이 기사는 극동 예술 운동의 일부 경향의 형성과 그것이 지역 미술의 독특한 특징 발전에 미치는 영향을 이해하는 데 전념하고 있습니다. 극동 지역의 문체적 특징 미술교육, 현대 사회 문화적 배경의 발전에 대한 차이점과 영향. 현대 미술 교육의 문체 경향에 대한 지역의 일반적인 문화 발전 수준의 의존성. 개별 졸업생에게 전달된 Veniamin Goncharenko와 Nikolai Zhogolev의 교육의 특정 문체적 특징이 강조됩니다.
예술적 창의성의 문체 방향
프리모르스키 지방
미술교육
1. Glinshchikov A.V., Obukhov I.B., Popovich N.A., Chugunov A.M. 극동 주립 예술 아카데미. 추억과 재료. – 2007. – 2호. – P. 54–86.
2. Glinshchikov A.V., Obukhov I.B., Popovich N.A., Chugunov A.M. 극동 주립 예술 아카데미. 추억과 재료. – 2012. – 3호. – P. 97–114.
3. 케이건 M.S. 예술의 사회적 기능 / M.S. 케이건 / 지식. – 1978. –S. 34.
4. 칸디바 V.I. Primorye의 예술가. – L.: RSFSR의 아티스트. – 1990. – P. 126.
5. 몰레바 N.M. 뛰어난 러시아 예술가-교사 / N.M. 몰레바. – M.: 깨달음. – 1991. – P. 147–158.
이 기사에서 선택한 주제의 관련성은 예술 교육이 지역 예술 생활의 중요한 연결 고리라는 사실에 의해 결정됩니다. 예술 지식인의 생산계와 소비계의 전반적인 예술적 준비 수준은 그 발전 정도에 따라 달라집니다. 미술 교육은 한편으로는 예술적 기술을 가르치는 전통을 형성하고, 다른 한편으로는 지역 미술의 독특한 특징을 발전시키는 데 기여합니다.
Primorye의 현대 미술 교육은 체인의 새로운 기관을 포함하여 활발히 발전하고 있습니다. 추가 교육, 전문 기관, 대학.
동시에 극동 예술 학교 발전의 역사가 어느 정도 연구되었는지에 대한 의문이 제기됩니다. 이 주제, 아직 충분하지 않습니다. 안에 최근에극동 미술에 관한 작품이 등장하고 논문이 옹호됩니다 (Zotova O.I., Levdanskaya N.A.). 그러나 극동 지역 미술 발전에 대한 전체적인 그림은 아직 형성되지 않았습니다.
현대의 러시아 문화국가 존재 초기부터 그 특징이었던 몇 가지 중요한 특징, 즉 지리적 분산, 결과적으로 지역이 서로 멀리 떨어져 있음, 모든 정치 제도 발전의 총 구심력 경향이 있습니다. 이러한 특징은 국가의 분열에 직접적인 영향을 미쳐 여러 지역에서 인위적인 문화적 고립을 초래합니다.
비슷한 지역으로 러시아 연방 Primorsky Krai도 포함할 수 있습니다. 극동의 문화적 고립 문제는 정부 기관이 채택한 문서 "2025년까지 극동 및 바이칼 지역의 사회 경제적 발전 전략"에서도 언급되었습니다.
블라디보스토크의 문화층이 얇아지는 문제를 직접적으로 살펴본 결과, 우리는 객관적인 결론을 내릴 수 있었다. 국경을 초월한 조건, 러시아 문화의 문화 중심지 및 고전 미술 기념물과의 엄청난 거리에서 발전하는 블라디보스토크시의 예술 문화는 항구 도시의 특정 조건에서 예술적, 시각적 모방을 발전시키는 경향이 있습니다. 극동 예술 아카데미 학생 및 졸업생의 창의력 기술.
이것은 이해할 수 있습니다. 예술가의 독립적인 표현 스타일을 찾는 일은 복잡하고 오랜 시간이 걸립니다. 삶의 물질적 측면에서 추상화를 요구하는 작가의 스타일은 현대 작가의 존재 조건에서는 달성하기 어렵습니다.
이와 관련하여 많은 지역 예술가들이 자신의 서사 스타일을 발전시키는 과정에서 다음을 선택합니다. 가장 쉬운 방법, 그의 진술에서 예술적으로 호소 표현기법그들의 교사는 동시에 지역에 독창적인 미술 스타일을 창조합니다.
극동 예술 교육 연구소는 상대적으로 젊기 때문에 창립자들과 동시대인 우리는 연구소의 직계 창립자들과 지휘봉을 잡은 후계자들의 예를 통해 그 발전을 쉽게 추적할 수 있습니다. “극동 회화 학교”의 전통.
Veniamin Goncharenko와 Nikolai Zhogolev는 극동 예술 및 교육 학교의 최초 창립자 중 한 명이라고 할 수 있습니다. 극동 국립 예술 아카데미의 첫 학생들에게 예술 분야를 가르치는 데 창작 경력의 상당 부분을 바친 이들은 전문 예술가극동 지역의 회화 및 교육 시스템이 미래에 성장하는 기반이되었습니다.
전문 분야를 가르치는 방법론에 큰 공헌을 한 예술가 겸 화가 Veniamin Goncharenko는 러시아 예술가 연합 회원이자 명예 예술가이며 이름을 딴 회화 및 건축 연구소를 졸업했습니다. I. E. Repin, 회화 학부, B.V. 워크숍 Ioganson. 1974년부터 1993년까지 - 극동 교육학 연구소의 총장. 극동 예술 교육 연구소의 총장인 Veniamin Alekseevich는 예술 교육 및 육성 문제에 관한 여러 기사를 출판했습니다.
Nikolai Pavlovich Zhogolev는 미술 교육 발전에서 똑같이 중요한 역할을했습니다. 러시아 연방의 명예 예술가이며 블라디보스토크 미술 학교와 국립 회화, 조각 및 건축 연구소를 졸업했습니다. 즉. 인물 구성, 초상화, 정물의 유명한 대가인 레핀(Repin).
교육 방법론의 관점에서 볼 때 특수 학문의 대가들은 그들이 고수했던 러시아 현실 학교의 전통을 넘어서지 못했습니다. 기초에 대한 심층적인 연구에 특별한 관심을 기울였습니다. 구성 구성, 학문적 그림그리고 그림. 극동예술사범대학 미술학과가 창립된 이래로 표준 프로그램 계획에 따라 특수학과의 교육이 진행되어 왔다.
동시에, 같은 상트페테르부르크 학교의 예술가들의 워크숍이 점차 새롭고 권위 있는 특징을 형성하기 시작했습니다. Veniamin Goncharenko의 학생들은 임파스토 회화의 조각적 가능성으로 적극적으로 전환하여 종종 빛의 관점을 깨고 고전적 사실주의에서 순수한 인상주의로 이동했지만 Zhogolev 워크숍의 학생들은 색점에 대한 숙달을 완벽하게 연마했습니다. " 명함"그들의 창의성은 지속 가능한 구성의 대담한 색상 솔루션이 특징입니다.
미술사학자들은 그림에 대한 피상적인 분석을 통해 학생들이 코스 마스터의 시각적 서술을 빌리는 것에 대해 이야기할 수 있습니다. 작가의 예술적 언어의 특징은 상당히 안정적이고 작가의 형상-의미 체계가 형성되는 과정에서 발전해 나가기 때문에 작가의 예술적 언어의 특징을 반영한다. 창의적인 길, 그들은 도상학적 방법을 사용하여 매우 간단하게 읽혀집니다.
점차적으로 교육 과정예술적인 표현수단인 회화의 전통을 받아들이고, 끊임없이 공예로 이어지는 학문의 기계적인 반복에서 벗어나 영향을 동화시키는 메커니즘이라고 할 수 있는 것이 나타난다.
한 미술 학교의 두 석사의 지도력 아래 두 가지 예술적 라인, 두 가지 방향이 형성되고 있으며, 각 학생들은 이러한 방향의 틀 내에서 명확하게 형성된 비유적 표현 시스템을 사용하여 작품을 운영합니다.
Veniamin Goncharenko 워크샵의 졸업생들은 간결한 팔레트에 대한 욕구, 더 적은 색상으로 작업하고 더 다양한 색조에 초점을 맞추려는 욕구를 보여줍니다. 그림을 그리는 전통에는 발레르(valers)의 작업을 통해 색채를 감정적으로 채우는 것이 포함됩니다. 이 학교에서 형태는 가벼운 공기의 볼륨으로 인식됩니다.
따라서 워크숍 졸업생 V.A. Goncharenko 1976 Sidor Andreevich Litvinov와 Yuri Valentinovich Sobchenko는 극동 국립 예술 아카데미에서 수년 동안 가르쳤으며 현재 한 세대 이상을 졸업했습니다. 유명한 예술가. 현재까지 교육학적 전통 Ilya Ivanovich Butusov는 Veniamin Goncharenko의 워크샵에서 계속해서 연습하고 있습니다.
예를 들어 V.A. 의 작업에서 블라디보스토크 풍경의 인상주의 팔레트가 있습니다. Goncharenko(“항구의 빛”, 캔버스에 유채, 2008, 840x1040mm, Arka 현대 미술 갤러리)는 Ilya Butusov(“빛의 축제”, 캔버스에 유채, 2008, 1160x1300mm) 학생의 작품으로 변형되었습니다. , 개인 소장품). 안개 뒤에 숨겨진 해변, 배, 건물의 동일한 윤곽은 주민들에게 매우 사랑받는 블라디보스토크시의 공중 관점을 재현합니다.
선생님과 학생이 그린 이 그림들은 색상과 내용이 매우 유사합니다. 이것이 예술적 창의성의 한 방향, 한 줄이라는 인상을 받습니다.
Nikolai Zhogolev 워크숍의 졸업생들은 약간 다른 예술적 표현을 보여줍니다. 그들의 작품에서는 간결한 색 반점과 밝은 색 환경의 부드러움의 조합이 분명한 그림과 그래픽의 의도적인 수렴이 분명하게 보입니다. 빛과 공기의 관점을 전달하는 문제는 캔버스 내에서 통일된 사운드를 가져오는 색상 대비를 통해 해결됩니다. 이 워크샵 대표자들의 작품에서 장식적인 그림을 그리는 경향을 볼 수 있습니다.
그의 작품에 대한 Nikolai Zhogolev의 창의적인 접근 방식(“Evening in Novorossiya”, 캔버스에 유채, 1995, 1490x1500mm, 개인 소장품)은 특별하고 향상된 광도와 색상 표현력으로 쉽게 알아볼 수 있습니다. 극동 회화 학교의 전통적 부재, 빛과 그림자 모델링, 고조된 색상 관계, 자연에서 빌린 모티프, 색상의 도움으로만 공간 구성 - 특징작업에서 직관적으로 야수파를 지향하는 Nikolai Zhogolev 워크숍 졸업생을 위한 것입니다. 그림의 장식성을 강조하는 형태의 유사한 평면적 해석은 Zhogol 워크숍 졸업생인 Dyo Son Yong(“눈”, 캔버스, 아크릴, 2012, 110x140mm, 개인 소장품), Alexey Fomin( “Surf”, 캔버스, 유채, 2011, 500x700mm, 개인 소장품), Nikolay Lagirev (“Golden Horn Bay”, 캔버스에 유채, 2010, 610x350mm, 개인 소장품). 지난 10년 동안 Fomin A.E. Lagirev N.N.은 블라디보스토크 미술 학교의 교사로 학생들의 초기 예술적 및 문체 특성을 형성합니다.
교사와 학생의 창의성 스타일 사이의 유사점은 다른 이름으로 그릴 수 있습니다. 그러나 이것이 중요한 것은 아닙니다. 많은 재능 있는 학생들이 교사의 창의력에 의지하여 자신만의 창의력 라인을 창조하고 자신만의 독특한 작가의 해변 스타일을 창조했습니다. 이러한 해변 스타일에 대한 연구는 중요한 과제인 것 같다.
쌀. 1. 베니아민 곤차렌코 “항구의 빛”, 캔버스에 유채, 2008, 840x1040mm, 현대 미술관 “아치”
쌀. 2. 일리아 부투소프 “빛의 축제”, 캔버스에 유채, 2008, 1160x1300mm, 개인 소장품
쌀. 3. 니콜라이 조골레프 “노보로시아의 저녁”, 캔버스에 유채, 1995, 1490x1500mm, 개인 소장품
쌀. 4. 도손연 <눈>, 캔버스에 아크릴, 2012, 110x140mm, 개인소장
쌀. 5. Lagirev Nikolay “Golden Horn Bay”, 캔버스에 유채, 2010, 610x350mm, 개인 소장품
쌀. 6. 포민 알렉세이 “서프”, 캔버스에 유채, 2011, 500x700mm, 개인 소장품
60년대에 등장한 예술 운동은 계속해서 미술 교육과 교육에 큰 영향을 미치고 있습니다. 문화적 수준프리모르스키 지방.
어제 극동국립예술아카데미 미술과 졸업생들이 '모교'를 떠나 교사가 되어 현대 화가들을 후대에 물려주고 있다 시각적 전통그들의 선생님.
이처럼 극동 미술교육의 초석을 다진 대가들은 극동 미술교육의 발전뿐 아니라 해안 현대 미술의 본래 모습도 결정했다.
참고문헌 링크
카타나예바 D.A. 극동 지역의 예술 방향 형성에 대한 몇 가지 추세 // 국제 응용 및 기초 연구 저널. – 2016. – 8-4호. – 페이지 639-642;URL: https://applied-research.ru/ru/article/view?id=10143 (접근 날짜: 2019년 10월 28일). 출판사 "자연 과학 아카데미"에서 발행하는 잡지에 주목합니다.
예술의 작은 역사. 극동의 예술. Vinogradova N.A., Nikolaeva N.S.
M .: 1979.-374p.
이 볼륨" 작은 역사예술"은 극동 국가의 예술에 전념하고 있습니다. 이는 소련 연구원 N. Vinogradova와 N. Nikolaeva의 펜에 속합니다. 전통적으로 극동으로 지정된 광대한 영토에는 활기차고 독창적인 문화문학, 철학, 철학 분야에서 인간 천재성의 뛰어난 작품을 남긴 , 미술. 중국, 한국, 일본, 몽골의 건축, 조각, 회화, 장식공예 등의 재료를 사용하여 고대부터 19세기 말까지의 연대적 틀을 망라한 저자는 극동 국가의 미술이 , 역사적, 문화적 과정에서 고립되지 않고 가장 일반적인 법칙에 종속되는 동시에 세계 예술의 독립적 현상을 나타냅니다. 이 책에는 동기표, 사전, 참고문헌 등 과학적인 장치가 갖추어져 있습니다. 컬러와 톤으로 풍부한 그림을 그려냈습니다.
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콘텐츠
6 Y. S. Nikolaev의 서문
9 중국 N.A. 비노그라도바
10 소개
16 고대의 예술과 고대 시대(기원전 4천년 - 서기 3세기)
31 4~6세기 미술
47 7~13세기 미술
117 XIII-XIV 세기 말의 예술
125 XIV-XIX 세기 말의 예술
153 한국 N. A. 비노그라도바
154 소개
158 가장 오래되고 고대 시대의 예술(기원전 3000년~기원전 1세기)
163 삼국시대 미술 – 고구려, 백제, 신라(기원전 1세기~서기 7세기)
177 8~9세기 예술. 통일신라시대
189 X-XIV 세기의 예술. 고려시대
196 제14조 - 초기 XIX세기
207 일본 N. S. 니콜라예바
208 소개
211 가장 오래되고 고대 시대의 예술(기원전 4천년~서기 6세기)
220 6~8세기 미술
242 9~12세기 미술
263 XIII-XV 세기의 예술
289 16세기~17세기 초 미술
306 17~19세기 후반 미술
329 몽골 N.A. 비노그라도바
330 소개
333 고대 및 고대 시대의 예술
337 봉건 시대의 예술 (XIII - XX 세기 초)
353개의 애플리케이션
354 용어집
357 동기 테이블
367 간략한 참고문헌
371 이름 색인
예술가와 건축가
이 책은 고대부터 19세기까지 중국, 한국, 일본, 몽골 민족의 예술사를 다루고 있습니다. 수천 년에 걸쳐 전통적으로 극동으로 지정된 광대한 영토에서 활기차고 독창적인 문화가 발전하여 문학, 철학, 미술 및 건축 분야에서 인간 천재의 뛰어난 작품을 남겼습니다.
책에서 다룬 내용이 길다. 역사적 기간고대와 중세의 서로 다른 유형의 문화를 연속적으로 대체하는 두 가지가 포함됩니다. 이미 고대에 극동 지역 사람들은 영적, 정신적으로 중요한 기념물을 만들었습니다. 물질문화. 그러나 인류 문화에 대한 그들의 주요 공헌은 중세 시대에 만들어진 뛰어난 회화, 조각, 건축 및 장식 예술 작품입니다.
보도 자료
V 극동겨울축제
극동 55주년 주립 연구소기예
2017년에 극동국립연구소는 창립 55주년을 맞이했습니다.
음악, 연극, 회화의 세 가지 유형의 예술을 결합한 러시아 최초의 대학이 극동 교육학 연구소로 창설되었습니다. 창립 30주년(1992년)에 극동국립예술원으로 명칭을 바꾸었으며, 2000년에 학원으로, 2015년에 다시 극동국립예술원으로 명칭을 바꾸었다.
음악가, 예술가, 연극 예술가 및 감독의 공동 훈련에서 공통 또는 관련 분야, 충분한 기회, 예를 들어 오페라 등 음악, 회화, 연극이 결합된 종합 예술 분야에서 창의적 상호 소통을 풍요롭게 하는 분야를 개척하고 있습니다.
문화부는 새로운 대학 설립을 진지하게 받아들였습니다. 모스크바 주립 음악원에 음악 교수진을 후원하라는 해당 명령이 내려졌습니다. 차이코프스키; ~ 위에 연극부– 주립 연구소 연극 예술그들을. 루나차르스키; 미술 학부-회화, 조각 및 건축 연구소. 레피나. 게다가 이 교육 기관자금 이젤, 미술 서적, 학술 작품, 그림용 고대 머리 모형, 악기, 악보 및 도서관 도서를 무료로 할당하라는 명령을 받았습니다. 중등 교육 기관 - 극동 교육학 연구소에 충분한 수의 지원자를 확보합니다.
예술 연구소의 창립은 프리모르스키 지역과 극동 지역 전체의 문화 생활에서 하나의 사건이 되었습니다. 극장, 오케스트라, 학교 및 대학 교사, 예술가를 위한 우수한 인력을 양성하는 것이 가능해졌습니다.
극동 예술 분야의 고등 교육의 기초는 중앙 대학의 졸업생 인 우수한 교사들에 의해 마련되었습니다 : 모스크바 음악원 : V.A. 구터먼, M.R. Dreyer, V.M. Kasatkin, E.A. Kalganov, A.V. 레닌그라드 음악원 졸업생: A.S. Vvedensky, E.G. 우린슨; 우랄 음악원 - A.I. Zhilin, Odessa 음악원 - S.L. Yaroshevich, GITIS - O.I. 스타로스틴과 B.G. 레닌그라드 미술대학을 졸업한 쿨네프. Repina V.A. 음악 교수진은 연구소의 계획에 따라 음악원, 미술 부서의 일반적인 계획에 따라 공부하기 시작했습니다. Surikov, 극장-학교 계획에 따라. Shchepkina.
극동국립예술대학은 처음부터 현재까지 극동 지역 전문 음악, 연극, 예술 교육의 중심지였습니다. 연구소는 3단계 미술 교육 시스템(어린이 미술 학교 – 대학 – 창의 대학)을 만들었습니다.
어린이 미학 센터 "World of Art", 어린이 미술 학교;
음악대학;
대학: 전문, 학사, 석사, 대학원 및 조교 인턴십 프로그램; 추가 프로그램고급 교육 및 전문 재교육.
연구소에는 음악(음악원), 연극, 미술의 세 가지 학부가 포함되어 있으며, 1998년부터 외국학과가 설립되었습니다.
극동국립예술대학(Far Eastern State Institute of Arts) - 극동대학교 공동논문심의회 D 999.025.04 회원 연방대학교(전문 분야 17.00.02 - 음악 예술(미술사) 및 24.00.01 - 문화 이론 및 역사(미술사와 문화 연구).
연구소의 과학적이고 창의적인 활동은 광범위하고 다양합니다. 다음은 가장 중요한 프로젝트 중 일부입니다:
“러시아 극동 및 아시아 태평양 국가의 문화: 동서양” – 연례 과학 컨퍼런스
I 및 II 전 러시아 음악 대회(지역 무대).
젊은 음악가-연주자들의 국제 콩쿠르 “뮤지컬 블라디보스토크”
"아트 블라디보스토크" -극동, 러시아, APEC 국가의 학생과 젊은 예술가들의 창작 작품을 선보이는 국제 전시 대회입니다.
음악 이론 주제의 전 러시아 올림피아드 "세계 음악 문화의 걸작"직업학생을 위한 교육 기관그리고 어린이 미술 학교.
지역창작학교 '시어터 프리보이'
"극동 지역의 도시 거주자와 정착촌을 대상으로 한 젊은 음악가, 연주자, 국제 콩쿠르 수상자 데뷔."
교사를 위한 고급 교육문화 예술 분야의 교육 기관 및 중등 학교 "예술 아카데미".
I 극동콩쿠르-팝음악축제.
어린이 창의력의 지역 축제.
극동겨울예술축제
극동 경쟁 수행 기술어린이 음악 학교와 어린이 미술 학교의 교사를 위한 "황금 열쇠". G.Ya.Nizovsky.
I 국제 러시아-중국 어린이 예술 축제 "동양 만화경".
극동 독서대회 “내 사랑은 나의 러시아”
지역 현대음악 연주자 콩쿠르.
경쟁 최고의 성능 20세기 후반 작곡가들의 작품
"Tkachev 독서"-이름을 딴 독서 대회 러시아 연방 인민 예술가 L.A. Tkachev, "연극적 희망"
"플레인 에어"
Disklavier를 사용하는 원격 마스터 클래스.블라디보스토크 - 모스크바.
« 역사에서 창의적인 학교예술 연구소: 기원, 전통, 뛰어난 교사...".
현재 크리에이티브 팀:
심포니 오케스트라 – VII 극동 콩쿠르 그랑프리 우승자 기악"메트로놈".
민속악기 오케스트라- 2005년부터 2007년까지 젊은 음악가 연주자 "뮤지컬 블라디보스토크"의 IV 및 V 국제 콩쿠르에서 1등상을 수상했으며 V 그랑프리 우승자입니다. 전 러시아 경쟁그들을. N.N. 칼리니나 (상트페테르부르크, 2009)
학술 합창단 –지역 대회 '노래하는 바다' 수상자, VI 국제 콩쿠르 '뮤지컬 블라디보스토크' 그랑프리 우승자.
앙상블 실내악"콘서톤" -국제 콩쿠르의 수상자. Shenderev (1997, 3위), II 베이징 국제 콩쿠르 (1999, 2위).
러시아 기악 삼중주 '블라디보스토크' 1990년 창립 이후 동일한 구성으로: 러시아 연방 명예 예술가 Nikolai Lyakhov(발랄라이카), Alexander Kapitan(아코디언), Sergei Arbuz(발랄라이카-더블 베이스).
수상자: 국제 대회의 이름을 따서 명명되었습니다. G. Shendereva (러시아, 1997 - 은상 졸업장); 제17회 국제 콩쿠르 “그랑프리”(프랑스, 비슈빌레, 1997 – 그랑프리 및 금메달); II 버튼 아코디언 연주자 국제 대회(중국, 베이징, 1999 - 1위); 제38회 버튼 아코디언 연주자 국제 콩쿠르(독일, 클링엔탈, 2001 - 3위).
오페라 스튜디오– “뮤지컬 블라디보스토크” 국제 콩쿠르 1위 수상자 (2014, 2016)
트리오 "Expecto" -하얼빈(중국, 2014년, 1위), 카스텔피다르도(이탈리아, 2015년, 1위, "금메달") 버튼 아코디언 연주자 국제 콩쿠르 수상자.
4중주 "콜라주"하얼빈 버튼 아코디언 연주자 국제 대회 수상자(중국, 2016년, 1등)
트리오 "오리엔트"수상자 국제 경쟁 Lanciano(이탈리아, 2014년, 1위).
문화발전에 크게 기여한 졸업생,
예술과 예술교육
음악학자, 미술사 박사: 러시아 국립 교육대학교 교수. 헤르젠 E.V. Hertsman, 상트페테르부르크 음악원 교수, Karelia U Gen-Ir의 명예 예술가, 모스크바 국립 음악원 교수. P.I. 차이코프스키 R.L. 포펠로프 러시아 과학아카데미 교수. 그네시니크 E.M. Alkon, FEFU G.V. 예술, 문화 및 스포츠 대학 미술학과 교수 모스크바 국립 문화 연구소 교수 Alekseeva N.I. Efimova, 교수, 연기 모스크바 국립 음악원 철학, 역사, 문화 및 예술 이론 학과장입니다. A.G. 슈니트케 A.G. Alyabyev, FEGII O.M. 교수 Shushkova, Yu.L. 피덴코.
공연 음악가: 러시아 연방 명예 예술가, 앙상블 "Dzhang" N.I. Erdenko, 러시아 연방의 명예 예술가, 오케스트라 지휘 학과장, 러시아 음악 아카데미 교수. 그네시니크 B.S. Raven, 러시아 연방 명예 예술가, F.G. 칼만(Kalman), 러시아 연방 명예 예술가, A.K. 주장, 국제콩쿠르 수상자, 사하공화국(야쿠티아) 명예예술가, 관현악과 교수 고등학교사카 공화국 음악(야쿠티아)(연구소)의 이름을 따서 명명됨. V.A. 보시코바 O.G. Kosheleva.
배우: 러시아 연방 인민 예술가 A. Mikhailov, S. Stepanchenko, Y. Kuznetsov, S. Strugachev, 수상자 국가상 V. Priemykhov, 러시아 연방 V. Tsyganova의 명예 예술가; 러시아 연방 인민 예술가, 연해주 지역 배우 드라마 극장그들을. 연기 기술과 교수 A.P. 슬라브스키, V. N. Sergiyakov, 인민예술가러시아 연방, 문화 분야 러시아 정부상 수상자, 예술감독 M. Gorky E.S.의 이름을 딴 Primorsky Regional Academic Theatre Zvenyatsky, 명예 예술가 A.I. Zaporozhets, S. Salakhutdinova.
러시아 연방 S.A.의 명예 예술가 리트비노프, S.M. 체르카소프, I.I. 던케이.
우리는 콘서트에 모두를 초대합니다
V 극동겨울예술축제,
콘서트에 대한 정보는 웹사이트 www.dv-art.ru에 있습니다.
드미트리 보로프스키, 1998년 5월
예술: 극동: 개요
전통적으로 극동이라고 불리는 거대한 지역에는 중국, 일본, 한국, 몽골, 티베트가 포함됩니다. 이들 국가는 유사한 특징이 많지만 동시에 문화에는 상당한 차이가 있습니다.
극동의 모든 국가는 중국과 인도의 고대 문명의 영향을 경험했으며, 기원전 1천년에 철학적, 종교적 가르침이 생겨나 자연을 포괄적인 우주로 생각하는 토대를 마련했습니다. 그리고 자신의 법칙에 따라 살아가는 영적인 유기체입니다.
자연은 중세 시대 전반에 걸쳐 철학적, 예술적 탐구의 중심에 있었으며 자연의 법칙은 보편적인 것으로 간주되어 사람들의 삶과 관계를 결정했습니다. 자연의 다양한 표현에 비해 내면의 세계사람. 이것은 우화적인 시적 언어를 정의하면서 시각 예술의 상징적 방법의 발전에 영향을 미쳤습니다. 중국에서는 일본과 한국이 영향을 미쳤다. 비슷한 태도예술의 종류와 장르는 자연과 관련하여 형성되었으며, 건축 앙상블, 주변 풍경과 긴밀하게 연결되어 원예 예술이 탄생했고 마침내 풍경화의 여명이 일어났습니다.
고대 인도 문명의 영향으로 불교가 퍼지기 시작했고, 몽골과 티베트에도 힌두교가 퍼지기 시작했습니다. 이러한 종교 체계는 극동 지역에 새로운 사상을 가져왔을 뿐만 아니라 예술 발전에도 직접적인 영향을 미쳤습니다. 불교 덕분에 이전에 알려지지 않은 조각과 회화의 새로운 예술적 언어가 지역 모든 국가에 등장하여 앙상블이 만들어졌으며 그 특징은 건축과 미술의 상호 작용이었습니다.
조각과 회화에서 불교 신을 묘사하는 특징은 우주, 도덕 법칙 및 인간 운명에 대한 아이디어를 표현하는 특별한 상징 언어로 수세기에 걸쳐 발전했습니다. 이러한 방식으로 많은 민족의 문화적 경험과 영적 전통이 통합되고 보존되었습니다. 불교 미술의 이미지는 선과 악, 자비, 사랑, 희망의 대결 아이디어를 구현했습니다. 이러한 모든 특성은 극동 예술 문화의 뛰어난 창작물의 독창성과 보편적 중요성을 결정했습니다.
예술: 일본
일본은 태평양 섬들에 위치하고 있으며 아시아 대륙의 동부 해안을 따라 북쪽에서 남쪽으로 뻗어 있습니다. 일본 열도지진과 태풍이 자주 발생하기 쉬운 지역에 위치하고 있습니다. 섬 주민들은 끊임없이 경계하고 겸손한 생활에 만족하며 집과 가정을 신속하게 복원하는 데 익숙합니다. 자연재해. 사람들의 안녕을 끊임없이 위협하는 자연 재해에도 불구하고 일본 문화는 주변 세계와의 조화에 대한 열망, 크고 작은 것에서 자연의 아름다움을 보는 능력을 반영합니다. 일본 신화에서는 신의 배우자인 이자나기와 이자나미가 세상 모든 것의 조상으로 여겨졌습니다. 그들로부터 태양의 여신 아마테라스, 달의 여신 츠키요미, 폭풍과 바람의 신 스사노오의 삼신이 탄생했습니다. 고대 일본인의 생각에 따르면 신은 눈에 보이는 모습이 없었지만 태양과 달뿐만 아니라 존경받는 산과 바위, 강과 폭포, 나무와 허브에서도 자연 자체로 구현되었습니다. 영혼-카미(단어 카미일본어로 번역하면 신성한 바람). 이러한 자연의 신격화는 중세 전체에 걸쳐 지속되었으며 다음과 같이 불렸습니다. 신도 - 신들의 길, 일본의 국교가 됨; 유럽인들은 이를 신토이즘(Shintoism)이라고 부른다.태생 일본 문화고대에 뿌리를 두고 있다. 최초의 예술 작품은 기원전 4~2천년까지 거슬러 올라갑니다. 일본 미술이 가장 길고 가장 풍요로운 시기는 중세(6~19세기)였습니다.
예술: 일본: 건축: 전통 일본 가옥
17~18세기에 개발된 일본 전통 가옥의 디자인입니다. 3개의 이동식 벽과 1개의 고정식 벽이 있는 나무 프레임입니다. 벽은 지지대 역할을 하지 않으므로 분리하거나 제거할 수 있으며 동시에 창 역할도 할 수 있습니다. 따뜻한 계절에는 벽이 빛이 들어오는 반투명 종이로 덮인 격자 구조였으며, 춥고 비가 오는 날에는 나무 패널로 덮거나 교체했습니다. 일본 기후의 습도가 높기 때문에 집은 아래에서 환기되어야 합니다. 따라서 지지 기둥이 썩는 것을 방지하기 위해 지면에서 60cm 높이로 돌 기초 위에 설치했습니다.
경량 목재 프레임은 필요한 유연성을 갖추고 있어 국가에서 빈번한 지진이 발생할 때 충격의 파괴력을 줄였습니다. 지붕, 타일 또는 갈대는 비와 뜨거운 여름 태양으로부터 집의 종이 벽을 보호하는 큰 돌출부를 가지고 있었지만 겨울, 초봄 및 여름의 낮은 태양 광선을 차단하지는 않았습니다. 늦가을. 지붕 캐노피 아래에는 베란다가 있었습니다.
거실 바닥은 매트로 깔아두었어요 - 다다미, 사람들은 대부분 서기보다는 앉았습니다. 따라서 집의 모든 비율은 앉아있는 사람을 향했습니다. 집에는 영구적인 가구가 없었기 때문에 그들은 낮에는 옷장에 넣어 두었던 특별한 두꺼운 매트리스 위에서 바닥에서 잠을 잤습니다. 그들은 낮은 테이블에 매트 위에 앉아 식사를 했고, 다양한 활동을 하기도 했습니다. 종이나 실크로 덮은 미닫이식 내부 칸막이는 필요에 따라 내부 공간을 분할할 수 있어 더욱 다양하게 활용이 가능했지만, 집 안에서는 거주자 각자가 완전한 프라이버시를 누릴 수 없어 내부 공간에 영향을 미쳤다. 일본 가족의 가족 관계, 그리고 그 이상 일반적인 의미에서- 기능에 대해 국민적 성격일본어.
중요한 세부 사항집에서 - 고정된 벽에 위치한 틈새 - 도코나마, 그림이 걸려 있거나 꽃꽂이(꽃꽂이)가 서 있을 수 있는 곳입니다. 그것은 집의 영적 중심지였습니다. 틈새 시장의 장식은 집 주민들의 개별적인 특성, 취향 및 예술적 성향을 드러냈습니다.
일본 전통 가옥의 연속이었습니다. 정원. 울타리 역할을 하는 동시에 집을 환경과 연결해 줍니다. 집의 외벽이 떨어지면서 집 내부와 정원의 경계가 사라지고 자연과의 친밀감과 직접적인 소통이 만들어졌습니다. 그것은 중요한 특징국가적 태도. 그러나 일본의 도시는 성장하고 정원의 크기는 줄어들었으며, 집과 자연 세계를 연결하는 역할을 하는 꽃과 식물의 작은 상징적 구성으로 대체되는 경우가 많았습니다.
미술: 일본: 꽃꽂이
꽃병에 꽃을 꽂는 예술 - 꽃꽂이 (꽃의 일생) - 다음으로 돌아갑니다. 고대 관습신의 제단에 꽃을 바치는 행위는 6세기에 불교와 함께 일본에 전파되었습니다. 대부분의 경우 구성은 당시 스타일입니다. 리카 (꽃 공급) - 고대 청동 그릇에 장착 된 소나무 또는 사이프러스 가지와 연꽃, 장미, 수선화로 구성됩니다.10~12세기 세속문화의 발달과 함께 귀족계급 대표자들의 궁궐과 주거지에 꽃그림이 설치되었다. 부케 준비를 위한 특별 대회가 황실에서 인기를 끌었습니다. 15세기 후반에는 꽃꽂이 예술의 새로운 방향이 나타났으며, 그 창시자는 대가였습니다. 이케노보 센에이. 이케노보파의 작품은 특별한 아름다움과 정교함으로 구별되었으며, 집 제단에 설치되어 선물로 바쳐졌습니다.
16세기에 확산되면서 다도틈새 시장을 장식하기 위해 특별한 유형의 꽃꽂이가 형성되었습니다. 도코노마차 파빌리온에서. 단순성, 조화, 절제에 대한 요구 사항 색상 범위는 차 숭배의 모든 대상에 적용되었으며 꽃 디자인에도 확장되었습니다. 차바나 (다도용 꽃꽂이). 유명한 차 마스터 센노 리큐새롭고 자유로운 스타일을 창조했습니다 - 나게이레 (아무렇게나 놓아둔 꽃), 비록 이 스타일의 이미지의 특별한 복잡성과 아름다움이 놓여 있는 것은 바로 명백한 무질서에 있었습니다. 나게이레의 한 유형은 소위 쓰리바나(tsuribana)로, 식물을 매달린 배 모양의 그릇에 넣었습니다. 이러한 구성은 "인생의 넓은 바다로의 출구"를 상징하기 때문에 직책을 맡거나 학업을 마치는 사람에게 제시되었습니다.
17~19세기에는 꽃꽂이 예술이 널리 퍼졌고 소녀들에게 꽃다발을 준비하는 기술을 의무적으로 훈련시키는 관습이 생겼습니다. 그러나 꽃꽂이의 인기로 인해 구성은 단순화되었고 엄격한 스타일 규칙은 포기되어야 했습니다. 리카찬성 나게이레, 또 다른 새로운 스타일이 탄생했습니다. 세이카또는 쇼카 (신선한 꽃). 19세기 말에 주인은 오하라 우신스타일을 만들어냈다 모리바나, 주요 혁신은 꽃이 넓은 그릇에 배치되었다는 것입니다.
꽃꽂이 구성에는 원칙적으로 하늘, 땅, 인간의 세 가지 원칙을 나타내는 세 가지 필수 요소가 있습니다. 꽃, 가지, 풀로 구현될 수 있습니다. 서로의 관계 및 추가 요소는 스타일과 내용이 다른 작품을 만듭니다. 작가의 임무는 아름다운 구성을 만드는 것뿐만 아니라 인간의 삶과 세상에서 자신의 위치에 대한 자신의 생각을 가장 완벽하게 전달하는 것입니다. 뛰어난 꽃꽂이 명인의 작품은 희망과 슬픔, 정신적 조화와 슬픔을 표현할 수 있습니다.
전통에 따르면 꽃꽂이에서는 계절이 항상 재현되며 식물의 조합은 일본에서 잘 알려진 상징적 소원을 형성합니다. 소나무와 장미-장수; 모란과 대나무 - 번영과 평화; 국화와 난초 - 기쁨; 목련 - 영적 순결 등..
미술: 일본: 조각: 네츠케
미니어처 조각품인 네츠케(netsuke)는 18세기와 19세기에 장식 및 응용 예술의 한 유형으로 널리 퍼졌습니다. 그 모습은 일본의 민족 의상인 기모노에 주머니가 없고 필요한 모든 작은 품목(파이프, 담배 주머니, 약 상자)이 없기 때문입니다. 등.)은 균형추 키체인을 사용하여 벨트에 부착됩니다. 따라서 Netsuke에는 원하는 물체를 부착하는 데 도움이 되는 코드용 구멍이 반드시 있어야 합니다. 예전에는 막대기나 단추 형태의 열쇠고리를 사용했지만, 18세기 말부터 이미 유명한 명인들이 네츠케 제작에 참여하여 작품에 서명을 했습니다.
Netsuke는 도시 계급, 대중 및 민주주의의 예술입니다. 네츠케의 주제를 바탕으로 마을 사람들의 영적 필요, 일상적 관심사, 도덕 및 관습을 판단할 수 있습니다. 그들은 종종 소형 조각품에 묘사되는 영혼과 악마를 믿었습니다. 그들은 “칠복의 신”의 인형을 좋아했는데, 그중 가장 인기가 있었던 것은 부의 신 다이코쿠와 행복의 신 후쿠로쿠였습니다. 네츠케의 끊임없는 주제는 다음과 같습니다: 내부에 많은 씨앗이 들어 있는 갈라진 가지 - 큰 수컷 자손에 대한 소원, 두 마리의 오리 - 상징 가족의 행복. 수많은 네츠케가 헌신하고 있습니다. 일상적인 주제그리고 도시의 일상. 이들은 여행하는 배우와 마술사, 노점상, 다양한 활동에 종사하는 여성, 방황하는 승려, 레슬링 선수, 심지어 일본의 관점에서 볼 때 이국적인 옷을 입은 네덜란드인(챙이 넓은 모자, 캐미솔 및 바지)입니다.
주제의 다양성으로 구별되는 netsuke는 열쇠고리로서의 원래 기능을 유지했으며, 이 목적은 장인들에게 깨지기 쉬운 돌출 부분이 없고 둥글며 촉감이 좋은 컴팩트한 모양을 지시했습니다. 이것은 또한 재료 선택과 관련이 있습니다. 매우 무겁지 않고 내구성이 뛰어나며 한 조각으로 구성됩니다. 가장 일반적인 재료는 다양한 종류의 목재, 상아, 도자기, 래커 및 금속이었습니다.
예술: 일본: 회화 및 그래픽
일본화는 내용뿐만 아니라 형태도 매우 다양합니다. 벽화, 스크린 페인팅, 실크와 종이에 만든 수직 및 수평 두루마리, 앨범 시트 및 부채 등이 있습니다.
고대 그림은 서면 문서의 참고 자료를 통해서만 판단할 수 있습니다. 가장 먼저 살아남은 사람 뛰어난 작품헤이안 시대(794..1185)에 속합니다. 작가 무라사키 시키부의 유명한 '겐지 왕자 이야기'의 삽화입니다. 삽화는 여러 개의 가로 두루마리에 만들어졌으며 텍스트로 보완되었습니다. 이는 예술가 후지와라 타카요시(12세기 전반)의 붓에 기인합니다.
귀족 계급의 다소 좁은 범위에 의해 만들어진 그 시대 문화의 특징은 아름다움에 대한 숭배, 물질적 및 영적 삶의 모든 표현에서 고유의 매력, 때로는 파악하기 어렵고 파악하기 어려운 것을 찾으려는 열망이었습니다. 나중에 야마토에(문자 그대로 번역됨)라는 이름을 받은 당시의 그림 일본화), 행동이 아니라 마음의 상태를 전달했습니다.
단호하고 용감한 무사계급의 대표자들이 집권하면서 헤이안 시대 문화는 쇠퇴하기 시작했습니다. 두루마리 그림에는 서사적 요소가 확립되었습니다. 극적인 에피소드로 가득 찬 기적의 전설, 불교 설교자의 전기, 전사의 전투 장면 등이 있습니다.
14~15세기에는 선종 가르침의 영향을 받아 특별한 관심산수화는 자연을 향해 발전하기 시작했습니다(처음에는 중국 모델의 영향을 받아).
한 세기 반 동안 일본 예술가중국어를 마스터하다 예술적 시스템, 단색 만들기 풍경화유산 국립 예술. 가장 높은 개화는 Sesshu라는 가명으로 더 잘 알려진 뛰어난 거장 오다 토요 (1420..1506)의 이름과 관련이 있습니다. 그의 풍경에서 그는 검은 잉크의 가장 좋은 음영만을 사용하여 자연의 모든 다채로운 세계와 그 무수한 상태, 즉 이른 봄의 습기로 가득 찬 대기, 보이지 않지만 느껴지는 바람과 추위를 반영했습니다. 가을 비, 움직이지 않는 겨울의 얼어붙음.
16세기는 3세기 반 동안 지속된 소위 중세 말기의 시대를 엽니다. 이때에는 나라의 통치자와 큰 봉건 영주의 궁전을 장식하는 벽화가 널리 퍼졌습니다. 회화의 새로운 방향의 창시자 중 한 명은 16세기 후반에 살았던 유명한 거장 가노 에이토쿠(Kano Eitoku)였습니다. 18, 19세기에 성행했던 목판화(목판화)는 중세 미술의 또 다른 유형이 되었습니다. 판화는 풍속화와 마찬가지로 우키요에(일상 세계의 그림)라고 불렸습니다. 그림을 만들고 완성된 시트에 자신의 이름을 쓴 작가 외에 조각가와 인쇄공도 판화 제작에 참여했습니다. 처음에는 조각이 단색이었지만 예술가 자신이나 구매자가 손으로 채색했습니다. 그러다가 2색 인쇄가 발명되었고, 1765년에 예술가 스즈키 하루노부(1725..1770)가 최초로 다색 인쇄를 사용했습니다. 이를 위해 조각가는 특별히 준비된 세로 절단 보드(배, 체리 또는 일본 회양목으로 만든)에 패턴이 있는 트레이싱 페이퍼를 놓고 잘라냅니다. 필요한 수량조각의 색 구성표에 따라 인쇄 보드. 때로는 30개가 넘는 경우도 있었습니다. 그 후 프린터는 원하는 색상을 선택하여 특수 용지에 인쇄했습니다. 그의 기술은 서로 다른 나무판에서 얻은 각 색상의 윤곽을 정확히 일치시키는 것이었습니다.
모든 판화는 두 그룹으로 나뉘었습니다: 일본 배우를 묘사한 연극 판화 고전극가부키는 다양한 역할과 일상생활을 통해 그들의 삶의 아름다움과 장면을 묘사합니다. 연극 판화의 가장 유명한 대가는 배우의 얼굴을 클로즈업하여 묘사한 토슈샤이 샤라쿠(Toshushai Sharaku)로, 그들이 연기한 역할의 특징, 극중 캐릭터로 환생한 사람의 특징인 분노, 공포, 잔인함을 강조했습니다. , 배신.
스즈키 하루노부(Suzuki Harunobu)와 기타가와 우타마로(Kitagawa Utamaro)와 같은 뛰어난 예술가들은 일상생활 조각에서 유명해졌습니다. 우타마로는 국가적 아름다움의 이상을 구현한 여성 이미지의 창시자였습니다. 그의 여주인공들은 잠시 얼어붙은 듯했다가 이제 부드럽고 우아한 움직임을 이어갈 것입니다. 하지만 이 멈춤은 머리 기울임, 손짓, 인물의 실루엣이 그들이 살아가는 감정을 전달하는 가장 표현적인 순간입니다.
가장 유명한 스승판화는 뛰어난 예술가 가쓰시카 호쿠사이(1776..1849)의 작품입니다. 호쿠사이의 작품은 수백년 된 일본의 회화 문화를 기반으로합니다. 호쿠사이는 3만 점 이상의 그림을 그렸고 약 500권의 책에 그림을 그렸습니다. 이미 일흔 살이 된 호쿠사이는 중요한 작품- "후지 36경" 시리즈는 그를 세계 미술계의 가장 뛰어난 예술가들과 동등하게 만들 수 있습니다. 후지산을 보여줌 - 국가 상징일본-여러 곳에서 호쿠사이는 처음으로 조국의 이미지와 사람들이 하나로 뭉친 이미지를 드러냅니다. 작가는 사람의 단순한 감정, 일상 활동에서 시작하여 주변 자연의 요소와 아름다움으로 끝나는 모든 다양한 표현에서 삶을 단일 과정으로 보았습니다. 수백년에 걸친 민족 예술의 경험을 흡수한 호쿠사이의 작품은 예술 문화 중세 일본, 훌륭한 결과입니다.
예술: 일본: 정보 출처
마이크로소프트 엔카르타 97 백과사전 세계영어판. 마이크로소프트사, 레드먼드, 1996;
인터넷 자원(월드와이드 웹)
"어린이를 위한 백과사전", 6권("세계의 종교"), 2부. Avanta+ 출판사, 모스크바, 1996년;
"어린이를 위한 백과사전", 7권("예술"), 제1부. Avanta+ 출판사, 모스크바, 1997년;
백과사전 "세계 민족의 신화". 출판사 " 소련 백과사전", 모스크바, 1991.
미술: 일본: 용어집
조각- 보다 그래프, 여기서 이미지는 나무, 리놀륨, 금속, 돌로 만든 보드에 적용된 디자인의 인쇄된 인쇄물입니다. 나무, 리놀륨, 판지에 이미지 자체 등..
꽃꽂이( "진짜 꽃") - 꽃다발을 준비하는 일본 예술. 꽃다발 자체는 꽃꽂이의 원리에 따라 편집되었습니다.
콘도(골든홀) - 본당불교 일본 수도원 단지; 나중에 혼도(Hondo)로 알려지게 되었습니다.
카이쥬마- 뷔 일본 건축신사의 거대한 박공 지붕; 짚이나 사이프러스 나무 껍질로 만들고 나중에는 타일로 만듭니다.
목판화 - 조각나무에.
N´ 에스케- 상아, 나무 또는 기타 재료로 만든 소형 입상 작은 물건 (예 : 지갑)을 벨트에 부착하는 열쇠 고리 역할을했습니다. 일본 민족 의상에 속합니다.
탑- 극동 국가의 불교 건축과 동남아시아다층식 기념탑- 성물함홀수(행운의) 수의 계층이 있습니다.
아르 자형´ 임파- 17~18세기 일본화 학교; 쪽으로 끌렸다 문학 과목지난 세기; 전달 서정적 경험영웅.
성물함- 유물을 보관하는 용기.
티아니바(“다원”) - 일본 건축에서 다도와 관련된 정원 - 당기는; 차관인 차시츠와 하나의 앙상블을 이룬다.
티아노´ 유(“다도”) - 일본의 영적 삶에서 사람들의 단결을 위한 철학적, 미학적 의식으로, 사람들이 번잡한 일상 생활에서 벗어나도록 도와줍니다.
우키요에(“일상 세계의 사진”) – 일본화 학교 목판화 17..19세기, 도시 인구의 삶과 관심을 반영; 15~16세기 풍속화의 전통을 이어받았다.
하니와(“점토 원”) – 고대 일본의 장례용 도자기; 생산 방법의 이름을 따서 명명되었습니다. 손으로 성형한 점토 고리를 다른 고리 위에 얹습니다. 새벽 기간 - 5..6 세기.
야마토´ 음(“일본화”) - 10세기부터 11세기까지 일본 미술에서 독립적인 방향으로 반대 중국화; 중세 일본 이야기, 소설, 일기의 줄거리가 재현되었습니다. 실루엣, 밝은 색상의 반점, 금색과 은색 반짝임이 표현적으로 결합되었습니다.
일본 미술, 7/7페이지