의 Emerald City에 관한 책의 가장 유명한 일러스트 레이터로 그는 러시아 및 기타 국가에서 널리 알려지게되었습니다. 구소련. 수채화로 그린. 볼코프의 작품 중 많은 사람들이 고전으로 인식하는 것은 블라디미르스키의 삽화입니다. 글쎄, 여러 세대의 아이들이 그를 알고 사랑한 형태의 피노키오는 의심 할 여지없이 그의 장점입니다.
빅토르 알렉산드로비치 치즈히코프(1935년 모스크바 출생) - 러시아 인민 예술가이자 1980년 모스크바 하계 올림픽 마스코트인 새끼 곰 미슈카의 이미지를 만든 작가. 잡지 "Crocodile", "Funny Pictures", "Murzilka"의 일러스트레이터는 잡지 "Around the World"에 수년 동안 그림을 그렸습니다.
Chizhikov는 Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov(학교와 집에서 Vitya Maleev), Irina Tokmakova(Alya, Klyaksich 및 문자 "A"), Alexander Volkov(The Wizard)의 작품을 설명했습니다. 에메랄드 시티), Andrei Usachev, Korney Chukovsky 및 Agnia Barto의시 및 기타 책.
공정하게 말하면 Chizhikov의 삽화가 매우 구체적이고 만화적이라는 점은 주목할 가치가 있습니다. 따라서 대안이 있다면 모든 부모가 그의 삽화가 담긴 책을 구입하는 것을 선호하는 것은 아닙니다. 예를 들어, 많은 사람들은 Leonid Vladimirsky의 삽화가 포함된 "The Wizard of the Emerald City"라는 책을 선호합니다.
니콜라이 에르네스토비치 라들로프(1889-1942, 상트페테르부르크) - 러시아 예술가, 미술 평론가, 교사. 아동 도서 일러스트레이터: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov는 아이들을 위해 큰 기쁨으로 그림을 그렸습니다. 그의 가장 유명한 책- 어린이를 위한 만화 "그림 속의 이야기". 동물과 새에 관한 재미있는 이야기를 담은 북앨범입니다. 몇 년이 지났지만 이 컬렉션은 여전히 인기가 높습니다. 사진 속의 이야기는 러시아뿐만 아니라 다른 나라에서도 반복적으로 재출판되었습니다. ~에 국제 경쟁 1938년 미국 동화책으로 2등상을 받았습니다.
알렉세이 미하일로비치 랍테프(1905-1965, 모스크바) - 그래픽 아티스트, 책 일러스트레이터, 시인. 작가의 작품은 많은 지역 박물관과 러시아 및 해외의 개인 소장품에 소장되어 있습니다. Nikolai Nosov의 "The Adventures of Dunno and His Friends", Ivan Krylov의 "Fables", 잡지 "Funny Pictures"에 그림이 실렸습니다. 그의 시와 그림 "Peak, pak, pok"이 담긴 책은 한 세대 이상의 어린이와 부모(Briff, 탐욕스러운 곰, 망아지 Chernysh 및 Ryzhik, 50마리 토끼 등)에게 큰 사랑을 받고 있습니다.
이반 야코블레비치 빌리빈(1876-1942, 레닌그라드) - 러시아 예술가, 도서 일러스트레이터이자 극장 디자이너. Bilibin은 Alexander Sergeevich Pushkin의 동화를 포함하여 많은 동화를 묘사했습니다. 자신만의 스타일을 개발 - "Bilibinsky" - 그래픽 표현고대 러시아의 전통을 고려하여 민속 예술, 세심하게 그려지고 세밀하게 패턴화됨 윤곽선 그리기, 수채화로 채색되었습니다. Bilibin의 스타일이 인기를 얻었고 모방되기 시작했습니다.
동화, 서사시, 이미지 고대 러시아'많은 사람들에게 그들은 오랫동안 Bilibin의 일러스트레이션과 불가분의 관계를 맺어 왔습니다.
블라디미르 미하일로비치 코나셰비치(1888-1963, Novocherkassk, Leningrad) - 러시아 예술가, 그래픽 아티스트, 일러스트레이터. 나는 우연히 동화책에 그림을 그리기 시작했습니다. 1918년에 그의 딸은 세 살이었습니다. Konashevich는 그녀를 위해 알파벳의 각 문자에 대해 그림을 그렸습니다. 내 친구 중 한 명이 이 그림을 보고 좋아했습니다. 이것이 V. M. Konashevich의 첫 번째 책인 "The ABC in Pictures"가 출판 된 방법입니다. 그 이후로 작가는 동화책 삽화가가 되었습니다.
1930년대부터 아동문학 삽화 작업은 그의 삶의 주요 작업이 되었다. Konashevich는 또한 성인 문학을 삽화하고 그림에 참여했으며 중국 종이에 잉크 또는 수채화와 같은 자신이 가장 좋아하는 특정 기술로 그림을 그렸습니다.
Vladimir Konashevich의 주요 작품은 다음과 같습니다.
- 다양한 민족의 동화와 노래 삽화. 그 중 일부는 여러 번 삽화가 그려졌습니다.
-G.Kh의 동화. 안데르센, 그림 형제, 찰스 페로;
- V. I. Dahl의 “올해의 노인”;
- Korney Chukovsky와 Samuil Marshak의 작품입니다.
마지막 직업작가는 A.S. Pushkin의 모든 동화를 그림으로 그렸습니다.
아나톨리 미하일로비치 사브첸코(1924-2011, 모스크바 노보체르카스크) - 동화책 애니메이터이자 일러스트레이터. Anatoly Savchenko는 만화 "Kid and Carlson"과 "Carlson is Back"의 프로덕션 디자이너였으며 Astrid Lindgren 책의 일러스트레이션 작가였습니다. 가장 유명한 만화는 Moidodyr, Murzilka, Petya 및 Little Red Riding Hood의 모험, Far Far Away Kingdom의 Vovka, The Nutcracker, Tsokotukha the Fly, Kesha the Parrot 등 그의 직접적인 참여로 작동합니다.
아이들은 Vladimir Orlov의 "Piggy Gets Offended", Tatyana Alexandrova의 "Little Brownie Kuzya", Gennady Tsyferov의 "Fairy Tales for the Little Ones", Otfried Preussler의 "Little Baba Yaga"와 같은 책에 나오는 Savchenko의 삽화에 익숙합니다. 만화와 유사한 작품이 담긴 책도 있습니다.
올렉 블라디미로비치 바실리예프(b. 1931, 모스크바). 그의 작품은 러시아와 미국의 많은 미술관 컬렉션에 소장되어 있습니다. 주에서 트레차코프 갤러리모스크바에서. 60년대부터 30년 넘게 작가와 공동으로 동화책을 디자인해왔다. 에릭 블라디미로비치 불라토프(1933년 모스크바 스베르들롭스크 출생)
가장 유명한 것은 Charles Perrault와 Hans Andersen의 동화, Valentin Berestov의시 및 Gennady Tsyferov의 동화에 대한 예술가의 삽화입니다.
보리스 아르카디예비치 디오도로프(1934년 모스크바 출생) - 인민 예술가. 가장 좋아하는 기술은 컬러 에칭입니다. 러시아 및 외국 고전의 많은 작품에 대한 삽화를 쓴 작가입니다. 그의 동화 삽화는 가장 유명합니다.
Jan Ekholm "최초이자 유일한 Tutta Karlsson, 14대 루트비히 및 기타";
- 셀마 라게를뢰프 " 놀라운 여행기러기를 곁들인 닐스";
- 세르게이 악사코프 “ 주홍색 꽃»;
- 한스 크리스티안 안데르센의 작품.
Diodorov는 300권 이상의 책에 그림을 그렸습니다. 그의 작품은 미국, 프랑스, 스페인, 핀란드, 일본, 대한민국그리고 다른 나라. 그는 출판사 "아동 문학"의 수석 예술가로 일했습니다.
예브게니 이바노비치 차루신(1901-1965, Vyatka, Leningrad) - 그래픽 아티스트, 조각가, 산문 작가 및 어린이 동물 작가. 대부분의 일러스트레이션은 무료 수채화 스타일로 약간의 유머가 가미되어 있습니다. 아이들은 심지어 어린아이들도 좋아합니다. 그는 "톰카에 대하여", "늑대와 다른 사람들", "니키트카와 그의 친구들" 등 자신의 이야기를 위해 그린 동물 삽화로 유명합니다. 그는 또한 Chukovsky, Prishvin, Bianchi와 같은 다른 작가들의 그림도 그렸습니다. 그의 삽화가 담긴 가장 유명한 책은 Samuil Yakovlevich Marshak의 "Children in a Cage"입니다.
예브게니 미하일로비치 라체프(1906-1997, Tomsk) - 동물 예술가, 그래픽 아티스트, 일러스트레이터. 그는 주로 러시아 민담, 우화, 러시아 문학 고전 이야기를 그렸습니다. 그는 주로 동물이 주인공인 작품, 즉 동물에 관한 러시아 동화, 우화를 그렸습니다.
이반 막시모비치 세메노프(1906-1982, 모스크바 로스토프나도누) - 인민 예술가, 그래픽 아티스트, 풍자 만화가. Semenov는 신문 "Komsomolskaya Pravda"에서 일했습니다. 개척자의 진실", 잡지 "Smena", "Crocodile"등. 1956년에 그의 주도로 소련 최초의 어린이를 위한 유머러스한 잡지인 "Funny Pictures"가 창간되었습니다.
그의 가장 유명한 삽화는 Kolya와 Mishka에 관한 Nikolai Nosov의 이야기(Fantasers, Living Hat 등)와 "Bobik Visit Barbos" 그림입니다.
다른 유명한 현대 러시아 아동 도서 일러스트레이터의 이름은 다음과 같습니다.
- 뱌체슬라프 미하일로비치 나자루크(b. 1941, 모스크바) - 수십 명의 프로덕션 디자이너 애니메이션 영화: 작은 너구리, 고양이 레오폴드의 모험, 아기 매머드의 어머니, 바조프의 이야기이자 같은 이름의 책 삽화가.
- 나데즈다 부고슬라프스카야(기사의 저자는 전기 정보를 찾지 못했습니다.) - 많은 동화책의 친절하고 아름다운 삽화의 저자: Mother Goose의 시와 노래, Boris Zakhoder의 시, Sergei Mikhalkov의 작품, Daniil Kharms의 작품, Mikhail의 이야기 Zoshchenko, Astrid Lindgren 등의 "Pippi Longstocking".
- 이고르 에구노프(기사의 저자는 전기 정보를 찾지 못했습니다.) - 현대 예술가, 밝고 잘 그려진 책 삽화의 저자: Rudolf Raspe의 "The Adventures of Baron Munchausen", 요정 Pyotr Ershov의 "The Little Humpbacked Horse" 그림 형제와 호프만 형제 이야기, 러시아 영웅 이야기.
- 예브게니 안토넨코프(1956년 모스크바 출생) - 일러스트레이터, 가장 좋아하는 기법은 수채화, 펜과 종이, 혼합 매체입니다. 삽화는 현대적이고 독특하며 다른 것보다 돋보입니다. 어떤 사람들은 무관심하게 바라보기도 하고, 어떤 사람들은 첫눈에 재미있는 그림에 반하기도 합니다.
가장 유명한 삽화: 곰돌이 푸(Alan Alexander Milne)에 관한 동화, "러시아 어린이 동화", Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Gianni Rodari, Yunna Moritz의 시와 동화. Antonenkov가 그림을 그린 Vladimir Levin(영국 고대 민요)의 "The Stupid Horse"는 2011년에 가장 인기 있는 책 중 하나입니다.
Evgeniy Antonenkov는 독일, 프랑스, 벨기에, 미국, 한국, 일본의 출판사와 협력하고 있으며 권위 있는 국제 전시회에 정기적으로 참여하고 있으며 " 이집트 독수리"(볼로냐, 2004), 올해의 책 수료증 수상자(2008).
- 이고르 율리에비치 올레이니코프(b. 1953, 모스크바) - 아티스트 애니메이터, 주로 손으로 그린 애니메이션 작업, 북 일러스트레이터. 놀랍게도 이렇게 재능 있는 동시대 예술가에게는 특별한 재능이 없다. 미술교육.
애니메이션에서 Igor Oleinikov는 "제3 행성의 비밀", "차르 살탄 이야기", "셜록 홈즈와 나" 등의 영화로 유명합니다. 아동잡지 '트램', '세서미 스트리트' 등 작업 안녕히 주무세요, 어린이! 그리고 다른 사람들.
Igor Oleynikov는 캐나다, 미국, 벨기에, 스위스, 이탈리아, 한국, 대만, 일본의 출판사와 협력하고 권위 있는 국제 전시회에 참가합니다.
작가의 가장 유명한 책 일러스트레이션: John Tolkien의 "The Hobbit, or There and Back Again", Erich Raspe의 "The Adventures of Baron Munchausen", Kate DiCamillo의 "The Adventures of Despereaux the Mouse", "Peter Pan" 제임스 배리. 최신 도서 Oleinikov의 삽화: Daniil Kharms, Joseph Brodsky, Andrei Usachev의 시.
안나 아그로바
| " 이전의 |
모든 아이들은 동화를 좋아합니다. 그들은 할머니와 어머니가 말하는 것을 듣고, 읽을 수 있는 사람들은 스스로 읽는 것을 좋아합니다. 그들은 흥미롭고 다채로운 그림을 읽고 봅니다. 동화 자체의 텍스트뿐만 아니라 책의 등장 인물에 대해 알려주는 삽화입니다. 이 일러스트는 누가 만드는 걸까요? 물론, 예술가, 일러스트레이터입니다.
일러스트레이터는 누구인가요? 책의 내용을 이해하고 책의 등장인물, 외모, 등장인물, 행동, 자신이 살고 있는 환경을 더 잘 상상할 수 있도록 책 삽화를 그리는 예술가들입니다.
동화 일러스트레이터의 그림을 보면, 동화 속 영웅들이 악한지 착한지, 똑똑한지 멍청한지, 읽지 않고도 짐작할 수 있습니다. 동화에는 항상 풍부한 상상력과 유머가 담겨 있으므로, 동화를 그리는 예술가는 약간의 마법사여야 하며, 유머 감각이 있어야 하고, 민속 예술을 사랑하고 이해해야 합니다.
동화책 일러스트레이터를 만나보자.
유리 알렉세이비치 바스네초프(1900 – 1973)
그는 1929년부터 어린이 책에 그림을 그리기 시작했습니다. 1964년 그의 저서 "Ladushki"는 최고상인 Ivan Fedorov Diploma를 수상했으며 라이프치히 국제 전시회에서는 은메달을 받았습니다. 유리 알렉세이비치(Yuri Alekseevich)는 훌륭한 예술가- 이야기꾼인 그의 작품은 친절함, 평온함, 유머가 특징입니다. 어린 시절부터 그는 밝고 쾌활한 Dymkovo 장난감과 사랑에 빠졌고 그 장난감에서 영감을 얻은 이미지에 참여하지 않고 책 페이지로 옮겼습니다.
Vasnetsov의 삽화에는 세상에 대한 단순한 인식, 밝기 및 자발성이 있습니다. 분홍색 치마를 입은 고양이와 펠트 부츠를 신은 토끼가 걷고, 눈이 둥근 토끼가 춤을 추고, 쥐가 고양이를 두려워하지 않는 오두막에서 조명이 편안하게 타오릅니다. 푹신한 팬케이크처럼 보이는 우아한 태양과 구름이 있는 곳. 모든 아이들은 민요, 동요, 농담(“Ladushki”, “Rainbow-arc”)에 대한 그의 그림을 좋아합니다. 그는 민담, Leo Tolstoy, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianki 및 기타 러시아 문학의 고전 이야기를 그렸습니다.
예브게니 미하일로비치 라체프(1906-1997)
동화책을 좋아하면서도 동시에 Evgeny Mikhailovich Rachev의 삽화에 익숙하지 않은 사람을 찾는 것은 어려울 것입니다. 그는 지난 세기의 가장 유명한 아동 도서 예술가 중 한 명이라고 당연히 불릴 수 있습니다.
Evgeny Mikhailovich - 동물 예술가, 러시아어, 우크라이나어, 루마니아어, 벨로루시어 및 기타 민화 삽화 작가, 북부 민족의 동화, Ivan Krylov 및 Sergei Mikhalkov의 우화, Dmitry Mamin-Sibiryak의 동화, Mikhail의 작품 Prishvin, Mikhail Saltykov-Shchedrin, Leo Tolstoy, Vitaly Bianchi 등
그의 밝고 친절하며 쾌활한 그림은 즉시 그리고 영원히 기억됩니다. 어린 시절의 첫 번째 동화 인 "Kolobok", "Ryaba Hen", "Three Bears", "Zayushkina 's Hut", "Dereza Goat"는 Evgeny Rachev의 삽화와 함께 기억에 남습니다.
“동물 동화에 그림을 그리려면 당연히 자연을 잘 알아야 해요. 당신이 그릴 동물과 새가 어떤 모습인지 잘 알아야 한다”고 작가는 자신의 작품에 대해 썼다.
그러나 Evgeny Mikhailovich가 그린 동물은 여우와 늑대, 토끼와 곰만이 아니 었습니다. 그들의 이미지는 인간의 감정, 캐릭터, 기분을 반영합니다. "동화 속의 동물들은 마치 다른 사람들: 선함 또는 악함, 똑똑함 또는 어리석음, 장난스러움, 명랑함, 재미있음”(E. Rachev).
예브게니 이바노비치 차루신(1901 - 1965)
예브게니 차루신 유명한 예술가그리고 작가. 그는 자신의 저서 "Volchishko and Others", "Vaska", "About the Magpie" 외에도 Vitaly Bianki, Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Mikhail Prishvin 등의 작품을 설명했습니다.
차루신은 동물의 습성과 이미지를 잘 알고 있었습니다. 그의 삽화에서 그는 특별한 정확성과 개성으로 그것들을 그렸습니다. 각 그림은 개별적이며, 각각은 특정 상황에 해당하는 개별 캐릭터를 묘사합니다. Evgeny Charushin은 “이미지가 없으면 묘사할 것이 없습니다.”라고 말했습니다. “저는 동물을 이해하고, 동물의 행동과 움직임의 본질을 전달하고 싶습니다. 나는 그의 모피에 관심이 있어요. 아이가 나의 작은 동물을 만져보고 싶어하면 기뻐요. 동물의 기분, 두려움, 기쁨, 잠 등을 전달하고 싶습니다. 이 모든 것을 관찰하고 느껴야 합니다.”
작가는 순전히 회화적인 자신 만의 일러스트레이션 방법을 가지고 있습니다. 그는 윤곽선을 그리는 것이 아니라 점과 획 등 특별한 기술을 사용하여 그림을 그립니다. 동물은 단순히 '덥수룩한' 반점으로 묘사될 수 있지만, 이 점에서 우리는 자세의 기민함, 특징적인 움직임, 그리고 질감의 특이성, 즉 끝으로 치켜올린 길고 뻣뻣한 털의 탄력성을 함께 느낄 수 있습니다. 두꺼운 속털의 솜털 같은 부드러움으로.
E.I.의 마지막 책. 차루신은 S.Ya의 "우리 속의 아이들"이 되었습니다. 마샤크. 그리고 1965년 라이프치히 국제아동도서전에서 사후 금메달을 수상했습니다.
메이 페트로비치 미투리히(1925 - 2008)
Mai Miturich는 무엇보다도 뛰어난 그래픽 아티스트이자 도서 일러스트레이터로 유명합니다. 그는 단순한 예술가가 아니라 여행자이기도 하다. 그의 가장 큰 성공은 Gennady Snegirev와의 협력을 통해 이루어졌습니다. 그들은 함께 북부와 극동 지역을 여행한 후 그들을 위한 이야기와 그림이 등장했습니다. 가장 성공적인 책인 "About Penguins"와 "Pinagor"는 최고의 디자인에 대한 졸업장을 받았습니다.
May Petrovich는 훌륭한 기안가입니다. 그는 그림을 그린다 왁스 크레용, 수채화. Miturich는 색상, 볼륨, 그림자가 그림과 흰색 시트의 전체적인 조화를 위반하지 않는 일러스트레이션 유형을 선택합니다. 그는 노란색, 파란색, 검정색 등 2~3가지 색상을 신중하게 선택하고 색을 섞지 않고 칠한다. 자연과의 직접적인 유사성을 피합니다. 그의 색상은 조건부입니다.
자연에 관한 이야기에는 부드러운 톤과 투명한 수채화가 자연 속에서 느끼는 고요함과 평온함을 더해줍니다.
작가는 어린이를 위한 약 100권의 책을 디자인했습니다. 그중에는 Korney Chukovsky, Samuil Marshak, Gennady Snegirev, Agnia Barto, Sergei Mikhalkov, Rudyard Kipling, Lewis Carroll, Sergei Aksakov, Homer's Odyssey 및 일본 민속 이야기의 작품 삽화가 있습니다.
레프 알렉세이비치 토크마코프(1928 - 2010)
Lev Alekseevich Tokmakov의 창의적인 활동은 다양합니다. 그는 동화책 작업에 많은 시간을 할애했을뿐만 아니라 이젤 그래픽 작업도 수행합니다. 그는 수십 개의 자동 석판화와 많은 그림을 만들었으며 종종 언론인, 비평가로 인쇄됩니다. 그리고 어린이 작가. 그럼에도 불구하고 작가의 작업에서 주요 장소는 다음과 같습니다. 책 그림- 그는 40년 넘게 동화책을 그려왔습니다. 책 페이지에는 아주 이상한 생물이 나타납니다. 이거 장난감 아니야? 은색 늑대, 귀에 공이 달린 곰? 작가는 실루엣, 즉 색점을 이용하여 그림을 그리며 의식적으로 '인공' 기법을 사용한다. 그의 그림에는 일상적인 세부 사항과 설명성이 전혀 없습니다. 약간 파란색 페인트 - 호수, 약간 짙은 녹색 - 숲. 작가의 또 다른 흥미로운 기법은 그의 캐릭터가 움직이지 않고 제자리에 고정되어 있다는 것입니다. 그들은 Tokmak 동물의 출신인 부목과 물레의 프로토타입과 유사합니다.
동화책 예술 분야에서 진정한 발견은 Gianni Rodari의 "Tales on the Phone", Astrid Lindgren의 "Pippi Longstocking", Irina Tokmakova의 "Rostik and Kesha", Vitaly Bianchi의 "How an Ant Hurried" 등 책을 위해 만든 삽화였습니다. Home", Valentin Berestov, Boris Zakhoder, Sergei Mikhalkov 및 기타 많은 작품.
블라디미르 그리고리예비치 수테예프(1903 - 1993)
Vladimir Suteev는 소련 최초의 만화 애니메이터, 감독 및 시나리오 작가 중 한 명입니다. 40년대 중반부터 그는 그림과 글을 쓰는 작가로서 동화책에 눈을 돌렸습니다. 애니메이션은 작가의 작품에 흔적을 남겼습니다. 그의 동물은 우스꽝스럽고 재미있고 재미있어졌습니다. 우리는 풍부한 행동을 봅니다. 그에게 가장 중요한 것은 영웅의 성격과 기분을 보여주는 것입니다. 그림이 채워지네요 흥미로운 세부 사항, 동화의 부드러운 유머를 강조합니다. 대부분의 경우 아티스트는 그림과 텍스트를 유기적으로 결합하여 페이지의 일부를 일러스트레이션에 사용합니다.
그의 펜 덕분에 독자는 멋진 일러스트 Gianni Rodari의 책 "The Adventures of Cipollino", 노르웨이 작가 Alf Preisen의 "Merry New Year", 헝가리 작가 Agnes Balint "Gnome Gnomych and Raisin", 미국 작가 Lilian Muur "Little Raccoon and the One Who Sits in the Pond".
Vladimir Grigorievich Suteev는 자신의 동화를 작곡했습니다. “나는 글을 쓰고 있다 오른손, 왼손으로 그립니다. 그래서 적합한 것은 대부분 무료이기 때문에 이에 대한 활동을 생각해 냈습니다.” 1952년에는 수테예프가 직접 쓴 첫 번째 책인 "연필과 물감에 관한 두 가지 이야기"가 출판되었습니다. 이후 그는 만화와 그림책의 대본을 썼고, 감독과 시나리오 작가로도 활동했다.
Vladimir Suteev의 삽화가 포함된 출판된 책 중에는 "이것은 어떤 종류의 새입니까?", "닭과 오리 새끼", "The Magic Wand", "Mustachioed-Striped", "Uncle Styopa", "Merry Summer" 등이 있습니다. , “새해 복 많이 받으세요”, “피프의 모험”, “에이볼릿”, “사과”, “바퀴벌레”, “무식한 곰”, “완고한 개구리”, “음식 구하는 법을 잊은 새끼 고양이”, “오직” 트러블', '내려가기' 쉬워진다', '두려워하는 게 어디 좋은가?', '소세지 한 가운데', '공평하지 않다', '잘 숨겨진 돈까스', '그림자는 모든 것을 이해한다', "비밀 언어", "어느 날 아침", "1월의 데이지", "강아지 Tyavka가 까마귀를 배운 방법" 등
빅토르 알렉산드로비치 치지코프 (1935년 9월 26일 출생)
작가는 자신의 그림을 현실이 아닌 조건부 세계가 있는 일종의 게임으로 바꾸어 자신의 그림을 만들 수 있었습니다. 선경. 그의 영웅들의 매력에 굴복하지 않는 것은 불가능합니다.
빅토르 알렉산드로비치(Viktor Aleksandrovich)는 "당신은 나에게 색깔에는 관심이 없을 것입니다. 나는 색맹입니다. 나는 인간의 성격에만 관심이 있습니다."라고 말합니다.
그의 그림 속 인물들은 항상 친절하면서도 아이러니한 미소를 불러일으킨다. 쉽게 알아볼 수 있고 유머와 따뜻함이 가득한 Chizhikov의 그림은 모든 연령대의 수백만 명의 독자에게 알려졌고 1980년에 그는 모스크바 올림픽 마스코트인 새끼 곰 미샤를 발명하고 그렸습니다. 이 그림은 즉시 가장 인기 있는 그림 중 하나가 되었습니다. 나라에서 그린 캐릭터.
그의 삽화는 Agnia Barto, Sergei Mikhalkov, Boris Zakhoder, Samuil Marshak, Nikolai Nosov, Eduard Uspensky 및 기타 많은 국내외 작가 등 소련 아동 문학의 거의 모든 고전 책을 장식했습니다.
타티아나 알렉세예브나 마브리나(1902-1996)
1921년 니즈니노브고로드에서 태어난 그녀는 모스크바의 고등 예술 및 기술 워크숍과 연구소에서 공부했습니다. 유일한 사람 소련 예술가, 어린이 일러스트레이션 분야의 창의성으로 1976년 H.H. Andersen 상을 수상했습니다.
재능 있고 독창적인 예술가가 자신만의 회화 언어를 개발했습니다. 그 본질은 개방적인 색상의 소리, 세상을 넓고 장식적으로 보는 능력, 디자인과 구성의 대담함, 동화적이고 환상적인 요소의 도입에 있습니다. 어린 시절부터 칠해진 숟가락과 상자, 밝은 색의 장난감을 보면서 그녀는 완전히 다른, 알려지지 않은 기술, 완전히 다른 염색 방법에 매료되었습니다. Mavrina는 자신의 일러스트레이션에 텍스트도 포함합니다(첫 번째 줄과 마지막 줄은 손으로 썼고, 문자는 눈에 띄고 밝은 선으로 윤곽이 그려져 있습니다). 구아슈로 칠합니다.
어린이를 위한 그림책은 그녀의 작업에서 특별한 위치를 차지했습니다. A. S. Pushkin의 가장 유명한 동화 디자인: “The Tale of 죽은 공주 and the Seven Bogatyrs", "Ruslan and Lyudmila", "Fairy Tales" 및 "By" 컬렉션 파이크 명령", "러시아 동화", "멀리 떨어진 땅으로". Tatyana Alekseevna Mavrina는 또한 "Fairytale Beasts", "Gingerbread는 고양이 발에 떨어지지 않고 구워졌습니다", "Fairytale ABC"와 같은 자신의 책의 일러스트 레이터로도 활동했습니다.
블라디미르 미하일로비치 코나셰비치(1888-1963)
동화는 평생 그에게 관심을 끌었습니다. 그는 같은 동화를 여러 번 그리고 매번 새로운 방식으로 쉽게 그리고 즐겁게 상상했습니다.
Vladimir Konashevich는 러시아어, 영어, 독일어, 중국어, 아프리카 등 다양한 국가의 동화 삽화를 그렸습니다.
그의 삽화가 포함된 첫 번째 책인 "The ABC in Pictures"는 1918년에 출판되었습니다. 우연히 밝혀졌습니다. 작가는 그의 어린 딸을 위해 다양한 재미있는 그림을 그렸습니다. 그런 다음 그는 알파벳의 각 문자에 대해 그림을 그리기 시작했습니다. 출판사 중 한 분이 이 그림을 보고 마음에 들어 출판하게 되었습니다.
그의 그림을 보면 작가 자신이 아이들과 함께 웃는 모습이 느껴진다.
그는 페이지를 파괴하지 않고 책 페이지를 매우 대담하게 다루며 페이지를 무한하게 만들고 놀라운 기술로 현실적이고 가장 환상적인 장면을 묘사합니다. 텍스트는 그림과 별도로 존재하지 않습니다. 어떤 경우에는 화환 틀로 표시되어 있고, 다른 경우에는 투명한 작은 패턴으로 둘러싸여 있으며, 세 번째 경우에는 컬러 배경의 주변 색상 반점과 미묘하게 연결되어 있습니다. 그의 그림은 상상력과 유머를 일깨울 뿐만 아니라 미적 감각과 예술적 취향을 형성한다. Konashevich의 일러스트레이션에는 깊은 공간이 없습니다. 그림은 항상 보는 사람과 가깝습니다.
Konashevich가 디자인한 책은 밝고 축제적이며 어린이들에게 큰 기쁨을 가져다주었습니다.
이반 야코블레비치 빌리빈(1876-1942)
작가는 책 디자인 기술에 큰 관심을 기울였습니다. 그는 러시아 민화와 서사시의 삽화를 그리기 시작한 최초의 사람 중 한 명이었습니다.
그는 소위 "노트 북"이라고 불리는 작은 책을 작업했으며 이 책의 모든 것(텍스트, 그림, 장식, 표지)이 하나의 전체를 형성하도록 디자인했습니다. 그리고 삽화에는 텍스트만큼의 공간이 주어졌습니다.
Ivan Yakovlevich Bilibin은 일러스트레이션과 디자인을 하나의 스타일로 결합하여 책 페이지 평면에 종속시킬 수 있는 그래픽 기술 시스템을 개발했습니다.
형질 빌리빈 스타일: 패턴 디자인의 아름다움, 색상 조합의 절묘한 장식성, 세계의 미묘한 시각적 구현, 밝고 화사한 느낌과 민속 유머 감각의 결합 등
그는 러시아 민화 "개구리 공주", "피니스트 야스나 매의 깃털", "아름다운 바실리사", "마리아 모레브나", "알리노누쉬카 자매와 이바누쉬카 형제", "흰 오리"의 삽화를 그렸습니다. A.S. 푸쉬킨의 동화 - "차르 살탄 이야기", "황금 수탉 이야기", "어부와 물고기 이야기"등.
거장의 예술적 유산은 책 그래픽에만 국한되지 않습니다. A. F. Pakhomov - 기념비적인 그림의 작가, 그림, 이젤 그래픽: "포위 당시의 레닌그라드" 시리즈의 흥미진진한 시트를 포함한 그림, 수채화, 수많은 인쇄물. 그러나 예술가에 관한 문헌에는 그의 활동의 실제 규모와 시간에 대한 부정확 한 생각이있었습니다. 때때로 그의 작품에 대한 취재는 30년대 중반의 작품으로만 시작되었고 때로는 그 이후에도 전쟁 기간의 일련의 석판화로 시작되었습니다. 이러한 제한된 접근 방식은 반세기에 걸쳐 창조된 A.F. Pakhomov의 독창적이고 생생한 유산에 대한 아이디어를 좁히고 축소했을 뿐만 아니라 소련 예술 전체를 빈곤하게 만들었습니다.
A. F. Pakhomov의 작업을 연구할 필요성은 이미 오래 전부터 이루어졌습니다. 그에 관한 첫 번째 논문은 30년대 중반에 등장했습니다. 당연히 작품의 일부만 고려되었습니다. 이러한 점과 당시의 특징적인 전통에 대한 일부 제한된 이해에도 불구하고 최초의 전기 작가 V.P. Anikieva의 작업은 (필요한 조정을 통해) 개념적으로뿐만 아니라 사실적 측면에서도 그 가치를 유지했습니다. 50년대에 발표된 작가에 대한 에세이에서는 20~30년대 소재의 취재 범위가 좁아졌고, 이후 시기의 작품에 대한 취재 범위는 더욱 선별적으로 나타났다. 오늘날 우리로부터 20년이나 떨어져 있는 A.F. 파코모프에 관한 작품의 설명적이고 평가적인 측면은 그 신뢰성을 많이 잃은 것 같습니다.
60년대에 A.F. Pakhomov는 "그의 작품에 대하여"라는 원본 책을 썼습니다. 이 책은 그의 작품에 대한 여러 가지 일반적인 생각의 오류를 분명히 보여주었습니다. 이 작품에 표현된 시간과 예술에 대한 작가의 생각과 이 대사의 저자가 만든 Alexei Fedorovich Pakhomov와의 대화 녹음에서 얻은 광범위한 자료는 독자에게 제공되는 논문을 만드는 데 도움이 되었습니다.
A.F. Pakhomov는 매우 많은 수의 회화 및 그래픽 작품을 소유하고 있습니다. 철저하게 다루는 척하지 않고 논문의 저자는 주요 측면에 대한 아이디어를 제공하는 것이 자신의 임무라고 생각했습니다. 창작 활동 A.F. Pakhomov의 예술 발전에 기여한 교사와 동료에 대한 풍부함과 독창성에 대한 마스터. 작가 작품의 시민 정신, 깊은 활력, 현실주의 특성은 소련 국민의 삶과 지속적이고 긴밀하게 연결되는 그의 작품 발전을 보여줄 수있게했습니다.
가장 위대한 스승 중 한 사람이 되는 것 소련 예술, A.F. Pakhomov는 그의 장수와 창의적인 길을 통해 조국과 국민에 대한 열렬한 사랑을 이어갔습니다. 높은 인본주의, 진실성, 상상력이 풍부한 풍부함은 그의 작품을 매우 성실하고 진실하며 따뜻함과 낙천주의로 가득 차게 만듭니다.
Kadnikov시 근처의 Vologda 지역에는 Kubena 강 유역에 Varlamovo 마을이 있습니다. 그곳에서 1900년 9월 19일(10월 2일) 농부 여성 Efimiya Petrovna Pakhomova는 알렉세이라는 소년을 낳았습니다. 그의 아버지 표도르 드미트리에비치(Fyodor Dmitrievich)는 과거 농노제의 공포를 몰랐던 "영토" 농부 출신이었습니다. 이러한 상황은 삶의 방식과 일반적인 성격 특성에 중요한 역할을 했으며 단순하고 침착하며 품위 있게 행동하는 능력을 발전시켰습니다. 특별한 낙관주의, 넓은 마음, 영적 직접성, 반응성의 특성도 여기에 뿌리를 두고 있습니다. Alexey는 작업 환경에서 자랐습니다. 우리는 잘 살지 못했습니다. 마을 전체와 마찬가지로 봄까지 빵이 충분하지 않아 빵을 사야했습니다. 성인 가족이 제공하는 추가 소득이 필요했습니다. 형제 중 한 명은 석공이었습니다. 많은 동료 마을 사람들이 목수로 일했습니다. 그러나 젊은 알렉세이는 인생의 초기를 가장 즐거웠던 시절로 기억했습니다. 교구 학교에서 2년을 공부한 후, 이웃 마을에 있는 젬스트보 학교에서 2년을 더 공부한 후, 그는 "정부 비용과 정부 땅벌레를 위해" 카드니코프 시에 있는 상급 초등학교로 보내졌습니다. 그곳에서 공부하는 데 보낸 시간은 A.F. Pakhomov의 기억 속에 매우 힘들고 배고픈 것으로 남아 있었습니다. “그 이후로 아버지 집에서 보낸 평온한 어린 시절은 나에게 항상 가장 행복하고 시적인 시간으로 느껴졌고, 이러한 어린 시절의 시화는 나중에 내 작업의 주요 동기가 되었습니다.”라고 그는 말했습니다. Alexei의 예술적 능력은 일찍 나타 났지만 그가 살았던 곳에서는 발전 조건이 없었습니다. 그러나 교사가 없더라도 소년은 일정한 결과를 얻었습니다. 이웃 지주 V. Zubov는 그의 재능에 주목하고 Alyosha에게 연필, 종이 및 러시아 예술가의 그림 복제품을주었습니다. 오늘날까지 살아남은 Pakhomov의 초기 그림은 나중에 전문적인 기술로 풍부해지면서 그의 작품의 특징이 될 무언가를 드러냅니다. 작은 예술가는 사람의 이미지, 무엇보다도 어린이의 이미지에 매료되었습니다. 그는 형제, 자매, 이웃 아이들을 그립니다. 이 단순한 연필 초상화의 선의 리듬이 그의 성숙한 시절의 그림을 반영한다는 것이 흥미롭습니다.
1915년 Kadnikov 학교를 졸업할 무렵, 지역 예술 애호가 Yu. Zubov의 제안에 따라 구독을 발표하고 돈을 모아 Pakhomov를 Petrograd의 A. L. Stieglitz 학교로 보냈습니다. . 혁명과 함께 Alexei Pakhomov의 삶에 변화가 생겼습니다. N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev와 같은 학교에 등장한 새로운 교사의 영향으로 그는 예술 작업을 더 잘 이해하려고 노력합니다. Shukhaev 그림의 위대한 주인의지도 아래 짧은 연구는 그에게 많은 귀중한 것을 제공했습니다. 이 수업을 통해 인체의 구조를 이해하는 기초가 마련되었습니다. 그는 해부학에 대한 깊은 연구를 위해 노력했습니다. Pakhomov는 주변 환경을 복사하는 것이 아니라 의미있게 묘사해야 한다고 확신했습니다. 그림을 그리는 동안 그는 빛과 그림자 조건에 의존하지 않고 눈으로 자연을 "밝히며" 볼륨의 가까운 부분은 밝게 하고 먼 부분은 어둡게 만드는 데 익숙해졌습니다. 작가는 "사실이다"라고 말했다. "나는 Shukhaev의 진정한 신자가되지 않았습니다. 즉, 인체가 인상적으로 보이도록 낙천적 인 그림을 그리지 않고 지우개로 문지릅니다." Pakhomov가 인정한 것처럼 책의 가장 유명한 예술가 Dobuzhinsky와 Chekhonin의 교훈은 유용했습니다. 그는 특히 후자의 조언을 기억했습니다. "봉투의 주소처럼"연필로 준비 윤곽선을 사용하지 않고 브러시를 사용하여 즉시 책 표지에 글꼴을 쓸 수 있는 기능을 얻으라는 것입니다. 예술가에 따르면, 필요한 눈의 이러한 발달은 나중에 삶의 스케치에서 도움이 되었으며, 그곳에서 그는 세부 사항부터 시작하여 묘사된 모든 것을 시트에 배치할 수 있었습니다.
1918년, 춥고 배고픈 페트로그라드에서 정기적인 수입 없이는 살 수 없게 되자 파호모프는 고국으로 떠나 카드니코프에 있는 한 학교의 미술 교사가 되었습니다. 이 달은 그의 교육을 발전시키는 데 큰 도움이 되었습니다. 1학년과 2학년 수업을 마친 후 그는 조명이 허락하고 눈이 피로하지 않은 한 탐욕스럽게 책을 읽었다. “나는 항상 흥분된 상태였습니다. 지식의 열병에 사로잡혔습니다. 온 세상이 내 앞에 열리고 있었는데, 알고 보니 거의 몰랐습니다.”라고 Pakhomov는 이때를 회상했습니다. - 2월과 10월 혁명나는 내 주변의 대부분의 사람들처럼 기쁨으로 받아들였지만 이제서야 사회학, 정치경제학, 역사적 유물론, 역사에 관한 책을 읽으면서 일어난 사건의 본질을 진정으로 이해하기 시작했습니다.”
과학과 문학의 보물이 청년에게 공개되었습니다. 그가 페트로그라드에서 중단된 학업을 계속하려는 의도는 매우 자연스러운 일이었습니다. Solyanoy Lane의 친숙한 건물에서 그는 당시 Stieglitz 학교의 커 미서이기도 한 N. A. Tyrsa와 함께 공부하기 시작했습니다. Pakhomov는 "우리 Nikolai Andreevich의 학생들은 그의 의상에 매우 놀랐습니다."라고 말했습니다. “그해의 커 미서들은 칼 벨트가 달린 가죽 모자와 재킷을 입고 홀스터에 리볼버를 넣었고 Tyrsa는 지팡이와 중산모를 들고 걸었습니다. 하지만 그들은 숨죽여 예술에 관한 그의 대화를 들었습니다.” 워크숍 책임자는 회화에 대한 낡은 견해를 재치있게 반박하고 학생들에게 인상파의 업적과 후기 인상주의의 경험을 소개했으며 반 고흐, 특히 세잔의 작품에서 볼 수 있는 검색에 부드럽게 관심을 끌었습니다. Tyrsa는 예술의 미래를 위한 명확한 프로그램을 제시하지 않았습니다. 그는 자신의 워크샵에서 공부한 사람들에게 자발성을 요구했습니다. 1919년에 파호모프는 붉은 군대에 징집되었습니다. 그는 이전에 익숙하지 않았던 군사 환경에 익숙해졌고 소련 땅 군대의 진정으로 대중적인 성격을 이해했으며 나중에 그의 작품에서 이 주제의 해석에 영향을 미쳤습니다. 다음 해 봄, 질병 후 동원 해제된 Pakhomov는 페트로그라드에 도착하여 N. A. Tyrsa의 작업장에서 V. V. Lebedev로 이동하여 입체파의 원리에 대한 아이디어를 얻기로 결정했습니다. Lebedev와 그의 학생들의 작품 수. 현재 완성된 Pakhomov의 작업은 거의 남아 있지 않습니다. 예를 들어 미묘한 질감으로 구별되는 "Still Life"(1921)가 있습니다. 이것은 레베데프에게서 배운 작품의 완성도를 달성하고, 피상적인 완성도를 추구하지 않고, 묘사된 것의 조형적 특성을 잊지 않고 캔버스의 건설적인 회화적 구성을 추구하려는 욕구를 드러냅니다.
Pakhomov의 새로운 주요 작품인 "Haymaking" 그림에 대한 아이디어는 그의 고향인 Varlamov 마을에서 탄생했습니다. 거기에 대한 자료가 수집되었습니다. 작가는 일상적인 잔디 깎기 장면이 아닌 젊은 농민들이 이웃을 돕는 모습을 묘사했습니다. 당시에는 집단적, 집단적 농장 노동으로의 전환이 미래의 문제였지만, 젊은이들의 열정과 일에 대한 열정을 보여주는 행사 자체는 어떤 면에서는 이미 새로운 트렌드와 유사했습니다. 잔디 깎이 그림, 풍경 조각(풀, 덤불, 그루터기)의 스케치와 스케치는 대담한 질감 검색이 플라스틱 문제의 해결과 결합되는 예술적 개념의 놀라운 일관성과 심각성을 증언합니다. 움직임의 리듬을 포착하는 Pakhomov의 능력은 작곡의 역동성에 기여했습니다. 작가는 이 그림을 수년 동안 작업하며 많은 준비 작업을 완료했습니다. 그 중 다수에서 그는 주요 주제에 가깝거나 그에 수반되는 플롯을 개발했습니다.
그림 "낫을 두들겨 패다"(1924)는 두 명의 젊은 농부가 일하는 모습을 보여줍니다. 그들은 Pakhomov가 인생에서 스케치했습니다. 그런 다음 그는 모델을 관찰하지 않고 묘사된 내용을 붓으로 일반화하면서 이 시트를 살펴보았습니다. 강한 움직임의 전달과 일반적인 회화적 잉크 사용과 결합된 좋은 플라스틱 품질은 1923년의 초기 작품인 Two Mowers에서 볼 수 있습니다. 깊은 진실성과 그림의 심각성에도 불구하고 여기서 작가는 평면과 볼륨의 교대에 관심이 있었습니다. 시트는 잉크 세척을 영리하게 사용합니다. 주변 풍경이 암시됩니다. 잔디를 깎고 서 있는 질감이 눈에 띄며 디자인에 리드미컬한 다양성을 더해줍니다.
"건초 만들기" 플롯 색상의 상당한 발전 중에서 수채화 "분홍색 셔츠를 입은 잔디 깎는 기계"를 언급해야 합니다. 그 안에는 붓으로 회화 적으로 씻는 것 외에도 젖은 페인트 층에 긁힘을 사용하여 이미지에 특별한 선명도를 부여하고 다른 기법 (유화)으로 그림에 도입했습니다. 화려한 큰 잎수채화로 그린 '건초 만들기'. 그 안에서 장면은 높은 관점에서 보이는 것 같습니다. 이를 통해 일렬로 걷는 잔디 깎는 기계의 모든 그림을 표시하고 그림을 대각선으로 배열하여 움직임을 전달하는 특별한 역학을 달성할 수 있었습니다. 이 기법을 감상한 작가는 이런 식으로 그림을 구성했고 앞으로도 잊지 않았다. Pakhomov는 그림 같은 전체 팔레트를 달성하고 햇빛이 스며드는 아침 안개의 느낌을 전달했습니다. 동일한 주제가 작업 중인 잔디 깎는 기계와 수레 근처에서 풀을 뜯고 있는 말을 묘사한 유화 "At the Mow"에서는 다르게 다루어집니다. 여기의 풍경은 다른 스케치, 변형 및 그림 자체와 다릅니다. 들판 대신에 빠른 강둑이 있는데, 이는 해류와 노잡이가 있는 보트로 강조됩니다. 풍경의 색상은 표현력이 풍부하고 다양한 차가운 녹색 톤을 기반으로 하며 전경에는 더 따뜻한 색조만 도입됩니다. 인물과 주변 환경의 조합에서 일정한 장식성이 발견되어 전체적인 색조가 향상되었습니다.
20년대 스포츠를 주제로 한 Pakhomov의 그림 중 하나는 "Boys on Skates"입니다. 작가는 가장 긴 움직임의 순간, 즉 가장 유익한 순간의 이미지를 바탕으로 구성을 구축하여 무엇이 지나갔고 앞으로 일어날 일에 대한 아이디어를 제공합니다. 멀리 있는 또 다른 인물이 대비되어 나타나 리듬의 다양성을 도입하고 구성적 아이디어를 완성합니다. 이 사진에서는 스포츠에 대한 관심과 함께 Pakhomov가 그의 작업에서 가장 중요한 주제인 어린이의 삶에 대한 호소를 볼 수 있습니다. 이전에는 이러한 경향이 아티스트의 그래픽에 반영되었습니다. 20년대 중반부터 소련 땅 어린이들의 이미지에 대한 파호모프의 깊은 이해와 창조는 예술에 대한 파호모프의 뛰어난 공헌이었습니다. 작가는 대규모 회화 및 플라스틱 문제를 연구하면서 이 새로운 중요한 주제에 대한 작업을 통해 이를 해결했습니다. 1927년 전시회에서는 "농민 소녀"라는 그림이 전시되었는데, 그 목적은 위에서 논의한 초상화와 공통점이 있지만 독립적인 관심을 끌었습니다. 작가의 관심은 소녀의 머리와 손의 이미지에 집중되었으며, 조형적인 느낌이 훌륭하게 그려져 있다. 젊은 얼굴의 유형을 독창적인 방식으로 포착했습니다. 감각의 직접성 측면에서 이 그림에 가까운 것은 1929년에 처음 전시된 <머리카락을 가진 소녀>이다. 1927년의 가슴 길이 이미지와는 거의 전체 길이의 인물을 포함하여 더욱 복잡한 움직임으로 전달되는 새롭고 더욱 확장된 구성이 달랐습니다. 작가는 머리를 곧게 펴고 무릎 위에 누워 있는 작은 거울을 바라보는 소녀의 여유로운 포즈를 선보였다. 황금색 얼굴과 손, 파란색 드레스와 빨간색 벤치, 주홍색 재킷, 오두막의 황토색 통나무 벽의 경쾌한 조합이 이미지의 감성에 기여합니다. 파호모프는 아이의 표정과 감동적인 자세를 섬세하게 포착했다. 생생하고 특이한 이미지가 관객의 시선을 사로잡았습니다. 두 작품 모두 소련 예술의 외국 전시회의 일부였습니다.
반세기 동안의 창작 활동을 통해 A. F. Pakhomov는 소비에트 국가의 삶과 긴밀한 접촉을 가졌으며, 이는 그의 작품에 영감받은 확신과 삶의 진실의 힘을 불어넣었습니다. 그의 예술적 개성은 일찍부터 발전했습니다. 그의 작품에 대해 잘 아는 바에 따르면 이미 20대에는 세계 문화 연구 경험을 통해 깊이와 철저함이 더해졌음을 알 수 있습니다. 그 형성 과정에서 조토와 프로토 르네상스 미술의 역할은 분명하지만 고대 러시아 회화의 영향은 그다지 심오하지 않았습니다. A.F. Pakhomov는 풍부한 고전 유산에 혁신적인 접근 방식을 취한 거장 중 한 명이었습니다. 그의 작품은 회화적, 그래픽적 문제를 모두 해결하는 현대적인 느낌을 가지고 있습니다.
어린이에 관한 그림의 순환에서 "1905 in the Village", "Riders", "Spartakovka" 캔버스의 새로운 주제에 대한 Pakhomov의 숙달은 소련 예술의 발전에 중요합니다. 예술가는 그의 동시대의 이미지를 창조하는 데 중요한 역할을 했습니다. 그의 초상화 시리즈는 이에 대한 분명한 증거입니다. 이렇게 밝고 화사한 모습을 처음으로 선보였습니다. 생활 이미지소련 땅의 젊은 시민 여러분. 그의 재능의 이런 측면은 매우 가치가 있습니다. 그의 작품은 러시아 회화의 역사에 대한 아이디어를 풍부하게 하고 확장시킵니다. 이미 20대부터 가장 큰 박물관국가는 Pakhomov의 그림을 구입했습니다. 그의 작품은 유럽, 미국, 아시아의 대규모 전시회에서 국제적인 명성을 얻었습니다.
A. F. Pakhomov는 사회주의 현실에서 영감을 받았습니다. 그의 관심은 터빈 테스트, 직조 공장 작업, 농업 생활의 새로운 발전에 쏠렸습니다. 그의 작품은 집단화, 현장에 기술 도입, 콤바인 수확기 사용, 야간 트랙터 작동, 육군과 해군의 생활과 관련된 주제를 보여줍니다. 우리는 Pakhomov의 이러한 업적의 특별한 가치를 강조합니다. 왜냐하면 이 모든 것이 20년대와 30년대 초반에 예술가에 의해 표시되었기 때문입니다. 그의 그림 "개인 농부가 있는 개척자", "씨 뿌리는 사람" 공동체에 관한 시리즈, "아름다운 검"의 초상화는 시골의 변화와 집단화에 관한 우리 예술가들의 가장 심오한 작품 중 하나입니다.
A.F. Pakhomov의 작품은 기념비적인 솔루션으로 구별됩니다. 초기 소련 벽화에서 작가의 작품은 가장 인상적이고 흥미로웠습니다. "Red Oath" 판지, "Round Dance of Children of All Nations"의 그림과 스케치, 사신에 관한 그림, 그리고 일반적으로 Pakhomov 그림의 최고의 창작물에는 위대한 전통과의 실질적인 연관성이 있습니다. 세계 예술의 보고의 일부인 고대 국가 유산. 그의 그림, 그림, 초상화는 물론 이젤과 책 그래픽의 색채적이고 비유적인 측면은 매우 독창적입니다. plein air painting의 눈부신 성공은 소련 땅의 젊은이들을위한 일종의 찬송가 인 "In the Sun"시리즈에서 입증됩니다. 여기서 작가는 나체를 묘사함에 있어서 이 장르의 발전에 기여한 거장 중 한 사람으로 활동하였다. 소련 회화. Pakhomov의 색상 검색은 심각한 플라스틱 문제의 해결과 결합되었습니다.
A. F. Pakhomov의 경우 예술은 우리 시대의 가장 큰 초안 중 하나를 가지고 있다고 말해야 합니다. 주인은 다양한 재료를 능숙하게 마스터했습니다. 잉크와 수채화, 펜과 붓으로 만든 작품은 화려한 흑연 연필 그림과 인접해 있었습니다. 그의 업적은 국내 예술의 범위를 넘어 세계 그래픽의 뛰어난 창작물 중 하나가 되었습니다. 이에 대한 예는 1920년대 집에서 그린 일련의 그림과 그 후 10년 동안 전국을 여행하면서 만든 시트, 개척 캠프에 대한 시리즈에서 찾아보기 어렵지 않습니다.
A.F. Pakhomov의 그래픽에 대한 기여는 엄청납니다. 그의 이젤과 책 작품는 이 분야에서 뛰어난 성과 중 하나입니다. 소련 삽화 문학의 창시자 중 한 사람인 그는 어린이에 대한 깊고 개별화된 이미지를 그 안에 도입했습니다. 그의 그림은 생동감과 표현력으로 독자들을 사로잡았습니다. 작가는 가르치지 않고도 자신의 생각을 아이들에게 생생하고 명확하게 전달하고 그들의 감정을 일깨워주었다. 에이 중요한 주제교육과 학교생활! Pakhomov만큼 깊고 진실되게 문제를 해결한 예술가는 없습니다. 그는 처음으로 V.V. Mayakovsky의 시를 이렇게 비유적이고 사실적인 방식으로 묘사했습니다. L.N. Tolstoy의 어린이 작품에 대한 그의 그림은 예술적 발견이되었습니다. 조사된 그래픽 자료는 현대와 현대 미술의 일러스트레이터인 Pakhomov의 작품이 명확하게 드러났습니다. 고전 문학, 이를 아동도서 분야에만 국한시키는 것은 부적절하다. Pushkin, Nekrasov, Zoshchenko의 작품에 대한 예술가의 뛰어난 그림은 30년대 러시아 그래픽의 큰 성공을 증언합니다. 그의 작품은 사회주의 리얼리즘 방법의 확립에 기여했다.
A. F. Pakhomov의 예술은 시민권, 현대성 및 관련성으로 구별됩니다. 레닌그라드 봉쇄의 가장 어려운 시련 기간 동안 예술가는 그의 활동을 중단하지 않았습니다. Neva에있는 도시의 예술 거장들과 함께 그는 한때 남북 전쟁 중 젊었을 때처럼 전선에서 임무를 수행했습니다. 파호모프의 석판화 시리즈 "포위 당시의 레닌그라드"는 전쟁 기간 중 가장 중요한 예술 창작물 중 하나이며 소련 국민의 비교할 수 없는 용기와 용기를 드러냅니다.
수백 점의 석판화를 쓴 A.F. Pakhomov는 이 유형의 발전과 확산에 기여한 열정적인 예술가 중 하나로 꼽혀야 합니다. 인쇄된 그래픽. 폭넓은 관객층에게 어필할 수 있는 가능성과 유통판화의 대중적 매력이 그의 주목을 끌었다.
그의 작품은 고전적 명확성과 간결함이 특징입니다. 시각 예술. 사람의 이미지가 그의 주요 목표입니다. 그를 고전적 전통과 연결시키는 작가의 작업에서 매우 중요한 측면은 조형적 표현에 대한 욕구인데, 이는 그의 회화, 드로잉, 일러스트레이션, 판화, 그리고 그의 가장 최근 작품에서 분명하게 드러납니다. 그는 이 일을 끊임없이 그리고 일관되게 했습니다.
A. F. Pakhomov는 “매우 독창적이고 위대한 러시아 예술가로, 자신의 민족의 삶을 묘사하는 데 완전히 몰두하면서도 동시에 세계 예술의 업적을 흡수하고 있습니다. 화가이자 그래픽 아티스트인 A. F. Pakhomov의 작품은 소련 예술 문화 발전에 크게 기여했습니다. /V.S. 마타포노프/
____________________________________________________________________________________________________________
블라디미르 바실리에비치 레베데프
14(26).05.1891, 상트페테르부르크 - 21.11.1967, 레닌그라드
RSFSR의 인민 예술가. 소련 예술 아카데미 해당 회원
그는 F. A. Roubo 스튜디오의 상트 페테르부르크에서 일했으며 M. D. Bernstein과 L. V. Sherwood (1910-1914)의 드로잉, 회화 및 조각 학교에 다녔으며 예술 아카데미 (1912-1914)에서 상트 페테르부르크에서 공부했습니다. 4개 예술협회 회원. 잡지 "Satyricon"과 "New Satyricon"에서 공동 작업했습니다. 주최자 중 한 명페트로그라드의 Windows ROSTA".
1928년 레닌그라드의 러시아 박물관에서는 1920년대 뛰어난 그래픽 예술가 중 한 명인 블라디미르 바실리예비치 레베데프(Vladimir Vasilyevich Lebedev)의 개인 전시회가 열렸습니다. 그는 그의 작품을 배경으로 사진을 찍었습니다. 흠잡을데 없는 화이트 칼라와 넥타이, 눈썹까지 내려 쓴 모자, 진지하면서도 살짝 도도한 얼굴 표정, 가까이 다가가지 못하게 하는 올바른 외모와 동시에 재킷을 벗는 모습, 그리고 그의 셔츠 소매는 팔꿈치 위로 말려 올라갔고, "똑똑"하고 "신경질적인" 브러시를 가진 근육질의 큰 팔을 드러냈습니다. 모든 것이 함께 평정심, 작업 준비의 인상을 남기며 가장 중요한 것은 전시회에 표시된 그래픽의 성격과 일치하며 내부적으로 긴장되고 거의 도박에 가깝고 때로는 아이러니하며 약간 시원한 그래픽 기술의 갑옷을 입은 것처럼 보입니다. . 작가는 "성장의 창(Windows of GROWTH)" 포스터를 들고 혁명 이후 시대에 들어섰습니다. 동시에 창작된 <아이러너스(The Ironers)>(1920)처럼 그들은 컬러 콜라주 스타일을 모방했다. 그러나 포스터에서는 입체파에서 유래한 이 기법이 완전히 새로운 의미를 획득하여 혁명을 수호하는 애틋함을 기호의 보석 같은 성격으로 표현했습니다(“ 10월을 지키는 중 ", 1920) 및 역동적인 작업에 대한 의지("Demonstration", 1920). 포스터 중 하나("일해야 해 - 소총이 근처에 있어", 1921)은 톱을 들고 있는 노동자를 묘사하는 동시에 그 자신도 일종의 단단히 결합된 물체로 인식됩니다. 주황색, 노란색 및 파란색 줄무늬그림이 구성되는 는 입체파 비문과 달리 특정한 의미 론적 의미를 갖는 인쇄 된 문자와 매우 밀접하게 연결되어 있습니다. 대각선이 어떤 표현력으로 서로 교차하는지, 단어로 형성됨"일하다", 톱날과 "반드시"라는 단어, "가까운 소총"이라는 단어와 작업자의 어깨 선에서 나오는 날카로운 호! 그림이 현실로 직접 들어가는 것과 동일한 분위기가 당시 Lebedev의 동화책 그림의 특징이었습니다. 1920년대 레닌그라드에서는 어린이를 위한 그림책의 전체적인 경향이 형성되었습니다. V. Ermolaeva와 N. Tyrsa는 Lebedev와 함께 작업했습니다. , N. Lapshin 및 문학 부분은 당시 레닌 그라드 시인 그룹 인 E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Kharms, A. Vvedensky와 가까운 S. Marshak이 이끌었습니다. 그해에 모스크바에서 재배 한 것과는 다른 매우 특별한 책 이미지가 확립되었습니다. V. Favorsky가 이끄는 그림. 모스크바의 목판화나 도서 애호가 그룹에서는 거의 다스렸습니다. 낭만적인 인식책과 그 작업 자체에는 "심각한 금욕주의"가 포함되어 있었기 때문에 레닌 그라드 일러스트 레이터는 일종의 "장난감 책"을 만들어 의도 한 어린이의 손에 직접 전달했습니다. "문화의 깊은 곳으로"의 상상력의 움직임은 여기에서 유쾌한 효율성으로 대체되었습니다. 손에 색칠한 책을 돌리거나 장난감 코끼리와 큐브로 둘러싸인 바닥에 누워 책 주위를 기어 다닐 수도 있습니다. 마지막으로, Favorsky 목판화의 "거룩한 성소"(이미지의 흑백 요소가 깊이 또는 시트 깊이에서 중력)는 여기에서 그림이 "아래"처럼 나타 났을 때 솔직히 평평한 운지법으로 이어졌습니다. 가위로 자른 종이 조각에서 나온 아이의 손. R. Kipling의 "작은 코끼리"(1926)의 유명한 표지는 마치 종이 표면에 무작위로 흩어져 있는 스크랩 더미로 형성된 것처럼 보입니다. 예술가(그리고 아마도 아이 자신도!)는 모든 것이 "바퀴처럼 움직이고" 그 동안 아무것도 1밀리미터도 움직일 수 없는 완전한 구성을 얻을 때까지 이 조각들을 종이 위에 옮겼던 것 같습니다. 중앙에는 구부러진 긴 코를 가진 아기 코끼리가 있고, 그 주위에는 피라미드와 야자수가 있고, 위에는 '아기 코끼리'라는 큰 글자가 있고, 아래에는 완전히 패배한 악어가 있습니다.
하지만 책은 더욱 열정적으로 실행된다."서커스"(1925) 및 "비행기가 비행기를 만드는 방법", Lebedev의 그림에는 S. Marshak의 시가 동반되었습니다. 악수하는 광대나 당나귀를 타고 있는 뚱뚱한 광대를 묘사한 스프레드에서는 녹색, 빨간색, 검은색 조각을 잘라내어 붙이는 작업이 말 그대로 본격화됩니다. 여기에는 모든 것이 "별도"되어 있습니다. 검은 신발이나 광대의 빨간 코, 녹색 바지 또는 붕어를 든 뚱뚱한 남자의 노란색 기타 등이 있습니다. 그러나 비교할 수 없을 정도로 모든 것이 연결되고 "함께 접착"되어 있으며 정신이 스며 듭니다. 활기차고 쾌활한 이니셔티브.책 "Hunting"(1925)의 석판화와 같은 걸작을 포함하여 일반 어린이 독자를 대상으로 한이 모든 Lebedev 그림은 한편으로는 가장 까다로운 눈을 만족시킬 수있는 세련된 그래픽 문화의 산물이었습니다. 반면에 예술은 살아있는 현실로 드러났습니다. Lebedev뿐만 아니라 다른 많은 예술가들의 혁명 이전 그래픽은 아직 삶과의 공개적인 접촉을 알지 못했습니다 (Lebedev가 1910 년대에 "Satyricon"잡지에 그림을 그렸다는 사실에도 불구하고)-그 "비타민"은 누락되었습니다 , 또는 오히려 1920년대에 그녀 자신이 "발효"한 "생명력의 효모" 러시아 현실 . Lebedev의 일상적인 그림은 이러한 연관성을 유난히 명확하게 드러냈는데, 일러스트레이션이나 포스터만큼 삶에 침입하기보다는 오히려 비유적인 영역에 흡수했습니다. 여기의 기초는 끊임없이 등장하는 새로운 사회 유형에 대한 예리한 탐욕스러운 관심입니다. 1922-1927년의 그림은 "혁명의 패널"이라는 제목으로 통합될 수 있으며, Lebedev는 혁명 이후 거리의 일련의 인물을 묘사한 1922년의 한 시리즈에만 이름을 붙였으며 "패널"이라는 단어는 다음을 나타냅니다. 이것은 아마도 일련의 사건들과 함께 이 거리를 따라 굴러다니면서 휘저어진 거품이었을 것입니다. 예술가는 페트로그라드 교차로에 있는 소녀들과 선원들, 그 시대의 패션을 입은 노점이나 멋쟁이를 가진 상인, 특히 네프멘을 그립니다. 이 코믹하고 동시에 그가 열정적으로 그린 새로운 "거리 동물군"의 기괴한 대표자들 같은 해와 V. Konashevich 및 기타 여러 마스터. "New Life"(1924) 시리즈의 "Couple"그림에 나오는 두 Nepmen은 Lebedev가 곧 "Circus"페이지에 묘사 한 것과 동일한 광대로 통과되었을 수 있습니다. . 이런 종류의 캐릭터에 대한 Lebedev의 태도는 "낙인 찍기"라고 할 수 없으며 "휘파람"이라고 할 수 없습니다. 이 Lebedev 그림 이전에 P. Fedotov가 19 세기 거리 유형에 대한 그의 특징적인 스케치로 기억 된 것은 우연이 아닙니다. 의미하는 바는 두 예술가를 특징짓고 그들의 이미지를 두 사람 모두에게 특히 매력적으로 만드는 아이러니하고 시적인 원칙의 살아있는 불가분성이었습니다. Lebedev의 동시대 작가 M. Zoshchenko와 Y. Olesha도 기억할 수 있습니다. 그들은 아이러니와 미소, 조롱과 감탄이라는 동일한 불가분성을 가지고 있습니다. Lebedev는 분명히 실제 선원의 걸음걸이(“The Girl and the Sailor”)의 싸구려 시크함과 부츠블랙의 상자에 신발을 고정한 소녀의 도발적인 돌진(“The Girl and the Bootblack”)에 깊은 인상을 받았습니다. "), 그는 울타리 아래의 머그잔처럼이 모든 새로운 캐릭터가 올라가서 예를 들어 모피를 입은 숙녀와 이야기하는 것과 같은 적응성의 기적을 보여주는 동물학 적 또는 순전히 식물의 순수함에도 매료되었습니다. 상점 창문("People of Society", 1926) 또는 저녁 거리의 한 무리의 NEPmen("Napmans", 1926). 특히 인상적인 것은 Lebedev의 가장 유명한 시리즈 "The Love of Hopsies"(1926-1927)의 시적 시작입니다. 짧은 모피 코트를 가슴에 드러낸 남자와 활과 병 같은 다리를 가지고 보닛을 입고 벤치에 앉아 높은 부츠를 신고 그림에 숨을 쉬는 소녀의 모습은 참으로 매혹적인 생명력입니다. 아이스링크”. "New Life" 시리즈에서 풍자에 대해 이야기할 수 있다면 여기서는 거의 눈에 띄지 않습니다. 그림에서 "발진, Semyonovna, 추가하세요, Semyonovna!" - 환락의 높이. 시트 중앙에는 뜨겁고 발랄하게 춤추는 커플이 있고, 관객은 손바닥이 튀는 소리나 남자의 부츠가 시간에 맞춰 딸깍거리는 소리를 듣는 것 같고, 맨 등의 구불구불한 유연성과 파트너의 움직임의 가벼움을 느끼는 것 같다. "Panel of the Revolution" 시리즈부터 "Love of Hogs" 드로잉까지, 레베데프의 스타일 자체는 눈에 띄게 발전했습니다. 1922년 그림에 나오는 선원과 소녀의 모습은 여전히 독립적인 점들로 구성되어 있습니다. 즉, "The Ironers"의 것과 유사하지만 더 일반화되고 눈길을 끄는 다양한 질감의 잉크 반점입니다. 여기에 "New Life" 스티커가 추가되어 그림이 더 이상 콜라주 모방이 아닌 실제 콜라주로 바뀌었습니다. 평면은 이미지를 완전히 지배했습니다. 특히 Lebedev 자신의 의견으로는 좋은 그림이 우선 "종이에 잘 맞아야"하기 때문입니다. 그러나 1926~1927년의 시트에서 종이 비행기는 점점 명암대비와 객관적인 배경을 지닌 묘사된 공간으로 대체되었습니다. 우리 앞에는 더 이상 점이 없고 빛과 그림자의 점진적인 그라데이션이 있습니다. 동시에, 그림의 움직임은 "NEP"와 "서커스"의 경우처럼 "잘라내고 붙이기"가 아니라 부드러운 붓의 미끄러짐이나 검은 수채화의 흐름으로 구성되었습니다. 1920년대 중반까지 다른 많은 초안가들은 점점 더 자유롭거나 일반적으로 드로잉이라고 불리는 회화적인 방향으로 나아가고 있었습니다. 그의 마을 "무리"와 함께 N. Kupreyanov, L. Bruni, N. Tyrsa가 여기에있었습니다. 그림은 더 이상 새로운 특징 유형을 "펜 끝으로" 날카롭게 파악하는 "취하는" 효과에만 국한되지 않고, 마치 모든 변화와 감정을 통해 현실의 살아있는 흐름에 끌어들이는 것처럼 보였습니다. . 20년대 중반에 이 상쾌한 흐름은 이미 '거리'뿐만 아니라 '집'이라는 주제와 스튜디오에서 벌거벗은 인물을 그리는 것과 같은 전통적인 드로잉 영역까지 휩쓸었습니다. 그리고 그것은 전체 분위기에서 참으로 새로운 그림이었습니다. 특히 혁명 이전 10년의 금욕적으로 엄격한 그림과 비교해 보면 더욱 그렇습니다. 예를 들어, N. Tyrsa의 1915년 누드 모델 그림과 Lebedev의 1926-1927년 그림의 뛰어난 그림을 비교해 보면 Lebedev 시트의 자발성과 강한 느낌에 놀라게 될 것입니다.
모델에서 나온 Lebedev 스케치의 이러한 자발성은 다른 미술 평론가들이 인상주의 기술을 회상하게 만들었습니다. Lebedev 자신은 인상파에 깊은 관심을 가졌습니다. "Acrobat"(1926) 시리즈 중 그의 최고의 그림 중 하나에서 검은 수채화에 담근 붓은 모델의 활력 넘치는 움직임을 만들어내는 것처럼 보입니다. 화가는 자신감 있는 붓질만으로도 충분하다 왼손, 또는 팔꿈치 방향으로 앞쪽을 가리키는 한 번의 슬라이딩 터치입니다. 빛의 대비가 약해진 <댄서>(1927) 연작에서는 움직이는 빛의 요소도 인상주의와의 연관성을 불러일으킨다. V. Petrov는 "빛이 스며드는 공간에서 환상처럼 춤추는 인물의 윤곽이 나타납니다. "라고 썼습니다. "검은 수채화의 가볍고 흐릿한 점으로 윤곽이 거의 그려져 있지 않습니다." 질량이 있고 가벼운 공기 환경과 눈에 띄지 않게 합쳐집니다.”
이 Lebedev 인상주의가 더 이상 고전 인상주의와 동일하지 않다는 것은 말할 필요도 없습니다. 그 뒤에는 최근 스승님이 이수한 '건설 훈련'이 항상 느껴집니다. Lebedev와 Leningrad 그림 자체의 방향은 모두 그 자체로 유지되었으며 구성된 평면이나 그림의 질감을 잠시도 잊지 않았습니다. 실제로 작가는 드로잉의 구성을 만들 때 드가처럼 인물로 공간을 재현한 것이 아니라, 마치 그 형상과 드로잉의 형식을 합치듯 이 형상만으로 공간을 재현했다. 머리 꼭대기와 발 끝 부분이 눈에 띄게 잘리지 않기 때문에 그림이 바닥에 닿지 않고 시트의 아래쪽과 위쪽 가장자리에 "걸려"있습니다. 작가는 '구상된 계획'과 이미지 평면을 최대한 가깝게 만들기 위해 노력한다. 그러므로 그의 젖은 붓의 진주빛 스트로크는 형상과 평면에 동등하게 속한다. 인물 자체와 몸 근처에서 따뜻해진 공기의 따뜻함을 전달하는 이러한 사라지는 가벼운 스트로크는 중국 수묵화의 스트로크와 관련되어 눈에 나타나는 그림의 균일 한 질감으로 동시에 인식됩니다. 가장 섬세한 "꽃잎"으로서 시트 표면에 미묘하게 매끄러워집니다. 더욱이, Lebedev의 "Acrobats" 또는 "Dancers"에는 "New Life" 및 "NEP" 시리즈의 캐릭터에 대해 언급된 모델에 대한 자신감 있고 예술적이고 약간 분리된 접근 방식과 동일한 냉기가 있습니다. 이 모든 그림은 강력하고 일반화된 고전적 기반을 갖고 있어 구체적 시나 일상 생활을 담은 드가의 스케치와는 확연히 구별됩니다. 따라서 발레리나가 관객에게 등을 돌리고 오른발을 왼쪽 발가락 뒤에 놓고 있는 화려한 시트 중 하나(1927)에서 그녀의 모습은 표면을 가로질러 미끄러지는 반음영과 빛이 있는 도자기 조각상과 비슷합니다. . N. Lunin에 따르면 예술가는 발레리나에게서 "인체의 완벽하고 발전된 표현"을 발견했습니다. "여기 있습니다. 이 미묘하고 유연한 유기체는 아마도 약간 인위적으로 개발되었지만 움직임이 검증되고 정확하며 다른 어떤 것보다 "생명에 대해 말할" 수 있습니다. 형태도 없고, 만들어지지도 않고, 우연히 불안정하다." 사실 작가는 발레 자체에 관심이 없었고, 가장 표현적인 방식인 '삶에 말을 하는 것'에 관심이 있었다. 결국, 이 시트 각각은 시적으로 가치 있는 운동에 헌정된 서정시와 같습니다. 두 시리즈의 마스터를 위해 포즈를 취한 발레리나 N. Nadezhdina는 분명히 그에게 많은 도움을 주었으며, 그녀가 잘 연구했던 "자세"에 멈춰 신체의 중요한 가소성이 가장 인상적으로 드러났습니다.
작가의 설렘은 자신감 넘치는 실력의 예술적 정확성을 뚫고 자신도 모르게 관람자에게 전달되는 듯하다. 뒤에서 본 발레리나의 똑같은 장엄한 스케치에서, 관객은 거장 붓이 묘사할 뿐만 아니라 발가락에 즉시 얼어붙은 모습을 만들어 내는 것을 매혹적으로 지켜봅니다. 두 개의 "획의 꽃잎"으로 그려진 그녀의 다리는 지점 위로 쉽게 올라가고, 사라지는 반그림자처럼 - 백설 공주 투투의 조심스러운 흩어짐, 심지어 더 높은 - 여러 틈새를 통해 그림에 격언적인 간결함을 제공합니다. 비정상적으로 민감하거나 "매우 청각적인" 백 댄서와 그 위에 있는 그녀의 작은 머리도 마찬가지로 "청각" 회전합니다. 넓은 규모로어깨
1928년 전시회에서 레베데프의 사진이 찍혔을 때, 그의 앞에는 유망한 길이 놓여 있는 것처럼 보였습니다. 수년간의 노력으로 그는 그래픽 아트의 정점에 도달한 것 같습니다. 동시에, 1920년대 동화책과 "댄서" 모두에서 이러한 수준의 완전한 완벽함이 달성되어 아마도 더 이상 개발 경로가 없을 수도 있습니다. 사실 레베데프의 그림은 물론, 레베데프의 예술도 이곳에서 최고조에 달했습니다. 이후 몇 년 동안 작가는 그림 작업에 매우 적극적으로 참여하여 수년 동안 동화책에 그림을 그렸습니다. 동시에 그가 1930-1950년대에 한 모든 일은 더 이상 1922-1927의 걸작과 비교할 수 없었으며 물론 주인은 그가 남긴 발견을 반복하려고 시도하지 않았습니다. 특히 레베데프의 여성 인물 그림은 예술가 자신뿐만 아니라 이후의 모든 예술에서도 얻을 수 없는 것으로 남아 있었습니다. 이후의 시대를 누드모델 드로잉의 쇠퇴 탓으로 돌릴 수 없다면 그것은 단지 이러한 주제에 전혀 관심이 없었기 때문일 뿐이다. 에 대해서만 최근 몇 년마치 가장 시적이고 가장 창의적으로 고귀한 그림 영역에 대한 태도에 전환점이 있는 것처럼, 그렇다면 V. Lebedev는 새로운 세대의 초안가들 사이에서 새로운 영광을 누릴 운명일 수 있습니다.
오늘은 현대 동화책 삽화가들에 대해 이야기하고 싶습니다. 이 기사의 자료를 준비할 때 현대 예술가들이 매우 아름답고 고품질의 일러스트레이션을 제작하지만 주로 중, 고등학생을 대상으로 한다는 것을 알게 되었습니다. 안데르센의 동화, 루이스 캐럴의 이상한 나라의 앨리스, 호프만의 동화에 나오는 아름다운 삽화를 자주 볼 수 있습니다.
안타깝게도 어린이를 위한 작품을 만드는 현대 러시아 예술가를 찾을 수 없었습니다. Suteev, Charushin, Tokmakov, Miturich, Konashevich... 그러나 이 일시적인 격차가 곧 새롭고 밝은 이름으로 채워지기를 바랍니다.
이제 우리는 국립학교 최고의 현대 어린이 일러스트레이터 7인을 여러분께 소개합니다.
이고르 올레이니코프
이건 정말 특별해요 재능 있는 예술가동화책 일러스트레이터일 뿐만 아니라 뛰어난 만화가로도 알려져 있습니다. 그는 "제 3 행성의 비밀", "황새 칼리프", "차르 살탄 이야기"등 모든 연령대의 시청자에게 사랑받는 멋진 만화 제작에 참여했습니다.
놀랍게도 러시아에서 가장 뛰어난 어린이 예술가 중 한 명은 전문적인 미술 교육을 받지 못했습니다(그는 스스로 인정한 바에 따르면 이를 크게 후회합니다). 그는 모스크바 지역 Lyubertsy에서 태어나 화학 공학 연구소를 졸업했습니다. 그는 Soyuzmultfilm 스튜디오에서 프로덕션 디자이너의 조수로 일하기 시작했습니다.
Igor Oleynikov는 다양한 애니메이션 및 도서 페스티벌의 우승자입니다. 그의 삽화는 매혹적이고 매혹적이어서 그가 어떤 미술 대학에서도 공부하지 않았다는 것이 믿기 어려울 정도입니다.
H.H. 안데르센의 동화 <황제와 나이팅게일>. 출판사 Azbuka-classics
예브게니 안토넨코프
모스크바 인쇄학 연구소를 졸업했습니다. 오랫동안 그는 Rosmen 출판사와 협력했습니다. 그는 Yunna Moritz, Korney Chukovsky, Boris Zakhoder, Alan Milne, Sergei Kozlov 및 기타 작가의 책을 포함하여 많은 책에 그림을 그렸습니다.
“비비곤”, K. Chukovsky
“비비곤”, K. Chukovsky
레몬 말리노비치 압축, 윤나 모리츠
“리틀 묵”, V. 가우프
블라디슬라프 에르코
많은 엄마들은 아마도 이 예술가의 멋진 삽화를 잘 알고 있을 것입니다. 내 꿈은 항상 Vladislav Erko가 그린 "눈의 여왕"이었습니다. 아티스트는 키예프에서 태어나 살고 있으며, 유명한 우크라이나 출판사인 "A-ba-ba-ga-la-ma-ga"와 오랫동안 성공적으로 협력해 왔습니다.
예르코(Yerko)의 삽화가 포함된 "눈의 여왕"이라는 책은 2006년 미국 최고의 동화책으로 선정되었으며 안데르센 재단 메달(Andersen Foundation Medal)을 받았습니다.
예브게니아 갭친스카야
유명한 어린이 일러스트레이터, 그녀의 창의력으로 많은 부모들의 인정을 받았습니다. Evgeniya는 1964년 Kharkov에서 태어나 그곳에서 공부했습니다. 현재 그는 키예프에 거주하며 키예프 출판사 "A-ba-ba-ga-la-ma-ga"와 협력하고 있습니다.
갈리나 진코
Pushkin, Aksakov, C. Perrault, H. H. Andersen의 동화를 포함하여 많은 동화책에 그림을 그린 우크라이나 예술가입니다. Galina Zinko는 오랫동안 출판사 Clever와 성공적으로 협력해 왔기 때문에 많은 현대 부모들이 그녀의 낭만적이고 감동적인 스타일에 익숙합니다.
“비둘기 이야기”, A. 보로베츠카야
“Barakhty Bay의 Bloshkins와 Frew”, A. Nikolskaya
“Barakhty Bay의 Bloshkins와 Frew”, A. Nikolskaya
안톤 로마예프
1971년 비테브스크(샤갈과 말레비치를 세상에 낳은 도시)에서 태어났습니다. 그는 상트페테르부르크의 예술 아카데미(Repin Institute)에서 공부했으며 그곳에서 거주하며 작업하고 있으며 여러 러시아 출판사와 성공적으로 협력하고 있습니다. 그는 예술가 연합의 회원입니다.
Anton Lomaev는 어린이 동화에 대한 밝고 상상력이 풍부한 삽화로 유명합니다. 내가 가장 좋아하는 것 중 - 마법의 일러스트"인어공주"와 안데르센의 다른 동화들까지.
일러스트레이터 안톤 로마예프. 동화 “인어공주”
