조지아 순진한 예술. 순진한 예술 스타일의 그림!!! 순진함은 단순함을 의미합니다.

Anna Silivonchik은 1980년 고멜시에서 태어났습니다. 1992년부터 1999년까지 공화당 예술 학교 (벨로루시 민스크)에서 공부했습니다. 1999-2007 - 벨로루시 국립 예술 아카데미, 민스크 이젤 회화과에서 훈련. 1999년부터 - 지역 및 공화당 전시회 참가. 제4회 타슈켄트 국제현대미술비엔날레 디플로마(2007).

현재 민스크에 거주하며 작업하고 있습니다.

벨로루시의 젊은 화가들 사이에서 그녀는 독특하고 독창적인 작가의 스타일과 특별한 이미지 세계의 창조로 인해 당연히 밝은 인물로 간주됩니다. 안나의 미적 지침의 원천은 20세기 초 원시주의자들의 순진한 예술인 샤갈의 환상적인 사실주의와 물론 민속 예술, 공예 및 민속학에서 찾아야 합니다.


안나는 유화라는 전통적인 기법을 사용하면서도 작품마다 특별히 선택한 캔버스의 질감과 패턴을 사용하여 다양한 시각 매체를 끊임없이 실험합니다. 아주 미묘한 색감과 세심한 선, 세심한 디테일이 어떤 분위기를 아주 정확하게 표현해줍니다.

우리는 경의를 표해야 합니다. 작가의 작품에는 미묘한 유머가 스며들어 관객에게 강한 감정적 자극을 주고, 은유적 성격이 강렬하여 예상치 못한 많은 연관성을 불러일으킵니다.

작품은 벨로루시 민스크 현대미술관과 러시아 및 해외 개인 소장품에 소장되어 있습니다.

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순진한 예술

20세기에는 이전에는 전혀 예술로 간주되지 않았던 한 가지 현상이 점점 더 많은 관심을 끌기 시작했습니다. 이것은 소위 아마추어 예술가의 작품입니다. 주말 예술가. 그들의 작업은 순진주의(naivism) 또는 원시주의(primitivism)라고 불린다. 처음으로 진지하게 받아들인 순진한 사람은 프랑스 세관원이었습니다. 앙리 루소(1844 – 1910), 은퇴 후 회화에 전념했다. 그의 그림은 일상생활의 사건이나 먼 나라, 사막, 열대 우림의 환상으로 가득 찬 이미지를 묘사했습니다. 많은 후기 순진주의자들과는 달리, 루소는 거짓 없이 순진했고, 자신의 소명을 믿었으며, 의심할 여지 없이 서툴고 무기력하며 재미있는 인간과 동물의 모습으로 그림을 그렸습니다.

그는 미래에도 관심이 없었습니다. 하지만 그의 그림 속 색의 조합은 아름답고, 단순함과 자연스러움이 큰 매력을 선사한다. 이것은 이미 세기 초에 순진주의를 최초로 지지한 피카소가 이끄는 입체파에 의해 발견되었습니다.

일생 동안 결코 인정을 받지 못한 또 다른 뛰어난 순진주의자는 그루지야 사람이었습니다. 니코 피로스마나슈빌리 (1862 – 1918).

독학한 이 예술가의 그림에서 우리는 동물, 풍경, 평범한 사람들의 삶(노동, 축제 잔치, 공정한 장면 등)을 볼 수 있습니다. 피로스마나슈빌리 작품의 강점은 웅장한 색상 범위와 뚜렷한 조지아 국가 정체성입니다.

파리 나이브 미술관

대부분의 순진한 사람들은 외딴 곳, 작은 마을이나 마을에 살면서 그림을 공부할 기회가 없지만 창작에 대한 열망으로 가득 찬 사람들입니다. 기술적으로 무력한 나비스트의 작품에서도 고급 예술이 추구하는 감정의 신선함이 보존되어 있기 때문에 나비즘은 전문 예술가들에게도 매력을 느꼈습니다.

미국에서 순진주의의 운명은 주목할 만하다. 19세기에 이미 있었습니다. 그는 진지하게 받아들여졌고 순진주의자들의 작품은 박물관 소장품으로 수집되었습니다. 미국에는 미술 학교가 거의 없었고 유럽의 위대한 미술 중심지는 멀리 떨어져 있었지만 아름다움에 대한 사람들의 욕구와 생활 환경을 예술에 담으려는 욕구는 약해지지 않았습니다. 해결책은 아마추어의 예술이었습니다.






박물관 섹션의 출판물

나이브 아트 가이드

순진한 예술이나 비전문 예술가의 예술은 갤러리 소유자나 미술 평론가의 관심을 거의 받지 못합니다. 그러나 단순하고 개방적인 순진한 예술가의 작품은 인정받는 대가의 그림보다 덜 극적이고 예술적으로 중요할 수도 있습니다. 포털 "Culture.RF"의 자료에서 순진한 예술이 무엇인지, 그리고 그것을 따라가는 것이 흥미로운 이유에 대해 읽어보세요..

Naive는 단순하다는 뜻이다.

알렉산더 에멜리아노프. 자화상. 2000년대. 개인 소장품

블라디미르 멜리코프. 분기. 1989. 개인소장

소박한 예술은 전문 교육을 받지 않은 예술가들이 동시에 체계적이고 지속적으로 회화에 참여하는 작품입니다. 순진한 자체에서는 아트 브뤼 또는 외부 예술, 즉 정신과 진단을받은 예술가의 예술과 같은 별도의 방향을 구분할 수 있습니다.

미술 평론가에게 매우 중요한 질문은 순진한 예술가와 아마추어를 구별하는 방법입니다. 그러한 예술가의 작품을 평가하는 기준은 일반적으로 작품의 독창성과 품질입니다. 작가 자신의 성격도 큰 역할을합니다. 그는 자신의 삶을 예술에 바쳤습니까, 그의 작품 (회화, ​​그래픽, 조각)에서 무언가를 말하려고 노력 했습니까?

첫 번째는 순진하다.

순진한 예술은 항상 존재해 왔습니다. 암벽화, 구석기 시대 조각, 심지어 고대 쿠로스와 카리아티드까지 - 이 모든 것이 원시주의 방식으로 이루어졌습니다. 순수 예술의 독립 운동으로서 순진한 예술의 출현은 하룻밤 사이에 일어난 것이 아닙니다. 이 과정은 한 세기 이상이 걸렸고 19세기 말에 끝났습니다. 이 혁신적인 운동의 선구자는 독학으로 공부한 프랑스 예술가 앙리 루소(Henri Rousseau)였습니다.

Rousseau는 오랫동안 세관에서 봉사했으며 이미 성인이 되어 직업을 그만두고 그림을 진지하게 받아들였습니다. 그는 처음으로 1886년 파리 독립 전시회에 자신의 작품 일부를 전시하려고 했으나 조롱을 받았습니다. 그리고 20세기 초에는 루소의 대담한 스타일을 높이 평가한 로베르 들로네를 비롯한 유명한 아방가르드 예술가들을 만났습니다. 아방가르드 예술가들은 종종 루소와 같은 독창적인 화가들을 "끌어내어" 그들이 발전하도록 도왔고 심지어 그들의 작품과 자신의 예술적 탐색에 대한 비전에서 영감을 얻었습니다. 곧 Rousseau의 작품에 대한 수요가 높아지기 시작했습니다. 대중은 그의 주제, 특히 그의 색상 작업의 독창성을 높이 평가했습니다.

러시아에서는 예술가 미하일 라리오노프(Mikhail Larionov)가 주최한 1913년 "타겟(Target)" 전시회에서 순진한 예술이 대중 앞에 모습을 드러냈습니다. 예술가이자 미술사가인 Kirill Zdanevich 형제와 Ilya Zdanevich 형제가 조지아에서 가져온 Niko Pirosmani의 작품이 처음으로 전시된 곳입니다. 이번 전시 이전에 대중은 아마추어 미술이 대중적인 판화나 민화 이상의 것이 될 수 있다는 사실을 전혀 몰랐습니다.

순진한 특성

니코 피로스마니. 소자슈빌리의 초상화. 1910년대. 모스크바 현대 미술관

니코 피로스마니. 부활절 달걀을 가진 여자. 1910년대 모스크바 현대 미술관

순진한 거장의 작품은 기쁨의 분위기와 일상 생활에 대한 열정적인 시각, 밝은 색상과 세부 사항에 대한 관심, 허구와 현실의 결합으로 결합되는 경우가 많습니다.

아마도 Niko Pirosmani와 Soslanbek Edziev를 제외한 국내 순진한 예술의 많은 고전은 ZNUI 학교-통신 인민 예술 대학을 거쳤습니다. Nadezhda Krupskaya의 이름을 딴 미술 과정을 기반으로 1960년에 설립되었습니다. Robert Falk, Ilya Mashkov, Kuzma Petrov-Vodkin 및 기타 존경받는 작가들이 그곳에서 가르쳤습니다. 순진한 사람들에게 기술적 능력은 물론 업무에 대한 전문적인 의견을 얻을 수 있는 기회를 제공한 것은 ZNUI에서의 훈련이었습니다.

각각의 순진한 예술가는 특정한 고립 속에서 예술가로 형성되고, 자신의 생각과 스타일의 틀 안에 영원히 갇혀 있으며, 평생 동안 다양하고 영원한 주제를 가지고 작업할 수 있습니다. 따라서 1980년대와 1990년대 후반의 Pavel Leonov의 작품은 크게 다르지 않습니다. 유사한 구성, 유사한 캐릭터, 동일한 현실 인식, 어린이의 인식에 가깝습니다. 페인트의 품질이 좋아지고 캔버스의 규모가 커지고 있다는 점만 빼면 말이죠. 대다수의 순진주의자에 대해서도 마찬가지입니다. 그들은 특히 중요한 사교 행사에 반응합니다. 시간에 따라 스타일을 바꾸지 않고 작품에 시대의 새로운 물질적 징후를 추가합니다. 예를 들어 고전적인 순진한 Vladimir Melikhov와 같습니다. 그의 작품 '분단'은 소련 여성의 운명을 훌륭하게 보여줍니다. 이 그림은 문자 그대로 동시에 두 장소에 있는 여성을 묘사합니다. 한 손으로는 공장에서 일하고, 다른 한 손으로는 아이를 간호하고 있습니다.

순진한 테마

파벨 레오노프. 자화상. 1960. 모스크바 현대 미술관

파벨 레오노프. 수확. 1991. 모스크바 현대미술관

Naivists는 출생과 죽음, 사랑, 집 등 모든 사람에게 가까운 보편적인 인간 주제로 전환합니다. 예술가들은 상징이나 숨겨진 의미를 탐구하지 않고 가능한 한 간단하게 자신을 흥분시키는 아이디어를 표현하려고 노력하기 때문에 그들의 작품은 항상 이해할 수 있습니다.

순진한 예술가의 첫 번째 강한 인상 중 하나는 도시, 사회 환경으로의 출구입니다. 일반적으로 시골에 사는 순진주의자들은 도시를 이상화하는 경향이 있습니다. 그들은 거리와 광장을 밝고 통풍이 잘 되며 고풍스러운 곳으로 묘사합니다. 특히 Elfriede Milts와 같은 예술가들은 기술 혁신, 특히 모스크바 지하철에서 영감을 받았습니다.

순진한 예술의 또 다른 일반적인 주제는 사람의 이미지, 즉 초상화, 특히 자화상으로 간주될 수 있습니다. Naivists는 자신의 성격, 자신의 외모, 주변 사람들의 모습이라는 프리즘을 통해 세상을 탐험하는 방법을 가지고 있습니다. 그들은 또한 사람의 내면 세계가 외모에 어떻게 반영되는지에도 관심이 있습니다. 따라서 초상화 장르의 작품은 시청자에게 순진주의자를 거의 개인적으로 알 수 있고 예술가가 자신을 인식하는 방식으로 그들을 알 수 있는 기회를 제공합니다. 예를 들어, 현대 예술가 Alexander Emelyanov의 자화상은 자신의 내면 세계에서 순진주의자들의 고립을 보여줍니다. 그는 자신을 자신이 다루는 이미지와 주제의 모음으로 묘사합니다.

순진한 예술의 거의 모든 고전은 어린 시절의 주제를 어떤 식 으로든 해석합니다. Naivists는 항상 어린이로 남아 있으므로이 아이디어와 관련된 감동적이고 자발적인 작품은 과거의 어린이와 여전히 예술가의 영혼 속에 살고있는 현재의 어린이 사이의 일종의 접촉점이됩니다. 순진한 사람들은 거의 어린이의 이미지로 자신을 그리지 않는다는 점은 주목할 만합니다. 그들은 주변 세계, 다른 어린이의 초상화, 동물 이미지, 즉 알파벳에서 볼 수 있는 것에 집중합니다.

스베틀라나 니콜스카야. 스탈린이 사망했습니다. 1997. 모스크바 현대미술관

알렉산더 로바노프. 소련 문장 아래 타원형 틀에 담긴 자화상. 1980. 모스크바 현대 미술관

순진한 예술의 다음 중요한 주제는 잔치의 주제입니다. 예술가들은 정물화, 축제, 결혼식 및 축제를 그리는 것을 좋아합니다. 특히 Niko Pirosmani, Pavel Leonov 및 Vasily Grigoriev의 그림에서 자주 볼 수 있는데, 이들에게 축제는 신성한 성찬의 의미를 갖습니다. 사랑의 향연, 즐거움의 향연, 가족의 향연 등 모든 예술가는 이 주제에서 매우 개인적이고 가치 있는 것을 발견합니다. 가정을 테마로 하여 평화, 편안함, 안전을 상징하는 가족 난로입니다. Pavel Leonov의 작품에서 소비에트 현실은 항상 기쁨, 휴일 및 퍼레이드와 연관되어 있습니다. Leonov는 심지어 그의 작업을 즐겁고 밝게 묘사합니다.

그러나 순진한 예술이 항상 목가적인 것은 아닙니다. 예를 들어, 아웃사이더 예술이나 아트 브뤼는 관객에게 막연하고 불안한 느낌을 주는 경우가 많습니다. 이 작품에는 조화롭고 완전한 세계가 없습니다. 예술가들은 대부분 하나의 모티브나 주제에 집중하고 이를 각 작품에 재현합니다. 고전적인 아웃사이더 예술인 Alexander Lobanov의 경우 그러한 대상은 Mosin 소총이었습니다. Lobanov 자신은 결코 소총을 발사하지 않았으며 그의 작품에는 전쟁, 잔인 함, 고통이 포함되어 있지 않습니다. 이 아이템은 그의 작품 대부분에 나타나는 활발한 소비에트 상징주의와 마찬가지로 권력의 구체화인 유물과 같습니다.

예술가의 주요 철학적 주제는 탄생과 죽음입니다. Naivists는 육체적, 개인적 인간의 탄생을 신격화하고 그것을 일반적인 생명의 신성한 기원과 비교합니다. 그리고 그들은 그 사람에 대해 남아있는 기억과 고통의 관점에서 사람의 이탈을 인식합니다. 예를 들어, Svetlana Nikolskaya의 그림에서 진한 빨간색 배경과 회색 대비를 입은 사람들은 자신의 생각이나 감정을 읽을 수 없습니다.

고전적 순진함의 시대는 점차 지나가고 있습니다. 오늘날 예전처럼 폐쇄적이고 고립된 순진주의자들의 존재는 불가능하다. 예술가는 미술 과정에 적극적으로 참여하고 미술 시장에서 무슨 일이 일어나고 있는지 이해해야 합니다. 이것은 좋은 것도 나쁜 것도 아닙니다. 단지 시대의 징표일 뿐입니다. 그리고 더 가치 있는 것은 그것이 완전히 사라질 때까지 순진한 예술에 대한 각 시청자의 호소일 것입니다.

포털 "Culture.RF"는 자료 준비에 도움을 준 선임 연구원에게 감사를 표합니다. MMOMA, 전시회 "NAIV...BUT" 큐레이터 그룹 멤버 Nina Lavrishcheva 및 직원 러시아 대중 인쇄물과 소박한 예술 박물관마리아 아르타모노바.

소박한 예술 (순진한 예술)은 기술의 순진한 단순성, 그림에 대한 반 학문적 접근 방식, 관점의 신선함 및 그림 실행 방식의 독창성을 특징으로하는 원시주의의 방향 중 하나입니다. 회화의 표준에 대한 그의 "야만적" 태도로 인해 처음에는 인식되지 않고 박해를 받았지만 순진한 예술은 결국 살아남아 세계 문화사에서 정당한 자리를 차지했습니다. 이 장르에서 활동하는 예술가들의 작품에는 음식과 관련된 일상적인 장면이 포함되어 있는 경우가 많으며, 이는 당연히 우리 주제 사이트에 관심을 가질 수밖에 없습니다.

장르의 뿌리라고 말해야한다 " 순진한 예술 "수세기의 깊숙한 곳으로 돌아가십시오. 순진한 미술의 첫 번째 예는 남아프리카의 동굴에서 발견된 암벽화로 간주될 수 있습니다. (우리는 고대 사냥꾼의 그림이 다른 사람들에게 그림보다는 메뉴로 인식될 가능성이 더 높다고 확신합니다 :)).

훨씬 후에 흑해 북쪽의 스키타이 "돌 여성"상을 발견 한 그리스인들은 고대 그리스 문화에서 조화와 아름다움을 특징으로하는 신체 비율 위반으로 인해 원시적 "야만적"으로 간주했습니다. 폴리클레이토스의 '황금비율'을 기억하세요.
그럼에도 불구하고 고전 예술의 '정확성'은 계속해서 민속 예술의 당파적 공격을 받았습니다. 그래서 대부분의 유럽 국가에서 로마의 통치가 무너진 후 미술은 방향을 바꾸면서 완벽함에서 표현력을 추구하는 방향으로 방향을 바꾸었습니다. 순박한 예술로 여겨졌던 전직 소외자와 아웃사이더의 독창성과 독창성은 이러한 목표를 달성하기 위한 수단으로 매우 적합했다.
동시에, Pablo Picasso, Henri Matisse, Joan Miró, Max Ernst 등과 같은 유럽 예술가들이 그들의 아이디어와 스타일에 관심을 갖지 않았다면 뛰어난 "예술적 순진함" 예술가들이 결코 세계적으로 인정받지 못했을 것이라는 사실을 무시할 수 없습니다. 그들은 이것을 지지했다 고전주의의 낭만주의에 대한 반란».
미술의 "다섯 번째 요소"를 찾기 위해 그들은 중세 연금술사처럼 그들의 그림에 잃어버린 "원시적"의 깊이에서 자란 아방가르드주의와 야생의 자연 순수함을 혼합하여 기적과 신비를 비합리적으로 작동하려고 노력했습니다. 아프리카 세계는 물론 중남미까지.
파블로 피카소는 아프리카 스타일의 '원시 예술'을 자세히 연구하고, '어두운 대륙'의 창조적 무의식적 시작을 이해하고 이를 그의 작품에 구현하기 위해 그곳에서 가져온 정통 가면과 조각품을 연구한 것으로 잘 알려져 있습니다. 그의 시그니처 비대칭 스타일이 크게 결정되었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 불균형 기술을 사용합니다.
이 선구적인 스페인 화가의 초상화는 ""라고 불리는 콜롬비아 예술가에 의해 독특하게 그려졌습니다. 남미의 피카소«.


전 일러스트레이터 페르난도 보테로 앙굴로 (1932년생)은 1959년 "콜롬비아 예술가 전시회"에서 1등상을 수상하며 유명해졌습니다. 이것은 그에게 유럽으로의 문을 열었고, 그곳에서 이 독창적인 예술가이자 조각가의 험난한 경력이 시작되었고, 그의 작품은 이후 순진한 예술을 옹호하는 많은 사람들에게 영향을 미쳤습니다. 이를 확인하기 위해 그의 그림을 소박한 예술 분야의 동시대 동료들의 작품과 비교할 수 있습니다. "음식" 주제에서 주의가 산만해지지 않도록 보테로가 가장 좋아하는 주제 중 하나를 살펴보겠습니다. 피크닉.

가장 오래된 원시주의 예술가 중 한 명이며 크로아티아 순진한 예술의 지도자는 Ivan Generalich(1914-1992)입니다. 전문적인 훈련이 부족하고, 농민 출신이며, 그의 그림에 나타난 시골을 주제로 한 그의 그림은 1953년 이후 유럽 전역에서 인정을 받는 데 방해가 되지 않았습니다. 그의 작품에는 농민 생활이 마치 내부에서 본 것처럼 나타나 놀라운 표현력과 신선함, 즉흥성을 부여한다.

크로아티아 할아버지가 에펠탑 아래에서 소떼를 몰고 있는 사진은 파리 엘리트들의 은밀한 미소로 간주될 수 있습니다. 작가의 사진을 보세요. 판자 바닥에 지갑, 초라한 양가죽 코트... 장군은 소박하고 삶이 현명합니다. 프랑스 소설가 마르셀 아를렌은 그에 대해 이렇게 썼습니다. “그는 땅에서 태어났습니다. 그에게는 지혜와 매력이 있습니다. 그 사람에겐 선생님이 필요하지 않아요."

현대의 "순진한 예술"을 추구하는 많은 예술가들은 전임자들의 작품에 대한 매력에서 벗어나지 못한 것 같습니다. 그러나 동시에 그들은 서유럽인들에게 알려지지 않은 "사회 숭배"의 요소들을 예술 순진성에 내재된 예술적 표현의 자발성에 도입합니다. 예를 들어 벨로루시 예술가의 여러 장식 장르 장면은 다음과 같습니다. 엘레나 나르케비치 , 수년 전에 스페인으로 이주한 사람. 그녀의 그림은 이전 CIS의 모든 주민들에게 잘 알려진 영원히 기억될 공통 과거인 이상화된 세계를 아이러니하게 재구성한 것입니다. 올리비에가 요리를 준비하고 주부들이 손님을 기다리며 분주하게 움직이는 주방의 냄새, 다차가 시골집을 대체하고, 피크닉이 자연으로의 진출을 요구하는 부엌의 냄새와 함께 사라지는 사회주의 리얼리즘 시대의 향수를 불러일으키는 분위기로 가득 차 있습니다.

Elena Narkevich의 작품에는 기하학적 측면의 왜곡, 구성 계획의 정제되지 않은 색상, 과장된 인물 비율 및 기타 예술 순진한 표시와 같은 "순진한 예술"장르의 형식적 징후 대부분이 포함되어 있지만 전문가는 이러한 작품을 다음과 같이 분류합니다. 가짜 순진한 예술또는 " 인위적으로 순진한" - 작가가 모방적인 방식으로 작업하는 경우. (순진한 예술의 또 다른 특징인 이미지의 고의적인 "유치함"은 예술가에 의해 상업적으로 완벽해졌습니다. 예브게니아 갭친스카야 ).

원래 도네츠크 출신의 예술가 Elena Narkevich와 유사한 방식으로 그녀의 그림을 그립니다. 안젤라 제리치 . 우리는 이미 그녀의 작품에 대해 이야기했습니다.


Angela Jerich 그림의 내면 세계는 때때로 Fellini 영화 속 인물 묘사의 마법과 비교됩니다. 작가는 아이러니하면서도 동시에 매우 사랑스러운 사회주의 리얼리즘의 "과거 시대의 삽화"에 성공했습니다. 이에 더해 안젤라는 우아한 상상력을 갖고 있어 푸쉬킨처럼 삶의 '아름다운 순간'을 포착할 수 있다.

모스크바 예술가인 "순진한 예술 워크숍"의 동료에 대해 블라디미르 류바로프, 우리도 당신에게 말했어요. "라는 그의 작품 시리즈 먹는 사람”, 그는 식용 정물로 눈을 즐겁게 하지만 이 “미식 현실”을 그 자체로 강조하지는 않습니다. 그것은 캐릭터의 삶, 캐릭터, 감정을 보여주기 위한 변명일 뿐입니다. . 그의 재미있고 진심 어린 그림도 볼 수 있습니다. (또는 그의 개인 웹사이트 www.lubarov.ru에서).


Lyubarov가 그림을 그리고 자급 농업에 종사하기 위해 문명에서 마을로 도망 쳤다면 그는 "순진한 예술가"입니다. 발렌틴 구바레프 니즈니노브고로드에서 민스크로 이사했습니다. (이주로 인해 Elena Narkevich를 잃은 것을 보상하는 것처럼 🙂).

놀라운 매력과 매력을 지닌 발렌틴 구바레프(Valentin Gubarev)의 그림. 예술과 거리가 먼 사람들도 감정적으로, 긍정적으로 반응합니다. 그의 작품에는 단순함과 아이러니, 장난기와 슬픔, 깊은 철학과 유머가 담겨 있습니다. 그의 그림에는 여러 세대의 주민들의 소지품이 흩어져 있는 5층짜리 패널 건물의 발코니와 같은 많은 캐릭터, 세부 사항 및 물체가 있습니다. 그러나 그의 그림 감정가들은 "모든 것이 많지만 불필요한 것은 없습니다"라고 정확하게 지적합니다. 섬세하고 세밀한 그림에 대한 열정으로 그는 “ 벨로루시 브뤼겔" 직접 비교해 보세요. 왼쪽은 원본의 Bruegel이고 오른쪽은 Gubarev의 수백 점의 유사한 그림 중 하나입니다. (그런데 브뤼겔은 미니어처를 훌륭하게 사용하여 스칸디나비아 민속 속담 118개를 그림에 묘사했습니다.)

일반적으로 원시주의의 출현은 한편으로는 현대 도시화 생활에 대한 거부와 대중문화의 부상으로 인해 발생했으며, 다른 한편으로는 정교한 엘리트 예술에 대한 도전으로 인해 발생했습니다. 원시주의자들은 민속이나 어린이 의식의 순수성, 감정성, 흐릿하지 않은 명확성에 더 가까워지려고 노력했습니다. 이러한 경향은 유럽, 미국, 러시아의 많은 예술가들에게 영향을 미쳤습니다.

19~20세기 초 순진한 예술과 원시주의의 저명한 대표자인 프랑스 예술가를 언급하지 않는 것은 불가능합니다. 앙리 루소 . 그의 그림은 일반적으로 상상력의 폭동과 비교할 수없는 그림 방식으로 인해 말로 설명하기가 어렵습니다. 그는 적절한 교육을 받지 못한 채 성인이 되어 그림을 그리기 시작했습니다. 살면서 한 번도 본 적 없는 이국적인 정글을 자주 그렸어요. 루소는 “어린아이도 저렇게 그릴 수 있다”는 수많은 비난을 무시하고 자신의 소명의 길을 따랐다. 결과적으로 그의 끈기는 미술의 세계를 뒤집어 놓은 아르키메데스의 지렛대임이 드러났습니다. 앙리 루소의 천재성은 인정받았고, 새로운 세대의 예술가들이 그에게서 지휘봉을 빼앗았습니다.

원시주의의 특징은 위대한 프랑스 화가들의 작품에도 내재되어 있었습니다. 폴 고갱그리고 앙리 마티스.고갱의 "망고를 들고 있는 타히티 여성"이나 마티스의 폭풍우가 몰아치는 "삶의 기쁨"을 보세요. 자연으로의 나들이가 한창입니다. (마티스가 야수파였던 것은 아무것도 아닙니다).


러시아에는 순진한 예술 스타일을 따르는 자체 그룹이있었습니다. 그 중에는 창의적인 커뮤니티인 "Jack of Diamonds"(P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov), "Donkey's Tail"(M. F. Larionov, N. S. Goncharova, M. Z. Chagall) 등의 회원이 있습니다.

원시주의의 천재 중 하나는 당연히 니코 피로스마니 . 조지아의 작은 마을에서 독학으로 공부한 이 예술가는 우유를 파는 빈약한 생계를 유지했습니다. 그는 종종 자신의 그림을 구매자에게 선물로 주거나 돈을 벌기 위해 리셀러에게 선물했습니다. 즐거운 잔치, 농민 생활의 풍경, 자연 등이 Pirosmani에게 영감을 준 주제입니다. 그의 그림에 등장하는 모든 피크닉과 휴일은 국가적 특징을 가지고 있습니다. 번잡한 도시 속물주의 속에서 천재 예술가의 외로움과 혼란은 세상에서 인간(그리고 일반적으로 생명체)의 위치에 대한 그의 캔버스에 대한 철학적 성찰로 바뀌고, 그의 축제와 축제는 기쁨의 순간을 이야기합니다. 지상의 존재.

우리는 계속해서 예를 들 수 있지만, 작은 여행에서도 소박한 예술의 다문화 현상이 분명해집니다. 이는 "순진한 예술가"의 그림이 보관되어 있는 수백 개의 박물관과 갤러리에서 확인할 수 있습니다. 또는 순진한 예술 작품의 판매액이 수억 달러에 이릅니다.

원시주의 장르는 자연의 모든 가장 단순한 것들처럼 끈기 있고 적응력이 있는 것으로 밝혀졌습니다. 순진한 예술은 학문적 "인공" 과학(예술에 순진한 예술가는 종종 교육을 받지 못함) 덕분에 발전한 것이 아니라 오히려 그럼에도 불구하고 순진한 예술의 탄생과 서식지가 과학자와 비평가가 접근할 수 없는 깊은 자연 현상이기 때문에 발전했습니다. , 인간의 전능한 천재가 통치하는 곳.

장르의 작품의 경우 순진한 예술, 우리는 Louis Aragon의 표현에 전적으로 동의합니다. 이 그림들을 순진하다고 생각하는 것은 순진하다.»

여러분은 아마도 이 예술가들의 그림을 본 적이 있을 것입니다. 어린이가 그린 것 같습니다. 사실, 그들의 저자는 전문가가 아닌 성인입니다. 회화에서 순진한 예술은 19세기 후반경에 시작되었습니다. 처음에는 심각하게 받아들여지지 않았고 전혀 예술로 간주되지 않았습니다. 그러나 시간이 지남에 따라 이 스타일에 대한 태도는 극적으로 변했습니다.

"순진한"을 만나보세요

그렇다면 일반적으로 순진한 예술이라고 불리는 것은 무엇입니까? 그림에서 이 용어는 특별한 예술적 스타일, 민속 예술가와 독학한 사람들의 창의성을 나타내며 주변 세계를 볼 때 어린아이 같은 신선함과 자발성을 유지합니다. 이 정의는 예술백과사전(Encyclopedia of Arts)에 나와 있습니다. 그러나 조각, 건축, 그래픽에도 존재합니다.

순진한 예술(또는 종종 "순진한"이라고 불리는)은 그렇게 새로운 방향이 아닙니다. 17세기 유럽에서는 비전문 예술가들이 자신들의 '원시적인' 걸작을 창조했습니다. 그러나 아무도 이 그림을 진지하게 고려하지 않았습니다. 소박한 예술은 20세기 초에야 독립적인 예술 스타일로 등장했습니다.

"순진함"의 뿌리는 일반적으로 아이콘 페인팅에서 찾아집니다. 당신은 아마도 시골 지방 교회에서 그러한 아이콘을 본 적이있을 것입니다. 그것들은 불균형하고 원시적이며 눈에 띄지 않지만 믿을 수 없을만큼 진실합니다. 순진한 예술의 특징은 소위 인물, 즉 종교적 주제에 대한 조각 이미지에서도 찾을 수 있습니다. 가톨릭 교회 근처에 이러한 조각상을 설치하는 것이 일반적입니다(사진 참조).

순진한 예술과 원시주의는 같은 것인가? 미술 평론가들은 이 문제에 대해 세 가지 다른 의견을 가지고 있습니다.

  1. 예, 이는 동일한 개념입니다.
  2. 순진한 예술은 원시주의의 방향 중 하나입니다.
  3. 이것은 다른 개념입니다. "순진함"이 비전문가와 아마추어의 창의성이라면 원시주의는 전문 장인의 단순화되고 양식화 된 창의성입니다.

스타일의 주요 특징

순진한 예술은 많은 국가와 민족의 예술 문화에 크게 기여했습니다. 이 예술적 스타일의 가장 중요한 특징을 강조해 보겠습니다. 우선 여기에는 다음이 포함됩니다.

  • 전문적인(학술적) 드로잉 기술 부족;
  • 색상과 이미지의 밝기;
  • 선형적 관점의 부족;
  • 이미지의 평탄성;
  • 단순화된 리듬;
  • 명확하게 정의된 물체의 윤곽;
  • 형태의 일반성;
  • 기술적인 기술의 단순성.

순진한 예술 작품은 개별 스타일이 매우 다양하다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 그러나 거의 모든 사람들은 낙천적이고 삶을 긍정적으로 생각합니다.

순진한 예술의 지리학

유명한 순진한 예술가의 대다수는 마을이나 작은 마을에 사는 평범한 사람들입니다. 원칙적으로 그들은 육체 노동으로 생계를 유지하고 여가 시간에 창작을 합니다. 그림에 대한 열정은 성인기나 노년기에 깨어나는 경우가 많습니다.

순진한 예술은 프랑스에서 시작되었지만 해외, 즉 미국에서 전례 없는 인기를 얻었습니다. 19세기 말에도 이 나라의 순진한 예술가들의 그림은 박물관과 개인 소장품으로 수집되었습니다. 러시아에서는 이러한 방향이 지난 세기 80-90년대에야 심각하게 발전하기 시작했습니다.

순진한 예술에 관해 말할 때 소위 Khlebin School을 언급하지 않을 수 없습니다. 이는 크로아티아 북부 흘레비네(Hlebine) 마을 출신의 여러 세대에 걸친 농민 예술가들의 전통적인 이름입니다. Hlebinsky(Podravsky) 학교의 기원에는 이상하게도 학술 예술가 Krsto Hegedusic(1901-1975)이 있었습니다. 그 주인은 유리에 그림을 그리는 기술을 완성했습니다. Khlebinskaya 그림은 일상적인 마을 생활의 모티브가 특징입니다.

"Naiva"의 주요 박물관

“순진함은 마음의 상태이다”(Alexander Fomin).

세계의 모든 순수 예술 박물관 중에서 특별히 언급할 만한 세 곳은 파리, 모스크바, 자그레브입니다.

1985년부터 몽마르트 언덕 기슭의 이전 직물 시장 건물에 파리 원시주의 박물관이 운영되고 있습니다. 그것은 프랑스 출판사 Max Fourny의 출현과 존재 덕분입니다. 후자의 노력 덕분에 현재 컬렉션의 핵심이 구성되었으며 현재 600점이 넘는 그림이 있습니다.

모스크바 나이브 미술관(Moscow Museum of Naive Art)은 1998년부터 존재해왔습니다. 그것은 주소 : Soyuzny Avenue, 15 a의 오래된 석조 저택에 위치하고 있습니다. 현재 박물관에는 약 1,500점의 작품이 소장되어 있습니다. 작은 건물에 공간이 협소해서 거의 매달 전시가 바뀌는데요.

크로아티아의 수도인 자그레브에도 순진하고 원시주의적인 박물관이 있습니다. 그것은 Mark 's Square의 Upper Town에 위치하고 있습니다. 전시에는 20명의 크로아티아 예술가, 특히 Ivan Generalić와 Ivan Rabuzin의 작품이 전시됩니다.

"naiva"의 또 다른 독특한 예는 루마니아 북부에 있습니다. 이것은 Sepyntsa 마을의 소위 "메리 묘지"입니다. 여기에서는 시적 텍스트와 원본 그림이 담긴 수백 개의 다채로운 묘비를 볼 수 있습니다.

소박한 예술: 그림과 예술가

지리적으로 "순진"과 원시주의의 발전에서 미국, 서유럽, 발칸 반도의 세 지역으로 구분할 수 있습니다. 회화에서 순진한 예술의 가장 유명한 대표자는 다음을 포함하여 19세기 후반~20세기 예술가입니다.

  • 앙리 루소(프랑스).
  • Ivan Lackovic-Kroata (크로아티아).
  • 이반 라부진(크로아티아).
  • 마리아 프리마첸코(우크라이나).
  • 모지스 할머니(미국).
  • 노르발 모리소(캐나다).
  • 예카테리나 메드베데바(러시아).
  • 발레리 에레멘코(러시아).
  • 미하이 다스칼루(루마니아).
  • Nedelchev (불가리아)를 위해.
  • 스테이시 러브조이(미국)
  • 사샤 푸트리아(우크라이나).

위에서 언급한 순진한 대가들의 작품을 자세히 살펴보겠습니다.

회화에서 순진한 예술의 창시자는 은퇴 후 미술에 전념하기로 결정한 세관원 앙리 루소로 간주됩니다. 그는 특히 원근법에 대해 걱정하지 않고 서투른 인물과 재미있는 동물로 캔버스를 장식했습니다. 루소의 작품을 가장 먼저 감상한 사람은 동시대의 피카소였습니다. 그리고 앙리의 그림을 본 폴 고갱은 “이것이 진실이고 미래다. 이것이 진짜 그림이다!”라고 외쳤다.

이반 라코비치-크로아타

Lackovic-Croata는 Hegedusic의 학생 중 한 명입니다. 그림 외에도 그는 사회, 정치 활동에도 참여했으며 90년대 초 크로아티아 독립 투쟁에 적극적으로 참여했으며 두 차례 크로아티아 의회 의원으로 선출되었습니다. 그의 캔버스에서 Ivan Lackovich는 정물, 마을 생활 장면 및 상세한 풍경을 가장 자주 묘사했습니다.

Ivan Rabuzin은 또 다른 크로아티아 예술가이자 회화 분야의 순진한 예술을 대표하는 또 다른 저명한 인물입니다. 그의 그림은 종종 천국이라고 불립니다. Rabuzin 자신은 미술 평론가 Anatoly Yakovsky로부터 "모든 시대와 민족을 통틀어 가장 순진한 예술가"라는 칭호를 받았습니다. Ivan Rabuzin의 풍경은 순수함, 외계의 아름다움, 조화를 구현합니다. 그의 그림은 거의 모두 이상한 나무와 환상적인 꽃으로 장식되어 있습니다. 더욱이 라부진의 캔버스에 등장하는 모든 사물은 언덕이든 숲이든 구름이든 일종의 구형을 이루는 경향이 있습니다.

마리아 프리마첸코

뛰어난 우크라이나 예술가 마리아 프리마첸코(Maria Primachenko)는 키예프 근처의 작은 마을인 볼로트냐(Bolotnya)에서 태어나 평생을 살았습니다. 그녀는 17세에 이웃집을 그리면서 그림을 그리기 시작했습니다. 마리아의 재능은 30대 후반에 주목받았습니다. 그녀의 작품은 파리, 몬트리올, 프라하, 바르샤바 및 기타 도시에서 전시되었습니다. 그녀는 평생 동안 적어도 650점의 그림을 그렸습니다. Maria Primachenko의 창의성의 기초는 그녀가 발명한 마법의 꽃과 비현실적인 동물입니다.

모세 안나 메리

모지스 할머니는 미국의 유명한 예술가이자 국제적으로 인정받는 순진한 예술의 아이콘입니다. 그녀는 101년을 살았으며 수백 점의 밝고 다채롭고 쾌활한 그림을 남겼습니다. 모세 할머니의 특이한 점은 76세에 처음 그림을 그리기 시작했다는 점이다. 예술가는 뉴욕의 저명한 수집가가 우연히 약국 창에서 그녀의 그림 중 하나를 본 1930년대 후반에야 유명해졌습니다.

Anna Mary Moses의 그림의 중심 주제는 시골 목가적 풍경, 농부들의 일상 풍경, 겨울 풍경입니다. 비평가 중 한 명은 다음과 같은 말로 작가의 작품을 가장 간결하게 설명했습니다.

"그녀의 그림의 매력은 미국인들이 존재한다고 믿기를 좋아하지만 더 이상 존재하지 않는 라이프스타일을 묘사한다는 것입니다."

노르발 모리소

Norval Morisseau는 인도 출신의 캐나다 원시 예술가입니다. 온타리오 근처 오지브와(Ojibwa) 부족에서 태어났습니다. 그는 자신에 대해 이렇게 썼습니다. “나는 천성적으로 예술가입니다. 나는 우리 민족의 이야기와 전설 속에서 자랐고, 이러한 전설을 그렸습니다." 그리고 그것이 대체로 모든 것을 말해줍니다.

작가 전기의 흥미로운 사실: 1972년 밴쿠버의 한 호텔에서 화재가 발생했을 때 Norval Morisseau는 심각한 화상을 입었습니다. Norval 자신에 따르면 그 순간 예수 그리스도가 그에게 나타났습니다. 그 후 그는 그의 작품에서 새로운 길잡이가 되었다. 작가는 성서적 인물을 적극적으로 그리기 시작하여 놀랍게도 전통적인 인도 모티프의 직물에 엮습니다.

예카테리나 메드베데바

예카테리나 메드베데바(Ekaterina Medvedeva)는 벨고로드(Belgorod) 지역의 골루비노(Golubino) 마을 출신으로 현대 러시아의 "순진한" 대표자 중 한 명인 독학 예술가입니다. 그녀는 1976 년에 처음으로 붓을 집어 들었고 이미 80 년대 초에 모스크바 언론에 "새로운 민속 재능"에 대한 메모가 나타나기 시작했습니다. 당시 Katya Medvedeva는 요양원에서 일반 간호사로 일했습니다. 1984년 작가의 작품은 니스에서 열린 전시회에 출품되어 큰 반향을 불러일으켰습니다.

발레리 에레멘코

러시아의 또 다른 재능 있는 원시주의 예술가는 발레리 에레멘코(Valery Eremenko)입니다. 세미팔라틴스크(카자흐스탄)에서 태어나 타슈켄트에서 공부했으며 현재 칼루가에서 거주하며 작업하고 있습니다. 예술가는 자신의 이름으로 12개 이상의 다양한 전시회를 열었습니다. 그의 작품은 칼루가 미술관(Kaluga Museum of Fine Arts), 모스크바 나이브 미술관(Moscow Museum of Naive Art)에 전시되어 있으며 수많은 개인 소장품에도 보관되어 있습니다. Valery Eremenko의 그림은 밝고 아이러니하며 믿을 수 없을 정도로 생생합니다.

미하이 다스칼루

생생하고 단순하며 흥미진진한 주제는 루마니아의 순진한 예술가 Mihai Dascalu 작품의 주요 특징입니다. 그의 그림의 주인공은 바로 사람이다. 여기서 그들은 춤추고, 노래하고, 카드놀이를 하고, 버섯을 따고, 다투고, 사랑에 빠진다... 일반적으로 그들은 완전한 세상적인 삶을 살고 있습니다. 이 작가는 그의 캔버스를 통해 우리에게 단 하나의 생각, 즉 모든 아름다움은 삶 그 자체에 있다는 것을 전달하려고 노력하는 것 같습니다.

Mihai Dascalu의 작품에서 나무에는 특별한 상징이 부여됩니다. 그의 그림에는 거의 모두 등장합니다. 주요 줄거리의 형태로 또는 배경으로. 다스칼루의 작품 속 나무는 사실 인간의 삶을 상징한다.

네델체프를 위하여

불가리아 예술가 라디 네델체프의 작품에서 가장 중요한 대상은 도로이다. 이것은 매듭 풀로 자란 평범한 시골 비포장 도로이거나 고대 도시의 돌층계이거나 사냥꾼이 눈 덮인 거리로 들어가는 거의 눈에 띄지 않는 길입니다.

Nedelchev를 위해 그는 순진한 예술 세계에서 일반적으로 인정받는 대가입니다. 그의 그림은 겸손한 불가리아 국경 너머로 널리 알려져 있습니다. Nedelchev는 Ruse시의 회화 학교에서 공부 한 후 유럽의 인정을 받기 위해 스위스로 가서 개인 전시회를 열었습니다. Nedelchev를 위해 그는 파리 원시 미술관에 그림을 전시한 최초의 불가리아 예술가가 되었습니다. 작가의 작품은 유럽과 세계의 수십 개의 주요 도시를 방문했습니다.

스테이시 러브조이

현대 미국 예술가 스테이시 러브조이(Stacey Lovejoy)는 "순진함", 추상화 및 미래주의의 특징을 하나의 밝고 멋진 칵테일로 혼합한 독특한 스타일로 인정을 받았습니다. 사실 그녀의 모든 작품은 일종의 추상적 거울에 현실 세계를 반영한 ​​것입니다.

사샤 푸트리아

Alexandra Putrya는 Poltava 출신의 독특한 예술가입니다. 그녀는 마치 이른 죽음을 예상한 듯 세 살 때부터 그림을 그리기 시작했습니다. 사샤는 11세의 나이에 백혈병으로 사망했으며, 연필과 수채화 그림, 스케치, 만화가 담긴 46장의 앨범을 남겼습니다. 그녀의 수많은 작품에는 의인화된 동물, 동화 속 인물, 인기 인도 영화의 영웅이 등장합니다.

결론적으로...

이 예술은 일반적으로 순진하다고 불립니다. 그러나 스타일의 저명한 대표자들의 작품을주의 깊게 연구하면 논리적 질문이 생깁니다. 저자가 너무 순진합니까? 결국, 이 경우에 "순진하다"는 것은 "어리석다"거나 "무지하다"는 뜻이 아닙니다. 이 예술가들은 단순히 방법을 모르고 일반적으로 인정되는 표준에 따라 그림을 그리는 것을 원하지 않습니다. 그들은 자신이 느끼는 대로 세상을 묘사합니다. 이것이 그들의 그림의 전체적인 아름다움이자 가치입니다.