Nei cinque concerti del festival, sul palco del Mariinsky si esibiranno cinque organisti collaudati, affermati, di grande successo e molto conosciuti (anche russi) provenienti da diversi paesi: Gunter Rost (Germania), Lada Labzina (Russia), Maxim Patel ( Francia), David Briggs (Gran Bretagna), Thierry Esquech (Francia). Il festival sarà dedicato alla memoria dell'eccezionale organista russo, ex organista capo (dal 2008) del Teatro Mariinsky e direttore artistico del Festival d'organo Mariinsky - Oleg Kinyaev, morto improvvisamente nell'estate del 2014. Verranno eseguiti dei lavori compositori XVI Secoli II-XX, trascrizioni proprie e composizioni originali di organisti e improvvisazioni.
24 ottobre. Günter Rost
Günther Rost è un organista che sin dalla prima giovinezza dà concerti attivamente. Dalla sua biografia presentata sul sito web del Teatro Mariinsky, si può scoprire che Günther, all'età di sedici anni, ha eseguito tutte le opere per organo di J.-S. Bach: una buona base per un organista. Poi ci sono stati anni di studio, vittorie nei concorsi e i primi passi come insegnante. Ora Rost è un insegnante ricercato, uno specialista nel campo della costruzione di organi, un organista concertista e discografico (tra i suoi successi c'è la registrazione di tutte le opere per organo di un importante compositore ceco). compositore d'organo Pietro Eben).
Il programma del concerto comprenderà opere di Johann Sebastian Bach (Preludio e Fuga e-moll, BWV 548, Suite francese n. 6, BWV 817), Felix Mendelssohn (sonate per organo n. 3 in la maggiore e n. 5 in re maggiore da il ciclo “Sei Sonate per organo” op. 65), Louis Vierne (Sinfonia per organo n. 6, op. 59). Se con le opere di Bach tutto è più o meno chiaro, qualcosa si può dire anche delle altre opere. Le sonate di Mendelssohn, ad esempio (1844-1845), sono una di queste lavori successivi un compositore che non fu solo un talentuoso pianista, ma anche un abile organista. Queste sonate riflettevano l'esperienza di Mendelssohn come organista, improvvisatore e compositore d'organo. La Sonata n. 3 è basata sul corale di Martin Lutero "Aus tiefer Not schrei ich zu dir" ("Dalle profondità ti invoco").
L'ultima delle sinfonie per organo, la Sesta (Op. 1930) di Louis Vierne, eccezionale organista, compositore e insegnante che diede un contributo significativo all'esecuzione organistica e alla letteratura organistica del XX secolo, è una delle opere di punta del maestro. Matura, piena di voci, armonicamente ricca, ritmicamente e strutturalmente inventiva, fantasiosa e virtuosistica, la Sinfonia per sesto organo promette di diventare il centro e la decorazione del programma di Günther Rost.
25 ottobre. Lada Labzina
Organista del Tatarstan Lada Labzina, lavora (dal 1996) presso il dipartimento di organo e clavicembalo di Kazan Conservatorio di Stato, tiene spesso concerti in Russia e all'estero, anche in vari festival e concorsi (concorsi internazionali intitolati a F. Liszt; M. Tariverdiev; festival “Prestigious Organ”, “Jazz on a Large Organ”, ecc.). Il repertorio del musicista è ampio e comprende musica di varie epoche, dalle opere dell'era barocca agli arrangiamenti di standard jazz.
Al concerto del Festival Mariinsky, Lada Labzina dimostrerà una tavolozza di opere di stili diversi, molti dei quali ampiamente conosciuti. Verranno eseguite opere per organo e trascrizioni di J.-S. Bach (Preludio corale BWV 662, Preludio e Fuga in do maggiore, BWV 547), F. Liszt (Preludio e Fuga sul tema di BACH), S. Frank (Preludio, Fuga e Variazione), N. Rimsky-Korsakov (Il Sea and Sinbad ship", I movimento dalla suite sinfonica "Scheherazade", op. 35; trascrizione per organo di L. Labzina), M. Tariverdiev (Concerto per organo n. 1, "Cassandra"; tra l'altro, con due movimenti da questo lavoro eseguito da L. Labzina può essere trovato sul servizio video YouTube), Volker Brautigam, Compositore tedesco, organista e direttore d'orchestra nato nel 1939 — “Tre arrangiamenti corali in stile jazz"), Krzysztof Sadowski (nato nel 1936, pianista jazz, organista e compositore polacco - Two Jazz Pieces), Dave Brubeck (famoso pianista jazz, uno dei leader del movimento cool-jazz - Preludio dalla suite “Jazz on Pointe” [“Punti sul jazz”], trascrizione di L. Labzina), Dezhe Antalffy-Zsiross (1885-1945, Dezső Antalffy-Zsiross, Compositore ungherese e organista - “Schizzi per canti spirituali negri”). Il variegato programma consentirà all'organista di mettere in mostra tutto il suo “arsenale” esecutivo e di mostrare il suo talento da diversi lati.
26 ottobre. Maxim Patel
Maxime Patel è un organista, pianista, improvvisatore, autore di composizioni musicali francese e diplomato ai Conservatori di Lione e Grenoble. La collezione di Patel comprende registrazioni (comprese le prime) di una serie di interessanti musiche per organo di compositori francesi non molto famosi (Jeanne Demesieux, Naji Hakim, ecc.).
Al concerto di San Pietroburgo verranno presentati tre studi del ciclo “Sei Studi” op.5 di Jeanne Demesieux (“Tercios”, “Sexts”, “Octaves”), che sono considerati tra i migliori risultati esecutivi di Patel (questi studi da concerto non sono tanto artistici quanto virtuosistici richiesti dall'organista con una notevole tecnica esecutiva), così come Domenico Scarlatti (tre sonate - K96, K113, K461 e la famosa “Cat Fugue” g-moll K30), J.-S. Bach (Trio Sonata per organo n. 6 BWV 530), F. Liszt (“Funérailles” [“Corteo funebre” dal ciclo “Armonie poetiche e religiose”]; trascrizione di Jeanne Demesieux), Marcel Dupré (“Il mondo attende il Salvatore”, I parte della “Sinfonia Appassionata”, op. 23), Rolanda Falcinelli (1920-2006, organista, didatta, compositrice francese, vincitrice del Premio Roma - “Scaramuccia”, studio-poema), Pierre Labrique ( n. 1921, organista, insegnante, compositore francese, allievo di J. Demesieux - “Allegro”).
28 ottobre. David Briggs
Organista versatile che esegue musica di epoche e generi diversi (il musicista è noto come autore di numerose trascrizioni per organo), il britannico David Briggs (nato nel 1962) è uno dei migliori organisti inglesi attuali e in assoluto il più comunicativo tra i loro. Briggs è anche famoso come un eccellente improvvisatore, una qualità che ora non tutti gli organisti possiedono (in precedenza, la capacità di improvvisare era un'abilità necessaria per un organista) e viene spesso eseguito come compositore (Briggs è autore di numerose opere musicali). , principalmente per l'organo, ma non solo).
Il programma del festival d'organo comprende “L'apparizione della Chiesa eterna”, un pezzo relativamente antico (1932) del più grande Compositore francese Olivier Messiaen, Tre preludi corali (BWV 654, BWV 686, BWV 671) J.-S. Bach (solo T. Escaich farà a meno delle opere di Bach al festival nel concerto finale), la famosa “Pavane” di M. Ravel (trascrizione per organo) e il poema sinfonico di quasi mezz'ora “Morte e illuminazione” di Richard Strauss (trascrizione per organo di David Briggs, e questo può sembrare piuttosto interessante, data la vasta esperienza di Briggs in termini di tutti i tipi di trascrizioni, anche di musica sinfonica).
30 ottobre. Thierry Esquech
Il musicista più titolato del festival, Thierry Esquech (n. 1965), sembra non aver bisogno di presentazioni: questo musicista è inserito nel pantheon dei migliori organisti del mondo, conosciuto non solo come esecutore, ma anche come compositore, autore di diverse decine di opere (si sostiene che siano più di 100, di cui almeno dieci del genere concertistico, un balletto, una messa e una sinfonia). Come organista, Esquech si è esibito nelle sedi più prestigiose del mondo e possiede già una discografia abbastanza ampia, in continua crescita; il numero registrato dall'organista Esquech comprende opere di compositori come P. Eben, J. Brahms, C. Gounod, J.-S. Bach, W.-A. Mozart, S. Frank, C. Tournemire, M. Duruflé, C. Saint-Saëns, J. Guillou, M. Dupre, A. Jolivet e, naturalmente, le opere dello stesso Esqueche.
Tuttavia, nessuna di queste opere è stata portata al concerto di San Pietroburgo: lo spettacolo includerà improvvisazioni per "Il fantasma dell'opera" (1925) - un film horror muto americano basato sul famoso romanzo di Gaston Leroux e interpretato dal popolare attore del suo tempo, Lon Chaney. Riscrittura musicale (o colonna sonora primaria) di vecchi film utilizzando il moderno musica accademica- un fenomeno abbastanza comune al giorno d'oggi, e questo genere potrebbe non essersi ancora esaurito. A proposito, la moda per questo tipo di attività è arrivata in Russia diversi anni fa (gli ascoltatori russi hanno potuto conoscere la musica degli autori russi per i vecchi film "Un Chien andaluso", "Il gabinetto del dottor Caligari", ecc.). Sappiamo che un organo può suonare “spaventoso” almeno dalle opere per organo di O. Messiaen, K. Sorabji o J. Xenakis (possiamo riferire i curiosi alla coloratissima opera di quest'ultimo “Gmeeoorh”, 1974): qualsiasi suono polifonico acuto la dissonanza portata sul “forte” dell'organo può raggiungere proporzioni universali e far correre l'ascoltatore fuori dalla sala, a capofitto e saltando tra le file, il che significa che Eskesh dovrà solo selezionare gli “ingredienti” necessari affinché tutto il “ gli orrori di cartone” del vecchio film muto non sono divertenti, ma sbocciano con nuovi colori e spaventano, e le immagini sonore di massicce armonie d'organo avvolgono l'ascoltatore e penetrano proprio sotto la sua pelle, facendo accelerare il suo battito cardiaco, cosa che Eskesh - un uomo di grande esperienza organista e improvvisatore: dovrebbero cavarsela perfettamente; tuttavia, a questo proposito, etichettare il concerto “6+” non sembra del tutto appropriato: forse il concerto dell'Esqueche non è il posto migliore da visitare con i bambini, ma chi lo sa...
Organo – strumento antico. I suoi lontani predecessori erano, a quanto pare, la cornamusa e il flauto di Pan. Nei tempi antichi, quando difficile strumenti musicali non ancora, diverse canne di diverse dimensioni iniziarono a essere collegate insieme: questo è il flauto di Pan.
Si credeva che fosse stato inventato dal dio delle foreste e dei boschetti Pan. È facile suonare su una pipa: ha bisogno di un po' d'aria. Ma suonarne diversi contemporaneamente è molto più difficile: non hai abbastanza fiato. Pertanto, già nell'antichità, le persone erano alla ricerca di un meccanismo che potesse sostituire la respirazione umana. Trovarono un meccanismo del genere: iniziarono a pompare aria con mantici, gli stessi che usavano i fabbri per alimentare il fuoco nella fucina.Nel II secolo aC ad Alessandria Ctesebio (lat. Ctesibius, circa III-II secolo aC) inventò un organo idraulico. Da notare che questo soprannome greco significa letteralmente “Creatore della vita” (greco Ktesh-bio), cioè semplicemente il Signore Dio. Questo Ctesibio avrebbe inventato anche un orologio ad acqua galleggiante (che non è giunto fino a noi), una pompa a pistone e un azionamento idraulico
- molto prima della scoperta della legge di Torricelli (1608-1647). (In che modo nel II secolo a.C. era possibile garantire la tenuta necessaria per creare il vuoto nella pompa di Ctesibio? Di che materiale poteva essere fatto il meccanismo a biella della pompa - dopo tutto, per garantire il suono di un organo, è necessaria una sovrappressione iniziale di almeno 2 atm ?).
Nel sistema idraulico, l'aria non veniva pompata da un soffietto, ma da una pressa ad acqua. Pertanto, ha agito in modo più uniforme e il suono era migliore: più fluido e più bello.
Hydraulos era usato dai Greci e dai Romani negli ippodromi, nei circhi e anche per accompagnare i misteri pagani. Il suono del getto idraulico era insolitamente forte e penetrante. Nei primi secoli del cristianesimo la pompa ad acqua fu sostituita dai mantici, che permisero di aumentare le dimensioni delle canne e il loro numero nell'organo.
Passarono i secoli, lo strumento fu migliorato. Apparve la cosiddetta console delle prestazioni o tabella delle prestazioni. Ci sono diverse tastiere su di esso, posizionate una sopra l'altra, e nella parte inferiore ci sono enormi tasti per i piedi - pedali che venivano usati per estrarre il massimo suoni bassi. Naturalmente, i flauti ad ancia - i flauti di Pan - furono a lungo dimenticati. Canne di metallo iniziarono a suonare nell'organo e il loro numero raggiunse molte migliaia. È chiaro che se ogni canna avesse una chiave corrispondente, sarebbe impossibile suonare uno strumento con migliaia di chiavi. Pertanto, sopra le tastiere sono state realizzate manopole o pulsanti di registro. Ogni tasto corrisponde a diverse dozzine o addirittura centinaia di flauti, che producono suoni della stessa altezza ma timbro diverso. Possono essere attivati e disattivati tramite manopole di registro e quindi, su richiesta del compositore e dell'esecutore, il suono dell'organo diventa simile a quello di un flauto, di un oboe o di altri strumenti; può persino imitare il canto degli uccelli.
Già a metà del V secolo, nelle chiese spagnole furono costruiti organi, ma poiché lo strumento suonava ancora forte, veniva utilizzato solo nelle festività principali.
Nell’XI secolo tutta l’Europa costruiva organi. L'organo, costruito nel 980 a Wenchester (Inghilterra), era noto per le sue dimensioni insolite. A poco a poco, i tasti sostituirono i goffi e grandi “piatti”; La gamma dello strumento è diventata più ampia, i registri sono diventati più diversificati. Nello stesso tempo si diffusero un piccolo organo portatile, il portatile, e un organo stazionario in miniatura, il positivo.
L'Enciclopedia Musicale afferma che le chiavi dell'organo risalgono al XIV secolo. erano enormi
- 30-33 cm di lunghezza e 8-9 cm di larghezza. La tecnica di esecuzione era molto semplice: questi tasti venivano colpiti con pugni e gomiti (tedesco: Orgel schlagen). Quali sublimi messe d'organo divinamente ispirate si potevano ascoltare nelle cattedrali cattoliche (si ritiene che risalgano al VII secolo d.C.) con una tale tecnica esecutiva?? Oppure erano orge?
17-18 secoli – “età dell’oro” della costruzione e dell’esecuzione organistica.
Gli organi di quest'epoca si distinguevano per la loro bellezza e varietà di suono; l'eccezionale chiarezza e trasparenza timbrica li rendevano ottimi strumenti per l'esecuzione di musica polifonica.
Gli organi furono costruiti in tutte le cattedrali cattoliche e nelle grandi chiese. Il loro suono solenne e potente si adattava perfettamente all'architettura delle cattedrali con linee ascendenti e archi alti. I migliori musicisti il mondo ha servito come organisti di chiesa. Per questo strumento è stata scritta molta musica eccellente da vari compositori, incluso Bach. Molto spesso scrivevano per l'“organo barocco”, che era più diffuso degli organi dei periodi precedenti o successivi. Naturalmente non tutta la musica creata per l'organo era musica di culto associata alla chiesa.
Per lui furono composte anche opere cosiddette “secolari”. In Russia l'organo era solo uno strumento secolare, poiché nella Chiesa ortodossa, a differenza della Chiesa cattolica, non è mai stato installato.
Dal XVIII secolo i compositori hanno incluso l'organo negli oratori. E nel 19 ° secolo apparve nell'opera. Di norma, ciò era causato da una situazione scenica, se l'azione si svolgeva all'interno o nelle vicinanze di un tempio. Čajkovskij, ad esempio, usò l'organo nell'opera “La pulzella d'Orleans” nella scena della solenne incoronazione di Carlo VII. Sentiamo l'organo anche in una delle scene dell'opera "Faust" di Gounod
(scena nella cattedrale). Ma Rimsky-Korsakov nell'opera "Sadko" ha incaricato l'organo di accompagnare la canzone dell'anziano potente eroe, che interrompe la danza
Re del mare. Verdi nell'opera "Otello" usa un organo per imitare il suono di una tempesta marina. A volte l'organo è incluso nella partitura opere sinfoniche. Con la sua partecipazione vengono eseguite la Terza Sinfonia di Saint-Saëns, il Poema dell'Estasi e il “Prometeo” di Scriabin; anche la sinfonia “Manfred” di Čajkovskij è dotata di un organo, sebbene il compositore non lo avesse previsto. Ha scritto la parte dell'armonium, che spesso viene sostituita dall'organo.
Il romanticismo del XIX secolo, con il suo desiderio di un suono orchestrale espressivo, ebbe un'influenza dubbia sulla costruzione e sulla musica organistica; i maestri cercarono di creare strumenti che fossero "un'orchestra per un esecutore", ma di conseguenza la questione si ridusse a una debole imitazione di un'orchestra.
Allo stesso tempo, nel XIX e XX secolo. Nell'organo apparvero molti nuovi timbri e furono apportati miglioramenti significativi nella progettazione dello strumento.
La tendenza verso organi sempre più grandi culminò nell'enorme organo da 33.112 canne di Atlantic City, New York.
Maglia). Questo strumento ha due sedie e una di queste ha 7 tastiere. Nonostante ciò, nel 20 ° secolo. organisti e costruttori di organi si resero conto della necessità di tornare a tipologie di strumenti più semplici e convenienti.
I resti del più antico strumento simile ad un organo con azionamento idraulico furono ritrovati nel 1931 durante gli scavi ad Aquincum (vicino a Budapest) e datati al 228 d.C. e. Si ritiene che questa città, che aveva un sistema di approvvigionamento idrico forzato, sia stata distrutta nel 409. Tuttavia, in termini di livello di sviluppo della tecnologia idraulica, questa è la metà del XV secolo.
La struttura di un organo moderno.
L'organo è uno strumento musicale a fiato, il più grande e complesso tra gli strumenti esistenti. Lo suonano come un pianoforte, premendo i tasti. Ma a differenza del pianoforte, l'organo non è uno strumento a corde, ma uno strumento a fiato, e risulta non essere un parente strumenti a tastiera e un piccolo flauto.
Un enorme organo moderno è composto da tre o più organi e l'esecutore può controllarli tutti contemporaneamente. Ciascuno degli organi che compongono un così “grande organo” ha i propri registri (serie di canne) e una propria tastiera (manuale). Nelle stanze interne (camere) dell'organo si trovano le canne allineate in file; alcuni tubi possono essere visibili, ma in linea di principio tutti i tubi sono nascosti da una facciata (viale), costituita in parte da tubi decorativi. L'organista siede alla cosiddetta spiltish (cattedra), davanti a lui ci sono le tastiere (manuali) dell'organo, disposte a gradinate una sopra l'altra, e sotto i suoi piedi c'è una pedaliera. Ciascuno degli organi inclusi in
“grande organo” ha il suo scopo e il suo nome; tra i più comuni ci sono "main" (tedesco: Haupwerk), "upper" o "overwerk"
(tedesco: Oberwerk), “ruckpositive” (Rykpositiv), nonché una serie di registri dei pedali. L'organo “principale” è il più grande e contiene i registri principali dello strumento. Il Ryukpositif è simile al Main, ma è più piccolo e dal suono più morbido e contiene anche alcuni registri solisti speciali. L'organo “superiore” aggiunge nuovi timbri solistici e onomatopeici all'insieme; I tubi sono collegati al pedale, producendo suoni bassi per migliorare le linee dei bassi.
Le canne di alcuni degli organi da loro nominati, in particolare quello "superiore" e quello "rukpositivo", sono poste all'interno di camere-alette semichiuse, che possono essere chiuse o aperte utilizzando il cosiddetto canale, con conseguente creazione di crescendo e diminuendo effetti che non sono disponibili su un organo senza questo meccanismo. Negli organi moderni l'aria viene forzata nelle canne mediante un motore elettrico; Attraverso condotti d'aria in legno, l'aria proveniente dal soffietto entra nelle vinladas, un sistema di scatole di legno con fori nel coperchio superiore. In questi fori le canne d'organo vengono rinforzate con le loro “gambe”. Dal windlade, l'aria sotto pressione entra nell'uno o nell'altro tubo.
Poiché ogni tromba è in grado di riprodurre un'altezza del suono e un timbro, un manuale standard di cinque ottave richiede un set di almeno 61 canne. In generale, un organo può avere da diverse centinaia a molte migliaia di canne. Un insieme di canne che producono suoni dello stesso timbro è detto registro. Quando l'organista accende il registro sul perno (tramite un pulsante o una leva posta a lato dei manuali o sopra di essi), è possibile l'accesso a tutte le canne di quel registro. Pertanto, l'esecutore può selezionare qualsiasi registro di cui ha bisogno o qualsiasi combinazione di registri.
Esistono diversi tipi di tubi, creando varietà effetti sonori.
I tubi sono realizzati in stagno, piombo, rame e varie leghe
(principalmente piombo e stagno), in alcuni casi viene utilizzato anche il legno.
La lunghezza dei tubi può variare da 9,8 m a 2,54 cm o inferiore; Il diametro varia a seconda dell'altezza e del timbro del suono. Le canne dell'organo sono divise in due gruppi secondo il metodo di produzione del suono (labiale e ad ancia) e in quattro gruppi secondo il timbro. Nelle canne labiali, il suono viene generato a seguito dell'impatto di un flusso d'aria sulle labbra inferiore e superiore della “bocca” (labium) - un taglio nella parte inferiore del tubo; nelle canne, la sorgente del suono è un'ancia metallica che vibra sotto la pressione di un flusso d'aria. Le principali famiglie di registri (timbri) sono i principali, i flauti, i gambali e le ance.
I principi sono il fondamento di tutto il suono dell'organo; i registri di flauto suonano più calmi, più morbidi e in una certa misura assomigliano nel timbro ai flauti orchestrali; i gambas (archi) sono più penetranti e più acuti dei flauti; Il timbro dell'ancia è metallico, imitando i timbri degli strumenti a fiato orchestrali. Alcuni organi, soprattutto quelli teatrali, hanno anche suoni di percussioni, come piatti e tamburi.
Infine, molti registri sono costruiti in modo tale che le loro canne non producano il suono principale, ma la sua trasposizione un'ottava più alta o più bassa, e nel caso delle cosiddette miscele e aliquote nemmeno un suono, così come gli armonici al tono principale (le aliquote riproducono un armonico, le miscele – fino a sette armonici).
Organo in Russia.
L'organo, il cui sviluppo è legato fin dall'antichità alla storia della Chiesa occidentale, ha potuto affermarsi in Russia, in un Paese dove la Chiesa ortodossa vietava l'uso di strumenti musicali durante il culto.
Rus' di Kiev (X-XII secolo). I primi organi in Russia, così come nell'Europa occidentale, provenivano da Bisanzio. Ciò coincise con l'adozione del cristianesimo nella Rus' nel 988 e con il regno del principe Vladimir il Santo (ca. 978-1015), con un'epoca di contatti politici, religiosi e culturali particolarmente stretti tra i principi russi e i sovrani bizantini. Organo dentro Rus' di Kiev era sostenibile parte integrante corte e cultura popolare. La prima testimonianza di un organo nel nostro paese si trova nella cattedrale di Santa Sofia a Kiev, che, a causa della sua lunga costruzione nei secoli XI-XII. divenne la "cronaca di pietra" di Kievan Rus. Lì è conservato un affresco di Skomorokha, che raffigura un musicista che suona positivamente e due calcanti
(pompe a mantice d'organo), pompando aria nei mantici dell'organo. Dopo la morte
Durante il dominio mongolo-tartaro (1243-1480) dello stato di Kiev, Mosca divenne il centro culturale e politico della Rus'.
Granducato e Regno di Mosca (XV-XVII secolo). In questa era tra
Mosca e l'Europa occidentale svilupparono relazioni sempre più strette. Quindi, nel 1475-1479. L'architetto italiano Aristotele Fioravanti costruì
La Cattedrale dell'Assunzione al Cremlino di Mosca e il fratello di Sofia, Paleologo, nipote dell'ultimo imperatore bizantino Costantino XI e dal 1472 moglie del re
Ivan III, portò a Mosca dall'Italia l'organista Giovanni Salvator.
La corte reale di quel tempo mostrò un vivo interesse per l'arte organistica.
Ciò permise all'organista e costruttore di organi olandese Gottlieb Eilhof (i russi lo chiamavano Danilo Nemchin) di stabilirsi a Mosca nel 1578. Un messaggio scritto dell'inviato inglese Jerome Horsey risale al 1586 sull'acquisto di diversi clavicordi e di un organo costruiti in Inghilterra per la zarina Irina Feodorovna, sorella di Boris Godunov.
Gli organi si diffusero anche tra la gente comune.
Buffoni che viaggiano per la Rus' con i portatili. Per una serie di ragioni, ciò è stato condannato dalla Chiesa ortodossa.
Durante il regno dello zar Mikhail Romanov (1613-1645) e oltre, fino a
1650, ad eccezione degli organisti russi Tomila Mikhailov (Besov), Boris Ovsonov,
Nella sala dei divertimenti di Mosca lavoravano anche Melenty Stepanov e Andrey Andreev, stranieri: i polacchi Jerzy (Yuri) Proskurovsky e Fyodor Zavalsky, i costruttori di organi, i fratelli olandesi Yagan (probabilmente Johan) e Melchert Lun.
Sotto lo zar Alessio Mikhailovich, dal 1654 al 1685, Simone prestò servizio a corte
Gutovsky, musicista “tuttofare” di origine polacca, originariamente da
Smolensk. Con le sue molteplici attività, Gutovsky ha dato un contributo significativo allo sviluppo cultura musicale. A Mosca costruì diversi organi; nel 1662, per ordine dello zar, si recò insieme a quattro dei suoi apprendisti
Persia di donare uno dei suoi strumenti allo Scià di Persia.
Uno degli eventi più significativi della vita culturale Mosca fu fondata nel 1672 dal teatro di corte, dotato anche di un organo
Gutovsky.
L'epoca di Pietro il Grande (1682-1725) e dei suoi successori. Peter, ero molto interessato Cultura occidentale. Nel 1691, ancora diciannovenne, commissionò al famoso costruttore di organi di Amburgo Arp Schnittger (1648-1719) la costruzione di un organo per Mosca con sedici registri, decorato sulla parte superiore con figure in noce. Nel 1697 Schnitger ne inviò un altro a Mosca, questa volta uno strumento a otto registri per un certo signor Ernhorn. Pietro
Io, che cercavo di adottare tutte le conquiste dell'Europa occidentale, tra le altre cose, incaricai l'organista di Görlitz Christian Ludwig Boxberg, che mostrò al re il nuovo organo di Eugen Casparini nella chiesa di S. Pietro e Paolo a Görlitz (Germania), ivi installato nel 1690-1703, per progettare un organo ancora più grandioso per la Cattedrale Metropolitana di Mosca. I progetti per due disposizioni di questo “organo gigante” per 92 e 114 registri furono preparati da Boxberg ca. 1715. Durante il regno dello zar riformatore, furono costruiti organi in tutto il paese, principalmente nelle chiese luterane e cattoliche.
A San Pietroburgo, la Chiesa cattolica di S. Caterina e la Chiesa protestante dei SS. Pietro e Paolo. Per quest'ultimo l'organo fu costruito da Johann Heinrich Joachim (1696-1752) di Mitau (oggi Jelgava in Lettonia) nel 1737.
Nel 1764 in questa chiesa iniziarono a tenersi concerti settimanali di musica sinfonica e oratoria. Così nel 1764 la corte reale fu affascinata dall'esecuzione dell'organista danese Johann Gottfried Wilhelm Palschau (1741 o 1742-1813). Alla fine
1770, l'imperatrice Caterina II commissionò il maestro inglese Samuel
Green (1740-1796) costruzione di un organo a San Pietroburgo, presumibilmente per il principe Potemkin.
Il famoso costruttore di organi Heinrich Adreas Kontius (1708-1792) di Halle
(Germania), operando soprattutto nelle città baltiche, e costruì anche due organi, uno a San Pietroburgo (1791), l'altro a Narva.
Il più famoso costruttore di organi in Russia alla fine del XVIII secolo fu Franz Kirschnik
(1741-1802). L'abate Georg Joseph Vogler, che donò nell'aprile e maggio 1788 a St.
San Pietroburgo, due concerti, dopo aver visitato il laboratorio d'organo, Kirshnik rimase così colpito dai suoi strumenti che nel 1790 invitò il suo assistente maestro Rakwitz, prima a Varsavia e poi a Rotterdam.
L'attività trentennale del compositore, organista e pianista tedesco Johann Wilhelm ha lasciato un segno famoso nella vita culturale di Mosca.
Gessler (1747-1822). Gessler ha studiato organo da uno studente di J. S. Bach
Johann Christian Kittel e quindi nella sua opera aderì alla tradizione del cantore di Lipsia della chiesa di S. Thomas.. Nel 1792 Gessler fu nominato direttore d'orchestra della corte imperiale di San Pietroburgo. Nel 1794 si trasferì a
Mosca, divenne famoso come il miglior insegnante di pianoforte e, grazie a numerosi concerti dedicati all'opera d'organo di J. S. Bach, ebbe un'enorme influenza sui musicisti e amanti della musica russi.
XIX – inizio XX secolo. Nel 19° secolo Tra l'aristocrazia russa si diffuse l'interesse per la riproduzione di musica sull'organo in condizioni domestiche. Il principe Vladimir
Odoevskij (1804-1869), una delle personalità più notevoli della società russa, amico di M. I. Glinka e autore delle prime opere originali per organo in Russia, alla fine degli anni Quaranta dell'Ottocento invitò il maestro Georg Mälzel (1807-
1866) per la costruzione di un organo, passato alla storia della musica russa come
"Sebastianon" (dal nome di Johann Sebastian Bach). Si trattava di un organo domestico, allo sviluppo del quale prese parte lo stesso principe Odoevskij. Questo aristocratico russo vide uno degli obiettivi principali della sua vita nel risvegliare l'interesse della comunità musicale russa per l'organo e per l'eccezionale personalità di J. S. Bach. Di conseguenza, i programmi dei suoi concerti domestici erano principalmente dedicati al lavoro del cantore di Lipsia. Esattamente da
Odoevskij ha anche lanciato un appello al pubblico russo a riunirsi contanti per il restauro dell'organo Bach nella Chiesa Novof (oggi Chiesa Bach) ad Arnstadt (Germania).
M. I. Glinka improvvisava spesso sull'organo di Odoevskij. Dalle memorie dei suoi contemporanei sappiamo che Glinka era dotato di uno straordinario talento improvvisativo. Apprezzava molto le improvvisazioni d'organo di Glinka F.
Foglio. Durante la sua tournée a Mosca il 4 maggio 1843, Liszt tenne un concerto d'organo nella chiesa protestante dei SS. Pietro e Pavle.
Non perse la sua intensità nel XIX secolo. e l'attività dei costruttori di organi. A
Nel 1856 in Russia esistevano 2.280 corpi ecclesiastici. Alla costruzione degli organi installati nel XIX e all'inizio del XX secolo parteciparono aziende tedesche.
Nel periodo dal 1827 al 1854 Karl Wirth (1800-1882) lavorò a San Pietroburgo come costruttore di pianoforti e organi, costruendo diversi organi, tra cui uno destinato alla chiesa di Santa Caterina. Nel 1875 questo strumento fu venduto alla Finlandia. La ditta inglese Brindley and Foster di Sheffield fornì i suoi organi a Mosca, Kronstadt e San Pietroburgo, la ditta tedesca Ernst Rover di Hausneindorf (Harz) costruì uno dei suoi organi a Mosca nel 1897, il laboratorio austriaco di costruzione di organi dei fratelli
Rieger ha eretto diversi organi nelle chiese delle città di provincia russe
(a Nizhny Novgorod - nel 1896, a Tula - nel 1901, a Samara - nel 1905, a Penza - nel 1906). Uno degli organi più famosi di Eberhard Friedrich Walker con
1840 era nella cattedrale protestante dei SS. Pietro e Paolo a San Pietroburgo. Fu costruito sul modello del grande organo costruito sette anni prima nella chiesa di S. Paolo a Francoforte sul Meno.
Un enorme aumento della cultura organistica russa iniziò con la fondazione di corsi di organo presso i conservatori di San Pietroburgo (1862) e Mosca (1885). Diplomato al Conservatorio di Lipsia, originario di Lubecca, Gerich Stihl (1829-) fu invitato come primo insegnante di organo a San Pietroburgo.
1886). La sua attività didattica a San Pietroburgo durò dal 1862 al
1869. Negli ultimi anni della sua vita fu organista della chiesa di Olaya a Tallinea Stihl e il suo successore al Conservatorio di San Pietroburgo durò dal 1862 al 1869. Negli ultimi anni della sua vita fu organista della chiesa di Olaya a Tallinea Stihl e al suo successore al Conservatorio di San Pietroburgo Louis Gomilius (1845-1908), nella loro pratica pedagogica furono guidati principalmente dalla scuola d'organo tedesca. Nei primi anni le lezioni di organo del Conservatorio di San Pietroburgo si tenevano nella Cattedrale di San Pietroburgo. Pietro e Paolo, e tra i primi studenti di organo c'era P. I. Čajkovskij. In realtà l'organo apparve nel conservatorio solo nel 1897.
Nel 1901, anche il Conservatorio di Mosca ricevette un magnifico organo da concerto. Per un anno quest'organo è stato oggetto di esposizione
Padiglione russo dell'Esposizione Mondiale di Parigi (1900). Oltre a questo strumento c'erano altri due organi Ladegast, che nel 1885 trovarono posto nella piccola sala del Conservatorio. Il più grande fu donato da un commerciante e filantropo
Vasily Khludov (1843-1915). Questo organo fu utilizzato al conservatorio fino al 1959. Professori e studenti partecipavano regolarmente a concerti a Mosca e
Pietroburgo, e i diplomati di entrambi i conservatori hanno tenuto concerti anche in altre città del paese. A Mosca si sono esibiti anche artisti stranieri: Charles-
Marie Widor (1896 e 1901), Charles Tournemire (1911), Marco Enrico Bossi (1907 e
1912).
Furono costruiti organi anche per i teatri, ad esempio per l'Imperiale e per
Teatri Mariinsky a San Pietroburgo e successivamente per il Teatro Imperiale di Mosca.
Jacques fu invitato a succedere a Louis Gomilius al Conservatorio di San Pietroburgo
Ganšin (1886-1955). Originario di Mosca, poi cittadino svizzero e allievo di Max Reger e Charles-Marie Widor, diresse la classe di organo dal 1909 al 1920. È interessante notare che la musica d'organo scritta da compositori russi professionisti, a partire da Dm. Bortyanskij (1751-
1825), combinava forme musicali dell'Europa occidentale con i tradizionali melo russi. Ciò ha contribuito alla manifestazione di espressività e fascino speciali, grazie ai quali le opere russe per organo si distinguono per la loro originalità sullo sfondo del repertorio organistico mondiale. Questa è diventata anche la chiave della forte impressione che fanno sull'ascoltatore.
Sono stati realizzati anche dispositivi portatili. Un tale strumento era appeso al collo. Con una mano l'esecutore pompava aria, con l'altra suonava semplici melodie.
Con l'invenzione delle canne si iniziarono a costruire piccoli organi da tavolo dotati solo di registri ad ancia. Sono stati chiamati insegne. Grazie al suo suono acuto, il regale veniva facilmente utilizzato durante le processioni per sostenere il coro.
Vari rappresentanti della ramificata famiglia degli organi, che si diffuse nella pratica musicale dell'epoca, fornirono la base materiale su cui divenne possibile lo sviluppo della creatività e dell'esecuzione organistica speciale. Tuttavia, per molto tempo, la musica per organo non differì nello stile da quella creata per i suoi contemporanei a tastiera (clavicembalo, clavicordo, clavicembalo, virginella) e si unì ad essa nome comune- musica per tastiera. Gli stili indipendenti di organo e clavicembalo si cristallizzarono gradualmente nel corso di un lungo periodo di tempo. Anche nella raccolta di J. S. Bach, pubblicata con il titolo generale “Esercizi Klavier” (“Klavierubung”), si trovano brani per organo e clavicembalo. Tuttavia, con lo sviluppo forme di grandi dimensioni polifonia corale nella musica sacra e la penetrazione delle tecniche polifoniche nel canto polifonico secolare, già nel XV secolo la sfera organistica si faceva sentire sempre più chiaramente. Appaiono intavolature d'organo contenenti brani di vari compositori. Si stanno costruendo nuovi organi. Nel 1490 un secondo organo fu installato nella Cattedrale di S. Timbro a Venezia. Gli edifici ecclesiastici con la loro acustica sonora erano i luoghi migliori per la costruzione di grandi organi, e l'ascolto del pubblico composto da parrocchiani dei più diversi gruppi sociali e posizioni li costrinse a creare immagini vivide e certezze. forme musicali durante la creazione di opere per organo.
L'editore parigino Pierre Attennan pubblica le prime raccolte di musica. Quattro di essi contengono canti e danze, tre presentano il repertorio liturgico per organo e spinetta - si tratta di un arrangiamento di parti corali di messe, preludi, ecc.
Durante il Rinascimento iniziò la formazione di scuole d'organo nazionali, emergenti sulla base delle attività di eminenti organisti del loro tempo. Il più antico di loro è il poeta e compositore fiorentino, rappresentante dell'ars nova italiana Francesco Landino (1325-1397). "Divino Francesco", "Cieco degli Organi" ("organista cieco") - così lo chiamavano i suoi contemporanei. Figlio di un artista che perse la vista da bambino, Francesco divenne poeta, incoronato con una corona d'alloro dalle mani di Petrarca nel 1364, e ispirato improvvisatore all'organo. IN Chiesa di San Lorenzo ha eseguito musica sacra su un grande organo. Alla corte ducale Francesco Landino suonava musica su un apparecchio portatile, eseguendo brani profani e accompagnando i cantanti. Dopo Landino in Italia grande fama acquisito da Antonio Squacialuppi (m. ca. 1471), il famoso organista italiano del XV secolo. Nessuna delle sue composizioni è sopravvissuta, ad eccezione della raccolta di opere di altri compositori da lui pubblicate.
La Germania ha prodotto le migliori figure della cultura organistica del Rinascimento. Questi sono i compositori Konrad Paumann (1410-1475), Heinrich Isaac (1450-1517), Paul Hofheimer (1459-1537), Arnold Schlick (circa 1455-1525).
Tra questi spicca soprattutto la figura del celebre organista di Norimberga Konrad Paumann. Il grande talento musicale e la memoria eccezionale hanno permesso a Pauman, cieco dalla nascita, di padroneggiare l'organo, il liuto, il violino, il flauto e altri strumenti. I frequenti viaggi fuori Norimberga portano a Pauman una vasta fama: all'età di 37 anni lo diventa personalità eccezionale nella sua città natale. In riconoscimento dei suoi meriti musicali gli fu conferito il titolo di cavaliere. Questo fatto è particolarmente significativo perché Pauman proveniva dalle classi inferiori. Raoul Hoffheimer, organista dell'arciduca Sigismondo a Innsbruck, fu successivamente insignito del titolo di cavaliere.
Famoso fatto storico testimonia il grande rispetto di cui godevano gli organisti di quell'epoca: alcuni di loro furono eletti borgomastri, e l'assunzione dell'incarico di organista cittadino fu accompagnata da una sontuosa cerimonia. Già in età avanzata Paumann fu invitato a Monaco come organista di corte del duca Alberto III. Nella Frauenkirche di Monaco, dove famoso organo Pauman suonò, è stata conservata una lapide raffigurante il grande organista con un portatile tra le mani.
Anche l'attività creativa di Pauman ha ricevuto un significato storico. La sua opera principale “Fundamentum organisandi” (“Fundamentum organisandi”, 1452-1455) fu la prima guida all'esecuzione dell'organo e alla tecnica delle trascrizioni strumentali. Contiene gran numero arrangiamenti di canti profani e spirituali. Vengono forniti esempi per la prima volta interpretazione strumentale melodie vocali utilizzando la cosiddetta colorazione (colorazione melodica della melodia principale). Le proposte di Paumann furono continuate e integrate dall’organista di Heidelberg Arnold Schlick nella sua opera “Lo specchio dei costruttori di organi e degli organisti”. I lavori di Paumann e Schlick testimoniano il desiderio emergente di una “comprensione teorica dei processi che si verificano nel campo della coltura di organi.
A metà del XVI secolo divenne molto famosa la scuola di composizione veneziana, il cui fondatore fu il fiammingo Adrian Willart (m. 1562). La musica organistica di questa scuola è rappresentata più chiaramente dalle opere di Andrea Gabrieli (1510-1586) e, soprattutto, del suo allievo e nipote Giovanni Gabrieli (1557-1612). Avendo scritto musica vocale e strumentale in un'ampia varietà di generi, entrambi i Gabrieli nel campo della musica organistica preferirono le forme polifoniche della canzona e della ricercara. In G. Gabrieli troviamo, con ogni probabilità, il primo esempio di quinta fuga con intermezzi, che egli ancora, secondo la tradizione, chiama ricercare.
L'eccezionale organista e clavicembalista bresciano Claudio Merulo (1533-1604) è noto per le sue toccate d'organo, ricercare e canzoni, che testimoniano l'influenza delle tradizioni della musica corale sullo stile organistico. Nel 1557 il giovane musicista fu invitato a Venezia come secondo organista della Cattedrale di S. Mark ed entrò nella galassia dei compositori della scuola veneziana.
Il fiorire della musica sacra in Inghilterra sotto il re Enrico VIII comportò la formazione degli inglesi scuola d'organo. Negli anni Quaranta e Cinquanta del Cinquecento divenne famoso l'organista e compositore John Moerbeck (morto nel 1585). La storia ha preservato i nomi di organisti e compositori, suoi contemporanei. Questi sono Christophe Tee (morto nel 1572), Robert White (morto nel 1574), Thomas Tallis (morto nel 1585).
Un classico della musica d'organo francese è Jean Titlouz (1563-1633). Fu un famoso organista e autore di raccolte di opere per organo. Nella prefazione alle sue opere, J. Titlouz scrive che il suo obiettivo era quello di distribuire un organo con due manuali e un pedale per l'esecuzione separata e chiara della polifonia, soprattutto quando si incrociano le voci.
Le tradizioni dell'organo in Spagna risalgono a secoli fa. Ci sono prove che intorno al 1254 l'università di Salamanca avesse bisogno di un costruttore di organi. Sono noti i nomi degli organisti dei secoli XIV-XV. Tra loro non ci sono solo spagnoli, ma anche rappresentanti di organisti di altre nazionalità. Anche sullo sfondo del fiorire generale della cultura musicale spagnola nel XVI secolo, spiccano i risultati nel campo della musica d'organo. L'eccezionale teorico Juan Bermudo (1510 - morto dopo il 1555) scrive un ampio trattato - "Un libro che chiama per lo studio degli strumenti musicali" ("Libro llamado declaracion de instrumentos musicales", 1549-1555), in particolare le tastiere.
I migliori esempi sono rappresentati dall'opera di Antonio de Cabezon (1510-1566), cembalista cieco e organista di corte del re spagnolo Filippo II. Accompagnando il re nei viaggi, Cabezon viaggiò in Italia, Inghilterra e Paesi Bassi. Tra le sue opere, un posto significativo, come quello di Pauman, è occupato da opere di carattere pedagogico. Tra le opere musicali, Cabezon era più attratto dal tiento (dallo spagnolo tiento - "tocco" o "bastone dei ciechi"). Si tratta di grandi drammi polifonici, vicini nella forma al ricercare e alla fuga antica. Oltre al tiento, piccoli brani come i preludi erano popolari nelle opere dei compositori spagnoli del XVI secolo. Erano chiamati verso, o versillo, un termine preso in prestito dalla sfera della poesia (verso - verso).
Intavolature d'organo polacche sopravvissute del monastero di S. Spirito di Cracovia (1548), Jan di Lublino (1548) e altri danno un'idea della musica d'organo della Polonia nel XVI secolo con il suo carattere piuttosto pronunciato sapore nazionale. Sono noti i nomi di numerosi compositori del XVI secolo. Questi sono Mikolay di Cracovia, Marcin Leopolita, Vaclav di Szamotul e altri.
Allo stesso tempo, il forte sviluppo della cultura organistica europea durante il Rinascimento fu accompagnato da periodi di difficili prove. L'organo, così ampiamente utilizzato nei paesi dell'Europa occidentale, è stato più volte espulso dalla chiesa. Eventi turbolenti In questo periodo le rivolte e le guerre antifeudali presero spesso la forma di lotta religiosa contro la Chiesa cattolica e il papato. Il protestantesimo si oppose ferocemente non solo alle posizioni ideologiche, politiche, teologiche e organizzative del cattolicesimo, ma anche a tutte le manifestazioni esterne del culto cattolico. Tutto ciò che dava sfarzo e grandezza al servizio divino fu perseguitato. Le statue furono distrutte, le icone furono distrutte, le messe polifoniche furono sostituite da semplici canti corali e nelle funzioni religiose fu introdotta la lingua nazionale al posto dei testi latini. Anche l'organo subì un destino crudele. Così, in Inghilterra, il meraviglioso strumento dell'Abbazia di Westminster fu completamente distrutto e le sue pipe, realizzate in una costosa lega metallica, furono vendute in una taverna per un bicchiere di birra. La Guerra dei Trent'anni in Germania portò all'impoverimento del paese, a numerose distruzioni e al declino della cultura musicale. Nei monasteri e nelle cattedrali si limitavano al canto dei corali luterani, che venivano eseguiti dall'intera comunità. Allo stesso tempo, fu in questo periodo che si sviluppò un nuovo stile intonazionale, culminato nell'opera di J. S. Bach. F. Engels ha scritto: “Lutero ripulì le stalle di Augia non solo dalle chiese, ma anche Lingua tedesca, creò la prosa tedesca moderna e compose il testo e la melodia di quel corale, intriso di fiducia nella vittoria, che divenne la “Marsigliese del XVI secolo”. (Engels F. Dialettica della natura. Introduzione. M., 1950, p. 4).
La musica d'organo è stata a lungo caratterizzata da arrangiamenti di melodie di canto gregoriano. Ora la base per tali arrangiamenti nelle opere dei compositori tedeschi sono le melodie dei canti corali protestanti. Il genere del preludio corale, della fantasia corale e delle variazioni corali è ampiamente sviluppato.
L'ETÀ D'ORO DELLA MUSICA D'ORGANO
Tra la fine del XVI secolo e la prima metà del XVII secolo, le figure più importanti nel campo della cultura organistica europea furono tre compositori: l'olandese Jan Peterson Sweelinck, l'italiano Girolamo Frescobaldi e il tedesco Samuel Scheidt. Indubbiamente la formazione dello stile organistico è stata influenzata anche dall'opera di Heinrich Schütz (1585-1672), ideatore della musica sacra basata sulla cultura nazionale, il più grande predecessore di Bach nel campo dei generi cantata-oratorio. Sweelinck (1562-1621) fu nella sua zona l'erede della scuola polifonica olandese, che, a partire dal XV secolo, affermò il predominio dello stile vocale-corale. Le attività creative e performative di Sweelinck si sono svolte ad Amsterdam. Come organista di chiesa, ha composto musica religiosa corale. Essendo un artista straordinario, Sweelinck individualizza sempre più la parte d'organo, introducendovi elementi di virtuosismo. Nella chiesa di Amsterdam organizza indipendenti concerti d'organo, trasformando l'edificio della chiesa in una sala per promuovere nuove forme di fare musica. Sweelinck esegue le sue toccate, capricci e la famosa “Fantasia cromatica”. Al clavicembalo e ad un piccolo organo positivo esegue variazioni su melodie popolari e arrangiamenti di canzoni e danze popolari. Molti famosi organisti della Germania settentrionale studiarono con Sweelinck: Melchior Schild, Heinrich Scheidemann, Jacob Pretorius e altri. Tra i suoi allievi ricordiamo il più grande maestro della musica organistica tedesca della prima metà del XVII secolo, Samuel Scheidt.
Samuel Scheidt (1587-1654) è il fondatore della scuola d'organo della Germania centrale (ad essa appartenevano lo zio di J. S. Bach, Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel e altri). Lavorò a Halle, fu compositore e insegnante, organista di corte e di chiesa, direttore di banda e fu direttore musicale della città. La sua opera più grande fu la “Nuova intavolatura” in tre volumi (1614-1653) per organo e clavicembalo, che comprendeva toccate, fughe, variazioni sulle melodie di corali e canzoni popolari, fantasie, ecc. Scheidt era particolarmente famoso come maestro forma di variazione e autore di vari arrangiamenti corali.
Il geniale compositore tedesco Johann Sebastian Bach nacque a Eeyenach (Germania) il 31 marzo 1685. nella famiglia del musicista ereditario I. A. Bach. Fin dalla tenera età il ragazzo cantava nel coro, imparò a suonare il violino da suo padre, dopo la cui morte si trasferì dal fratello a Ohrdruf, poi a Lüneburg.
Mentre studiava a scuola, il giovane entrò nel coro e nell'orchestra, studiò opere musicali, copiandole per sé, andò ad Amburgo per ascoltare l'esibizione del famoso organista I.A. Reinken. Ma anche cominciando dopo aver finito la scuola (1703) lavoro indipendente violinista a Weimar e poi organista ad Arnstadt, Bach continuò a studiare. Dopo aver ricevuto il permesso, andò a piedi a Lubecca per ascoltare l'esibizione del più importante compositore e organista D. Buxtehude.
Migliorando nell'esecuzione dell'organo, Bach raggiunse vette artistiche insuperabili, divenne ampiamente conosciuto come organista e conoscitore di organi: fu invitato a eseguire musica e ad accettare organi nuovi e aggiornati. Nel 1717 Bach accettò di recarsi a Dresda per partecipare a un concorso con l'organista francese L. Marchand, il quale, però, evitò la competizione lasciando segretamente la città. Bach suonava da solo davanti al re e ai suoi cortigiani, deliziando il pubblico.
Ad Arnstadt, Mühlhausen (1707-1708) e Weimar (1708-1717) si sviluppò vividamente la creatività musicale di Bach, i cui primi esperimenti furono fatti a Ohrdruf. Nel corso degli anni sono state scritte molte opere per organo, clavicembalo e per esecuzione vocale (cantate). Alla fine del 1717 Bach si trasferì a Köthen, assumendo l'incarico di direttore dell'orchestra principesca.
Il periodo Köthen della vita di Bach (1717-1723) è caratterizzato dalla più ampia portata delle sue composizioni musica strumentale. Preludi, fughe, toccate, fantasie, sonate, partite, suite, invenzioni per clavicembalo, violino (solo), violoncello (solo), per gli stessi strumenti con clavicembalo, per orchestra, famosa collezione A Köthen sono stati scritti "Il clavicembalo ben temperato" (primo volume - 24 preludi e fughe), concerti per violino, 6 concerti brandeburghesi per orchestra, cantate, "Passione di San Giovanni" - circa 170 opere.
Nel 1722 Bach accettò l'incarico di cantore (reggente e insegnante) presso la chiesa di S. Tommaso a Lipsia. Qui è stata eseguita la Passione secondo Giovanni, una delle più grandi creazioni di Bach.
Negli anni di Lipsia furono scritte circa 250 cantate (ne sono sopravvissute più di 180), mottetti, la Messa solenne, la Passione secondo Matteo, la Passione secondo Marco (perduta), gli oratori di Natale e di Pasqua, ouverture per orchestra, preludi e fughe , incluso il secondo volume del Clavicembalo ben temperato, sonate per organo, concerti per tastiera e molto altro. Bach diresse il coro e l'orchestra, suonò l'organo e svolse molto lavoro di insegnante nella scuola della Thomaskirche. Con lui studiarono anche i suoi figli, che in seguito divennero famosi compositori, organisti e clavicembalisti, che per un certo periodo eclissarono la gloria del padre.
Durante la vita di Bach e nella seconda metà del XVIII secolo. Poche delle sue opere erano conosciute. La rinascita dell'eredità di Bach è associata al nome di F. Mendelssohn, che eseguì la Passione secondo Matteo nel 1829, 100 anni dopo la sua prima rappresentazione. Le opere di Bach iniziarono a essere pubblicate, eseguite e guadagnarono fama mondiale.
La musica di Bach è intrisa delle idee di umanesimo, della più profonda simpatia per le persone che soffrono e della speranza per un futuro migliore. La nazionalità e l'adesione alle alte tradizioni classiche dell'arte tedesca, italiana e francese ispirarono Bach e crearono il terreno su cui fiorì la sua creatività sorprendentemente ricca. Giubilo e dolore, gioia e dolore, sublime e confuso: tutto questo è inerente alla musica di Bach. Le esperienze spirituali del compositore hanno trovato in esso un'incarnazione così veritiera che le nuove generazioni trovano in esso qualcosa in sintonia con i loro sentimenti e aspirazioni. Nella musica di Bach, l'arte della polifonia (musica polifonica) ha raggiunto la sua massima perfezione.