Eilen, 15. huhtikuuta 2003, laitoin television päälle ja näin Edward Radzinskyn taas. Hän ei ole juurikaan muuttunut sitten viime vuosisadan lopun, jolloin hän alkoi kertoa tarinoitaan ruudulla. Paitsi että hiukseni muuttuivat valkoisiksi.
Sitten menneisyydessä vaikutelma ensimmäisestä hetkestä oli vastenmielinen - ohut, murtunut ääni, heiluttavat kädet, epämääräinen hymy. "Jonkinlainen eunukki", ajattelin. Tunnistusprosessi ei onneksi kestänyt kauan - enintään puoli minuuttia. Ja sitten hukkuin Platonin ja Senecan maailmaan, menneiden aikojen intohimoihin ja kertojan hurmaavaan ulkonäköön. Historia katsoi minua pilkallisten silmien kautta, hänen käsiensä liikkeet kiehtoivat minua.
Radzinsky on epäilemättä kirkkaimman lahjan mies. Objektiivisuuden vuoksi olisi syytä etsiä puutteita, mutta minulle, joka on rakastunut hänen työhönsä, se on vaikeaa. Nautin kuvista, joita se paljastaa. Hänen tarinansa yhdistää koulutiedon palasia, kirjajuttuja ja henkilökohtainen kokemus. Alan ymmärtää tapahtumien logiikkaa ja tekojen motiiveja.
Hän muuttuu välittömästi. Nyt kuninkaaksi, nyt runoilijaksi, nyt virkamieheksi, nyt kansaksi. Hänen tarinansa on parempi kuin mikään elokuva. Hän itse on kuin loputon historiallinen elokuva. Ja toinen kieli. Melkein unohdettu arjen kliseiden ja roskien, kuten "cool", "cool", "wow". Puhdasta, eloisaa, tilavaa ja tarkkaa venäjän kieltä, jota rakastan ja jonka ahneesti omaksuin Goncharovin, Kuprinin, Chekhovin kirjoista. Hänen puheensa on puhdasta ja vapaata. Kuuntelen kuin juoisin vettä viileästä, soivasta lähteestä.
Kerran joku akateemisille piireille läheinen sanoi hieman halveksuneena ja aavistuksen omistautuneena, ettei Radzinskya pidetty tiedemaailmassa. Hän sekoittaa tosiasiat ja keksii paljon. Ja että todellinen historiallinen totuus sijaitsee aivan eri paikassa. "Ilmeisesti historian tuntemattomien nerojen teoksissa ja nuorten väitöskirjatyöntekijöiden kynän kärjessä", ajattelin. Ehkä niin. Jää odottaa, kunnes he ovat arvokkaita välittämään totuutensa minulle.
Eilen hän puhui Alexanderista II , vapauttaja. Ohjelma päättyi, ja yhtäkkiä muistin, että elämässäni oli yhtä lahjakas henkilö. Mies Suurten tulkkien galaksista.
Hänen nimensä oli Roman Iljitš Kruglikov. Päädyin hänen laboratorioonsa vuonna 1981. Hän oli silloin yli viisikymmentä. Hän oli raskas ja ontui melko vähän huonon jalan takia. Huhuttiin, että hän oli loukannut jalkaansa leirillä työskennellessään sotilaslääkärinä. Mutta kukaan ei tiennyt hänen menneisyydestään. Tiedettiin, että hän oli juutalainen, lääketieteen tohtori, laboratorion johtaja ja instituutin puoluetoimiston puheenjohtaja.
Me etsimme "muistimolekyyliä" yksinkertaisesti sanottuna. Logiikka oli kuitenkin melko yksinkertainen. Jos esimerkiksi tapaat henkilön, muistat hänen kasvonsa, kulkunsa ja puheensa. Kun tapaat seuraavan kerran, tunnistat hänet, koska jokin on muuttunut sisälläsi, jotain uutta on ilmaantunut. Mistä tätä uutta kannattaisi etsiä? Ilmeisesti aivoissa. Sieltä me sitä etsimme.
Tutustuimme toisiimme vähitellen. Keskustellaan työsuunnitelmista, kokeiluista, tuloksista. Mutta oli erityisen mielenkiintoista kuunnella häntä tieteellisissä neuvostoissa. Biologian tiede, kuten kaikki muutkin, on erityistä ja hämmentävää. Olen satoja kertoja törmännyt tilanteeseen, jossa tiedemies ei pystynyt selittämään kollegoilleen mitään raportin antaessaan. Itse asiassa näin tapahtui useimmissa tapauksissa. Puhuja sirotti termejä ja numeroita, osoitti taulukoita ja kaavioita, osoitti kaikella ulkonäöllään olevansa suuren löydön kynnyksellä... ja yleisö oli hiljaa. Elämän kontekstista irrotettuna kuva ei sanonut mitään.
Sitten Roman Iljits nousi korokkeelle, seisoi hetken, kumartaen päätään, ikään kuin valmistaisi yleisöä kuuntelemaan tarkkaavaisesti, ja katsoi sivulle ja alkoi puhua hiljaisella äänellä.
Toisin kuin monilla, hänellä oli jo harkittu, jäsennelty tila, johon piti lisätä toinen osa. Ja katselin ilolla, kun hän hahmotteli kankaan, sovelsi siihen pääääriviivat, joista ei ollut epäilystäkään, ja sitten, ikään kuin kuullen yleisöä, etsin sopivinta paikkaa uudelle elementille. Hän onnistui. Kaikki löysi paikkansa. Tämä voisi olla vain yksi vaihtoehdoista maailman rakenteelle, mutta vaihtoehto on johdonmukainen, kätevä jatkokehitykseen.
Sitten huomasin, että Roman Iljitshillä on toinen lahjakkuus. Kaksi päivää ennen muurin murtumista kävelimme ympäri Itä-Berliiniä, ja hän luki Majakovskia ja Pasternakia muistista. Hän muisti kaikki heidän runonsa! Ja hän lausui suurella tunteella.
Viimeinen tapaamisemme oli surullinen. Palasin vuoden kestäneeltä työmatkalta Yhdysvaltoihin, mutta lähdin taas pian. Löysin Roman Iljitšin klinikalta, jossa häntä hoidettiin masennuksesta. Se oli endogeenisen masennuksen vakava muoto, jota ei ollut vielä hoidettu. "Tässä minä olen", hän tervehti syyllisesti. Olimme hiljaa. Puhuin lyhyesti saavutuksistani, mutta hän ei kuunnellut. Lähtiessäni katsoin taaksepäin ja nyökkäsin. Vanha mies harmaassa sairaalatakissa istui sohvalla.
Viikkoa myöhemmin hän oli poissa. Suuri Tulkki, mies, joka ymmärsi ja loi maailman, oli poissa. Suuri joukko ihmisiä, jotka osaavat ajatella, puhua ja välittää tietonsa muille, on yksi vähemmän.
Siunattu muisto sinulle, Roman Ilyich.
Monta vuotta sinulle, herra Radzinsky.
Pitäisikö riittävän suorituskyvyn omaavan säveltäjän olla oman musiikkinsa paras tulkki?
Minun on vaikea antaa varmaa vastausta tähän kysymykseen. Saattaa olla syitä suosia tulkitsevan säveltäjän esitystä puhtaasti esittävän taiteilijan esitykseen. Mutta en kategorisesti väitä, että näin on aina, enkä muuten, huolimatta siitä, että kaksi historian suurinta pianistia - Liszt ja Rubinstein - olivat molemmat säveltäjiä. Itsestäni koen, että jos omien sävellysteni esitykseni eroaa muiden teosten esityksestä, se johtuu vain siitä, että tunnen musiikkini paremmin.
Säveltäjänä olen jo ajatellut sitä niin paljon, että siitä on tullut ikään kuin osa minua. Pianistina lähestyn sitä sisältä käsin ja ymmärrän sen syvemmin kuin kukaan muu esiintyjä voi ymmärtää sitä. Loppujen lopuksi opit aina muiden ihmisten töitä uutena, sinun ulkopuolellasi. Et voi koskaan olla varma, että esitykselläsi ymmärrät oikein toisen säveltäjän tarkoituksen. Vakauduin harjoitellessani teoksiani muiden pianistien kanssa, että säveltäjän voi olla hyvin vaikeaa paljastaa ymmärrystään teoksesta, selittää esittäjälle, kuinka kappaletta tulee soittaa.
Minun mielestäni niitä on kaksi tärkeää tärkeitä ominaisuuksia säveltäjälle ominaisia, jotka eivät ole samassa määrin pakollisia esiintyvälle taiteilijalle. Ensimmäinen on mielikuvitus. En halua väittää, etteikö esiintyvä taiteilija olisi mielikuvituksellinen. Mutta on täysi syy uskoa, että säveltäjällä on suuri lahja, sillä hänen täytyy kuvitella ennen luomista. Kuvittele sellaisella voimalla, että hänen mieleensä ilmestyy selkeä kuva tulevasta työstä, ennen kuin yksikään nuotti on kirjoitettu. Hänen valmis työnsä on yritys ilmentää tämän kuvan olemusta musiikissa. Tästä seuraa, että kun säveltäjä tulkitsee omaa teostaan, tämä kuva syntyy selvästi hänen mielessään, kun taas jonkun toisen teosta esittävän muusikon täytyy kuvitella täysin uusi kuva. Tulkinnan menestys ja elinvoimaisuus riippuu pitkälti hänen mielikuvituksensa voimasta ja eloisuudesta. Ja tässä mielessä minusta vaikuttaa siltä, että säveltäjä-tulkki, jonka mielikuvitus on luonnostaan niin pitkälle kehittynyt, voi sanoa olevan etulyöntiasema taiteilijaan verrattuna - vain tulkkiin.
Toinen ja vielä tärkeämpi lahja, joka erottaa säveltäjän kaikista muista muusikoista, on hienosti kehittynyt musiikillinen väritaju. He sanovat, että Anton Rubinstein tiesi, kuten kukaan muu pianisti, poimia pianosta hämmästyttävän rikkauden ja monipuolisuuden puhdasta musiikilliset värit. Ne, jotka kuuntelivat Rubinsteinin soittoa, kuvittelivat joskus, että hänellä oli käsissään kaikki suuren orkesterin resurssit, sillä koska hän oli myös suuri säveltäjä, Rubinsteinilla oli intensiivinen musiikillinen väritaju, joka ulottui sekä hänen esiintymiseensä että hänen soittoonsa. luovaa toimintaa. Henkilökohtaisesti uskon, että musiikillinen väritaju on säveltäjän suurin etu. Ei ole väliä kuinka upea muusikko esiintyjä on, en usko, että hän koskaan pysty saavuttamaan aistimuksen täyttä syvyyttä ja toistamaan kaikkia musiikillisia värejä, mikä on säveltäjän lahjakkuuden olennainen ominaisuus.
Säveltäjälle, joka on myös kapellimestari, tämä kirkas väritaju voi olla esteenä muiden ihmisten teosten tulkinnassa, koska hän
ehkä hän tuo esitykseen värejä, jotka poikkeavat säveltäjän suunnittelemista.
Säveltäjä ei aina ole sävellyksiensä ihanteellinen kapellimestari ja tulkki. Minulla oli tilaisuus kuulla kolmen suuren luovan taiteilijan - Rimski-Korsakovin, Tšaikovskin ja Rubinsteinin - ohjaavan teoksiaan, ja tulos oli todella valitettava. Kaikista musiikillisista ammateista johtaminen erottuu - se on yksilöllinen lahjakkuus, jota ei voi hankkia. Ollakseen hyvä kapellimestari muusikolla on oltava valtava itsehillintä. Hänen täytyy pystyä pysymään rauhallisena. Mutta rauhallisuus ei tarkoita tyyneyttä ja välinpitämättömyyttä. Musiikillisen tunteen korkea intensiteetti on välttämätöntä, mutta sen on perustuttava ajatuksen täydelliseen tasapainoon ja täydelliseen itsehillintään. Johdellessani koen jotain lähellä sitä, mitä tunnen autollani ajaessani - sisäisen rauhallisuuden, joka antaa minulle täydellisen hallinnan itsestäni ja niistä voimistani - musiikillisista tai mekaanisista - jotka ovat minulle alaisia.
Toisaalta esiintyvälle taiteilijalle tunteiden hallitsemisen ongelma on henkilökohtaisempi. Tiedän hyvin, että pelini vaihtelee päivittäin. Pianisti on akustiikan orja. Vasta ensimmäisen kappaleen soittamisen, salin akustiikan ja yleisen tunnelman kokemisen jälkeen tiedän, millä tuulella vietän koko konsertin. Jollain tapaa tämä ei ole hyvä minulle, mutta ehkä taiteilijan on parempi olla koskaan varma suorituskyvystään etukäteen, kuin saavuttaa jonkin jatkuvan suoritustason, joka voi helposti muuttua mekaaniseksi rutiiniksi.
Luuleeko esiintyvä taiteilija, että esittävän taiteilijan elämä vaikuttaa haitallisesti hänen työhönsä?
Tässä paljon riippuu taiteilijan yksilöllisyydestä. Esimerkiksi Strauss on aktiivinen säveltäjänä ja kapellimestarina. Rubinstein työskenteli musiikin säveltämisessä joka aamu seitsemästä kahteentoista ja vietti loppupäivän pianon ääressä. Henkilökohtaisesti pidän tällaista kaksoiselämää mahdottomana. Jos soitan, en osaa säveltää, en halua soittaa. Ehkä se johtuu siitä, että olen laiska; Ehkä.
lakkaamaton pianoharjoittelu ja konserttitaiteilijan elämään liittyvä ikuinen vilske vie minulta liikaa energiaa. Ehkä se johtuu siitä, että minusta tuntuu, että sellaista musiikkia, jota haluaisin tehdä, ei voida hyväksyä nykyään. Tai ehkä todellinen syy Se, että olen viime vuosina suosinut esittävän taiteilijan elämää säveltäjän elämään, on täysin erilaista. Lähdttyäni Venäjältä menetin haluni säveltää. Kun menetin kotimaani, menetin itseni. Musiikilliset juurensa, perinteensä ja syntyperäisen maaperänsä menettäneellä maanpaolla ei ole luomishalua, muuta lohtua ei ole jäljellä kuin häiriötön muistojen tuhoutumaton hiljaisuus.
Musiikin tulkinta nuottimerkinnän, esitysperinteen ja esittäjän luovan tahdon vuorovaikutuksen tuloksena.
Tekijän tiedot rohkaisevat esittäjää ajattelemaan, kuvittelemaan, löytämään assosiaatioita ja herättävät tunteita. Esittävä tieto vaikuttaa tekijän tietoon, kaventaa tai laajentaa sitä, täydentää, muuttaa sitä, eli tapahtuu musiikkiteoksen uudelleenajattelu, jonka seurauksena syntyy taiteellinen kuva. Tekijän tietojen uudelleentulkinta ei saa missään tapauksessa johtaa tekijän tarkoituksen vääristymiseen. Aito esiintyvä yhteisluominen on mahdollista vain, kun tekijän tieto löytää esittäjässä vastavuoroisia tunteita.
Musiikkiteoksen parissa työskenteleminen on luova prosessi, jonka monimuotoisuus liittyy molempiin taiteellisia piirteitä teoksia ja esittäjän erilaisia yksilöllisiä ominaisuuksia. Mitä tehtäviä hänellä on edessään? Ja mikä edistää kehitystä luovuus esiintyjä, stimuloi hänen muodostumistaan musiikillinen maku, ammattitaitoa?
Esittää tarkoittaa luomista tunkeutumalla syvälle teoksen sisältöön ja ruumiillistamalla siihen perustuvaa musiikkisisältöä taiteellinen kuva. Teoksen sisällön uudelleenluominen edellyttää uskollisuutta tekijän tekstille, sävellyksen ideologisen suuntautumisen ymmärtämistä, tunnerikkautta (musiikkitaiteen vaikutteita tunnesfääri ihmisen havainto).
Taiteellisen kuvan luominen on mahdotonta ottamatta huomioon sen historiallisen aikakauden ainutlaatuisuutta, jolla teos luotiin; hänen genren ominaisuudet, säveltäjän maailmankuvan kansalliset piirteet, musiikin ilmaisuvälineiden käytön luonne, eli kaikki, mitä kutsumme tyylin ominaisuuksia tai ominaisuuksia.
Tulkinta -(latinasta interpretatio - selvennys, tulkinta) - musiikkitekstin äänen toteutusprosessi. Tulkinta riippuu esteettisiä periaatteita koulut tai liikkeet, joihin taiteilija kuuluu, hänen yksilöllisten ominaisuuksiensa sekä ideologisen ja taiteellisen tarkoituksensa perusteella. Tulkintaan liittyy yksilöllinen lähestymistapa esitettävää musiikkia, aktiivinen asenne, esiintyjän oman luovan konseptin läsnäolo tekijän suunnitelman ilmentymäksi. 1800-luvun alkuun asti tulkintataide oli läheisesti sidoksissa säveltäjien työhön: säveltäjät itse esittivät teoksensa yleensä. Tulkinnan kehittyminen johtuu konserttitoiminnan tehostumisesta.
Itsenäisenä taiteena tulkinta sai erityisen merkityksen 1800-luvun 20-30-luvuilla. Suorituskäytännössä se vahvistetaan uusi tyyppi muusikko-tulkki - muiden säveltäjien teosten esittäjä. Samanaikaisesti on olemassa alkuperäisen esityksen perinteitä. Muiden kirjailijoiden teosten hienovaraiset tulkit olivat F. Liszt, A. G. Rubinstein, S. V. Rahmaninov. 1800-luvun toiselta puoliskolta lähtien on kehittynyt musiikillisen tulkinnan teoria (tutkii esityskoulujen monipuolisuutta, tulkinnan esteettisiä periaatteita, esityksen teknisiä ongelmia), josta 1900-luvun alkuun mennessä on tullut yksi aloista. musiikkitieteen alalta. Merkittävän panoksen venäläisen tulkintateorian kehittämiseen antoivat G.M., G.G. Neuhaus, S.Ya.
Objektiivinen ja subjektiivinen, intuitiivinen ja rationaalinen musiikillisessa esityksessä. Esityksen luova luonne.
Kuuluisa pianisti I. Hoffman kirjoitti: "Musiikkiteoksen oikea tulkinta seuraa sen oikeasta ymmärryksestä, ja tämä puolestaan riippuu tarkasti tarkasta lukemisesta." Tämä tarkoittaa, että esityksen oikeasta luonteesta todistaa ennen kaikkea mielekäs, tiukasti tekijän tekstiä vastaava tulkinta ”Musiikkiteksti on säveltäjän testamentaama rikkaus, ja hänen esitysohjeet ovat testamentin saatekirje, ” sanoi säveltäjä ja pianisti S. Feinberg. Teoksessa ei kuitenkaan ole vain tekstiä, vaan myös alatekstiä. Merkittävä pianisti K. Igumnov uskoi, että esittäjän tulisi tuoda tekstiin "hyvä puolikas" myös itsestään, eli hänen tulee lähestyä teoksen sisäistä luonnetta, paljastaa sen aliteksti. Legendaarinen G. Neuhaus muistutti jatkuvasti tarpeesta syventyä esitettävän teoksen tunnelmaan, koska juuri tässä tunnelmassa, joka ei ole täysin soveltuva nuottikirjoitukseen, piilee taiteellisen kuvan koko olemus. Kaikesta edellä olevasta seuraa, että säveltäjän tekstin tarkka toteutus ei saa tarkoittaa sen muodollista toistamista, vaan äänityssuunnitelman mielekästä luovaa "käännöstä" todellisiksi äänikuvina.
Ymmärtäminen ja tulkinta tulkinnan dialektisesti toisiinsa liittyvinä puolina. Uusien merkityksien syntyminen tulkinnan seurauksena. Taiteellisen tulkinnan spesifisyys, tulkinnan kohteen intuitiivinen ymmärtäminen (kokemus, synergia).
Teoksen semanttisen ja esteettisen analyysin rooli tulkinnan suorittamisessa
Tarkoitus ja tahattomuus musiikillisessa tulkinnassa
Huomattakoon, että musiikkiesitys on ennen kaikkea menettelyllinen ja dynaaminen hetki. Tämä tarkoittaa, että musiikillisen kuvan muutos lavalla on luonnollista, jonka aikana tapahtuu tiettyjä muutoksia musiikillisen kuvan tulkinnassa. Tutkijat puhuvat yhden esiintyjän musiikin toiston vaihtelevuudesta tai muuttuvien ja muuttumattomien elementtien yhdistelmästä.
Tulkintaprosessi voidaan esittää kahden ristiriitaisen periaatteen vuorovaikutuksena - tarkoituksellisen (tallin fokuksena prosessissa) ja tahattomana (muuttuvan painopisteenä prosessissa). Nämä kaksi suurta ja monimutkaista kerrosta muodostavat prosessin rakenteen. Tämän rakenteen avautuminen ajassa, sen elementtien kokonaisuus ja yhdistäminen muodostavat liikkuvan äänieheyden, joka itse asiassa on tulkintaprosessi.
Tahallinen aloitus on yleinen ilmaus prosessin tietystä luonteesta. Tarkoituksenmukaiset elementit sisältävät elementtejä, joiden laatuparametrit muusikko ohjelmoi ennen toiminnan aloittamista ja jotka hän aikoo toteuttaa tulevassa prosessissa. Yhdessä nämä elementit muodostavat tietoisesti suunnitellun osan esiintyvää tulkintaa ja muodostavat prosessin kvantitatiivisen dominantin. Niiden erityispiirteitä ovat: sisäinen motivaatio, varmuus ja semanttinen merkitys. Tarkoituksenmukaisuus kattaa tavalla tai toisella suunnittelurakenteen kaikki tasot. Tarkoituksenmukainen alku kantaa taiteilijan yksilöllisen taiteellisen tietoisuuden leimaa ja on merkki hänen luovasta ainutlaatuisuudestaan.
Tulkintaprosessi ei ole pelkistettävissä peräkkäin toteutettuun tarkoituksenmukaisuuteen. Tulee omaksi tahaton käynnistys, joka on väistämättä läsnä objektiivisioissa ja jolla on perustavanlaatuisesti erilainen luonne. Tahaton alku on prosessin dynaaminen komponentti, jonka elementit syntyvät spontaanisti, ilmaantuvat poikkeamien muodossa alkuperäisen suunnitelman asettamasta suunnasta ja muodostavat epävarmuuden "eksistenttikentän". Tämä komponentti, joka heijastaa esittävän luovuuden irrationaalista puolta, tulee kantajaksi ennakoimattomaan, itsestään synnyttävän muutoksen mahdollisuudesta kuvasuunnitelmassa. Tahaton käynnistys sisältää elementtejä luonteeltaan erilaista. Jos tarkastelemme niitä sisältö-semanttisessa tasossa, syntyy tarve jakaa tahattomat elementit kahteen alatyyppiin: semanttiseen ja asemantiseen.
Semanttinen (improvisaatio) näkemys yhdistää joukon satunnaisia elementtejä, joilla on taiteellinen ja ilmaisullinen merkitys. Koska ne ovat alitajunnan "vapaan" (määrittelemättömän) toiminnan luova tuote, intuition, mielikuvituksen, fantasian ja tunteiden sisäisten liikkeiden hetkellisen "toiminnan" tulos, jota yleensä kutsutaan taiteelliseksi kokemukseksi, ne muodostavat taiteellisesti tuottavan kerroksen. tahaton alku. Niiden ominaispiirteitä ovat: tahattomuus, uutuus ja semanttinen merkitys, ja jälkimmäinen muodostaa perustan improvisaatio- ja intentioelementtien yhtenäisyydelle ja sukulaiselle, joka palaa yhteen lähteeseen - äänikuvaan. Tahaton alku sisältää improvisoinnin, mutta ei rajoitu siihen.
Asemanttinen (kaoottinen) näkemys yhdistää joukon tahattomia elementtejä, joiden ilmaantumista eivät aiheuta taiteelliset tekijät, vaan toiminnan "epäonnistuminen". Näiden elementtien alkuperä liittyy rikkomuksiin toteutuksen teknisillä ja sääntelyalueilla. Ne ilmenevät suoritusvirheiden, vikojen ja prosessin epäorganisaation hetkinä. Asemanttiset elementit vahingoittavat sitä, mitä oli tarkoitettu, eivät anna "objektiivista" semanttista tulosta, vaan vain lisäävät enemmän tai vähemmän merkittävää tuhoa prosessiin ja muodostavat siten taiteellisesti tuottamattoman kerroksen tahattomasta alun. Kun otetaan huomioon tämän komponentin äärimmäisen sopimaton, selvästi tuhoava toimintataso, sitä voidaan kutsua "kaoottiseksi".
Kysymys musiikkiteoksen esittävän tulkinnan riittävyydestä.
Muusion ei tarvitse hallita vain tekstiä, vaan myös päätehtävä- ymmärtää säveltäjän tarkoitus ja luoda se uudelleen musiikillisia kuvia, jotka on sisällytetty musiikkikappaleeseen, ja valitse ilmaisukeinot tarkimpaan lähetykseensä.
A. France kirjoitti: "Täydellisen taideteoksen ymmärtäminen tarkoittaa yleensä sen uudelleenluomista omassa muodossaan sisäinen maailma" K.S. Stanislavsky sanoi, että vain "näyttelijän syvä tunkeutuminen tekijän ideaan, tottuminen lavalla ilmentyneeseen kuvaan, kun näyttelijä elää, tuntee ja ajattelee samalla tavalla kuin rooli, vain silloin hänen toimintansa voi johtaa näyttelijän menestykseen. ”
Italialainen pianisti F. Busoni puhui tästä seuraavasti: "On lähes yli-inhimillinen tehtävä heittää pois omat tunteensa, jotta se muuttuisi mitä erilaisimpien yksilöiden tunteiksi ja sieltä tutkimaan heidän luomuksiaan." Hyvin hienovaraisesti huomannut luovan olemuksen esittävät taiteet Venäläinen kriitikko V.G. Belinsky: "Näyttelijä täydentää tekijän ideaa näyttelemisellään, ja tämä lisäys koostuu hänen luovuudestaan."
A.N. Serov, kuuluisa venäläinen säveltäjä ja musiikkikriitikko, kirjoitti:"Rooli - ainakin Shakespearen näytelmästä, musiikki - ainakin Beethovenilta itseltään, suhteessa loistavaan esitykseen vain luonnos, essee; maalit, täyttä elämää teokset syntyvät vain esittäjän viehättävän voiman alaisena."
Esimerkiksi P.I.:n suosituin ensimmäinen konsertti pianolle ja orkesterille. Tšaikovski saavutti laajan suosion vain 4 vuotta ensiesityksen jälkeen, jolloin sen esitti loistavasti N. Rubinstein. Sama juttu tapahtui P. Tšaikovskin viulukonserton kanssa, joka vasta L. Auerin esityksen jälkeen sijoittui viulistien konserttiohjelmistoon.
Nämä esimerkit osoittavat esittävän toiminnan luovan luonteen, joka ei ole yksinkertainen, muodollinen tekijän tekstin kääntäminen ääneksi, vaan sen luova toteutus. Psykologinen olemus A.N. ilmaisi tulkinnat erittäin tarkasti. Serov: "Loistavien esiintyjien suuri salaisuus on se, että he valaisevat esityksensä kykyjensä voimalla sisältäpäin, kirkastavat sitä, tuovat sen sinne koko maailma tuntemuksia omasta sielustasi."
Tulkkaus ei rajoitu esittäjän ammatillisiin ansioihin ja taitoihin. Se ilmaisee persoonallisuuden kaikkia puolia ja liittyy maailmankuvaan, ideologinen suuntautuminen, yhteinen kulttuuri, monipuolinen tieto ja ajattelutapa, jotka muodostavat yksilön sisäisen sisällön.
Esiintyjän sosiaalinen, moraalinen ja ammatillinen vastuu on lisääntynyt 18. puolivälissä 19 luvulla, jolloin esittävä taide erotettiin säveltämisestä. Teoksen kohtalo riippui suurelta osin esiintyjästä.
A. Rubinstein: ”Minulle on täysin käsittämätöntä, mitä objektiivisella suorituksella yleensä tarkoitetaan. Jokainen suoritus, jos sitä ei tuottaisi kone vaan ihminen, on sinänsä subjektiivinen. Esineen (sävellyksen) merkityksen oikea välittäminen on esittäjän laki, mutta jokainen tekee sen omalla tavallaan, eli subjektiivisesti; ja onko muuten ajateltavissa? Jos sävellyksen esityksen tulee olla objektiivinen, niin vain yksi tapa olisi oikea, ja kaikkien esittäjien olisi matkittava sitä; Millaisia esiintyjistä tulisi? Apinoita? Onko Hamletin, kuningas Learin jne. roolissa vain yksi esitys? Joten musiikissa ymmärrän vain subjektiivisen esityksen."
Taiteellisten ja esittävien ideoiden muodostuminen ja toteutus
Tulkintakysymyksissä poikkeuksellinen merkitys on mielikuvituksella - henkisellä prosessilla, jossa muodostuu kuva tulevasta toiminnasta tai luodaan uusi yleisidean tai tarkemman esityksen muodossa toiminnan lopputuotteesta. Mielikuvitus on aina ohjelman henkistä rakennelmaa myöhempää toimintaa varten, sen aineellisesti ruumiillistuneen muodon edellä. Siellä on virkistys- ja luova mielikuvitus. Luovuus on uusien ideoiden ja mielikuvien luomista. Uudelleenluominen on kuvien rakentamista musiikkitekstiin jne. Mielikuvituksen uudelleenluominen on psykologinen perusta musiikillisen esityksen tulkinnan luomiselle.
Kahden tyyppisiä esiintyjiä - emotionaalinen tyyppi ("kokemuksen taiteen" kannattajat) ja älylliset taiteilijat (teatteritaide, Stanislavsky).
Siellä on synteettisiä esiintyjiä. Näiden kahden periaatteen merkittävä yhdistelmä löytyy S.V.:n toiminnasta. Rahmaninov ja P. Casals, A. Toscanini ja J. Heifitz, D. Oistrakh ja S. Richter, L. Kogan ja E. Gilels, E. Svetlanov ja V. Fedoseev. Heille on tunnusomaista syvä tunkeutuminen musiikkiteoksen sisältöön, loistava sisällön ja muodon yhtenäisyys, mielenkiintoinen, omaperäinen tulkinta ja erinomainen tekninen taito. Tälle tyypille on ominaista tasapaino tunne- ja älyllisten periaatteiden välillä, joka on tietoisesti säädelty.
Erilaisia tulkinnan näkökohtia: 1. esittäjän tulkinta tekijän tarkoituksesta; 2. historiallinen perintö; 3. kulttuurienväliset ja sisäiset suhteet. Aito esitys, uppoutuminen historialliseen ja kulttuuriseen kontekstiin.
Musiikkiteoksen parissa työskentelemisen tulee perustua sen kattavaan tutkimiseen. Näin voit sukeltaa syvemmälle figuratiiviseen alueeseen, ylläpitää esiintyjän kiinnostusta teosta ja lopulta ymmärtää tekijän tarkoitusta.
Tärkein lähtökohta tällä suurella ja vaikea tie on aikakausi, jolloin tietty teos luotiin. Säveltäjät näyttävät puhuvan sisään eri aikoina eri kielillä, ilmentävät erilaisia ihanteita, heijastavat tietylle ajalle ominaisia elämän puolia, filosofisia ja esteettisiä näkemyksiä, käsitteitä. Vastaavasti käytetään ilmaisuvälineitä. On ymmärrettävä, miksi tämä tietty tyyli syntyi tietyllä aikakaudella, yhdistää se säveltäjän persoonallisuutta, joka on aikakauden "tuote", joka kuuluu tiettyyn sosiaalinen ryhmä, kansallisuus, laittaa musiikkikappale näihin olosuhteisiin ja vahvistaa sen suhdetta luojaan ja aikaan.
Otetaanpa aikakauden ja liikkeen nimeämisen (tempon) suhde. Eri aikakausina tempomerkintöjä tulkittiin eri tavalla. Esiklassisella kaudella tempot “Allegro”, “Andante”, “Adagio” eivät esimerkiksi osoittaneet liikkeen nopeutta, vaan musiikin luonnetta. Scarlattin Allegro on hitaampi (tai hillitympi) kuin klassikoiden Allegro, kun taas Mozartin Allegro on hitaampi (hillitympi) kuin Allegro nykyisessä merkityksessään. Mozartin Andante on liikkuvampi. Kuin me sen nyt ymmärrämme. Samaa voidaan sanoa suhteesta musiikillinen aikakausi dynamiikalla ja artikulaatiolla. Tietenkin läsnä oleva auktoriteetti mahdollistaa väittelyn jossain dynaamisilla ohjeilla, hahmottaa pianoa, pianissimoa, fortea, fortissimoa uudella tavalla.
Äänitys
Ensimmäiset äänen tallennus- ja toistolaitteet olivat mekaanisia soittimia. He pystyivät soittamaan melodioita, mutta eivät voineet tallentaa mielivaltaisia ääniä, kuten ihmisääntä. Musiikin automaattinen toisto on ollut tiedossa 800-luvulta lähtien, jolloin Banu Musan veljekset, noin vuonna 875, keksivät vanhimman tunnetun mekaanisen instrumentin - hydrauliset eli "vesiurut", jotka soittivat automaattisesti vaihdettavia sylintereitä. Sylinteri, jossa on ulkonevat "nokat" pinnalla, pysyi musiikin mekaanisen toiston päävälineenä toiselle vuosisadalle asti. 1800-luvun puolivälissä vuosisadalla. Renessanssin aikana luotiin useita erilaisia mekaanisia soittimia, jotka toistivat tietyn melodian oikealla hetkellä: urkuja, musiikkilaatikoita, rasioita, nuuskalaatikoita.
Vuonna 1857 de Martinville keksi äänikirjoitus. Laite koostui akustisesta kartiosta ja värähtelevästä kalvosta, joka oli yhdistetty neulaan. Neula joutui kosketuksiin käsin pyöritettävän lasisylinterin pinnan kanssa, joka oli päällystetty noella. Kartion läpi kulkeva äänivärähtely aiheutti kalvon värähtelyn ja välitti tärinää neulaan, joka jäljitti äänivärähtelyn muodon nokikerroksessa. Tämän laitteen tarkoitus oli kuitenkin puhtaasti kokeellinen - se ei pystynyt toistamaan tehtyä tallennusta.
Vuonna 1877 Thomas Edison keksi fonografin, joka pystyi jo soittamaan oman äänityksensä. Ääni tallennetaan medialle raidan muodossa, jonka syvyys on verrannollinen äänenvoimakkuuteen. Fonografin ääniraita on sijoitettu sylinterimäiseen spiraaliin vaihdettavalle pyörivälle rummulle. Toiston aikana uraa pitkin liikkuva neula välittää värinää elastiseen kalvoon, joka lähettää ääntä.
Edison Thomas Alva (1847-1931), yhdysvaltalainen keksijä ja yrittäjä. Hän on kirjoittanut yli 1000 keksintöä sähkötekniikan ja viestinnän alalla. Hän keksi maailman ensimmäisen äänentallennuslaitteen - fonografin, paransi hehkulamppua, lennätintä ja puhelinta sekä rakensi maailman ensimmäisen voimalaitoksen vuonna 1882.
Ensimmäisessä fonografissa metallirullaa pyöritettiin kammen avulla, joka liikkui aksiaalisesti jokaisella kierroksella käyttöakselin ruuvin kierteiden takia. Rullalle laitettiin tinafolio (stanioli). Pergamenttikalvoon yhdistetty teräsneula kosketti sitä. Kalvoon kiinnitettiin metallinen kartiotorvi. Ääntä tallennettaessa ja toistettaessa rullaa piti pyörittää manuaalisesti nopeudella 1 kierros minuutissa. Kun rulla pyöri ilman ääntä, neula puristi kalvoon vakiosyvyyden kierteisen uran (tai uran). Kalvon värähteleessä neula painettiin tinaan koetun äänen mukaisesti, jolloin syntyi vaihteleva syvyys. Näin "syvä tallennus" -menetelmä keksittiin.
Laitteensa ensimmäisen testin aikana Edison veti kalvon tiukasti sylinterin päälle, toi neulan sylinterin pinnalle, alkoi varovasti pyörittää kahvaa ja lauloi ensimmäisen säkeistyksen lastenlaulusta "Mary Had a Little Lamb" megafoni. Sitten hän veti neulan sisään, palautti sylinterin alkuperäiseen asentoonsa kahvalla, työnsi neulan piirrettyyn uraan ja alkoi pyörittää sylinteriä uudelleen. Ja megafonista lasten laulu soi hiljaa mutta selkeästi.
Vuonna 1885 amerikkalainen keksijä Charles Tainter (1854-1940) kehitti grafofonin - jalkakäyttöisen fonografin (kuten jalkakäyttöisen ompelukoneen) - ja korvasi telojen tinalevyt vahatahnalla. Edison osti Tainterin patentin, ja irrotettavia vahateloja alettiin käyttää äänitykseen foliotelojen sijaan. Ääniuran nousu oli noin 3 mm, joten tallennusaika rullaa kohden oli hyvin lyhyt.
Fonografi oli olemassa lähes muuttumattomana useita vuosikymmeniä. Se lopetti tuotannon musiikkiteosten äänityslaitteena 1900-luvun ensimmäisen vuosikymmenen lopulla, mutta sitä käytettiin äänittimenä lähes 15 vuotta. Sen teloja valmistettiin vuoteen 1929 asti.
Kymmenen vuotta myöhemmin, vuonna 1887, gramofonin keksijä E. Berliner korvasi telat levyillä, joista voidaan tehdä kopioita - metallimatriiseja. Heidän avullaan puristettiin tuttuja gramofonilevyjä (kuva 4 a.). Yhdellä matriisilla oli mahdollista tulostaa koko painos – vähintään 500 tietuetta. Tämä oli Berlinerin levyjen tärkein etu verrattuna Edisonin vahateloihin, joita ei voitu kopioida. Toisin kuin Edisonin fonografi, Berliner kehitti äänen tallentamiseen yhden laitteen - tallentimen ja toisen äänen toistoon - gramofonin.
Syvän tallennuksen sijaan käytettiin poikittaisnauhoitusta, ts. neula jätti jatkuvan syvyisen mutkaisen jäljen. Myöhemmin kalvo korvattiin erittäin herkillä mikrofoneilla, jotka muuttavat äänivärähtelyt sähköisiksi värähtelyiksi, ja elektronisilla vahvistimilla. 1888 on vuosi, jolloin Berlinger keksi gramofonilevyn ja -nauhoituksen.
Vuoteen 1896 asti levyä piti pyörittää käsin, ja tämä oli suurin este laajalle levinnyt gramofonit. Emil Berliner julkaisi kilpailun jousimoottorista - edullinen, teknisesti edistynyt, luotettava ja tehokas. Ja sellaisen moottorin suunnitteli mekaanikko Eldridge Johnson, joka tuli Berlinerin yritykseen. Vuodesta 1896 vuoteen 1900 Näitä moottoreita valmistettiin noin 25 000 kappaletta. Vasta sitten Berlinerin gramofoni yleistyi.
Ensimmäiset levyt olivat yksipuolisia. Vuonna 1903 julkaistiin ensimmäisen kerran 12 tuuman levy kahdella puolella.
Vuonna 1898 tanskalainen insinööri Woldemar Paulsen (1869-1942) keksi laitteen äänen magneettiseen tallentamiseen teräslangalle. Myöhemmin Paulsen keksi menetelmän magneettista tallennusta varten pyörivälle teräslevylle, jossa tiedot tallennettiin spiraaliin liikkuvan magneettipään avulla. Vuonna 1927 F. Pfleimer kehitti tekniikan magneettinauhan tuottamiseksi ei-magneettisesti. Tämän kehityksen perusteella saksalainen sähkötekniikkayritys AEG ja kemianalan yritys IG Farbenindustri esittelivät vuonna 1935 Saksan radionäyttelyssä rautajauheella pinnoitetun muovipohjan magneettinauhaa. Teollisessa tuotannossa hallittu se maksoi 5 kertaa vähemmän kuin teräs, oli paljon kevyempi ja mikä tärkeintä, mahdollisti kappaleiden yhdistämisen yksinkertaisella liimaamalla. Uuden magneettinauhan käyttöä varten kehitettiin uusi äänentallennuslaite, joka sai tuotemerkin "Magnetofon". Magneettinauha soveltuu toistuvaan äänen tallennukseen. Tällaisten tietueiden määrä on käytännössä rajaton. Sen määrää vain uuden tiedonvälittimen - magneettinauhan - mekaaninen lujuus. Saksalainen AEG julkaisi ensimmäisen kaksiraitaisen nauhurin vuonna 1957, ja vuonna 1959 tämä yritys julkaisi ensimmäisen neliraitaisen nauhurin.
Kuuluisia muusikoita
Adan Adolph Charles(1803–1856) - ranskalainen säveltäjä, romantikko, balettien “Giselle”, “Corsair” kirjoittaja.
Aznavour Charles (Aznauryan Varenag)(s. 1924) - ranskalainen chansonnier, säveltäjä, elokuvanäyttelijä, monien kappaleiden kirjoittaja ja esittäjä; oli valtava vaikutus Ranskan ja koko Euroopan massamusiikkikulttuuriin.
Aljabjev Aleksandr Aleksandrovitš(1787–1851) - venäläinen säveltäjä, monien laulujen ja romanssien ("Satakieli", "Kerjäläinen nainen" jne.) sekä oopperoiden, balettien, kamari- ja instrumentaaliteosten kirjoittaja.
Armstrong Louis(1901–1971) - trumpetisti, vokalisti, jota usein kutsutaan "jazzin isäksi". Louis Armstrong on yksi 1900-luvun musiikkitaiteen suosituimmista persoonallisuuksista, johon yleisö identifioi perinteisen jazzin.
Balakirev Mili Aleksejevitš(1836 (1837)-1910) - venäläinen säveltäjä, pianisti, kapellimestari, johtaja ja yksi "Mighty Handful" - luovan venäläisten säveltäjien yhteisön perustajista, joka muodostui 1850-luvun lopulla - 1860-luvun alussa.
Balanchine George (Balanchivadze Georgy Melitonovich)(1904–1963) - yhdysvaltalainen koreografi, kuuluisan balettiryhmän New York City Ballet perustaja.
Bartok Bela(1881–1945) - unkarilainen säveltäjä, pianisti ja musiikkitieteilijä-folkloristi. Yhdistämällä kansanperinteen elementtejä musiikillisen avantgarden tekniikoihin (ekspressionismi jne.) hänestä tuli yksi 1900-luvun musiikin syvällisimmistä ja vaikutusvaltaisimmista uudistajista.
Bach Johann Sebastian(1685–1750) - saksalainen säveltäjä, noin 1000 eri tyylilajin teoksen kirjoittaja, polyfonian mestari (preludit ja fuugat, Pyhän Matteuksen passio jne.).
Bashmet Juri Abramovitš(s. 1953) - venäläinen alttoviulisti, opettaja. Monien nykysäveltäjien alttoviuluteoksien ensimmäinen esittäjä.
Berlioz Hector Louis(1803–1869) - Ranskalainen innovatiivinen säveltäjä, kapellimestari, Symphony Fantastiquen kirjoittaja, uuden johtamiskoulun luoja.
Bernstein Leonard(1918–1990) - amerikkalainen säveltäjä ja kapellimestari, monien kuuluisien musikaalien musiikin kirjoittaja (West Side Story jne.).
Berry Chuck(s. 1926) - kuuluisa amerikkalainen laulaja, säveltäjä, yksi rock and rollin perustajista.
Beethoven Ludwig pakettiauto(1770–1827) - saksalainen säveltäjä, suuri sinfonisti. Suurin osa Beethovenin teoksista kuuluu maailmanmusiikin mestariteoksiin (Moonlight Sonata, IX Symphony jne.).
Bizet Georges (1838–1875) - Ranskalainen säveltäjä, oopperoiden kirjoittaja (Carmen jne.).
Borodin Aleksanteri Porfirievitš(1833–1887) - Venäläinen säveltäjä ja kemisti, yksi venäläisten klassisten sinfonioiden ja kvartettojen luojista.
Bortnyansky Dmitri Stepanovitš(1751–1825) - venäläinen ja ukrainalainen säveltäjä, pyhän musiikin kirjoittaja, kuoroteoksia jne.
Brahms Johannes(1833–1897) - saksalainen säveltäjä ja kapellimestari, romantiikan edustaja.
Wagner Richard(1813–1883) - saksalainen säveltäjä, kapellimestari, oopperan uudistaja. Tetralogia "Nibelungin sormus" on kirjoitettu omalla libretolla, joka perustuu saksalaiseen kansalliseen mytologiaan. Wagner on myös kirjoittanut oopperat Tristan ja Isolde, Parsifal ja muut.
Verdi Giuseppe(1813–1901) - italialainen säveltäjä, jonka luovuus on kehityksen huippu italialainen ooppera ja oopperataidetta kaikkialla maailmassa (oopperat "Aida", "Rigoletto", "La Traviata" jne.).
Vertinsky Aleksanteri Nikolajevitš(1889–1957) - venäläinen runoilija ja säveltäjä, omien kappaleidensa esittäjä, yksi taidelaulugenren perustajista.
Vivaldi Antonio(1678–1741) - italialainen säveltäjä, viulisti, kapellimestari; loi sooloinstrumentaalikonsertin genren.
Vysotski Vladimir Semenovich(1938–1980) - Neuvostoliiton runoilija, muusikko, näyttelijä, satojen omiin runoihinsa perustuvien kappaleiden kirjoittaja. Omien kappaleidensa kirjoittajana ja esittäjänä kitaralla hän saavutti laajan suosion.
Haydn Franz Joseph(1732–1809) - itävaltalainen säveltäjä, Beethovenin opettaja. Hänen töitään leimaa harmonia ja suhteellisuus.
Händel Georg Friedrich(1685–1759) - Saksalainen säveltäjä, monien oopperoiden ja oratorioiden kirjoittaja, joissa yhdistyvät voimakkaat kuorot ja tiukka arkkitehtuuri.
Gershwin George(1898–1937) - yhdysvaltalainen säveltäjä ja pianisti. Yhdessä veljensä Iran kanssa George Gershwin sävelsi yli kolme tusinaa musikaalia teatteriin ja elokuviin. Numeroon parhaita töitä George Gershwinin teoksiin kuuluu "Rhapsody in Blue" pianolle ja jazzorkesterille sekä ooppera "Porgy ja Bess", jota monet kriitikot pitävät säveltäjän teoksen huippuna ja yhtenä parhaista (ellei paras) amerikkalaisista oopperoista.
Gillespie John "Dizzy" Burks(1917–1993) - amerikkalainen jazztrumpettivirtuoosi, yhden musiikin historian tunnetuimman musiikin järjestäjä jazz-orkesterit, monien jazz-sävellysten kirjoittaja.
Glinka Mihail Ivanovitš(1804–1857) - venäläinen säveltäjä, venäläisten kansalliseeppisten oopperoiden ja monien suosittujen romanssien luoja.
Glier Reingold Moritsevich(1874–1956) - venäläinen neuvostosäveltäjä, kapellimestari, opettaja (baletti "Don Quijote").
Gluck Christoph Willibald(1714–1787) - saksalainen säveltäjä, klassismin edustaja, oopperan uudistaja.
Grig Edward(1843–1907) - norjalainen säveltäjä, pianisti, musiikkihahmo, kapellimestari.
Gounod Charles(1818–1893) - ranskalainen säveltäjä, yksi 1800-luvun ranskalaisen oopperan suurimmista edustajista. Luovuuden huippu on ooppera "Faust".
Dankevich Konstantin Fedorovich(1905–1984) - ukrainalainen säveltäjä ja musiikkitieteilijä, oopperan "Bogdan Khmelnytsky", baletin "Liley" kirjoittaja jne.
Dargomyzhsky Aleksanteri Sergeevich(1813–1869) - venäläinen säveltäjä (ooppera "Rusalka" jne.). Yhdessä M.I. Glinkan kanssa hän oli venäjän kielen perustaja klassinen koulu musiikkia.
Dassin Joe(1938–1980) - ranskalainen laulaja, säveltäjä, jonka kappaleet olivat erittäin suosittuja 1960- ja 1970-luvuilla.
Dvorak Antonin(1841–1904) - Tšekkiläinen säveltäjä, kapellimestari, yksi tšekkiläisen musiikkikoulun perustajista klassinen musiikki.
Debussy Claude Achille(1862–1918) - ranskalainen säveltäjä, jota pidetään niin kutsutun musiikillisen impressionismin perustajana.
Dylan Bob (Robert Allen Zimmerman)(s. 1941) - Useimpien kriitikkojen mukaan amerikkalainen rock-muusikko, joka vaikutti populaarimusiikin (eikä vain rockin) kehitykseen enemmän kuin kukaan muu sodanjälkeisenä aikana, ja hänen työstään tuli roolimalli useille sukupolville rockmuusikot muusikot.
Domingo Placido(s. 1941) - espanjalainen laulaja (tenori) ja kapellimestari, yksi oopperan historian merkittävimmistä laulajista.
Donizetti Gaetano(1797–1848) - italialainen säveltäjä (oopperat "Lucia di Lammermoor", "Don Pasquale" jne.), bel canton taiteen mestari.
Dunaevski Isaac Osipovich(1900–1955) - Neuvostoliiton säveltäjä, Neuvostoliiton joukkolaulun ja operetin suurin mestari.
Caballe Montserrat(s. 1933) - espanjalainen laulaja (sopraano). Yksi erinomaisista nykyaikaiset laulajat Bel Canto.
Callas Maria (Maria Kalogeropoulos)(1923–1977) - Kreikkalainen laulaja, jolla oli laaja ääni, yksi musiikin historian suurimmista laulajista, oli maailman suurimpien teattereiden solisti.
Kalman Imre(1882–1953) - unkarilainen säveltäjä, klassisen wieniläisen operetin ("Silva" jne.) mestari.
Carreras Jose(s. 1947) - espanja oopperalaulaja, tenori, on syvä kauniilla äänellä, yhdessä P. Domingon ja L. Pavarottin kanssa, on ollut pitkään yksi aikamme kolmesta parhaasta tenorista.
Caruso Enrico(1873–1921) - italialainen laulaja, yksi oopperan historian suurimmista tenoreista, bel canton mestari.
Clyburn Van (Clyburn Harvey Laban)(s. 1934) - Amerikkalainen pianisti 1. kansainvälisen kilpailun voittaja. P.I. Tšaikovski Moskovassa (1958).
Kozlovsky Ivan Semenovich(1900–1995) - venäläinen neuvostolaulaja, lyyrinen tenori, solisti Bolshoi-teatteri(1926–1954), yksi niistä parhaita esiintyjiä ajastaan.
Leghar Ferenc (Franz)(1870–1948) - säveltäjä, wieniläisen operetin ("Iloinen leski") erinomainen mestari.
Lemeshev Sergei Jakovlevich(1902–1977) - erinomainen venäläinen oopperalaulaja, lyyrinen tenori. Herkimmän sointinsa omistaja, kappaleiden ja romanssien jäljittelemätön esiintyjä.
Lennon John(1940–1980) - brittiläinen rockmuusikko, laulaja, runoilija, säveltäjä, taiteilija, kirjailija. The Beatlesin perustaja ja jäsen, yksi 1900-luvun suosituimmista muusikoista.
Leoncavallo Ruggiero(1857–1919) - italialainen oopperan säveltäjä, jonka teokset olivat ja ovat erittäin menestyneitä (oopperat "Pagliacci", "La Bohème" jne.).
Leontovitš Nikolai Dmitrievich(1877–1921) - ukrainalainen säveltäjä, monien sovitusten kirjoittaja kansanmusiikkia. Ensimmäisen ukrainalaisen sinfoniaorkesterin perustaja.
Liszt Ferenc(1811–1886) - erinomainen unkarilainen säveltäjä, kapellimestari ja pianisti. Hän perusti konserttipianoesityskoulun.
Lloyd-Webber Andrew(s. 1948) - kuuluisa brittiläinen säveltäjä, musikaalien ja rock-oopperoiden kirjoittaja ("Jesus Christ Superstar"; "Phantom of the Opera" jne.).
Lysenko Nikolai Vitalievitš(1842–1912) - säveltäjä, kapellimestari, Ukrainan kansallisen musiikkikoulun perustaja, osallistui ukrainalaisen oopperan muodostumiseen.
Ljudkevitš Stanislav Filippovitš (Pilipovitš)(1879–1979) - ukrainalainen säveltäjä ja musiikkitieteilijä, yksi suurimmista ukrainalaisista sinfonisteista.
Miles Davis(1926–1991) - yhdysvaltalainen jazztrumpetisti, yksi musiikin historian merkittävimmistä jazzmiehistä. 1960-luvun lopulta lähtien hän on esiintynyt jazz-rock-tyyliin.
McCartney James Paul(s. 1942) - brittiläinen rockmuusikko, laulaja ja säveltäjä, yksi The Beatlesin perustajista.
Mahler Gustav(1860–1911) - itävaltalainen säveltäjä ja kapellimestari, yksi 1800- ja 1900-lukujen suurimmista sinfoonisista. Vuosina 1908–1909 hän oli New Yorkin Metropolitan Operan kapellimestari ja vuosina 1909–1911 New Yorkin filharmonisen orkesterin johtajana.
Mendelssohn-Bartholdy Jacob Ludwig Felix(1809–1847) - saksalainen säveltäjä, urkuri, kapellimestari ja julkisuuden henkilö, ensimmäisen saksalaisen konservatorion perustaja. "Italialaisten", "skotlantilaisten" jne. sinfonioiden kirjoittaja.
Mercury Freddie(1956–1991) - Brittiläinen laulaja ja muusikko, legendaarisen rock-yhtyeen Queenin laulaja. Tähän asti, monta vuotta kuolemansa jälkeen, hän on yksi maailman suosituimmista laulajista.
Miller Glenn(1904–1944) - yhdysvaltalainen pasunisti, sovittaja, yhden 1930-luvun lopun - 1940-luvun alun parhaista swing-orkestereista johtanut.
Morricone Ennio(s. 1928) - italialainen säveltäjä, sovittaja, kapellimestari, yksi parhaista kuuluisia säveltäjiä säveltää musiikkia elokuviin.
Mozart Wolfgang Amadeus(1756–1791) - itävaltalainen säveltäjä, yksi musiikin historian suurimmista. Hänellä oli erinomainen melodinen lahja (oopperat "Taikahuilu" ja muut "Little Night Serenade", loivat noin 600 eri genreistä teosta). Hän sävelsi musiikkia viidestä iästä lähtien ja esiintyi esiintyjänä kuuden vuoden iästä lähtien.
Mussorgski Modest Petrovich(1839–1881) - venäläinen säveltäjä. Hän loi monumentaalisia kansanmusiikkidraamoja ("Boris Godunov", "Khovanshchina"), dramaattisia kohtauksia ("Kuvia näyttelyssä") jne.
Oistrakh David Fedorovich(1908–1974) - Neuvostoliiton virtuoosiviulisti, opettaja, yksi 1900-luvun suurimmista muusikoista.
Offenbach Jacques(1819–1880) - ranskalainen säveltäjä, yksi klassisen ranskalaisen operetin ("Kaunis Helen", "Pericola" jne.) perustajista.
Pavarotti Luciano(1935–2007) - erinomainen italialainen laulaja, yksi musiikin historian merkittävimmistä tenoreista.
Paganini Niccolo(1782–1840) - italialainen viulisti ja säveltäjä. Yksi 1700-1800-luvun musiikinhistorian merkittävimmistä henkilöistä. Maailman musiikkitaiteen tunnustettu nero.
Pauls Raymond(s. 1936) - latvialainen säveltäjä, pianisti, monien kappaleiden, musikaalien, elokuvamusiikkien jne. kirjoittaja.
Petrusenko Oksana Andreevna(1900–1940) - ukrainalainen neuvostolaulaja (lyyrinen-dramaattinen sopraano), jolla oli ainutlaatuinen ääni.
Piaf Edith (Gacion)(1915–1963) - ranskalainen laulaja ja näyttelijä, yksi suurimmista pop-laulajia rauhaa.
Presley Elvis(1935–1977) - legendaarinen amerikkalainen rock-laulaja ja elokuvanäyttelijä, "Rock and Rollin kuningas".
Prokofjev Sergei Sergeevich(1891–1953) - Venäläinen innovatiivinen säveltäjä, yksi 1900-luvun suurimmista säveltäjistä.
Puccini Giacomo (1858-1924) - Italialainen säveltäjä, joka yhdisti oopperoissaan lyyriikan sankaruuteen ja tragediaan (Tosca, La Bohème jne.).
Ravel Maurice(1875–1937) - ranskalainen säveltäjä ja esiintyvä pianisti. Useimmat kuuluisa teos- "Bolero".
Rahmaninov Sergei Vasilievich(1873–1943) - venäläinen säveltäjä, pianisti ja kapellimestari. Hän soitti pianoa neljävuotiaasta lähtien. Oopperat, romanssit, konsertit jne. yhdistävät musiikissa myrskyisiä, intohimoisia impulsseja ja runollista mietiskelyä. Yksi niistä parhaita pianisteja musiikin historiassa.
Rimski-Korsakov Nikolai Andreevich(1844–1908) - venäläinen säveltäjä, opettaja, kapellimestari, julkisuuden henkilö, musiikkikriitikko; Mighty Handful -ryhmän jäsen, 15 oopperan, 3 sinfonian, sinfonisia teoksia, instrumentaalikonsertteja, kantaatteja, kamarimusiikkia, laulua ja pyhää musiikkia.
Richter Svjatoslav Teofilovich(1915–1997) - Neuvostoliiton pianisti, erinomainen esiintyjä.
Rossini Gioacchino(1792–1868) - italialainen säveltäjä. Hänen työnsä huippu oli ooppera "Sevillan parturi". Hän loi myös lukuisia laulu- ja pianominiatyyrejä.
Rostropovich Mstislav Leopoldovich(1927–2007) - erinomainen sellisti, kapellimestari ja julkisuuden henkilö.
Rota Nino(1911–1979) - italialainen säveltäjä, musiikin kirjoittaja useisiin Federico Fellinin elokuviin sekä Francis Ford Coppolan elokuvaan "Kummisetä".
Sviridov Georgi (Juri) Vasilievich(1915–1998) - venäläinen neuvostosäveltäjä ja pianisti. Musiikin tekijä A. S. Pushkinin, S. A. Yeseninin ja muiden teoksiin sekä pyhä musiikki.
Saint-Saens Charles Camille(1835–1921) - ranskalainen säveltäjä, pianisti, kapellimestari, musiikkikriitikko ja julkisuuden henkilö. Lukuisten eri musiikkigenrejen teosten kirjoittaja, joista tunnetuimmat ovat ooppera "Samson ja Delilah", 3. sinfonia (urkuilla), sinfoninen runo "Kuolematanssi", 3. konsertti ja "Johdatus ja Rondo Capriccioso" (1863) viululle ja orkesterille.
Sibelius Jan(1865–1957) - suomalainen säveltäjä, kansallisromanttisen tyylin perustaja. Hän käytti työssään suomalaisen kansanperinteen rytmiä ja harmonisia piirteitä.
Sinatra Francis Albert(1915–1998) - yhdysvaltalainen laulaja, yksi amerikkalaisen popmusiikin historian suosituimmista.
Skryabin Aleksander Nikolajevitš(1872–1915) - venäläinen säveltäjä ja pianisti. Skrjabinin mystinen filosofia heijastui hänen filosofiansa musiikillinen kieli, erityisesti innovatiivisissa harmonioissa, jotka ylittävät paljon perinteisen tonaalisuuden rajat. Hänen sinfonisen "Tulen runon" ("Prometheus") partituuri sisältää kevyen kosketinsoittimen: eriväristen valonheittimien säteiden tulee muuttua näytöllä synkronisesti teemojen, koskettimien ja sointujen muutosten kanssa.
Smetana Bedřich(1824–1884) - Tšekkiläinen säveltäjä, kapellimestari, pianisti, oopperoiden "Vaihdattu morsian", "Libushe" (perustuu Zelenogorskin käsikirjoitukseen ja aitoon tšekkiläiseen legendaan), sinfonisten runojen syklin "My Country" (toinen) kirjoittaja yksi on erityisen kuuluisa - "Vltava").
Spivakov Vladimir Teodorovich(s. 1944) - venäläinen viulisti, kapellimestari. Vuodesta 1979 hän on toiminut Moskovan Virtuosi-orkesterin johtajana, joka sai nopeasti yleisön tunnustusta ja rakkautta. Monien kansainvälisten kilpailujen voittaja.
Stravinski Igor Fedorovich(1882–1971) - venäläinen ja myöhemmin amerikkalainen säveltäjä ja kapellimestari. S. P. Diaghilev esitteli menestyksekkäästi Stravinskyn baletteja (The Rite of Spring jne.) Venäjän vuodenaikoina Pariisissa. Hän kääntyi muinaisten ja raamatullisten aiheiden puoleen.
Utesov Leonid Osipovich(1895–1982) - venäläinen ja neuvostoliittolainen poptaiteilija, laulaja ja elokuvanäyttelijä, Kansan taiteilija Neuvostoliitto. Yksi Neuvostoliiton jazzin ja venäläisen chansonin perustajista.
Fitzgerald Ella Jane(1917–1996) - amerikkalainen jazz-laulaja, joka on tunnustettu yhdeksi jazzhistorian suurimmista vokalisteista.
Khachaturyan Aram Ilyich(1903–1978) - armenialainen säveltäjä, kapellimestari, opettaja. Hänen työssään yhdistettiin ainutlaatuisesti maailman ja kansallisen musiikkitaiteen perinteet (baletit "Gayane", "Spartacus" jne.).
Tšaikovski Pjotr Iljitš(1840–1893) - Venäläinen säveltäjä, yksi parhaista melodisteista, kapellimestari, opettaja, musiikillinen ja julkisuuden henkilö.
Shalyapin Fedor Ivanovich(1873–1938) - suuri venäläinen oopperalaulaja, basso, yksi kuuluisimmista laulajista maailmassa.
Schnittke Alfred Garrievich(1934–1998) - venäläinen säveltäjä, pianisti, musiikin teoreetikko ja opettaja (venäläisiä ja Neuvostoliiton säveltäjiä käsittelevien artikkelien kirjoittaja), yksi merkittävimmistä musiikillisia hahmoja XX vuosisadan lopulla
Chopin Frederic(1810–1849) - puolalainen säveltäjä (etüüdit, nokturnit, valssit, poloneesit, pianokonsertot jne.), virtuoosipianisti. Lukuisten pianoteosten kirjoittaja.
Šostakovitš Dmitri Dmitrievich(1906–1975) - venäläinen neuvostosäveltäjä, pianisti, opettaja ja julkisuuden henkilö, yksi 1900-luvun merkittävimmistä säveltäjistä, joka on vaikuttanut ja tarjoaa edelleen luova vaikutus säveltäjiin.
Strauss Johann(1825–1899) - itävaltalainen säveltäjä, wieniläisen valssin ja wieniläisen operetin "Valssikuningas" suurin mestari. Hän loi valtavan määrän teoksia: 168 valssia, 117 polkkaa, 73 kvadrillia, 43 marssia, 31 mazurkaa, 16 operettia, koomista oopperaa ja balettia.
Strauss Richard(1864–1949) - saksalainen säveltäjä ja kapellimestari, monien sinfonisten runojen ja oopperoiden kirjoittaja.
Schubert Franz(1797–1828) - itävaltalainen säveltäjä. Valsseja, fantasioita, improvisaatioita, sinfoniaa jne. Luonut yli 600 kappaletta. Ensimmäinen tärkein edustaja musiikillinen romantiikka, yksi suurimmista melodisteista.
Schumann Robert(1810–1856) - saksalainen säveltäjä, romantikko. Hänen työnsä edisti korkeaa musiikkikulttuuria, kauneutta ja inhimillisten tunteiden voimaa (sinfoniat, oratorio "Paradise and Peri" jne.).
Kirjasta Petos Venäjällä kirjoittaja Romanov Sergei AleksandrovichMuusikot No, jos joku on koskaan oppinut soittamaan mitä tahansa instrumenttia, niin kaikki kortit ovat käsissä. Lahjoittajat eivät anna anteeksi aikuisen pyytävän muusikon hakkerointityötä. Mutta lapselle, joka soittaa väärää nuottia lapsen huuliharppussa, trumpetissa tai kitarassa, maksetaan
Kirjasta Muse and Grace. Aforismit kirjoittaja Dušenko Konstantin VasilievichMUUSIKOT Muusikot haluavat meidän olevan tyhmiä juuri silloin, kun haluamme olla kuuroja Oscar Wilde (1854–1900), englantilainen kirjailija* * *Kysyt kuinka tämä virtuoosi soitti? Hänen näytelmässään oli jotain inhimillistä: hän oli väärässä Stanisław Jerzy Lec (1909–1966), puolalainen runoilija ja
Kirjasta Big Neuvostoliiton tietosanakirja(BA) tekijän TSBBach (saksalaiset muusikot, J. S. Bachin pojat) Bach (Bach), saksalaiset muusikot, J. S. Bachin pojat. Wilhelm Friedemann B. (22.11.1710, Weimar, - 1.7.1784, Berliini), säveltäjä ja urkuri. J. S. Bachin vanhin poika. Kaikista pojista luonteeltaan lähimpänä häntä
Kirjasta Famous Killers, kuuluisia uhreja kirjailija Mazurin OlegOleg Mazurin KUULUUTA TAPAAJAA, KUULUTTA UHRIA Kaksi tappajaa pyörii sisäänkäynnin ympärillä odottaen asiakasta. Yksi heistä on näkyvästi huolissaan. Toinen, katsoessaan, kuinka hermostunut hänen kumppaninsa on, kysyy häneltä virnistettynä: "Mitä sinä olet, veli, oletko huolissasi?" - Kyllä, asiakkaalla kesti kauan
Kirjasta Uusin kirja tosiasiat. Osa 2 [Mytologia. Uskonto] kirjoittaja Kondrashov Anatoli Pavlovich Kirjasta Crossword Guide kirjoittaja Kolosova SvetlanaSuuret klassiset muusikot ja säveltäjät 3 Ars, Nikolai Andreevich - 1800-luvun lopun - 1900-luvun alun venäläinen säveltäjä, Johann Sebastian - 1700-luvun saksalainen säveltäjä 4 Bizet, Georges - ranska säveltäjä XIX luvulla, pianisti Liszt, Ferenc - 1800-luvun unkarilainen säveltäjä.
Kirjasta Ensyklopedinen sanakirja siivekkäitä sanoja ja ilmaisuja kirjoittaja Serov Vadim VasilievichSuosittu ulkomaisia muusikoita ja 1900-luvun esiintyjät 2 Rea, Chris - irlantilainen laulaja, Dio, Ronnie James - englantilainen laulaja, Moore. säveltäjä,
Kirjasta 100 Great Secrets of the Third Reich kirjoittaja Vedeneev Vasily VladimirovichSuositut venäläiset 1900-luvun muusikot ja esiintyjät 3 Mon, AlisaTsoi, Victor5 Apina, AlenaVarum, AnzhelikaGubin, AndreyLindaMetov, KaySerov, AlexanderChaika, VictorShturm, Natalya6 Agutin, LeonidGlyzin, AlexeyDolina, KonstantinosKinchev, I, LarisaKobzontiv, I
Kirjasta Milloin voit taputtaa? Opas klassisen musiikin ystäville kirjoittanut Hope DanielJa te, ystävät, istutpa kuinka tahansa, / Edelleenkään et kelpaa muusikoksi I. A. Krylovin (1769-1844) sadusta. että tämä satu on kirjoitettu satiiriseksi vastaukseksi valtioneuvoston uudistukseen, joka jaettiin keisari Aleksanteri I:n tahdolla vuonna 1810.
Kirjasta 100 Great Mystical Secrets kirjoittaja Bernatski AnatoliEi väliä kuinka istutte, / et silti kelpaa muusikoksi Ja te, ystävät, vaikka kuinka istutte / et silti kelpaa muusikoksi
Kirjasta Maat ja kansat. Kysymyksiä ja vastauksia kirjailija Kukanova Yu."Bremenin muusikot" 1900-luvun 30-luvun puolivälissä, kun kuuluisa "hiljainen eversti" Walter Nicolai otti kolmannen valtakunnan sotilastiedustelun johtajan tuolin, hän alkoi ahkerasti seurustella japanilaisia yrittäen takoa. vahva "Berliini-Tokio" -akseli. Tämä akseli
Kirjasta Disasters of the Body [Tähtien vaikutus, kallon muodonmuutos, jättiläiset, kääpiöt, lihavia miehiä, karvaisia miehiä, kummajaisia...] kirjoittaja Kudryashov Viktor JevgenievitšNAISMUUSIKOT Naisten näkökulmasta pahin tilanne on Wienin filharmonikoissa, joka vuoteen 1997 asti oli vain miesyhtye, mutta lopulta raskain sydämin alistettu yleiseen mielipiteeseen. Siitä lähtien naiset ovat olleet siellä, mutta silti
Kirjasta I Explore the World. Hyönteiset kirjailija Lyakhov Peter Kirjailijan kirjastaMissä maassa Bremenin muusikot asuivat? Saksa maana ilmestyi maailmankartalle vasta 1800-luvun puolivälistä lähtien. Siihen asti sen alueella oli useita pieniä ruhtinaskuntia, joiden joukossa oli "vapaita kaupunkeja". Siitä lähtien Baijeri on pysynyt maan kartalla,
Kirjailijan kirjastaKädettömät muusikot Kuuluisten kädettömien taiteilijoiden joukossa oli niitä, jotka eivät olleet yhtä kuuluisia muusikkoina. Heidän joukossaan on Jean de Ono Brysselistä, joka oli taitava mandoliinisoittaja ja hallitsi erinomaisesti sivellintä pitäen sitä varpaissa: Ja Gottfried Dietze, hyvä
Kirjailijan kirjastaVäsymättömät muusikot – heinäsirkat Kenelle heinäsirkat ei ole tuttu! Niitä löytyy kaikkialta: metsästä, pellolta tai niityltä. Heidät tunnetaan väsymättöminä muusikkoina, jotka elävöittävät luontoa koko kesän iloisella sirkuttelullaan, ja myös loistavina hyppääjinä. Heinäsirkat pystyvät hyppäämään
"Varmin ja korkein keino
palvelu suurille säveltäjille
koostuu niiden saamisesta valmiiksi
taiteilijan vilpittömyys"
(Alfred Cortot).
Tietyllä nuottijärjestelmällä tallennetun musiikkiteoksen ilmestymisestä lähtien musiikin pääkantajien - säveltäjien ja esittäjien - väliset luovat suhteet ovat olleet jatkuvassa muokkauksessa. Tässä yhteisössä taistelee kaksi suuntausta - halu sulautua itseilmaisun haluun. 1800-luvun puolivälistä lähtien venäläisestä pianismista on tullut yksi maailman edistyksellisimmistä esittävän taiteen ryhmistä. Venäjällä aikaisemmin kuin missään muualla he ymmärsivät tarpeen tutkia huolellisesti kirjoittajan tekstiä yhdessä luovan asenteen kanssa. 1900-luvun neljä ensimmäistä vuosikymmentä ovat tekijän tekstiin kohdistuvan kysymyksen harmonisimman ratkaisun aikaa; pianistit alkoivat ymmärtää paljon syvällisemmin teoksen olemusta ja sen tekijän tyyliä. Neuvostoliiton muusikot antoivat arvokkaan panoksen maailmaan esittämällä Bahiania. M.V. Yudina palvoi Bachia koko elämänsä ajan luova elämä. Tästä todistaa pianistin soittamien teosten määrä (noin kahdeksankymmentä), mikä on lähes ainutlaatuinen hänen sukupolvensa taiteilijoille. Bachin ohjelmistossa hän hylkäsi monia ilmeikkäitä romanttisia keinoja, mukaan lukien erityisesti pianovälineet; sille oli ominaista romantiikan tulkintaan verrattuna historiallisempi Bachin lukeminen. Yudina oli yksi ensimmäisistä, jotka ymmärsivät, että Bachin teos ja moderni piano kuuluivat eri aikakausilta elävänä taiteellisena todellisuutena, joka kohtaa tulkin vaikeuksien kanssa. Yudinan tyylin innovatiivisia piirteitä voidaan arvioida kromaattisen fantasia ja fuuga, jotka erottuvat lineaarisista figuraatioista, askeettisesta värityksestä ja energisestä cembalomaisesta artikulaatiosta. Huomionarvoisia ovat "rekisteröinti" vanhassa kosketinsoittimessa, jossa on urkuja, sekä hidas, "suvereeni" tempo ja tiukka agogiikka. Pianistin tyylihalu ei koskaan muuttunut museomaiseksi "kuivaksi" esitykseksi. Yudinan tulkinnoissa Bachin teoksiin alkoi palata kyky ilmaista pitkäkestoista uppoamista yhteen tunnetilaan, joka oli kadonnut romanttisiin lukemiin: kosketin-urkurekisteröinnin periaatteiden elpyminen; diminuendon katoaminen viimeisistä tahdista; hylkääminen perinteestä lisätä asteittain äänenvoimakkuutta fuugoissa niiden alusta loppuun, impulsiivisen rubaton puuttuminen. On syytä huomata vielä yksi "klaverimpi" piirre Yudinan esiintymispäätöksissä - artikuloinnin lisääntynyt merkitys.
Neuvostoliiton muusikoista Svjatoslav Teofilovich Richterista tuli pianismin historian jälkiromanttisen vaiheen klassikko, taiteilija, jonka työssä keskityttiin uuden esiintymisajan johtaviin suuntauksiin. Hän loi tulkintoja, joita ilman Bachin musiikin esityshistoriaa ei voida ajatella. Richter irrotti päättäväisesti tämän säveltäjän teoksen romantisoivan tulkinnan taipumukset ja ylitti ohjelmistaan transkriptioita. HTC:n preludeissa ja fuugoissa, jotka ovat Richterin Bachin diskografiassa pääsijalla, hän asettaa romanttisen vapauden ja tulkintojen subjektiivisuuden vastakkain maksimaalisen objektiivisuuden halun kanssa ja ikään kuin "menee varjoon" haluten päästää " itse musiikki” -ääni. Nämä tulkinnat ovat täynnä huolellista, siveellistä asennetta kirjoittajaa kohtaan. Itseabsorptio hallitsee täällä täysin tunteiden ulkoisia ilmentymiä; emotionaalinen intensiteetti on havaittavissa vain valtavassa älyllisessä jännityksessä. Hänen ainutlaatuinen taitonsa heijastuu hänen näkymättömyytensä, hänen pianististen keinojensa lakonisuudessa ja askeettisuudessa. Kuulemme Richterissä urku-, laulu-, orkesteri-, orkesteri-kuoro- ja cembalosoundin sekä kellosoundin mahdollisuutta. ”Olen vakuuttunut siitä, että Bachia voidaan soittaa hyvin eri tavoilla, eri artikulaatioilla ja eri dynamiikalla. Niin kauan kuin kokonaisuus säilyy, kunhan tyylin tiukat ääriviivat eivät vääristy, kunhan toteutus on riittävän vakuuttava” (S.T. Richter).
Richterille on ominaista syvä ja kattava, todella taiteellinen lähestymistapa HTC-sykliin. Richterin esitystä kuunnellessa ei ole vaikea havaita hänessä kahta pääsuuntausta, jotka toisinaan taistelevat keskenään. Toisaalta hänen esityksensä näyttää olevan Bachin aikakauden klaveritaiteen erityispiirteiden asettamien rajojen sisällä. Toisaalta se käsittelee aina ilmiöitä, jotka ylittävät nämä rajat. "Siinä ikään kuin Bachin cembalo-, klavikordi- ja urkusympatiat sekä hänen loistavat tulevaisuudennäkemyksensä "juotetaan" yhteen" (Ya. Milshtein). Se yhdistää ilmeikkäät, rakentavat ja lineaariset elementit yhdeksi kokonaisuudeksi. Siksi Richter nostaa muissa preludeissa ja fuugoissa esiin älyllisen, konstruktiivis-polyfonisen periaatteen ja yhdistää niiden figuratiivisen rakenteen siihen; toisissa se korostaa Bachin musiikin filosofista syvyyttä ja siihen liittyvää kaikkien ilmaisuvälineiden orgaanista tasapainoa. Joskus häntä vetää puoleensa sujuvasti virtaavien melodisten linjojen ilmaisu (koherentti legato-artikulaatio), toisinaan päinvastoin rytmin terävyys ja selkeys, artikuloinnin hajoaminen. Välillä hän pyrkii romanttiseen pehmeyteen ja leikin plastisuuteen, välillä jyrkästi korostettuihin dynaamisiin kontrasteihin. Mutta hänelle ei tietenkään ole ominaista "herkät" lauseiden pyöristykset, pienet dynaamiset vivahteet tai perusteettomat poikkeamat päätemposta. Se on myös äärimmäisen vieras Bachin erittäin ekspressiivinen, impulsiivinen tulkinta, epäsymmetriset aksentit, yksittäisten sävelten ja motiivien terävä korostus, äkillinen "spasmodinen" tempon kiihtyvyys jne. Hänen HTC:n toteutus on vakaata, suunnitelmaltaan laajaa, orgaanista ja saumatonta. "Hänen korkein onnensa on liueta valitsemansa säveltäjän tahtoon" (Ya. Milshtein).
Glen Gouldin maailman valloittaneiden merkittävien tulkintojen pääsymboli on hämmästyttävä intuitio, hänen sisällään asuvien musiikillisten tunteiden vastustamaton voima. Gouldin Bach on esittävän taiteen suurin huippu 1900-luvun jälkipuoliskolla. Gouldin pianismin cembalopaletti, hänen melismatiikkansa ja paljon muuta todistavat älykkyydestä ja syvimmästä tunkeutumisesta Bachin ajan kulttuuriin. Gouldin tulkinnat Bachin keksinnöistä, partioista, Goldberg-muunnelmista ja muista Bachin teoksista muodostuivat taiteelliseksi aarreeksi, jota aikalaisemme pitivät esittävän taiteen mestariteoksina, tyylistandardina, joka on puhdistettu kaikista kertyneestä kerroksesta. Mestarin luova dominantti ei kuitenkaan koskaan ollut Bachin jäljitelmä. Hän tottelee intuitiota, mutta ei epäröi muuttaa Bachin "valkoisen" tekstin suoraa dataa. Gould esittää Bachin teoksia vaihtelevalla taiteellisella vakaumuksella. Kaikkia HTC:n I osan fuugaja ei esitetä Gouldin tavallisella taiteellisella tasolla. Mestarin pelissä esiintyy usein suoria poikkeamia tekstistä, sen rytmisistä ja sävelkorkeuksista.
Gouldin soitto hämmästyttää alkuperäisellä ja erittäin ilmeikkäällä melismaattisella laadullaan. Niiden sijainti on myös alkuperäinen - monia lisättiin, toisia ei teloitettu. Ilman niitä taiteilijan Bach-tulkinnat olisivat menettäneet paljon. Taiteilija turvautuu usein tekstin rytmiin muunnelmiin. Mutta jos yllä mainitut mestarin soiton piirteet eivät tuota kauaskantoisia muutoksia teosten luonteeseen ja merkitykseen, niin Gouldin muut muunnokset tunkeutuvat teosten olemukseen. Kanadalaisen mestarin tulkinnat kattavat rikkaan kuviollisen kirjon. Hän soittaa monia asioita syvällä lyyrisyydellä, Bachille epätavallisella rytmisellä vapaudella ja lyhyellä fraseerauksella. Hänen soittonsa hämmästyttää hänen äänensä täydellisyydellä ja korostuksella. Koko musiikin kudos on selkeä "yhdellä silmäyksellä". Musiikki näyttää rikastuvan kaikkien äänien ilmeikkäällä intonaatiolla.
Pelin mestarin linjamaalaus on erittäin kehittynyt, monipuolinen ja hienostunut. Hänen kosketuksensa antavat Bachin melodioiden motiivirakenteelle monipuolisimman ilmeen. Epätavallinen tekniikka, jossa identtisten melodioiden lyöntejä vaihtelevat, mukaan lukien fuugan, keksintöjen ja muiden teosten teemat, on erityisen kiinnostava ja avaa uusia esitysongelmia. Opiskelu orkesteriteoksia Bach, jossa on tietty määrä tekijän liigoja - vetoja, osoittaa tällaisen esimerkin mahdollisuuden. Itse loistava säveltäjä vaihtelevia aivohalvauksia, eikä niin harvoin. Kanadalainen vapaa-ajattelija loi aikamme houkuttelevimman Bachin. Hän on erilainen Bach: ei se, joka oli hänen elinaikanaan, eikä se, joka vaihtuessaan ilmestyi eri sukupolville, vaan hän näyttää Gouldin aikalaisten silmissä aidoimmalta Bachilta.
Instrumentaalimusiikin alalla J. S. Bachin työ avasi kokonaan uuden aikakauden, jonka hedelmällinen vaikutus ulottuu tähän päivään ja ei koskaan kuivu. Uskonnollisen tekstin luustuneen dogman estämättä musiikki suuntautuu laajasti tulevaisuuteen ja on suoraan lähellä todellista elämää. Se liittyy läheisesti maallisen taiteen ja musiikinteon perinteisiin ja tekniikoihin.
Bachin instrumentaalimusiikin äänimaailmaa leimaa sen ainutlaatuinen omaperäisyys. Bachin teokset ovat juurtuneet lujasti tietoisuuteen ja niistä on tullut olennainen esteettinen tarve, vaikka niitä soitetaankin muilla soittimilla kuin sen ajan.
Instrumentaalimusiikki, erityisesti Köthen, palveli Bachia "kokeilukentänä" hänen kokonaisvaltaisen sävellystekniikansa parantamiseksi ja hiomiseksi. Näillä teoksilla on pysyvä taiteellinen arvo, ne ovat välttämätön linkki Bachin yleisessä luovassa kehityksessä. Klavierista tuli Bachin arkipäiväinen perusta musiikilliselle kokeilulle rakenteen, harmonian ja muodonmuodostuksen alalla ja se yhdisti Bachin teoksen eri genre-aloja laajemminkin toisiinsa. Bach laajensi klavierin figuratiivista ja ekspressiivistä aluetta ja kehitti sille paljon laajemman, synteettisen tyylin, joka sisälsi ilmaisukeinoja, tekniikoita ja tematiikkaa, jotka opittiin urku-, orkesteri- ja laulukirjallisuudesta - saksasta, italiasta, ranskasta. Kaikesta figuratiivisen sisällön monipuolisuudesta, erilaista esitystapaa vaativasta sisällöstä huolimatta, Bachin clavier-tyyli erottuu yhteisistä piirteistä: energisyys ja majesteettisuus, sisältö ja tasapainoinen tunnerakenne, rikkaus ja tekstuurin monimuotoisuus. Näppäimistömelodian ääriviivat ovat ilmeikkäästi melodisia ja vaativat kantautuvaa soittotyyliä. Tämä periaate liittyy suurelta osin Bachin sormitukseen ja käsien sijoitteluun. Yksi tyylin tunnusomaisista piirteistä on esityksen rikkaus harmonisten figuraatioiden kanssa. Tällä tekniikalla säveltäjä pyrki "nostamaan äänen pinnalle" niiden suurenmoisten harmonioiden syvät kerrokset, jotka silloisen klavierin sulavassa tekstuurissa eivät kyenneet täysin paljastamaan niihin sisältyviä väri- ja ilmaisuaarteita.
Bachin teokset eivät vain hämmästytä ja vastustamattomasti valloittavat: niiden vaikutus voimistuu mitä useammin niitä kuulemme, mitä enemmän niihin tutustumme. Valtavan idearikkauden ansiosta löydämme niistä aina jotain uutta, joka herättää ihailua. Bach yhdisti komean ja ylevän tyylin hienoimpaan viimeistelyyn, äärimmäiseen huolellisuuteen sävellyksen kokonaisuuden yksityiskohtien valinnassa, sillä hän oli vakuuttunut siitä, että "kokonaisuus ei voi olla täydellinen, ellei tämän kokonaisuuden yksityiskohdat ole "sovitettu" tarpeeksi tarkasti toisiinsa. ” (I. Forkel).