메인주의 가장 멋진 점 중 하나는 다양한 모양, 색상, 크기의 자갈이 흩어져 있는 바위 해변입니다. 올해 저는 마침내 이 돌을 여러 가지 색상으로 수채화로 표현하기로 결정했습니다. 그리고 이것이 내가 얻은 것입니다 ...
바위와 물결 모양 프레임에 어떻게 흥미로운 질감을 만들 수 있었는지 궁금하십니까? 모든 것을 읽고 알아보세요!
어느 날 저녁, 썰물 때 친구와 나는 스케치를 하러 해변으로 갔습니다.
친구가 나를 열심히 그리는 동안 나는 발 밑에 쌓인 돌무더기에 집중했다.
먼저 연필로 돌의 대략적인 윤곽을 그렸습니다.
그런 다음 만년필과 검정색 잉크로 디자인을 추적하고 젖은 위에 첫 번째 수채화 레이어를 적용했습니다.
나는 더 어두운 색조와 밝고 대조되는 색조를 번갈아 가며 색상 다양성을 얻으려고 노력했습니다.
어떤 경우에는 페인트가 약간 마를 때까지 기다렸다가 조금 더, 약간 더 어두운 색조를 추가했습니다. 이것이 얼룩이 나온 방식이며, 이를 사용하여 나중에 돌에 질감을 만들 수 있습니다.
해변에서 할 수 있는 시간은 그게 전부였습니다. 해가 지고 저녁을 요리해야 해서 짐을 싸서 집으로 향했습니다.
집에 있는 스튜디오에서 계속해서 그림 작업을 하며 질감을 만드는 데 집중했습니다. 왼쪽 상단 모서리에 있는 회색 조약돌을 살짝 적시고 어둡고 흙빛이 나는 수채화 몇 장과 검은색 수채화 연필, 페인트 스패터를 찍었습니다. 돌 위에 분무기를 들고 연필 심을 강판처럼 조금 문질러서 안료 입자가 그림에 들어갔습니다.
조금 젖어서 종이에 달라붙더니 화강암의 질감을 닮아가기 시작했습니다.
(종이가 건조되면 도안이 아래로 향하도록 시트를 뒤집어 뒷면을 가볍게 두드리면 여분의 안료 입자를 제거할 수 있습니다.)
사진 왼쪽 하단의 회색 돌에도 같은 기법을 사용했는데, 이번에는 둥근 붓을 사용하여 연필 부스러기 몇 군데를 가볍게 터치해 효과를 조금 부드럽게 하고 돌에 개성을 더했습니다.
조약돌에 얼룩덜룩한 느낌을 주고 싶을 때, 둥근 붓 끝으로 종이에 대고 이런 점을 찍었는데...
그런 다음 얼룩이 너무 정돈되어 보이지 않도록 손가락으로 페인트를 약간 번졌습니다.
이 방법은 얼룩덜룩한 질감을 만드는 데 매우 효과적입니다.
진행하면서 건조된 기본 레이어 위에 수채화 레이어를 더 추가하여 색상을 심화시키고 그림자를 정의했습니다. 몇몇 곳에 소금을 조금 뿌렸어요.
소금이 마르면 화강암에 딱 맞는 독특한 질감이 만들어졌습니다.
텍스처를 추가하기 시작한 초기 단계의 그림은 다음과 같습니다.
돌에 질감을 더하고 싶지만 인접한 돌에 페인트가 묻을까봐 걱정될 때는 마스킹 필름을 사용하여 분리했습니다.
필름 한 장(돌의 각 면보다 2cm 정도 더 크게)을 잘라서 작업할 부분 위에 올려놓고 슬라이서를 사용하여 돌 주위의 필름을 조심스럽게 자릅니다. 종이).
그런 다음 해당 영역에서 잘라낸 필름 조각을 제거했습니다.
나는 시트의 주변 부분을 종이 조각으로 덮었습니다. 이제 주변 용지가 모두 보호되었으므로 원하는 방식으로 질감을 추가할 수 있습니다. 예를 들어 여기에서는 구겨진 플라스틱 랩으로 페인트를 칠했습니다.
나는 이 조약돌 위에 페인트를 뿌린 다음 튄 부분 중 일부를 닦아서 더 밝게 만들고 다른 부분은 그대로 두었습니다.
모든 가장자리를 필름으로 덮으면 스펀지를 사용하여 작은 자갈에 페인트를 바르기가 쉬워집니다.
스펀지와 스프레이 작업을 마친 후 필름을 제거했습니다.
바위의 질감과 그림자가 만족스러우면 그림자를 추가했습니다. 해변에서 스케치를 위해 사진을 찍을 때는 이미 해가 지고 있었고 그림자가 드리워져 있는 모습이 매우 인상적이었습니다. 이제 저는 약간의 창의적 자유를 누리기로 결정하고 시계를 거꾸로 돌려 그림자를 더 짧게 만들었습니다. (죄송합니다. 그림자 단계 사진을 찍는 것을 잊어버렸습니다.)
마지막 단계는 일부 돌에 균열과 홈을 추가하는 것이었습니다.
이 조약돌에는 흰색 불투명 수채화가 튀었습니다.
물로 희석한 불투명 흰색 페인트를 사용하여 큰 돌 중 하나에 밝은 정맥을 그렸습니다. 흰색 페인트가 배경에서 너무 눈에 띄는 것을 원하지 않았습니다.
그림이 완성되었습니다! 가장 어려운 일이 내 앞에 놓여 있었다. 나는 주변의 공백을 어떻게 처리할지 결정해야 했다.
종이테이프로 액자를 만들기로 했어요. 녹색 리본 조각을 세로로 두 부분으로 찢어 가장자리가 고르지 않고 물결 모양이 되도록 했습니다.
그런 다음 가장자리가 바깥쪽을 향하도록 디자인에서 약 5mm 떨어진 곳에 테이프 조각을 붙여 모서리에서 교차했습니다. (마스킹 테이프를 사용하기 전 반드시 천에 몇 번 붙여주세요. 이렇게 하면 끈적임이 덜해지고 떼어낼 때 종이가 찢어지는 것을 방지할 수 있습니다.)
슬라이서를 사용하여 45도 각도로 모서리의 테이프 상단 레이어를 자릅니다.
그런 다음 가장자리에서 튀어나온 여분의 테이프 조각을 잘라냈습니다.
깔끔한 코너가 되었습니다.
이제 가장자리 주변의 남은 공간을 칠할 차례입니다. 젖어서 글을 쓸 예정이었기 때문에 앨범이 페인트로부터 보호되도록 이 시트 아래에 종이 타월을 깔았습니다. 돌에 사용된 것과 동일한 색상을 혼합한 후 디자인 가장자리 주위에 페인트를 넉넉하게 바르기 시작했습니다.
정확한 일관성을 유지하는 것이 매우 중요했습니다. 색상은 서로 부드럽게 흘러야 하지만 완전히 혼합되어서는 안 됩니다. 나는 모든 색조가 명확하게 구별되고 돌의 색상을 반영하며 더러운 혼란으로 합쳐지지 않는 효과를 추구했습니다.
가장자리가 건조된 후 접착 테이프를 떼어냈더니 모서리 일부에 여전히 페인트가 그 아래로 흐르고 있는 것을 발견했습니다. 젠장!
당황하지 말 것! 물감의 일부를 마른 붓으로 모았고, 지워지지 않는 부분은 그냥 흰색 불투명 수채화로 덧칠했습니다.
이제 프레임 디자인 작업을 계속할 수 있습니다. 작업을 더 쉽게 하기 위해 두꺼운 창틀 메쉬가 필요했습니다. 나는 단순히 그것을 종이 위에 놓고 시트 중앙에서 서로 약 5mm 떨어진 가장자리까지 갈라지는 연필로 직선을 그렸습니다.
이 방법은 길고 힘든 측정 없이 평행선을 표시하는 데 편리합니다.
유일한 문제는 연필을 그리드 위에 부러뜨렸을 때, 어쨌든 자를 사용한 것보다 훨씬 빠르다는 것이었습니다.
만년필로 선 하나하나 따라 그려봤는데..
모서리의 선은 손으로 그렸습니다.
모든 것이 좋아 보이지만 더 나아가기로 결정했습니다. 언제나처럼!
가이드로 사용하기 위해 종이 가장자리에서 1cm 떨어진 곳에 마스킹 테이프를 배치했습니다.
그런 다음 가장자리 주변의 테두리를 어둡게 만들기 위해 이미 그린 선 사이에 테이프에서 종이 가장자리까지 선을 그렸습니다.
작업이 완료되었습니다!
디테일을 더 추가하고 싶었지만(디자인 주위에 얇은 선을 하나 더 그렸습니다) 공간을 더 남겨두기로 했습니다. 자유롭고 호흡할 수 있는 공간은 언제나 좋은 것임을 스스로 상기시켜야 했습니다. 아무것도 채울 필요가 전혀 없습니다.
이 컬러 그림을 보면 마치 메인주로 돌아가는 듯한 느낌이 듭니다. 나는 해변에서 친구와 이야기를 나누며 행복한 시간을 보냈고, 해안에 부딪히는 부드러운 파도 소리와 절대적인 고요함을 기억합니다. 그림을 그리는 것은 내가 그 과정에 있는 순간을 경험할 수 있게 해주고, 완성된 작품을 볼 때 그 멋진 시절로 돌아가게 해줍니다. 내 앨범 페이지 사이에는 많은 즐거운 추억이 피난처를 찾았습니다.
회화에서는 자연을 색으로 묘사하는 것을 스케치라고 합니다. 스케치 수채화 작품은 성격, 목적, 실행 방법, 표현 수단이 다양합니다. 삶의 끊임없는 그림을 통해서만 스케치 기술을 익힐 수 있습니다. 실행 기간에 따라 인생의 스케치는 단기와 장기로 구분됩니다. 단기에는 스케치와 스케치가 포함되고 장기에는 연구가 포함됩니다.
연구 스케치- 일반적으로 자연의 회화적 특성과 조형적 특성을 특징으로 하는 빠르게 실행되는 이미지입니다. 목적 스케치자연의 구체적이고 순간적인 상태를 포착하는 것입니다. 빠른 스케치의 형태로만 독특하고 순간적인 이벤트를 포착할 수 있습니다. 노동 과정, 스포츠 대회, 끊임없이 변화하는 풍경과 조명 조건, 사람과 동물의 움직임 등이 될 수 있습니다.
연구 스케치
이 모든 것을 포착하기 위해 작가는 때때로 자연을 자세히 조사하고 모든 세부 사항을 볼 수 없는 채 몇 분, 심지어 몇 초 밖에 걸리지 않습니다. 이 찰나의 자연 상태의 특이성과 독특함을 전달하는 것, "순간을 멈추는 것"이 과제입니다. 스케치. 그 장점은 특별한 정교함과 완전성에 의해 결정되는 것이 아니라 주로 신선함, 감성, 보이는 것에 대한 인식의 예리함 및 표현 전달에 의해 결정됩니다.
시간의 부족과 사건의 덧없음으로 인해 예술가는 상황을 즉각적으로 탐색하고 빈약한 회화 수단을 사용하여 스케치를 통해 자연의 일반적인 플라스틱 및 색상 특성을 전달해야 합니다. 이로 인해, 스케치 연구이미지의 일반화가 가능합니다. 많은 세부 사항이 누락되거나 대략적인 상태, 미완성 상태, 거의 눈에 띄지 않고 작성자만 이해할 수 있는 상태로 남아 있을 수 있습니다. 그러나 스케치 솔루션의 일반성에도 불구하고 이미지 속 개체가 자연스러운 특성과 특성을 잃지 않도록 노력해야 합니다.
동물이나 새를 그릴 때, 새벽, 일몰, 황혼의 풍경을 묘사할 때 성격, 비율, 색상, 움직임을 빠르고 정확하게 전달하는 능력이 중요합니다. 여기에서 예술가는 먼저 색상, 색조, 성격, 하늘, 땅, 물, 사물의 큰 덩어리의 비율의 차이를 전달한 다음 필요한 세부 사항으로 스케치를 보완해야 합니다. 따라서 이전에는 스케치 연구우선, 사물의 비율, 움직임, 형태, 색조와 색상의 차이, 자연의 감정 상태 등 자연의 속성을 전달하는 것이 과제입니다.
연구 스케치
빠른 스케치에서는 이미지의 단순성, 간결성 및 표현력을 위해 노력해야 하며, 이를 위해서는 자연에서 얻은 수많은 인상 중에서 가장 특징적인 특징만 골라내야 합니다. 스케치의 표현력을 높이는 데 도움이 되지 않는 획, 선, 점, 획을 적용하거나 세부 묘사할 때 불필요한 세부 사항을 피해야 합니다.
먼저 고정된 물체와 물체를 그린 다음 살아있는 모델을 그려야 합니다. 자연을 차분한 자세로 묘사할 때, 자연과 그 속성, 특징을 연구하고 분석하는 데 1~2분을 할애해야 합니다. 스케치의 일반적인 특징을 설명하고 나면 특징적인 세부 사항 개발로 넘어갈 수 있습니다. 위치가 바뀔 때까지만 살아있는 자연의 수채화 작품을 그려야 합니다.
빠른 연구의 의도된 목적에 따라 구현 방법도 결정됩니다. 이는 모델에서 작성된 스케치 작업에도 적용됩니다. 사실 시터는 몇 분 동안만 복잡하고 긴장된 자세를 유지할 수 있습니다. 그러면 형태가 무의식적으로 다소 변경될 수 있습니다. 따라서 다음을 수행하여 스케치인간의 모습에서 우리는 먼저 자연의 일반적인 색상 특성, 움직임, 비율을 전달하려고 노력한 다음 두 번째 단계에서 스케치의 무결성과 표현력을 잃지 않고 몇 가지 세부 사항을 개발해야합니다.
스케치-스케치
그와 동시에 과제 스케치빠르고 능숙하게 그림을 그리는 것이 아니라 자연의 다양한 측면을 연구하고 아는 것입니다. 따라서 훈련 초기에는 2시간, 4시간 스케치가 작업의 더 많은 부분을 차지해야 합니다. 그런 다음 지식과 경험을 쌓아가면서 완성할 시간입니다. 스케치점차적으로 줄일 수 있습니다.
에뛰드-스케치인생에서 수행되었습니다. 대부분의 경우 매우 구체적인 문제를 해결합니다. 형태와 개체의 정확한 특성 또는 개별 세부 사항, 디자인 및 색상 솔루션을 연구하고 검색합니다.
이러한 유형의 스케치 작업에는 단순한 정물, 머리, 인물 등을 그리는 단기 작업뿐만 아니라 손, 발, 의상과 같은 자연 조각 스케치, 장기 스케치 또는 구성 작업이 포함될 수 있습니다. 자연의 가장 중요한 회화적, 조형적 특성에 대한 심층적인 연구를 목적으로 작업합니다. 이러한 유형의 스케치에는 개별 식물, 과일, 채소, 꽃, 돌, 나무 또는 그 부분(그루터기, 가지, 잎), 건축 건물 조각 및 장식, 노동 대상, 일상 생활 등에 대한 스케치가 포함됩니다. 스케치예술가가 그림 작업을 할 때와 비슷한 목적으로 구성 작업을 개발할 때도 수행됩니다.
스케치-스케치
스케치일반적으로 매우 신중하게 작업됩니다. 작가는 가능한 한 자연에 가까워지고 그 특징을 최대한 정확하게 전달하려고 노력합니다. 이러한 문서화와 프로토콜은 예술가에게 자연의 회화적이고 조형적인 특성, 자연의 구조적 구조, 비율 및 색상에 대한 지식을 풍부하게 해줍니다. 이러한 자연에 대한 지식은 예술가가 아이디어, 상상 또는 구성에 따라 작업을 수행할 때 특히 필요합니다.
빠른 스케치 작업은 장기 스케치 작업과 번갈아 수행되어야 합니다. 스케치의 특정 특성으로 인해 형태, 색상, 빛 및 기타 자연 특성의 독창성과 풍부함을 필요한 완전성으로 연구하고 전달할 수 없습니다.
반면, 긴 스케치에만 참여하면 자연에 대한 예리한 인식과 생생한 태도가 둔해집니다. 따라서 장기 연구 작업과 단기 성격 연구(스케치, 스케치)를 현명하게 결합해야 합니다. 한 가지 유형의 교육 과제에 대한 일방적인 열정으로 우표를 개발하고 기술을 암기하며 회화적인 팔레트를 개발합니다. 다양한 유형의 교육 과제와 구현 방법을 번갈아 사용하면 자연에 대한 인식이 활성화되어 자연에 대한 더 다양하고 심층적인 연구가 가능해집니다.
여름은 일년 중 멋진 시간입니다. 다양한 색상과 향기가 페인트와 브러시를 사용하도록 영감을 줍니다. 이번 수업은 야생화의 수채화 공부에 관한 것입니다.
초보 예술가가 야생화 꽃다발을 볼 때 가장 먼저 보는 것은 많은 작은 나뭇가지, 나뭇잎, 다양한 꽃입니다. 그리고 즉시 당황하십시오! 어떻게 이걸 다 그릴 수 있지?! 괜찮아요, . 자, 시작해 볼까요...
첫 번째 단계. 조화로운 꽃다발 만들기: 꽃을 일정한 순서로 배열하세요. 작은 더 높이 더 멀리. 그들은 창조한다 배경. 꽃에 의해 더 크고 더 밝다켜져 있어야 합니다 전경. 따라서 새싹이 배경과 겹치지 않도록 다듬습니다. 꽃다발을 밝히기 위해 테이블 램프를 놓습니다. 이렇게 하면 더 대조적인 그림자가 만들어집니다.
수채화 스케치 작업을 위해서는 다음이 필요합니다.
- 수채화;
- 수채화 용지;
- 다람쥐 또는 합성 브러쉬 (2호, 5호, 10호)
- 유성 무색 분필(종이를 흰색으로 남겨 표면에 필름을 생성함)
- 용기에 담긴 물;
- 냅킨(브러시 닦기용)
시트 가장자리에서 3-4cm 뒤로 물러나면 교차할 수 없는 여백이 생깁니다. 이렇게 하면 그림에 "공기"가 유지되는 데 도움이 됩니다. 간단한 연필로 스케치 예비 도면. 교정할 때 종이의 윗부분이 손상되지 않도록 연필을 누르지 마십시오. 컴포지션을 기하학적 모양, 타원형 또는 삼각형에 맞춥니다.
구성을 전체적으로 고려하십시오. 꽃다발 전체를 시선으로 담아보세요. 눈을 가늘게 뜨고 보면 흐려지는 것을 볼 수 있습니다. 모든 색상을 한 번에 그리면 구성이 조각화됩니다. 큰 꽃을 선택하고 집중하여 모양과 색상을 연구합니다. 그렇습니다.
배경 그리기페인트 작업을 시작할 때 팔레트에 원하는 색상을 준비하세요. 추운그리고 따뜻한우리 부케에 존재하는 색조. 흰색으로 남기고 싶은 꽃잎 가장자리 부분은 무색 분필로 예약되어 있습니다. 배경부터 시작해 보겠습니다.. 오른쪽에는 정물을 비추는 램프가 있어 따뜻한 황토색 톤이 지배적입니다. 그림자에서는 보라색, 에메랄드, 군청색을 사용합니다. 그런 다음 색상 자체로 이동하여 따뜻한 분홍색, 노란색 및 연한 녹색 음영의 윤곽을 그립니다. 군청색의 얇은 유약 층을 사용하여 꽃잎에 그림자를 추가하여 꽃 모양을 만듭니다. 꽃다발에 세부 사항이 많지 않고 배경에 작은 세부 사항이 추적되어 있는지 확인하십시오. 작성해야합니다 일반적으로, 바람직하게는 원시 방식으로 페인트가 한 색상에서 다른 색상으로 흘러 독특한 색조를 만들어냅니다. 그래서 그림은 장식되지 않은 것으로 밝혀졌지만 살아 있는.
야생화를 그리다주요 큰 모양이 끝나면 얇은 브러시로 전경에 줄기와 잎 등 뉘앙스를 추가합니다. 스케치가 준비되었습니다. 이제 나중에 유성 페인트로 정물을 그리는 데 사용할 수 있습니다.
도서관
재료
식팁카르, 러시아
(직장 경험에서)
주석
이 기사에서는 다음과 같이 설명합니다.가능성수채화의예술로서기술및 방법스타일링주제, 의 방법으로형성미래창의성예술가의.
저자는 분석한다.인위적인트릭과일하는 방식~에수채화와저작권제공됩니다추천구현을 위해수채화 스케치견디다그래픽적으로나타내는스타일일하다.
핵심 단어:
수채화, 그림기술, 기법, 표현의 수단, 맑은 공기수채화, 수채화스케치; 아티스트팁;
직업 훈련 시스템의 "회화"학과 과정은 색채 과학 및 색채학 이론을 연구하는 과정에서 다양한 회화 기술의 기술을 습득하는 것을 목표로합니다. "학술 회화"의 고전 교육에서는 수채화 기술에 대한 연구부터 시작하는 것이 바람직했기 때문에 교육 실습에서 학생들은 "수채화"를 회화 기술로 인식하기 시작했으며 그에 따라 회화 기술을 익히기 위한 교육이 구축되고 있습니다.. 수채화 물감의 기술을 습득하여 회화 기술을 익히는 과정을 시작하는 것은 오늘날 인기가 없습니다. 기술에는 학생들의 인내, 인내, 세심함이 필요하기 때문에 학생들에게 항상 쉬운 것은 아니며 교육 과정에서 동화하기 어렵습니다. . 그러나 그림을 가르치는 과정에서 사용되는 수채화는 수채화 기법의 회화성을 그림의 내용을 강화하는 그래픽적인 표현 점과 선으로 해석할 수 있는 교육 과제가 훈련 과정에 포함된다면 학생들의 창의적 사고 방식을 형성할 수 있습니다. 모티브”이미지입니다.
아서 폰비진.
서지
1.Arthur Fonvizin의 마법 수채화.액세스 코드
애플리케이션
Torlopova N.G. 진저브레드 하우스. 2007년, 붐. 수채화
Torlopova N.G. 오래된 자작나무. 2007년, 붐. 수채화
Torlopova N.G. IZBA. 2013년, 붐. 수채화
Torlopova N.G. Obyachevsky는 2007년에 붐을 일으켰습니다. 수채화
모든 수업에 필요한 자료를 찾아보세요.
과목(카테고리), 수업, 교과서 및 주제를 표시합니다.
재료 유형을 선택할 수도 있습니다.
문서에 대한 간략한 설명:
나탈리아 겐나디예브나 토를로포바
식팁카르, 러시아
수채화 연구의 그래픽 해석
(직장 경험에서)
주석
이 기사에서는 예술적 기술로서의 수채화의 가능성과 미래 예술가의 창의성을 형성하는 방법으로서 모티프를 양식화하는 방법에 대해 논의합니다.
이 기사의 저자는 수채화 작업의 기술과 기술적 방법을 분석하고 수채화 스케치 수행에 대한 저자의 권장 사항을 제공하여 작품의 그래픽 표현 스타일을 유지할 수 있습니다.
이 기사에서는 다음과 같이 설명합니다. 예술 기술로서의 수채화의 가능성과 스타일링 모티브로서의 방법, 예술가의 미래 창의성을 형성하는 방법.
저자는 분석한다. 기술적 요령과 수채화 및 저작권 작업 방법은 그래픽 표현 작업 스타일을 견딜 수 있도록 수채화 스케치 구현에 대한 권장 사항을 제공합니다.
핵심 단어: 수채화; 페인팅 기술; 기술; 표현수단; 수채화 플레인 에어; 수채화 스케치; 예술가의 조언;
수채화, 회화 기술, 기법, 표현 수단, 외풍 수채화, 수채화 스케치;아티스트 팁;
직업 훈련 시스템의 "회화"학과 과정은 색채 과학 및 색채학 이론을 연구하는 과정에서 다양한 회화 기술의 기술을 습득하는 것을 목표로합니다. "학술 회화"의 고전 교육에서는 수채화 기술에 대한 연구부터 시작하는 것이 바람직했기 때문에 교육 실습에서 학생들은 "수채화"를 회화 기술로 인식하기 시작했으며 이에 따라 교육은 수채화 기술의 실습을 기반으로 구축되었습니다. 회화 기술을 마스터하는 것. 수채화 물감의 기술을 습득하여 회화 기술을 익히는 과정을 시작하는 것은 오늘날 인기가 없습니다. 기술에는 학생들의 인내, 인내, 세심함이 필요하기 때문에 학생들에게 항상 쉬운 것은 아니며 교육 과정에서 동화하기 어렵습니다. . 그러나 그림을 가르치는 과정에서 사용되는 수채화는 수채화 기법의 회화성을 그림의 내용을 향상시키는 그래픽적인 표현 점과 선으로 해석할 수 있는 교육 과제가 훈련 과정에 포함된다면 학생들의 창의적 사고 방식을 형성할 수 있습니다. 모티브”이미지입니다.
수채화는 흥미롭지만 복잡한 예술적 기술입니다. 수채화를 사용하면 약간의 색상 뉘앙스를 전달하고 한 색상에서 다른 색상으로 부드럽게 전환되는 멋진 그림 스케치를 만들 수 있습니다. 수채화의 고전적 기법을 사용하면 그림 공간을 미묘하게 전달하고 물질성의 환상적 전달을 통해 묘사된 대상의 볼륨을 조각할 수 있습니다.
수채화는 원래 그래픽 기술이었습니다. 원고와 책, 건축 프로젝트, 예술 제품의 스케치를 설명하는 데 사용되었습니다. 그리고 오늘날 일러스트레이션과 이젤 그래픽 시트를 만드는 그래픽 아티스트들 사이에서 인기가 있습니다. 수채화로 작업하는 현대 예술가의 실습에서 플라스틱 얼룩의 다양한 색조와 색상 뉘앙스를 기술적으로 나타내는 스케치에 대한 그림 솔루션은 자주 접하지 않습니다. 스케치를 그림처럼 보이게 만들기 위해 아티스트는 페인트가 종이 위에 자유롭게 흐르고 무작위로 흐르고 혼합되어 사용된 색상의 부드러움과 더 큰 연관성을 만드는 "원시" 기술을 자주 사용합니다. 그러나 젖은 종이만이 그림 문제를 해결하는 데 도움이 된다는 것은 사실이 아닙니다. 수채화의 역사에는 다른 접근 방식의 예가 있습니다. 러시아의 뛰어난 예술가의 수채화 작품입니다.아서 폰비진.“일부 예술가와 미술사학자들은 Fonvizin이 젖은 종이 표면에 수채화를 그렸다고 믿습니다. 이것은 사실이 아닙니다. 작가는 미리 적셔져 있는 종이에 작업을 하지 않았고, 젖은 종이 위에 퍼지는 물감의 변덕에 전적으로 의존했습니다.” 작가는 물감을 겹겹이 칠하는 순서를 세심하게 고려한 건식 수채화 기법을 사용했음에도 불구하고 그 결과 색상이 신선하고 경쾌하며, 실행의 즉각성과 겉으로 보이는 가벼움이 드러났습니다. 수채화 자리가 보존되었습니다. 그의 작품의 일부 미완성 특성은 특별한 간결함과 표현력의 인상을 줍니다.
수채화의 예술 작품은 높은 성능을 요구하며 예술가는 예술적 재료를 마스터하는 기교와 용기를 요구합니다. 많은 예술가들에게 수채화는 창의적 잠재력을 실현하기 위해 여전히 선호하는 기술입니다. 학생들과 함께하는 교육 과정에서 수채화의 그림 잠재력뿐만 아니라 실제 그래픽 기능도 사용하여 그림 지점을 묘사된 "모티프" 요소의 그래픽 표현 이미지로 해석하는 작업을 교육 스케치에 설정한다면, 이는 우리에게 학생들의 창의성을 형성하는 실제적인 방법을 제공합니다. 다음은 작업이 될 수 있습니다. 색상 팔레트를 3가지 색상으로 제한합니다. 유색 반점 모양의 연관 특징을 고려합니다. 공간 계획을 해결하기 위해 현장의 톤과 위치를 고려합니다. 기술적 실행과 압력의 성격이 다른 선 또는 사용된 장비의 성격(브러쉬, 포크, 팔레트 나이프, 강모 브러시, 빗...)에 따라 달라지는 선으로 스케치를 해결합니다.
우리 공화국의 예술가 중에는 창작 활동에서 이 기술을 선호하고 개인적인 해석 방법에 따라 기술적 능력을 사용하는 여러 이름이 있습니다. 이들은 Vladimir Kokachev, Tatyana Vasilyeva 및 Vitaly Trofimov입니다. 따라서 "원시"기술을 사용하여 만든 V. Kokachev의 작품은 부드러운 가소성, 가벼움의 인상을 주며 작가가 그림에 순수한 색상을 도입하는 것을 두려워하지 않기 때문에 비정상적으로 쾌활합니다. Tatyana Vasilyeva의 수채화 작품은 시적이고 미묘한 색상 뉘앙스로 작가의 독창적인 부드럽고 서정적이며 여성적인 해석을 담고 있습니다. Vitaly Trofimov의 수채화 풍경은 활력이 넘치고 젖은 채우기로 강력하며 동시에 풍부한 색상 요소가 절제된 북부 색상으로 능숙하게 구성되어 예술가가 사용하는 제한된 색상 팔레트에 의해 결정되는 기념비성과 중요성의 인상을 전달합니다. 그의 수채화가 그토록 강력한 이유는 작가가 가장 좋아하는 주제인 독특한 극지방 풍경을 구현하고 있다는 점입니다. 모든 예술가는 주변 세계에 대한 개인적인 인식에 부합하는 적절한 수채화 기법을 찾는 방법을 알고 있습니다. 그들의 작품은 '회화'와 '그래픽'의 경계에 있습니다.
작가가 수채화에 대한 실무 경험을 쌓기 위해서는 수련회 활동 외에도 야외로 나가는 것이 더 유용할 수 있습니다. 급변하는 빛 환경은 스케치를 완성하는 데 걸리는 시간을 제한하는데, 그 동안 작가의 경험과 지식이 집중되어 작가의 손길을 직관적으로 안내하고 관찰한 것을 즉시 예술적 이미지로 해석한다. 예측할 수 없는 유동성, 가소성, 톤의 가벼움과 다양한 기술 및 다양한 장비 덕분에 회화적 채색 수단을 모두 사용하여 스케치를 수행하고 그래픽 스케치 수단을 사용하여 이미지를 해결하는 것이 가능합니다. . 외풍 조건에서 만들어진 그림 수채화 스케치를 기반으로 워크숍에서 기억을 바탕으로 그래픽 시트를 만들 수도 있습니다. 이를 통해 작품의 구성, 구현 과정, 말하자면 연출 및 구성을 생각할 수 있습니다. "이미지".
우리가 야외에서 그리는 수채화 스케치는 '르포타주 그래픽'의 한 장르로 정의할 수 있습니다. 빠른 연구는 마치 현장의 "사진 보고서"처럼 풍경이나 건축 모티브, 빛의 상태 또는 자연 환경의 풍부한 색상을 포착합니다. 그러나 자연 상태를 관찰하는 과정에서 만들어지고 수채화로 표현되는 거의 모든 모티브는 그 자체의 개인적, 정서적 경험을 가져옵니다. 스케치와 스케치가 포함된 앨범은 돌보는 시청자가 본 것, 즉 풍경과 건축물, 랜드마크 및 풍경 특징을 기억 속에 보존합니다. 스케치에서 아티스트는 색상 팔레트, 색상, 이미지 얼룩의 특성 또는 그 조합을 선택하여 표현될 수 있는 시간 또는 연중 시간의 순간적인 인상을 포착할 수 있습니다. 작품의 상태와 내용은 작가가 현재 여행하고 있는 특정 풍경을 인지할 때 경험하는 감정적 충동에 의해서도 영향을 받는다. 환경의 조명 상태가 너무 빨리 변하기 때문에 외부 공기에서는 오랫동안 연구하기 위해 노력할 필요가 없습니다. 수채화 스케치를 수행하는 과정에서 관찰된 현상이나 선택한 풍경 모티프 또는 환경 색상의 정확한 "복사본"만을 전달하려고 노력할 필요는 전혀 없습니다. 스케치 작업 과정에서 시트 위의 이미지에 보이는 내용이 동시에 해석됩니다. 반점의 모양과 구성은 예술가가 만들어내는 예술적 이미지를 향상시킵니다. 그가 선택한 색상과 색조 솔루션, 다양성, 또는 반대로 제한된 색조는 묘사된 내용을 향상시키고 구체화합니다. 색상 조합과 점의 형성된 윤곽은 완성된 스케치에 미학을 더해줍니다. 에뛰드 공연 시간은 최대한 압축되어 20 ~ 30 분 이내에 진행되므로 관찰시 연주자의 최대한의 집중이 필요합니다. 모티프의 주요 부분을 색상으로 채운 후 첫 번째 레이어에 건조 기회가 주어집니다. 세부 사항은 브러시의 크기와 특성을 변경하거나 다른 장비(팔레트 나이프, 마른 강모)를 사용하여 건조 상태로 마무리됩니다. 스케치를 수행하기 위해 설명된 기술은 우리의 개별 스타일과 야외 수채화 스케치의 수행 스타일에 대한 저작자를 반영합니다. 이러한 해결책은 갑자기 나타나는 것이 아니라 수채화로 축적된 기술적이고 창의적인 경험이 필요합니다.
그 자신의 수채화 그래픽 스타일의 형성은 색채 과학 이론의 원리를 통합하기 위한 수많은 실험과 다양한 정물화를 수행할 때 구성 수단 및 청중 기술에 대한 고된 연구를 통해 도움이 되었습니다.
이 기사에서는 풍경 모티프의 스케치를 만들 때 수채화로 작업하는 순서와 몇 가지 기술을 공개하고 스타일적으로 그래픽 시트로 일반화하고 학생들이 그러한 경험을 익힐 수 있도록 몇 가지 권장 사항을 제공하려고 합니다.
수채화 스케치를 그래픽 이미지로 정의하는 것은 무엇입니까? 그래픽 아트에서의 표현 수단은 색조, 선, 점을 얻는 획 방식 등이 있으며 이는 작가의 기질에 따라 크게 좌우됩니다. 그래픽 시트의 이미지에는 표현력이 풍부한 색조 그라데이션과 명확하게 보이는 실루엣 또는 윤곽선이 있습니다. 풍경 모티프를 작성하는 과정에서 색 반점을 적용하는 순서를 통해 생각하는 초기 순간은 매우 중요합니다. 묘사된 그림의 큰 색조 관계를 결정하는 대형 및 중형입니다. 그런 다음 요소의 규모, 실루엣의 모양과 역동성, 주어진 형식의 점 조합 배열을 가정하여 안정적인 균형을 얻습니다. 그 후에야 스케치를 시작합니다. 도면은 철저하고 충분히 상세해야 합니다. 여기에서 우리는 하늘, 땅, 파노라마 개체 및 이미지, 구성 중심을 결정하는 요소 및 모티프의 아이디어와 같은 대규모 풍경 질량의 규모를 고려하여 모티프의 전체 구성 문제를 즉시 해결합니다. 풍경화 작업을 할 때 시트 표면을 손상시키는 지우개를 적극적으로 사용해서는 안됩니다. 여러 세션에 걸쳐 긴 스케치를 수행할 때는 얇은 종이에 미리 작업한 판지를 만들어 조심스럽게 토촌으로 옮기는 것이 가장 좋습니다. 한 번에 스케치하는 경우 얇은 붓을 사용하여 희석한 울트라마린을 사용하여 그리는 것이 좋습니다.
페인트 작업을 시작하기 전에 시트 표면 전체를 스폰지로 물에 적셔 과도한 접착제, 먼지 또는 횃불의 과도한 건조를 제거해야합니다. 컬러 작업은 가장 밝은 톤으로 시작하여 어둡고 따뜻하며 밀도가 높은 색상과 반건조 브러시로 끝나야 합니다.
각 개별 작업에 대해 우리는 소위 색상 팔레트라고 하는 페인트 그룹으로 제한합니다. 4-5가지 색상으로 제한하는 것이 좋습니다. 다양한 혼합 덕분에 색조의 풍부함을 만들고 모티프 요소를 필요한 통일된 색상으로 전체적으로 결합할 수 있는 페인트입니다. 풍부한 색상 대비를 달성하고 모티프의 구성적 액센트를 강조하기 위해 선택한 색상 그룹에는 항상 따뜻한 톤과 차가운 톤의 색상이 포함됩니다.
수채화 작업을 할 때는 물감을 섞는 기술과 이를 워크시트에 적용하는 순서를 따르는 것이 매우 중요합니다. 각 후속 레이어는 이전 레이어가 완전히 건조된 후에 적용됩니다. 풍경 모티프의 스케치를 완성하는 데는 20분에서 1시간이 걸립니다. 역설적이게도 작업을 서두르는 것은 필요하지 않으며 심지어 해롭습니다. 초보자가 수채화의 기술 체인을 따르는 것이 왜 그렇게 중요한가요? 이것은 우선 수채화의 기술적 특징과 주요 속성인 투명성의 보존과 관련이 있습니다.
전통적으로 우리는 하늘을 채워 풍경 스케치 작업을 시작하고 가능한 경우 구름 그래픽을 즉시 만들려고 노력합니다. 또는 색상으로 채워진 넓은 브러시를 사용하여 하늘로 정의되는 표면에 색상을 동적으로 재생하고 퍼뜨립니다. 젖은 종이 위에서는 물감이 자유롭게 미끄러지는데, 황토색이나 분홍색 등 다른 색상을 추가하면 색상을 복잡하게 만들 수도 있습니다. 하늘의 한 지점을 작업할 때는 브러시를 빠르고 조심스럽게 사용해야 합니다. 따라서 어떤 곳에서는 구름과 하늘의 일부 영역의 빛, 패턴 또는 하이라이트를 해결하기 위해 흰 종이 영역을 남겨두어야 합니다.
스케치 작업을 할 때 따뜻한 톤과 차가운 톤의 공간적 특성도 고려해야 하며 이는 그림 계획의 톤 문제를 올바르게 해결하는 데 도움이 됩니다. 따라서 브러시에 파란색(오늘의 상태에 따라 울트라마린, FC, 세렐륨 또는 코발트)을 많이 사용하고 종이가 젖어 있는 동안 역동적인 수평 획으로 배경 선의 윤곽을 그릴 수 있습니다. 여기서는 세부 사항이 필요하지 않습니다. 여기서 중요한 것은 하늘과 지면 사이의 대비를 얻는 것입니다.
스케치의 그래픽 스타일은 또한 개발된 형식의 공간에 색상 반점을 도입하는 방식이나 기술이 특징입니다. 공중 원근법에는 공간적 색상 품질의 유능한 사용이 필요합니다. 계획의 색조 개발에는 배경 이미지에서 파란색 페인트와 물로 희석된 색상을 사용해야 합니다. 그리고 스케치의 전경을 묘사할 때 강한 색상대비로 큰 요소들의 따뜻한 이미지를 표현합니다. 우리가 묘사하는 모티프 요소의 실루엣은 볼륨의 환상을 전달하지 않고 평면으로 채워지고 양식화된 점을 사용하여 명확하게 드러납니다. 스케치의 점의 색상은 결코 균일하거나 단색이 될 수 없습니다. 왜냐하면... 유동적이고 움직이는 수채화 자체로는 이런 일이 불가능합니다. 등록의 첫 번째 단계에서는 더 밝은 톤과 색상으로 형식을 완전히 채웁니다. 그러면 이전에 작성된 색상 패드에 따라 다음 단계에서 전경 요소를 입력할 수 있습니다. 수채화 물감의 중요한 특징 중 하나는 채도가 낮더라도 종이에 선명하게 보이는 색 반점을 얻는 것입니다. 따라서 묘사된 개체의 실제로 관찰된 색조와 색상을 얻을 필요는 없습니다(몇 가지 톤을 더 밝게 또는 반대로 더 어둡게 할 수 있음). 그러나 풍경의 큰 요소들과 조명 전달 및 세부 사항의 양 사이의 밝은 색조 관계는 가능한 한 정확하게 관찰되어야 합니다.
큰 색상-톤 관계를 결정한 후 백서 영역이 거의 남지 않을 때 개별 표현 실루엣에 대한 보다 자세한 정교화를 시작합니다. 집, 나무, 잔디 등 풍경 모티프의 가장 표현적이고 특징적인 세부 사항이 소개됩니다. (“오래된 자작나무” 참조). 그 반점은 반드시 조밀하고 균일한 평면을 가질 필요는 없습니다. 그 안의 색상은 밝은 곳에서 어두운 곳으로 또는 그 반대로 분포될 수 있습니다. 그 자리 자체는 다양한 색조로 채워질 수 있지만 단일 톤으로 채워질 수 있습니다. 스케치의 색상은 상대적이라는 점을 잊어서는 안됩니다. 이 모든 것을 통해 이 지점을 특정 이미지와 연관시킬 수 있습니다. 예를 들어, 나무의 면류관에는 한 단계에서 "a la prima" 자유로운 방식으로 다양한 색조가 풍부하지만 2개 이하인 하나의 지점이 있을 수 있습니다. -3가지 색상. 작업의 이 단계에서 우리는 시트 구성의 이전에 고려된 구성, 즉 주요 요소 및 세부 사항의 방향, 중요하고 특징적인 세부 사항 선택의 도움을 받습니다. 작업은 중간 크기의 브러시를 사용하여 수행되며, 브러시가 더 풍부하고 투명할 때 채우기가 수행됩니다. 사물의 색조는 여러 가지 물감을 혼합하거나 다양한 양의 물에 희석된 순수한 색을 사용하여 얻습니다. 이는 그래픽에서 허용됩니다. 가스 그을음 용액을 매우 조심스럽게 도입할 수 있습니다. 이 페인트를 사용하면 해당 지점의 매우 밝은 톤을 음소거하거나 스케치 공간의 깊이로 가져갈 수 있기 때문입니다. 스케치에서 공간적 관계를 명확하게 하려면 희석된 울트라마린 또는 에메랄드 페인트를 사용하는 것이 유용합니다. 이 페인트는 이미지를 형식으로 더 깊이 제거하는 주관적인 품질과 유약의 품질을 갖습니다.
작업에서 풍경 요소의 색조 덩어리를 형성하려면 예술적 브러시와 장비의 다양한 기술적 잠재력을 사용해야 합니다. 하늘과 땅의 경우: 넓은 플루트 브러시 또는 크고 둥근 브러시. 자세한 내용은 "흰색"과 "기둥", 팬 또는 강모 브러시의 가장 미세한 실 첫 번째 숫자입니다. 대형 스케치의 경우 스펀지를 사용할 수도 있습니다. 그래픽 및 요소 세부 묘사의 경우 다음 기술을 사용할 수 있습니다: 빗, 칼, 브러시의 뒤쪽 끝 또는 팔레트 나이프를 사용하여 "스프레이", "파킹", "스크래치"; 질감이나 독특한 그래픽 디자인을 만들기 위해 질감이 있는 재료 조각(니트웨어, 골판지, 가죽 등)을 젖은 다채로운 표면에 적용할 때 "엠보싱" 기술이 사용됩니다. 기술의 선택은 근본적인 것이 아니며 작업에 대한 우리의 감정적 분위기와 사용 가능한 자료에 따라 결정됩니다.
스케치를 완성하려면 풍경에 문체적인 그래픽 완성도를 부여하기 위해 세부 사항의 그래픽 선형 정교화에 다시 한 번 주목할 수 있습니다. 작업은 얇은 브러시로 이루어집니다. 모양을 명확하게 하고 이미지의 작은 세부 사항을 특성화하는 선을 그릴 수도 있습니다. 그림의 투각은 실루엣 채우기 자체 또는 풍경 이미지의 주요 요소의 윤곽으로 제안될 수 있습니다. 이 기술의 도입으로 실루엣의 과도한 대비를 완화하고 디자인에 부드러움과 유연성을 부여합니다. 따라서 스케치 마무리는 여러 세션에 걸쳐 수행되는 작업의 경우 일반적입니다.
일부 작품에서는 이 단계를 생략합니다. 이는 색상-톤 관계의 초기 개발 중에 간결하고 특징적인 색상 반점이 거의 즉시 얻어져 모티프의 필요한 요소를 명확하게 설명하고 이를 정확하게 특성화할 때 발생합니다. 이러한 스케치는 회화 실습에서 알려진 "a la prima" 방법을 반영합니다. 이 경우 전경의 세부 사항을 작업하는 데는 작은 브러시로 그리는 것이 적합합니다.
설명된 실제 경험을 바탕으로 여러 가지 권장 사항을 제시할 수 있습니다. 그래픽 방식으로 풍경을 수채화 스케치하는 것은 반드시 다음 문제에 대한 해결책입니다.
1. 이미지 개체를 관찰하여 그 개체의 특징과 전형적인 점을 강조합니다.
2. 명확한 공간 계획 작성(원거리, 중간 및 전경)
3. 수채화 물감 작업 시 기술 체인 준수;
4. 수채화 채우기를 사용하여 아름답고 표현력이 풍부한 실루엣을 얻습니다.
5. 이미지 객체의 실루엣의 점을 채우고 색상과 투명도가 얇은 점의 조합을 만드는 기술을 연습하는 단계;
6. 그래픽 개선 - 얇은 브러시로 만든 모티프와 요소의 드로잉 라인입니다.
서지
1. Arthur Fonvizin의 마법 수채화. 액세스 코드 http://mizrah.ru/post155983442/
귀하의 의견을 남겨주세요
질문하기.