राजसी और विविध रूसी पेंटिंग हमेशा अपनी अनिश्चितता और कलात्मक रूपों की पूर्णता से दर्शकों को प्रसन्न करती है। यह प्रसिद्ध कला गुरुओं के कार्यों की एक विशेषता है। उन्होंने काम के प्रति अपने असाधारण दृष्टिकोण, प्रत्येक व्यक्ति की भावनाओं और संवेदनाओं के प्रति अपने श्रद्धापूर्ण रवैये से हमें हमेशा आश्चर्यचकित किया। शायद यही कारण है कि रूसी कलाकार अक्सर चित्र रचनाओं का चित्रण करते हैं जो भावनात्मक छवियों और समय-समय पर शांत रूपांकनों को स्पष्ट रूप से जोड़ते हैं। इसमें कोई आश्चर्य नहीं कि मैक्सिम गोर्की ने एक बार कहा था कि एक कलाकार अपने देश का दिल, पूरे युग की आवाज़ होता है। दरअसल, रूसी कलाकारों की राजसी और सुरुचिपूर्ण पेंटिंग अपने समय की प्रेरणा को स्पष्ट रूप से व्यक्त करती हैं। प्रसिद्ध लेखक एंटोन चेखव की आकांक्षाओं के समान, कई लोगों ने रूसी चित्रों में अपने लोगों के अनूठे स्वाद के साथ-साथ सुंदरता का एक निर्विवाद सपना लाने की कोशिश की। राजसी कला के इन उस्तादों की असाधारण पेंटिंग को कम आंकना मुश्किल है, क्योंकि उनके ब्रश के नीचे वास्तव में विभिन्न शैलियों के असाधारण कार्यों का जन्म हुआ था। अकादमिक पेंटिंग, चित्र, ऐतिहासिक पेंटिंग, परिदृश्य, रूमानियत, आधुनिकतावाद या प्रतीकवाद के कार्य - ये सभी अभी भी अपने दर्शकों के लिए खुशी और प्रेरणा लाते हैं। हर कोई उनमें रंगीन रंगों, सुंदर रेखाओं और विश्व कला की अद्वितीय शैलियों के अलावा कुछ और पाता है। शायद रूपों और छवियों की इतनी प्रचुरता जिसके साथ रूसी चित्रकला आश्चर्यचकित करती है, कलाकारों के आसपास की दुनिया की विशाल क्षमता से जुड़ी है। लेविटन ने यह भी कहा कि हरे-भरे प्रकृति के प्रत्येक नोट में रंगों का एक राजसी और असाधारण पैलेट होता है। ऐसी शुरुआत के साथ, कलाकार के ब्रश के लिए एक शानदार विस्तार दिखाई देता है। इसलिए, सभी रूसी पेंटिंग अपनी उत्कृष्ट गंभीरता और आकर्षक सुंदरता से प्रतिष्ठित हैं, जिससे खुद को दूर करना बहुत मुश्किल है।

रूसी चित्रकला विश्व कला से उचित रूप से अलग है। तथ्य यह है कि सत्रहवीं शताब्दी तक रूसी चित्रकला विशेष रूप से धार्मिक विषयों से जुड़ी थी। सुधारवादी राजा, पीटर द ग्रेट के सत्ता में आने के साथ स्थिति बदल गई। उनके सुधारों के लिए धन्यवाद, रूसी स्वामी धर्मनिरपेक्ष चित्रकला में संलग्न होने लगे, और आइकन पेंटिंग एक अलग दिशा के रूप में अलग हो गई। सत्रहवीं शताब्दी साइमन उशाकोव और जोसेफ व्लादिमीरोव जैसे कलाकारों का समय है। फिर, रूसी कला जगत में, चित्रांकन का उदय हुआ और तेजी से लोकप्रिय हो गया। अठारहवीं शताब्दी में, पहले कलाकार सामने आए जो चित्रांकन से परिदृश्य चित्रकला की ओर बढ़े। शीतकालीन पैनोरमा के प्रति कलाकारों की स्पष्ट सहानुभूति ध्यान देने योग्य है। अठारहवीं शताब्दी को रोजमर्रा की चित्रकला के उद्भव के लिए भी याद किया जाता है। उन्नीसवीं सदी में, तीन आंदोलनों ने रूस में लोकप्रियता हासिल की: रूमानियत, यथार्थवाद और क्लासिकवाद। पहले की तरह, रूसी कलाकारों ने चित्र शैली की ओर रुख करना जारी रखा। यह तब था जब ओ. किप्रेंस्की और वी. ट्रोपिनिन के विश्व-प्रसिद्ध चित्र और स्व-चित्र सामने आए। उन्नीसवीं सदी के उत्तरार्ध में, कलाकारों ने आम रूसी लोगों को उनके उत्पीड़ित राज्य में तेजी से चित्रित किया। यथार्थवाद इस काल की चित्रकला का केंद्रीय आंदोलन बन गया। यह तब था जब यात्रा करने वाले कलाकार केवल वास्तविक, वास्तविक जीवन का चित्रण करते हुए दिखाई दिए। खैर, निस्संदेह, बीसवीं सदी अवांट-गार्ड है। उस समय के कलाकारों ने रूस और दुनिया भर में अपने अनुयायियों को काफी प्रभावित किया। उनकी पेंटिंग अमूर्त कला की अग्रदूत बन गईं। रूसी चित्रकला प्रतिभाशाली कलाकारों की एक विशाल अद्भुत दुनिया है जिन्होंने अपनी रचनाओं से रूस को गौरवान्वित किया है।

प्रजाति परिदृश्य.

17वीं सदी से स्थलाकृतिक परिदृश्य दृश्य व्यापक हो गए (उत्कीर्णक: जर्मन एम. मेरियन और चेक वी. गोलर), जिसका विकास काफी हद तक एक कैमरा अस्पष्ट के उपयोग से पूर्व निर्धारित था, जिसने व्यक्तिगत रूपांकनों को अभूतपूर्व तरीके से कैनवास या कागज पर स्थानांतरित करना संभव बना दिया। शुद्धता। 18वीं शताब्दी में इस प्रकार का परिदृश्य। कैनेलेटो और बी. बेलोटो के वेदिता में अपने चरम पर पहुंचता है, हवा और प्रकाश से संतृप्त, एफ. गार्डी के कार्यों में, जो परिदृश्य के इतिहास में एक गुणात्मक रूप से नया चरण खोलते हैं, और बदलती रोशनी के अपने उत्कृष्ट पुनरुत्पादन के लिए खड़े होते हैं। -वायु पर्यावरण. 18वीं सदी का परिदृश्य देखें। 18वीं शताब्दी तक, उन यूरोपीय देशों में परिदृश्य के विकास में निर्णायक भूमिका निभाई। कोई स्वतंत्र परिदृश्य शैली नहीं थी (रूस सहित, जहां इस प्रकार के परिदृश्य के सबसे बड़े प्रतिनिधि ग्राफिक कलाकार ए.एफ. जुबोव, एम.आई. मखाएव और चित्रकार एफ.वाई.ए. अलेक्सेव थे)।

लैंडस्केप शैली काफी देर से उभरी। इसकी उपस्थिति सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स की स्थापना से जुड़ी है, जहां 1767 में एक लैंडस्केप क्लास की स्थापना की गई थी जो लैंडस्केप चित्रकारों को प्रशिक्षित करती थी। इस शैली की स्थापना को परिप्रेक्ष्य और नाटकीय दृश्यों के वर्गों द्वारा भी सुगम बनाया गया, जिससे कई परिदृश्य चित्रकार उभरे। उत्कीर्णन वर्ग में लैंडस्केप पेंटिंग सहित संकीर्ण विशिष्टताएं पेश की गईं।

1776 से 1804 तक लैंडस्केप कक्षा को कला अकादमी के छात्र शिमोन शेड्रिन ने पढ़ाया था। प्रसिद्ध परिदृश्य चित्रकार फ्योडोर अलेक्सेव ने परिप्रेक्ष्य वर्ग से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। थिएटर डिज़ाइन कक्षा के लिए शिक्षक ढूँढने में कठिनाइयाँ थीं। इसलिए, 1776 में, अकादमिक परिषद ने दो छात्रों को थिएटर मास्टर - याकोव गेरासिमोव और फ्योडोर मतवेव, जो बाद में एक प्रसिद्ध परिदृश्य चित्रकार थे, के पास भेजने का फैसला किया।

सबसे प्रतिभाशाली अकादमी स्नातकों की सेवानिवृत्ति व्यवसाय यात्राएं परिदृश्य शैली के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण थीं। महान गुरुओं के साथ इटली और फ्रांस में अध्ययन करते हुए, पेंशनभोगियों ने अपने कौशल में सुधार किया, यूरोपीय कला के स्तर तक पहुंच गए। हमने विदेश का दौरा किया और कुछ लोग वहीं रुके। प्रसिद्ध रूसी परिदृश्य चित्रकार: मैक्सिम वोरोब्योव, अलेक्जेंडर इवानोव, मिखाइल लेबेदेव, शिमोन शेड्रिन, फ्योडोर मतवेव। फ्योडोर अलेक्सेव, सिल्वेस्टर शेड्रिन और कई अन्य। इसने परिदृश्य शैली को यूरोपीय कला के बराबर बनने और अपना रूसी जीवन जीने, अपनी पहचान खोजने और देश की आध्यात्मिक वास्तविकता की समस्याओं का जवाब देने की अनुमति दी।

शिमोन फेडोरोविच शेड्रिन (1745 - 1804) द्वारा लैंडस्केप ने विभिन्न प्रकार के रेतीले दोमट से मुक्त होकर एक स्वतंत्र शैली के रूप में आकार लिया। ये अब परिप्रेक्ष्य दृश्यों में अभ्यास नहीं थे, बल्कि इलाके के दृश्यों की छवियां थीं। कला अकादमी के पेंशनभोगी होने के नाते, शेड्रिन ने फ्रांस में अध्ययन किया, जहां उन्हें पेरिस में रूसी राजदूत, प्रिंस डीए गोलित्सिन द्वारा संरक्षण दिया गया था, जो वास्तव में कला के सिद्धांत और इतिहास पर निबंध लिखने वाले पहले रूसी कला समीक्षक थे। शेड्रिन के शुरुआती काम को देखते हुए दोपहर(1779), जिसे इटली में रहने के दौरान निष्पादित किया गया था, कलाकार स्पष्ट रूप से क्लासिकवाद से प्रभावित था। झुंड और खंडहरों के साथ विशिष्ट कथानक, क्लासिकिज़्म की विशिष्ट रंग योजना, रचना को योजनाओं में विभाजित करना - पास में भूरा और दूरी में नीला, पेड़ों की सजावटी व्याख्या, प्राकृतिक नहीं, बल्कि एक रोएँदार बादल में तब्दील, इसके प्रमाण हैं रचित परिदृश्य की शैली का उद्भव।

रूस पहुंचने पर, शेड्रिन को मिखाइलोव्स्की कैसल (1799-1801) के लिए लैंडस्केप पैनल, गैचीना, पावलोव्स्क और पीटरहॉफ के लिए भित्ति चित्र और पैनल को पूरा करने के कई आदेश मिले। एए फेडोरोव-डेविडोव ने 18वीं शताब्दी के अंत में पार्क कला के विकास पर ध्यान दिया, जिसने शेड्रिन की पेंटिंग को प्रभावित किया। नियमित या मुफ़्त, अंग्रेजी भावना में, पावलोव्स्क, पीटरहॉफ, सार्सकोए सेलो और गैचीना में पार्क बनाए गए। लैंडस्केप पेंटिंग का उद्देश्य महलों को सजाना था और इसलिए, महल के पैनलों के साथ, सजावटी कार्य भी करते थे। इन कार्यों ने शेड्रिन के काम के सेंट पीटर्सबर्ग काल के अर्थ और संरचना को निर्धारित किया, जिसमें 1792-1798 में उनके द्वारा निष्पादित चित्रफलक परिदृश्य भी शामिल थे: पावलोव्स्क में मिल(1792), डलिनी द्वीप से गैचिना पैलेस का दृश्य(1796). गैचिना पार्क में देखें(1798) कलाकार ने उनमें सम्मेलन के सभी लक्षण संरक्षित किए: भूरा रंग, हरे और नीले रंग से थोड़ा रंगा हुआ, "मोंगरेल" पेड़, कर्मचारियों की आकृतियाँ जो चिंतन के मकसद को दर्शाती हैं। ऐसा लगता है कि चित्र में समय जम गया है, और इसे समझने की आवश्यकता है।

यह नहीं कहा जा सकता कि परिदृश्य पूरी तरह से शेड्रिन द्वारा रचा गया था। यह एक विशिष्ट प्रकार पर आधारित है, लेकिन कलाकार द्वारा इसे मनमाने ढंग से रूपांतरित किया जाता है। हाँ, परिदृश्य में पावलोव्स्क में मिललेखन की सजावटी प्रकृति स्पष्ट रूप से दिखाई देती है, जो कुछ अवशिष्ट बारोक से प्रेरित है जिसे आधुनिक समय के आगमन के साथ गायब होने का समय नहीं मिला। ऐसा लगता है कि "शेड्रिन बारोक" 17वीं-18वीं शताब्दी की रूसी आइकन पेंटिंग की शैली के साथ-साथ नारीश्किन बारोक के अंदरूनी हिस्सों से प्रभावित था। दो दृश्यों में - लॉन्ग आईलैंड से गैचिना पैलेस और गैचिना पार्क - सजावटी रूप से उपचारित पेड़ों के साथ, प्रकाश द्वारा निर्मित वास्तविक स्थान की गहराई दिखाई देती है। क्लासिकिज्म की शैली के निशान बहुत डरपोक हैं, लेकिन कुछ रमणीय भूमि की छवि के रूप में परिदृश्य की समझ क्लासिकिज्म की अवधारणा से मेल खाती है, जिसने पुरातनता से तुलना करके "नीच" प्रकृति को सही किया। प्रकृति, मानो एक मानक सजावटी पैटर्न में छंटनी की गई हो, रूसी प्रकृति से बहुत दूर है। लैंडस्केप एक प्रकार का शैली सिद्धांत है, जिसे इस शैली के खेल के नियमों के अनुसार क्रियान्वित किया जाता है। लेकिन इसमें प्रकृति का जीवंत अवलोकन भी शामिल है, जो प्रकृति के विस्मय और वास्तविकता की सुंदरता को रिकॉर्ड करने की इच्छा से चिह्नित है। अधिक सीधे तौर पर, वास्तविकता दो में सन्निहित थी कामेनोस्ट्रोव्स्की पैलेस के दृश्य(1803 और 1804)। नदी और महल परिप्रेक्ष्य के नियमों के अनुसार लिखे गए हैं। वे स्पष्ट और विश्वसनीय हैं. तस्वीर में एक अन्य परिदृश्य चित्रकार - फ्योडोर अलेक्सेव के सेंट पीटर्सबर्ग के हवाई और स्थानिक दृश्यों के प्रभाव को महसूस किया जा सकता है। शेड्रिन के परिदृश्य में, छवि को एक रचना द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। बनाया गया परिदृश्य एक काल्पनिक था, जो एक बहुत ही विशिष्ट क्षेत्र के दृश्य पर आधारित था, लेकिन इतना संशोधित था कि कोई केवल इसके वास्तविक प्रोटोटाइप के बारे में अनुमान लगा सकता था। शेड्रिन का काल्पनिक परिदृश्य भूभाग के प्रकार का नहीं, बल्कि प्रोटोटाइप का परिदृश्य था। इस कारण से, भूदृश्यों को प्रजातियों के रूप में पहचाना नहीं जा सकता, इस तथ्य के बावजूद कि वे नाम धारण करते हैं प्रजातियाँ।

क्लासिकिज़्म की अपनी वैचारिक और प्लास्टिक अवधारणा थी। तस्वीर में पूर्व निर्धारित कथानक और विषयवस्तु दिखाई दे रही है दोपहर, जिसके लिए कलाकार को शिक्षाविद की उपाधि मिली। शैक्षणिक कार्यक्रम निर्धारित करता है: "यह दोपहर का प्रतिनिधित्व करेगा, जहां मवेशियों, चरवाहों और चरवाहों की आवश्यकता होती है, अक्सर पानी, पहाड़ों, झाड़ियों आदि का जंगल होता है।" चित्रों में इसी प्रकार के गूढ़ दृश्य दर्शाए गए हैं स्टारया रसा के आसपास का दृश्य(1803) और चरवाहों और झुंड के साथ परिदृश्यअजीबोगरीब रूसी अर्काडिया का वास्तविकता से कोई लेना-देना नहीं था। कलाकार ने परिदृश्य में क्लासिकिस्ट कला की विचारधारा को अपनाया, जिसकी चित्रात्मक प्रणाली वास्तविकता और कल्पना के बीच की दूरी प्रदान करती थी, जीवन की एक काल्पनिक तस्वीर और इसकी प्लास्टिक व्याख्या की परंपराओं को प्राथमिकता देती थी।

1799-1801 में, पॉल प्रथम के आदेश से, शेड्रिन ने मिखाइलोव्स्की कैसल के लिए पैनलों को चित्रित किया। उनमें, कलाकार ने न केवल अपने तरीके की सजावटी विशेषताओं को मजबूत किया, बल्कि एक शैली के रूप में परिदृश्य के चरित्र को बदल दिया, जो उनके पिछले कार्यों में उभरा था। पैनल में कॉन्स्टेबल स्क्वायर के पास गैचिना में पत्थर का पुलशेड्रिन परिदृश्य का अर्थ और उद्देश्य महत्वपूर्ण रूप से बदल जाता है। पैनल विशेष रूप से हॉल को सजाने के कार्य के अधीन होने के कारण, महल के इंटीरियर में फिट बैठता है। स्वयं परिदृश्य, अर्थात्, क्षेत्र की छवि, इंटीरियर की स्थापत्य शैली से समायोजित, कार्य के किसी अन्य कार्य के कार्यान्वयन के लिए केवल एक बहाना बन जाती है। एक स्वतंत्र शैली के रूप में परिदृश्य का स्पष्ट या पहले से घटित स्वायत्तीकरण महल के इंटीरियर को सजाने के कार्य के अधीन है। इसके परिणामस्वरूप कार्य की सजावटी शुरुआत मजबूत होती है, जो छवि के विषय के सटीक प्रतिपादन की उपेक्षा करती है। सजावटी और चित्रफलक कार्यों के कार्य अलग-अलग हैं। सजावटी कार्यों को प्रस्तुत करते हुए, परिदृश्य शैली शैली के भ्रम में बदल गई, जिससे शैली-परिदृश्य समस्याओं को प्रस्तुत करने, जीवन को प्रतिबिंबित करने और पुन: पेश करने में अपनी स्वतंत्रता खो गई या कम हो गई।

फ्योडोर याकोवलेविच अलेक्सेव (1753 - 1824) ने रूसी परिदृश्य चित्रकला में परिदृश्य के वास्तविक चित्रण की दिशा में पहला कदम उठाया। उनकी कला का विषय शहरी परिदृश्य था। इस अर्थ में, रूसी परिदृश्य में शहरी परिप्रेक्ष्य की एक पंक्ति उभरी है, जैसे कि कैनालेटो, बेलोटो, गार्डी और अन्य की कला विरासत में मिली हो।

अलेक्सेव योजनाओं के मनोरम निर्माण की बदौलत हवा से भरा परिदृश्य बनाता है। परिप्रेक्ष्य और हवाई वातावरण उसके परिदृश्य के महत्वपूर्ण घटक हैं। कलाकार की कृतियाँ परिदृश्य छवि के बाहर के विचारों पर प्रतिक्रिया नहीं देती हैं, इसलिए उनमें छवि के विषय की कलात्मक व्याख्या के बाहर एक तत्व का अभाव होता है। सेंट पीटर्सबर्ग के परिप्रेक्ष्य में आमतौर पर शांत स्वरों की एक सौम्य श्रृंखला प्रचलित है। हल्की पेंटिंग शहर के वास्तविक रंग से मेल खाती है, और हवादार वातावरण कलाकार के भावनात्मक उत्साह को प्रदर्शित करता प्रतीत होता है। हवा के माध्यम से परिदृश्य की व्याख्या रूसी कला में एक नवीनता थी। शायद केवल डच, क्लाउड लोरेन और जोसेफ टर्नर ने ही इस तकनीक की ओर रुख किया, जो विषय के सचित्र समाधान के आवश्यक साधनों में से एक बन गया। अलेक्सेव के परिदृश्य चिंतनशील हैं। शांत रूप से बहती रोशनी उनके कुछ कार्यों को शांत गुणवत्ता प्रदान करती है। अलेक्सेव के सेंट पीटर्सबर्ग परिदृश्य में कोई फ्रांसेस्को गार्डी के प्रभाव को महसूस कर सकता है, जो वेनिस का चित्रण करते समय हवाई पैनोरमा में बदल गया।

निकोलेव और खेरसॉन के विचारों में, कलाकार ने एंटोनियो कैनेलेटो और विशेष रूप से बर्नार्डो बेलोट्टो के कार्यों की निष्पक्षता विशेषता पर अधिक ध्यान दिया। अलेक्सेव के परिदृश्यों में बहुत कम लोग रहते हैं, लेकिन जहां रोजमर्रा की शैली की झलक मिलती है, वहां परिदृश्य विषय जीत जाता है। कैनेलेटो के लिए, शहर का जीवन लगभग छवि का मूल है, और इसलिए छवि के विषय के आधार पर शैली का निर्धारण करना काफी कठिन है। सामान्य तौर पर, एक शैली अक्सर अपना सार बदल देती है, आमतौर पर दिए जाने वाले अर्थ से बिल्कुल अलग अर्थ प्राप्त कर लेती है। कैनेलेटो के लिए, परिदृश्य क्षेत्र का एक दृश्य नहीं है, बल्कि शहर के जीवन का एक शो है। यह विसंगति बहुत महत्वपूर्ण है, क्योंकि शैली टाइपोलॉजी के दृष्टिकोण से कार्य का मूल्यांकन करना कठिन है। कैनेलेटो की तरह, अलेक्सेव शहर को एक प्रकार के भूभाग और उसके जीवन की अखंडता के रूप में दर्शाता है, न कि केवल इसकी स्थापत्य विशेषताओं का आनंद लेते हुए। (वसीलीव्स्की द्वीप से अंग्रेजी तटबंध तक का दृश्य, 1810)। इसके विपरीत, मॉस्को के परिदृश्य पुरातनता के स्थलों, क्लासिकवाद के परिदृश्य में निहित "खंडहरों" पर केंद्रित हैं। अलेक्सेव शहर जीवंत है, यहां कामकाजी लोग रहते हैं, खासकर फिल्म में मॉस्को में रेड स्क्वायर(1801) और सेंट पीटर्सबर्ग तटबंधों की छवियां। इस संबंध में, पेंटिंग शिमोन शेड्रिन या बेंजामिन पैटर्सन के स्टाफ़ेज परिदृश्य के समान नहीं हैं।

मॉस्को के परिदृश्य सेंट पीटर्सबर्ग के स्थानिक, हल्के और हवादार परिदृश्यों से बिल्कुल अलग हैं। ऐसा लगता है कि हर किसी पर एक खास तरह का पूर्वाग्रह मंडरा रहा है, चीजों के बारे में जानबूझकर स्वीकार किया गया दृष्टिकोण। प्राचीन राजधानी "प्राचीनता" की आभा में दिखाई देती है, हरे रंग की योजना एक पेटिना की तरह है, जो ड्राइंग की प्रकृति को विकृत करती है। इस वजह से, छवि एक सजावटी गुणवत्ता प्राप्त कर लेती है, जो कला को शिमोन शेड्रिन की ओर वापस ले जाती है। अलेक्सेव का परिदृश्य मानो झटके से हिल गया। सबसे पहले उन्होंने यथार्थवादी पूर्णता का मार्ग अपनाया, फिर बहुत ही सतही प्रकृति की सजावट की ओर लौट आए।

रूसी परिदृश्य, वास्तव में, एक शहरी परिदृश्य के रूप में शुरू हुआ, जिसने क्लासिकिस्ट योजना में महत्वपूर्ण समायोजन पेश किए। उन्होंने इसे नष्ट कर दिया, क्योंकि वह क्लासिकवाद की राजसी, दयनीय, ​​​​नागरिक कला के विचारों के साथ असंगत थे, शुरुआत से ही, शहर के परिदृश्य को एक निम्न शैली के रूप में स्थापित किया गया था, क्योंकि इसे शहरी जीवन की ओर, रोजमर्रा की ओर मुड़ने के लिए मजबूर किया गया था शैली, जिसके साथ यह स्पष्ट रूप से संयुक्त था। अलेक्सेव का काम 18वीं सदी की रूसी कला में अलग दिखता है। यह शिमोन शेड्रिन के सजावटीवाद और फ्योडोर मतवेव के क्लासिकिज्म के साथ सह-अस्तित्व में था, लेकिन उनके खिलाफ चला गया, जैसे कि बाद के परिदृश्यों के यथार्थवादी रुझानों का अनुमान लगा रहा हो।

फ़्योदोर मतवेयेविच मतवेव (1758 - 1826) ने सामंजस्यपूर्ण जीवन के पुनर्जागरण के सपने को जारी रखा। समग्र रूप से क्लासिकवाद ने पुनर्जागरण की कल्पना का लाभ उठाया, जो बदले में, सुसमाचार किंवदंतियों पर आधारित था, इसने खोई हुई पुरातनता के लिए खेद के साथ सामंजस्यपूर्ण जीवन के लिए उदासीनता को पूरक किया, जो कि पहले से मौजूद स्पष्ट और सुंदर काल्पनिकता के प्रति संवेदनशीलता की गवाही देता है वास्तविकता। 18वीं शताब्दी का शास्त्रीय परिदृश्य सुंदर जीवन के अपने विचार को प्राचीन वास्तविकताओं के महिमामंडन तक सीमित करता है, जो वास्तविकता में सामने आया और मनुष्य और प्रकृति के एक बार सामंजस्यपूर्ण अस्तित्व की याद दिलाता है। मतवेव का शास्त्रीय परिदृश्य मुख्यतः शोकगीत है। लोरेन की स्पष्टता उनके लिए अलग है, सूर्य और प्रकाश के लिए गाए गए भजन की तरह पढ़ना। मतवेव का परिदृश्य एक सुर में बजने वाला एक उज्ज्वल शोकगीत है, जिसमें वास्तविकता और अतीत संयुक्त हैं। परिदृश्य शैली में नहीं, बल्कि पुनर्जागरण कलाकारों में निहित भावनाओं और मनोदशाओं में पूर्वव्यापी प्रतीत होता है, जो पुरानी कला की आध्यात्मिक संरचना को सही करता है, जो वे चाहते थे उसे वास्तविकता के रूप में प्रस्तुत करते हैं। रिम रज़वलिनी फोरम

मतवेव ने सजावटी तत्वों को भी बरकरार रखा। इससे पता चलता है कि क्लासिकिज्म सजावटी पेंटिंग से विकसित हुआ, जिसने अपनी प्लास्टिसिटी को एटविज्म के रूप में संरक्षित किया। प्रकृति के शैलीकरण में अलंकरण का आभास होता है। रूपों का संशोधन पेड़ों की छवि से संबंधित है, चमकदार, कुचला हुआ, मानो मध्य मैदान में उभरे हुए पत्ते, साथ ही रंग, स्पष्ट रूप से नीला या हरा।

मतवेव के काम में, परिदृश्य का एक संपूर्ण दर्शन उभरता है, परिदृश्य के माध्यम से विश्वदृष्टि की समस्याओं की समझ। परिदृश्य दृश्य सिम्फनी की तरह लगता है, जहां कोई व्यक्ति विश्व अंतरिक्ष के बारे में, सांसारिक अस्तित्व की कमजोरी के बारे में लेखक के विचारों को स्पष्ट रूप से सुन सकता है। दार्शनिकता को एक कथानक की रूपरेखा द्वारा तैयार किया गया है।

क्लासिकिज़्म में, आलंकारिकता का आधार प्रकृति, प्राकृतिक और जीवन परिस्थितियों के वास्तविक गुणों के विषय पर एक पारंपरिक रूप से परिवर्तित निबंध है। 19वीं सदी की शुरुआत में मतवेव के क्लासिकिज्म का विषय 18वीं सदी के क्लासिकिज्म से बिल्कुल अलग है। पहले, क्लासिकवाद प्राचीन या पौराणिक विषयों (निकोलस पॉसिन, क्लाउड लोरेन) के बारे में कल्पना करता था, अब यह एक वास्तविक वास्तविकता है जिसमें इसके पहलुओं में से एक को चुना गया है: प्राचीन संस्कृति के "अवशेष", कलाकार द्वारा रूपांतरित उनके दर्शन में अतीत पर पछतावा है, जो भ्रामक वास्तविकता के रूपों में सन्निहित है।

"राजसी" (क्लासिकिज्म की शब्दावली में) प्रकृति से ही निकाला गया है, जहां भव्य पहाड़ों या स्थानों के अनुरूप रूपांकनों को चुना जाता है, और प्राचीन स्मारकों के खंडहरों द्वारा इसे बढ़ाया जाता है। जब प्योत्र चेकालेव्स्की ने कहा कि पेंटिंग "पूरी तरह से प्रकृति के सबसे उत्तम दृश्य का चयन करती है, कई स्थानों के विभिन्न हिस्सों और कई निजी लोगों की सुंदरता को जोड़ती है," यह मुख्य रूप से मतवेव को संदर्भित करता है। वास्तविकता के साथ उनका संचार उसके आदर्शीकरण में बदल गया - एक क्लासिक परिदृश्य का संकेत। फेडोरोव-डेविदोव लिखते हैं: "क्लासिकिज़्म में, प्रकृति से परिदृश्य और कल्पना के परिदृश्य इतने संयुक्त नहीं हैं जितना कि वे एक दूसरे से लड़ रहे हैं"2। स्वाभाविक प्रवृत्ति कल्पना के अधीन प्रतीत होती है। फेडोरोव-डेविदोव ने इस विचार की पुष्टि करते हुए मतवेव के शब्दों को उद्धृत किया: "कलाकार उन सुंदर, प्राकृतिक रूप से चित्रित स्थानों को छोड़ना नहीं चाहता है जो कलाकार द्वारा जानबूझकर बनाए गए प्रतीत होते हैं।"

मतवेव के काम में, पिछली संस्कृतियों की याद दिलाने की अपील क्लाउड लोरेन या ह्यूबर्ट रॉबर्ट से पूरी तरह से अलग है, जहां खंडहर काल्पनिक थे, लेकिन पुनर्जागरण वास्तुकला के अनुरूप थे। मतवेव के खंडहरों का एक वास्तविक चरित्र है: कोलोसियम, उदाहरण के लिए, या पेस्टम का मंदिर (वीर परिदृश्य)। वास्तविक स्वरूप को लेखक की "परिवर्तनकारी" अवधारणा के चश्मे से देखा गया था। अक्सर, जैसा कि रोम के दृश्य में होता है। कोलोसियम, दृश्य की स्वाभाविकता "दर्शन" पर हावी होने लगती है और परिदृश्य, शास्त्रीय वास्तुकला की कठोरता के बावजूद, एक सामान्य प्राकृतिक छवि की तरह दिखता है। कभी-कभी ऐसा लगता है कि मतवेव की कला क्लासिकिज़्म के उदाहरणों और नियमों की एक पाठ्यपुस्तक है। दरअसल, उनका काम क्लासिकिस्ट मानकता प्रदान करता है। कई रचनाओं में स्थिर नियमितता है, वे पेड़ों से घिरी हुई हैं, पर्वत क्षैतिज और वास्तुशिल्प ऊर्ध्वाधर द्वारा संतुलित हैं। रोम के समान दृश्य, कोलोसियम में निर्माण की उचित शुद्धता है। यह योजनाओं का एक सख्त चित्रण दिखाता है: पहला विस्तार से, विस्तार से लिखा गया है; मध्य योजना, जिसमें परिदृश्य का मुख्य विचार शामिल है, को हरे रंग से रंगा गया है, पृष्ठभूमि नीले धुंध में "पिघलती" है, जो कथानक के लिए एक प्रकार की पृष्ठभूमि के रूप में कार्य करती है। हालाँकि, कई अन्य कार्यों में मतवेव ने सजावटी परिदृश्य के सिद्धांतों को बरकरार रखा। पेस्टम में विदा में, पंख संरचना की क्लासिक योजना लगभग रचना केंद्र में स्थित पेड़ों के एक समूह द्वारा बाधित होती है। वीर परिदृश्य में, चित्र के दाईं ओर पेड़ों का द्रव्यमान बाईं ओर के कमजोर प्रतिबल पर हावी हो जाता है। सजावटी पेंटिंग के तत्व, किसी विस्थापित रचना द्वारा सीमित नहीं, एक स्थिर और नीरस रूप के सजावटी निर्माण की तकनीक में संरक्षित होते हैं। डिज़ाइन सजावटी होता है, विशेष रूप से जिस तरह से विशाल पेड़ के मुकुट के प्रत्येक पत्ते पर मुहर लगाई जाती है, वह हल्के आकाश की पृष्ठभूमि के खिलाफ स्पष्ट रूप से दिखाई देता है। 19वीं सदी के क्लासिकवाद ने 18वीं सदी के उत्तरार्ध के सजावटीवाद से विषय विस्तार की संपूर्णता और भूरे रंग को बरकरार रखा, जिसमें दो या तीन अल्प रंग होते हैं। मतवेव का रंग फीका पड़ जाता है, उबाऊ हो जाता है और भावनाओं को उत्तेजित नहीं करता है। मुख्य बात रचना और रेखांकन है, कभी-कभी स्पष्ट, कभी-कभी मोनोग्राम-आकार का, जटिल और परिष्कृत। विकसित स्टैंसिल एक परिणाम की ओर ले जाता है: वास्तविकता पर आधारित रचना और परिवर्तन। बर्न (1817) के आसपास के परिदृश्य में प्रकृति, रूपांतरित होकर, अपने वास्तविक स्वरूप खो देती है और एक आदर्श राजसी चित्रमाला में अनुवादित हो जाती है, जैसे कि एक विशिष्ट क्षेत्र को चित्रित नहीं किया गया था, लेकिन "संपूर्ण पृथ्वी" की कलात्मक अवधारणा थी एहसास हो रहा है. मतवेव के पास आदर्श परिदृश्य का अपना संस्करण है। वह सदैव वीर एवं प्रतापी नहीं होता। आदर्शीकरण न केवल एक सुंदर भूमि की छवि की चिंता करता है, बल्कि उन विशिष्टताओं की भी चिंता करता है जो संपूर्ण को बनाती हैं। उदाहरण के लिए, पेड़ पारंपरिक हैं; वे एक आलीशान पेड़ के विचार को मूर्त रूप देते हैं, लेकिन उसके वास्तविक स्वरूप को व्यक्त नहीं करते हैं।

प्राचीन कपड़ों में आकृतियों वाला परिदृश्य छवि के सावधानीपूर्वक विवरण और सजावट की फिलाग्री द्वारा प्रतिष्ठित है। अग्रभूमि, साथ ही दाईं ओर पेड़ के मुकुट को सटीक सटीकता के साथ चित्रित किया गया है। हालाँकि, क्या लेखन की संपूर्णता छवि की व्यापकता का खंडन करती है? कुछ हद तक, निश्चित रूप से। लेकिन केवल यथार्थवादी सामान्यीकरण के स्तर पर। क्लासिकिज़्म में, एक अलग सामान्यीकरण होता है। क्लासिक छवि वही है. वह विशेष और संपूर्ण की विशिष्टता पर प्रतिक्रिया नहीं देता है। यह एक आदर्श छवि उत्पन्न करता है जो कुछ गुणवत्ता को निर्दिष्ट करती है। इस संस्करण में, पेड़ शानदार वनस्पतियों के विचार का प्रतीक है। यह कोई प्रतीक नहीं है, बल्कि, क्लासिक कलात्मक माप की प्रणाली में एक "विशिष्ट विवरण* है। थोड़े बदलाव के साथ, यह अन्य तत्वों (खंडहर, पहाड़, मैदान, पौधे, घाटियाँ) पर लागू होता है जो प्रकृति की सभी व्याख्याओं में दिखाई देते हैं। कलाकार, एक वास्तुकार की तरह, "मानक विवरण" के साथ काम करता है, स्थापित सचित्र मैट्रिक्स, दुनिया की एक सुव्यवस्थित, भावनात्मक रूप से समायोजित छवि का निर्माण करता है।

मतवेव के कार्यों में दुनिया गतिहीन है। पहाड़ गंभीर और स्थिर हैं, आकाश शांत और स्पष्ट है, नदियाँ चिकनी और शांत हैं। दुनिया की तस्वीर अपनी तर्कसंगत समता में इसके दूसरे तत्व - बेचैन समुद्र का विरोध करती प्रतीत होती है। और यदि पहाड़ शास्त्रीय शांति का प्रतीक बन जाते हैं, तो समुद्र और झरने रोमांटिक आवेग का प्रतीक बन जाते हैं।

19वीं सदी की शुरुआत के लैंडस्केप चित्रकार (ज्यादातर कला अकादमी के स्नातक) कलात्मक ऊंचाइयों तक नहीं पहुंच पाए। हालाँकि, उनके कुछ कार्य अप्रत्याशित रूप से एक महत्वपूर्ण प्रवृत्ति को व्यक्त करते हैं। इस प्रकार, आंद्रेई एफिमोविच मार्टीनोव (1768 - 1826) की पेंटिंग में राष्ट्रीय रंग का एक परिदृश्य दिखाई देता है, साइबेरिया में सेलेंगा नदी का दृश्य (1817) या टिमोफ़े अलेक्सेविच वासिलिव (1783 - 1838) अंगारा के स्रोत पर निकोलेव घाट का दृश्य बैकाल झील से निकलने वाली नदी (1824), जो प्रजातियों के क्लासिक महत्व और पैमाने को बरकरार रखती है। लेकिन ये अब वीरतापूर्ण परिदृश्य नहीं हैं, हालांकि वे दृश्य प्रभावों पर ध्यान केंद्रित करते हैं। प्रभावशीलता एक करुणा है जिसे रूसी कला द्वारा लंबे समय तक संरक्षित रखा जाएगा। ये भूदृश्य प्रकृति का नहीं बल्कि पृथ्वी पर जीवन का चिंतन करते हैं। यह महत्वपूर्ण है कि, पारंपरिक क्लासिकिस्ट तकनीकों के बावजूद, सामान्य, रोजमर्रा के अस्तित्व को दर्शाया गया है, इसका सार उत्कृष्ट शास्त्रीय रूपांकनों को नष्ट कर रहा है। ऐसे मामलों में जहां प्रकृति एक राजसी उपस्थिति बनाए रखती है, मानव जीवन का रोजमर्रा का आवरण शास्त्रीय थोपने का खंडन करना शुरू कर देता है।

कला में सजावटी और शास्त्रीय प्रवृत्तियों का विषय से विशेष संबंध है। वस्तु अपने स्वतंत्र मूल्य से कलाकार का ध्यान आकर्षित नहीं करती, जिससे उसे जानने और उसमें सौंदर्य संबंधी गुणों की खोज करने की इच्छा पैदा हो। विषय दार्शनिक चिंतन के दायरे में शामिल है और इसका कोई स्वतंत्र महत्व नहीं है। यह चित्र के अन्य घटकों के बीच एक द्वितीयक तत्व के रूप में खड़ा है, जो लेखक द्वारा उत्पन्न स्थिति को इंगित करने और लेखक के दर्शन को व्यक्त करने वाले एक मनोरम दृश्य को चित्रित करने के लिए आवश्यक है। इसलिए, वस्तुओं का अध्ययन नहीं किया जाता है, शोध नहीं किया जाता है, लेकिन वास्तव में, वे कर्मचारियों की भूमिका निभाते हैं, जिन्हें अन्य घटकों के साथ, दुनिया की एक "सामान्य" तस्वीर बनानी चाहिए। क्लासिकिज़्म में, गाँवों, पहाड़ों, अंतरिक्ष और योजनाओं को चित्रित करने का मानक विकसित किया गया था। दुर्लभ अपवादों के साथ, एक पेड़ को बिना किसी प्रजाति के ही खींचा जाता है, जब तक कि देवदार का पेड़ पहचानने योग्य न हो। इस प्रकार, एक आलीशान मुकुट का विचार, पहाड़ों के समतल दृश्यों में बदलने का विचार सन्निहित है। दूसरे शब्दों में, प्रकृति के प्रति प्राकृतिक दृष्टिकोण अभी तक विकसित नहीं हुआ है, जिससे चीजों का विशिष्ट अर्थ कम हो जाता है। क्लासिकवादी छवि प्रकृति के जीवन को समझने से कोसों दूर है। बल्कि यह लेखक के विचार की गति, परिदृश्य के बारे में लेखक के विचार का प्रतिनिधित्व करता है, जहां प्रकृति को तीसरे दर्जे की भूमिका सौंपी गई है। प्रकृति समय से बंधी नहीं है। यह किसी विशिष्ट स्थिति को नहीं दर्शाता है. अस्पष्टता पारंपरिकता की ओर ले जाती है। प्रकृति और कलात्मक चेतना के बीच के संबंध में, प्रकृति के चित्रण की निष्पक्षता भ्रामक लेखक की सोच से विचलित हो जाती है। शिमोन शेड्रिन और फ्योडोर मतवेव द्वारा और उससे भी पहले फ्योडोर अलेक्सेव द्वारा वस्तुनिष्ठ दुनिया के चित्रण में एक स्पष्ट बदलाव है। उनकी कला में वस्तुनिष्ठता की बढ़ती भूमिका को अवलोकन और अध्ययन के चश्मे से देखा जाता है, लेकिन यह सिल्वेस्टर फियोडोसिविच शेड्रिन (1791-1830) के परिदृश्य में पूरी तरह से घटित होता है।

सिल्वेस्टर शेड्रिन का जन्म मूर्तिकार फियोडोसियस शेड्रिन के परिवार में हुआ था। भूदृश्य चित्रकार शिमोन शेड्रिन उनके चाचा थे। उनका लगभग पूरा जीवन इटली में बीता, जहां उन्हें पेंशनभोगी के रूप में भेजा गया और जहां कम उम्र में ही उनकी मृत्यु हो गई। उनके काम का अधिकांश हिस्सा इटली को समर्पित है। उनकी पहली कृतियों में सजावटीवाद के अवशिष्ट प्रभाव की छाप है: सेंट पीटर्सबर्ग में पेत्रोव्स्की द्वीप से दृश्य (1811)। सेंट पीटर्सबर्ग में पेत्रोव्स्की द्वीप से टुचकोव ब्रिज और वासिलिव्स्की द्वीप तक का दृश्य (1815), सेंट पीटर्सबर्ग में पेत्रोव्स्की द्वीप का दृश्य (1817)। अलेक्सेव के परिदृश्यों के विपरीत, शेड्रिन में कोई हवा नहीं है। ऐसा लगता है कि इसे चित्र से बाहर निकाल दिया गया है, जिसकी बदौलत रंग फीके नहीं पड़ते, बल्कि सच्ची ताकत हासिल करते हैं। वे घनी छाया वाले अग्रभूमि और हाइलाइट की गई पृष्ठभूमि के विपरीत निर्मित एक क्लासिक योजना के भीतर चमकते हुए विषय रंगों की निष्पक्ष भावना लाते हैं। पारंपरिक चित्र में पेड़ों के मुकुटों का वर्णन शिमोन शेड्रिन द्वारा पेड़ों की सजावटी रूपरेखा से मिलता जुलता है। परिदृश्य में आकृतियाँ एक कर्मचारी चरित्र की हैं। वे इसमें नहीं रहते, वे कार्य नहीं करते - वे जीवन का प्रतीक हैं, परिदृश्य को सजीव बनाते हैं।

रूस में परिदृश्य अभी आकार लेना शुरू ही हुआ था। इस पर अकादमिक परंपरा की छाप है। लेकिन उनके पास मुक्ति का अवसर था, क्योंकि वे अन्य शैलियों में प्रचलित कथानक और विषयगत सुसंगतता से पीड़ित नहीं थे। 19वीं सदी के पहले दो दशकों में, कलाकारों को यह आज़ादी विदेशों में, मुख्य रूप से इटली में प्राप्त हुई, जहाँ अकादमी के छात्र इंटर्नशिप (सेवानिवृत्ति) के लिए जाते थे। शेड्रिन के प्रथम भूदृश्यों में दोहरी गुणवत्ता है, वे आकार और धीमेपन से परिपूर्ण हैं। वे स्थिर हैं, मानो समय की शृंखला से एक क्षण में रुक गए हों। दूसरी ओर, किसी शहर की तस्वीर को कर्मचारियों से भरने से परिदृश्य को एक शैली का रंग मिल जाता है, जिससे रूपांकन की महिमा की भावना कम हो जाती है। भिन्नात्मक रोजमर्रा के घटकों का परिचय: इंटरलेसिंग पुल, घोड़े से खींची जाने वाली गाड़ियाँ, बेतरतीब इमारतें, मछुआरे - परिदृश्य को रोजमर्रा की शैली के कगार पर रखता है जो परिदृश्य के भीतर उत्पन्न होता है।

1810 के दशक के परिदृश्य स्पष्ट रूप से प्रकृति से नहीं हैं। चित्र बनाने की तैयारी के बाद स्मृति से चित्र पूरा हो गया। इस तथ्य के कारण कि परिदृश्य शैली रजिस्टर में सबसे आगे नहीं था, यह माना जाता था कि यह नैतिक और धार्मिक विचारों को मूर्त रूप नहीं दे सकता था, "निम्न" परिदृश्य शैली ने प्राकृतिक अवलोकन को आकर्षित किया, क्योंकि यह छवि के मार्ग का गठन करता था क्षेत्र। जैसे ही परिदृश्य को आजादी मिली, उसने खुद को विहित पूर्वाग्रहों से मुक्त करने और प्रकृति की प्राकृतिक भाषा में बोलने की जल्दबाजी की, इसे "उच्च शांति" के लिए प्राथमिकता दी। प्रामाणिकता के प्रति शैली के स्वाभाविक आकर्षण का मतलब यह नहीं था कि यथार्थवाद इसका अंतिम लक्ष्य बन गया। रचित परिदृश्य भी उतना ही मान्य था, जिसने किसी दिए गए विचार के अनुसार चित्र को व्यवस्थित किया। इस विचार ने, एक नियम के रूप में, एक सुंदर देश के बारे में एक प्रकार का मिथक बनाया, यदि यह एक दिव्य विचार नहीं था, जो सांसारिक प्रकृति में दिव्य आत्मा या ब्रह्मांडीय शक्तियों की उपस्थिति को दर्शाता और मूर्त रूप देता था। इटली पहुंचने पर शेड्रिन का यथार्थवाद के प्रति आवेग बिल्कुल भी उनके काम का शिखर नहीं था, हालांकि इसने दुनिया को अद्भुत उदाहरण दिए जिन्होंने कला की चित्रात्मक और प्लास्टिक श्रृंखला का विस्तार किया। कलाकार ने सुंदरता का पीछा किया - कला का एकमात्र और अंतिम लक्ष्य।

इटली में, शेड्रिन ने मतवेव के बगल में काम किया, जिसका उन पर कुछ प्रभाव था। यह रोम में पेंटिंग कोलोसियम (1822) में ध्यान देने योग्य है, जो कि मैटवेव के कोलोसियम की तुलना में है, साथ ही पेंटिंग व्यू ऑफ नेपल्स फ्रॉम द रोड टू पॉसिलिपो (1829) में भी। इस काम में, शेड्रिन ने क्लासिकिस्ट योजना को बनाए रखते हुए उस पर काबू पाने की कोशिश की। उन्होंने वस्तुगत दुनिया को ध्यान से देखा, जिसने उन्हें परिदृश्य छवि की संरचना से विचलित कर दिया। लेकिन कलाकार अभी तक रंग संबंधों की एकता नहीं बना पाया है।

एक और महत्वपूर्ण खोज जिसने परिदृश्य के "दर्शन" को बदल दिया, वह प्रकाश था जो पेड़ों में प्रवेश करता है और समुद्र या खंडहरों को रोशन करता है (ओल्ड रोम, 1824)। प्रकाश ने प्रकृति की समझ को तुरंत बदल दिया। दरअसल, "दुनिया की खिड़की" दृश्य स्थान की रोशनी की मदद से खोली गई थी। इस संबंध में, शेड्रिन ने विश्व को एक ब्रह्मांड के रूप में समझने की उपेक्षा की। इसकी जगह ठोस जीवन पर ध्यान दिया गया। इस जीवन को एक खुशहाल मानव अस्तित्व के रूप में सामंजस्यपूर्ण रूप से माना जाता था। अटकलें और कल्पना ने चित्र को छोड़ दिया, उसकी जगह एक स्पष्ट रूप से महसूस किए गए वास्तविक परिदृश्य ने ले ली, जिसे एक व्यक्ति के सुखद भाग्य के रूप में व्याख्या किया गया। कलाकार की पेंटिंग में लोग काम करते हैं, मछली पकड़ते हैं, आराम करते हैं, समुद्र पर चिंतन करते हैं, जो परिदृश्य के दायरे को रोजमर्रा की शैली तक विस्तारित करता है। शांत जीवन की देखी गई दुनिया का सावधानीपूर्वक अध्ययन किया जाता है, या यों कहें कि उस पर चिंतन किया जाता है, जो इसे शांति और अपरिवर्तनीयता प्रदान करता है। क्लासिकिज़्म के विपरीत, शेड्रिन की कृतियाँ लोकतांत्रिक हैं। वह महल के पार्कों, महानगरीय संभावनाओं को नहीं, बल्कि लोगों, पेशेवर श्रमिकों के देश को चित्रित करता है। ज्ञान का दायरा विस्तारित हुआ है, न केवल नए विषयों का पता चला है, बल्कि एक अलग विश्वदृष्टि से भी समृद्ध हुआ है। शेड्रिन के परिदृश्य में सबसे महत्वपूर्ण कारक कलाकार का प्रकृति में प्राकृतिक प्रवेश था, जिसे उन्होंने उसकी सांसों के साथ पूर्ण सामंजस्य में चित्रित किया। प्रकृति को आम आदमी से जोड़कर देखा जाता है। उन्होंने इसे रहने योग्य बनाया है, और इस रहने योग्य स्थान में उन्हें भूदृश्य भूखंडों और रूपांकनों की एक नई संपत्ति दिखाई देती है। विश्व की पूर्व भव्यता का स्थान मानवता ने ले लिया है। कलाकार दुनिया को उसके भौतिक रूप में, निर्माता द्वारा उपहार में दी गई विलासिता के रूप में देखता है। समुद्र की सुंदरता का स्पर्श, पेड़ों की भौतिक अनुभूति, हवा, प्रबुद्ध स्थान, आकाश की चमक और पारदर्शिता ने सद्भाव की दुनिया को जन्म दिया। इस कारण से, प्रकृति का अध्ययन परिदृश्य के प्रति बदले हुए दृष्टिकोण में मुख्य कारकों में से एक बन जाता है। प्राकृतिक वातावरण छवि की पारंपरिकता खो देता है। इसलिए, पेंटिंग अब राजसी तमाशे के नियमों के अनुसार नहीं बनाई गई है, बल्कि, नई कलात्मक अवधारणा के अनुसार, निजी दृश्यों, प्रकृति के टुकड़ों या समुद्र तटीय शहरों में बदल जाती है: नेपल्स में तटबंध (1825), अमाल्फी का दृश्य नेपल्स के पास, सोरेंटो में छोटा बंदरगाह, कैपरी द्वीप पर (सभी - 1826)।

शेड्रिन के चित्रों में प्रकाश फैला हुआ है, जो धीरे-धीरे दूर के पहाड़ों, तटीय घरों और पेड़ों को ढक रहा है। इससे समुद्र, आकाश, नीले रंग में रंगे मखमली पहाड़ों के कई रंग सामने आते हैं। धन्य प्रकृति में कोई भी प्राचीन काल की विरासत को महसूस कर सकता है, जिसे मनुष्य के शांतिपूर्ण अस्तित्व के लिए स्वर्ग माना जाता है। शेड्रिन के इतालवी परिदृश्य में, "रचना" के सिद्धांत को प्रकृति के सुंदर गुणों के पुनरुत्पादन द्वारा पूरी तरह से बदल दिया गया था।

फेडोरोव-डेविडोव ने शेड्रिन की प्लेन एयर में महारत को नोट किया। 1820 के दशक के परिदृश्य की इस वास्तविक विजय ने शेड्रिन को यूरोप के उत्कृष्ट परिदृश्य चित्रकारों में शामिल कर दिया। उनका पूर्ण वायुवाद अभी भी अपूर्ण है। अलेक्जेंडर इवानोव की शानदार, रिफ्लेक्सिव, बोल्ड पेंटिंग की तुलना में, शेड्रिन की प्लेन एयर डरपोक है, जैसे कि अकादमिक रूप से चिकनी हो गई हो। यह रंग-प्रकाश माध्यम से देखी गई किसी वस्तु की तुलना में रंग पर रंग के काल्पनिक प्रतिबिंब की तरह है। हालाँकि, जो महत्वपूर्ण है, वह यह है कि रंग मोनोक्रोम और खुले रंग की स्थानीय सीमा दोनों पर काबू पा लिया गया है। शानदार शब्दों में प्रस्तुत, प्रकृति ने प्रदर्शित किया कि जीवन में सुंदरता कला में सुंदरता के लिए पर्याप्त है। सिल्वेस्टर शेड्रिन क्लासिकिज़्म से बचे हुए अंतरिक्ष के मनोरम सिद्धांत को एक नए सिद्धांत के साथ जोड़ते हैं - एक "दुनिया की खिड़की", जो विशेष रूप से "सुरंग" परिदृश्यों और तस्वीरों के दृश्यों में स्पष्ट रूप से दिखाई देता है, जहां गहराई रंग से बनती है अग्रभूमि और हवादार दूरी में छायांकित। यह एक खुली जगह में एक विमान की पेंटिंग की एक सफलता है: वेसुवियस (1826) के दृश्य के साथ सोरेंटो में ग्रोटो, कैपरी द्वीप पर मैट्रिमोनियो का ग्रोटो (1827), अंगूर से घिरा बरामदा (1828), समुद्र तट पर छत (1828), रोम के आसपास अल्बानो झील (1825), चांदनी रात में वेसुवियस और कास्टेलो डेल'ओवो की कुटी से दृश्य (1820)।

शेड्रिन के "रात" परिदृश्य में दुनिया का शांत चिंतन ढह ​​जाता है। नाटक के तत्व प्रकट होते हैं। लेकिन यह वास्तविक जीवन का नाटक नहीं है, बल्कि प्रकृति पर प्रक्षेपित लेखक की स्थिति की एकाग्रता है। यहां से रात के आकाश की पारंपरिक प्रस्तुति, हवा में बादलों की धड़कन आदि के तत्व फिर से उभरे, लेकिन सम्मेलन इस बार चांदनी रात, 1829 में रोमांटिक पाथोस नेपल्स की विशेषताओं के साथ रंगीन था; नेपल्स में चांदनी रात के दो संस्करण, 1828)।

18वीं शताब्दी वह काल है जिसमें राजनीतिक, सामाजिक, सार्वजनिक सभी क्षेत्रों में भारी परिवर्तन हुए। यूरोप ने रूसी चित्रकला में नई शैलियों का परिचय दिया: परिदृश्य, ऐतिहासिक, रोजमर्रा की जिंदगी। चित्रकला की यथार्थवादी दिशा प्रमुख हो जाती है। एक जीवित व्यक्ति उस समय के सौंदर्यवादी आदर्शों का नायक और वाहक होता है।

18वीं सदी कला के इतिहास में सुरम्य चित्रों के समय के रूप में दर्ज हुई। हर कोई अपना स्वयं का चित्र रखना चाहता था: रानी से लेकर प्रांत के एक साधारण अधिकारी तक।

रूसी चित्रकला में यूरोपीय रुझान

18वीं शताब्दी के प्रसिद्ध रूसी कलाकारों को पीटर I के आदेश पर पश्चिमी फैशन का पालन करने के लिए मजबूर किया गया था, जो रूस का यूरोपीयकरण करना चाहते थे। उन्होंने ललित कलाओं के विकास को बहुत महत्व दिया और यहां तक ​​कि एक विशेष शैक्षणिक संस्थान बनाने की भी योजना बनाई।

18वीं शताब्दी के रूसी कलाकारों ने यूरोपीय चित्रकला की नई तकनीकों में महारत हासिल की और अपने कैनवस पर न केवल राजाओं, बल्कि विभिन्न लड़कों, व्यापारियों और कुलपतियों को भी चित्रित किया, जिन्होंने फैशन के साथ बने रहने की कोशिश की और अक्सर स्थानीय कलाकारों को चित्र बनाने के लिए नियुक्त किया। उसी समय, उस समय के कलाकारों ने घरेलू वस्तुओं, राष्ट्रीय पोशाक के तत्वों, प्रकृति आदि के साथ चित्रों को समृद्ध करने का प्रयास किया। ध्यान महंगे फर्नीचर, बड़े फूलदान, शानदार कपड़े और दिलचस्प पोज़ पर केंद्रित था। उस समय के लोगों का चित्रण आज कलाकारों द्वारा अपने समय के बारे में एक काव्यात्मक कहानी के रूप में माना जाता है।

और फिर भी, 18वीं सदी के रूसी कलाकारों के चित्र आमंत्रित विदेशी चित्रकारों के चित्रों से आश्चर्यजनक रूप से भिन्न हैं। गौरतलब है कि रूसी कलाकारों को सिखाने के लिए दूसरे देशों के कलाकारों को आमंत्रित किया गया था।

पोर्ट्रेट के प्रकार

18वीं सदी की शुरुआत में चित्र कलाकारों ने अर्ध-औपचारिक और अंतरंग दृश्यों की ओर रुख किया। 18वीं सदी के उत्तरार्ध के चित्रकारों के चित्र औपचारिक, अर्ध-औपचारिक, चैम्बर, अंतरंग जैसे प्रकारों को जन्म देते हैं।

सामने का दरवाज़ा एक पूर्ण लंबाई वाले व्यक्ति के चित्रण में दूसरों से भिन्न है। विलासिता की चमक - कपड़ों और घरेलू सामानों दोनों में।

हाफ-ड्रेस लुक घुटने तक या कमर तक मॉडल की छवि है।

यदि किसी व्यक्ति को तटस्थ पृष्ठभूमि में छाती या कमर तक चित्रित किया जाता है, तो इस प्रकार के चित्र को अंतरंग कहा जाता है।

चित्र का अंतरंग दृश्य चित्र के नायक की आंतरिक दुनिया के प्रति आकर्षण का सुझाव देता है, जबकि पृष्ठभूमि को नजरअंदाज कर दिया जाता है।

पोर्ट्रेट छवियाँ

अक्सर 18वीं शताब्दी के रूसी कलाकारों को ग्राहक के स्वयं के विचार को एक चित्र छवि में शामिल करने के लिए मजबूर किया जाता था, लेकिन वास्तविक छवि को नहीं। किसी व्यक्ति विशेष के बारे में जनता की राय को ध्यान में रखना महत्वपूर्ण था। कई कला इतिहासकारों ने लंबे समय से यह निष्कर्ष निकाला है कि उस समय का मुख्य नियम किसी व्यक्ति को उतना चित्रित नहीं करना था जितना वह वास्तव में था, या जैसा वह होना चाहता है, बल्कि जैसा कि वह अपने सर्वोत्तम प्रतिबिंब में हो सकता है। अर्थात् चित्रों में उन्होंने किसी भी व्यक्ति को आदर्श के रूप में चित्रित करने का प्रयास किया।

पहले कलाकार

18वीं शताब्दी के रूसी कलाकार, जिनकी सूची आम तौर पर छोटी है, विशेष रूप से, आई. एन. निकितिन, ए. पी. एंट्रोपोव, एफ. एस. रोकोतोव, आई. पी. अर्गुनोव, वी. एल. बोरोविकोवस्की, डी. जी. लेवित्स्की हैं।

18वीं शताब्दी के प्रथम चित्रकारों में निकितिन, एन्ट्रोपोव, अर्गुनोव के नाम प्रमुख हैं। 18वीं सदी के इन पहले रूसी कलाकारों की भूमिका नगण्य थी। यह केवल बड़ी संख्या में शाही छवियों और रूसी रईसों के चित्रों को चित्रित करने तक ही सिमट कर रह गया। 18वीं सदी के रूसी कलाकार चित्रांकन के उस्ताद हैं। हालाँकि अक्सर वे विदेशी आकाओं को बड़ी संख्या में महलों की दीवारों को रंगने और नाटकीय दृश्य बनाने में मदद करते थे।

चित्रकार इवान निकितिच निकितिन का नाम पीटर I और उनकी पत्नी के पत्राचार में पाया जा सकता है। उनका ब्रश स्वयं ज़ार, चांसलर जी.आई. का चित्र है। हेटमैन के उनके चित्र में कुछ भी कृत्रिम नहीं है। उपस्थिति न तो विग से और न ही कोर्ट के कपड़ों से बदलती है। कलाकार ने हेटमैन को वैसा ही दिखाया जैसा वह जीवन में था। यह जीवन की सच्चाई में है कि निकितिन के चित्रों का मुख्य लाभ निहित है।

एंट्रोपोव का काम कीव में सेंट एंड्रयू कैथेड्रल की छवियों और धर्मसभा में चित्रों में संरक्षित किया गया था। इन कृतियों को कलाकार की पीले और जैतूनी रंगों के प्रति रुचि से पहचाना जाता है, क्योंकि वह एक चित्रकार है जिसने आइकन पेंटिंग के मास्टर के साथ अध्ययन किया है। उनकी प्रसिद्ध कृतियों में एलिसैवेटा पेत्रोव्ना, पीटर I, प्रिंसेस ट्रुबेट्सकोय और अतामान एफ. क्रास्नोशचेकोव के चित्र हैं। एंट्रोपोव के काम ने 17वीं शताब्दी की मूल रूसी चित्रकला की परंपराओं और पीटर द ग्रेट युग की ललित कला के सिद्धांतों को संयोजित किया।

इवान पेट्रोविच अर्गुनोव काउंट शेरेमेतयेव के एक प्रसिद्ध सर्फ़ चित्रकार हैं। उनके चित्र सुरुचिपूर्ण हैं, जिन लोगों का वह चित्रण करते हैं उनकी मुद्राएँ स्वतंत्र और गतिशील हैं, उनके काम में सब कुछ सटीक और सरल है। वह एक चैम्बर चित्र के निर्माता हैं, जो बाद में अंतरंग हो जाएगा। कलाकार की महत्वपूर्ण कृतियाँ: शेरेमेतयेव युगल, बचपन में पी.बी.

किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि उस समय रूस में कोई अन्य शैली मौजूद नहीं थी, लेकिन 18 वीं शताब्दी के महान रूसी कलाकारों ने फिर भी चित्रांकन की शैली में सबसे महत्वपूर्ण कार्य किए।

18वीं सदी का शिखर रोकोतोव, लेवित्स्की और बोरोविकोवस्की का काम था। कलाकारों के चित्रों में व्यक्ति प्रशंसा, ध्यान और सम्मान का पात्र है। भावनाओं की मानवीयता उनके चित्रों की विशिष्ट विशेषता है।

फ्योडोर स्टेपानोविच रोकोतोव (1735-1808)

प्रिंस आई. रेपिन के सर्फ़ों के 18वीं सदी के रूसी कलाकार फ्योडोर स्टेपानोविच रोकोतोव के बारे में लगभग कुछ भी ज्ञात नहीं है। यह कलाकार महिलाओं के चित्रों को कोमलता और हवादार ढंग से चित्रित करता है। आंतरिक सुंदरता को रोकोतोव द्वारा महसूस किया जाता है, और वह इसे कैनवास पर अनुवाद करने का साधन ढूंढता है। यहां तक ​​कि चित्रों का अंडाकार आकार भी महिलाओं की नाजुक और सुरुचिपूर्ण उपस्थिति पर जोर देता है।

उनके काम की मुख्य शैली अर्ध-औपचारिक चित्र है। उनके कार्यों में ग्रिगोरी ओर्लोव और पीटर III, राजकुमारी युसुपोवा और प्रिंस पावेल पेट्रोविच के चित्र हैं।

दिमित्री ग्रिगोरिएविच लेवित्स्की (1735-1822)

18वीं शताब्दी के प्रसिद्ध रूसी कलाकार, दिमित्री ग्रिगोरिएविच लेवित्स्की, जो ए. एंट्रोपोव के छात्र थे, अपने चित्रों में लोगों की मानसिक स्थिति और विशेषताओं को संवेदनशील रूप से पकड़ने और फिर से बनाने में सक्षम थे। अमीरों का चित्रण करते हुए, वह सच्चा और निष्पक्ष रहता है; उसके चित्रों में दासता और झूठ शामिल नहीं है। उनके ब्रश में 18वीं सदी के महान लोगों के चित्रों की एक पूरी गैलरी शामिल है। यह औपचारिक चित्र में है कि लेवित्स्की खुद को एक गुरु के रूप में प्रकट करता है। वह अभिव्यंजक मुद्राएँ और हावभाव पाता है, जो महान रईसों को दर्शाता है। चेहरों में रूसी इतिहास - इसी तरह लेवित्स्की के काम को अक्सर कहा जाता है।
कलाकार द्वारा पेंटिंग: एम. ए. लवोवा, ई. आई. नेलिडोवा, एन. आई. नोविकोव, मित्रोफ़ानोव्स के चित्र।

व्लादिमीर लुकिच बोरोविकोवस्की (1757-1825)

18वीं और 19वीं शताब्दी के रूसी कलाकार तथाकथित भावुक चित्र के उपयोग से प्रतिष्ठित हैं। कलाकार व्लादिमीर लुकिच बोरोविकोव्स्की विचारशील लड़कियों को चित्रित करते हैं, जिन्हें उनके चित्रों में हल्के रंगों में चित्रित किया गया है, वे हवादार और मासूम हैं; उनकी नायिकाएँ न केवल पारंपरिक पोशाक में रूसी किसान महिलाएँ हैं, बल्कि उच्च समाज की सम्मानित महिलाएँ भी हैं। ये नारीशकिना, लोपुखिना, राजकुमारी सुवोरोवा, आर्सेनेवा के चित्र हैं। तस्वीरें कुछ-कुछ मिलती-जुलती हैं, लेकिन इन्हें भूल पाना नामुमकिन है। व्यक्त किए गए पात्रों की अद्भुत सूक्ष्मता, भावनात्मक अनुभवों की लगभग मायावी विशेषताओं और कोमलता की भावना से प्रतिष्ठित है जो सभी छवियों को एकजुट करती है। अपने कार्यों में, बोरोविकोवस्की ने उस समय की एक महिला की सारी सुंदरता का खुलासा किया।

बोरोविकोवस्की की विरासत बहुत विविध और व्यापक है। उनके काम में औपचारिक चित्र और लघु और अंतरंग पेंटिंग दोनों शामिल हैं। बोरोविकोवस्की के कार्यों में, सबसे प्रसिद्ध वी. ए. ज़ुकोवस्की, जी. आर. डेरझाविन, ए. बी. कुराकिन और पावेल आई के चित्र थे।

रूसी कलाकारों द्वारा पेंटिंग

रूसी कलाकारों द्वारा 18वीं शताब्दी की पेंटिंग मनुष्य के प्रति प्रेम, उसकी आंतरिक दुनिया और नैतिक गुणों के प्रति सम्मान के साथ लिखी गई थीं। प्रत्येक कलाकार की शैली, एक ओर, बहुत व्यक्तिगत होती है, लेकिन दूसरी ओर, इसमें दूसरों के साथ कई सामान्य विशेषताएं होती हैं। इस क्षण ने उसी शैली को निर्धारित किया जो 18वीं शताब्दी में रूसी कला के चरित्र पर जोर देती है।

18वीं सदी के अधिकांश रूसी कलाकार:

1. "युवा चित्रकार" 1760 के दशक का दूसरा भाग। लेखक इवान फ़िरसोव 18वीं सदी के सबसे रहस्यमय कलाकार हैं। पेंटिंग में वर्दी पहने एक लड़के को दिखाया गया है जो एक छोटी खूबसूरत लड़की का चित्र बना रहा है।
2. "हेक्टर की एंड्रोमाचे को विदाई," 1773। लेखक एंटोन पावलोविच लोसेन्को। कलाकार की आखिरी पेंटिंग. इसमें होमर के इलियड के छठे गीत के एक कथानक को दर्शाया गया है।
3. "कांस्टेबल स्क्वायर के पास गैचिना में स्टोन ब्रिज", 1799-1801। लेखक शिमोन फेडोरोविच शेड्रिन। पेंटिंग में एक परिदृश्य दृश्य दर्शाया गया है।

और अभी तक

18वीं शताब्दी के रूसी कलाकारों ने दास प्रथा की स्थितियों और धनी ग्राहकों की इच्छाओं के बावजूद, लोगों की सच्चाई और सच्चे चरित्रों को उजागर करने का प्रयास किया। 18वीं शताब्दी में चित्र शैली ने रूसी लोगों की विशिष्ट विशेषताओं को मूर्त रूप दिया।

निस्संदेह, यह कहा जा सकता है कि, 18वीं शताब्दी की कलात्मक कला यूरोपीय संस्कृति से कितनी भी प्रभावित क्यों न हो, फिर भी इससे राष्ट्रीय रूसी परंपराओं का विकास हुआ।

लेव कामेनेव (1833 - 1886) "एक झोपड़ी के साथ लैंडस्केप"

पेंटिंग की एक स्वतंत्र शैली के रूप में लैंडस्केप ने 18वीं शताब्दी के मध्य में रूस में खुद को स्थापित किया। और इस अवधि से पहले, परिदृश्य आइकन पेंटिंग रचनाओं या पुस्तक चित्रण के हिस्से को चित्रित करने की पृष्ठभूमि थी।

19वीं शताब्दी के रूसी परिदृश्य के बारे में बहुत कुछ लिखा गया है, और यह बिना किसी अतिशयोक्ति के, चित्रकला के क्षेत्र के महान विशेषज्ञों द्वारा लिखा गया था, जिनके बारे में मेरे पास जोड़ने के लिए कुछ भी नहीं है।

रूसी परिदृश्य चित्रकला के अग्रदूत शिमोन शेड्रिन, फ्योडोर अलेक्सेव और फ्योडोर मतवेव हैं। इन सभी कलाकारों ने यूरोप में चित्रकला का अध्ययन किया, जिसने उनके आगे के काम पर एक निश्चित छाप छोड़ी।

शेड्रिन (1749 - 1804) ने शाही देश के पार्कों को चित्रित करने वाले कार्यों के लेखक के रूप में प्रसिद्धि प्राप्त की। अलेक्सेव (1753 - 1824) को सेंट पीटर्सबर्ग, गैचिना और पावलोव्स्क, मॉस्को के स्थापत्य स्मारकों को चित्रित करने वाले उनके परिदृश्य के लिए रूसी कैनेलेटो उपनाम दिया गया था। मतवेव (1758 - 1826) ने अपने जीवन के अधिकांश समय इटली में काम किया और अपने शिक्षक हैकर्ट की भावना से लिखा। इस प्रतिभाशाली इतालवी कलाकार के कार्यों की नकल एम.एम. ने भी की थी। इवानोव (1748-1828)।

विशेषज्ञ 19वीं सदी के रूसी परिदृश्य चित्रकला के विकास में दो चरणों पर ध्यान देते हैं, जो एक-दूसरे से व्यवस्थित रूप से जुड़े नहीं हैं, लेकिन स्पष्ट रूप से अलग हैं। ये दो चरण:

• यथार्थवादी;
• प्रेम प्रसंगयुक्त।

इन दिशाओं के बीच की सीमा स्पष्ट रूप से 19वीं सदी के 20 के दशक के मध्य तक बन गई थी। अठारहवीं सदी के मध्य तक, रूसी चित्रकला ने खुद को 18वीं सदी की शास्त्रीय चित्रकला के तर्कवाद से मुक्त करना शुरू कर दिया। और रूसी रूमानियतवाद, रूसी चित्रकला में एक अलग घटना के रूप में, इन परिवर्तनों में बहुत महत्व रखता है।

रूसी रोमांटिक परिदृश्य तीन दिशाओं में विकसित हुआ:

1. प्रकृति के कार्यों पर आधारित शहरी परिदृश्य;
2. "इतालवी मिट्टी" पर आधारित रूसी प्रकृति का अध्ययन;
3. रूसी राष्ट्रीय परिदृश्य।

और अब मैं आपको 19वीं शताब्दी के रूसी कलाकारों की कृतियों की गैलरी में आमंत्रित करता हूं जिन्होंने परिदृश्यों को चित्रित किया। मैंने प्रत्येक कलाकार से केवल एक टुकड़ा लिया - अन्यथा यह गैलरी बस अंतहीन थी।

यदि आपकी इच्छा है, तो आप इस साइट पर प्रत्येक कलाकार के काम के बारे में पढ़ सकते हैं (और, तदनुसार, कलाकार के कार्यों को याद कर सकते हैं)।

19वीं सदी के रूसी परिदृश्य

व्लादिमीर मुरावियोव (1861 - 1940), "ब्लू फ़ॉरेस्ट"

व्लादिमीर ओरलोव्स्की (1842 - 1914), "समर डे"

प्योत्र सुखोदोल्स्की (1835 - 1903), "ट्रिनिटी डे"

इवान शिश्किन (1832 - 1898), "राई"

एफिम वोल्कोव (1844 - 1920), "फ़ॉरेस्ट लेक"

निकोलाई एस्टुडिन (1847 - 1925), "माउंटेन रोड"

निकोलाई सर्गेव (1855 - 1919), "समर पॉन्ड"

कॉन्स्टेंटिन क्रिज़िट्स्की1 (1858-1911), "ज़्वेनिगोरोड"

एलेक्सी पिसेम्स्की (1859 - 1913), "वन नदी"

जोसेफ क्राचकोवस्की (1854 - 1914), "विस्टेरिया"

इसहाक लेविटन (1860 - 1900), "बिर्च ग्रोव"

वासिली पोलेनोव (1844-1927), "ओल्ड मिल"

मिखाइल क्लोड्ट (1832 - 1902), "ओक ग्रोव"

अपोलिनरी वासनेत्सोव (1856 - 1933), “ओख्तिरका। संपत्ति का दृश्य"

लैंडस्केप पेंटिंग की शैलियों में से एक है। रूसी परिदृश्य रूसी कला और सामान्य रूप से रूसी संस्कृति दोनों के लिए एक बहुत ही महत्वपूर्ण शैली है। परिदृश्य प्रकृति को दर्शाता है। प्राकृतिक परिदृश्य, प्राकृतिक स्थान। परिदृश्य प्रकृति के प्रति मानवीय धारणा को दर्शाता है।

17वीं सदी में रूसी परिदृश्य

रेगिस्तान में सेंट जॉन द बैपटिस्ट

लैंडस्केप पेंटिंग के विकास के लिए पहली ईंटें आइकनों द्वारा रखी गईं, जिनकी पृष्ठभूमि, वास्तव में, लैंडस्केप्स थीं। 17वीं शताब्दी में, उस्तादों ने आइकन पेंटिंग सिद्धांतों से दूर जाना और कुछ नया करने की कोशिश करना शुरू कर दिया। यह इस समय से था कि पेंटिंग "स्थिर" रहना बंद हो गई और विकसित होना शुरू हो गई।

18वीं सदी में रूसी परिदृश्य

एम.आई. मखीव

18वीं शताब्दी में, जब रूसी कला यूरोपीय कला प्रणाली में शामिल हो गई, तो रूसी कला में परिदृश्य एक स्वतंत्र शैली बन गया। लेकिन इस समय इसका उद्देश्य उस वास्तविकता को दर्ज करना है जिसने व्यक्ति को घेर लिया है। अभी तक कोई कैमरे नहीं थे, लेकिन महत्वपूर्ण घटनाओं या वास्तुकला के कार्यों को कैद करने की इच्छा पहले से ही प्रबल थी। कला में एक स्वतंत्र शैली के रूप में पहले परिदृश्य, सेंट पीटर्सबर्ग, मॉस्को, महलों और पार्कों के स्थलाकृतिक दृश्य थे।

एफ.या. अलेक्सेव। मॉस्को में टावर्सकाया स्ट्रीट से पुनरुत्थान और निकोलस्की गेट्स और नेग्लिनी ब्रिज का दृश्य

एफ.या. Alekseev

एस.एफ. शेड्रिन

19वीं सदी की शुरुआत में रूसी परिदृश्य

एफ.एम. मतवेव। इतालवी परिदृश्य

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, रूसी कलाकारों ने मुख्य रूप से इटली को चित्रित किया। इटली को कला और रचनात्मकता का जन्मस्थान माना जाता था। कलाकार विदेश में अध्ययन करते हैं और विदेशी उस्तादों की शैली की नकल करते हैं। रूसी प्रकृति को अनुभवहीन और उबाऊ माना जाता है, इसलिए यहां तक ​​​​कि देशी रूसी कलाकार भी विदेशी प्रकृति को चित्रित करते हैं, इसे अधिक रोचक और कलात्मक मानते हैं। रूस में विदेशियों का गर्मजोशी से स्वागत किया जाता है: चित्रकार, नृत्य और तलवारबाजी शिक्षक। रूसी उच्च समाज फ्रेंच बोलता है। रूसी युवा महिलाओं को फ्रांसीसी शासन द्वारा शिक्षा दी जाती है। हर विदेशी चीज़ को उच्च समाज का प्रतीक, शिक्षा और अच्छे शिष्टाचार का प्रतीक माना जाता है, और रूसी राष्ट्रीय संस्कृति की अभिव्यक्तियाँ खराब स्वाद और अशिष्टता का संकेत हैं। प्रसिद्ध ओपेरा में पी.आई. त्चिकोवस्की, ए.एस. की अमर कहानी पर आधारित है। पुश्किन की "द क्वीन ऑफ स्पेड्स" में, फ्रांसीसी शासन ने राजकुमारी लिसा को "रूसी में" नृत्य करने के लिए डांटा, जो उच्च समाज की एक महिला के लिए शर्मनाक था।

एस.एफ. शेड्रिन। इस्चिया और प्रोसिडो द्वीपों के दृश्यों के साथ सोरेंटो में छोटा बंदरगाह

आई.जी. डेविडॉव। रोम के उपनगर

एस.एफ. शेड्रिन। कैपरी द्वीप पर ग्रोटो मैट्रोमैनियो

19वीं सदी के मध्य में रूसी परिदृश्य

19वीं शताब्दी के मध्य में, रूसी बुद्धिजीवियों और कलाकारों ने विशेष रूप से रूसी संस्कृति के अवमूल्यन के बारे में सोचना शुरू कर दिया। रूसी समाज में दो विरोधी प्रवृत्तियाँ दिखाई देती हैं: पश्चिमी और स्लावोफाइल। पश्चिमी लोगों का मानना ​​था कि रूस वैश्विक इतिहास का हिस्सा था और उन्होंने इसकी राष्ट्रीय पहचान को खारिज कर दिया था, जबकि स्लावोफाइल्स का मानना ​​था कि रूस एक समृद्ध संस्कृति और इतिहास वाला एक विशेष देश था। स्लावोफाइल्स का मानना ​​\u200b\u200bथा ​​कि रूस के विकास का मार्ग यूरोपीय से मौलिक रूप से अलग होना चाहिए, कि रूसी संस्कृति और रूसी प्रकृति साहित्य में वर्णित होने, कैनवास पर चित्रित होने और संगीत कार्यों में कैद होने के योग्य हैं।

नीचे रूसी भूमि के परिदृश्यों को दर्शाने वाली पेंटिंग प्रस्तुत की जाएंगी। धारणा में आसानी के लिए, चित्रों को कालानुक्रमिक क्रम में या लेखक द्वारा नहीं, बल्कि उन मौसमों के अनुसार सूचीबद्ध किया जाएगा जिनके लिए चित्रों को जिम्मेदार ठहराया जा सकता है।

रूसी परिदृश्य में वसंत

सावरसोव। बदमाश आ गए हैं

रूसी परिदृश्य. सावरसोव "बदमाश आ गए हैं"

वसंत आमतौर पर उत्साह, खुशी, सूरज और गर्मी की प्रत्याशा से जुड़ा होता है। लेकिन सावरसोव की पेंटिंग "द रूक्स हैव अराइव्ड" में हम न तो सूरज देखते हैं और न ही गर्मी, और यहां तक ​​​​कि मंदिर के गुंबदों को भूरे रंग से रंगा गया है, जैसे कि वे अभी तक जागृत नहीं हुए हैं।

रूस में वसंत अक्सर डरपोक कदमों से शुरू होता है। बर्फ पिघल रही है, और आकाश और पेड़ पोखरों में प्रतिबिंबित होते हैं। रूक्स अपने रूक व्यवसाय - घोंसले के निर्माण में व्यस्त हैं। बर्च पेड़ों की नुकीले और नंगे तने पतले हो जाते हैं, आकाश की ओर बढ़ते हैं, जैसे कि वे उस तक पहुँच रहे हों, धीरे-धीरे जीवन में आ रहे हों। आकाश, जो पहली नज़र में धूसर है, नीले रंग से भरा हुआ है, और बादलों के किनारे थोड़े हल्के हैं, जैसे कि सूरज की किरणें झाँक रही हों।

पहली नज़र में, एक पेंटिंग निराशाजनक प्रभाव डाल सकती है, और हर कोई उस खुशी और जीत को महसूस नहीं कर सकता जो कलाकार ने इसमें डाला है। यह पेंटिंग पहली बार 1871 में वांडरर्स एसोसिएशन की पहली प्रदर्शनी में प्रस्तुत की गई थी। और इस प्रदर्शनी की सूची में इसे "द रूक्स हैव अराइव्ड!" कहा गया। शीर्षक के अंत में एक विस्मयादिबोधक बिंदु था। और यह खुशी, जिसकी केवल अपेक्षा की जाती है, जो अभी तक चित्र में नहीं है, इस विस्मयादिबोधक चिह्न द्वारा सटीक रूप से व्यक्त की गई थी। सावरसोव ने, यहां तक ​​कि शीर्षक में ही, वसंत की प्रतीक्षा की मायावी खुशी को व्यक्त करने की कोशिश की। समय के साथ, विस्मयादिबोधक चिह्न खो गया और चित्र को केवल "द रूक्स हैव अराइव्ड" कहा जाने लगा।

यह वह तस्वीर है जो लैंडस्केप पेंटिंग की एक समान और कुछ अवधियों में रूसी पेंटिंग की अग्रणी शैली के रूप में स्थापना शुरू करती है।

मैं लेविटन। मार्च

रूसी परिदृश्य. मैं लेविटन। मार्च

मार्च एक बहुत ही खतरनाक महीना है - एक ओर तो सूरज चमकता हुआ प्रतीत होता है, लेकिन दूसरी ओर यह बहुत ठंडा और गीला हो सकता है।

यह झरना प्रकाश से भरी हवा है। यहां वसंत के आगमन की खुशी पहले से ही अधिक स्पष्ट रूप से महसूस की जाती है। ऐसा लगता है कि यह अभी तक दिखाई नहीं दे रहा है, यह केवल चित्र के शीर्षक में है। लेकिन, यदि आप अधिक बारीकी से देखें, तो आप सूर्य द्वारा गर्म की गई दीवार की गर्मी महसूस कर सकते हैं।

नीली, समृद्ध, बजती हुई छायाएं न केवल पेड़ों और उनके तनों से, बल्कि बर्फ के गड्ढों में भी छायाएं हैं जिनके साथ एक व्यक्ति चला है

एम. क्लाउड. कृषि योग्य भूमि पर

रूसी परिदृश्य. एम. क्लाउड. कृषि योग्य भूमि पर

माइकल क्लाउड की पेंटिंग में, एक व्यक्ति (एक आधुनिक शहरवासी के विपरीत) प्रकृति के साथ एक ही लय में रहता है। प्रकृति पृथ्वी पर रहने वाले व्यक्ति के लिए जीवन की लय निर्धारित करती है। वसंत ऋतु में एक व्यक्ति इस भूमि की जुताई करता है, पतझड़ में वह फसल काटता है। चित्र में बछेड़ा जीवन के विस्तार की तरह है।

रूसी प्रकृति की विशेषता समतलता है - यहां आपको पहाड़ या पहाड़ियां कम ही देखने को मिलती हैं। और गोगोल ने आश्चर्यजनक रूप से तनाव और करुणा की इस कमी को "रूसी प्रकृति की निरंतरता" के रूप में वर्णित किया। यह वह "निरंतरता" थी जिसे 19वीं शताब्दी के रूसी परिदृश्य चित्रकारों ने अपने चित्रों में व्यक्त करने का प्रयास किया था।

रूसी परिदृश्य में ग्रीष्म ऋतु

पैलेनोव। मास्को प्रांगण

रूसी परिदृश्य. पैलेनोव "मास्को प्रांगण"

रूसी चित्रकला में सबसे आकर्षक चित्रों में से एक। पोलेनोव का व्यवसाय कार्ड। यह एक शहरी परिदृश्य है जिसमें हम मास्को के लड़कों और लड़कियों का सामान्य जीवन देखते हैं। यहां तक ​​कि स्वयं कलाकार भी हमेशा अपने काम के महत्व को नहीं समझता है। यहां हम एक शहर की संपत्ति और एक खलिहान को पहले से ही ढहते हुए देखते हैं, बच्चे, एक घोड़ा, और इन सबके ऊपर हम एक चर्च देखते हैं। यहां किसान और कुलीन वर्ग, बच्चे, काम और मंदिर हैं - रूसी जीवन के सभी लक्षण। पूरी तस्वीर हवा, सूरज और प्रकाश से व्याप्त है - यही कारण है कि यह देखने में इतनी आकर्षक और बहुत अच्छी है। पेंटिंग "मॉस्को कोर्टयार्ड" अपनी गर्मजोशी और सादगी से आत्मा को गर्म कर देती है।

अमेरिकी राजदूत स्पास हाउस का निवास

आज, स्पासो-पेस्कोव्स्की लेन पर, पलेनोव द्वारा चित्रित आंगन की साइट पर, अमेरिकी राजदूत, स्पास हाउस का निवास है।

आई. शिश्किन। राई

रूसी परिदृश्य. आई. शिश्किन। राई

19वीं शताब्दी में रूसी लोगों का जीवन प्राकृतिक जीवन की लय से निकटता से जुड़ा था: अनाज बोना, खेती करना, कटाई करना। रूसी प्रकृति में विस्तार और स्थान है। कलाकार इसे अपनी पेंटिंग में व्यक्त करने का प्रयास करते हैं।

शिश्किन को "जंगल का राजा" कहा जाता है क्योंकि उसके पास सबसे अधिक वन परिदृश्य हैं। और यहां हम राई के बोए हुए खेत के साथ एक समतल परिदृश्य देखते हैं। चित्र के बिल्कुल किनारे पर एक सड़क शुरू होती है और खेतों से होकर गुजरती है। सड़क की गहराई में, लंबी राई के बीच, हम लाल स्कार्फ में किसानों के सिर देखते हैं। पृष्ठभूमि में शक्तिशाली देवदार के पेड़ों को दर्शाया गया है जो इस क्षेत्र में दैत्यों की तरह आगे बढ़ते हैं, कुछ पर हमें मुरझाने के चिन्ह दिखाई देते हैं। यह प्रकृति का जीवन है - पुराने पेड़ मुरझा जाते हैं, नए दिखाई देते हैं। ऊपर आकाश बिल्कुल साफ है, और बादल क्षितिज के करीब इकट्ठा होने लगते हैं। कुछ मिनट बीत जाएंगे और बादल अग्रणी किनारे के करीब चले जाएंगे और बारिश होने लगेगी। ज़मीन से नीचे उड़ने वाले पक्षी हमें इसकी याद दिलाते हैं - हवा और वातावरण उन्हें वहाँ ले आते हैं।

प्रारंभ में, शिश्किन इस पेंटिंग को "मातृभूमि" कहना चाहते थे। इस चित्र को बनाते समय शिश्किन ने रूसी भूमि की छवि के बारे में सोचा। लेकिन फिर वह इस नाम से दूर चले गए ताकि अनावश्यक करुणा पैदा न हो। इवान इवानोविच शिश्किन को सादगी और स्वाभाविकता पसंद थी, उनका मानना ​​था कि सादगी ही जीवन की सच्चाई है।

रूसी परिदृश्य में शरद ऋतु

एफिमोव-वोल्कोव। अक्टूबर

रूसी परिदृश्य. एफिमोव-वोल्कोव। "अक्टूबर"

"आदिम शरद ऋतु में है..."

फेडर टुटेचेव

वहाँ प्रारंभिक शरद ऋतु में है
एक छोटा लेकिन अद्भुत समय -
पूरा दिन क्रिस्टल जैसा है,
और शामें दीप्तिमान हैं...

जहाँ हर्षित हँसिया चली और कान गिर गया,
अब सब कुछ खाली है - जगह हर जगह है, -
केवल पतले बालों का जाल
निष्क्रिय नाली पर चमकता है.

हवा ख़ाली है, पक्षियों की आवाज़ अब सुनाई नहीं देती,
लेकिन पहला शीतकालीन तूफान अभी भी दूर है -
और शुद्ध और गर्म नीलापन बहता है
विश्राम स्थल की ओर...

एफिमोव-वोल्कोव की पेंटिंग "अक्टूबर" शरद ऋतु के गीत बताती है। तस्वीर के अग्रभाग में एक युवा बर्च ग्रोव है जिसे बड़े प्यार से चित्रित किया गया है। पतझड़ के पत्तों से ढके बर्च के पेड़ों के नाजुक तने और भूरी धरती।

एल कामेनेव। शीतकालीन सड़क

रूसी परिदृश्य. एल कामेनेव . "विंटर रोड"

पेंटिंग में, कलाकार ने एक अंतहीन बर्फीले विस्तार, एक शीतकालीन सड़क का चित्रण किया है जिसके साथ एक घोड़ा कठिनाई से लकड़ी खींच रहा है। दूर एक गाँव और जंगल दिखाई दे रहा है। न सूरज, न चाँद, बस नीरस धुंधलका। एल कामेनेव की छवि में, सड़क बर्फ से ढकी हुई है, कुछ लोग इसके साथ चलते हैं, यह बर्फ से ढके एक गांव की ओर जाता है, जहां किसी भी खिड़की में रोशनी नहीं है। यह चित्र उदासी और उदासी का माहौल पैदा करता है।

आई. शिश्किन। जंगली उत्तर में

एम.यू.लेर्मोंटोव
"जंगली उत्तर में"
यह जंगली उत्तर में अकेला है
नंगी चोटी पर एक देवदार का पेड़ है,
और ऊंघता है, लहराता है, और बर्फ गिरती है
उसने एक लबादे की तरह कपड़े पहने हुए हैं।

और वह सुदूर रेगिस्तान में हर चीज़ का सपना देखती है,
उस क्षेत्र में जहां सूर्य उगता है,
ज्वलनशील चट्टान पर अकेला और उदास
एक खूबसूरत ताड़ का पेड़ बढ़ रहा है।

आई. शिश्किन। "जंगली उत्तर में"

शिश्किन की पेंटिंग अकेलेपन के रूपांकन का एक कलात्मक अवतार है, जिसे लेर्मोंटोव ने काव्य कृति "पाइन" में गाया था।

ऐलेना लेबेडेवा, वेबसाइट ग्राफिक डिजाइनर, कंप्यूटर ग्राफिक्स शिक्षक।

मिडिल स्कूल में इस लेख पर एक पाठ पढ़ाया। बच्चों ने कविताओं के लेखकों और चित्रों के नामों का अनुमान लगाया। उनके उत्तरों को देखते हुए, स्कूली बच्चे साहित्य को कला से कहीं बेहतर जानते हैं)))