Naiivitaidetta pidetään yleensä yhtenä primitiivisen osa-alueena. N.I:llä tarkoitamme itseoppineiden taiteilijoiden (ja "puolikoulutettujen"), amatööritaiteilijoiden luovuutta; joskus - joitain muotoja kansantaidetta. Näitä alueita ei aina voida erottaa riittävän selkeästi.
Käytännössä termejä naiivi taide ja primitiivi ei aina käytetä identtisinä. Naiivitaidetta kutsutaan useammin taiteilijoiden teoksiksi, jotka suhteellisesti "pelaavat" ammattitaiteen kentällä: toistavat genrejä, aiheita, sille ominaisia esteettisiä "standardeja" ja jossain määrin myös toteutustapoja. Mutta samalla heidän työnsä paljastaa tavalla tai toisella ristiriitaa akateemisten kriteerien kanssa, mikä voi näyttää alemmuudelta tai antaa teokselle "naivismin" viehätyksen. Tästä näkökulmasta tyypillisiä teoksia naiivia taidetta Voidaan nimetä M. Belovan maalaukset "Kolme päivää ennen kaksintaistelua" (1983), tuntemattoman kirjailijan "Nuori rakastunut nainen" ( myöhään XVIII c., Ranska). Mainittu ero naiivin ja primitiivisen taiteen välillä ei ole yleisesti hyväksytty.
Alkukantainen - lat. ensimmäinen, aikaisin. Kehityksen alkuvaiheisiin liittyviä taiteellisia ilmiöitä kutsuttiin sanan merkityksen mukaisesti alun perin primitiivisiksi. taiteellisia tyylejä. Siten kreikkalainen arkaainen on primitiivistä verrattuna Kreikkalaisia klassikoita ja hellenismi; Keskiajan länsieurooppalainen maalaus verrattuna renessanssiin. Primitiivistä taidetta alettiin kutsua primitiiviseksi, kun se löydettiin jne. 1800-luvulta lähtien monet ovat nähneet näissä taiteen ilmiöissä paitsi riittämättömästi hiottua ammatillista osaamista myös rehellisyyden, yksinkertaisuuden, vilpittömyyden ja vaikutusvallan edut.
1900-luvulla primitiivisen käsite tuli lähemmäksi naiivin taiteen käsitettä ja sisälsi itseoppineiden taiteilijoiden ja amatöörien taiteen ("harrastukset", "taide viikonloppuisin"). Alkukantaisista taiteilijoista kansainvälistä mainetta saavuttivat A. Russo, N. Pirosmani (Pirosmanašvili) ja Balkanin taiteilijat (I. Generalich ym.).
Primitiivinen taide eroaa paitsi ammattilaisten taiteesta myös kansantaiteesta vuosisatoja vanhoineen perinteineen, kaanoneineen, syvällisine symboliikkaineen ja henkilökohtaisen tekijän havaitsemattomuudellaan. Samalla primitiivisen henki ja sille tyypilliset ekspressiiviset tekniikat tuovat sen yhä lähemmäksi kansantaidetta.
Primitiivistä taidetta, kuten arkaaista ja lastentaidetta, on ollut vahva vaikutus päällä ammattitaiteilijoita XX vuosisadalla, joka johti sellaisen liikkeen syntymiseen kuin primitivismi. Joissakin julkaisuissa ei tehdä eroa primitiivisyyden ja primitivismin välillä, mutta "primitiivisten" taiteilijoiden ohella mainitaan myös ammattimaiset "primitivistiset" taiteilijat.
Primitivismi - ammattitaiteen suunta myöhään XIX-XX vuosisatojen ajan tietoisesti keskittynyt "ei-ammattimaisiin" esimerkkeihin: eri kansojen arkaaisiin ja perinteisiin taiteen muotoihin, lasten luovuus, sekä itseoppineiden taiteilijoiden taidetta. Näissä taiteen ilmiöissä 1800- ja 1900-luvun hienostuneet mestarit näkivät sen, mitä he uskoivat heiltä itseltään puuttuvan: vilpittömyyttä, tahattomuutta, yksinkertaisuutta, eheyttä, elävää ilmaisukykyä, siihen liittyvää asennetta luontoon jne.
Monia merkittäviä eurooppalaisia mestareita voidaan tavalla tai toisella kutsua primitivisteiksi: P. Gauguin ja hänen seuraajansa, kubisteja (P. Picasso ym.), fauvisteja (A. Matisse ym.), dadaisteja, joitakin abstraktionisteja jne. Venäjällä - taiteilijat, jotka olivat jäseniä yhdistyksissä "Blue Rose", "Jack of Diamonds", "Donkey's Tail" jne.
Pankov Konstantin Aleksejevitš on primitiivinen taiteilija, kansallisuudeltaan nenetsit. Lapsuudessa ja nuoruudessani elin kalastajien ja metsästäjien elämää, erottamattomassa ykseydessä syntyperäinen luonto. Pankovin työssä silmiinpistävää on poikkeuksetta kirkas, positiivinen sävy ja iloinen elämäntunne kaikissa maailman ilmiöissä. Hänen maalauksensa tuovat mieleen modernia, äärimmäisen tarkkoja, musikaalisia ja väriltään hienovaraisia iso kaupunki unen tai unen tunne - ja samalla ne ovat erittäin luotettavia kaikissa arjen yksityiskohdissa.
1930-luvulla Pankov opiskeli Leningradin pohjoisten kansojen instituutin taidepajassa. Pankovin teoksia, kuten muiden pohjoisten taiteilijoiden töitä, esiteltiin Neuvostoliiton paviljongissa klo kansainvälinen näyttely Pariisissa vuonna 1937 ja sai Grand Prix -palkinnon.
Vuonna 1942 tarkka-ampuja ja tiedustelija Pankov tapettiin Volhovin rintamalla.
Vaikka hänen maineensa ei ole verrattavissa Henri Rousseaun ja edes Pirosmanašvilin kansainväliseen maineeseen, hänen luomansa teokset eivät ole mitenkään huonompia kuin näiden loistavasti lahjakkaiden itseoppineiden taiteilijoiden töitä.
Pirosmani Niko (Nikolai Aslanovich Pirosmanašvili, 1862-1918) - itseoppinut georgialainen taiteilija, yksi parhaista kuuluisia edustajia primitiivinen taide.
Kylästä kotoisin oleva Pirosmani asui nuoruudestaan asti Tiflisissä (Tbilisissä), työskenteli palvelijana, kapellimestarina. rautatie, myi maitoa, vaelsi; Ansaitakseen rahaa hän maalasi maalauksia ja kylttejä mustalle öljykankaalle tavernoja, kauppoja, majataloja ja viinikellareita varten.
Vuonna 1912 venäläiset avantgarde-taiteilijat (I. Zdanevich ja muut) "löydivät" hänet, alkoivat tukea häntä taloudellisesti ja yrittivät viedä hänet luovan älymystön yhteiskuntaan.
Pirosmani ei maalannut vain kylttejä - "asetelmia", vaan myös muotokuvia, jokapäiväisiä kohtauksia, eläimiä, Georgian panoraamoja. Hän osasi antaa arjelle ja juhlapyhille juhlallisen, rituaalisen merkityksen hänen lukuisille sävellyksilleen, jotka ovat täynnä olemassaolon yhtenäisyyden tunnetta. Pirosmanin taidetta leimaa majesteettinen muotojen yksinkertaisuus, ainutlaatuisen yksilöllinen ja samalla kirkkaan kansallinen maku.
Rousseau, Henri (1844-1910) - ranskalainen taiteilija, ensimmäinen kansainvälisen maineen saavuttanut primitiivisen taiteen edustaja. Hän palveli tullissa lähes neljännesvuosisadan ja sai taiteellisissa piireissä lempinimen Tullivirkailija. Hän erosi omistautuakseen kokonaan maalaamiseen, mutta ei saavuttanut tunnustusta ja kuoli köyhyydessä.
Rousseaun maine tuli hänen kuolemansa jälkeen. Hänen ammatillisten aikalaistensa suhtautuminen häneen oli kaksijakoinen: "mestarit" eivät ottaneet häntä aivan vakavasti, ylimielisesti itseoppineena - ja samalla he eivät voineet olla näkemättä hänen poikkeuksellista lahjakkuuttaan, hänen ilmaisukykynsä. teoksia, jotka muistuttavat arkaaista ja lasten taidetta.
Rousseaun taiteelle on tunnusomaista hänen suunnittelunsa esteetön rohkeus, hänen värimaailmansa kirkkaus ja kuviensa eräänlainen monumentalismi: hän ei jaa kuvattua enemmän tai vähemmän tärkeäksi ja on yhtä tarkkaavainen kaikkiin yksityiskohtiin (jotka on yleensä tyypillistä primitiiviselle taiteelle).
Jotkut tutkijat huomauttavat, että lapselle kaikki, mitä hän näkee ympärillään, on yhtä arvokasta ja yhtä mielenkiintoista. Ja siksi riippumatta siitä, kuinka paljon hän kuvaa kuvaa, se ei menetä eheyttään tämän vuoksi. Lapsi ei tarkoituksella jaa maailmakuvaa pää- ja toissijaiseen, "hahmoon ja taustaan", kuten psykologit sanovat, tai musiikin terminologiaa käyttäen "melodiaan ja säestykseen".
Luulen, että tämä koskee myös monia primitiivisiä taiteilijoita. Tarkastellaanpa tästä näkökulmasta puiden lehtiä ja muita K. Pankovin maalausten yksityiskohtia; Katsotaanpa A. Russon maalausta, jossa gepardi ja hevonen näyttävät jonkinlaiselta kirkkaalta hyönteiseltä, joka kuhisee etualalla suurten varsien ja kukkien keskellä. Mikä tässä on pääasia, mikä toissijaista?
Monilla lapsilla ja primitiivisillä on jonkinlainen irrallinen positiivinen ja johdonmukainen asenne kuvaamaansa. Esimerkiksi Bruegel, kuten Pankovimme, maalasi laajoja maalauksia luonnosta ja ihmistyötä ja arkielämää, ensisilmäyksellä iloista - mutta kun tarkastellaan lähemmin ihmisiä, heidän tekojaan ja juhlia, tunnemme kirjoittajan asenteesta tietyn synkän monitulkintaisuuden, jota yksinkertaisella nenetsillä ei ole ollenkaan.
Primitiivinen taide näyttää ajattomalta - kuten lasten taide ja sisään tietyssä mielessä ja itse lapsuus. Sillä on myös yhtäläisyyksiä arkaaiseen. Kuten lasten luovuus, se on luultavasti aina ollut olemassa muodossa tai toisessa. Ja samalla tämä on 1900-luvun tyypillisin kulttuuriilmiö. Lasten taiteen tavoin primitiivinen taide voitiin huomata ja nostaa korkealle taiteellisesti arvokkaalle tasolle aikaisintaan 1800-luvun lopulla, vaan pääasiassa 1900-luvulla. Joitakin naiivin taiteen elementtejä löytyy moderni esitys talo 2, mikä tekee siitä entistä suositumman.
Miksi? Tämä on yksi mielenkiintoisista keskustelun aiheista, mutta ei ainoa. Tällaisia kysymyksiä on monia. Pitävätkö lapset primitiivisistä taiteilijoista? Näkevätkö he yhtäläisyytensä heidän kanssaan, erojaan "klassisista" taiteilijoista? Huomaatko mitään yhtäläisyyksiä koriste- ja soveltavaan taiteeseen, hienoon kansanperinteeseen, arkaaiseen taiteeseen ja niihin 1900-luvun taiteilijoihin, jotka tietoisesti lainasivat paljon arkaaisuudesta ja lapsista itsestään?
Toimiston vastaanottotilassa, toimistossa, asunnossa tai maalaistalo primitivismin tyyliset maalaukset lisäävät hienostuneisuutta ja mukavuutta moderniin sisustukseen. Ne täydentävät sisustusta ja tuovat hieman kauneutta asuintilaasi. Kanvaas lahjakkaita taiteilijoita Ne eivät ole vain erinomainen lisä sisustukseen, vaan myös hyvä sijoitus.
Primitivismi maalauksessa - maalauksia, jotka on maalattu sydämestä
Maalaustyylinä primitivismi syntyi 1800- ja 1900-luvun vaihteessa ja siitä tuli nopeasti yksi suosituimmista suuntauksista. kuvataiteet Euroopassa ja vallankumousta edeltävä Venäjä. Tyyliin kuuluu ilmaisuvälineiden tarkoituksellinen yksinkertaistaminen. Maalauksen primitivismi viittaa taiteilijan lapsuuden kokemuksiin ja primitiiviseen taiteeseen, mikä tekee kuvasta heijastuksen hänen henkilökohtaisesta maailmankuvastaan. Taidemaalari pyrkii irti nykytaiteen "korkean" taiteen dogmeista ja esteettisistä stereotypioista, katsomaan maailmaa ei sivilisaation prisman kautta, vaan lapsen naiivilla katseella.
Primitivismi ilmenee tarpeettomien yksityiskohtien, tarpeettomien yksityiskohtien tai monimutkaisten kuvien puuttuessa - pääteemalla on maalauksissa keskeinen paikka. Kaikki mikä saattaisi häiritä katsojan huomion, yliviivataan armottomasti. Siksi primitivistien maalaukset erottuvat erityisestä energiastaan ja aidosta, melkein primitiivisestä ilmaisuvoimastaan.
Kolme syytä ostaa nykyajan primitiivisten taiteilijoiden maalaus
Itse asiassa maalauksen ostamiseen ei ole kolmea syytä, vaan paljon enemmän. Mutta niiden kaikkien mainitseminen on pitkää ja yleisesti ottaen tarpeetonta. Siksi annamme vain kolme tärkeintä syytä ostaa primitivismin tyylinen maalaus - maalaus, joka muuttaa elintilaasi:
- Maalaus koristaa sekä hienostuneimman että vaatimattoman sisustuksen. Ripusta se seinälle ja asuintilasi muuttuu!
- IN moderni kaupunki ihminen tarvitsee jonkinlaisen ulostulon. Ihmisille, joilla on herkkä, vaikutuksellinen luonne, maalaus on tällainen ulostulo.
- Maalaus on turvallinen sijoitus. Kuten muutkin taide-esineet, primitivistiseen tyyliin maalatut maalaukset tulevat vain ajan myötä kalliiksi.
Primitivististen taiteilijoiden kankaita ja muita maalauksia "Taiteilijoiden ullakolla"
Kuvagalleria"Attic Artists" on samanmielisten taiteeseen rakastuneiden ihmisten luoma vuonna 1997, ja se on esitellyt eri taiteilijoiden maalauksia jo 20 vuoden ajan. Työskentelemme aivan Venäjän kulttuuripääkaupungin keskustassa - talon ullakolla, joka säilyttää historian hengen Petrogradin puolella.
Galleria on perustamisestaan tähän päivään asti ollut ja on edelleen avoin kaikille taiteilijoille - merkittävistä mestareista aloitteleviin maalareihin. Tämä tarkoittaa, että Taiteilijoiden ullakolla löydät nykyaikaisten primitivististen taiteilijoiden maalauksia edullisin hinnoin ja arvostettujen kirjailijoiden teoksia vaativimmille ja varakkaimmille taiteen ystäville.
Taiteilijoiden ullakolla voit ostaa primitivistiseen tyyliin kankaita ja muun tyylisiä maalauksia tulemalla galleriaan henkilökohtaisesti tai tekemällä tilauksen suoraan nettisivuilta. Kerro vain työntekijöillemme haluamiesi maalausten tuotenumerot, niin olemme valmiita tuomaan jopa viisi maalausta henkilökohtaiseen tarkasteluun. Näin voit nähdä maalauksen livenä ja ymmärtää, miltä se näyttää sisustuksessasi. Lisäksi, jos kolmen päivän kuluessa huomaat, että maalaus ei täytä ilmoitettuja vaatimuksia, voit palauttaa sen galleriaan.
Maalausten toimitus tapahtuu mihin tahansa osoitteeseen Pietarissa, Leningradin alue tai muulla Venäjän alueella. Kaikissa maalauksia, niiden hintoja, tilaamista ja toimitusta koskevissa kysymyksissä olemme aina valmiita neuvomaan sinua puhelimitse.
Tivadar Kostka syntyi 5. heinäkuuta 1853 Kissebenin vuoristokylässä, joka kuului Itävallalle (nykyisin Sabinov, Slovakia) - itseoppinut unkarilainen taiteilija.
Hänen isänsä Lasli Kostka oli lääkäri ja farmaseutti. Tuleva taiteilija Tiesin pienestä pitäen, että minusta tulee apteekki. Mutta ennen kuin hän tuli sellaiseksi, hän vaihtoi monia ammatteja – hän työskenteli myyjänä, kävi jonkin aikaa oikeustieteellisessä tiedekunnassa luentoja ja opiskeli vasta sitten farmakologiaa.
Eräänä päivänä, kun hän oli jo 28-vuotias, hän tarttui apteekissa kynään ja piirsi reseptilomakkeeseen yksinkertaisen kohtauksen, jonka hän näki ikkunasta - puhvelien vetämän ohi kulkevan kärryn.Siitä lähtien tai jopa aikaisemmin hän aikoi lujasti tulla taiteilijaksi, ja tätä varten hän yritti koota pienen pääoman, mikä antoi hänelle taloudellisen riippumattomuuden.
Hän kirjoitti itsestään seuraavasti: ”Minä, Tivadar Kostka, maailman uudistamisen nimissä luovuin nuoruudestani. Kun otin vihkimyksen näkymättömältä hengeltä, olin turvallisessa asemassa, elin vauraudessa ja mukavuudessa. Mutta jätin kotimaani, koska halusin nähdä sen rikkaana ja loistokkaana elämäni lopussa. Tämän saavuttamiseksi matkustin laajasti ympäri Eurooppaa, Aasiaa ja Afrikkaa. Halusin löytää minulle ennustetun totuuden ja muuttaa sen maalaukseksi."
Näyttää siltä, että ajatus taiteilijaksi ryhtymisestä ahdisti Tivadar Kostkaa jatkuvasti.
Eräänä kauniina päivänä hän matkustaa Roomaan, sitten Pariisiin, missä hän tapaa kuuluisan unkarilaisen taiteilijan Mihaly Munkacsin.
Ja sitten hän palaa kotimaahansa ja työskentelee apteekissa neljätoista vuotta yrittäen saavuttaa taloudellisen riippumattomuuden. Lopulta pieni pääoma on kertynyt, ja eräänä kauniina päivänä hän vuokraa apteekin ja lähtee opiskelemaan ensin Müncheniin ja sitten Pariisiin.
Seuraava on periaate, joka on meille niin tuttu tunnistamattoman neron kohtalon rakentamisessa.
Hän tajusi, että taidot, jotka hän hankki opintojensa aikana, eivät vastanneet hänen käsitystään. Siksi hän hylkäsi opinnot ja lähti vuonna 1895 matkalle Italiaan maalaamaan maisemia. Hän matkusti myös ympäri Kreikkaa, Pohjois-Afrikka ja Lähi-idässä.
Vuonna 1900 hän muutti sukunimensä Kostka salanimeksi Chontvari.
Monet kriitikot ovat kyseenalaistaneet hänen teostensa arvon. Niitä esiteltiin Euroopassa (tosin ilman suurta menestystä), mutta kotimaassaan Unkarissa Csontvaryta kutsuttiin kerta kaikkiaan hulluksi. Vasta elämänsä lopussa hän tuli Budapestiin ja toi sinne maalauksensa. Yritin testamentata niitä paikalliselle museolle, mutta kukaan ei tarvinnut niitä. Vuonna 1919 Tivadar Kostka Chontvari todella hulluksi ja kuoli köyhänä, yksinäisenä, pilkatun ja kenellekään hyödyttömänä.
Hautattuaan onnettoman miehen sukulaiset alkoivat jakaa tavaroita. Mutta kaikki mikä oli hyvää, oli kuvat. Ja niin, kuultuaan "asiantuntijoita", he päättivät romuttaa kankaat tavallisen kankaan tavoin ja jakaa rahat keskenään, jotta kaikki olisi reilua.
Tällä kertaa, sattumalta tai ei ollenkaan sattumalta (outo yhteensattuma kuitenkin!) ohitti nuori arkkitehti Gedeon Gerlotsi. Hän pelasti taiteilijan luomukset ja maksoi niistä hieman enemmän kuin roskakauppias tarjosi. Nyt Tivadar Csontvaryn maalauksia säilytetään Pécsin (Unkari) kaupungin museossa.
Ja juuri äskettäin eräs museon työntekijä, katsoessaan Kostkan vuonna 1902 maalattua maalausta "Vanha kalastaja", sai idean laittaa siihen peilin. Ja sitten hän näki, että kankaalla ei ollut yhtä kuvaa, vaan ainakin kaksi! Yritä jakaa kangas itse peilillä, niin näet joko jumalan istumassa veneessä rauhallisen, voisi sanoa, taivaallisen maiseman taustalla tai itse paholaisen, jonka takana mustat aallot raivoavat. Tai ehkä muissa Chontvarin elokuvissa on piilotettu merkitys? Loppujen lopuksi käy ilmi, että entinen apteekkari Iglon kylästä ei ollut niin yksinkertainen.
Termi "primitivismi" maalauksessa ei ole niin yksinkertainen. Ensinnäkin taidehistorioitsijat eivät aina ole samaa mieltä sen merkityksen tulkitsemisesta. Lisäksi kaikkea rasittaa synonyymien läsnäolo, joita voidaan käyttää sen osoittamiseen. Tai ei synonyymejä ollenkaan - riippuen siitä, mitä näkökulmaa noudatat.
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Leijona ja aurinko
Ymmärretään käsitteet
1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa jotkut edistykselliset eurooppalaiset taiteilijat alkoivat olla hulluina primitiivisten kulttuurien esineiden ilmaisuvoimakkuudesta ja lakonisuudesta. Afrikkalaisten rituaalinaamioiden ja puisten hahmojen yksinkertainen ja karkea naiivius näyttää heidän mielestään olevan yksinkertainen ja ilmeinen vastaus etsimään tapoja voittaa akateemisen maalauksen jäykkyys ja pysähtyneisyys. Tuolloin impressionismi oli jo menettänyt entisen raikkautensa ja skandaalisuuden, joten se ei voinut vaatia perustuksia järkyttävän roolin.
Alkukantaisten kulttuurien - nykyaikaisten primitivististen mestariteosten esi-isimpien - teoksia ovat sekä esihistorialliset kalliomaalaukset tai kivijumalat, että kulttuuriperinteitä nykyaikaiset heimokansat, jotka asuvat Afrikassa, Oseaniassa ja vastaavissa. Tällaiset afrikkalaiset naamarit olivat ratkaiseva tekijä monien avantgarde-liikkeiden syntymiselle 1800-luvun alussa.
Kuvan lähde: newpackfon.ru
Eräässä koordinaattijärjestelmässä uskotaan, että primitivismiin viittaavat ammattitaiteilijoiden työt, joilla on akateeminen taidekoulutus ja kaikki tarvittavat taidot, mutta jotka tietoisesti yksinkertaistavat tyyli- ja teknisiä tekniikoita matkimaan primitiivistä taidetta. Itseoppineiden taiteilijoiden perintöä, jotka maalaavat kuvia taitamattomalla, lapsellisella tavalla, kutsutaan tässä tapauksessa naiiviksi taiteeksi.
Toisessa taidehistorian universumissa primitivismi ja naiivi taide ovat täydellisiä synonyymejä ja keskenään vaihdettavia käsitteitä. Tästä näkökulmasta käsite "naiivitaide" on eräänlainen eufemismi, jota tarvitaan suurempaa eufoniaa varten, toisin kuin "primitivismin" käsite, jolla on monilla kielillä hieman halventava konnotaatio.
Otamme toista versiota aksioomana ja muistamme, että primitivismi, samoin kuin naiivi taide, ovat tyylejä, jotka sisältävät ei-ammattitaiteilijoiden teoksia, joiden lahjakkuuden suuruus kattaa tiettyjen taitojen, kuten kyvyn, puutteen. luoda oikein perspektiiviä tai välittää chiaroscuro.
Kehittyneiden mestareiden perinnölle, jotka lähestyvät asiantuntevasti yhden tai toisen primitiivisen taiteen tyylittelyä (esimerkiksi muinainen ikonimaalaus, etniset aiheet tai suosittuja vedoksia), käytämme termiä "uusprimitivismi". Juuri näin venäläiset tekivät viime vuosisadan alussa taiteellisia yhdistyksiä"Jack of Diamonds" ja "Donkey's Tail".
Kazimir Severinovich Malevich. Lapset
1908, 30,2×23,8 cm
Natalya Sergeevna Goncharova. Pellavan valkaisu. "Talonpoika-sarjasta"
Avantgarde-taiteilijat, kuten Kazimir Malevich, Mihail Larionov ja Natalya Goncharova, saivat inspiraatiota kansantaiteesta, joka myös luokitellaan primitiiviksi taiteeksi. Ja termiä uusprimitivismi käytettiin ensimmäisen kerran Aleksanteri Ševtšenkon pamfletissa, jonka taiteilija julkaisi vuonna 1913: "Neoprimitivismi. Hänen teoriansa. Sen kyvyt. Hänen saavutuksensa."
Jos sisään Länsi-Eurooppaa Kun taiteilijat käyttivät teoksissaan vain osittain naiiveja taiteen tekniikoita kehittäen niiden pohjalta sellaisia liikkeitä kuin favismi, kubismi tai ekspressionismi, niin Venäjällä uusprimitivismistä tuli merkittävä liike, josta suprematismi lopulta kasvoi ja muotoutui. Siksi joskus länsimaiset taidekriitikot käyttävät termiä uusprimitivismi nimenomaan naiivin taiteen ihanteiden venäläisiin kannattajiin liittyen, jotka ahkerasti edistävät ja soveltavat niitä käytännössä.
Mihail Fedorovich Larionov. Venus ja Mihail
1912, 85,5×68 cm
Alexandre Benoisin mukaan "Uusprimitivismin erikoisuus oli, että sen edustajat eivät pyrkineet tyylittelemään, eivät matkimaan kansanmestaria, vaan ilmaisemaan kansanestetiikan oleellisia puolia. Tässä on eniten kuvaava esimerkki osoittautuu Larionovin työksi, joka kansanestetiikan mukaisesti rinnastaa tärkeän ja merkityksettömän, korkean ja matalan äärimmäisyyksiin menen - viljelee aidan piirtämisen ja "kasarmimaalauksen" periaatteita".
Takaisin perusasioihin
Tien piikkien läpi primitivistien tähtiin raivasivat sellaiset tunnustetut luojat kuin Gauguin, Picasso ja Matisse. Sen jälkeen, kun on etsinyt parantumista vakava sairaus, johon Gauguin sisälsi sivilisaation edut, taiteilija meni Tahitille ja sulautui siellä luontoon kaikin mahdollisin tavoin rikastaen samalla tyyliään eksoottisen saaren kirkkailla väreillä ja paikallisen kulttuurin naiiveilla kuvilla, ja muut seurasivat häntä.
Paul Gauguin. Tahitilaiset pastoraalit
1898, 87,5×113,7 cm
Myös saksalaiset ekspressionistit Emil Nolde ja Max Pechstein kokeilivat onneaan Oseanian laajuudessa, mutta heidän toverinsa Ernst Ludwig Kirchner ja Erich Heckel rekonstruoivat primitiivisiä maisemia suoraan työpajoissaan. ranskalaiset taiteilijat Sinun ei tarvinnut matkustaa kauas saadaksesi inspiraatiota, sinun ei tarvinnut edes lähteä Pariisista. Länsi-Afrikan ranskalaisista siirtomaista kauppiaat toivat pääkaupunkiin kaikenlaisia etnisiä käsitöitä, joita sitten jaettiin museoihin ja pieniin kauppoihin.
Will Gompertz kirjassa "Incomprehensible Art. Monet'sta Banksyyn" kertoo, kuinka taiteilija Maurice de Vlaminck tulee vahingossa katalysaattorina kiinnostuksen puhkeamiselle primitiivistä taidetta kohtaan ja sen seurauksena favismin kaltaisen liikkeen syntymiselle. Vuonna 1905 hän näki kolme kaiverrettua afrikkalaista naamiota pariisilaisessa kahvilassa. Vlaminck osti naamiot laitoksen omistajalta "vaistotaiteen" ilmaisun vaikutuksesta, kuten hän sitä kutsui, ja kiirehti näyttämään saalista taiteilijaystävilleen.
Henri Matisse. Nainen hattu
1905, 24×31 cm
Maurice de Vlaminck. Ravintola
Andre Derain. Colliourin satama
1905, 72×91 cm
Henri Matisse ja Andre Derain jakoivat Vlaminckin intohimon Van Goghin ilmeikkääseen palettiin ja Gauguinin eksoottiseen tehtävään. Hänen laskelmansa oli perusteltu: hänen ystävänsä pitivät hankittuja esineitä ajattelun vapauden ilmentymänä, joka ei ollut tukkeutunut sivilisaation materialistisista ihanteista, mutta säilytti lapsellisen spontaanisuuden ja naiiviuden. Kolmen taiteilijan tapaamisen tuloksena syntyi johtopäätös, että värillä ja tunteilla kankaalla on hallitseva merkitys, toisin kuin kuvan realistisuus ja autenttisuus.
Tuloksena syntyi maalauksia, joissa he yrittivät saada uusia ideoitaan eloon mahdollisimman paljon. taiteellisia periaatteita. Puhtaiden, sekoittamattomien värien yhdistelmillä värjätty, terävin, erillisin vedoin levitetty, siihen aikaan hullu, kankaat olivat niin provosoivia, että 1905 Salonin järjestäjät kieltäytyivät aluksi ottamasta teoksia esille. Vain Matissen henkilökohtaisen auktoriteetin ansiosta oli mahdollista saada läpi kolmion osallistuminen Salonin kokeiluihin.
Sitten tulee myrskyisiä ja närkästyneitä arvosteluja taidekriitikoilta, joista yksi, kuten usein tapahtuu (ks. impressionismi), antaa nimen uudelle avantgarde-liikkeelle - fovismi: kunnianarvoisa kriitikko Louis Vaucelle sanoo, että maalaukset roiskuvat värit ovat luonnonvaraisten eläinten maalaamia - ranskaksi "les fauves". Mutta tämä on hieman eri tarina.
Kuinka Picasso löysi Rousseaun
Lupaavan nuoren espanjalaisen maalaus teki myös merkittävän kuperkeikka primitiivisen taiteen ja sen tunnustajien välittömässä vaikutuksessa. Kun Picasso näki Matissen kirjoittamisen viimeisen vinkumisen – räikeä, toisin kuin mikään muu kankaita, vapaa kaikista akateemisista ennakkoluuloista, hän menetti rauhan ja unen. Ajattelematta kahdesti, Picasso menee etnografinen museo, jossa säilytettiin laaja kokoelma afrikkalaisia naamioita. Siellä hän kävi läpi eräänlaisen vihkimisriitin. Kuka tietää, ehkä näissä rituaaliesineissä todella oli maaginen voima?
"Olin aivan yksin, taiteilija muisteli. - Halusin paeta sieltä. Mutta minä jäin. En vain voinut lähteä. Tajusin jotain hyvin tärkeää; minulle oli tapahtumassa jotain. Katsoin näitä fetissejä, ja minulle tuli yhtäkkiä selväksi, että minäkin vastustan kaikkia. Minusta tuntuu myös, että kaikki ympärillä on tuntematonta ja vihamielistä. Kun seisoin yksin tuossa kauheassa museossa naamioiden, intialaisten nukkejen, pölyisten mallinukkejen ympäröimänä, "Les Demoiselles d'Avignon" on täytynyt ilmestyä minulle; ei sillä, että he olisivat saaneet näkemäänsä muodot: tuosta kuvasta tuli ensimmäinen kokemukseni manauksesta - kyllä, se on totta!"
Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907
Siten useat heimoesineet pakottivat Picasson maalaamaan kuvan, josta tuli kubismin ja sen seurauksena futurismin ja kymmenien muiden -ismien kanta. Mutta se oli heidän maagisen väliintulonsa laajuus tuolloin taiteellista elämää Ranskan pääkaupunkia ei rajoitettu. Alistuminen viehätysvoimaan primitiivinen taide, Picasso ei voinut olla huomaamatta naiivin taiteen nousevan tähden ilmiötä, ja hänellä oli merkittävä käsi sen varmistamisessa, että Pariisi otti vakavasti vaatimattoman tullityöntekijän Henri Rousseaun epäammattimaiset luomukset.
Ilman taidekasvatus Tullivirkailijalla (kuten Pariisin boheemit kutsuivat häntä) oli kuitenkin vakavia maalaustavoitteita. Lapsellinen spontaanius pelasi Rousseaun käsissä – muuten hän tuskin olisi uskaltanut esitellä kiusallisia kokeilujaan vuoden 1986 Salon of Independentsin vaativalle yleisölle, johon kaikki kiinnostuneet taiteilijat saattoivat osallistua.
Ihmettä ei tapahtunut. Kriitikot nauroivat 40-vuotiaan luojaksi pyrkivään, jolla ei ollut käsitystä lineaarisesta näkökulmasta tai periaatteista. sävellysrakenne. Mestari Camille Pissarron ääni erottui harmonisesta pilkkakuorosta ja korosti Rousseaun maalauksen rikkaat sävyt.
Henri Rousseau. Karnevaali-ilta
1886
Epäonnistuminen Itsenäisten Salonissa ei voinut murtaa määrätietoista tullivirkailijaa. Päinvastoin, hän jättää työnsä omistaakseen koko ajan uralleen taiteilijana. Hänen pääihailijansa Picassolla oli myös rajoittamaton usko häneen. Eräänä päivänä hän törmäsi maakuntakaupassa Rousseaun maalaukseen, joka myytiin siellä käytetyn kankaan hinnalla - edes roskakauppias ei uskaltanut pyytää siitä korkeaa hintaa. Espanjalainen osti sen välittömästi ja piti sitä myöhemmin päiviensä loppuun saakka, ja vastasi, että se oli hänen "vangittu kuin pakkomielle... tämä on yksi totuudenmukaisimmista psykologisia muotokuvia ranskalaisessa maalauksessa".
Henri Rousseau. Jadwigan muotokuva
Lisäksi hän järjesti illallisen oudon muotokuvan kunniaksi, johon hän kutsui koko Pariisin eliitin ja itse tapahtuman sankarin - naiivin taiteen ensimmäisen supertähden. Picasso ripusti Tullivirkailijan maalauksen omassa työhuoneessaan näkyvimmälle paikalle ja istutti sen tekijän tuolille, joka näytti enemmän valtaistuimelta. Se oli todellinen voitto amatööritaiteilijalle, vaikka osa yleisöstä luultavasti pitikin tapahtumaa erityisen hienostuneena pilkkaana tai käytännön vitsinä.
Mutta ei Picasso. Hän on sanonut, että hän vietti neljä vuotta opetellen kirjoittamaan kuten Raphael, mutta koko elämä Häneltä tarvittiin oppia piirtämään kuin lapsi. Siksi hän ihaili Rousseaun lahjaa, jonka ansiosta hän sai turvallisesti ohittaa nämä vaiheet ja aloittaa välittömästi primitivististen mestariteosten luomisen.
Henri Rousseau. Tiikeri trooppisessa myrskyssä
Mistä primitivistien maalaukset on tehty?
Mitkä merkit osoittavat, että näkemäsi on naiivin taiteen teos, ei vaikkapa ekspressionistin, abstraktionistin tai jonkin muun avantgarde-liikkeen edustajan työtä? Muuten, abstraktin ekspressionismin alalla tunnetuksi tullut Mark Rothko etsi inspiraatiota ja maalaustaidon salaisuutta mm. lasten piirustus ja jopa omisti tälle kokonaisen kirjan - jo ennen kuin hän alkoi epäitsekkäästi viljellä värikenttämaalausta.
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Karhuäiti pentuineen
1917, 140×100 cm
Esimerkeille primitivismistä on todellakin ominaista tyypilliset virheet, joita lapset tekevät piirtäessään. Mutta kaikkia seuraavia asioita ei tarvitse olla yhdessä kuvassa. Itseoppineet taiteilijat pystyivät silti tekemään joitain asioita.
1. Poissaolo lineaarinen perspektiivi: etualalla olevat objektit ovat kooltaan yhtä suuria kuin taustalla olevat objektit, mikä tekee niiden suhteen avaruudessa epäselväksi ja kuvan tilavuus heikkenee.
2. Taustatietoja käsitellään yhtä huolellisesti kuin lähellä olevia kohteita. Seuraukset ovat samat kuin edellisessä kappaleessa.
Isoäiti (Anna Mary) Mooses. Juhla
3. Värit eivät menetä kirkkautta ja kylläisyyttä suhteessa esineiden etäisyyteen etureuna kankaita. Kuvasta tulee litteä ja muistuttaa postikorttia.
4. Valonlähteistä ei ole merkkejä: vaikka kuvassa olisi aurinko, kaikki pinnat ovat tasaisesti valaistuja, ihmiset ja esineet eivät jätä varjoja, etkä myöskään löydä kohokohtia.
Camille Bombois. Yllättyneet uimarit
1930, 65×81,5 cm
5. Anatomian rikkominen: mittasuhteet ihmiskeho, virheitä eläinten kuvauksessa. Mutta entä Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon ja monet muut, joiden teoksista ei voi sanoa, että he tuntevat ihmiskehon rakenteen? Ovatko he myös primitivistejä? - Ei. Kun katsot naiivin taiteen edustajan maalausta, huomaat, että henkilö yritti parhaansa mukaan, ja juuri näiden ponnistelujen ansiosta heidän naiivit yrityksensä tavoittaa "suuria" taiteilijoita näyttävät niin koskettavilta ja omistavilta. vastustamaton viehätys. Mutta edellä mainitut luvut eivät pyrkineet sellaisiin tavoitteisiin, eivätkä heidän luettelossaan todellakaan sisältynyt kohtaa "miellyttää kaikkia".
6. Kuten lapset, primitivistit eivät tee eroa todellisuuden ja fantasia välillä. Heidän maalauksissaan ihmiset ja yksisarviset voivat elää turvallisesti rinnakkain, ei surrealistisen fantasian puitteissa, vaan jokapäiväisenä tapahtumana. Tällaisilla kankailla olevat leijonat eivät ole uhka ihmisille, ja peura voi näyttää sadunomaiselta olennolta.
Ivan Generalich. Yksisarvinen
7. Ja lopuksi perustavanlaatuinen ero, joka antaa vastauksen luonnollisesti esiin nousevaan kysymykseen, kuinka modernistien ei-objektiiviset maalaukset tyyliin "minun-5-vuotias-kuka-kuka-kuka-voi-paremmin" eroavat primitivistien luomuksia. Ei-ammattitaiteilijat kuvaavat esineitä sillä realistisella tasolla, joka on heidän käytettävissään rajallisten tietojen, taitojen ja kykyjen vuoksi. Ja avantgarden taiteen edustajat yrittävät parhaansa mukaan unohtaa, mitä heille opetettiin taidekoulut tai he teeskentelevät, etteivät he ole käyneet heidän luonaan. Mutta sävellyksen harmonia ja pohdiskelu, ylivoimainen symboliikka tai kulttuuritausta, joka petollisesti paistaa läpi teeskennellysti naiivin ja tarkoituksella sopimattoman kuvan, pettää silti ammattilaisen. Kyllä, kyllä, voit kirjautua ulos, me silti tunnistimme sinut, toveri Chagall ja herra Klee.
Mark Zakharovich Chagall. Vanha mies lasilla
1950-luku
Paul Klee. Nukketeatteri
1923
Primitivismi: huijausarkki. Taiteilijat, jotka työskentelivät primitivismin tyyliin
Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Isoäiti Moses, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.
Ikonisia maalauksia primitivisteistä
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Näyttelijä Margarita
1909, 94×117 cm
Pirosmanin maalauksen historiasta on tullut legenda. Juuri hänet ikuistettiin Andrei Voznesenskyn runoon, jonka sävelsi Raymond Pauls ja loi kappaleen ”Million helakanpunaiset ruusut" Se kertoo köyhän taiteilijan yrityksistä voittaa lähestymättömän sydän ranskalainen näyttelijä Margarita de Sevres, joka esiintyi Tiflisissa vuonna 1905, missä Pirosmani menetti päänsä hänelle. Joidenkin versioiden mukaan "kukkameren" joukossa, jonka epätoivoinen Niko lähetti rakkaansa hotelliin, ei ollut vain ruusuja, eikä vain helakanpunaisia, vaan myös unikot, pionit, liljat, syreenit, akaasiat ja muut kukat. Georgian maan lahjoja. Taiteilija ansaitsi teostaan vain yhden suudelman Margaritalta. Mutta monta vuotta myöhemmin, menetettyään sekä fanijoukot että entisen vetovoimansa, näyttelijä tuli joka päivä Louvreen, jossa Pirosmanin maalaus oli esillä vuonna 1969, ja vietti tuntikausia katsellen hänen muotokuvaansa. Siten taide selviytyi lyhytaikaisesta rakkaudesta ja ohikiitävästä kauneudesta.
Maria Avksentievna Primatšenko. Kalakuningas nappasi vankan ja on iloinen
XX vuosisadalla
Rajaton mielikuvitus, rohkeat värimaailmat, aseistariisuva kansanväri ovat vain muutamia osia Ukrainan sisämaataiteilijan näennäisen vaatimattoman taiteen salaisuudesta. Vain kerran nähtyään Maria Primachenkon maalaukset on epätodennäköistä, että pystyt sekoittamaan niitä toisen kirjailijan teoksiin, ne ovat niin alkuperäisiä ja alkuperäisiä. Niitä arvostettiin myös maan ulkopuolella: Marian teokset saavuttivat suuren suosion näyttelyissä Pariisissa, Varsovassa, Prahassa ja muissa Euroopan kaupungeissa.
Henri Rousseau. Unelma
1910, 298×204 cm
"Unelmaa" pidetään yhtenä niistä parhaita maalauksia Rousseau. Kirjoittaja antoi seuraavan kommentin myöhempään (ja kenties viimeiseen) teokseensa: ”Jadwigalla on maaginen unelma. Hän nukahti rauhallisesti tuntemattoman viettelijän huilun soidessa. Kun kuu valaisee kukkia ja vihreitä puita, eläimiä ja jopa saalistajia, jäätykää kuuntelemaan musiikin upeita ääniä.". Kangas tekee vaikutuksen teknisellä monimutkaisuudellaan, ja paletin rikkaus, jonka Pissarro totesi Rousseaun ensimmäisessä maalauksessa, saavuttaa huippunsa täällä: se ei ole vitsi, yli kaksi tusinaa vihreän sävyjä yksinään! Edes syövyttävimmät kriitikot eivät kyenneet vastustamaan "Unelman" hypnotisoivaa vaikutusta, ja Rousseaun maanmies ja aikalainen, kirjailija Andre Breton sanoi, että kuva "imeen kaiken runouden ja kaikki aikamme salaisuudet".
Olet asiantuntija, jos:
Älä epäröi sanoa sanaa "primitivismi", kun puhutaan Rogier van der Weydenin tai Duccio di Buoninsegnin keskiaikaisista mestariteoksista.
Voit määrittää heti todellisen primitivistin Pirosmanin harjalla, missä on siveä kaunotar ja missä on Mihail Larionovin väärennös "naiivi".
Niko Pirosmani (Pirosmanašvili). Ortachaalinen kauneus. Oikea puoli diptyykki
Mihail Fedorovich Larionov. Juutalainen Venus
1912, 147 cm
Olet maallikko, jos:
Otat nimellisarvolla tahallisen yksinkertaistamisen, joka tarvitaan kuvien ja karikatyyrien luomiseen, ja pidät niitä esimerkkeinä mutkattomasta primitivismistä.
Luuletko, että primitivismi sisältää minkä tahansa taideteoksen, jota houkuttelee kutsua kirjoitukseksi? Itse asiassa primitivismi (tietoinen, myös harkittu) ei ole vain sopimaton muoto, vaan myös erityinen näkemys asioiden olemuksesta: puhdasta, spontaania, lapsellista tai jopa primitiivistä. Malevitšin, Kandinskyn ja Mondrianin maalausten takana on suuria, kypsiä teorioita.
Vladimir Lyubarovin teokset ovat Venäjän valtionmuseossa, osavaltiossa Tretjakovin galleria, Venäjän yksityiskokoelmissa sekä museoissa ja yksityiskokoelmissa monissa maissa ympäri maailmaa.
Vladimir Lyubarov-kuuluisa kirjakaavio, joka kuvitti yli sata kirjaa, mukaan lukien Voltaire, Rabelais, Gogol, Strugatskyt, Sholom Aleichem, Singer. Hän oli 11 vuoden ajan "Kemia ja elämä" -lehden päätaiteilija ja perusti perestroikan alussa kirjailijaryhmän kanssa Venäjän ensimmäisen yksityisen kirjankustantajan "Teksti".
Kuitenkin vuonna 1992 Lyubarov, yllättäen ympärillään oleville, muutti dramaattisesti hänen elämäänsä. Hän kieltäytyi arvostetun suurkaupunkitaiteilijan roolista ja osti pienen talon puoliksi hylätystä kylästäPeremilovoVladimirin alueen laidalla ja syöksyi päätä myöten yksinkertaiseen talonpojan elämään.
Aloitettuaan maalaamisen hän alkoi kuvata uusia maanmiehiä. "Kuvia venäläisestä elämästä" oli valtava menestys lännessä, ja pian Lyubarov kutsuttiin pitämään näyttelyitä Belgiassa, Saksassa, Ranskassa ja Sveitsissä. Ja pian menestys tuli Venäjälle. varten viime vuosina kaksi taiteilijan henkilökohtaista näyttelyä pidettiin yhdessä Moskovan arvostetuimmista gallerioista -Galleria "Nashchokinin talo", ja vuonna 2008 pidettiin Vladimir Lyubarovin henkilökohtainen näyttelyValtion Tretjakovin galleria.
U" Meidän katu"(tämä oli yhden taiteilijan näyttelyn otsikko) Vladimir Lyubarovilla ei ole tarkkaa maantieteellistä osoitetta: missä se sijaitsee - joko kaupungissa, kylässä tai vain avoimella pellolla - ei tiedetä. Ja ihmiset elävät siinä. eri verta ja uskonnot - venäläiset, juutalaiset ja määrittelemättömät "kaukasialaiset" henkilöt.
Hahmot eroavat toisistaan paitsi kansallisen kalustonsa, myös asumisajansa suhteen: ”Meidän kadullamme” se virtaa eteen- ja taaksepäin ja satunnaisesti tai jopa seisoo paikallaan taiteilijan toivomusten mukaan. Ja samalla tämä on tyypillinen venäläinen takamaa: todellisuus on heti tunnistettavissa - likaiset markkinat, tyypillinen maakunnallinen rautatieasema, kulttuuripuisto, jossa on väistämätön "tyttö airolla" ja jonoissa tungosta. kansalaisina, jotka juovat luonnon sylissä.
"Meidän kadullamme" asuu myös pieni juutalainen yhteisö, joka koostuu"Venäjän juutalaiset"- suutarit ja rabbit, veistäjät ja räätälit. Venäläiseen maisemaan varsin orgaanisesti sopeutuessaan he viettävät sapattia, syövät matzaa pääsiäisenä, tutkivat Tooraa ja Talmudia ja ajattelevat yhä enemmän ikuista.
Monet Lyubarovin juonit ovat suoraan sanottuna kirjallisia, ja ne ovat saaneet inspiraationsa legendoista, raamatullisista vertauksista, tarinoista, joiden takana piilevät Sholom Aleichemin, Baabelin, Isaac Bashevis Singerin ja venäläisten satujen sankarien varjot.
Maalauksen kirjallisista ominaisuuksista puhutaan joskus tietyn taiteilijan puutteena. Ja he sanovat sen turhaan. Kirjallisuus kaikkien taiteiden äitinä on ollut voimakas inspiraation lähde monille suurimmista maalareista. Kuinka monet maalaukset ovat saaneet inspiraationsa kirjojen kirjasta - Raamatusta!
Puhuessaan Lyubarovin maalauksista asiantuntijat käyttävät usein sanoja "suosittu printti" ja "naiivius". No, tietysti suositulla printillä on paikkansa täällä, ja niin myös naivisuudella. Mutta mitä naiiviutta? Ymmärtääkseni taiteilijoita, joilla on luonnollinen kyky maalata, pidetään useimmiten naiiveina. erityisopetus He eivät saaneet sitä, he eivät hallitse asianmukaista tekniikkaa, mutta he hämmästyttävät ihailijansa tuoreella elämänkatsomuksella ja "pakottavalla" piittaamattomuudella kuvataiteen lakeja kohtaan.
Lyubarov ei kuulu tähän taiteilijarotuun. Hän- erittäin ammattimainen ja hallitsee taitonsa täydellisesti. Mutta mitä yhteistä sillä on naiiveja taiteilijoita, on kykyä katsoa maailmaa ammattitaidosta suojaamattomalla ilmeellä, yllättyä näkemästään, ehkä jopa kuin lapsi, ja saada meidät kokemaan saman yllätyksen. Tässä mielessä kaikki todellinen taiteilija naiivia, ja jokainen todellinen taideteos on myös jossain määrin naiivi.
Hänellä on harvinainen lahja nähdä yksityisissä faktoissa ja arjen tilanteissa erityinen, metaforinen merkitys, yhteys ajan ja kansallisten perinteiden välillä, jotain hauskaa ja merkittävää.
Taiteilijan teokset todistavat korkeasta ammatillisesta kulttuurista, luovasta kekseliäisyydestä ja kirjailijan ainutlaatuisesta tyylistä, hänen osallistumisestaan hahmojensa kohtaloihin.
Vladimir Lyubarovin teosten emotionaalinen, merkityksellinen kirjo kantaa sisällään aitoa viehätystä ja vilpittömän empatian syvyyttä meitä ympäröivään monipuoliseen maailmaan, sen filosofisen yleistyksen ja groteskin tulkinnan syvyyttä, joka sinänsä ansaitsee jo vakavan huomion ja pohdiskelun. asenne sekä mestarin persoonallisuutta että hänen luovia pyrkimyksiään kohtaan.
Lyubarovin taide kuuluu epäilemättä modernin venäläisen taiteellisen kulttuurin kirkkaisiin, jäljittelemättömiin ilmiöihin.
Valentin Rodionov - Valtion Tretjakov-gallerian pääjohtaja
Kävellessäni äskettäin Novy Arbatia pitkin, löysin Vladimir Lyubarovin tarjottimista ja telineistä runsain teoksia. kansantaidetta", ja huomattava määrä Vladimir Lyubarovin kuvia. Kaikkiin näihin kuviin liittyi hänen "käsinkirjoitettu" allekirjoitus. Ja osa niistä on jopa kolme kerralla: kuvan alla, paspartuussa ja takana. olla varma. Eikä kukaan epäile sitä. Ollakseni rehellinen, taiteilija Lyubarovia järkytti eniten itse väärennösten myynti Novy Arbatissa, vaan näiden tuotteiden laatu. Pojat eivät stressaa.
Kaverit. Arbatin ”karpalot” painettiin kopiokoneella ja värjättiin sitten käsin. Jos Arbatin käsityöläiset eivät pidä väristä, he vaihtavat sitä rohkeasti. Ne paranevat, niin sanotusti. Ja missä ne todella selviävät, on kuvien nimissä. He keksivät omansa - emmekä me, he sanovat, synny paskien kanssa. Taiteilija Lyubarov seisoi ja seisoi osastolla, katsoi "hänen" kuviaan ja - mene eteenpäin, hän ajatteli, minä ostan sen.
Ja mitä? Suuret kuvat maksavat puolitoista tuhatta ruplaa ja pienet kolmesataa ruplaa. Tule - älä ole niukka. Joten Lyubarov ei tuhlaa aikaa pikkuasioihin - hän osti suuren kuvan. Totta, hän kutsui sitä "Kuoroksi", mutta tässä sitä kutsutaan nimellä "Ilman valhetta". Miksi? - En vaivautunut, varsinkin kun kovan keskustelun aikana myyjän kanssa ("Vonnon, se on alkuperäinen!" - "No, kerro sinä minulle! Näen, se on maalattu kopiokone!" - "Mies, ota maalaus tai kävele sen ohi!") "itsensä" alennettiin seitsemään sataan. Mikä oli mukavaa. Ja taas, nyt minulla on jotain näytettävää ystävilleni ja tuttavilleni.