인간은 사랑, 친절, 기쁨의 무한한 원천입니다. 우리는 전 세계에 걸쳐 모두 동일합니다. 감동적인 순간이나 영혼이 무겁고 고통스러울 때 우리는 감정을 억제할 수 없습니다.
이 사진들은 모든 사람의 영혼이 얼마나 풍부한지, 그 사람의 정신이 얼마나 강한지를 보여줍니다. 이 사진을 보면 우리에게 가장 중요한 것은 삶이라는 것을 확신하게 됩니다. 그리고 삶은 사랑이고, 마음의 따뜻함이며, 이웃에 대한 친절이며, 일상의 기쁨입니다.
8세 크리스티앙이 이라크 순찰 중 사망한 아버지를 기리는 추도식에서 깃발을 받고 있습니다.
알코올 중독자 아버지와 그의 아들
“아빠, 기다려주세요.” 전쟁에 나가기 전에
소련 군인준비 중 쿠르스크 전투, 1943년 7월
2011년 카이로 봉기가 한창일 때 기독교인들이 기도하는 동안 무슬림들을 보호하고 있다
테리 구롤라(Terry Gurola)가 이라크에서 7개월간 복무한 후 딸을 만났습니다.
루마니아 어린이 기부 풍선...부쿠레슈티 시위 중 경찰관에게
아이티 지진 잔해 속에 8일 동안 갇혀 있던 5세 어린이 구조
코소보 난민 캠프에 있는 2세 아짐 샬루(Ajim Shalu)는 철조망을 넘어 조부모 손에 넘겨졌습니다. 
우는 남자...그는 보인다 가족 앨범쓰촨성 지진 이후 옛 집 잔해 속에서 발견된 사람 
1989년 천안문 광장 시위 중 불복종 행위로 중국 탱크 행렬 앞에 서 있던 무명 반군의 상징적인 사진 
한 명이 사망할 때까지 매년 사진을 찍은 최전선 친구들
1967년 17세 잔 로즈 카슈미르(Jan Rose Kashmir)가 국방부에서 반전 시위를 벌이는 동안 군인들에게 꽃을 건네고 있습니다.
아프리카계 미국인 운동선수 토미 스미스(Tommie Smith)와 존 카를로스(John Carlos)가 주먹을 높이 들고 연대하고 있습니다. 올림픽 게임 1968년 
1945년 엘베 강 근처의 수용소에서 해방되었을 당시의 유대인 수감자들
아버지의 관에 인사하는 존 F. 케네디 2세
2011년 일본 쓰나미 이후 주인과 다시 만난 개
제2차 세계대전 이후 소련에 포로로 잡혀 있던 독일인 포로가 처음으로 딸을 만난다. 딸은 1살 때 이후로 한 번도 본 적이 없었다. 
제2차 세계대전 중 나치가 파리를 점령하자 한 파리인이 절망에 빠져 울고 있다.
한 베테랑이 위대한 애국 전쟁 기간 동안 전쟁 내내 사용했던 탱크를 발견했습니다. 애국전쟁. 탱크는 작은 마을에 기념비로 설치되었습니다. 
화성의 일몰
23시간(성공적인) 심장 이식 후 심장외과 의사. 그의 조수가 구석에서 자고 있어요
환자는 수술에서 살아남았을 뿐만 아니라 의사도 살아남았습니다.
호레이스 그리즐리는 자신이 수감된 수용소를 조사하는 하인리히 히믈러를 반항적인 눈빛으로 바라보고 있습니다. 그리즐리는 200번 이상 캠프를 탈출하여 현지인을 만나기 위해 돌아왔습니다. 독일 소녀그가 누구와 사랑에 빠졌는지 
2011년 인도 쿠타크(Cuttack)에 심각한 홍수가 났을 때, 영웅적인 지역 주민이 길고양이를 구출했습니다. 
에 사는 6세 남자아이 고아원오스트리아에서는 기뻐하며 포옹합니다 새로운 쌍미국 적십자사에서 그에게 선물한 신발. 1946년 사진
Harold Whitles는 의사가 왼쪽 귀에 보청기를 설치한 후 생애 처음으로 소리를 듣습니다.
“희망의 손” - 아직 태어나지 않은 아이수술 중 어머니의 자궁에 생긴 절개 부위에서 손을 빼내고 갑자기 외과 의사의 손을 잡는다. 
12세 브라질 소년이 선생님의 장례식에서 바이올린을 연주하고 있습니다. 선생님은 음악을 통해 그가 가난과 폭력에서 벗어날 수 있도록 도왔습니다. 
1994년 체첸에서 러시아 군인이 버려진 피아노를 연주하고 있다.
Tretyakov 갤러리는 가장 큰 박물관세계 속의 러시아 회화. 그 역사는 다음과 같이 시작되었습니다. 개인 소장품파벨 트레티야코프.
예술가들은 Tretyakov가 항상 많은 돈을 지불할 의향이 없었지만 자신의 작품을 구매할 사람이 바로 그 사람이라고 꿈꿨습니다. 많은 사람들이 겸손한 성격과 민주적 견해를 지닌 이 박애주의자에게 매료되었습니다.
Tretyakov가 그의 갤러리를 모스크바에 기증했을 때, 알렉산더 3세그에게 허락했다 고귀한 칭호. 그러나 Pavel Mikhailovich는 자신이 그럴 가치가 없다고 생각하여 거부했습니다!
그 맛도 특별했어요. 그는 그림에서 진실함, 성실함, 성실함을보고 싶었습니다. 그는 대중에게 깊은 인상을 줄 목적으로 창작된 학문적이고 허식적인 작품을 무시했습니다.
따라서 그가 구입한 많은 작품은 시간의 시험을 견디며 걸작으로 인정받고 있습니다. 그 중 몇 가지에 대해 말씀드리겠습니다.
1. 이반 시쉬킨. 호밀. 1878.
이반 쉬쉬킨. 호밀. 1878. 모스크바 트레티야코프 미술관. P. Tretyakov가 구입했습니다. 그림 "호밀"에서 우리는 낮은 노란색 호밀과 키가 큰 오래된 소나무의 놀라운 조합을 볼 수 있습니다. 그리고 더 많은 것 흥미로운 세부 사항. 매우 낮은 비행 스위프트. 땋은 머리를 한 사람들이 길을 걷고 있다.
Shishkin은 종종 사진이 너무 많다는 비난을 받았습니다. 실제로 이미지를 확대하면 거의 모든 작은 이삭을 볼 수 있습니다.
그러나 그렇게 간단하지는 않습니다. 장엄한 소나무 중에는 아마도 번개에 맞아 죽은 소나무가 있습니다. 작가는 우리에게 무엇을 말하고 싶은 걸까? 어떤 힘이라도 하룻밤 사이에 무너질 수 있다는 사실에 대해서요?
아내와 두 자녀의 죽음에서 살아남은 Shishkin은 그러한 분위기를 캔버스로 쉽게 옮길 수있었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 러시아 자연의 아름다움을 보여주기 위해 최선을 다했습니다.
2. 대주교 Kuindzhi. 비가 내린 후. 1879.
대주교 Kuindzhi. 비가 내린 후. 1879. 모스크바 트레티야코프 미술관. P. Tretyakov가 구입했습니다. 주인공 Kuindzhi의 모든 그림은 가볍습니다. 더욱이 작가는 가장 다채로운 자연 현상을 선택하여 설명할 수 없을 정도로 평범한 빛을 마법의 빛으로 변환했습니다. 그래서 그것은 "After the Rain"이라는 그림에 있습니다.
방금 끔찍한 뇌우가 지나갔습니다. 갈색-보라색 하늘이 무섭게 보입니다. 그러나 풍경은 이미 첫 번째 광선으로 밝혀졌습니다. 무지개가 곧 익으려고 합니다. 비가 내린 후의 잔디는 순수한 에메랄드 색입니다.
Kuindzhi가 삶에서만 그림을 그렸다는 확신은 없습니다. 말이 열린 공간에 남아 있을 가능성은 거의 없습니다. 심한 뇌우. 아마도 폭풍우가 치는 하늘과 햇빛이 비치는 풀밭의 대비를 높이기 위해 그녀의 모습이 추가되었을 것입니다.
Kuindzhi는 예술가로서뿐만 아니라 사람으로서도 독창적이었습니다. 덜 부유한 동료들과 달리 그는 성공적인 부동산 거래 덕분에 부자가 되었습니다. 그러나 그는 매우 검소하게 살았고, 그의 모든 돈을 도움이 필요한 사람들에게 기부했습니다.
3. 빅토르 바스네초프. 지하세계의 세 공주. 1881.
빅터 바스네초프. 세 명의 공주 지하왕국. 1881. 모스크바 트레티야코프 미술관. M. Morozov의 의지에 따라 1910년에 입성 "세 명의 공주" 그림은 Savva Mamontov가 특히 석탄 회사를 위해 의뢰한 것입니다. 철도. Vasnetsov를 기초로 삼았습니다. 민화황금, 은, 구리 공주에 대해.
그러나 그는 그녀를 크게 변화시켰고 오직 황금 공주만 남았습니다. 나는 다른 두 명을 직접 추가했습니다: 공주 보석그리고 석탄의 공주. 세 사람 모두 러시아 땅의 풍요로움을 찬양합니다.
검은 옷을 입은 소녀는 가장 어리다. 석탄이 금과 보석보다 늦게 채굴되기 시작했기 때문이다. 그래서 그녀의 드레스는 더욱 현대적이다.
그리고 석탄공주 드레스는 좀 더 단정해요. 결국 그 목적은 사람들에게 이익을 주는 것입니다. 그리고 두 언니가 해야 하는 것처럼 인간의 탐욕에 봉사하지 않기 위해서입니다.
Tretyakov는 Vasnetsov에서 작품을 구입하는 것을 좋아했습니다. 그들은 좋은 친구였습니다. 그리고 당연합니다. 그 예술가는 극도로 겸손한 사람.
그는 예술 아카데미에 입학했을 때 불과 1년 후에 시험에 합격했다는 것을 알게 되었습니다. 다시 먹으러 왔을 때 처음에는 실패했다고 확신했습니다.
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4. 일리아 레핀. 잠자리. 1884.
일리아 레핀. 잠자리. 1884. 모스크바 트레티야코프 미술관. P. Tretyakov가 구입했습니다. "잠자리"는 자신도 모르게 파리 인상파의 작품으로 오해될 수 있습니다. 결국 그녀는 너무 밝고 밝습니다.
한 아이가 배경의 크로스바에 앉아 있다 밝은 하늘그리고 다리를 흔든다. 귀뚜라미의 지저귀는 소리와 꿀벌의 윙윙거리는 소리를 들을 수 있습니다.
가장 놀라운 점은 Repin이 인상파를 특별히 좋아하지 않았다는 것입니다. 나는 그들에게 줄거리가 부족하다고 생각했습니다. 하지만 아이를 그리기 시작하면서 참을 수가 없었어요. 또 다른 글쓰기 스타일은 어떤 식으로든 유치한 자발성을 초래하지 않았습니다.
그림에서 Repin은 그의 큰 딸 Vera를 묘사했습니다. 게다가 그는 그것을 Dragonfly라고 불렀습니다. 결국, 파란 드레스는 통나무 위에 몇 초 동안 앉아 있다가 금방 하늘로 날아오르는 잠자리의 색깔과 너무나 비슷합니다.
Vera는 인생이 끝날 때까지 아버지와 함께 살았습니다. 그녀는 결혼하지 않았습니다. 그녀에 대해 아첨하는 사람은 거의 없었습니다. Repin 가족을 잘 아는 Chukovsky를 포함하여 Korney Chukovsky.
그의 회상에 따르면 Vera Ilyinichna는 주저하지 않고 아버지의 그림을 팔았습니다. 그리고 그 돈으로 귀걸이도 샀어요. 그녀는 “사악하고 비겁하며... 정신과 마음이 미련”했습니다. 너무 가혹한 비판이네요...
5. 발렌틴 세로프. 태양의 빛을 받은 소녀. 1888년.
발렌틴 세로프. 태양의 빛을 받은 소녀. 1888. 모스크바 트레티야코프 미술관. P. Tretyakov가 구입했습니다. 인상주의적인 방식으로 그려진 또 다른 그림은 Tretyakov 갤러리에 보관되어 있습니다. 그러나 그것은 이미 Valentin Serov에 의해 만들어졌습니다.
여기서 인상주의는 다음과 같이 표현됩니다. 놀라운 게임빛과 그림자. 햇빛의 눈부심, 밝게 빛나는 공터는 나무의 어두운 껍질과 깊은 나무의 자락과 대조를 이룹니다. 파란색.
세로프는 23세의 나이에 이 작품을 그렸음에도 불구하고 '태양의 빛을 받은 소녀'를 자신의 최고의 그림으로 여겼습니다. 그는 평생 동안 비슷한 것을 만들려고 노력했지만 결코 성공하지 못했다고 친구들에게 인정했습니다.
그의 사촌 Maria Simonovich가 Serov를 위해 포즈를 취했습니다. 3개월 동안 매일 몇 시간씩. 작가는 너무 오랫동안 조심스럽게 그림을 작업했기 때문에 인내심이 강한 마리아조차도 참을 수 없었습니다. 일한 지 넷째 달에 그녀는 수업을 시작한다는 구실로 상트페테르부르크로 도망쳤다.
단지 피곤해서가 아닙니다. 그런 다음 그녀는 오빠가 과용할까봐 두려웠다고 인정했습니다. 그녀 자신도 조각가이기 때문에, 끝없이 작품을 수정하면 모든 것을 망칠 수 있다는 것을 알고 있었습니다.
아마도 그녀는 옳은 일을 한 것 같습니다. 그리고 그녀 덕분에 그 그림은 걸작이 되었습니다. Serov의 그림에 이어 인기가 두 번째입니다.
6. 이삭 레비탄. 영원한 평화 위에. 1894.
이삭 레비탄. 영원한 평화 위에. 1894. 모스크바 트레티야코프 미술관. P. Tretyakov가 구입했습니다. “영원한 평화 위에”는 레비탄의 가장 러시아적이고 철학적인 풍경 중 하나입니다. 강의 창공의 보편적 규모는 취약한 것과 대조됩니다. 인간의 삶. 그 상징은 교회에서 거의 눈에 띄지 않는 등불입니다.
Levitan 자신은 이 그림이 그의 성격과 영혼을 반영하는 것을 보면서 매우 중요하다고 생각했습니다. 그러나 동시에 그녀는 그를 두려워했습니다. 그에게는 그녀가 “여러 세대를 삼켰고 앞으로도 삼킬” 영원의 차가움을 발산하는 것 같았습니다.
레비탄은 우울한 사람이었습니다. 어두운 생각그리고 행동. 그래서 이 그림을 그린 지 1년 후, 그는 실증적인 자살 시도를 했습니다. 개인 생활의 부침으로 인해 우울한 상태에 있습니다. 그 당시 두 명의 여성, 즉 어머니와 딸이 동시에 그와 사랑에 빠졌습니다.
일반적으로 이 사진은 세계관의 촉매제입니다. 당신이 낙천적인 사람이라면 공간에 대한 생각에서 영감을 받을 가능성이 더 높습니다. 당신이 비관주의자라면, 다른 감정을 기대하십시오. 아마도 모든 것을 소비하는 공간이 불편할 것입니다. 미하일 브루벨. 라일락 꽃. 1900. 모스크바 트레티야코프 미술관. 1929년 I. Ostroukhov 박물관에서 수령함.
Vrubel의 그림에서 우리는 눈에 띄게 아름다운 라일락을 봅니다. 팔레트 나이프*로 작성되었으므로 꽃차례 무리는 연한 파란색에서 보라색까지 특별한 색상의 볼륨 있는 결정처럼 보입니다. 일반적으로 사진에는 라일락 냄새가 날 정도로 꽃이 너무 많습니다.
수풀을 배경으로 라일락의 영혼 인 소녀의 윤곽이 나타납니다. 우리는 크고 검은 눈만 보고, 두꺼운 머리카락그리고 우아한 손. 라일락과 달리 소녀는 붓으로 칠해져 있습니다. 이것은 비현실성을 강조합니다.
그림은 우리를 어린 시절로 데려갈 수 있습니다. 결국, 우리가 다른 세상을 보고 싶은 경향이 있었던 것은 바로 그때였습니다. 여기서 당신은 늦은 황혼의 라일락 숲 사이의 길을 따라 걸으며 녹지를 들여다보고 있습니다. 그리고 우리의 상상력은 우리에게 알려지지 않은 것, 즉 누군가의 눈이나 실루엣을 그려냅니다.
브루벨은 달리 평범한 사람그는 평생 동안 이 특별한 비전을 유지했습니다. 그는 상상 속에서 다른 세계로 뛰어들어 우리에게 보여주었다. 악마, 세라핌, 나무 영혼의 형태로 나타납니다.
그러나 어느 날 그는 돌아갈 길을 찾을 수 없었습니다. Vrubel은 "Lilac"을 쓴 직후부터 발전하기 시작했습니다. 정신 장애. 그는 다른 세계에 포로로 잡혀 서서히 사라져 1910년에 사망했습니다.
트레티야코프 미술관에는 러시아 회화의 걸작이 너무 많아서 7점의 그림만 고르기가 어려웠습니다. 확실히 누군가는 그것을 좋아하지 않았습니다. 결국 나는 가장 인기있는 걸작을 기사에 포함시키지 않았습니다. 그리고 그녀는 아직 Vereshchagin에 대해 이야기하지 않았습니다.
나는 내 취향에 따라 정말 마음에 드는 작품을 선택했습니다. 이전에 눈치 채지 못했다면 스스로 새로운 발견을 할 수 있었으면 좋겠습니다.
* 아티스트가 캔버스(그림의 페인트 레이어 베이스)에 프라이머를 바르는 데 사용하는 얇은 주걱입니다. 때때로 이 도구는 페인트를 칠하는 데에도 사용됩니다.
예술가와 그림에 관한 가장 흥미로운 것들을 놓치고 싶지 않은 사람들을 위한 제품입니다. 이메일(본문 아래 양식)을 남겨주시면 제 블로그의 새로운 글을 가장 먼저 소식을 받아보실 수 있습니다.
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1. 레오나르도 다빈치. 모나리자. 세상에서 가장 잘 알려진 사진은 사진가들에게 가르쳐야 할 것이 많지만, 가장 중요한 것은 피사체와 어떤 관계를 맺어야 하는가입니다. 여러 번 말했듯이, 그녀의 미소는 예술가와 모델 사이의 특별한 유대감을 말해준다. 이것이 모든 사진가가 인물 사진을 만들 때 노력해야 하는 것입니다.
2. 라파엘. 아테네 학교. 많은 사진작가들은 개별 사물의 사진을 찍는 것을 선호합니다. 한 사람, 한 가지, 한 순간. 이 작품은 한 그림을 보는 데 30분 정도 걸렸던 시절의 작품이다. 거기에는 수십 가지 일이 일어나고 있습니다 다양한 상황그리고 그들 중 누구도 다른 사람을 방해하지 않습니다. 프레임 안에서 다면적인 장면을 구성할 수 있는 능력은 매우 중요합니다.
3. 얀 베르메르. 진주 귀걸이를 한 소녀. 베르메르는 창문 조명을 좋아했습니다. 인물 사진에 가장 적합한 조명입니다. 스튜디오 조명이나 플래시를 사용할 때 우리는 최소한 원격으로 동일한 결과를 얻으려고 노력합니다. 좋은 빛. 모나리자의 초상화처럼 관객에게 전달되는 작가와의 연결이 있다.
4. 에드워드 호퍼. 나이트 호크. 모든 사진작가는 시청자를 "매혹"시킬 짧은 순간을 찾고 있습니다. 이 그림은 차분한 분위기로 눈길을 끈다. 사진작가는 이와 같은 순간을 보고 포착하려고 노력해야 합니다.
5. M. 에셔. 손과 미러볼. 모든 사진작가가 할 수 있어야 하는 것 중 하나는 사진에서 관점을 보여주는 것입니다.
6. 노먼 록웰. 소문. 표정을 통한 내레이션. 이 사진에서 무슨 일이 일어나고 있는지 이해하기 위해 소문 자체를 알 필요는 없습니다. '말하는' 표정을 포착하는 능력 – 중요한 기술사진가를 위해.
7. 노먼 록웰. 탈출하다. 노먼 록웰(Norman Rockwell)은 관객이 자신의 그림을 볼 때 기억을 불러일으키는 재능을 가지고 있었습니다. 이 작품이 전하는 이야기는 때때로 책 전체가 말할 수 있는 것보다 훨씬 더 많습니다. 이와 같은 사진을 만들면 성공할 것입니다.
8. 앤디 워홀. 일부 사진가들은 촬영할 피사체를 찾는 데 어려움을 겪습니다. 그들은 흥미로운 것을 찾고 있습니다. 변신할 수 있는 게 훨씬 더 중요해요 간단한 것뭔가 특별한 것을 만들어낸 것인데, 워홀이 수프 캔을 가지고 했던 것이 바로 그것이었습니다.
9. 구스타프 클림트. 키스. 많은 사진가들이 사진의 최신 트렌드를 따릅니다. 인터넷에는 HDR(높음)을 사용하는 이미지가 백만 장 있습니다. 다이내믹 레인지), 동일한 장면의 세 프레임을 촬영한 경우 다른 노출편집기를 사용하여 연결했습니다. 참신함만으로도 충분하고, 이 기술을 사용하면 무엇이든 촬영할 수 있고 효과가 있을 것이라고 생각하는 것은 실수입니다. 좋은 사진. 클림트는 양식화된 그림으로 매우 유명했지만, 이 작품에서는 사물 사이의 깊은 연결의 순간을 보여줍니다. 이는 모든 사진작가들에게 교훈이 될 것입니다.
11. 미켈란젤로. 천장 시스티나 예배당. 사진가의 좋은 기술은 사물을 다양한 각도에서 바라보는 것입니다. 최고의 샷. 어색한 자세가 영감을 방해하지 않도록 하세요. 똑바로 쳐다보더라도 쏴라.
12. 살바도르 달리. 비키니섬의 스핑크스 3개. 사진에서 반복되는 모양과 질감을 보고 이를 바탕으로 좋은 사진을 만드는 것이 중요합니다.
13. 뱅크시 낙서. Banksy는 호환되지 않는 것들을 결합하는 데 능숙합니다. 당신은 한 가지를 기대했지만 그는 전혀 다른 것으로 당신을 놀라게 했습니다.
14. 윌리엄 블레이크. 위대한 건축가. Blake는 사진가에게 영감과 기술의 균형을 맞추는 방법을 가르칠 수 있습니다.
15. 빈센트 반 고흐. 나이트 카페. 우리는 우리에게 의미 있는 것들을 사진에 담아야 합니다. 이 사진을 보면 이 카페가 반 고흐에게 어떤 의미가 있었고, 그에게 중요했다는 것을 알 수 있습니다.
16. 카츠시카 호쿠사이. 큰 파도가나가와에서. 결정적인 순간은 사람들의 삶에서만 일어나는 것이 아닙니다. 사진작가는 주변 세계에서 비슷한 순간을 찾아야 합니다.
17. 히로시게. 들판을 가로질러 길을 걷고 있는 여자. 사진가는 프레임의 모든 것이 주 피사체의 동작과 일치하는지 확인해야 합니다. 예를 들어, 여기에서는 나무 선, 길, 사람들이 평행합니다.
18. 에드가 뮐러의 작품. 뮐러는 관점의 대가이다. 그의 작품을 보는 거리에 따라 깊이의 환상이 급격하게 달라집니다. 이는 사진작가에게 올바른 각도를 찾는 것을 멈추지 않도록 가르칠 수 있습니다.
19. 조지아 오키프(Georgia O'Keeffe) 맥. 식물 사진에는 일종의 "하위문화"가 있습니다. 조지아 오키프는 꽃 사진 촬영에 있어 훌륭한 영감을 얻습니다.
20. 에밀리 카.키트완쿨. Emily Kahr는 토템 그림으로 유명했습니다. 그녀는 자신의 작품에 필요한 토템을 찾기 위해 평생을 바쳤습니다. 사진작가는 항상 프로젝트를 살펴봐야 합니다. 일련의 사진을 통해 연구하고 보여줄 수 있는 특정 주제입니다.
21. 피에르 오귀스트 르누아르. Moulin de la Galette의 공. 이는 주요 피사체와 경쟁하지 않는 여러 개체를 묘사하는 좋은 예입니다.
22. 그랜트 우드. 아메리칸 고딕. Grant Wood의 American Gothic은 주제가 환경을 어떻게 투영하고 반영하는지 보여주는 훌륭한 예입니다. Grant Wood는 배경의 집에 어떤 사람들이 살고 있을지 상상해 보았습니다. 이 집과 부부는 거의 신체적으로 유사합니다.
23. 에두아르 모네. Chez le père Lathuille. 이 장면은 거리 사진 촬영일 수도 있습니다.
미술은 다양한 감정을 줄 수 있습니다. 어떤 그림은 몇 시간 동안 쳐다보게 만드는 반면, 다른 그림은 문자 그대로 충격을 주고 놀라게 하며 여러분의 세계관을 폭발시킵니다. 생각하고 검색하게 만드는 명작이 있습니다 비밀스러운 의미. 일부 그림은 신비한 신비로 덮여 있지만 다른 그림의 가장 중요한 것은 엄청나게 높은 가격입니다.
세계 회화사에는 이상한 그림이 많이 있습니다. 우리 평가에서 우리는 이 장르의 대가이자 이름이 가장 먼저 떠오르는 살바도르 달리를 의도적으로 언급하지 않을 것입니다. 그리고 낯설음이라는 개념 자체가 주관적이긴 하지만, 우리는 다음과 같은 점을 강조할 수 있습니다. 유명한 작품, 일반 시리즈와 확연히 구별됩니다.
에드바르 뭉크 <절규>. 91x73.5cm 크기의 이 작품은 1893년에 제작되었습니다. 뭉크는 이 그림을 유화, 파스텔, 템페라로 그렸습니다. 내셔널갤러리오슬로. 예술가의 작품은 인상주의의 상징이 되었으며 일반적으로 오늘날 세계에서 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 뭉크 자신이 그 창작 과정에 대해 이렇게 말했습니다. “두 친구와 함께 길을 걷고 있었는데, 그때 해가 지고 있었습니다. 갑자기 하늘이 핏빛으로 변했고, 나는 지쳐서 멈춰서서 울타리에 기대어 보았습니다. 푸르스름한 바다 위의 피와 불꽃, 검은 피오르드와 도시. 내 친구들은 계속해서 나아갔지만 나는 여전히 자연을 꿰뚫는 끝없는 비명을 느끼며 흥분에 떨면서 서 있었습니다." 그려진 의미의 해석에는 두 가지 버전이 있습니다. 묘사된 인물은 공포에 사로잡혀 귀에 손을 대고 조용히 비명을 지르고 있다고 추측할 수 있습니다. 또 다른 버전에서는 그 남자가 주변에서 비명을 지르는 것을 보고 귀를 막았다고 합니다. 전체적으로 Munch는 The Scream의 4가지 버전을 만들었습니다. 일부 전문가들은 이 그림이 작가가 겪었던 조울증 정신병의 전형적인 표현이라고 믿습니다. 뭉크는 병원에서 치료를 받았을 때 이 그림을 다시는 보지 않았습니다.
폴 고갱 "우리는 어디서 왔는가? 우리는 누구인가? 어디로 가는가?"보스턴 박물관에서 미술 139.1x374.6cm 크기의 이 인상파 작품을 찾을 수 있습니다. 이 작품은 1897-1898년에 캔버스에 유화로 그려졌습니다. 이 심오한 작품은 고갱이 타히티의 번잡함에서 은퇴하여 쓴 것입니다. 파리지앵의 삶. 그림은 예술가에게 너무 중요해져서 완성된 후에는 자살하고 싶을 정도였습니다. 고갱은 자신이 이전에 창조한 모든 것보다 머리와 어깨가 중요하다고 믿었습니다. 예술가는 자신이 더 좋거나 비슷한 것을 만들 수 없을 것이라고 믿었습니다. 고갱은 자신의 판단이 진실임을 증명하면서 5년을 더 살았습니다. 그 자신이 말했다. 메인 사진오른쪽에서 왼쪽으로 보아야 합니다. 캔버스 제목이 붙은 문제를 의인화하는 세 가지 주요 인물 그룹이 있습니다. 아이를 안고 있는 세 명의 여성은 인생의 시작을, 중간에는 성숙을, 노년을 상징한다. 노파그녀의 죽음을 기다리고 있는 사람. 그녀는 이것을 받아들이고 자신의 무언가에 대해 생각하고 있는 것 같습니다. 그녀의 발 밑에 위치 흰 새, 단어의 무의미 함을 상징합니다.
파블로 피카소 '게르니카'.피카소의 작품은 마드리드의 레이나 소피아 미술관에 보관되어 있습니다. 캔버스에 유채로 그린 349 x 776 cm 크기의 대형 그림입니다. 이 프레스코화는 1937년에 제작되었습니다. 이 영화는 게르니카 시에서 파시스트 자원 봉사 조종사들의 습격에 대해 이야기합니다. 그 사건의 결과로 인구 6,000명의 도시가 지구상에서 완전히 사라졌습니다. 작가는 말 그대로 한 달 만에 이 그림을 그렸다. 첫날 피카소는 10~12시간 동안 일했는데, 그의 첫 스케치에서는 이미 볼 수 있었습니다. 주요 아이디어. 그 결과 사진은 다음 중 하나가 되었습니다. 최고의 일러스트파시즘의 모든 공포, 잔인함, 인간의 슬픔. 게르니카에서는 잔혹함, 폭력, 죽음, 고통, 무력함의 장면을 볼 수 있습니다. 그 이유가 명시적으로 언급되어 있지는 않지만 역사를 통해 분명합니다. 1940년에는 파블로 피카소가 파리 게슈타포에 소환되기도 했다고 합니다. 그는 즉시 “당신이 그랬나요?”라는 질문을 받았습니다. 이에 작가는 “아니요, 당신이 그랬어요”라고 답했다.
얀 반 에이크 <아르놀피니 부부의 초상>이 그림은 1434년에 나무에 유화로 그린 것입니다. 걸작의 크기는 81.8x59.7cm이며 런던 국립 미술관에 보관되어 있습니다. 아마도 이 그림은 조반니 디 니콜라오 아르놀피니(Giovanni di Nicolao Arnolfini)와 그의 아내를 묘사한 것으로 추정됩니다. 이 작품은 당시 서양 회화 학교에서 가장 어려운 작품 중 하나입니다. 북부 르네상스. 이에 유명한 그림수많은 상징, 우화 및 다양한 단서. 작가의 시그니처인 "Jan van Eyck was here"를 살펴보세요. 결과적으로 이 그림은 단순한 예술 작품이 아니라 실제 역사적 문서입니다. 결국 그것은 묘사된다. 실제 사건, van Eyck가 포착한 것입니다. 이 사진은 최근에아르놀피니가 블라디미르 푸틴 대통령과 닮은 점이 육안으로도 눈에 띄기 때문에 이 작품은 러시아에서 큰 인기를 끌었습니다.
미하일 브루벨 "앉아있는 악마".트레티야코프 갤러리에는 1890년에 유화로 그린 미하일 브루벨의 이 걸작이 소장되어 있습니다. 캔버스 크기는 114x211cm입니다. 여기에 묘사된 악마는 놀랍습니다. 그는 슬픈 청년으로 등장한다. 긴 머리. 이것은 사람들이 일반적으로 악령을 묘사하는 방식이 아닙니다. Vrubel 자신은 그의 가장 유명한 그림에 대해 그의 이해에서 악마는 고통받는 악마만큼 악령이 아니라고 말했습니다. 동시에 그분의 권위와 위엄을 부인할 수는 없습니다. Vrubel의 악마는 무엇보다도 우리 내부를 지배하는 인간 정신의 이미지입니다. 끊임없는 투쟁자신과 의심. 꽃으로 둘러싸인 이 생물체는 비극적으로 손을 꼭 쥐고 있었고, 거대한 눈은 슬프게도 먼 곳을 바라보고 있었습니다. 전체 구성은 악마 형상의 제약을 표현합니다. 이 이미지 속에 그는 액자의 위쪽과 아래쪽 사이에 끼어 있는 것 같습니다.
Vasily Vereshchagin "전쟁의 신격화".이 그림은 1871년에 그려졌지만 그 그림에서 작가는 미래의 세계 대전의 공포를 예견한 것처럼 보였습니다. 127x197cm 크기의 캔버스는 Tretyakov 갤러리에 보관되어 있습니다. Vereshchagin은 최고의 전투 화가 중 한 명으로 간주됩니다. 러시아 회화. 그러나 그는 전쟁과 전투를 사랑했기 때문에 글을 쓰지 않았습니다. 아티스트는 다음을 의미합니다. 미술전쟁에 대한 그의 부정적인 태도를 사람들에게 전달하려고 노력했습니다. Vereshchagin은 더 이상 전투 그림을 그리지 않겠다고 약속했습니다. 결국, 예술가는 부상당하고 사망한 모든 군인의 슬픔을 그의 마음에 너무 가깝게 받아들였습니다. 이 주제에 대한 그러한 진심 어린 태도의 결과는 "전쟁의 신격화"였습니다. 무섭고 요염한 그림에는 까마귀가 맴돌고 있는 들판에 산처럼 쌓인 인간 두개골이 묘사되어 있습니다. Vereshchagin은 각 두개골 뒤에 개인과 가까운 사람들의 역사와 운명을 추적할 수 있는 감정적인 캔버스를 만들었습니다. 작가 자신은 이 그림을 비꼬듯 정물화라고 불렀다. 죽은 자연을 묘사하고 있기 때문이다. "전쟁의 신격화"의 모든 세부 사항은 죽음과 공허에 대해 비명을 지르고 있으며 이는 지구의 노란색 배경에서도 볼 수 있습니다. 그리고 하늘의 푸른색은 오직 죽음만을 강조합니다. 전쟁의 공포에 대한 아이디어는 두개골의 총알 구멍과 세이버 자국으로 강조됩니다.
그랜트 우드 "아메리칸 고딕"이 작은 그림은 가로 74cm, 세로 62cm로 1930년에 제작되었으며 현재 시카고 미술관에 보관되어 있습니다. 사진은 그 중 가장 유명한 예지난 세기 미국 미술. 이미 우리 시대에는 " 아메리칸 고딕"는 언론에서 자주 언급됩니다. 사진에는 다소 우울한 아버지와 딸이 묘사되어 있습니다. 수많은 세부 사항에서 이 사람들의 심각성, 금욕주의 및 골화에 대해 알 수 있습니다. 그들은 불만족스러운 얼굴을 가지고 있으며 사진 중앙에는 공격적인 갈퀴가 있습니다. 그리고 부부의 옷은 당시 기준으로 보아도 구식이다. 농부의 옷 솔기가 갈퀴 모양을 반복하고 있어 그의 삶의 방식을 침해하려는 사람들에 대한 위협이 두 배로 커진다는 사실을 자세히 연구할 수 있다. 한 때 시카고 아트 인스티튜트(Chicago Art Institute)에서 열린 대회에서 그 그림이 유머러스한 것으로 받아들여졌던 것이 흥미롭다. 보기 흉한 각도. 여자의 모델은 우드의 여동생이었지만 화난 남자의 원형은 화가의 치과의사였다.
르네 마그리트 <연인>.이 그림은 1928년 캔버스에 유채로 그려졌습니다. 이 경우 두 가지 옵션이 있습니다. 그 중 한 남자와 여자는 키스를 하고 있는데 머리만 흰 천으로 싸여 있다. 그림의 다른 버전에서는 연인들이 보는 사람을 바라봅니다. 놀라움과 매혹을 동시에 끌어내는 것. 얼굴 없는 인물은 사랑의 맹목성을 상징한다. 연인들은 주변에 아무도 보이지 않는 것으로 알려져 있지만 우리는 그들을 볼 수 없습니다. 진정한 감정. 서로에게도 감정에 눈이 먼 이 사람들은 사실 미스터리다. 그리고 그림의 주요 메시지는 분명해 보이지만 <연인>은 여전히 그들을 바라보며 사랑에 대해 생각하게 만든다. 일반적으로 마그리트의 그림은 거의 모두 풀 수 없는 퍼즐이다. 결국 이 그림들은 우리 삶의 의미에 대한 주요 질문을 제기합니다. 그 안에서 작가는 우리가 보는 것의 환상적 성격, 우리 주변에 우리가 눈치 채지 않으려는 신비한 것들이 많이 있다는 사실에 대해 이야기합니다.
마크 샤갈 <걷기>.이 그림은 1917년에 캔버스에 유화로 그려졌으며 현재는 주에 보관되어 있습니다. 트레차코프 갤러리. 그의 작품에서 마크 샤갈은 대개 진지하지만 여기서는 자신의 감정을 표현했습니다. 그림은 작가의 개인적인 행복을 표현하며 사랑과 우화로 가득 차 있습니다. 그의 '산책'은 샤갈이 자신의 아내 벨라를 옆에 그린 자화상이다. 그가 선택한 사람은 하늘로 솟아 오르고 있으며, 그녀는 이미 땅을 거의 떠난 예술가를 신발 끝으로 만지고 그곳으로 끌고 가려고합니다. 남자의 다른 손에는 가슴이 있습니다. 샤갈은 자신의 행복을 이렇게 표현했다고 할 수 있습니다. 그는 사랑하는 여자의 형태로 하늘에 파이를 가지고 있고 손에는 새를 가지고 있는데 이는 그의 창의성을 의미합니다.
히에로니무스 보쉬 "세상적인 즐거움의 정원". 389x220cm 크기의 이 캔버스는 스페인 법학 박물관에 보관되어 있습니다. 보쉬는 1500년에서 1510년 사이에 나무에 유화를 그렸습니다. 이것은 Bosch의 가장 유명한 삼부작입니다. 그림은 세 부분으로 구성되어 있지만 풍만한 느낌을 표현하는 중앙 부분의 이름을 따서 명명되었습니다. 주변의 의미 이상한 그림끊임없는 논쟁이 있습니다. 유일하게 올바른 해석으로 인식되는 해석은 없습니다. 삼부작에 대한 관심은 많은 이유로 인해 발생합니다. 작은 부품, 주요 아이디어를 표현합니다. 여기에는 반투명한 형상이 있고, 특이한 건물, 괴물, 악몽, 환상이 현실이 되고 지옥 같은 현실이 변합니다. 작가는 이 모든 것을 날카롭고 예리한 시선으로 바라볼 수 있었고, 서로 다른 요소들을 하나의 캔버스에 결합할 수 있었습니다. 일부 연구자들은 그림에서 인간 삶의 반영을 보려고 노력했지만 저자는 이것이 헛된 것으로 나타났습니다. 다른 사람들은 사랑의 이미지를 발견했고, 다른 사람들은 풍만함의 승리를 발견했습니다. 그러나 저자가 육체적 쾌락을 미화하려고 했는지는 의심스럽다. 결국 인간의 모습은 냉철한 초연함과 단순함으로 묘사된다. 그리고 교회 당국은 보쉬의 이 그림에 상당히 호의적인 반응을 보였습니다.
구스타프 클림트 <여성의 세 시대>.로마 국립 미술관에서 현대 미술이 사진이 위치해 있어요. 폭 180cm의 정사각형 캔버스는 1905년 캔버스에 유채로 그려졌습니다. 이 그림은 기쁨과 슬픔을 동시에 표현하고 있다. 작가는 한 여성의 삶 전체를 세 인물로 보여줄 수 있었다. 첫 번째 아이는 아직 어린아이인데 굉장히 태평해요. 성숙한 여인은 평화를 표현하고, 마지막 시대는 절망을 상징합니다. 동시에 중년생활 패턴에 유기적으로 짜여져 있으며, 오래된 것은 배경에 비해 눈에 띄게 돋보입니다. 젊은 여성과 나이 많은 여성의 뚜렷한 대조는 상징적입니다. 삶의 번영이 수많은 가능성과 변화를 동반한다면, 마지막 단계는 뿌리 깊은 불변성과 현실과의 갈등이다. 그런 그림은 눈길을 끌며 작가의 의도와 그 깊이를 생각하게 한다. 그것은 필연성과 변화를 지닌 생명의 모든 것을 담고 있습니다.
에곤 쉴레 <가족>. 152.5x162.5cm 크기의 이 캔버스는 1918년에 유채로 그린 것입니다. 현재는 비엔나 벨베데레에 보관되어 있습니다. 실레의 스승은 클림트 자신이었지만, 그 학생은 자신만의 표현 방식을 찾아 부지런히 그를 따라하려고 하지 않았다. 쉴레의 작품은 클림트의 작품보다 훨씬 더 비극적이고, 무섭고, 이상하다고 자신있게 말할 수 있습니다. 오늘날 일부 요소는 포르노라고 불리며, 다양한 변태가 있으며, 자연주의는 모든 아름다움에 존재합니다. 동시에 그림에는 말 그대로 일종의 아픈 절망이 스며 듭니다. 실레의 정점과 그 자신의 창의성 마지막 사진"가족"입니다. 이 그림에서는 절망이 극에 달한 반면, 작가에게는 작품 자체가 가장 이상하지 않은 것으로 판명되었습니다. 실레의 임신한 아내가 스페인 독감으로 사망한 후, 그가 죽기 직전에 이 걸작이 탄생했습니다. 두 번의 죽음 사이에 불과 3일이 지났는데, 이는 예술가가 자신의 아내와 그의 모습을 묘사하기에 충분했습니다. 태어난 아이. 당시 Shila의 나이는 고작 28세였습니다.
프리다 칼로 <두 명의 프리다>.그림은 1939년에 태어났습니다. 멕시코 예술가 Frida Kahlo는 Salma Hayek과 함께 그녀를 다룬 영화가 개봉된 후 유명해졌습니다. 주연. 작가의 작품은 자화상을 바탕으로 이루어졌습니다. 그녀는 이에 대해 “혼자 있는 시간이 많고, 내가 가장 잘 아는 주제이기 때문에 직접 글을 쓴다”고 설명했다. 프리다의 어떤 그림에서도 웃지 않는다는 점이 흥미롭다. 그녀의 얼굴은 진지하고, 심지어 어딘가 슬퍼 보이기도 한다. 융합된 두꺼운 눈썹과 압축된 입술 위의 거의 눈에 띄지 않는 콧수염은 최대한의 진지함을 표현합니다. 그림의 아이디어는 프리다를 둘러싼 인물, 배경 및 세부 사항에 있습니다. 그림의 상징성은 다음과 같습니다. 국가 전통멕시코는 고대 인도 신화와 밀접하게 얽혀 있습니다. "두 명의 프리다"는 가장 유명한 작품 중 하나입니다. 최고의 그림멕시코인. 그 안에 독창적인 방식으로단일 순환계를 가지고 남성성과 여성성의 원리가 표현됩니다. 따라서 작가는 이 두 반대의 통일성과 완전성을 보여주었습니다.
클로드 모네 "워털루 다리. 안개의 효과."상트페테르부르크 에르미타주 미술관에서는 모네의 이 그림을 볼 수 있습니다. 1899년 캔버스에 유채로 그린 작품이다. 그림을 자세히 살펴보면 굵은 획이 적용된 보라색 점으로 나타납니다. 그러나 캔버스에서 멀어지면 관객은 캔버스의 모든 마법을 이해합니다. 먼저 화면 중앙을 가로지르는 모호한 반원이 보이고, 배의 윤곽이 나타난다. 그리고 몇 미터 떨어진 곳에서도 논리적 체인으로 연결된 그림의 모든 요소를 이미 볼 수 있습니다.
잭슨 폴록 "1948년 5번". Pollock은 추상 표현주의 장르의 고전입니다. 그의 가장 유명한 그림단연 세계에서 가장 비싸다. 그리고 예술가는 1948년에 그것을 그렸습니다. 유성 페인트바닥에 240x120cm 크기의 섬유판 위에. 2006년 이 그림은 소더비에서 1억 4천만 달러에 팔렸습니다. 이전 소유주이자 수집가이자 영화 제작자인 David Giffen은 이 작품을 멕시코 금융가 David Martinez에게 매각했습니다. Pollock은 이젤, 페인트, 붓과 같은 친숙한 예술가 도구에서 벗어나기로 결정했다고 말했습니다. 그의 도구는 막대기, 칼, 국자 및 흐르는 페인트였습니다. 그는 또한 그것을 모래와 혼합하여 사용했습니다. 깨진 유리. 만들기 시작합니다. Pollock은 자신이 무엇을 하고 있는지도 깨닫지 못한 채 영감에 빠져 있습니다. 그래야만 완전한 것이 무엇인지 깨닫게 됩니다. 동시에 예술가는 이미지를 파괴하거나 실수로 변경하는 것을 두려워하지 않습니다. 그림은 자신의 삶을 살기 시작합니다. Pollock의 임무는 그것이 태어나고 나오도록 돕는 것입니다. 그러나 주인이 자신의 창조물과의 접촉을 잃으면 그 결과는 혼란과 더러움이 될 것입니다. 성공하면 그림은 순수한 조화, 영감을 쉽게 받고 구현하는 것을 구현하게 됩니다.
호안 미로 "배설물 앞에 선 남자와 여자."이 그림은 현재 스페인에 있는 화가의 재단에 보관되어 있습니다. 1935년 10월 15일부터 22일까지 단 일주일간 동판에 유채로 그린 것이다. 창조물의 크기는 23x32cm에 불과합니다. 이렇게 도발적인 이름에도 불구하고 그림은 공포를 말합니다. 남북 전쟁. 따라서 작가 자신은 스페인에서 일어난 그 해의 사건을 묘사했습니다. 미로는 불안한 모습을 보여주려고 노력했다. 그림 속에서는 움직이지 않는 남자와 여자가 서로에게 끌리는 모습을 볼 수 있습니다. 캔버스는 불길한 독꽃으로 가득 차 있으며, 확대된 성기와 함께 고의적으로 역겹고 역겹게 섹시해 보입니다.
Jacek Yerka "침식".이 폴란드 신초현실주의자의 작품에서는 서로 얽혀 있는 현실의 그림이 탄생합니다. 새로운 현실. 어떤 면에서는 감동적인 그림조차도 매우 세밀합니다. 여기에는 보쉬(Bosch)에서 달리(Dali)에 이르기까지 과거 초현실주의자들의 메아리가 담겨 있습니다. Yerka는 분위기 속에서 자랐습니다. 중세 건축 2차 세계대전의 폭격에도 기적적으로 살아남은 작품입니다. 그는 대학에 입학하기도 전부터 그림을 그리기 시작했다. 그들은 그의 스타일을 더 현대적이고 덜 상세한 스타일로 바꾸려고 노력했지만 Yerka 자신은 개성을 유지했습니다. 오늘은 특이한 그림폴란드뿐만 아니라 독일, 프랑스, 모나코, 미국에서도 전시되었습니다. 그들은 전 세계 여러 컬렉션에 있습니다.
Bill Stoneham의 손이 그를 저항합니다. 1972년에 그린 이 그림은 회화의 고전이라고는 할 수 없다. 그러나 그것이 예술가들의 가장 이상한 창조물 중 하나라는 것은 의심의 여지가 없습니다. 그림에는 소년이 묘사되어 있고, 그 옆에는 인형이 서 있고, 그 뒤에 있는 유리에 수많은 손바닥이 눌려져 있습니다. 이 그림은 이상하고 신비롭고 다소 신비롭습니다. 이미 전설로 무성해졌습니다. 이 그림 때문에 누군가가 죽었으나 그림 속의 아이들은 살아 있다고 합니다. 그녀는 정말 소름 끼치는 것 같습니다. 이 그림이 정신이 아픈 사람들에게 두려움과 끔찍한 환상을 불러일으킨다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. Stoneham 자신은 5살 때 자신의 그림을 그렸다고 확신했습니다. 소년 뒤에 있는 문은 현실과 꿈의 세계 사이의 장벽이다. 인형은 아이를 한 세계에서 다른 세계로 데려갈 수 있는 안내자입니다. 손은 대안적인 삶, 즉 인간의 능력이다. 이 사진은 2000년 2월에 유명해졌습니다. 그것은 유령이 나온다는 주장과 함께 eBay에 판매되었습니다. 그 결과 'Hands Resist Him'이 킴 스미스에게 1,025달러에 구입되었습니다. 곧 구매자는 문자 그대로 보낸 편지로 넘쳐났습니다. 무서운 이야기그림과 관련되어 이 그림을 파괴하라고 요구합니다.