यह जानना दिलचस्प होगा कि मेरे कितने पाठक हैं जो लिखने का प्रयास करना चाहते थे और पेंटिंग को गंभीरता से लेना चाहते थे, लेकिन समय की कमी या कल्पना की कमी के कारण नहीं, बल्कि व्यापक रूढ़िवादिता के कारण रुक गए कि केवल पेंटिंग में ही सफलता मिल सकती है के बाद हासिल किया कई सालकला शिक्षा?
बहुत से लोग मानते हैं कि स्व-सिखाया कलाकार केवल एक शौक के रूप में लिख सकते हैं, लेकिन वे सफलता, मान्यता और धन पर भरोसा नहीं कर सकते।
कई लोगों के साथ संवाद करते हुए, मैं अधिकांश लोगों से यही राय सुनता हूं अलग - अलग रूप. मैं ऐसे कई कलाकारों को भी जानता हूं जो जुनून से और बहुत अच्छा लिखते हैं, लेकिन अपनी पेंटिंग को सिर्फ इसलिए मनोरंजक मानते हैं क्योंकि उन्होंने खुद कला की शिक्षा नहीं ली है।
किसी कारण से वे ऐसा मानते हैं एक कलाकार एक ऐसा पेशा है जिसकी पुष्टि निश्चित रूप से एक डिप्लोमा और ग्रेड द्वारा की जानी चाहिए।और जब तक आपके पास डिप्लोमा नहीं है, आप कलाकार नहीं बन सकते, अच्छी पेंटिंग्सआप लिख नहीं सकते, और यदि आप "अपने लिए" कोई काम लिखते भी हैं, तो उसे बेचने या जनता के सामने उजागर करने के बारे में सोचना भी मना है।
कथित तौर पर, स्व-सिखाए गए कलाकारों की पेंटिंग को विशेषज्ञों द्वारा तुरंत गैर-पेशेवर के रूप में मान्यता दी जाती है, और इससे केवल आलोचना और उपहास होगा।
मैं साहसपूर्वक कह सकता हूं कि यह सब बकवास है!इसलिए नहीं कि मैं अकेला हूं जो ऐसा सोचता हूं। लेकिन क्योंकि इतिहास दर्जनों सफल स्व-सिखाया कलाकारों को जानता है, जिनकी पेंटिंग्स ने पेंटिंग के इतिहास में अपना सही स्थान लिया है!
इसके अलावा, इनमें से कुछ कलाकार अपने जीवनकाल के दौरान प्रसिद्ध होने में कामयाब रहे, और उनके काम ने सभी को प्रभावित किया विश्व चित्रकला. इसके अलावा, उनमें पिछली शताब्दियों के कलाकार और आधुनिक स्व-सिखाया कलाकार दोनों हैं।
उदाहरण के तौर पर, मैं आपको केवल इनमें से कुछ ऑटोडिडैक्ट्स के बारे में बताऊंगा।
1. पॉल गाउगिन/यूजीन हेनरी पॉल गागुइन
शायद सबसे महान स्व-सिखाया कलाकारों में से एक। पेंटिंग की दुनिया में उनका रास्ता इस तथ्य से शुरू हुआ कि उन्होंने ब्रोकर के रूप में काम करके और अच्छा पैसा कमाकर समकालीन कलाकारों की पेंटिंग हासिल करना शुरू कर दिया।
इस शौक ने उन्हें मोहित कर लिया, उन्होंने पेंटिंग को अच्छी तरह समझना सीख लिया और कुछ समय पर खुद पेंटिंग करने की कोशिश करने लगे। कला ने उन्हें इतना आकर्षित किया कि उन्होंने काम को कम और लिखने को अधिक से अधिक समय देना शुरू कर दिया।
पेंटिंग "वूमन सिलाई" गौगुइन द्वारा तब चित्रित की गई थी जब वह एक स्टॉकब्रोकर थे।
किन्हीं बिंदुओं पर गौगुइन ने खुद को पूरी तरह से रचनात्मकता के लिए समर्पित करने का फैसला किया, अपने परिवार को छोड़ देता है और समान विचारधारा वाले लोगों के साथ संवाद करने और काम करने के लिए फ्रांस जाता है। यहां उन्होंने वास्तव में महत्वपूर्ण कैनवस को चित्रित करना शुरू किया, लेकिन यहीं से उनकी वित्तीय समस्याएं भी शुरू हुईं।
कलात्मक अभिजात वर्ग के साथ संचार और अन्य कलाकारों के साथ मिलकर काम करना उनका एकमात्र स्कूल बन गया।
अंत में, गौगुइन ने सभ्यता से पूरी तरह से नाता तोड़ने और प्रकृति के साथ विलय करने का फैसला किया ताकि स्वर्ग जैसी स्थिति पैदा की जा सके, जैसा कि उनका मानना था। ऐसा करने के लिए, वह प्रशांत महासागर के द्वीपों की ओर रवाना होता है, पहले ताहिती की ओर, फिर मार्केसास द्वीप की ओर।
यहां वह "उष्णकटिबंधीय स्वर्ग" की सादगी और जंगलीपन से मोहभंग हो जाता है, धीरे-धीरे पागल हो जाता है और... अपनी सर्वश्रेष्ठ पेंटिंग बनाता है।
पॉल गाउगिन द्वारा पेंटिंग
अफ़सोस, गौगुइन को पहचान उनकी मृत्यु के बाद मिली। उनकी मृत्यु के तीन साल बाद, 1906 में, पेरिस में उनके चित्रों की एक प्रदर्शनी आयोजित की गई, जो पूरी तरह बिक गई और बाद में सबसे अधिक में से एक बन गई। महँगा संग्रहशांति। उनका काम "शादी कब है?" दुनिया की सबसे महंगी पेंटिंग्स की रैंकिंग में शामिल।
2. जैक वेट्रियानो (उर्फ जैक होगन)
इस मास्टर की कहानी एक तरह से पिछली कहानी से उलट है। यदि गौगुइन की मृत्यु गरीबी में हुई, तो मान्यता की कमी के कारण अपनी पेंटिंग बनाते हुए होगन अपने जीवनकाल में लाखों कमाने में सफल रहेऔर केवल अपने चित्रों के माध्यम से कला के संरक्षक बन गए।
वहीं, उन्होंने 21 साल की उम्र में लिखना शुरू किया, जब एक दोस्त ने उन्हें एक सेट दिया जलरंग पेंट. नये व्यवसाय ने उन्हें इतना आकर्षित किया कि उन्होंने कार्यों की नकल करने की कोशिश शुरू कर दी प्रसिद्ध स्वामीसंग्रहालयों में. और फिर उन्होंने अपने विषयों पर आधारित चित्र बनाना शुरू किया।
परिणामस्वरूप, उनकी पहली प्रदर्शनी में, सभी पेंटिंग बिक गईं, और बाद में उनका काम "द सिंगिंग बटलर" कला जगत में एक सनसनी बन गया: इसे 1.3 मिलियन डॉलर में खरीदा गया था हॉलीवुड सितारेऔर रूसी कुलीन वर्ग, यद्यपि बहुसंख्यक कला समीक्षकवे उन्हें पूरी तरह से ख़राब स्थिति में मानते हैं।
जैक वेट्रियानो द्वारा पेंटिंग
बड़ी आय जैक को कम आय वाले प्रतिभाशाली छात्रों के लिए छात्रवृत्ति का भुगतान करने और दान कार्य में संलग्न होने की अनुमति देती है। और यह सब - बिना अकादमिक शिक्षा के- 16 साल की उम्र में, युवा होगन ने एक खनिक के रूप में काम करना शुरू किया, जिसके बाद उन्होंने औपचारिक रूप से कहीं भी अध्ययन नहीं किया।
3. हेनरी रूसो/हेनरी जूलियन फ़ेलिक्स रूसो
सबसे ज्यादा प्रसिद्ध प्रतिनिधिचित्रकला में आदिमवाद,रूसो का जन्म एक प्लंबर के परिवार में हुआ था, स्कूल से स्नातक होने के बाद उन्होंने सेना में सेवा की, फिर सीमा शुल्क पर काम किया।
इस समय उन्होंने पेंटिंग करना शुरू किया, और यह शिक्षा की कमी ही थी जिसने उन्हें अपनी तकनीक बनाने की अनुमति दी, जिसमें रंगों की समृद्धि, उज्ज्वल विषयों और कैनवास की समृद्धि को छवि की सादगी और प्रधानता के साथ जोड़ा जाता है। .
हेनरी रूसो द्वारा पेंटिंग
कलाकार के जीवनकाल के दौरान भी, उनकी पेंटिंग्स को गिलाउम अपोलिनर और गर्ट्रूड स्टीन ने बहुत सराहा था।
4. मौरिस उटरिलो / मौरिस उटरिलो
एक और फ़्रांसीसी ऑटोडिडैक्ट कलाकार, कलात्मक शिक्षा के बिना, वह एक विश्व-प्रसिद्ध हस्ती बनने में सफल रहे।उनकी मां कला कार्यशालाओं में एक मॉडल थीं और उन्होंने उन्हें पेंटिंग के बुनियादी सिद्धांत भी सिखाए।
बाद में, उनके सभी पाठों में यह देखना शामिल था कि महान कलाकारों ने मोंटमार्ट्रे में कैसे पेंटिंग की। लंबे समय तक, उनके चित्रों को गंभीर आलोचकों द्वारा मान्यता नहीं मिली और वे आम जनता के बीच अपने कार्यों की कभी-कभार बिक्री करके ही जीवित रहे।
मौरिस उत्रिलो द्वारा पेंटिंग
लेकिन 30 साल की उम्र तक उनके काम को नोटिस किया जाने लगा, चालीस साल की उम्र में वे मशहूर हो गए और 42 साल की उम्र में फ्रांस में कला में उनके योगदान के लिए लीजन ऑफ ऑनर प्राप्त हुआ. उसके बाद, उन्होंने अगले 26 वर्षों तक सृजन किया और कला शिक्षा में डिप्लोमा की कमी के बारे में बिल्कुल भी चिंतित नहीं थे।
5. मौरिस डी व्लामिनक
एक स्व-सिखाया हुआ फ्रांसीसी कलाकार जिसकी पूरी औपचारिक शिक्षा पूरी हुई संगीत विद्यालय- उनके माता-पिता उन्हें सेलिस्ट के रूप में देखना चाहते थे। अपनी किशोरावस्था में उन्होंने पेंटिंग करना शुरू किया, 17 साल की उम्र में उन्होंने अपने दोस्त हेनरी रिगालोन के साथ स्व-शिक्षा शुरू की, और 30 साल की उम्र में उन्होंने अपनी पहली पेंटिंग बेचीं।
मौरिस डी व्लामिन्क द्वारा पेंटिंग
इस समय तक, वह सेलो पाठों और प्रदर्शनों से अपना और अपनी पत्नी का भरण-पोषण करने में कामयाब रहे संगीत समूहविभिन्न रेस्तरां में. प्रसिद्धि के आगमन के साथ, उन्होंने खुद को पूरी तरह से पेंटिंग और अपने लिए समर्पित कर दिया भविष्य में फ़ौविस्ट शैली में चित्रों ने 20वीं सदी के प्रभाववादियों के काम को गंभीरता से प्रभावित किया।
6. ऐमो काटानेन/उद्देश्यओ काटाजैनेन
फिनिश समकालीन कलाकार, जिनकी रचनाएँ "शैली से संबंधित हैं" अनुभवहीन कला" चित्रों में बहुत सारा अल्ट्रामरीन नीला रंग है, जो बदले में बहुत शांत है... चित्रों के विषय शांत और शांत हैं।
ऐमो कटाइनेन द्वारा पेंटिंग
एक कलाकार बनने से पहले, उन्होंने वित्त का अध्ययन किया, शराबियों के पुनर्वास के लिए एक क्लिनिक में काम किया, लेकिन इस पूरे समय उन्होंने एक शौक के रूप में पेंटिंग की, जब तक कि उनकी पेंटिंग बिकने और लाने नहीं लगीं। अच्छी आय, जीवन के लिए पर्याप्त।
7. इवान जनरलिक / इवान जनरलिक
क्रोएशियाई आदिमवादी कलाकार जिन्होंने चित्रों से अपना नाम बनाया ग्रामीण जीवन. वह संयोग से प्रसिद्ध हो गए जब ज़ाग्रेब अकादमी के एक छात्र ने उनकी पेंटिंग देखी और उन्हें एक प्रदर्शनी आयोजित करने के लिए आमंत्रित किया।
इवान जनरलिच द्वारा पेंटिंग
सोफिया, पेरिस, बाडेन-बेडेन, साओ पाउलो और ब्रुसेल्स में उनकी एकल प्रदर्शनियाँ होने के बाद, वह आदिमवाद के सबसे प्रसिद्ध क्रोएशियाई प्रतिनिधियों में से एक बन गए।
8. अन्ना मोसेस/अन्ना मैरी रॉबर्टसन मूसा(उर्फ दादी मूसा)
प्रसिद्ध अमेरिकी कलाकार जिन्होंने 67 वर्ष की आयु में पेंटिंग शुरू कीअपने पति की मृत्यु के बाद, वह पहले से ही गठिया से पीड़ित थी। उनके पास कोई कलात्मक शिक्षा नहीं थी, लेकिन उनकी पेंटिंग को गलती से न्यूयॉर्क के एक कलेक्टर ने उनके घर की खिड़की पर देख लिया।
अन्ना मूसा द्वारा पेंटिंग
उन्होंने उनके कार्यों की एक प्रदर्शनी आयोजित करने का सुझाव दिया। दादी मूसा की पेंटिंग्स जल्द ही इतनी लोकप्रिय हो गईं कि उनकी प्रदर्शनियाँ कई जगहों पर आयोजित की गईं यूरोपीय देश, और फिर जापान में। 89 साल की उम्र में दादी को अमेरिकी राष्ट्रपति हैरी ट्रूमैन से पुरस्कार मिला. गौरतलब है कि कलाकार 101 साल तक जीवित रहे!
9. एकातेरिना मेदवेदेवा
रूस में आधुनिक अनुभवहीन कला का सबसे प्रसिद्ध प्रतिनिधि,एकातेरिना मेदवेदेवा ने कला की शिक्षा प्राप्त नहीं की, लेकिन जब उन्होंने डाकघर में अंशकालिक काम किया तो उन्होंने लिखना शुरू किया। आज वह शीर्ष 10,000 की रैंकिंग में शामिल हो गई दुनिया के कलाकार 18वीं सदी से.
एकातेरिना मेदवेदेवा द्वारा पेंटिंग
10. कीरोन विलियम्स/कीरोन विलियमसन
अंग्रेजी कौतुक ऑटोडिडैक्ट, जिन्होंने 5 साल की उम्र में प्रभाववादी शैली में पेंटिंग शुरू की, और 8 साल की उम्र में उन्होंने पहली बार अपनी पेंटिंग्स को नीलामी के लिए रखा। 13 साल की उम्र में, उन्होंने आधे घंटे में नीलामी में अपनी 33 पेंटिंग 235 हजार डॉलर में बेच दीं और आज (वह पहले से ही 18 साल के हैं) वह एक डॉलर करोड़पति हैं।
कीरोन विलियम्स द्वारा पेंटिंग
कीरोन एक सप्ताह में 6 पेंटिंग बनाते हैं और उनके काम के लिए हमेशा कतार लगी रहती है। उसके पास शिक्षा के लिए समय ही नहीं है।
11. पॉल लेडेंट/पोल लेडेंट
बेल्जियम के कलाकार स्व-सिखाया और रचनात्मक हैं।बहक गये ललित कला 40 साल के करीब. तस्वीरों से पता चलता है कि वह काफी एक्सपेरिमेंट करते हैं। मैंने स्वयं चित्रकला का अध्ययन किया...और तुरंत उस ज्ञान को व्यवहार में लागू किया।
हालाँकि पॉल ने पेंटिंग की कुछ शिक्षाएँ लीं, लेकिन अपने अधिकांश शौक उन्होंने स्वयं ही सीखे। प्रदर्शनियों में भाग लिया, ऑर्डर करने के लिए पेंटिंग बनाईं।
पॉल लेडेंट द्वारा पेंटिंग
मेरी टिप्पणियों के अनुसार, रचनात्मक सोच वाले लोग दिलचस्प और स्वतंत्र रूप से लिखते हैं,जिनका सिर अकादमिक से नहीं भरा है कलात्मक ज्ञान. और वैसे, पेशेवर कलाकारों से कम नहीं कला क्षेत्र में कुछ सफलता हासिल करते हैं। बात सिर्फ इतनी है कि ऐसे लोग सामान्य चीज़ों को थोड़ा अधिक व्यापक रूप से देखने से डरते नहीं हैं।
12. जॉर्ज मैकिएल / जॉर्ज मैकिएल
ब्राज़ीलियाई ऑटोडिडैक्ट, आधुनिक प्रतिभाशाली स्व-सिखाया कलाकार। वह अद्भुत फूल और रंगीन स्थिर जीवन पैदा करता है।
जॉर्ज मैकिएल द्वारा पेंटिंग
स्व-सिखाया कलाकारों की यह सूची बहुत लंबे समय तक जारी रखी जा सकती है। ऐसा कहा जा सकता है वान गाग, दुनिया के सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से एक,औपचारिक शिक्षा प्राप्त नहीं की, विभिन्न गुरुओं के साथ छिटपुट रूप से अध्ययन किया और मानव आकृति को चित्रित करना कभी नहीं सीखा (जिसने, वैसे, उनकी शैली को आकार दिया)।
आप फिलिप माल्याविन, निको पिरोस्मानी, बिल ट्रेलर और कई अन्य नाम याद कर सकते हैं: कई प्रसिद्ध कलाकारस्व-शिक्षित थे, अर्थात वे स्वयं ही अध्ययन करते थे!
ये सभी इस तथ्य की पुष्टि करते हैं कि चित्रकला में सफलता के लिए विशेष कला शिक्षाहोना जरूरी नहीं है.
हां, उसके साथ यह आसान है, लेकिन आप बन सकते हैं अच्छा कलाकारऔर इसके बिना. आख़िरकार, किसी ने भी स्व-शिक्षा रद्द नहीं की है... बिल्कुल प्रतिभा के बिना - हम पहले ही इस बारे में बात कर चुके हैं.. मुख्य बात यह है कि स्वयं सीखने और अभ्यास में चित्रकला के सभी उज्ज्वल पहलुओं की खोज करने की तीव्र इच्छा हो .
क्या सभी पेंटिंग फ़्रेमयुक्त हैं?
पीट मोंड्रियन. पीले, लाल, नीले, काले और भूरे रंग के साथ रचना। 1920
2 में से 1जॉर्जेस सेरात. रविवार की दोपहर ला ग्रांडे जट्टे झील पर। 1884
2 में से 2किताब से उद्धरण
“आमतौर पर पेंटिंग्स को प्रदर्शन के लिए फ्रेम में रखा जाता है। फ़्रेम पेंटिंग की ओर ध्यान आकर्षित करते हैं और उसके किनारों की रक्षा करते हैं। कुछ फ़्रेम अलंकृत हैं, विशेष रूप से प्राचीन कलाकृतियाँ जो कभी हवेली में लटकी हुई थीं। अन्य फ़्रेम बहुत सरल हैं; वे कला के चिंतन से ध्यान भटकाते नहीं हैं। फ़्रेम का उद्देश्य अंदर मौजूद चित्रों को पूरक करना है, उन्हें उनके सर्वोत्तम पक्ष से दिखाना है।
पीट मोंड्रियन का मानना था कि फ़्रेम दीवारों की तरह हैं। कभी-कभी ऐसा लगता है जैसे वे दर्शकों और कला के बीच खड़े हैं, मानो कोई बाधा उत्पन्न कर रहे हों, पेंटिंग को बाकी दुनिया से अलग कर रहे हों। मोंड्रियन चाहते थे कि हर कोई उनके काम का आनंद उठाए और कोई भी इससे अलग महसूस न करे। उन्होंने कैनवास के किनारों पर लिखा. और कभी-कभी किनारों पर भी.
उसने इन दीवारों को गिरा दिया!
जॉर्जेस सेरात को यह तथ्य पसंद नहीं आया कि फ़्रेम पेंटिंग के किनारों पर छाया डालते हैं। और उसने फ्रेम स्वयं खींचा। इसमें 25 से अधिक विभिन्न रंगों के हजारों छोटे बिंदु शामिल हैं।
क्या आप जानते हैं कि टेलीविजन स्क्रीन पर छवि बिंदुओं से बनी होती है जिन्हें पिक्सेल कहा जाता है? यह पेंटिंग रंगीन टेलीविजन के आविष्कार से 50 साल से भी पहले चित्रित की गई थी!”
टिप्पणी
फ़्रेम के लिए एक पूरा अध्याय समर्पित करना हास्यास्पद लग सकता है, व्यावहारिक रूप से इसके साथ एक किताब शुरू करना तो बिल्कुल भी नहीं। लेकिन इसके कुछ कारण हैं. सबसे पहले, हम कभी भी किसी चित्र को शून्यता में नहीं देखते हैं। प्रकाश, वह ऊंचाई जिस पर यह स्थित है, पड़ोसी कार्य, एनोटेशन - यह सब इसके चारों ओर जगह बनाता है। आधुनिक मूर्तिकला के बारे में बात करते समय, वे निश्चित रूप से इसके आस-पास के "काव्य स्थान" के बारे में बात करते हैं: कुछ अमूर्त मूर्तिकला का अर्थ तभी पैदा होता है जब दर्शक इसे देखता है। दूसरे, वास्तव में, फ़्रेम अक्सर पेंटिंग का कथानक बन जाता है - जैसा कि ऊपर दिए गए मज़ेदार उदाहरणों में साबित हुआ है। अंत में, फ़्रेम प्रश्नों और उत्तरों की श्रृंखला में एक आवश्यक कड़ी है, जो काम को बेहतर ढंग से समझने में मदद करेगा। यह पता लगाने के बाद कि लेखक कौन है और क्या उसने कला के इतिहास को प्रभावित किया है, आप फ़्रेम पर एक नज़र डाल सकते हैं। वैसे, 1990 में, न्यूयॉर्क मेट्रोपॉलिटन ने उलटी एक तरह की प्रदर्शनी लगाई थी: संग्रहालय ने अक्सर नजरअंदाज की गई वास्तविकता पर ध्यान आकर्षित करने के लिए कई खाली फ्रेम प्रदर्शित किए।
सब कुछ सपाट क्यों है?
नेबामोन दलदलों में शिकार करता है। नेबामोन का मकबरा, लगभग. 1350 ई.पू ई.
2 में से 1जीन मेट्ज़िंगर. खिड़की के पास टेबल. 1917
2 में से 2किताब से उद्धरण
“सभी कला वस्तुएं त्रि-आयामी नहीं दिखतीं।
द्वि-आयामी, या 2डी, छवियां इस पृष्ठ की तरह सपाट हैं। त्रि-आयामी, या 3डी, - गेंद की तरह ऊंचाई, चौड़ाई और गहराई होती है।
में अलग-अलग समयकला या तो उस सतह की तरह सपाट थी जिस पर कलाकार पेंटिंग करते थे, या त्रि-आयामी, वास्तविक चीज़ों की तरह।
अधिकता प्राचीन कला, जैसे मिस्र की दीवार पेंटिंग, सपाट दिखती हैं। यह रेखाचित्र जैसा दिखता है और जीवन से बिल्कुल अलग है।
प्राचीन काल में भी, कलाकार जानते थे कि मात्रा को कैसे व्यक्त किया जाए, और वे जान-बूझकर सपाट चित्र बनाते थे।
में प्राचीन मिस्रकुलीन लोगों को उनके खजाने के साथ चित्रित कब्रों में दफनाया गया था। मकबरे की दीवारों को उन चित्रों से सजाया गया था जो जीवित रहने के लिए नहीं थे। उन्होंने देवताओं को दिखाया कि लोगों ने अपने जीवनकाल में क्या किया।
देवताओं को स्पष्ट करने के लिए छवि सपाट दिखाई देती है।
<…>मेज पर क्या है? क्या आप फूलों का फूलदान, एक गिलास देखते हैं, ताश का पत्ताऔर उसके बगल वाली खिड़की?
जीन मेटज़िंगर परिप्रेक्ष्य के नियमों का पालन नहीं करते हैं, लेकिन फिर भी यह दिखाना चाहते हैं कि पेंटिंग में वस्तुएं त्रि-आयामी हैं। इसलिए, वह उन्हें एक साथ विभिन्न कोणों से चित्रित करता है। इस तकनीक को क्यूबिज़्म कहा जाता है।"
टिप्पणी
यह बिंदु सामान्य संदेह को दर्शाता है कि कलाकार भूल गए हैं कि त्रि-आयामी वास्तविकता को विश्वसनीय रूप से कैसे चित्रित किया जाए - मोटे तौर पर कहें तो, "समान आकर्षित करने के लिए।" नेकेड पीपल की लेखिका सूसी हॉज प्राचीन उस्तादों, अमूर्त कलाकारों और क्यूबिस्टों की मदद लेती हैं। मार्कर "फ्लैट" के तहत उन्हें एक साथ एकत्रित करना काफी मज़ेदार है - क्यूबिस्ट कम से कम अपनी पेंटिंग में तीन से अधिक विमान बनाते हैं, और कभी-कभी एक ही वस्तु को अलग-अलग समय पर चित्रित भी करते हैं, इसलिए उनके काम को फ्लैट नहीं कहा जा सकता है। हालाँकि, इस बचकाने सवाल का कोई स्पष्ट जवाब नहीं है और हर बार आपको यह सोचने की ज़रूरत है कि कलाकार ने सब कुछ सपाट बनाने का फैसला क्यों किया। हॉज सांस्कृतिक विशिष्टताओं के बारे में भूल जाते हैं: परिप्रेक्ष्य एक यूरोपीय आविष्कार है, और कई देशों की कला में, सिद्धांत रूप में, यह नहीं पाया जा सकता है। यह तर्क कि एक सपाट छवि अधिक सजावटी और अमूर्त हो जाती है, काफी उचित है - जैसा कि "सपाट" और "प्राचीन" का जुड़ाव है। लेकिन साथ ही, किसी कारण से हॉज एक बहुत ही सरल और स्पष्ट निष्कर्ष से बचते हैं: छवि से कुछ विवरण हटाकर, लेखक दूसरों पर ध्यान केंद्रित करता है। मोटे तौर पर कहें तो, एक छवि को सरल (और समतल) करके, एक कलाकार इसे और अधिक अभिव्यंजक बना सकता है, और कई मामलों में, सरल बनाने से उसके लिए इस अभिव्यंजना को नियंत्रित करना आसान हो जाएगा।
कला में इतने सारे नग्न लोग क्यों हैं?
सैंड्रो बॉटलिकली. शुक्र का जन्म. 1486
2 में से 1यवेस क्लेन. बिना नाम के एंथ्रोपोमेट्री। 1960
2 में से 2किताब से उद्धरण
“पेंटिंग, मूर्तिकला और फोटोग्राफी में, नग्न लोग बहुत आम हैं।
यह सब प्राचीन यूनानियों से आता है, जो मानते थे कि नग्न शरीर सुंदर और अध्ययन के योग्य था। आज भी कलाकार चित्र बनाना सीखते हैं नग्न लोगशरीर के आकार को बेहतर ढंग से समझने के लिए। इसे कहते हैं जीवन से चित्रण.
प्रेम और सौंदर्य की रोमन देवी नेकेड वीनस एक शंख के खोल में खड़ी होकर तैरती है। के अनुसार प्राचीन कथा, शुक्र का जन्म एक वयस्क के रूप में हुआ और वह समुद्र के पार चला गया। इस किंवदंती के उभरने के कई वर्षों बाद बॉटलिकली ने अपनी पेंटिंग बनाई।
कला में अक्सर नग्नता का प्रतीक होता है नया जीवन. बॉटलिकली के समय में महिलाएं सावधानी से अपने शरीर को ढकती थीं। लेकिन शुक्र नग्न है क्योंकि वह एक देवी है, कोई सामान्य महिला नहीं!
कई कलाकारों का मानना है कि महिला शरीर पुरुष शरीर की तुलना में अधिक सुंदर है, यही कारण है कि कला में नग्न पुरुषों की तुलना में नग्न महिलाएं अधिक आम हैं।
1960 में, यवेस क्लेन के साथ आए नया तरीकामहिलाओं के शरीर को चित्रित करें. उसने नग्न महिलाओं को नीले रंग से ढक दिया और उन्हें फर्श पर एक विशाल कैनवास पर लिटा दिया। उन्होंने "जीवित ब्रश" के रूप में कार्य किया।
टिप्पणी
पुस्तक का सबसे दिलचस्प अध्याय शीर्षक में है - जो सामान्य तौर पर काफी समझने योग्य है। लेकिन हमें यहां भी प्रश्न का स्पष्ट उत्तर नहीं मिलेगा - प्रस्तावित विकल्पों में से कई एक साथ एकत्र किए गए हैं: शरीर की प्लास्टिसिटी और उसकी सुंदरता का अध्ययन, जीवन का प्रतीक और चेहरे पर एक तमाचा जनता की राय. हालाँकि, यहाँ कोई रहस्य नहीं है: दुनिया में कुछ चीजें किसी व्यक्ति में इतनी तीव्र प्रतिक्रिया पैदा करती हैं - रुचि और अजीबता, शर्म और इच्छा, प्रशंसा या, इसके विपरीत, घृणा - नग्नता के रूप में। नंगा मानव शरीरकला में - और, द्वारा कई कारण, यह स्त्री ही है जो जीवन और मृत्यु का सबसे शक्तिशाली प्रतीक है। इस अर्थ में, नग्न शरीर एक कलाकार का उपकरण है, जिसे वह या तो पेंटिंग में चित्रित कर सकता है या जीवन में दिखा सकता है। बाद वाले मामले में हम प्रदर्शन के बारे में बात कर रहे हैं। नग्न प्रदर्शन अधिक रोमांचक, कभी-कभी नाजुक, कभी-कभी अप्रिय होगा। इसके अलावा, नग्न शरीर भी ईमानदारी का एक अनिवार्य प्रतीक है, जिसे लूसियन फ्रायड ने इंसान की असहायता दिखाने के लिए इस्तेमाल करना पसंद किया। साथ ही, यूरोपीय परंपरा में नग्न शरीर सुंदरता के विचार से इतना निकटता से जुड़ा हुआ है कि अत्यधिक अप्रिय शरीर का प्रदर्शन, जैसा कि फ्रायड को पसंद था, कम चौंकाने वाला नहीं है और उम्र बढ़ने और लुप्त होने के बारे में सोचने पर मजबूर करता है। . पुरुषों पर नग्न महिलाओं की प्रधानता के बारे में तर्क के साथ, सब कुछ इतना सरल नहीं है: उदाहरण के लिए, ज़ारिस्ट रूस में, केवल नग्न पुरुष प्रकृति को चित्रित करना संभव था, और महिला कलाकारपरंपरागत रूप से इटली गए।
क्या आपको चित्रों का कथानक जानने की आवश्यकता है?
जॉन एवरेट मिलैस। ओफेलिया. 1851-1852
2 में से 1कॉर्नेलिया पार्कर. ठंडा काला पदार्थ: व्यवधान का अवलोकन। 1991
2 में से 2किताब से उद्धरण
“कहानियाँ कला के सभी रूपों में बताई जाती हैं - पेंटिंग और मूर्तिकला से लेकर सिनेमा तक।
कला का एक काम दूसरे व्यक्ति की कल्पना में एक खिड़की है। हम तथ्यों और कहानियों को किसी और की नज़र से देखते हैं।
लगभग 160 साल पहले प्री-राफेलाइट ब्रदरहुड नामक एक आंदोलन हुआ था। इस आंदोलन के कलाकारों ने अक्सर इतिहास से लिए गए विषयों को चित्रित किया। उनके चित्रों को कभी-कभी "फ़्रेमयुक्त उपन्यास" कहा जाता था। मिलैस प्री-राफेलाइट था।
<…>खूबसूरत ओफेलिया खुद डूब गई, और कलाकार कल्पना करता है कि यह कैसे हो सकता है। चित्र को और अधिक रोचक बनाने के लिए वह उसे अनेक प्रतीकों से सजाता है। उदाहरण के लिए, लाल पॉपपीज़ और नीला फ़ॉरगेट-मी-नॉट्स मृतकों की याद या स्मरण का संकेत देते हैं।
यह एक सुप्रसिद्ध विषय है और लोग लंदन में रॉयल अकादमी में आते थे, जहां पेंटिंग पहली बार 1852 में प्रदर्शित की गई थी।
इस कलाकृति के पीछे एक कहानी है. कॉर्नेलिया पार्कर एक मनोदशा, एक माहौल बनाना चाहती थीं, जिससे हम अपने जीवन के बारे में सोचें और हम पीछे क्या छोड़ेंगे।
हम गार्डन शेड के बारे में ज्यादा नहीं सोचते। हम इसमें अनावश्यक चीजें संग्रहीत करते हैं जिन्हें हम जल्दी भूल जाते हैं। पार्कर ने इसे उड़ा देने का निर्णय लिया!
फिर उसने जली हुई लकड़ी और विकृत धातु के टुकड़े एकत्र किए और उन्हें मछली पकड़ने की रस्सी से छत से लटका दिया। उसने दीवारों पर अशुभ छाया डालने के लिए बीच में एक दीपक रखा।
टिप्पणी
इस अध्याय में, लेखक एक चालाक चाल चलता है और चित्र के निर्माण के इतिहास को उसके कथानक के साथ जोड़ने का प्रयास करता है। यह क्यों आवश्यक है? 20वीं शताब्दी में, कला काफी हद तक कथानकहीन हो गई, और यदि पहले इतिहास को समझे बिना कला को समझना असंभव था (उदाहरण के लिए, क्लासिक आइकन-पेंटिंग कथानकों को पढ़ना - और इसके लिए धन्यवाद, यह समझना कि कलाकार ने क्रांति की या नहीं) किसी दिए गए कार्य में), अब कलाकार का इतिहास और किसी विशेष पेंटिंग के निर्माण का इतिहास बहुत अधिक महत्व प्राप्त कर चुका है। लेखक की जीवनी का अनुसरण करना लंबे समय से चल रहे टीवी श्रृंखला के सीज़न को देखने जितना रोमांचक हो गया है: वह यूरोप चले गए, प्रवासियों के बारे में अधिक परवाह करने लगे, लेकिन इस वजह से वह अचानक कम दिलचस्प हो गए, या कहें, कै गुओकियांग - वह फिर से प्रशिक्षित हो गए बड़े तकनीकी आतिशबाज़ी के उस्ताद ने अपना वैचारिक आकर्षण सब कुछ खो दिया। लेकिन रिचर्ड लॉन्ग: अपने पूरे जीवन में उन्होंने दुनिया भर के रास्तों को रौंदा, अपने विचारों के साथ विश्वासघात नहीं किया, जिसके लिए उन्हें भूमि कला पर सभी पाठ्यपुस्तकों में शामिल किया गया था।
ये सब कौन है?
एडवर्ड हॉपर. चॉपसुई। 1929
2 में से 1मार्क क्विन. वाई. 2006
2 में से 2किताब से उद्धरण
“कई पेंटिंग लोगों से भरी हुई हैं, लेकिन वे कौन हैं?
अतीत में, फोटोग्राफी के आविष्कार से भी पहले, महान लोगों ने अपने चित्र बनवाए थे। कलाकारों को यह दिखाना था कि ग्राहक कितने शक्तिशाली, सुंदर और अमीर थे। अक्सर पूरे परिवार कलाकार के लिए समूह चित्र खिंचवाते थे।
<…>एडवर्ड हॉपर के चित्र में एक रेस्तरां की मेज पर दो फैशनेबल महिलाओं को दिखाया गया है। अतीत के चित्रों के विपरीत, ये महिलाएँ महत्वपूर्ण लोग नहीं हैं। वे सबसे सामान्य हैं और आकस्मिक आगंतुकों से भिन्न नहीं हैं। भीड़ में हम कई ऐसे लोगों को देखते हैं जो हमारे लिए अज्ञात हैं, और हूपर बिल्कुल यही चित्रित करना चाहता था।
और यद्यपि वह दो अजनबियों को दिखाता है, दोनों हॉपर की पत्नी पर आधारित थे!
<…>मार्क क्विन ने सिर ढालने के लिए अपने खून का इस्तेमाल किया। मूर्ति को ठंडा रखा जाता है, नहीं तो वह पिघल जाएगी।
क्विन ने कहा, यह इस बात की याद दिलाता है कि जीवन कितना नाजुक है। हर पांच साल में मूर्तिकार एक नया सिर बनाता है, ताकि आप देख सकें कि उसकी उम्र कैसे बढ़ती है।”
टिप्पणी
दरअसल, जब आप यह सोचते हैं कि चित्र में किसे दर्शाया गया है, तो आपको सबसे पहले उस व्यक्ति के बारे में सोचना होगा जिसने काम का आदेश दिया था। लेखन के समय और मुख्य पात्र की तुलना करके, कोई यह भी अनुमान लगा सकता है कि कलाकार कितना सफल था। बाइबिल कहानियाँवे अक्सर चर्च के आदेशों पर लिखे गए थे, हालाँकि, निश्चित रूप से, निजी आयोग भी थे। प्रभाववादियों से पहले, चित्र मुख्य रूप से अमीर लोगों के लिए ऑर्डर करने के लिए चित्रित किए जाते थे, इसलिए फ्रांसीसी कलाकारों ने एक क्रांति ला दी जब उन्होंने आम लोगों को चित्रित करना शुरू किया - हालांकि, तब उन्हें यह सोचना पड़ा कि इन सभी चित्रों को कैसे बेचा जाए। और मार्क क्विन के काम से, यह निष्कर्ष निकालना आसान है कि कलाकार भूख से नहीं मर रहा है और प्रभाववादियों की समस्याओं का अनुभव नहीं करता है: उसके काम के लिए उतने साहस की आवश्यकता नहीं है जितनी कि ठोस बजट की।
चित्रों में फल क्यों हैं?
पॉल सीज़ेन. सेब और संतरे. 1899
3 में से 1जान वैन केसल. फिर भी जीवन "वनिता"। 1665-1670
3 में से 2जॉन लोरबीर. टार्ज़न/स्टैंडिंग लेग। 2002
3 में से 3किताब से उद्धरण
“कलाकार अक्सर सेब और संतरे रंगते हैं, लेकिन क्यों?
सबसे पहले, फल विश्वसनीय है. मानव मॉडलों के विपरीत, वे पलकें नहीं झपकाते, चिकोटी नहीं काटते या चाय की मांग नहीं करते।
फलों का चित्रण कलाकारों को प्रकृति के आकार, रंग और स्वर का पता लगाने में मदद करता है।
ऐसे चित्रों को स्थिर जीवन कहा जाता है। फोटोग्राफी के आविष्कार से पहले, कलाकारों ने यथार्थवादी स्थिर जीवन बनाकर अपनी प्रतिभा का प्रदर्शन किया। लेकिन फिर सब कुछ बदल गया...
पॉल सीज़ेन ने कैमरे के आविष्कार के बाद इस तस्वीर को चित्रित किया, और उन्हें नहीं लगा कि उनका काम वास्तविकता की नकल करना था। एक फ़ोटोग्राफ़र भी ऐसा कर सकता है!
उन्होंने लिखा है गोल फलएक सपाट कैनवास पर, लेकिन एक नए तरीके से। फल के आकार को दिखाने के लिए, उन्होंने प्रत्येक सेब को एक साथ कई कोणों से, विभिन्न दृष्टिकोणों से चित्रित किया। ऐसा लगता है मानों सेब मेज से गिरने ही वाले हों।
<…>इस चित्र में है दोहरा अर्थ. फूलों के बगल में, जान वैन केसल ने एक खोपड़ी का चित्रण किया - मृत्यु का प्रतीक। यह एक चेतावनी है जो हमें जीवन की कमज़ोरी की याद दिलाती है। हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि अंततः हम मरेंगे!
स्थिर जीवन एक फ्रांसीसी शब्द है जिसका अर्थ है "मृत प्रकृति"। कैनवास पर, फूल ऐसे दिखते हैं जैसे वे जीवित हों, लेकिन अंदर वास्तविक जीवनवे मवाद में बदल जाते हैं।
<…>जॉन लोरबीर एक ऑप्टिकल इल्यूजनिस्ट हैं जो अपनी जमी हुई आकृतियों के लिए प्रसिद्ध हैं।
यहां सब कुछ काफी भ्रमित करने वाला है. यह स्थिर जीवन में कैद किए गए फल के समान वस्तु है, लेकिन साथ ही यह जीवित है और चित्रित नहीं है। समय बीत जाता है, लेकिन वह स्थिर रहता है और पेंटिंग की तरह दीवार पर लटका रहता है।
टिप्पणी
प्रश्न का अच्छा उत्तर है, लेकिन एक महत्वपूर्ण बिंदु गायब है। स्थिर जीवन मुख्य रूप से शुद्ध रूप का अध्ययन है। और यदि कोई कलाकार शायद ही कभी स्थिर जीवन को चित्रित करता है - जैसा कि, उदाहरण के लिए, कई प्रभाववादियों ने किया - इसका मतलब है कि वह चित्र के औपचारिक गुणों के बारे में चिंतित नहीं है, बल्कि उस क्षणिक अनुभूति के बारे में है जो वह व्यक्त करता है। स्थिर जीवन वास्तव में अस्तित्व की कमज़ोरी का विचार व्यक्त करता है - लेकिन कोई इसे पूर्ण नहीं मान सकता: आखिरकार, चित्रों में कई नायक भी नश्वर हैं। यह विचार कि एक प्रदर्शन कृति कभी-कभी स्थिर जीवन बन सकती है, भी काफी मनोरंजक है - लेकिन आपको याद रखना होगा कि यह बहुत दुर्लभ है।
रचनात्मक लोगों का जीवन हमेशा, किसी न किसी तरह, न केवल रहस्य के पर्दे से घिरा होता है, बल्कि विभिन्न प्रकार की अफवाहों से भी घिरा होता है। उनमें से कौन सा सच है, और कौन सी कल्पना है जो सदियों से प्रचलित है?
मिथक 1. सभी कलाकार शराब पीने वाले हैं
रसोइया, विक्रेता, गणित शिक्षक या चौकीदार क्यों नहीं? हाँ, क्योंकि कुछ लोगों को "प्रेरणा के लिए" ईंधन भरने की ज़रूरत होती है। इसमें कोई संदेह नहीं है, कुछ चित्रकार वास्तव में चालीस-डिग्री विधियों, या यहां तक कि दवाओं का उपयोग करके म्यूज का आह्वान करते हैं। कई महान लोग हरे साँप से नहीं कतराते: मोदिग्लिआनी, सावरसोव (और यहाँ एक ही बार में दो रूढ़ियाँ हैं: न केवल वह एक कलाकार है, बल्कि वह रूसी भी है!), वान गाग, गौगुइन और अन्य। तो क्या हुआ? क्या वास्तव में गतिविधि के अन्य क्षेत्रों के प्रतिनिधियों के बीच पर्याप्त शराब पीने वाले नहीं थे? येल्तसिन, स्टालिन, पीटर द ग्रेट, अलेक्जेंडर द ग्रेट को पेंटिंग के प्रति उनके जुनून पर ध्यान नहीं दिया गया, लेकिन शराब के प्रति उनके जुनून का स्वागत है।
मिथक 2. सभी कलाकार गरीब हैं
मिथक 3. सभी कलाकार अमीर हैं
और फिर नहीं! ऐसा लगता है कि इतिहास ऐसे कम उदाहरण जानता है। आंकड़े उन चित्रकारों के पक्ष में बोलते हैं जिन्होंने यथार्थवाद को प्राथमिकता दी या चित्रित को अलंकृत किया। अमीरों (रईसों से लेकर सम्राट तक) के चित्र सोने की खदान से भी अच्छे हैं। कैथरीन द्वितीय के पसंदीदा लोग घबराकर किनारे पर धूम्रपान करते हैं। और फिर भी, पिछले पैराग्राफ के उदाहरण आधुनिक स्वप्नद्रष्टा कलाकारों को गुलाबी हाथियों की दुनिया से वापस धरती पर लाते हैं। अपना काम सही कीमत पर कैसे बेचें? हम बात कर रहे हैंमेरे लेख में “पेंटिंग कितने में बेचें? »
मिथक 4. कलाकार उपहारों पर बचत करते हैं
उन्होंने पेंटिंग दी और सब कुछ ठीक था। मैं अवसर लागत (अर्थात वह समय जो चित्रकार पेंटिंग को बेचने पर खर्च कर सकता था) के बारे में बात नहीं करूँगा। हम मुद्दे के भौतिक पक्ष के बारे में बात कर रहे हैं। पेंट, ब्रश और अन्य उपभोग्य सामग्रियों में पैसे खर्च होते हैं, विशेष रूप से स्ट्रेचर पर कैनवस महंगे होते हैं: एक साधारण 40x50 कैनवास की कीमत औसतन 500-700 रूबल होती है। यदि हम जल रंग के बारे में बात कर रहे हैं तो अब कई हजार रूबल की लागत वाला एक कस्टम बैगूएट और एक चटाई जोड़ें! "घर का बना" की कीमत मुझे खरीदे गए उपहार से कई गुना अधिक है।
मिथक 5. सभी महान कलाकार पुरुष हैं
अरे नहीं, मैं बिल्कुल भी नारीवादी नहीं हूं, बिल्कुल विपरीत। लेकिन मैं अभी भी एक तथ्य बताता हूं: सदियों से महिलाओं को विशेष रूप से रचनात्मकता में शामिल होने की अनुमति नहीं थी। और जैसे ही अनुमति दी गई, जिनेदा सेरेब्रीकोवा, फ्रीडा काहलो, नताल्या गोंचारोवा, मैरी कैसेट और बर्थे मोरिसोट सुरम्य ओलिंप पर चढ़ गए। उन्होंने पुरुषों के बराबर लिखा, इससे बुरा कुछ नहीं! अब किसी भी कला स्टूडियो में जाएँ - दर्शक एक हेयरड्रेसिंग सैलून की तरह हैं (प्रत्येक दस लड़कियों के लिए दो लड़के होते हैं)। लेख में प्रसिद्ध कलाकारों के बारे में और पढ़ें "
रचनात्मक लोग प्रतिभाशाली व्यक्ति होते हैं जो उपयोगी होना और दूसरों का भला करना पसंद करते हैं। उन्हें स्वतंत्रता पसंद है, इसलिए कोई भी प्रतिबंध उन्हें अधिकारों का उल्लंघन माना जाएगा। बहुत से लोग मानते हैं कि रचनात्मक लोग अकेले, दुखी होते हैं और लंबे समय तक जीवित नहीं रहते हैं। सौभाग्य से, यह हमेशा मामला नहीं है. प्रतिभा एक व्यक्ति को भगवान द्वारा दी जाती है, आपको बस उस क्षण का लाभ उठाने और समय पर अपनी क्षमताओं को विकसित करने की जरूरत है।
यह ध्यान देने योग्य है कि प्रतिभाशाली बच्चों में वास्तव में कई दुखी लोग हैं, क्योंकि उनकी रचनात्मकता हमेशा दूसरों के लिए समझ में नहीं आती है। एक नियम के रूप में, औसत व्यक्ति की मस्तिष्क गतिविधि कुछ सीमाओं के भीतर होती है, और जो कुछ भी इन सीमाओं से परे जाता है उसे कुछ अप्राकृतिक और असामान्य माना जाता है। इस कारण से, रचनात्मक लोगों के लिए इस क्रूर दुनिया में जीवित रहना बहुत मुश्किल है, जिसमें बहुत सारी लगातार रूढ़ियाँ और विकसित होने की अनिच्छा है।
तंत्रिका विज्ञान इस बात की पुष्टि करता है कि प्रतिभाशाली व्यक्ति अलग तरह से सोचते और कार्य करते हैं। रचनात्मक लोगों का दिमाग वस्तुतः बहुसंख्यकों की तुलना में विशिष्ट, अलग तरीके से सोचने के लिए डिज़ाइन किया गया है। हालाँकि, प्रकृति का ऐसा उपहार जीवन को काफी जटिल बना सकता है और दूसरों के साथ संबंधों में तनाव ला सकता है। यदि आप किसी रचनात्मक व्यक्ति को जानते हैं, तो संभवतः आपके मन में एक से अधिक बार यह विचार आया होगा कि वह किसी बिल्कुल अलग दुनिया में रहता है। ज्यादातर मामलों में, ऐसे व्यक्तित्व को समझने की कोशिश करना उसे बदलने की कोशिश करने जितना ही व्यर्थ है। ऐसे व्यक्ति के साथ तालमेल बिठाने में सक्षम होने के लिए, आपको दुनिया को उसकी नज़र से देखना सीखना होगा।
मस्तिष्क की निरंतर गतिविधि
रचनात्मक दिमाग अत्यधिक जिज्ञासा से प्रेरित एक नॉन-स्टॉप मशीन है। ऐसा कोई विशेष बटन नहीं है जो विचारों को रोक सके और शांत दिशा में निर्देशित कर सके। रचनात्मक लोग लगातार विभिन्न विचारों के साथ आते हैं जो कई लोगों को अवास्तविक लग सकते हैं। एक प्रतिभाशाली व्यक्ति, अपने जीवन की उन्मत्त गति में, अजीब और कभी-कभी पागल विचारों को साकार करने के लिए अधिक से अधिक ताकत खींचता है।
झूठे की प्रतिभा
यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि रचनात्मक लोग उत्कृष्ट झूठे होते हैं। कई प्रयोगों से पता चला है कि ऐसे व्यक्ति अधिक जटिल और जटिल झूठ बोलने में प्रवृत्त होते हैं। इसके अलावा, वे स्वयं धोखेबाज की पहचान आसानी से कर सकते हैं। रचनात्मकता की अभिव्यक्तियों में से एक मौजूदा पैटर्न की अस्वीकार्यता और स्थापित रूढ़ियों को तोड़ना है। प्रतिभाशाली लोग आसानी से अपने व्यवहार की अनैतिक प्रकृति को समझ जाते हैं, और दूसरों के समान कार्यों से भी शांति से जुड़ जाते हैं।
अविश्वास की उच्च डिग्री
एक प्रतिभाशाली व्यक्ति करीबी लोगों पर भी भरोसा नहीं करता है। हालाँकि वह झूठ को तुरंत पहचान लेता है, लेकिन दूसरों पर संदेह करना भी एक आदत है विशिष्ट विशेषताप्रतिभा। और यह आश्चर्य की बात नहीं है, क्योंकि एक नई खोज करने के लिए, आपको प्राथमिक चीजों को एक अलग कोण से देखना सीखना होगा। इसीलिए एक प्रतिभाशाली व्यक्ति हर चीज़ पर सवाल उठाता है, क्योंकि शुरुआत से कुछ नया बनाना बहुत आसान होता है।
धृष्टता
विभिन्न प्रयोगों के दौरान यह पाया गया कि विनय प्रतिभाशाली लोगों का बस नहीं है। उनमें से कई, एक नियम के रूप में, अपनी क्षमताओं पर गर्व करते हैं और उन्हें कुशलता से उपयोग करते हैं, जो उन्हें अपने लिए अत्यधिक उच्च कीमत निर्धारित करने की अनुमति देता है। इसके अलावा, एक प्रतिभाशाली व्यक्ति यह दिखाने के लिए बहुत उत्सुक रहता है कि वह कितना प्रभावशाली है और चिंता करना कितना जानता है। 
अवसाद
अक्सर प्रतिभाशाली लोगअवसाद में पड़ना. ऐसी कई प्रतिभाओं में विभिन्न फोबिया होते हैं: कुछ लोग लाइलाज बीमारी से पीड़ित होने से डरते हैं, अन्य लोग कम उम्र में ही मरने से डरते हैं, अन्य लोग मकड़ी या कॉकरोच को देखकर बेहोश भी हो जाते हैं। कई देशों में मनोवैज्ञानिकों ने यह पता लगाने की कोशिश की है कि क्या अवसाद का वास्तव में प्रतिभा से कोई संबंध है। मनोरोग क्लीनिकों से प्राप्त आंकड़ों का अध्ययन करने के बाद, उन्होंने पाया कि रचनात्मक व्यक्तियों में मानसिक बीमारी के गंभीर रूप विकसित होने की संभावना अधिक होती है। इसके अलावा, यह साबित हो चुका है कि न केवल प्रतिभा, बल्कि समान विकार भी विरासत में मिल सकते हैं।
अपने आप पर विश्वास करना कठिन है
भले ही किसी व्यक्ति को अपनी क्षमताओं पर भरोसा हो, समय के साथ वह सवाल पूछना शुरू कर देता है: “क्या मैं काफी अच्छा हूं? क्या मैं सब कुछ ठीक से कर रहा हूँ? रचनात्मक लोग लगातार अपने काम की तुलना अन्य उस्तादों की कृतियों से करते हैं और अपनी प्रतिभा पर ध्यान नहीं देते हैं, जो हर किसी के लिए स्पष्ट हो सकता है। इस संबंध में, रचनात्मक ठहराव अक्सर देखा जाता है, जब कोई व्यक्ति यह सोचकर हार मान लेता है कि उसके सभी पिछले विचार व्यर्थ और निरर्थक थे। ऐसे क्षण में, पास में एक वफादार दोस्त का होना बहुत जरूरी है जो मालिक को इस कठिन दौर से बचने में मदद करेगा।
सपने देखने का समय
रचनात्मक लोग सपने देखने वाले होते हैं, इससे उन्हें अपने काम में मदद मिलती है। हममें से कई लोगों ने इस बात पर सबसे ज्यादा गौर किया है सर्वोत्तम विचारजब हम मानसिक रूप से वास्तविकता से बहुत दूर चले जाते हैं तो हमारे पास आते हैं। तंत्रिका विज्ञानियों ने साबित किया है कि कल्पना मस्तिष्क की उन प्रक्रियाओं को सक्रिय करती है जो रचनात्मकता और कल्पना से निकटता से संबंधित हैं।
समय पर निर्भर
अधिकांश महान गुरु स्वीकार करते हैं कि उन्होंने अपनी सर्वश्रेष्ठ कृतियाँ या तो रात में या भोर में बनाईं। उदाहरण के लिए, वी. नाबोकोव ने सुबह 6 बजे उठते ही अपनी कलम उठा ली, और फ्रैंक लॉयड राइट को सुबह 3 बजे काम शुरू करने और कुछ घंटों बाद बिस्तर पर वापस जाने की आदत थी। एक नियम के रूप में, महान लोग रचनात्मक क्षमताशायद ही कभी मानक दैनिक दिनचर्या का पालन करते हों।
गोपनीयता
रचनात्मकता के प्रति यथासंभव खुले रहने के लिए, आपको यह सीखना होगा कि एकांत का रचनात्मक उपयोग कैसे किया जाए। इसे हासिल करने के लिए, कई प्रतिभाशाली लोगों ने अकेलेपन के डर पर काबू पाया। रचनाकारों और कलाकारों को अक्सर अन्य लोग एकाकी समझते हैं, हालाँकि वास्तव में ऐसा नहीं है। एकांत की यह चाहत हो सकती है महत्वपूर्ण बिंदुसर्वोत्तम कार्य बनाने में.
जीवन की बाधाओं पर काबू पाना
कई पंथ रचनाएँ उनके रचनाकारों द्वारा हृदयविदारक दर्द और तीव्र भावनाओं के अनुभव के परिणामस्वरूप जारी की गईं। अक्सर, विभिन्न समस्याएं उत्प्रेरक बन जाती हैं जो अद्वितीय और उत्कृष्ट कृतियों को बनाने में मदद करती हैं। मनोविज्ञान ने इस घटना को वैज्ञानिक नाम दिया है - अभिघातजोत्तर वृद्धि। शोधकर्ताओं ने पाया है कि अक्सर एक मजबूत झटका व्यक्ति को किसी विशेष गतिविधि में सफल होने में मदद करता है, साथ ही खुद में नए अवसरों की खोज भी करता है। 
नए अनुभवों की खोज करें
कई रचनात्मक लोग लगातार नई भावनाओं और छापों की तलाश में रहते हैं। दुर्भाग्य से, उनमें से कुछ इस प्रभाव को प्राप्त करने के लिए शराब और नशीली दवाओं का सहारा लेते हैं। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि एक प्रतिभाशाली व्यक्ति हमेशा नए ज्ञान के लिए खुला रहता है, वह काफी बुद्धिमान और जिज्ञासु होता है। एक भावनात्मक स्थिति से दूसरे में संक्रमण आंतरिक और बाहरी दो दुनियाओं की खोज और समझ के लिए एक प्रकार का इंजन है।
सुंदरता दुनिया को बचाएगी!
रचनात्मक लोगों में, एक नियम के रूप में, उत्कृष्ट स्वाद होता है, इसलिए वे लगातार खुद को सुंदर चीजों से घेरने की कोशिश करते हैं। ये न केवल कपड़ों की वस्तुएं, बल्कि आंतरिक तत्व, पेंटिंग, किताबें और गहने भी हो सकते हैं। कुछ अध्ययनों में पाया गया है कि गायक और संगीतकार कलात्मक सुंदरता के प्रति बढ़ी हुई ग्रहणशीलता और संवेदनशीलता प्रदर्शित करते हैं।
बिंदुओं को जोड़ना
रचनात्मक व्यक्ति ऐसे अवसर ढूंढ़ने में सक्षम होते हैं जहां दूसरों का उस पर ध्यान ही नहीं जाता। अनेक प्रसिद्ध लेखकऔर कलाकारों का मानना है कि रचनात्मकता उन बिंदुओं को जोड़ने की क्षमता है समान्य व्यक्तिमैंने उन्हें उस क्रम में एक साथ रखने के बारे में नहीं सोचा होगा। यदि आप किसी जीनियस से पूछें कि उसने इन चीज़ों को एक साथ कैसे रखा, तो उसे अजीब लगेगा क्योंकि उसके पास इस प्रश्न का उत्तर नहीं होगा। जो दूसरों के लिए कठिन है वह दूसरों के लिए भी कठिन है रचनात्मक व्यक्तिकठिन नहीं है.
रचनात्मक लोगों के बीच, अक्सर ऐसा होता है कि गुलाबी आकाश गरज वाले बादलों से ढक जाता है। संघर्ष, नकारात्मक, यहाँ तक कि एक-दूसरे के प्रति शत्रुतापूर्ण रवैया, ईर्ष्या और नाराजगी भी जन्म लेती है। और अगर बात नकारात्मकता की आती है, तो यह चार्ट से बिल्कुल बाहर है। ऐसी भावनाओं के लिए सबसे आम औचित्य में से एक और अपमानजनक रवैयादुकान में सहकर्मियों के लिए - समय की भावना और कलाकारों द्वारा ग्रह की अधिक जनसंख्या। वे कहते हैं कि शिक्षा के बिना, परिवार के बिना, जनजाति के बिना हर नवोदित व्यक्ति खुद को क्षमताओं और प्रतिभा से संपन्न मानता है, जो वास्तविक रचनाकारों से रोटी छीनता है। लेकिन क्या ये सच है? क्या सचमुच हममें से बहुत सारे लोग हैं और सब कुछ इतना बुरा है?
कलाकारों को हर समय अपने और अपने काम के प्रति बहुत ध्रुवीय दृष्टिकोण का सामना करना पड़ा है। संचार के एक संकीर्ण दायरे के बाहर और भीतर दोनों तरफ से। उदाहरण के लिए, एमिल ज़ोला का उपन्यास लें ( फादर एमिल ज़ोला, 1840-1902) "निर्माण" ( फादर ल'उवरे, 1886) - रौगॉन-मैक्कार्ट श्रृंखला का 14वां उपन्यास। यह रचनात्मकता की पीड़ाओं और कलाकारों के जीवन के साथ-साथ पेंटिंग में प्लेन एयर और स्केच शैली के उद्भव के इतिहास के बारे में बात करता है। मैं यह कहने का साहस करता हूं कि हालांकि ज़ोला के बारे में अक्सर लिखा जाता है कि वह एक फ्रांसीसी लेखक और कलाकार हैं, फिर भी वह बाद वाले नहीं थे। उन्होंने उपन्यासों के एक निंदनीय और प्रतिभाशाली लेखक के रूप में अपनी प्रसिद्धि अर्जित की। और उन्होंने कलाकार के जीवन को एक बाहरी पर्यवेक्षक और कलाकार मित्रों के बीच कला के बारे में चर्चा में निरंतर भागीदार के रूप में आंका।
अभी भी 2016 की फिल्म "सेज़ेन एट मोई" से फ़्रांसीसी लेखक, फ़िल्म निर्देशक और पटकथा लेखक डेनिएल थॉम्पसन (*1942)। लेखक एमिल ज़ोला (चश्मा पहने हुए) और कलाकार पॉल सेज़ेन की दोस्ती के बारे में एक फिल्म।
ज़ोला ने साहित्य को "एक ऐसा विज्ञान माना जिसकी सहायता से मनुष्य और समाज का उसी सटीकता से अध्ययन किया जा सकता है जिस सटीकता से प्रकृतिवादी प्रकृति का अध्ययन करते हैं।" इसलिए, उनके उपन्यास की घटनाओं का गहरा संबंध है सच्ची घटनाएँउस समय के, और मुख्य पात्र वास्तविक लोगों पर आधारित हैं। केवल कुछ तथ्य बदले गए थे और निश्चित रूप से इस बीच लेखक की कल्पनाशक्ति को भी उड़ान भरनी पड़ी थी।
तो, एमिल ज़ोला के उपन्यास के नायकों के प्रोटोटाइप वास्तविक कलाकार थे जो आलोचक और कलाकार लुई लेरॉय के सुझाव पर उस समय पेरिस में थे ( फादर लुई लेरॉय; 1812-1885) को प्रभाववादी कहा जाने लगा। वैसे, इस पर विश्वास न करें जब वे कहते हैं कि यह वह था जिसने इस पदनाम को उपयोग में लाया था। क्योंकि प्रभाववादियों ने स्वयं ही इसका परिचय दिया था, हालाँकि पहले तो वे बहुत आहत हुए थे। क्योंकि लेरॉय ने पहली बार "इंप्रेशन" शब्द का इस्तेमाल बेहद नकारात्मक तरीके से किया था। प्लेन एयर कलाकारों की पहली संयुक्त प्रदर्शनी में क्लॉड मोनेट की एक पेंटिंग को "इंप्रेशन, सोलिल लेवंत" कहा गया ( फ़्रेंच से अनुवादित छाप, उगता सूरज). प्रदर्शनी का दौरा करने के बाद, लुई लेरॉय ने एक और विनाशकारी लेख में बताया कि पेंटिंग के इस स्कूल के कलाकारों के कार्यों को लिखना और पूरा करना भूल गए थे। आख़िरकार, ये तैयार कैनवस नहीं हैं, बल्कि बस त्वरित रेखाचित्र हैं, बिल्कुल यही प्रभाव- एक हल्का सा निशान, एक क्षणभंगुर छाप, और कोई ठोस पेंटिंग नहीं।
क्लाउड मोनेट, इंप्रेशन। उगता सूरज।" 1872, 48×63 सेमी, मर्मोटन-मोनेट संग्रहालय, पेरिस
क्लाउड मोनेट, इंप्रेशन। उगता सूरज।" 1872, 48×63 सेमी, मर्मोटन-मोनेट संग्रहालय, पेरिस। फोटो यहां से।
दरअसल, लुई लेरॉय को आसानी से समझा जा सकता है। सबसे पहले, वह स्वयं एक ग्राफिक कलाकार थे जो नियमित रूप से पेरिस सैलून में प्रदर्शन करते थे और जानते थे कि इस प्रदर्शनी को किस प्रकार का रक्त दिया गया था और इसके लिए कितना काम करने की आवश्यकता थी। मुझे लेरॉय की कोई तस्वीर नहीं मिली एक त्वरित समाधानऑनलाइन। हालाँकि, कई स्रोतों को अब इस बात की जानकारी नहीं है कि उन्होंने केवल आलोचनात्मक नोट्स से अधिक कुछ लिखा था। जैसा कि हो सकता है, नीचे दिए गए काम से आप कल्पना कर सकते हैं कि कितने लोग "पेरिस सैलून" में भाग लेना चाहते थे और ज़ोला ने अपने उपन्यास में क्यों लिखा था कि लाभदायक और कम लाभदायक स्थान थे - उदाहरण के लिए, छत के नीचे।
एडौर्ड जोसेफ डेंटन, "द कॉर्नर ऑफ़ द सैलून", 1880 यहाँ से पुनरुत्पादन.
उपन्यास "क्रिएटिविटी" में एक प्रसंग है जब नायक "सैलून ऑफ़ द रिजेक्टेड" प्रदर्शनी की तैयारी कर रहे हैं ( फादर सैलून डेस रिफ्यूज़) - आधिकारिक फ्रांसीसी प्रदर्शनी के समानांतर एक प्रदर्शनी, जिसमें 1860-1870 के दशक में पेरिस सैलून जूरी द्वारा अस्वीकार की गई पेंटिंग और मूर्तियां प्रस्तुत की गईं ( फादर सैलून डे पेरिस). "सैलून" सबसे प्रतिष्ठित में से एक था कला प्रदर्शनियांफ़्रांस, साथ ही पेरिसियन और वर्तमान अकादमी की आधिकारिक नियमित प्रदर्शनी ललित कला (फादर एकेडेमी डेस बीक्स-आर्ट्स). इसकी कल्पना आधिकारिक शाही स्वाद के प्रचार के रूप में की गई थी। वहां पहुंचना और प्रदर्शन करना कलाकार के लिए प्रतिष्ठा और विपणन क्षमता का विषय था।
कल्पना कीजिए कि उन दिनों उन्होंने सिर्फ ट्यूबों का आविष्कार किया था ऑइल पेन्ट, और कलाकारों ने अपने स्टूडियो को खुली हवा में छोड़ना शुरू कर दिया और अपनी यात्रा के आधार पर छोटे रेखाचित्रों के साथ काम करने के बजाय तुरंत जीवन से अधिक चित्र बनाने लगे। बेशक, कई लोगों के लिए, प्रभाववादियों ने जो किया वह वास्तव में जंगली था। एक सुंदर, अकादमिक रूप से यथार्थवादी पेंटिंग इस तरह दिखती थी।
एडॉल्फे विलियम बौगुएरेउ, "प्रशंसा"। 1897, सैन एंटोनियो कला संग्रहालय (टेक्सास)
एडॉल्फे विलियम बौगुएरेउ, "द वेव"। 1896, निजी संग्रह
और अब, तुलना के लिए, एडौर्ड मानेट की पेंटिंग, जो उपन्यास "क्रिएशन" में सबसे आगे है (केवल ज़ोला कहती है कि इसके मुख्य नायक क्लाउड ने लिखा था) और जिसे सैलून जूरी ने सर्वसम्मति से और आक्रोशपूर्वक खारिज कर दिया। क्या? दो आदमियों के साथ नंगी चाची? कैसी अय्याशी? और वह दर्शकों की ओर इतनी बेशर्मी से क्यों देखती है? और हम जानते हैं कि यह कौन है! हाँ, हाँ - हमने इस घरेलू विध्वंसक को पहचान लिया! और अनुपात के स्पष्ट उल्लंघन के साथ यह किस प्रकार की औसत दर्जे की लेखन शैली है। "पेंटिंग की शैली टूट जाती है शैक्षणिक परंपराएँउस समय का. कठोर "फ़ोटोग्राफ़िक" प्रकाश हाफ़टोन को ख़त्म कर देता है। मानेट ने ब्रश स्ट्रोक को छिपाने की कोशिश नहीं की, और इसलिए पेंटिंग कुछ जगहों पर अधूरी दिखती है। "लंच ऑन द ग्रास" में नग्नता अकादमिक स्कूल ऑफ़ पेंटिंग के कलाकारों की कोमल और दोषरहित आकृतियों से बहुत अलग है।
एडौर्ड मानेट, "लंचियन ऑन द ग्रास"। 1863 ऑर्से संग्रहालय, पेरिस
बेशक, अकादमिक कलाकारों के कार्यों की तुलना में, प्रभाववादियों के काम ऐसे दिखते थे जैसे रेखाचित्र जनता को दिखाए जा रहे हों। आख़िरकार, उस समय कोई कल्पना भी नहीं कर सकता था कि प्लेन एयर स्कूल की भावनात्मक पेंटिंग की आश्चर्यजनक शैली के पीछे कितनी बड़ी संभावनाएं छिपी हैं।
मैंने पहले ही कई बार आपका ध्यान इस तथ्य की ओर आकर्षित किया है कि आपको यह स्पष्ट रूप से समझने की आवश्यकता है कि यह विचार कितना गलत है कि कला में एक दिशा को धीरे-धीरे दूसरे द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, हालांकि पाठ्यपुस्तकों में उन्हें उसी तरह दिया जाता है - उबाऊ और एक-एक करके। अक्सर कला में नए रुझान चित्रण के स्वीकृत या फैशनेबल तरीके के समानांतर उभरे। नई दिशाओं के रचनात्मक लोगों को हमेशा धूप में एक जगह के लिए लड़ने के लिए मजबूर किया गया है, क्योंकि उन्होंने जो किया वह बिल्कुल असामान्य था। हम नए और समझ से बाहर से कैसे संबंधित हैं? धन्यवाद यदि हम उन दुष्ट एलियंस की तरह नहीं मारते जिन्होंने हमारे गर्म घोंसले में घुसपैठ की है।
जॉन सिंगर सार्जेंट, क्लाउड मोनेट पेंटिंग एट द एज ऑफ़ ए फ़ॉरेस्ट, 1885, टेट गैलरी
प्रभाववाद के साथ भी ऐसा ही था। अधिक भावनात्मक चित्रकला का यह नया आंदोलन अकादमिक लेखन के समानांतर उभरा - उपर्युक्त अकादमिकता। वर्षों बाद भी, प्रभाववादियों के समूह के कई कलाकारों ने "सैलून" में जाने और वहां क्रांति करने की उम्मीद नहीं छोड़ी, और कहीं शांत दलदल में नहीं। और ऐसा हुआ.
लेकिन, चलिए उपन्यास "क्रिएटिविटी" और इसके आसपास के घोटालों पर वापस लौटते हैं। कई प्रभाववादियों, जिनके सर्कल में ज़ोला शामिल था, ने तुरंत खुद को "रचनात्मकता" में पहचान लिया। ज़ोला के युवा मित्र - कलाकार पॉल सेज़ेन ( फादर पॉल सेज़ेन, 1839-1906) - बस लेखक के साथ संबंध तोड़ दिया। ज़ोला ने उपन्यास के लिए सेज़ेन के जीवन की वास्तविक घटनाओं और तथ्यों का उपयोग किया, लेकिन साथ ही इसे अपने विवरणों से सजाया और कथानक को इस तरह मोड़ दिया कि पाठक का ध्यान मुख्य पात्र, क्लाउड लांटियर की अपूर्णता और विफलता की ओर आकर्षित हो सके। ज़ोला के अनुसार, क्लाउड एक असफल कलाकार था, लेकिन, विवरणों को देखते हुए, वह वास्तविक कलाकार पॉल सेज़ेन से बहुत मिलता जुलता था। सब कुछ के अलावा, ज़ोला अपने नायक के लिए कोई रास्ता नहीं देखता है और बस उसे अपनी कार्यशाला में "फांसी" देता है - उसे मारता है। आप कल्पना कर सकते हैं कि पॉल ने क्या अनुभव किया जब उसने उपन्यास में खुद को पहचाना और उसकी और उसके साथियों की राय को महसूस किया सबसे अच्छा दोस्त, और आपके आसपास के लोग? लेकिन जनता ज़ोला की साहसी प्रकृतिवाद से प्रसन्न थी।
बाईं ओर पॉल सेज़ेन हैं, दाईं ओर एमिल ज़ोला अपने प्रारंभिक वर्षों में हैं।
यहां डी. एल. बायकोव की रीटेलिंग का एक संक्षिप्त अंश दिया गया है, ताकि आप समझ सकें कि वहां कौन से जुनून भड़क रहे थे: "क्लाउड पुराने दोस्तों से मिलने जाता है: मैगुडो जनता के स्वाद से कमतर है, लेकिन फिर भी प्रतिभा और ताकत बरकरार रखता है, फार्मासिस्ट अभी भी साथ है वह और भी बदसूरत हो गया है; झोरी आलोचना से उतना पैसा नहीं कमाता जितना कि सामाजिक इतिहास से और खुद से काफी खुश है, जो अपनी पूरी ताकत से क्लाउड की पेंटिंग चुरा रहा है, और इरमा, जो हर हफ्ते प्रेमी बदलता है; समय-समय पर अन्य, क्योंकि दो अहंकारियों और निंदकों के लगाव से अधिक मजबूत कुछ भी नहीं है, क्लाउड के पुराने मित्र, एक मान्यता प्राप्त गुरु, जिन्होंने लगातार कई महीनों तक अकादमी के खिलाफ विद्रोह किया, एक गहरे संकट से बाहर नहीं निकल सकते, नहीं देख सकते। नए रास्ते, प्रत्येक नई योजना के कार्यान्वयन के बारे में कलाकार के दर्दनाक डर के बारे में बात करते हैं, और अपने अवसाद में क्लॉड डरावनी दृष्टि से अपनी पीड़ा का एक शगुन देखता है।"
और अंत में: "... युग की हवा जहरीली हो गई है, बोंग्रान सैंडोज़ ने एक ऐसे प्रतिभाशाली व्यक्ति के अंतिम संस्कार में कहा, जिसका कुछ भी नहीं बचा है। हम सभी लोग हैं जिन्होंने विश्वास खो दिया है, और सदी का अंत इसकी सड़ांध के साथ होगा, क्षय, सभी रास्तों पर मृत अंत हर चीज के लिए जिम्मेदार है। कला में गिरावट, चारों ओर अराजकता, व्यक्तित्व को दबा दिया गया है, और सदी, जो स्पष्टता और तर्कवाद के साथ शुरू हुई, अस्पष्टता की एक नई लहर के साथ समाप्त होती है मृत्यु, हर सच्चे कलाकार को क्लाउड की तरह काम करना होगा...'' यह इस बारे में एक बाहरी पर्यवेक्षक की अजीब राय है कि कलाकार का क्या और किसके प्रति दायित्व है।
जैसा कि आप देख सकते हैं, थोड़ा बदलाव आया है। और यह वास्तव में अच्छा है. क्योंकि यह एक संकेत है कि प्रतिभा और सुंदर और शाश्वत बनाने की इच्छा अभी तक समाप्त नहीं हुई है। लेकिन कलाकारों के सामने भी ऐसी ही समस्याएं आई हैं और रहेंगी। खासकर इसलिए क्योंकि कला की दुनिया के अपने "मोजार्ट और सालिएरिस" थे और अब भी हैं। लेकिन मैं यह मानता हूं कि बहुत से लोग केवल यह सोचते हैं कि सब कुछ खो गया है, जैसा कि केवल सैंडोज़ (जिसका प्रोटोटाइप ज़ोला स्वयं था) को लग रहा था। आखिरकार, भले ही आप मोजार्ट और सालिएरी के बारे में पसंदीदा रूपक - ईर्ष्या और वास्तविक प्रतिभा के बारे में करीब से देखें, यह साबुन के बुलबुले की तरह फूट जाता है। क्योंकि इसमें कल्पना और जुनून दूर की कौड़ी है।
बाईं ओर जोहान जॉर्ज एडलिंगर (1790) द्वारा मोजार्ट का अंतिम जीवनकाल का चित्र है, दाईं ओर सालिएरी का एक चित्र है। जर्मन कलाकारऔर लगभग उसी अवधि के संगीतकार जोसेफ विलिब्रोर्ड मेहलर
आख़िरकार, कम ही लोग जानते हैं कि उपरोक्त लोगों के बीच की प्रतिद्वंद्विता और शत्रुता महज़ एक साहित्यिक कल्पना है। मोजार्ट और सालिएरी के बारे में पुश्किन का नाटक केवल एक बुरी अफवाह पर आधारित है शीघ्र मृत्युडब्ल्यू. ए. मोजार्ट ( जर्मन वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट, 1756-1791). अलेक्जेंडर सर्गेइविच ने सबसे विवादास्पद, नाटकीय और निंदनीय संस्करण पर कब्जा कर लिया। और सब इसलिए क्योंकि एंटोनियो सालिएरी ( यह। एंटोनियो सालिएरी, 1750-1825) उस समय के उत्कृष्ट एवं प्रमुख संगीतकारों में से एक थे। वे कुछ जोसेफ हेडन से चिपके नहीं रहे ( जर्मन फ्रांज जोसेफ हेडन 1732-1809) आरोपों के साथ - वह भी वहीं घूमता रहा और सालिएरी से भी बड़ा था। समकालीनों के अनुसार, तत्कालीन 40 वर्षीय सालिएरी की मोज़ार्ट जैसी महत्वाकांक्षाएँ भी नहीं थीं। वह वहाँ से आया गरीब परिवारऔर उन्होंने जो मुकाम हासिल किया उसे हासिल करने के लिए कड़ी मेहनत की। सालिएरी द्वारा इस तरह का जोखिम उठाने का कोई मतलब नहीं था। और उनका स्वभाव भी वैसा नहीं था. अंततः सुन्दर शब्दप्रसिद्ध कवि ने सालियरी की भागीदारी के मिथक के व्यापक प्रसार और जन चेतना में जड़ें जमा लीं दुःखद मृत्यमोजार्ट. और अब तो सालिएरी नाम भी रूस में एक घरेलू नाम बन गया है। दरअसल, सालिएरी एक प्रतिभाशाली, बेहद अनुभवी और सफल संगीतकार और शिक्षक थे। यह वह था जो अन्य संगीतकारों की एक पूरी पीढ़ी का शिक्षक था, जिनमें से, एक स्रोत के अनुसार, बीथोवेन, शुबर्ट और लिसटेस्ट थे। इसके अलावा, कम ही लोग जानते हैं कि मोजार्ट की मृत्यु के बाद, सालिएरी मृतक के सबसे छोटे बेटे, फ्रांज ज़ेवर के गुरु बन गए। इसके अलावा, उन्होंने वोल्फगैंग अमाडेस की पत्नी कॉन्स्टेंस मोजार्ट के अनुरोध पर ऐसा किया। यदि मोजार्ट के करीबी व्यक्ति को भी कोई संदेह नहीं था और वर्षों बाद भी सालियरी के प्रति केवल सम्मानजनक रवैया था, तो हम यहां किस बारे में बात कर रहे हैं? यह कैसा काला अन्याय है? यह कैसा घिनौना मिथक है जो आपके मन में इतनी दृढ़ता से बैठा हुआ है? अपने समकालीनों की गवाही के अनुसार, सालिएरी के मन में मोजार्ट और उसके उपहार के प्रति बहुत सम्मान था। स्वयं मोजार्ट ने किसी भी पत्र-व्यवहार में एक शब्द का भी उल्लेख नहीं किया बुरा गुस्सासालिएरी या उसकी दिशा में कुछ हमले। साल्ज़बर्ग में मोजार्ट संग्रहालय (वह घर जिसमें मोजार्ट का जन्म हुआ था) यहां तक कि इस प्रतिभाशाली व्यक्ति के नाम को मिटाने के लिए अपनी दीवारों के भीतर सालियरी को समर्पित एक प्रदर्शनी आयोजित करने के लिए चला गया, जिसके बिना हम कई अन्य लोगों को खो देते। प्रतिभाशाली संगीतकार.
लेकिन किसी कारण से, हम इस तरह से डिज़ाइन किए गए हैं, रचनात्मक लोग, कि हमारे अंदर जुनून तब भी फूटता है जब हमारे लिए शिकायत करना पाप होता है। उदाहरण के लिए, गाइल्स बॉर्डोट द्वारा निर्देशित 2012 की फीचर फिल्म को लें ( फादर गाइल्स बॉर्डोस,* 1963) ओ हाल के वर्षफ़्रांसीसी प्रभाववादी पियरे-अगस्टे रेनॉयर ( फादर पियरे-अगस्टे रेनॉयर, 1841-1919) प्रथम विश्व युद्ध के दौरान काग्नेस-सुर-मेर में - "रेनॉयर। लास्ट लव" ( फादर Renoir). एक एपिसोड में, कलाकार और मॉडल के बीच निम्नलिखित संवाद होता है। एक युवा मॉडल पेंटिंग सत्र के दौरान चलने की अनुमति मांगती है। उस समय, रेनॉयर पहले से ही एक मास्टर, एक मान्यता प्राप्त प्रतिभा थी। हर कोई उसके चारों ओर दबे पाँव खड़ा था। मास्टर स्वेच्छा से लड़की को उठने और स्थिति बदलने की अनुमति देता है, यह कहते हुए कि यदि वह पत्थर बनाना चाहता है, तो वह उसे पोज देने के लिए आमंत्रित नहीं करेगा। और फिर वह ऐक्स-एन-प्रोवेंस के एक निश्चित कलाकार का उदाहरण देता है जो मृतकों को चित्रित करना पसंद करता है। इसके अलावा, वह कथित तौर पर अपने मॉडलों से दूर भागता है, खुद को अपने पिता के घर में बंद कर लेता है और अपने खुबानी को रंग देता है। तुम एक व्यापारी की तरह क्यों बड़बड़ा रहे हो, बूढ़े रेनॉयर, हुह? आपको दूसरे लोगों की खुबानी की क्या परवाह है? आपके सामने सोफ़े पर एक सुन्दर युवती लेटी हुई है। पहले से ही ड्रा करें! लेकिन कोई नहीं। उसे इस बात पर गुस्सा आता है कि किसी के जीवन में अन्य प्राथमिकताएं हैं।
फ़िल्म "रेनॉयर. लास्ट लव", 2012 से
यदि आपने मॉडल और खुबानी से दूर भागने के बारे में जल्दी से पता नहीं लगाया है - और यह सेज़ेन के बगीचे में एक पत्थर था, जो कई वर्षों तक जस डी बौफ़ेंट की पारिवारिक हवेली में एक वैरागी के रूप में रहता था ( फादर जस डी बौफ़न, नाम का शाब्दिक अर्थ है "हवाओं का आश्रय") ऐक्स-एन-प्रोवेंस में।
सच कहूँ तो, मैं वास्तव में हल्के, सरल चरित्र वाले प्रतिभाशाली लोगों को नहीं जानता। अफ़सोस, ऐसा नहीं होता. प्रतिभा लोगों को जन्म से ही दी जा सकती है और दी भी जाती है। लेकिन जो वास्तव में इसे विकसित करते हैं, कड़ी मेहनत करते हैं और अपने लक्ष्य की ओर बढ़ते हैं, वे अंततः सामान्य लोग नहीं होते हैं। इसके अलावा, जैसा कि मेरे एक मित्र का कहना है, एक कलाकार को एक बुरे चरित्र पर काम करने की ज़रूरत होती है ताकि उसे अकेला छोड़ दिया जाए और उसे रचना करने की अनुमति दी जाए। जाहिर तौर पर सीज़ेन ने विशेष रूप से सभी मोर्चों पर खुद को प्रतिष्ठित किया, जिससे कि उनकी मृत्यु के लंबे समय बाद भी उन्होंने उन पर पत्थर और खुबानी फेंकी।
पॉल सेज़ेन, "स्टिल लाइफ विद एप्पल्स एंड ऑरेंजेस", 1895-1900, पेरिस में मुसी डी'ऑर्से में स्थित है
हालाँकि, इसने पेरिस के कलाकार परिचितों को सेज़ेन का दौरा करने और पॉल के विचारों और विकासों के आधार पर बिक्री के लिए उनके कार्यों को चित्रित करने से नहीं रोका, जैसा कि ज़ोला ने अपने उपन्यास "क्रिएटिविटी" में वर्णित किया है। उदाहरण के लिए, मैं हमेशा मानता था कि पिकासो के हार्लेक्विन उसका मजबूत पक्ष थे। कुछ साल पहले मैंने खुद को जर्मनी में एसेन के फोकवांग संग्रहालय में "सेज़ेन - औफब्रुच इन डाई मॉडर्न" प्रदर्शनी में पाया था। वहां मैंने पिकासो, मैटिस और सीज़ेन के कार्यों की सीधी तुलना देखी। यह पता चला कि पिकासो का हार्लेक्विन वर्षों बाद ठीक सेज़ेन के कहने पर "गिर गया"। मैटिस कभी-कभी केवल सीज़ान के पैमाने पर काम करते थे, कथानकों की नकल करते थे।
बाईं ओर मैटिस की कृति "स्टिल लाइफ विद ऑरेंजेस" 1898 है, दाईं ओर सीज़ेन की कृति "बास्केट विद एप्पल्स" 1893 है
ऊपर उल्लिखित प्रदर्शनी में 100 से अधिक कार्य शामिल थे। वैसे, कुछ काम थे पुश्किन संग्रहालय. फ़ोकवांग संग्रहालय के तत्कालीन निदेशक ह्यूबर्टस गैस्नर थे ( ह्यूबर्टस गेसनर) बहुत ही कूटनीतिक ढंग से कहा गया कि प्रदर्शनी में मैटिस के कार्यों के साथ तुलना शामिल है ( हेनरी मैटिस, 1869-1954) और पिकासो ( पाब्लो पिकासो, 1881-1973) यह स्पष्ट करने के लिए कि आधुनिकतावाद के युग और सामान्य रूप से 20वीं सदी की कला के लिए सीज़ेन के कार्य कितने अस्तित्वपरक थे।
बाईं ओर संगीत से सेज़ेन का काम "पियरोट और हार्लेक्विन" है। उन्हें। पुश्किन 1888, दाईं ओर पिकासो की "द हार्लेक्विन फ़ैमिली" 1905 है
निःसंदेह, अस्तित्वगत रूप से। पिकासो के विपरीत, सीज़ेन एक वैरागी के रूप में रहते थे। दर्शकों को यह देखने की अनुमति देने के लिए कोई इंटरनेट या टेलीविज़न नहीं था कि इसके पैर कहाँ से बढ़े हैं। लेकिन अगर सेज़ेन की प्रतिभा और पिकासो की प्रतिभा प्रकृति में मौजूद नहीं थी, तो हम खूबसूरत हार्लेक्विन का आनंद कैसे ले सकते थे, भले ही वे एक-दूसरे से प्रेरित थे?
और यदि हम मूल विषय पर लौटते हैं, कि कथित तौर पर बहुत सारे कलाकार हैं - इसलिए वास्तविक प्रतिभा के बारे में ईर्ष्या और विलाप के साथ सभी त्रासदियाँ, जो व्यक्तिगत रूप से मेरी नज़र में आती है वह यह प्रतीत होता है कि महत्वहीन विवरण है।
कल्पना कीजिए कि हम, ग्रह के निवासी, पहले से ही लगभग 7.5 अरब हैं, और प्रवृत्ति बढ़ रही है। आपके अनुसार इन अरबों लोगों में से कितने शिक्षित, सुसंस्कृत, बुद्धिमान, प्रतिभाशाली लोग हैं? कोई मोटा विचार? यदि नहीं, तो मैं आपको अब्राहम लिंकन के शब्दों में उत्तर दूंगा: “भगवान को प्रेम करते देखा गया है सामान्य लोग, क्योंकि उसने उनमें से बहुत सारे बनाए।" और यह दंभ नहीं है, बल्कि तथ्य का एक बयान है।
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